Nowy sezon w Gogol Center otworzyła premiera pod patronatem festiwalu Chereshnevy Les. W ślad za Niekrasowem reżyser Kirył Sieriebriennikow zadał sobie pytanie: „Kto ma się dobrze na Rusi?”. Odpowiedzi szukałem razem z aktorami. Na początek udali się na wspólną wyprawę do miejsc życia autora i bohaterów wiersza. Pierwszym przystankiem była Karabikha - posiadłość Niekrasowa.
Niekrasow pisał, że zebrał wiersz „Komu dobrze jest żyć na Rusi” „słowem”. Kirył Sieriebriennikow zaczął przygotowywać spektakl oparty na tym wierszu z podróży z trupą Centrum Gogola po Rosji.
Reżyser zabrał młodych artystów, żeby zobaczyli, jak działa kraj i zakochali się - co ważne! - tak po prostu. Mówi, że w wygodnej stolicy nie można tego zrozumieć! Grają tu nie o chłopów. Tekst Niekrasowa trafił w usta dzisiejszych bohaterów - ludzi, którzy pozostawili na podróżnikach sprzeczne wrażenie. Właściwie jak autor oryginalnego źródła.
„Ta „cecha”, ten zakres – „jesteś biedny, jesteś bogaty, jesteś biedny, jesteś bogaty, jesteś okropny, jesteś piękny” – zakres uczuć, pasji, cech ludzkich – to jest bardzo ważne własnością Rosji, a to jest ważne dla zrozumienia Niekrasowa – jest przekonany reżyser Kirył Sieriebriennikow.
Podobnie jak Niekrasow, przedstawienie składało się z różnych części, osobnych rozdziałów. Zasada kolażu znalazła odzwierciedlenie w gatunku. Tutaj i performance, i dramat, i rock opera. Druga część spektaklu nosi tytuł „Pijana noc”. Ona zaniemówiła. Zbudowany wyłącznie na choreografii.
„Opuściliśmy historię „pijaków”, opuściliśmy historię wódki, opuściliśmy historię grzesznego człowieka w watowanej kurtce – trafiliśmy do innej rzeczywistości tego człowieka latającego nad światem, który pragnie szczęścia !”, wyjaśnia reżyser-choreograf Anton Adasinsky.
Zbiorowy wizerunek „Rosjanki” spoczywał na barkach zaproszonej specjalnie do tego spektaklu Jewgieni Dobrowolskiej. Nie pierwszy raz Sieriebriennikow pogrąża się w eksperymentach z klasyką. Aktorka nie pojechała na wyprawę.
„Nie muszę podróżować po Rusi”. Dobrze to wszystko znam. Niekrasow to taki poeta, pisał o Rosji, że chłopaki po prostu poszli i obejrzeli, i okazał się wspaniałym dokumentem. Ale to wszystko jest nieświadome i wciąż we krwi ”- mówi Evgenia Dobrovolskaya, Artysta Ludowy Rosji.
Zarówno wiersz, napisany po zniesieniu pańszczyzny, jak i ten spektakl opowiadają o wolności i niewolnictwie. O wyborze, jakiego dokonuje Rosjanin. Oraz o „rosyjskim świecie”, którego granice i istotę próbują odnaleźć twórcy spektaklu. A na sakramentalne pytanie „Kto żyje szczęśliwie, swobodnie na Rusi” – podobnie jak Nikołaj Niekrasow, nie odpowiadają.
Dobry w Gogol Center dla publiczności, inteligentnych ludzi i po prostu sympatyków. Każdy obywatel, któremu nie jest obojętna kultura, może odwiedzić tę teatralną przestrzeń na żywo. Bilet na spektakl potrzebny jest tylko do wejścia do sali teatralnej, która zawsze jest pełna. W centrum, stworzonym przez utalentowanego Kirilla Serebrennikova, każdego dnia możesz:
Usiądź ze smakiem w kawiarni, z zainteresowaniem posłuchaj wykładów (przed każdym spektaklem opowiadają o epoce, dramatopisarzu, tworzą niezbędny nastrój),
Wędruj z ciekawością i rób zdjęcia pomiędzy instalacjami,
Z ciekawością uzyskaj dostęp do teatralnej biblioteki mediów (wystarczy tylko paszport).
A jednak w ośrodku znajduje się „Gogol-kino” z fabułą i pokazami wybranych premier oraz „Gogol+” – gdzie można porozmawiać „na żywo” z aktorami, dramatopisarzami i reżyserami.
W ogóle nie trzeba tu kusić publiczności, jest w Centrum Gogola - wyjątkowym, czymś podobnym do tego, który w stagnacji lat siedemdziesiątych był wierny Teatrowi Taganka nie tylko ze względu na niezaprzeczalny talent, ale i rewolucyjny charakter, odmienność, upór.
Spektakl „KTO BĘDZIE DOBRZE ŻYŁ NA Rusi” jest epicki pod względem siły koncepcji, tekstu, ducha i wykonania. Trwa cztery godziny z dwiema przerwami.
Trzy części, trzy akty – „Spór”, „Pijana noc”, „Uczta dla całego świata” – są tak różne, jakby wieczorem pokazywano ci trzy spektakle zamiast jednego. Wystarczy dostroić się do percepcji złożonej, wielowymiarowej akcji. I zrozumiałe, dlaczego słynne opery zaprosiły Kirilla Serebrennikova. Druga część „Pijanej nocy” to czysta opera, wykonana w nowoczesny, mistrzowski, ekscytujący, złożony sposób. Chciałbym zwrócić uwagę na najwyższy poziom wokali aktorek Centrum Gogola - Rity Kron, Marii Seleznevej, Iriny Braginy, Ekateriny Stebliny i innych.
Pełna, wielowymiarowa opowieść fascynuje, urzeka, czas płynie niemal niezauważony. Co prawda kilka osób opuściło teatr podczas pierwszej przerwy, ale nie wpłynęło to na jakość i ilość widowni.
