Francję początku stulecia charakteryzuje znaczny rozwój tendencji antyreligijnych, które stały się jednym z najważniejszych aspektów Oświecenia.
Pierwszym i najbardziej radykalnym dziełem ateistycznym, które krążyło we Francji na początku lat trzydziestych XX wieku, był „Testament” wiejskiego księdza J. Melliera, według którego „wszystko, co wasi teolodzy i księża z takim zapałem i elokwencją głoszą wam o wielkości, wyższości i świętość sakramentów, do czci których zmuszają, wszystko, co z taką powagą opowiadają o swoich wyimaginowanych cudach, wszystko, co z taką gorliwością i ufnością opisują wam o nagrodach niebieskich i straszliwych mękach piekielnych – to wszystko w istocie nic innego jak iluzje, złudzenia, oszustwa, fabrykacje i oszustwa…”
Z reguły jednak tak twarde stanowisko nie było charakterystyczne dla oświecenia, które trwało aż do połowy XVIII wieku. w oparciu o zasady deizmu. Teoria ta uznaje stworzenie świata przez Boga, jednak wynika z faktu, że w przyszłości Pan przestanie ingerować w sprawy natury i społeczeństwa. Deiści, do których należał Wolter, Monteskiusz, a także późniejsze postacie Oświecenia – Rousseau, Condillac, krytykowali wszystkie powszechne religie i mówili o potrzebie „religii naturalnej” nakierowanej na dobro rozumu i człowieka. „Mieczem, który odciął głowę deizmowi” była „Krytyka czystego rozumu” I. Kanta.
Jeśli w XVII w Matematyka odgrywała główną rolę w nauce, ale w XVIII wieku biologia, fizyka i geografia „dogonały ją”. Nauka staje się systemowa. Racjonalizm XVII wieku stopniowo się zmienia. Ustępuje przekonaniu o możliwości i konieczności rozwoju umysłu, oświecenia osobowości ludzkiej. Druga połowa lat 40. 18 wiek charakteryzuje się kształtowaniem poglądów materialistycznych.
W pracach J. La Mettriego znajdują się twierdzenia, że myślący człowiek nie znajdzie ani podstaw teoretycznych, ani praktycznych zainteresowań dla swojej wiary w Boga. Uważał jednak, że ateizm nie podlega rozpowszechnianiu wśród zwykłych ludzi i jest rozumiany jedynie przez nielicznych wybranych, którzy intelektualnie przewyższają resztę.
Pod koniec lat 40. Poglądy materialistyczne znajdują uzasadnienie w pracach D. Diderota i P. Holbacha, którzy uważali ateizm za konieczny i dostępny dla każdego.
Mechanistyczne nauki przyrodnicze, które dominowały aż do drugiej połowy XVIII wieku, zajmowały się badaniem ruchu przenoszonego z jednego ciała na drugie, tłumacząc początek ruchu działaniem Boga, jak na przykład Newton ze swoją teorią „pierwszego pchnięcia” „.
Voltaire uznał także istnienie jakiegoś bytu wiecznego, który jest przyczyną wszystkich innych. Deizm Voltaire'a stał się podstawą ukształtowania poglądów materialistów lat 30. i 40. XX w., uznawał on bowiem jedynie stworzenie świata za Boga, a później, zdaniem Voltaire'a, Bóg nie ingerował w sprawy świata. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, których prace zbiegły się z rozwojem chemii, geologii i biologii, otrzymali podstawę do twierdzenia o rozwoju natury od niej samej.
Już w latach 60. i 70. Voltaire wyrzeka się również twierdzenia o Boskim stworzeniu świata, ale nie o istnieniu Boga w ogóle. Jednocześnie nie znajduje odpowiedzi na takie pytania, jak pochodzenie świata, miejsce zamieszkania Boga.
Diderot zainicjował utworzenie „Encyklopedii, czyli słownika wyjaśniającego nauki, sztuki i rzemiosła”, którego publikacja trwała od 1751 do 1780 roku. Stało się ośrodkiem jednoczącym oświeconych. Książka zawierała informacje z zakresu matematyki, astronomii, geografii, opisywała technologię wytwarzania wyrobów przemysłowych.
Manufaktura stopniowo ustępuje miejsca bardziej złożonej organizacji pracy.
Rozwój manufaktur charakteryzował się podziałem pracy aż do najprostszej operacji, co było impulsem do rozwoju działalności wynalazczej. Wynalezienie „latającego” czółenka w tkactwie, zastąpienie ludzkiej ręki mechanizmem było początkiem rewolucji przemysłowej.
Przyspieszenie tkania wymagało stworzenia przędzarki, wynalezionej przez tkacza Jamesa Hargreavesa. W 1784 roku Edmund Cartwright daje ludzkości mechaniczne krosno. W 1771 roku pojawiło się przedsiębiorstwo, w którym maszynę napędzano kołem wodnym. Nie była to już manufaktura, ale pierwsza fabryka, w której operacje wykonywały maszyny.
W 1784 roku mechanik James Watt stworzył maszynę parową, z której można było korzystać niezależnie od obecności w pobliżu rzeki, w przeciwieństwie do koła wodnego. To już oznaczało przejście od fabryki do fabryki.
Pierwszą działającą lokomotywę parową stworzył inżynier samouk George Stephenson w 1814 roku. Masową budowę kolei rozpoczęto w latach dwudziestych XX wieku. 19 wiek Stosowane są nowe materiały i źródła energii.
Tym samym rozwój nauki w okresie Oświecenia przebiegał zgodnie z metodologią racjonalizmu.
Ruch oświeceniowy znalazł wyraz przede wszystkim w nauce i literaturze. Dzieła przepełnione są Duchem Oświecenia Lesage, Voltaire, Monteskiusz(„Duch praw”), Rousseau("Wyznanie"), Diderot, d'Alembert oraz inni pisarze i osoby publiczne, którzy byli propagandystami nowego światopoglądu.
Literatura Oświecenia, dzieła Woltera, Diderota, Locke'a, Helvetiusa, Rousseau, Richardsona, były już „literaturą światową” w wąskim znaczeniu tego słowa. Od pierwszej połowy XVIII w. rozpoczął się „dialog europejski”, w którym uczestniczyły wszystkie narody cywilizowane, choć większość z nich w sposób bierny. Literatura tamtej epoki była literaturą całej Europy, wyrazem europejskiej wspólnoty idei, jakiej nie widziano od średniowiecza.
