Wiosną 1904 roku Picasso ostatecznie osiadł w Paryżu na Montmartrze. Wraz z przeprowadzką do Paryża kończy się „niebieski okres”. Różne cienie wdzierają się w monochromatyczny błękit obrazów Picassa, stając się dominującymi. Ten nowy okres nazywa się „różowym”. Ale sens nowych poszukiwań artysty nie polegał oczywiście na zmianie jego faktury. Czasami nazywa się to „cyrkiem”, a to dokładniej oddaje jego treść. Na płótnach pojawia się zupełnie nowy świat - świat komików, aktorów cyrkowych. Przyczyny nowego zwrotu Picassa w koncepcjach artystycznych nie są jednoznaczne. Oni - i w cechach jego niespokojnego talentu oraz w wpływach środowiska. Barcelona nie dawała już artystycznych impulsów, wyczerpał się temat „dna” życia. Przyciągnęły go teraz wartości moralne innego rzędu. Należy zauważyć, że Picasso już w tamtych latach bardzo dobrze znał francuski i hiszpański, a nawet interesował się literaturą rosyjską (Turgieniew, Gorki).
Paryscy przyjaciele wprowadzają go w paryskie kluby literackie, wprowadzają w cyganerię artystów i poetów Montmartre z jej romansem kreatywności, atmosferą życiowego nieładu, ale nieustanną gotowością do wzajemnej pomocy i wsparcia. Oczywiście Salmonowi i Apollinaire'owi zawdzięcza przede wszystkim swoją pasję do cyrku. Wraz z nim na początku 1905 roku stał się stałym bywalcem słynnego paryskiego cyrku Medrano. W 1904 roku Picasso poznał modelkę Fernande Olivier, która zainspirowała go do stworzenia wielu znaczących dzieł tego okresu. Żyli w centrum paryskiego życia bohemy i mekką paryskich artystów, Bateau Lavoir. Tutaj, w zupełnej biedzie, na skraju nędzy i nieopisanego nieładu twórczego, Picasso nieustannie malował swoją Fernandę i szukał własnej drogi.
Na próżno jednak szukać na jego płótnach cyrku, cyrkowego spektaklu. Interesuje się samym aktorem, osobą kreatywną, kreatywną. Ponadto klasyczni bohaterowie wędrownego cyrku - osobowości, klauni, arlekiny. Pokazywane są poza grą, sporadycznie na próbie, częściej w życiu codziennym, w rodzinie. Muszą być ubrani w kostiumy swoich postaci. Jest dla nich jakby znakiem odróżnienia od ogólnej masy. Wędrująca grupa aktorów dla Picassa to szczególny mikrokosmos wolnych ludzi, w którym są szczere uczucia, gdzie nie ma miejsca na egoizm, oszustwo. Tutaj dzielą szczęście i gorycz porażki. Sam artysta włączył się w ten świat. Bato Lavoir to dziwny, zniszczony budynek z ciemnymi schodami i krętymi korytarzami, w którym mieszkała bardzo różnorodna firma: artyści, poeci, kupcy, dozorcy...
Picasso dotkliwie, a nawet boleśnie odczuwał sprzeczności życia. Rozumiał, jak kruchy i iluzoryczny stworzył świat komików, zagubionych w rozległym, niespokojnym, zakurzonym świecie. Niepokój artysty odzwierciedla ukryty smutek, nieufność na twarzach jego bohaterów. W dużych kompozycjach programowych „okresu różowego” - „Wędrujący komicy”, „Komedianci w spoczynku” - być może szczególnie wyraźnie przejawia się nastrój jakiejś niepewności, niespokojne oczekiwanie.
Możliwość szczęścia i harmonii Picasso dopuszcza tylko w sytuacji rodzinnej. W serii prac, które można połączyć tylko pod ogólnym tytułem „Rodzina komików”, rozwija własną wersję świętej rodziny. Tutaj jego bohaterowie są niejako chronieni przed okrutną rzeczywistością ciepłem miłości i czułości dla dziecka.
Jest jeszcze jeden temat, który przewija się przez wczesne lata twórczości Picassa i wyraża jego wiarę w dobro relacji międzyludzkich. W „okresie różowym” staje się dominujący. To temat przyjaźni, przyjaźni dwóch stworzeń, gdzie silni, doświadczeni wspierają, chronią słabych, bezbronnych. Mogą to być starszy klaun, który widział życie i nieśmiały chłopiec, potężny sportowiec i delikatna akrobatka, człowiek i zwierzę, takie jak „Chłopiec z koniem”.