Nie uważam się za fana twórczości Kirilla Serebrennikova, chociaż całym sercem martwię się o jego przyszłe losy – zarówno jako osoby, jak i wolnego twórcy. Ale w tym spektaklu, który już trzeci rok gości na scenie Centrum Gogola, będąc niezwykłym wydarzeniem kulturalnym, zaakceptowałem wszystko. Byłem zachwycony pracą zgranego, przyjaznego profesjonalnego zespołu teatralnego. Rozwiązanie plastyczne (Anton Adasinsky), wokal i aranżacja muzyczna (kompozytorzy Ilya Demutsky i Denis Khorov), ekspresyjne kostiumy (Polina Grechko, Kirill Serebrennikov). Ale najważniejszy jest oczywiście pomysł reżysera. Wszyscy przeszliśmy kiedyś w szkole Niekrasowa bez przyjemności, krótko, wierząc, że ten wiersz dotyczy odległych i obcych czasów, a nie o nas. Ale nadszedł czas, kiedy to wpłynęło na wszystkich i nadal będzie miało wpływ na wszystkich. Na pytanie, „kto żyje szczęśliwie i swobodnie na Rusi”, nasuwają się dziś tak rozczarowujące odpowiedzi, że nawet optymistom wychodzą oczy.
Tekst Niekrasowa, przetłumaczony dzisiaj przez Kirilla Serebrennikova, jest oszałamiający. Kultowy rurociąg, który reżyser-scenograf poprowadzi po całym kraju scenicznym, chwyta całą zubożałą populację (kobiety w bawełnianych szatach i mężczyzn w alkoholowych koszulkach). Wszystkie siły, środki i lata - ta fajka. Resztę czasu wypełniają stare telewizory i wódka z bójką. W głębi za rurą widać ścianę z drutem kolczastym na górze... gdzie iść? - zastanawia się artysta proroczo. A siedmiu chłopów rusza w drogę, udręczeni pytaniami, których nie potrafią wyrazić, decydując się zapytać lud: „Kto żyje szczęśliwie, swobodnie na Rusi?”
Jak chodzą po swojej ojczyźnie, jak trudzą się - po drodze trzeba zobaczyć, nie zapominając o przeczytaniu i ponownym przeczytaniu napisów na licznych koszulkach, słuchając sercem i myśląc ... myśl ... .
I jak piosenkarka ludowa w stylu Zykina-Voronets - piękna Rita Kron - odwraca uwagę od pytań i zachwyca ucho.
Wielokolorowy spektakl jest jak Rosja, miejscami przerażający, niegrzeczny, brzydki, ale piękny, miły, ogromny ...
W produkcji jest wiele niespodzianek. Na przykład w trzeciej części spektaklu zmęczeni widzowie, „mużycy” Niekrasowa, wędrujący po sali, dopingują stosem, podają wódkę z wiadra tym, którzy odpowiadają na pytanie, dlaczego jest szczęśliwy. Prymitywne odpowiedzi typu: „Jestem szczęśliwy, bo bardzo podoba mi się przedstawienie…” nie są w żaden sposób zachęcane.
Centralną postacią finału jest monolog „szczęśliwej” kobiety. Matryona (Evgenia Dobrovolskaya) opowiada o swoim rosyjskim kobiecym losie w taki sposób, że cała męska populacja upadnie. Pokora w odpowiedzi na upokorzenia jest jedyną rzeczą, która trzyma Ruś od wieków, błąkającą się przez powstania i rewolucje, stagnację i pierestrojkę, feudalizm, socjalizm, kapitalizm…
Co cię czeka, czego chcesz, Ruś?
Nie daje odpowiedzi...
Zdjęcie autorstwa Iry Polyarnaya
GogolCentre, spektakl „Kto dobrze żyje na Rusi”, reżyseria Kirill Serebrennikov
Ludowa tragedia i odwieczna tajemnica rosyjskiej duszy – w epickim przedstawieniu Kirilla Serebrennikova. Każdy zakochany w gatunku „satyry politycznej” musi obejrzeć.
„Kto jest dobry do życia na Rusi?”. Źródło: Ira Polyarnaya.
Spektakl oparty na długo przygotowywanym wierszu Niekrasowa „Centrum Gogola” udał się na wyprawę wraz z Teatrem Jarosławskim. F. Volkov, zapowiedział wspólną premierę - na maj. W rezultacie pierwsze pokazy odbyły się dopiero we wrześniu i bez udziału kolegów z Jarosławia. Sukces, mimo medialnej kampanii przeciwko Sieriebriennikowowi i jego teatrowi, był ogłuszający. Publiczność aranżuje owację na stojąco za złożoną, wielogatunkową akcję. I wyraźnie nie będzie robił wyrzutów reżyserowi i jego zespołowi za antypatriotyczne postawy.
Na scenie - trzeźwe i złe spojrzenie na rosyjską rzeczywistość, takie samo od stulecia do wieku. Nie ma w niej nienawiści. Jest gorzki śmiech i zdrowy upór – „nie wybiera się ojczyzny”. W tym, który dostał - żyć, pracować i umrzeć. Demonstrowany przez ponad cztery godziny obraz „życia na Rusi” jest jak jeden wielki popowy numer. Przerażający KVN.
W pierwszej części (nazywa się „Spór”) przed publicznością odbywa się talk show, imponujący facet ze stolicy podnosi mikrofon i po zmierzeniu publiczności z cynicznym spojrzeniem dowiaduje się, kto jeszcze żyje z nami dobrze. Publiczność to siedmiu chłopów, w dzisiejszej wersji hipster, intelektualista, alkoholik, wieczny bojownik o prawdę i inne rozpoznawalne postacie. Jeden ze strachem mówi – „do ministra”, drugi – szeptem – „ksiądz”, trzeci rozwija plakat z napisem „do króla”. Żadna z odpowiedzi Niekrasowa nie musi być specjalnie aktualizowana - wystarczy je odtworzyć ze sceny, aby główne przesłanie spektaklu - "nigdy nie wiedzieliśmy jak, nie wiemy jak i najwyraźniej nie będziemy w stanie żyć swobodnie” - stał się całkowicie przezroczysty.