„Teoria i praktyka literatury światowej były wytworami cywilizacji zdeterminowanej celami i metodami światowego handlu, - uważa A. Hauser. - Paradoks polega na tym, że Niemcy, którzy spośród wielkich narodów wnieśli najmniejszy wkład do literatury światowej, jako pierwsi zrozumieli jej sens i rozwinęli tę ideę.
Słusznie uważa się głowę francuskich oświeconych Wolter(Francois Marie Arouet). Jego dziedzictwo poetyckie jest różnorodne gatunkowo: poematy epickie, filozoficzne i heroiczno-komiksowe, ody, satyry, fraszki, liryki („Kandyd czyli optymizm”).
W literaturze edukacyjnej Francji XVIII wieku komedie zajmowały jedno z głównych miejsc pod względem siły oddziaływania na masy. Pierre’a Augustina baron de Beaumarchais(1732-1799). Mechanik i wynalazca, muzyk i poeta, a jednocześnie biznesmen i dyplomata. Jego najbardziej uderzającymi dziełami są komedie Cyrulik sewilski, Wesele Figara (trzecia część trylogii o Figarze - dramat Matka Zbrodni). Wiadomo, że Ludwik XVI, po wysłuchaniu spektaklu „Wesele Figara” wykrzyknął: „Trzeba zburzyć Bastylię, żeby pozwolić na to na scenie”
W roku 1685 kończy się okres twórczy barokowy klasycyzm, Lebruna traci swoje wpływy, a decydujące słowo wypowiadają wielcy pisarze epoki: Racine, Molier, Boileau, I Krzak. Wraz z dyskusją o „starym i nowym” rozpoczyna się walka tradycji z postępem, racjonalizmem i „sentymentalizmem”, która zakończy się w przedromantyzm Diderota. Arystokracja i burżuazja łączą się w jedną klasę kulturową. Członkowie wyższych sfer nie tylko spotykają się przypadkowo w domach finansistów i urzędników, ale są częstymi gośćmi i „tłumem” w „salonach” oświeconej burżuazji. Burżuazja stopniowo opanowała wszystkie środki kultury. Nie tylko pisała książki, ale także je czytała, nie tylko malowała obrazy, ale także je nabywała. Jeszcze w ubiegłym stuleciu sztuka interesowała się bardzo małą publicznością, obecnie wyłania się klasa kulturowa, która staje się prawdziwym właścicielem sztuki. To wiek niezwykłej aktywności intelektualnej.
Zmienia się samo pojęcie sztuki. Staje się humanitarna, bardziej przystępna i mniej pretensjonalna, nie jest już sztuką dla półbogów i „nadludzi”, ale przeznaczona jest dla istot śmiertelnych, zmysłowych i słabych, nie wyraża już wielkości i mocy, ale piękno i wdzięk życia , nie stara się już budzić szacunku i upokorzenia, ale czarować i sprawiać przyjemność. Tworzy się nowa publiczność, złożona z postępowej arystokracji i wielkiej burżuazji, która nadaje sztuce nieznany dotąd autorytet artystyczny. Odrzucenie starych ograniczeń tematycznych prowadzi do pojawienia się nowych artystów, takich jak Watteau, kontynuując tradycję Rubensa i stał się pierwszym artystą prawdziwie „francuskiego” malarstwa.
Odrodzony w XVIII wieku pasterski, istniał w epoce hellenistycznej. Wiek XVIII to era Francuzów krótkie historie w kreatywności Voltaire, Prevost, Laclos, Diderot I Rousseau odzwierciedlał tę erę badań psychologicznych.
Ewolucja sztuki dworskiej, niemal nieprzerwana od końca renesansu, została w XVIII wieku opóźniona i ostatecznie zatrzymana przez burżuazyjny subiektywizm. Pewne cechy nowej orientacji w kierunku zerwania ze sztuką dworską pojawiają się już rokoko. Kolor i odcień stają się lepsze niż ciągła linia. Tradycja barokowy atakowany z dwóch stron: „sentymentalizmu” i „naturalizmu”. Rousseau, Richardson, Grez, Hogarth- Po jednej stronie, Lessing, Winckelmann, Mengs, David- z innym. Obydwa kierunki przeciwstawiają się sztuce szlachetnej ideałowi prostoty i powagi purytańskiej koncepcji życia. Pod koniec stulecia w Europie nie ma innej sztuki niż burżuazyjna. Zauważa to A. Hauser „Rzadko w historii sztuki zdarzała się tak dramatyczna zmiana kierunku z jednej klasy na drugą, podczas której burżuazja całkowicie wyparła arystokrację”.
Ewolucja ta osiąga swój punkt kulminacyjny i cel podczas Rewolucji Francuskiej i r romantyzm, z podważaniem władzy królewskiej jako zasady władzy absolutnej, z dezorganizacją dworu jako ośrodka sztuki i kultury, z upadkiem baroku klasycyzm jako styl artystyczny, w którym aspiracje władzy absolutystycznej znalazły swój bezpośredni wyraz.
We Francji w pierwszej połowie XVIII w. (czas Ludwik XV) pojawia się styl rokoko, Lub rocaille(francuski: muszla), co odpowiadało epoce demokracji Oświecenie.
We francuskich sztukach pięknych odnotowuje się następujące etapy rozwoju: „Styl regencyjny” - wczesny rokoko,„Styl Ludwika XV” – dojrzały rokoko,„Styl Ludwika XVI” – dekoracyjny Rocaille, imperium(„Napoleoński” klasycyzm).
Rokoko wyraził arystokratyczny bunt przeciwko surowej rzeczywistości: ubrania, fryzury, wygląd stały się obiektami sztuki. Ludzi ceniono po ubiorze. Kobieta przedstawiała cenną lalkę, przepiękny kwiat.