Znaczące płótno "różowego okresu" - "Dziewczyny na balu" Ogromna igła kompozycyjnego myślenia Picassa pojawia się tu z pełnym blaskiem. Kompozycyjno-rytmiczna struktura obrazu opiera się na plastycznym motywie porównania kontrastu i jednocześnie równowagi jedności. Potężny sportowiec i krucha dziewczyna, szyk sześcianu i nieuchwytna fluktuacja piłki, monolit postaci męskiej na sześcianie i chuda postać dziewczyny na piłce kołyszącej się jak łodyga na wietrze. Usuń jeden z elementów obrazu - nastąpi katastrofa. Nie będzie sportowca - a dziewczyna natychmiast straci równowagę, a bez niestabilnej kruchości upadnie, upadnie pod własnym ciężarem.
W Dziewczyna z balu Picasso jest szczególnie skojarzeniowy i metamorficzny. W obrazach dziewczyny i sportowca pojawiają się ich kontrasty i powiązania, skojarzone obrazy jedności i opozycji różnych zasad w przyrodzie, życiu i człowieku. Powstaje kolejny, głębszy ciąg skojarzeń, prowadzący do średniowiecznej symboliki. U sportowca odgaduje się alegorię męstwa, u dziewczyny na piłce - fortunę. Na zdjęciu zauważalny jest już nowy kierunek w myśli artystycznej Picassa - zainteresowanie klasyczną klarownością, równowagą, wewnętrzną harmonią. Napisana na przełomie 1905 i 1905 roku „Dziewczyna na balu” jest początkiem tzw. pierwszego okresu klasycznego w twórczości artysty. Ruch artysty w kierunku wyraźnych, harmonijnie integralnych, aktywnych obrazów karmił się wiarą w dobry i rozsądny początek w człowieku. Stąd w pracach Picassa z 1906 r. pojawiły się wizerunki fizycznie doskonałych dziewcząt i chłopców. Silni młodzi mężczyźni szybko zbliżają się do widza, gotowi do działania. To był świat marzeń artysty, idealny świat wolnych i dumnych ludzi.
Zaczynając go tworzyć, Picasso nagle zatrzymuje się i rzuca wszystkim. Jakby nie starczyło mu sił, wiara słabnie, pojawia się rozczarowanie.
W 1907 roku pojawiły się słynne „Dziewczyny z Awinionu”. Artysta pracował nad nimi przez ponad rok – długo i ostrożnie, bo wcześniej nie pracował nad innymi swoimi obrazami. Pierwszą reakcją społeczeństwa jest szok. Matisse był wściekły. Nawet większość moich znajomych nie przyjęła tej pracy. „Wydaje się, że chciałeś nas nakarmić holowaniem lub wypić benzynę” – powiedział artysta Georges Braque, nowy przyjaciel Picassa. Skandaliczny obraz, którego imię nadał poeta A. Salmon, był pierwszym krokiem w malarstwie na drodze do kubizmu, a wielu krytyków sztuki uważa je za punkt wyjścia sztuki nowoczesnej.
Pablo Picasso (Picasso, Pablo) (1881-1973) - francuski artysta, z pochodzenia Hiszpan. Rzeźbiarz, grafik, malarz, ceramik i projektant. Wraz z Georges Braque jest twórcą kubizmu.
różowy okres„- warunkowa nazwa okresu twórczości Pablo Picasso. Okres ten jest ograniczony do lat 1905-1906. Nazwa powstała w kontraście do określenia poprzedniego „błękitu” w twórczości artysty (1904-1905), kiedy to w jego palecie dominowały smutne błękitne barwy. W „okresie różowym” artysta preferował odcienie różowo-złote i różowo-szare, a bohaterami byli wędrowni komicy, tancerze i akrobaci; obrazy z tego okresu przesycone są duchem tragicznej samotności nędzarza. Smutek i ubóstwo „błękitnego okresu” zastąpiły obrazy z żywszego świata teatru i cyrku, a kolor jego obrazów zaczął determinować delikatny róż, ochra, czerwień. Przejście od okresu „niebieskiego” do „różowego” uważane jest za słynny obraz Pabla Picassa „Dziewczyna na balu”. Za prace ” różowy okres„Dużo materiału dostarczył cyrk Medrano, położony u podnóża wzgórza Montmartre. Wyjazd do Hiszpanii w 1906 roku dał nowy impuls do poszukiwań artysty i był zakończeniem „okresu różanego”.