„Kto jest dobry do życia na Rusi?”. Źródło: Ira Polyarnaya/Gogol Center
Mówi też scenografia. Przez całą scenę rozciągnięta jest rura gazowa (a może olejowa). Za sam jej brzeg przerzuca się dywan, w niektórych miejscach naciąga się drut kolczasty. Wieczny loch, więzienie, do którego już się przyzwyczaili.
Jedną z najbardziej uderzających scen spektaklu jest „o wzorowym chłopie pańszczyźnianym Jakubie wiernym”. Niewolnik nie mógł znieść zastraszania pana i powiesił się na jego oczach, aby się zemścić. Technika reżysera jest zniechęcająco prosta - Sieriebriennikow pokazuje zbliżenia: twarze aktorów sfilmowanych kamerą. Na jednym pisane jest jednocześnie upokorzenie i desperacki protest, z drugiej - zadowolona z siebie chamstwo i tchórzostwo.
Druga część ("Drunk Night") rozwiązana jest dość nieoczekiwanie - poprzez taniec. Choreografia Antona Adasinsky'ego bije w brzuch. Cała scena jest „zaśmiecona” nagimi ciałami „mużyków”, konwulsje, uparcie wstają i znów opadają, jakby zostali powaleni. Cały kolor żeńskiej połowy trupy w tym czasie aranżuje fantastyczny pokaz mody. W obszernych rosyjskich sukienkach haute couture krążą po scenie i śpiewają niesamowitą piosenkę „Nie ma śmierci”.
„Kto jest dobry do życia na Rusi?”.
Spektakl został wystawiony w ramach festiwalu Chereshnevy Les, podczas którego po raz pierwszy w historii Centrum Gogola przyszedłem na przedstawienie jako biały człowiek i zająłem miejsce w siódmym rzędzie pod własnym nazwiskiem (! - Nadal nie mogę w to uwierzyć) To prawda, od razu przeniósł się na 1. miejsce, ponieważ wciąż były wolne krzesła, choć w małych ilościach. Ekstremum wydarzyło się dla mnie inaczej – przez cały poprzedni tydzień chorowałam, jakoś wciąż poruszając nogami i starając się nie przegapić najważniejszych wydarzeń zaplanowanych z góry, w efekcie przez upragniony termin wizyty w Gogol Center, Zostawiłem się do tego stopnia, że bez przesady ledwo mogłem oddychać, a zupełnie oderwany od tego, co działo się na scenie, zacząłem krwawić w trzecim akcie – przyjemnie, oczywiście, za mało, ale cokolwiek by to powiedzieć , to wpływa na ogólny nastrój - całe następne po "Kto dobrze mieszka na Rusi" leżałem półżywy przez jeden dzień i do niczego nie dotarłem. Mimo to chciałem zobaczyć występ Sieriebriennikowa i warto było obejrzeć i cieszę się, że przyjechałem, a ponadto cieszę się, że nie było żadnych ekscesów, przyznam szczerze, że oczekiwałem, bo w obecnym stanie rozwiązania problemów natury organizacyjnej sił na pewno nie miałbym dość.
Inscenizację wiersza Niekrasowa przygotowywał przez długi czas Sieriebriennikow. Aktorzy zdążyli odbyć podróż „po Rusi”, nakręcić film dokumentalny na podstawie wyników „zanurzenia się w atmosferę rosyjskiego życia” (w niektórych miejscach był pokazywany, nie widziałem, ale chciałbym myśleć, że pomysł ten miał niewiele wspólnego z „zanurzeniem” w duchu Lwa Dodina i jeśli nie dla ogółu, to jego bezpośrednim uczestnikom procesu naprawdę coś dał). Mimo to „Rus” w spektaklu jest przedstawiony bardziej niż przewidywalnie i niewiele różni się od „Rus”, który można było zobaczyć na scenie „Centrum Gogola” w scenariuszach dostosowanych do lokalnych realiów przez Fassbindera, Trewira, Viscontiego, spektakle Wedekinda i Mayenburg, a także dramatyzacja Gonczarowa i - przede wszystkim jednoznacznie - Gogola. Podobno "Martwe dusze" stały się na pewnym etapie dla Sieriebriennikowa dziełem, które na długi czas określiło nie tylko styl z zestawem bardzo specyficznych standardowych technik, ale także światopogląd, ideologiczny "format" relacji reżysera z podręcznikowy materiał literacki. Od „klasyków” Sieriebriennikow odejmuje - a to nie wymaga poważnego wysiłku intelektualnego, po to są klasycy - ponadczasowe, archetypowe, fundamentalne wątki, obrazy, motywy - a następnie zbiera je w autorską kompozycję o warunkowo mistycznym sensie, gdzie postacie i wydarzenia tekstów z podręczników szkolnych okazują się nie tylko wiecznymi zjawiskami dla rosyjskiego życia, ale odzwierciedleniem bytów i procesów niecodziennych, pozahistorycznych, odciętych od ziemskiej egzystencji człowieka, wyniesionych jednocześnie w kosmos czas zabawny i mistyczny. Oto, co wydarzyło się w Zwykłej historii:
Podobnie jest w „Kto dobrze mieszka na Rusi” – w trzyczęściowej, trzyaktowej kompozycji spektaklu widać nawiązanie zarówno do „Boskiej Komedii” (którą zresztą Gogol kierował w swoim oryginalnym projekcie „Martwe dusze”) oraz do „Walking along torment”; W wędrówce „ludziom” Niekrasowa towarzyszą, oprócz gadających ptaków, anioły miłosierdzia zmaterializowane z poezji, demony wściekłości itp., i to w kontekście dalekim od nadanego im baśniowo-folklorystycznego kolorytu. w oryginalnym źródle. To prawda, gdzie kończy się „gra” i na ile Serebrennikow poważnie traktuje swój „mistycyzm”, jest kwestią otwartą i, nawiasem mówiąc, niezbyt zabawną.