Rokoko nie była już sztuką królewską, lecz pozostała sztuką arystokratyczną. To sztuka sprzeciwiała się estetycznym zasadom konwencjonalności i normatywności. Właściwie od rokoko rozpoczyna się sztuka mieszczańska, która jest uwarunkowana ideologią demokratyczną i subiektywizmem, ale zachowuje ciągłość z tradycjami renesansu, barokowy I rokoko. Rokoko przygotował tę nową alternatywę dla rozkładu klasycyzm późno barokowy swoim stylem malarskim, percepcją kolorów, techniką impresjonistyczną, która odpowiadała wyrazowi uczuć nowej klasy. Sensacja i estetyzm rokoko uchwycony pomiędzy stylem ceremonialnym barokowy i liryzm romantyzm. Rokoko była sztuką erotyczną przeznaczoną dla bogatych jako sposób na podniesienie ich zdolności do czerpania przyjemności. Rokoko rozwija formę zewnętrzną (że tak powiem – „sztukę dla sztuki”), zmysłowy kult piękna, zawiły formalny język artystyczny, wirtuozowski, dowcipny i melodyjny. Ale rokoko - jest to ostatni uniwersalny styl Europy, który rozpowszechnił się we wszystkich krajach i został przyjęty przez wielu artystów.
Od XIX wieku wola każdego artysty stała się osobista, gdyż musi on już zmagać się z wyrażaniem siebie za pomocą własnych środków. Nie może pozostać na wcześniej przyjętych stanowiskach, każda zaakceptowana forma jest dla niego przeszkodą. Dopiero w drugiej połowie XVIII wieku nastąpiła rewolucyjna zmiana: pojawiła się burżuazja ze swoim indywidualizmem i dążeniem do oryginalności. Wyparła ideę stylu jako świadomej wspólnoty wyzwalającej duchowo i nadała nowoczesne znaczenie idei własności intelektualnej.
Antoine’a Watteau(1684-1721) – przedstawiciel stylu rokoko w malarstwie typowy gatunek „galantowskich świąt” („Święto miłości”). Francois Bouchera- wariant sądowy rocaille: soczyste detale, zabawne niejasności. Jasne odcienie tonacji zostały utrwalone i wyodrębnione jako osobne detale, jako niezależne kolory: „kolor straconego czasu” („Kłopoty”, „Sabaudzki ze świstakiem”, „Gilles”).
Jednocześnie w malarstwie istniał „styl trzeciej władzy”, który charakteryzował się lekką zabawą erotyka(„dzielne fabuły”): Jean Baptiste Simon Chardin(1699-1779) - „Z rynku”, „Martwa natura z atrybutami sztuki”; N. Likr(1690-1743) - „Tancerz Camargo”; Jean-Étienne Lyotard(1702-1789) „Czekoladowa dziewczyna”; JB Honore Fragonard(1732-1806) - „Pocałuj ukradkiem”; JB Grez(1725-1805) - „Paralityk, czyli owoce dobrego wychowania”.
Wybitny kompozytor swoich czasów Jeana Philipa Rameau(1683-1764), autor trzydziestu pięciu kompozycji muzycznych i teatralnych. Wśród nich: balet „Gallant India”, tragedia liryczna „Prometeusz” na libretto Wolter komedia-balet „Platea, czyli zazdrosna Juno”, bohaterska pasterski„Zais”, opery „Kastor i Pollux”, „Hippolit i Arisia”, „Dardan” i inne. W jego twórczości programowa miniatura klawesynowa osiągnęła swój szczyt: „Świerkające ptaki”, „Tender Complaints”, „Kurczak ”, „Tamburyn” i inne, łącznie 52 sztuki. J.F. Rameau był wybitnym teoretykiem muzyki: „Traktat o harmonii” (1722).
W połowie XVIII wieku w satyrycznych przedstawieniach teatru targowego dojrzewał nowy gatunek - „komiks operowy”. Jej pierwsza próbka pasterski„Wioskowy czarodziej” Rousseau(1752). Przybycie włoskiej trupy operowej do Paryża w 1752 roku przyczyniło się do zatwierdzenia gatunku spektaklem miłośnik opery(włoska wersja opery komicznej, która powstała w latach 30. XVIII w. na podstawie komedii „dell'arte”).
„rosyjski prymitywizm” zdaniem A. Hausera, był tylko jednym z wariantów ideału „Arkady” i formy tych marzeń o wyzwoleniu, z którymi spotykano się zawsze, ale „niezadowolenie z kultury” Rousseau(„zło w kulturze”) sformułowany świadomie po raz pierwszy i jako pierwszy, pomimo tej niechęci do kultury, rozwinął filozofię historii. Głębokość i szerokość wpływu Rousseau jest niewyczerpana. Jest to jedno z tych duchowych zjawisk, które - mówi A.Hauser, - można porównać z Marksem i 3. Freudem, którzy zmienili światopogląd milionów ludzi, którzy nawet nie znali ich imion.
Stąd zmiana stylu literackiego w języku angielskim przedromantyzm,- to też kwestia Rousseau: zastąpienie form normatywnych podmiotowymi i niezależnymi.
Znajduje to odzwierciedlenie w muzyce, która staje się sztuką historycznie reprezentatywną. Do XVIII wieku wszelka muzyka była muzyką pisaną na specjalne okazje, zamawianą przez księcia, kościół lub radę miejską i mającą na celu przypodobanie się społeczeństwu dworskiemu, pochwałę pobożności w obchodach liturgicznych lub gloryfikację świąt państwowych. Już w połowie XVIII wieku postrzegano to jako mankament i aby temu zaradzić, utworzono miejskie towarzystwa muzyczne, które organizowały koncerty o charakterze czysto muzycznym, co wcześniej nie miało miejsca. Główną publicznością tych koncertów staje się burżuazja. Muzyka staje się ulubioną formą sztuki burżuazji, w której jej życie uczuciowe znajduje bardziej bezpośredni wyraz. Ale pojawienie się na koncertach mieszczańskiej publiczności nie tylko zmienia charakter środków wyrazu muzycznego i pozycję społeczną kompozytorów, ale także nadaje nowy kierunek twórczości muzycznej i nowe znaczenie każdemu utworowi muzycznemu.
Opowiadanie mieszczańskie i domowe było zupełną innowacją w stosunku do opowiadania pastoralno-łotrzyckiego, które dominowało w literaturze aż do połowy XVIII w., nie przeciwstawiając się jednak literaturze dawnej. A dramat burżuazyjny wystąpił w otwartej opozycji do tragedii klasycystycznej i stał się zwiastunem rewolucyjnej burżuazji. Dramat burżuazyjny początkowo zapowiadał deprecjację arystokratycznych wartości heroicznych i sam w sobie był propagandą burżuazyjnej moralności i równości.