Akrobaci (matka i syn)
rodzina komików
W tym okresie na obrazach mistrza do głosu doszły wesołe odcienie ochry i różu. Pojawiły się nowe stałe tematy prac: akrobaci, aktorzy wędrowni, arlekiny („Akrobata i młody Arlekin” (1905), „Rodzina komików” (1905), „Jester” (1905)). Artystę fascynowali komicy, których malował z entuzjazmem. Pablo zaczął uczęszczać do cyrku Medrano, a arlekina można wówczas nazwać ulubioną postacią artysty. W 1904 Pablo poznał modelkę Fernandę Olivier. Zainspirowała Picassa do stworzenia wielu słynnych dzieł „różowego” okresu. Osiedlili się razem w artystycznej dzielnicy Paryża i mekce artystów Bateau Lavoir. Budynek o dziwnej architekturze, zrujnowany, z krętymi korytarzami i ciemnymi klatkami schodowymi, schronił bardzo pstrokatą firmę: kupców, poetów, artystów, dozorców... Picasso żył w biedzie, na skraju ubóstwa, w niewyobrażalnym twórczym bałaganie. Cały czas malował swoją ukochaną Fernandę, odnajdując swoją drogę w sztuce.
Akrobata i młody Arlekin 1905
Okresy „niebieskie” i „różowe” w twórczości hiszpańskiego artysty Pabla Picassa to czas kształtowania się indywidualnego stylu artysty. W tym czasie następuje odejście od impresjonizmu, dziedziczenie stylów Toulouse-Lautreca, Degasa i innych znanych artystów.
Okres "Niebieski" (1901-1904)
Autoportret. 1901
Swoją nazwę zawdzięcza ogólnej tonacji obrazów, wykonanych w niebiesko-niebieskich barwach, połączonych nastrojem rozpaczy i samotności. Jednymi z pierwszych prac tego okresu były „Autoportret” (1901) i „Pijący absynt” (1901). Większość bohaterów obrazów Picassa to przedstawiciele niższych warstw społeczeństwa, ludzie biedni, chorzy lub złośliwi. Wśród późniejszych „niebieskich” dzieł warto zwrócić uwagę na obrazy „Głowa kobiety” (1902-1903), „Śniadanie niewidomego” (1903), „Stary Żyd z chłopcem” (1903), „ Żelazko” (1904). Z estetycznego punktu widzenia ważne jest przejście na nowe sposoby obrazowania, wykluczenie z kompozycji zbędnych detali oraz szereg innych decyzji, które pozwalają widzowi skupić się na emocjach wywołanych obrazem. Jednocześnie te prace Picassa nie mogą być w pełni uznane za oryginalne, ponieważ. częściowo wykorzystują motywy i techniki charakterystyczne dla malarstwa hiszpańskiego. Na kształtowanie się takiego emocjonalnego nastroju obrazów duży wpływ miały realia życia. Początek „niebieskiego” okresu wiąże się z samobójstwem bliskiego przyjaciela artysty Carlosa Casagemasa w 1901 roku. Bliskość śmierci, samotność, przymusowy powrót do Barcelony w 1903 roku z powodu braku funduszy wpłynęły na depresyjność obrazów.
"Dziewczyna na balu" - równowaga między życiem a śmiercią
Dziewczyna na balu. 1905
Obraz ten, namalowany w 1905 roku, jest charakterystycznym dziełem okresu przejściowego. Czasy, w których ból, rozpacz i cierpienie w obrazach artysty stopniowo zanikają, zastępuje je zainteresowanie żywymi ludzkimi radościami, które uosabiają cyrkowcy i artyści. Treść tego dzieła, zbudowana na kontrastach (ruch i statyka, dziewczyna i sportowiec, lekkość i ciężkość itp.), w pełni koresponduje z symboliką przejścia między goryczą śmierci a radościami życia.
Okres "Różowy" (1904 - 1906)
Stopniowe przejście do okresu „różowego” w jego twórczości zostało zarysowane już w 1904 roku, kiedy w życiu artysty zaczęły zachodzić pozytywne zmiany: przejście do kipiącego centrum życia awangardowego – do hostelu artystów na Montmartrze, upadki zakochany w Fernande Olivier, spotykający wielu ciekawych ludzi, wśród których byli Matisse i Gertrude Stein. Głównym tematem prac z tego okresu, wykonanych w odcieniach różu, czerwieni, perły, są komicy cyrku Medrano. Obrazy wyróżnia różnorodność tematyki, dynamiki i ruchu. Jednocześnie artysta kontynuuje rozwijanie indywidualnego stylu, ukształtowanego jeszcze w okresie „błękitnym”. Do tego czasu należą prace „Akrobata i młody arlekin” (1905), „Rodzina komików” (1905), „Błazen” (1905) itp. Pod koniec okresu „różowego” obrazy inspirowane starożytnymi mitami pojawiają się na obrazach Picassa: „Dziewczyna z kozą ”(1906),„ Chłopiec prowadzący konia ”(1906), zainteresowanie obrazem nagiego„ Czesanie ”(1906), Nagi chłopiec (1906).