Struktura wiersza Niekrasowa „Kto dobrze żyje na Rusi” pozostaje aktualnym problemem tekstowym, co najmniej dwadzieścia lat temu, kiedy studiowałem. Za życia autora publikowane były poszczególne rozdziały, w jakiej kolejności należy je teraz czytać – od lat 20. toczą się zażarte dyskusje filologiczne, wersja kanoniczna, o ile mi wiadomo, nie istnieje do dziś, a fakt, że wiersz w większości publikacji kończy się śpiewem poświęconym „uciskanej i wszechmocnej matce” (w szkole uczy się też w ten sposób uczniów) – delikatnie mówiąc, jest to dyskusyjne, gdyż chronologia wewnętrzna obejmuje rozkład materiał zgodnie z chłopskim kalendarzem pracy, odpowiednio od wiosny do jesieni, z rozdziałów, które udało się ukończyć Niekrasowowi, ostatni powinien podążać za „Chłopską kobietą”. Ale gdy tylko Sieriebriennikow umieszcza fabułę Niekrasowa w konwencjonalnie mistycznym kontekście, istniejącym poza historycznym, kalendarzowym czasem, komponuje epizody wiersza arbitralnie, czasami wyciągając pojedyncze mikrowątki z jednej części i przenosząc je do drugiej, ale na jednocześnie bez naruszania ustalonego, utrwalonego przez inercję postrzegania struktury tekstu i obserwowania ruchu od prologu do piosenki „Rus”.
Prolog rozgrywa się w duchu skeczy studenckich – być może celowo prymitywnych, wykorzystujących techniki reportażu telewizyjnego, wywiadu, klipu: powiedziałbym, że początek nie jest inspirujący, zbyt zwyczajny, przewidywalny, drugorzędny i nieekspresyjny , jakby dawno przeszli ze studentów jako zawodowcy, performerzy postanowili od niechcenia wygłupiać się. Następnie bohaterowie przymierzają ten sam standard, widziany już-powtórnie w poprzednich spektaklach garderoby Centrum Gogola (i jeśli tylko Centrum Gogola) - spodnie dresowe, kurtki, kombinezony khaki, szlafroki w kwiaty, wyciąganie z drugiej ręki również z używanych metalowych szafek umieszczonych po lewej stronie sceny. A po prawej muzycy usadowili się i muszę powiedzieć, że składnik muzyczny „Kto dobrze mieszka na Rusi” jest o wiele ciekawszy niż pozostałe. W pierwszej i trzeciej części brzmi muzyka Denisa Khorowa, ponadto muzyczna kompozycja Andrieja Poliakowa wykorzystuje aranżacje radzieckich przebojów retro uroczo śpiewane przez Ritę Kron, dla której wymyślono również odpowiedni wizualny wizerunek oficjalnej radzieckiej gwiazdy popu. .
Generalnie z otoczenia łatwo wywnioskować, że okres „poddaństwa” na obecnym etapie historycznym w spektaklu nawiązuje do lat sowieckich (codzienne znaki: dywan, kryształ, pionierskie krawaty…), a po- reformy 1860-70, kiedy powstał wiersz Niekrasowa, są interpretowane jako post-pierestrojka 1990-2000 (w tym czasie wielu i nie tylko mężczyzn, ale także adiunktów uniwersyteckich i nauczycieli przedszkolnych, zostało zmuszonych do nabycia toreb w kratkę i nie poszło w poszukiwaniu szczęścia, ale tylko na szmaty do odsprzedaży). Ale rura z przerzuconymi nad nią mostami (kanalizacja lub ropa i gaz - zaśmieca scenę w pierwszym akcie) i mur (fabryczny, więzienie lub granica) z drutem kolczastym na górze pozostają niewzruszone - mur czasami znika, ale pojawia się ponownie, a tuż nad drutem kolczastym dioda LED mówi „Kto na Rusi powinien dobrze żyć”. I dywaniki-szklanki i fajka ze ścianą - oczywiście znaki, nawet metafory, nie symbole, a tych znaków nie da się odczytać „dosłownie”. Jest mało prawdopodobne, aby Sieriebriennikow i jego dawni uczniowie nie wiedzieli lub nie byli w stanie dowiedzieć się, że Niekrasow używa słowa „wiadro” nie w sensie obiektywnym, ale jako jednostkę miary cieczy - w spektaklu emaliowany wiadro służy jako jeden z atrybutów gry teatralnej, paradoksalnie podkreślając obcy sens tego, co się dzieje. Albo w słowach „nie ma śmierci, nie ma chleba” nie można przeczytać, że mówi się tu, że nie ma możliwości życia, a śmierć nie nadchodzi, a nie o tym, że poza kategorią czasu i kategoria śmierci nie ma znaczenia. Wiedz, przeczytaj. Ale umieszczają swoje własne znaczenie, nawet jeśli jest sprzeczne z pierwotnym źródłem.