Już Diderota sformułował najważniejsze zasady naturalistycznej teorii dramatu. Domagał się nie tylko naturalnej i trafnej psychologicznie motywacji procesów duchowych, ale także dokładnego opisu otoczenia i wierności naturze w scenerii. Diderota chce, aby przedstawienie odbyło się tak, jakby przed sceną nie było publiczności. Od tego zaczyna się prawdziwie całkowita iluzja teatru, eliminowanie konwencji i ukrywanie fikcyjnego charakteru przedstawienia.
Wiek XVIII jest pełen sprzeczności, nie tylko jego filozofia oscyluje między racjonalizmem a idealizmem, ale jego cele artystyczne wyznaczają dwa przeciwstawne nurty ścisłej klasycyzm i nieokiełznany malowniczość. W dramacie, podobnie jak w innych formach sztuki, klasycyzm był synonimem triumfu naturalizm I racjonalizm z jednej strony nad fantazją i niezdyscyplinowaniem, z drugiej nad sztuczność i konwencje sztuki, które miały miejsce wcześniej.
Nowy klasycyzm nie była improwizacją. Jej rozwój datuje się na okres średniowiecza. Ale sztuka epoki rewolucji różni się od poprzedniej. klasycyzm,że w nim ostateczną dominację uzyskuje ściśle formalna koncepcja artystyczna, której ewolucja tutaj się kończy. Klasycyzm, który rozciągał się od połowy XVIII do połowy XIX wieku, nie był pojedynczym ruchem, ale ewoluował, reprezentowany przez różne fazy. Pierwsza z tych faz przypada na lata 1750-1780 i jest potocznie nazywana „Rokokowy klasycyzm” ze względu na mieszankę stylów, ostatecznie ukształtowanych w „stylu Ludwika XVI”. Już barokowy charakteryzuje się wahaniami pomiędzy racjonalizm I sensacja formalizm i spontaniczność, klasyka i nowoczesność i stara się rozwiązać te przeciwieństwa w jednym stylu.
klasyczny sztuka odzyskuje na znaczeniu w XVIII wieku, gdyż po sztuce o zbyt elastycznej i płynnej technice, po nadmiernym wrażeniu gry kolorów i tonów, pojawia się pragnienie bardziej umiarkowanego, poważniejszego i bardziej obiektywnego stylu artystycznego. Uważa się, że wykopaliska
Starożytne greckie Pompeje (1748) odegrały decydującą rolę w odrodzeniu zainteresowania klasyką. Kolekcjonowanie antyków staje się prawdziwą pasją, na zakup dzieł sztuki klasycznej przeznaczane są ogromne sumy pieniędzy.
Sztuka XVII wieku interpretowała świat starożytnych Greków i Rzymian zgodnie z feudalną koncepcją moralności wyznawaną przez monarchię absolutną. Klasycyzm XVIII wiek wyraził
republikański stoicki ideał postępowej burżuazji. Trzecia ćwierćwiecze charakteryzuje się także walką stylów, w jakie się wcieliła klasycyzm. Do około 1780 roku walka ta ograniczała się do teoretycznej dyskusji ze sztuką dworską. Ale dopiero po pojawieniu się Dawida rokoko można uznać za pokonany. Od sztuki epoki rewolucyjnej, obejmującej okres od 1780 do 1800 roku, rozpoczyna się nowy etap klasycyzm. Rewolucja wybrała ten styl jako najbardziej odpowiedni dla swojej ideologii. David w swoim liście do Konwencji stwierdził: „Każdy z nas jest odpowiedzialny wobec narodu swoim talentem, który otrzymał od natury„. David był członkiem Konwentu i miał decydujący wpływ w imieniu rządu w sprawach artystycznych.
Paryż, będący niegdyś centrum życia literackiego, obecnie staje się także artystyczną stolicą Europy i przejmuje rolę, jaką Włochy odegrały w okresie renesansu. Tutaj od 1673 roku regularnie odbywały się wystawy sztuki, gdyż artyści, utraciwszy oficjalne wsparcie, zmuszeni byli zwrócić twarz do kupujących. Rewolucja oznaczała koniec epoki dyktatury Akademii i monopolu na rynku sztuki ze strony Dworu, arystokracji i wielkich finansistów. Akademię zlikwidowano po roku 1791
Zgromadzenie Ustawodawcze zniosło jej przywileje i przyznało wszystkim artystom prawo do wystawiania swoich prac w jej Salonie. W 1793 r Dawid założył Gminę Sztuki, wolne i demokratyczne stowarzyszenie artystów. Ale wkrótce, pod naciskiem monarchistów, zostało zastąpione przez Ludowo-Republikańskie Towarzystwo Sztuki. W tym samym czasie powstał Klub Sztuki Rewolucyjnej, w skład którego wchodzili m.in Dawid I Proudhona dlatego też dzięki swym wybitnym członkom cieszyła się dużym prestiżem. Akademia została zlikwidowana jako jedyny właściciel wystaw, jednak przez długi czas utrzymywała monopol na edukację, utrzymując w ten sposób swoje wpływy. Wkrótce jednak zastąpiła ją „Techniczna Szkoła Malarstwa i Rzeźby”, pojawiły się także szkoły prywatne i zajęcia wieczorowe. W 1792 roku Konwencja zezwoliła na utworzenie muzeum w Luwrze.
romantyczny ruch tutaj zamienia się w walkę o wolność, skierowaną nie tyle przeciwko Akademii, Kościołowi, Dworowi, mecenasom i krytykom, ile przeciwko samej zasadzie tradycji, władzy, przeciwko wszelkiej zasadzie. Walka ta żywiła się samą atmosferą rewolucji, której zawdzięczała swoje źródło i wpływ.
Nawet Napoleon zwrócił się w stronę sztuki romantycznej, gdy nie uważał sztuki za środek propagandy i samochwalstwa. Imperium znalazło swój artystyczny wyraz w eklektyzm które połączyły i ujednoliciły istniejące trendy stylistyczne. Ważnym wkładem imperium w sztukę było nawiązanie twórczych relacji między jego producentami a konsumentami. Decydującą rolę w kształtowaniu kręgu miłośników sztuki odegrała skonsolidowana pod koniec XVIII w. publiczność mieszczańska.