Tak mocno teatralne, ale pod względem elementów używanych na co dzień, prozaiczne środowisko wdziera się po prologu rozwiązanym metodą „etiudy”, bajecznym Chiffchaff i Little Bird. W roli Ptaszek z gitarą - Georgy Kudrenko, stosunkowo nowa kreacja dla "Gogol Center", widziałem go przed "Do kogo..." tylko w "Kharms. Myr" (a nawet wcześniej, ale ja można się pomylić - w "100% FURIOSO" na Platformie, gdzie chodził z fałszywym tłustym uśmiechem i wklejonymi naklejkami" chcesz zagrać?, ale może to nie był on). W roli Penoczki, która daje kochającym prawdę chłopom samozłożony obrus, który również nie został pobity w spektaklu, jest Evgenia Dobrovolskaya. Pojawienie się Dobrovolskaya w Gogol Center jest naturalne - raz, przez długi czas (czas leci!) Brała udział w rekrutacji studentów na kurs Serebrennikova w Moskiewskiej Szkole Teatralnej, ale nie miała czasu na nauczanie, odeszła urodzić. Teraz jej „powrót” do dawnych rzekomych „zwierząt domowych”, jako pielęgniarka, jest zarówno satysfakcjonujący, jak i logiczny. Ale Sieriebriennikow postrzega Penochkę nie przez bajeczną symbolikę folkloru - to biedny stary wędrowiec, żebrak, podobny do tego, który grała, Evgenia Dobrovolskaya, Timofeevna w trzeciej części, a może ona jest tą samą. Ale w trzeciej części pojawi się „skalanie” symbolicznych dziewcząt „ptaków” we wspaniałych pseudo-rosyjskich strojach, jakby ze zbiorów Sławy Zajcewa, która po ostatecznym pojawieniu się Dobrowolskiej poprowadzi jej prawdziwą, nieszczęśliwą, pijącą Timofevnę poza planem społecznym i domowym do danego spektaklu jako całej tajemnicy. Pomimo tego, że podobnie jak I, III akt zaczyna się szczerym studenckim skeczem, z „dwuczęściowymi” końmi i interaktywnością: publiczności na sali proponuje się nalanie wódki w zamian za szczere, przekonujące stwierdzenie, że człowiek myśli, czuje się szczęśliwy - ku mojemu zdziwieniu ta "uczta dla całego świata" objawia się "szczęśliwym" w wystarczających ilościach, zapasy alkoholu byłyby wystarczające.
Druga część spektaklu – „Drunken Night” – została wymyślona i wykonana w najczystszej formie jako rozbudowany numer plug-in, performans muzyczno-plastyczny. Muzykę dla żeńskiej grupy wokalnej napisała Ilya Demutsky (kompozytor baletu „Bohater naszych czasów” wystawionego przez Serebrennikova w Teatrze Bolszoj), za plastyczność odpowiada Anton Adasinsky. Plan muzyczny jest znacznie korzystniejszy i bardziej wyrazisty niż choreograficzny. Właściwie choreografia, taniec, ten wadliwy „teatr fizyczny” (sam termin jest wadliwy, ale tutaj nie wybiorę inaczej) nie ośmiela się nazwać językiem. Wydaje się, że Adasinsky nie postawił sobie żadnych innych zadań poza grą na zwłokę. Szarpanie młodych „mężczyzn” w majtkach do śpiewu żeńskiego chóru z udziałem jednego męskiego głosu (rola Andrieja Rebenkowa, który w 1. ruchu przekonująco przemawiał za „ostatnio urodzonym” właścicielem ziemskim), żywe piramidy, huśtające się na liny, finałowe „solo” Philipa Avdeeva – wśród „siedmiu tymczasowo odpowiedzialnych” ma najinteligentniejsze wideo w pierwszej części, z brodą, w okularach, i tam natychmiast dostaje pięść w twarz, reszta pierwszy akt chodzi zakrwawiony, z zatyczkami w nosie (no, prawie jakbym siedział na korytarzu przez 3 m, no cóż, musiałem sam dokończyć...), a teraz, kiedy po brykaniu i leżeniu na scenie, podczas gdy chór śpiewał „światło choruje, nie ma prawdy, życie choruje, ból jest silny…”, jego partnerzy w plastikowym zespole odchodzą w ciemność i w głąb I części , wolny od scenografii i niespodziewanie obszerny teren, Awdiejew pozostaje pod kroplami sztucznego deszczu lejącego się z góry - cóż, na Boga, to niepoważne, powiedziałbym nawet, niegodne. Zapewne w strukturze rytmicznej trzyczęściowej kompozycji spektaklu takie muzyczno-plastyczne interludium ma pewną wagę, ale nie wnosi niczego do spektaklu pod względem treści. Chyba że pozwala odpocząć przed III aktem.
Komu na Rusi dobrze jest żyć - to już nie było pytanie do Niekrasowa, nawet retoryczne: jasne jest, że nikt, wszyscy są źli. Inaczej sformułowano pytania w połowie XIX wieku – najpierw „kto jest winien?”, potem „co robić?”. Pierwsza odpowiedź została udzielona - winna jest pańszczyzna. Potem zniesiono pańszczyznę, na Rusi nikt nie zaczął żyć radośniej i swobodniej, potem pytanie „co robić?”. zasugerowali odpowiedź - konieczne jest, aby ci, którzy pracują, byli właścicielami środków produkcji, no cóż, jak "ziemia - chłopom" itp. Próbowali później, w XX wieku, według przepisów z XIX wieku, zbudować sprawiedliwe, socjalistyczne społeczeństwo - znowu to nie pomogło, okazało się takie samo jak przedtem, tylko jeszcze gorsze, brzydsze i krwiożercze . Już w naszej pamięci z Kirill Semenovich (docelowa publiczność Centrum Gogola w przytłaczającej większości nie osiągnęła jeszcze wieku świadomości) te same pytania z XIX wieku brzmiały ponownie, z nowymi odpowiedziami: mówią, że rząd sowiecki jest winę i ideologię komunistyczną, a własność musi zostać sprywatyzowana i rozdzielona w prywatne ręce. Próbowali własności prywatnej zamiast socjalizmu - znowu nic z tego nie wychodzi. Krótko mówiąc, fabuła jest bardziej dla Saltykova-Szczedrina, a nie dla Niekrasowa. Oto Sieriebriennikow (który, nawiasem mówiąc, zajmował się prozą Sałtykowa-Szczedrina i nie tylko moim zdaniem „Lord Gołowlew” jest jednym ze szczytów jego kariery reżyserskiej) poprzez pytania i odpowiedzi postawione przez Niekrasowa i odłożone przez historię dochodzi do uogólnień, które nie są porządkiem społecznie politycznym, lecz antropologicznym: bar = niewolnik.
Bar-rab to nieoryginalny palindrom, a żart nie jest najbardziej dowcipny, ale te trzy litery napisane na kawałkach papieru w rękach artystów, czytane od prawej do lewej i od lewej do prawej na różne sposoby, ale wyrażające zasadniczo to samo koncept, z pewnością nieistniejący jeden bez drugiego - problematyka spektaklu „Kto dobrze mieszka na Rusi” jest scharakteryzowana wyczerpująco i determinuje nie tylko przesłanie ideowe, ale także strukturalną i kompozycyjną cechę spektaklu, w szczególności wybór fragmentów do inscenizacji. Na przykład taki pamiętny rozdział ze szkoły jak "Pop" nie znalazł się w kompozycji. I nie sądziłem, że wynika to ze strachu przed „obrażeniem uczuć wierzących” - oczywiście ponowne skontaktowanie się z prawosławnymi jest droższe. Nawiasem mówiąc, kiedy w końcowej części trzeciej części z sali wyskoczył facet i zaczął machać czarną flagą z czaszką przed artystami, którzy zakładali koszulki z kilkoma sylabami na inne koszulki z napisami. inne, ale też w przeważającej mierze „patriotyczne” treści (jak „Rosjanie się nie poddają”), to chociaż chłopaki na scenie nie reagowali na niego, początkowo uznałem, że to prawosławni, ale szybko zorientowałem się, że prawosławni nie pozostałby na sali machając, prawosławni wdrapaliby się na scenę, zaczęliby krzyczeć i walczyć, jak zwykle u prawosławnych, a ten machał i wyszedł - anarchista, jak się okazało, był na napisano jego flagę „wolność albo śmierć”. Ale mimo wszystko centrala „Pop” naprawdę nie przyszłaby do sądu, poza tym, że opisane w niej realia są wciąż nieco przestarzałe - najważniejsze jest to, że bez względu na to, o czym mówi spektakl, nawet jeśli chodzi o ostatniego właściciela ziemskiego, to wszystko to samo dotyczy towarzyszy Serebrennikowa w centrum uwagi - nie „barów”, ale „niewolników”, czyli osławionego „narodu rosyjskiego”, tak ukochanego przez Niekrasowa.
W pierwszej części spektaklu pojawia się niezwykle wzruszający epizod – zaczerpnięty z końca wiersza (jeśli spojrzeć na zwyczajową kolejność publikacji rozdziałów) i przybliżony do początku spektaklu, fragment „O przykładny chłop pańszczyźniany – Jakub Wierny”, opowiadający straszną nawet w porównaniu z wieloma innymi mikrofabrykatami Niekrasowa historię ziemianina Poliwanowa i jego służącego Jakowa: ubezwłasnowolnionego, pozbawionego głowy właściciela ziemskiego, zazdrosnego o dziewczynę Arishę o narzeczonego, bratanek swego wiernego ukochanego niewolnika Grishy sprzedał „rywala” rekrutom. Serf Jakow był obrażony, potem przyszedł prosić o przebaczenie, ale po chwili zabrał mistrza, wjechał do wąwozu i powiesił się tam, pozostawiając beznogiego mistrza leżącego w wąwozie. Myśliwy odnalazł pana, właściciel ziemski przeżył i wrócił do domu, lamentując "Jestem grzesznikiem, grzesznikiem! Wykonajcie mnie!" Warto tutaj zauważyć, że Sieriebriennikow, oprócz Poliwanowa i jego Jakowa, skupia się na miłości Griszy i Arishy - w wierszu, wskazanym przez kilka linijek i wspomnianym raz, młody chłopak z dziewczyną stają się pełnoprawnymi postaciami. Wolny od jarzma niewolnika, od strachu tkwiącego w starszych, a jednocześnie całkowicie od wszelkich ubrań (oglądałem skład, w którym Georgy Kudrenko gra Griszę, ale zgadza się z nim Aleksander Gorchilin - okazuje się, że w innym składzie Gorchilin biegnie bez majtek? a przynajmniej idź znowu), młodzi rzucają się w ich ramiona, ale tylko po to, by pan młody od razu znalazł się w drewnianej skrzynce. Niekrasow, o ile się nie mylę, nie mówi nic o przyszłych losach rekruta Griszy, być może przeżył w żołnierstwie, ale służba w czasach Niekrasowa była długa, a Sieriebriennikow, myśląc ahistorycznie, bez wątpienia wali Ostatni gwóźdź w miłosną fabułę: ginie młody człowiek, który pozwolił sobie na wolność uczuć bez względu na bariery społeczne. Ale co ważniejsze – scena „o przykładnym poddanym” jest kompozycyjnie umieszczona w dziale „Szczęśliwy”, a Jakow, który „mści się” mistrza kładąc na sobie ręce, znajduje się na równi z poddanymi, którzy zlizał drogie zagraniczne potrawy z naczyń za barami.