Życie artystyczne szybko podniosło się po wstrząsach rewolucji. Wychowano artystów, co spowodowało pojawienie się nowej sztuki. Remontowano stare instytucje, ale restauratorzy nie mieli jeszcze własnych kryteriów gustu. To wyjaśnia pewien upadek sztuki porewolucyjnej, który trwał około 20 lat, kiedy to romantyzm, Wreszcie udało mu się zrealizować we Francji.
KULTURA ARTYSTYCZNA EUROPY XVII-XVIII w.
Przy tworzeniu podręcznika wykorzystano materiały z Rosyjskiego Ogólnego Portalu Edukacyjnego (zbiór MHK, http://artclassic.edu.ru).
Zaczynasz studiować jedną z najjaśniejszych stron w historii światowej kultury artystycznej. Wiek XVII – XVIII to czas, w którym renesans został zastąpiony stylami artystycznymi baroku, klasycyzmu, rokoka.
Wiele się zmieniło w życiu człowieka, zmieniły się jego poglądy na temat wszechświata. Odkrycia naukowe z początku XVII wieku. ostatecznie wstrząsnął obrazem wszechświata, w centrum którego znajdował się sam człowiek. Jeśli w okresie renesansu świat wydawał się być jednym i całością, teraz naukowcy byli przekonani, że Ziemia wcale nie jest centrum Wszechświata, ale jedną z planet niebieskich krążących wokół Słońca. O ile wcześniejsza sztuka potwierdzała harmonię wszechświata, o tyle teraz człowiek obawiał się groźby chaosu, upadku kosmicznego porządku świata. Zmiany te nie mogły nie wpłynąć na rozwój sztuki. Nowe style w sztuce to nowa wizja świata człowieka New Age.
1. Różnorodność stylowa w sztuce XVII – XVIII wieku.
styl barokowy zaczął się rozwijać głównie w katolickich krajach Europy pod koniec XVI wieku. Jego nazwa jest związana ze słowem pospolitym barok ( wadliwa, nieregularna perła), co oznaczało wszystko, co jest niegrzeczne, niezdarne i fałszywe. W odniesieniu do sztuki termin ten został po raz pierwszy użyty w połowie XVIII wieku. krytycy barokowych budowli architektonicznych, którym styl ten wydawał się przejawem złego gustu. Następnie termin ten stracił swoje negatywne znaczenie i zaczął być stosowany w odniesieniu do innych rodzajów sztuki.
Głównym celem baroku jest chęć zaskoczenia, wywołania zdumienia. Sztuka baroku przekazywała napięcie konfliktu, ducha sprzeczności. Głównymi tematami sztuki były męka i cierpienie człowieka, mistyczne alegorie, stosunek dobra do zła, życia i śmierci, miłości i nienawiści, pragnienie przyjemności i zemsty za nie. Dzieła baroku cechuje emocjonalna intensywność namiętności, dynamizm sylwetek, malarski spektakl, przesadny przepych form, bogactwo i nawarstwienie przedziwnych detali oraz użycie nieoczekiwanych metafor. Barok charakteryzował się zaangażowaniem w zespół i syntezą sztuk. Pomimo złożoności i niejednoznaczności obrazów, ogólnie rzecz biorąc, styl charakteryzuje się charakterem afirmującym życie i optymizmem.
Okres od końca XVII do początków XIX wieku. przeszedł do historii jakoOświecenie. Jej główną treścią było rozumienie świata jako racjonalnie zorganizowanego mechanizmu, w którym człowiekowi przypisano znaczącą rolę organizacyjną. Harmonijnie rozwinięty, społecznie znaczący, zdecydowanie pokonujący namiętności i wątpliwości, gotowy poświęcić dobro osobiste dla dobra publicznego, człowiek żyje zgodnie z prawami Natury. Wolność, Rozum, Obowiązek, Moralność stają się priorytetami życia ludzkiego w epoce Oświecenia.
Idee Oświecenia ucieleśnione są w nowym stylu artystycznym - klasycyzm ( łac. classicus - wzorowy). Głównymi wzorami do naśladowania były dziedzictwo starożytne i humanistyczne ideały renesansu. Głównymi tematami sztuki klasycyzmu był triumf zasad publicznych nad osobistymi, podporządkowanie uczuć obowiązkom, idealizacja heroicznych obrazów.
Sztukę klasycyzmu charakteryzują takie cechy, jak jasność i prostota w wyrażaniu treści, powściągliwość, przestrzeganie pewnych zasad. Dzieła architektury klasycystycznej wyróżniały się surowymi liniami, wyraźnymi bryłami i wyważonymi proporcjami. Malarstwo, rzeźbę, sztukę i rzemiosło cechowało logiczne rozwinięcie wątków, wyraźnie zrównoważona kompozycja, wyraźne modelowanie bryły i podporządkowanie koloru akcentom semantycznym.
W krajach Europy klasycyzm istniał niezwykle długo, od XVII do lat 30. XX wieku. XIX w., a następnie, zmieniając się, odradzał się w nurtach neoklasycznych.
Na początku XVIII wieku we Francji na dworze królewskim rozpowszechnił się nowy styl w sztuce - rokoko ( ks. rocaille - muszla). Nie trwało to długo, bo mniej więcej do połowy stulecia, ale wywarło ogromny wpływ na rozwój sztuki. W epoce rokoka skupiano się na romansach, ulotnych hobby, przygodach i fantazjach, wytwornych rozrywkach i wakacjach. Sztuka miała sprawiać przyjemność, dotykać i bawić. W architekturze, malarstwie, rzeźbie, a zwłaszcza w sztuce i rzemiośle triumfują wykwintne złożone formy, dziwaczne linie, misterne ozdoby, w których wielokrotnie odtwarzane są sylwetki muszli i dziwacznych roślin. Niezwykłe kształty, bogactwo wzorów, złudzenia optyczne, chwiejny, czasem przyspieszający, czasem zwalniający rytm wciągały widza w cudowną grę, święto beztroski.