W odcinku „Last Child” podobne ponowne podkreślenie jest szczególnie zauważalne, „kraty” oczywiście nie są uzasadnione, ale odpowiedzialność za to, co się stało, w szczególności za śmierć Agapa, spada w większym stopniu na „niewolnicy” z ich gotowością do hipokryzji, do poniżania się teraz dla złudnej korzyści w przyszłości (swoją drogą, jeśli niczego nie przeoczyłem, Sieriebriennikow nie mówi, że chłopi, dla ich komizmu, zrobili nie odbierać zalewowych łąk obiecanych przez spadkobierców właściciela ziemskiego, czyli znowu nie chodzi o oszukiwanie barów), z dążeniem do zadowolenia kogokolwiek, ze ślepą akceptacją jakiegokolwiek udziału, z umiejętnością posłuszeństwa przy braku winy, z nieskończona cierpliwość z przebaczeniem. Niewolnictwo, którego nie można naznaczyć dekretem z góry, przezwyciężone reformami, odwrócone przez edukację, oświecenie - bardzo się ucieszyłem, że około czasu, gdy chłop Bielińskiego i Gogola wyniesie Sieriebriennikowa z rynku, zlikwiduje lirę Sieriebriennikowa i nie próbuje, zdając sobie sprawę, że nosi go od stu lat, ale mało sensu. „Śpiewał ucieleśnienie szczęścia ludu” – nie o Serebrennikow i nie o jego występie. Takie zaskakująco trzeźwe spojrzenie w „Kto dobrze mieszka na Rusi” przekupiło mnie. Zjedz więzienie, Yasha!
Niewolnictwo jako szczęście - nie tylko jako zwyczajny, normalny, jedyny możliwy, ale jako upragniony, drogi stan niewolnika: tak widziałem główny temat myśli Sieriebriennikowa w związku z jego mistrzowskim opanowaniem poematu Niekrasowa. To nie przypadek, że z „Wieśniówki” czyni kulminację części trzeciej i całego spektaklu – historię kobiety, która straciła wszystko kochanie, a jej smutnej historii trzeba tylko posłuchać, wcale nie z powodu okrucieństwo właścicieli ziemskich po zniesieniu pańszczyzny. W roli Timofeevny - Evgenia Dobrovolskaya. I nie można nie powiedzieć, że jej praca aktorska w trzecim akcie jest co najmniej o rząd wielkości wyższa niż reszta. Należy również zauważyć, że dla samej Dobrowolskiej ta rola nie jest najdoskonalsza i nie ujawnia czegoś bezprecedensowego w jej własnej naturze aktorskiej, ale po prostu po raz kolejny potwierdza jej najwyższe umiejętności - pod pewnymi względami odwrotnie, ale pod pewnymi względami bardzo podobne do kobiecego losu, który odegrała niedawno z okazji jubileuszu w spektaklu Moskiewskiego Teatru Artystycznego „Wioska głupców” na innej jakości i nowoczesnym podłożu literackim (do poezji Niekrasowa można odnieść się na różne sposoby, ale proza Klyucharevy jest tylko zgaś światło):
Zwróciłbym jednak uwagę na wykreowany przez Jewgienię Dobrowolską wizerunek Timofiejewny nie tylko jako osobny, wybijający się na ogólnym tle osobisty sukces aktorski, ale także na to, jak od niechcenia, rutynowo spektakl Sieriebriennikowa ukazuje tragedię w ogóle nie do pomyślenia, według wszelkich cywilizowanych standardów potworne życie bohaterki. Timofiejewna prowadzi swoją historię, nakładając owsiankę z patelni na „muzhiks”, przy akompaniamencie wokalu Marii Poezzhaeva, w którym pośrednio odbija się stłumiony ból - w końcu pojawienie się Timofiejewny w kompozycji Sieriebriennikowa odbywa się w ramach „Uczty dla całego świata” i to właśnie „Wieśniak” staje się apoteozą tego święta skazanych – nie zapowiadając rychłego triumfu dobra, ale wręcz przeciwnie, przypominającego upamiętnienie tych nielicznych i zatkanych kiełków prawdy, promienie światła w mrocznym królestwie, które do niedawna potrafiły kogoś oszukać, budzą złudne nadzieje. Tak jak w kompozycji Sieriebriennikowa opartej na wierszu Niekrasowa nie ma nagłówka „Pop”, tak nie ma w nim miejsca dla Griszy Dobrosklonowa. „Sprawa ludzi, ich szczęście, światło i wolność nade wszystko” – ten tekst mruczy recytatywnie. „Rus się nie rusza, Ruś jest jak martwy, ale ukryta w nim iskra zapaliła się, wstali zaniedbani, wyszli nieproszeni, ziarno góry zostało zużyte” i wcale nie jest głośno wypowiadane, wystrzelone na ekranie przy napisach końcowych, a refren „kula znajdzie winnego” brzmi głośno – nie z wiersza Niekrasowa, ale z piosenki grupy Obrony Cywilnej. Jak rozumieć to drugie – przyznam się, że nie nadrabiam zaległości, ale jest oczywiste, że po półtorawiecznym okrążeniu zarówno historii, jak i historiozofii, i myśli społeczno-politycznej, a po niej sztuki zorientowanej na tematy wróciły do pytania, które nie należało nawet do Niekrasowa (któremu dobrze jest żyć na Rusi), nawet do Czernyszewskich (co robić), ale do Herzenowa (kto jest winny). Stwierdzenie regresji jest jednoznaczne, pytanie „kto jest winien”, jak wszyscy inni, jest też retoryczne, a na pewno nie dożyję nowego „co robić”. (Mówią, że próbowali go odebrać w Mighty w BDT na materiale Czernyszewskiego - oczywiście nie widział tego, według recenzji - to nie zadziałało). A chłopi nie musieli iść tak daleko, tak desperacko się kłócić - wystarczyłoby bezstronne spojrzenie na siebie.