Jednocześnie w sztuce europejskiej powstają i rozwijają się tradycje realistyczne. Dla realizm charakteryzuje się obiektywizmem w przekazywaniu tego, co widzialne, dokładnością, konkretnością, bezstronnością w postrzeganiu życia, brakiem idealizacji, głębokim, odczuwalnym postrzeganiem życia i natury, prostotą i naturalnością w przekazywaniu ludzkich uczuć. Realizm objawił się najwyraźniej w malarstwie holenderskim XVII wieku.
Toczy się wiele i często debata na temat oryginalności i granic stylów artystycznych w sztuce XVII - XVIII wieku. Rzeczywiście, w twórczości jednego artysty dwa lub więcej stylów artystycznych mogłoby organicznie się przeplatać. Nie miało sensu na przykład wyznaczanie wyraźnych granic między barokiem a realizmem w twórczości wielkiego flamandzkiego artysty Petera Paula Rubensa. Podobny obraz jest charakterystyczny dla niektórych konkretnych dzieł sztuki. Na przykład połączenie stylów można zaobserwować w słynnym Pałacu Wersalskim. W jego zewnętrznym wyglądzie architektonicznym zastosowano surowe techniki klasycystyczne, a barok i rokoko w dekoracji bujnych, uroczystych wnętrz. Zatem style artystyczne w sztuce XVII-XVIII wieku, heterogeniczne w swoich przejawach, miały pewną wewnętrzną cechę wspólną.
Różnorodność stylistyczna sztuki XVII-XVIII wieku
Ogniwa MHK 9. XVII-XVIII wiek. numer 1.wersja2010
2. Mistrzowie baroku.
Lorenzo Bernini (1598-1680)
Giovanni Lorenzo Bernini urodził się w 1598 roku w Neapolu w rodzinie rzeźbiarza i malarza Pietro Berniniego. W 1605 roku na zaproszenie papieża Pawła V Pietro wraz z rodziną przeniósł się do Rzymu. Tutaj młody Lorenzo miał okazję kopiować dzieła wielkich mistrzów przechowywane w salach Watykanu. Już swoimi pierwszymi dziełami przyszły mistrz zwrócił na siebie uwagę papieża oraz kardynałów Borghese i Barberiniego, którzy stali się jego patronami i klientami.
W twórczości Berniniego istnieje wiele cech nieznanych renesansowi. Rzeźbiarz starał się pokazać nie stan bohaterów, ale akcję, z której wyrwano krótką chwilę. Sylwetki postaci stały się bardziej złożone. Bernini polerował marmur, dzięki czemu bawi się wieloma refleksami. Dzięki temu mistrzowi udało mu się przekazać najdrobniejsze niuanse: fakturę tkaniny, blask oczu, zmysłowy urok ludzkiego ciała. Innowacyjne poszukiwania młodego rzeźbiarza dały wyraźny wyraz już na początku lat dwudziestych XVII wieku. Temat pojedynku Dawida z Goliatem („ Dawid ”) Bernini decyduje w sposób dobitnie dynamiczny – bohater ukazany jest nie przed i po, ale właśnie w momencie walki z wrogiem.
Wyżsi duchowni katoliccy w pełni wykorzystali talent Berniniego. Rzeźbiarz realizował liczne zamówienia, tworzył kompozycje religijne, portrety ceremonialne, posągi do dekoracji rzymskich placów. Bernini stworzył wiele nagrobków dla sławnych ludzi swoich czasów. Ich żałosne skutki w pełni odpowiadały wymaganiom Kościoła w zakresie wywyższenia pobożności katolickiej. W okazałych zespołach pamięci Bernini odważnie zastosował nowe środki wyrazu, wzbogacając je realistycznym wykonaniem, co jest szczególnie charakterystyczne dla nagrobka papieża Urbana VIII (1628-47).
Już jako dojrzały mistrz Bernini stworzył jedną ze swoich najlepszych kompozycji - „Ekstaza św. Teresa » na ołtarz kaplicy rodziny Cornaro w rzymskiej świątyni Santa Maria della Vittoria. Kompozycja ilustruje jeden z epizodów z życia Teresy, hiszpańskiej zakonnicy żyjącej w XVI wieku, później kanonizowanej jako święta katolicka. W swoich notatkach napisała, że pewnego dnia we śnie ukazał się jej anioł i przeszył jej serce złotą strzałą. Bernini stanął przed trudnym zadaniem przedstawienia zjawiska nadprzyrodzonego, wizji we śnie. Autorce udało się po mistrzowsku oddać w marmurze najwyższe napięcie uczuć bohaterki. Punkt podparcia postaci jest ukryty przed widzem i powstaje złudzenie, że zakonnica i anioł unoszą się w chmurach. Nierzeczywistość tego, co się dzieje, podkreślają promienie promieni w tle i kłębiące się chmury, na których leży Teresa. Jej powieki są na wpół przymknięte, jakby nie widziała delikatnego i uśmiechniętego anioła, który pojawił się przed nią. W jej chorobliwie ekstatycznym wyglądzie splatają się cierpienie i przyjemność. Kompozycję umieszczono w głębokiej niszy obramowanej kolorowym marmurem. Efekt mistycznej wizji potęguje światło padające na rzeźbę w ciągu dnia przez żółtą szybę okna katedry.
Bernini połączył w rzeźbie ekspresję integralności zasad fizycznych i duchowych z błyskotliwą wizją architektoniczną i przestrzenną, co pozwoliło mu idealnie wpasować kompozycje plastyczne w gotowe konstrukcje i stworzyć wielkoformatowe zespoły architektoniczne, tak charakterystyczne dla sztuki baroku. Rzymskie fontanny „Tryton” i „Cztery Rzeki” to genialne połączenie wyrazistej barokowej plastyczności z bulgoczącą, pieniącą się wodą.
Przez ponad pół wieku Bernini pracował dla katedry św. Piotra. Stworzył monumentalne posągi świętych i nagrobki papieskie, wzniósł ambonę w ołtarzu głównym i cyborium (nadbudowę) nad grobem św. Petra jest niesamowitym przykładem jedności rzeźby i architektury. Główną kreacją architektoniczną Berniniego był projekt placu przed katedrą św. Piotra w Rzymie. Architektowi udało się rozwiązać kilka problemów na raz: stworzyć uroczyste podejście do głównej świątyni świata katolickiego, uzyskać wrażenie jedności placu i katedry oraz wyrazić główną ideę Kościoła katolickiego : objąć miasto i cały świat. Przestrzeń przed świątynią została zamieniona w jeden zespół dwóch placów: pierwszy ma kształt trapezu, ozdobiony emporami wystającymi bezpośrednio ze ścian katedry. Drugi wykonany jest w ulubionej formie baroku – owalu. Jest zwrócony w stronę miasta i otoczony majestatyczną kolumnadą. Monumentalne kolumny porządku toskańskiego ułożone są w czterech rzędach. Na górze łączy je zakrzywiona balustrada, na której umieszczono 96 posągów świętych. Na środku ogromnego placu, po obu stronach którego znajdują się dwie fontanny, wzniesiono obelisk.
Wśród innych dzieł architektonicznych Berniniego należy zwrócić uwagęPalazzo Barberini (współautorstwo z Carlo Maderną iFrancesco Borromini) i mały Kościół Sant'Andrea al Quirinale , co sam Bernini uznał za swoje najbardziej udane dzieło.
Twórczość Berniniego w dużej mierze zdeterminowała rozwój całej kultury europejskiej XVII wieku.
Michał Anioł Caravaggio (1573-1610))
Michelangelo da Caravaggio (właściwie Merisi da Caravaggio) urodził się w 1573 roku niedaleko Mediolanu, we wsi Caravaggio, od której pochodzi jego imię. W latach 1584-88. studiował w Mediolanie. Około 1590 r. Caravaggio przybył do Rzymu, gdzie przebywał do 1606 r. Tutaj przyszły artysta początkowo żył w biedzie, pracował dorywczo, prowadził nieuporządkowany tryb życia, co pozwoliło mu poznać życie i zwyczaje niższych klas miasta (później wielokrotnie wracał do tych tematów). Jakiś czas później modny malarz Cesari d'Arpino zabrał go jako asystenta do swojej pracowni, gdzie Caravaggio malował martwe natury na monumentalnych obrazach mistrza.
Nieokiełznany temperament pogrążył Caravaggia w trudnych, a czasem nawet niebezpiecznych sytuacjach. Wielokrotnie brał udział w pojedynkach, za co wielokrotnie trafiał do więzienia. Artystę wyróżniał burzliwy temperament i prawdziwie awanturniczy temperament. Jednak wśród bogatych rzymskich mecenasów nie brakowało koneserów tego śmiałego i niezależnego geniuszu. Artysta miał potężnego patrona – kardynała Francesco Marię del Monte. Sztuka mistrza została stopniowo uznana przez inne władze.
Już we wczesnych dziełach Caravaggia (pomiędzy 1592 a 1598 rokiem), z ich dźwięczną barwą i przezroczystym światłocieniem, pojawia się szereg zasadniczo nowych cech. Caravaggio przeciwstawia zasadę idealizacji obrazu indywidualnej wyrazistości konkretnego modelu („Mały chory Bachus ”), alegoryczna interpretacja fabuły - bezstronne studium natury w prostym codziennym motywie („Chłopiec z koszem owoców „). Caravaggio tworzy nowe rodzaje malarstwa - martwą naturę („Koszyk na owoce „”) i gatunek codzienny („ Rounder”, „Wróżka „). Obraz religijny otrzymuje od niego nową, intymną interpretację psychologiczną („Odpoczynek w czasie lotu do Egiptu »).
Pod koniec lat 90. XVI w. rozwija się oryginalny system malarski Caravaggia. Pierwszy plan obrazu, jasno oświetlony wiązką światła, wyróżnia się na tle pogrążonym w gęstym cieniu, co pozwala uzyskać podkreśloną optyczną widzialność obrazu i stworzyć wrażenie jego bezpośredniej bliskości z widzem („ lutnista").
Dojrzałe dzieła Caravaggia (1599-1606) to monumentalne płótna kompozycyjne o wyjątkowej sile dramatycznej. Charakteryzują się mocnymi kontrastami światła i cienia, wyrazistą prostotą gestów, energicznym modelowaniem brył i dźwięczną, bogatą kolorystyką.
Pomimo kontrowersji, a czasem skandali wokół nazwiska Caravaggia, nieustannie otrzymywał zamówienia na obrazy do świątyń. W latach 1602-04. – pisze artystaPozycja w trumnie » dla kościoła Santa Maria della Valicella w Rzymie. W latach 1603-06. tworzy kompozycjęMadonna z Loreto » dla kościoła Sant'Agostino w tym samym miejscu. Cudowna kompozycja”Śmierć Marii „(1606), napisany na ołtarz rzymskiego kościoła Santa Maria della Scala i odrzucony przez klienta. Tutaj Caravaggio przedstawił swoją interpretację tradycyjnego wątku Wniebowzięcia Najświętszej Maryi Panny, który według tradycji kościelnej miał nieść radość, gdyż Dziewica Maryja, kończąc swoje ziemskie życie, zjednoczyła się w niebie z Jezusem Chrystusem. Caravaggio przeciwnie, przedstawił to wydarzenie jako tragedię: apostołowie wokół łóżka Maryi pogrążeni są w smutku, a widok samej Matki Bożej przywołuje na myśl nie o błogosławionym wstąpieniu do nieba, ale o życiu pełnym cierpienie i trudną, bolesną śmierć.
Spokojne życie nie mogło zadowolić zbuntowanego Caravaggia, w 1606 roku po raz kolejny dał o sobie znać jego bezczelny charakter. Caravaggio zabił w pojedynku niejakiego Rannuccio Tomassoni i uciekł przed prześladowaniami w Neapolu. Tutaj stworzył kilka swoich arcydzieł, a następnie, uciekając przed prześladowaniami, przeniósł się na Maltę. Ale i tam, po namalowaniu pięknych obrazów, wdał się w kolejną skandaliczną historię i trafił do więzienia. Wkrótce udało mu się uciec i przez kilka następnych lat Caravaggio błąkał się po różnych miastach południowych Włoch. W późniejszych dziełach artysty, powstałych w latach tułaczki (1606-10), widać dalszy rozwój tendencji realistycznych, poszerzenie zakresu zjawisk życiowych („Siedem aktów miłosierdzia ”) towarzyszy pogłębienie się tragizmu światopoglądu. Wraz z nutami żałobnego dystansu manifestują ducha wzniosłego stoicyzmu („Egzekucja Jana Chrzciciela », « Biczowanie Chrystusa »).