W spektaklu jest wiele zbędnych, wtórnych detali, przeciążających serię figuratywno-symboliczną i wprowadzających zamieszanie w rozwój głównej idei. Są to, powiedzmy, ironiczne wtrącenia komentarzy słownikowych na temat archaicznego słownictwa (narzędzie, którego reżyserem był nieżyjący już Jurij Ljubimow). I opcjonalne, ozdobne „winietki” (jak wyszywane „do” na trójkolorze). I wytarty "sztuczka" z napisami na koszulkach (w finale z przebieraniem się nie ma nic, ale w pierwszej części postać Awdiejewa ma na koszulce coś w rodzaju "to społeczeństwo nie ma przyszłości" - Nie pamiętam dokładnie, ale dobrze pamiętam, jak chór w „Złotym Koguciku” Sieriebriennikowa na koszulkach był dokładnie taki sam z napisem „jesteśmy twoi, dusza i ciało, jak nas pokonają, to zróbmy to”) . I bezsensowne, no cóż, w skrajnych przypadkach niezrozumiałe figury plastikowe, zwłaszcza w choreografii Adasinsky'ego dla drugiej części - ćwiczenia niektórych uczestników akcji z plastikową fajką pozostały dla mnie zagadką - i czy ten obiekt można postrzegać jako " wycięta” z rury, która przecięła scenę w 1 części, czy jest to jakiś wyizolowany symbol, czy tylko przedmiot do ćwiczeń pantomimy?
Jednocześnie jednoznacznie „Kto dobrze żyć na Rusi” jest produktem bezwstydnym, niewulgarnym, standardowym, absolutnie sformatowanym dla Gogola Center i mimo tego, że nierównym, dość solidnym dziełem; są oddzielne momenty, które mogą emocjonalnie się przyczepić (wyróżniłem co najmniej dwa z nich dla siebie - w pierwszej części z Griszą-Kudrenko i w 3-1 z Timofiejewną-Dobrowolską), są też pewne formalne znaleziska, nie na skala otwarcia, ale mniej lub bardziej oryginalna, nie do końca wtórna. Ale moim zdaniem w spektaklu nie ma twórczych poszukiwań, nie ma w nim eksperymentu, ryzyka, wyzwania - co dotyczy nie tylko lęku przed chimerami prawosławno-faszystowskiej cenzury (także zapewne pod wieloma względami uzasadnionej i usprawiedliwionej). szczególnie usprawiedliwione w obecnej niestabilnej dla tej „miejskiej instytucji kultury” sytuacji), ale także lęki, niechęć do poświęcenia ustalonego statusu osobistego, wizerunku, reputacji, jeśli mówimy osobiście o Sieriebriennikowie. I choć tak czy inaczej, mimo słabej kondycji fizycznej, oglądałem „Kto dobrze mieszka na Rusi” z zainteresowaniem i, jak mówi szalony profesor w takich przypadkach (również, oczywiście, wśród wielu innych małych miłośników sztuki, którzy był obecny na premierze w „Gogol Center”) iw żadnym wypadku nie pozwoliłbym sobie przegapić tego wydarzenia – na pewno wydarzenia – przegapić.
A jednak dla mnie nie ma sztuki, nie ma kreatywności, gdzie prowokację zastępuje manipulacja. A „Kto dobrze mieszka na Rusi” Sieriebriennikowa jest opowieścią wyjątkowo manipulacyjną, monologową, gdzieś i, co jest dla mnie szczególnie nieprzyjemne, dydaktyczną. Sieriebriennikow w każdej ze swoich decyzji dokładnie wie, jaką reakcję chce uzyskać w odpowiedzi - czasami dość subtelnie i zręcznie manipuluje opinią publiczną, czasami niegrzecznie, niezdarnie, w niektórych przypadkach kalkulacja jest uzasadniona o dwieście procent, w innych mniej, ale takie podejście początkowo w zasadzie nie zakłada, że reżyser po prostu żuje (i nie po raz pierwszy, co jest obraźliwe i nieprzyjemne) gumę do żucia, która już dawno straciła swój smak, a potem prezentuje ją na srebrnym talerzu pod pozory przysmaku - np. guma do żucia jest wysokiej jakości, ale żeby ją zjeść za przysmak przepraszam, nie jestem gotowa. Chciałbym zobaczyć ze sceny Centrum Gogola (i gdzie indziej - wybór mały, pierścień się kurczy) myśli były transmitowane nie z czyjegoś ramienia i nie w fabrycznym opakowaniu, ale żywe, chwilowe, choć trochę wyrażone niezgrabnie. Niestety, nawet w nowej produkcji Sieriebriennikowa nie odkryłem dla siebie nic nowego, nic ostrego, nic ważnego, nic, czego nie poznałbym bez Sieriebriennikowa, zanim jeszcze dotarłem do Centrum Gogola.
Mówię z żalem i po części z irytacją, bo przy całej dramaturgii (i do pewnego stopnia komicznej) mojej własnej relacji z Centrum Gogola, nie chciałabym tego projektu, z takim pompatycznym, patosem i nienawistnym entuzjazmem założycieli, na początek - wtedy niecałe trzy lata temu umarł w zarodku - lub, mówiąc prościej, został sztucznie, złośliwie zniszczony - przed terminem. Co więcej, całkiem niedawno musiałem nieoczekiwanie wdać się w dyskusję ze stanowisk apologety Centrum Gogola i Sieriebriennikowa, nie bez korzyści - dużo w moim stosunku do projektu, jego produkcji, do reżysera Sieriebriennikowa na obecnym etapie jego kariera - w końcu dla siebie wyjaśniłem i wyartykułowałem:
Może okaże się inaczej z kolejnym opusem Centrum Gogola – przygotowanym wspólnie z Sieriebriennikowem przez jego uczniów „Rosyjskie bajki” ukazują się zaraz po „Kto dobrze mieszka na Rusi” i nieformalnie kontynuują dylogię. Poza tym dali mi bilet do Rosyjskich Bajek z dużym wyprzedzeniem (sam o to prosiłem), teraz bez względu na to, jak rozwijają się okoliczności dotyczące zdrowia i kondycji, muszę jechać do Bajek. W tej sytuacji, jak nikt inny, życzę Ośrodkowi Gogol stabilnej pracy przynajmniej w najbliższej przyszłości, bo bilet mam już w rękach i pieniądze za to zapłacono.