W 1609 roku Caravaggio ponownie wrócił do Neapolu, gdzie oczekiwał na ułaskawienie i pozwolenie na powrót do Rzymu. Wreszcie w 1610 roku, po otrzymaniu przebaczenia od kardynała Gonzagi, Caravaggio wszedł na statek, ale nigdy nie dotarł do celu. Wielki artysta zmarł na gorączkę w Port Ercole.
Caravaggio przyczynił się do powstania nowych gatunków w malarstwie – martwej natury i gatunku codziennego, stworzył oryginalny system malarski, który później stał się znany jako „karawagizm”. Jego twórczość wywarła znaczący wpływ na niemal wszystkich wybitnych malarzy europejskich.
Peter Powell Rubens (1577-1640)
Peter Powell Rubens urodził się w 1577 roku w Niemczech, jako syn prawnika, imigranta z Flandrii. Po śmierci ojca w 1587 r. rodzina Rubensów wróciła do Antwerpii. Piotr wraz z bratem Filipem zostaje wysłany do szkoły łacińskiej, która dała młodym mężczyznom podstawy liberalnej edukacji. W wieku 13 lat Peter rozpoczyna naukę malarstwa. Po przejściu szkoły kilku malarzy flamandzkich, w 1598 roku został mistrzem.
Wiosną 1600 roku Rubens udał się do Włoch. Pod koniec 1601 roku artyście zaproponowano miejsce na dworze księcia Mantui. Do obowiązków Rubensa należało kopiowanie obrazów wielkich mistrzów. Chwała utalentowanego artysty przychodzi do niego niespodziewanie. Na prośbę księcia Rubens niesie cenne dary królowi Hiszpanii Filipowi III. Na drodze zdarzają się kłopoty: deszcz beznadziejnie zepsuł kilka obrazów, a Rubens musi zamiast tego namalować własny. Obrazy robią wrażenie, a Rubens od razu otrzymuje pierwsze zlecenie. Kompozycja, na której przedstawiony jest pierwszy minister króla siedzący na koniu, cieszy się ogromnym powodzeniem, a chwała Rubensa rozprzestrzenia się na europejskie dwory królewskie.
Rubens nazywany jest często największym mistrzem triumfującego baroku. Poczucie nieskończoności świata, nieposkromiony uniwersalny ruch, zderzenie sił żywiołów i intensywność ludzkich namiętności – to właśnie charakteryzuje wiele płócien artysty. Wielofigurowe kompozycje przedstawione w skomplikowanych ukośnych kątach są pełne najdrobniejszych szczegółów i detali. Obrazy Rubensa wyróżnia swobodna plastyczność form, mocne efekty kolorystyczne i najsubtelniejsza gra barwnych odcieni.
W 1608 roku, otrzymawszy wiadomość o ciężkiej chorobie matki, Rubens pospiesznie wrócił do Antwerpii. W 1609 roku zgodził się objąć stanowisko malarza nadwornego pod panowaniem władczyni Flandrii, Izabeli Austriackiej. Jesienią tego samego roku Piotr poślubia Izabelę, córkę Jana Brandta, sekretarza sądu miejskiego. Jego wspaniały „Autoportret z Isabellą Brandt” daje żywe wyobrażenie o talencie artysty. Przystojna twarz Rubensa jest spokojna i pełna poczucia własnej wartości. Modny, elegancki i drogi garnitur podkreśla jego arystokrację i doskonały gust artystyczny. Siedzi z młodą żoną w altanie oplecionej zielenią, ich wyraziste oczy zwrócone są bezpośrednio na widza, ich nieskończenie życzliwe spojrzenie jest pełne cichego i pogodnego szczęścia.
W latach 1612-20. rozwija dojrzały styl artysty. W tym okresie stworzył wiele swoich najlepszych dzieł: obrazy mitologiczne („Perseusz i Andromeda », « Porwanie córek Leukipposa », « Wenus przed lustrem », « Bitwa Greków z Amazonkami »); sceny myśliwskie („Polowanie na hipopotamy i krokodyle »); pejzaże („Nosiciele kamieni”), kompozycje religijne („Sąd Ostateczny”). W tym samym okresie Rubens działał jako architekt, budując własny dom w Antwerpii, naznaczony barokowym przepychem.
Rubens nigdy nie zamykał się w ramach jednego gatunku malarstwa. Jego liczne obrazy alegoryczne poświęcone są problemom współczesnego życia, odwołanie do starożytnych mitów jest pełne głębokiego znaczenia symbolicznego. W alegorycznym obrazieZjednoczenie Ziemi i Wody » Rubens przedstawia połączenie dwóch naturalnych żywiołów, przedstawianych jako matka wszystkich bogów, Kybele (uosabia Ziemię) i boga mórz, Neptuna. Obraz miał głębokie znaczenie związane z nadziejami Rubensa na szybki dobrobyt ojczyzny. Po podziale Holandii na Flandrię Północną (Holandię) i Południową utraciła ona dostęp do morza oraz dochodowe szlaki handlowe. Połączenie dwóch naturalnych żywiołów to nadzieja na pokój, marzenie artysty o zjednoczeniu Flandrii z morzem.
Pod koniec 1610 r. Rubens zyskał szerokie uznanie i sławę. Nie mogąc szybko zrealizować licznych zamówień, Rubens stworzył ogromny warsztat, w którym gromadzili się najlepsi młodzi artyści Flandrii, wśród których byli tacy przyszli wybitni malarze, jak Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders. Rubens miał niesamowitą zdolność do pracy. Stworzył około 1500 prac samodzielnych i tyle samo we współpracy ze studentami – liczba niewiarygodna jak na człowieka, który żył zaledwie 63 lata.
Znakomicie wykształcony, mówiący kilkoma językami, Rubens często był przyciągany przez władców hiszpańskich do wykonywania misji dyplomatycznych. Po śmierci żony, w latach 1627-30, artysta odwiedza Holandię, Francję, następnie udaje się do Madrytu i Londynu w ramach misji dyplomatycznych. Spotyka się z Karolem I, księciem Buckingham, Filipem IV, kardynałem Richelieu, przyczynia się do zawarcia traktatu pokojowego między Hiszpanią a Anglią, za co król hiszpański nadał mu tytuł doradcy stanu, a Anglikom – szlachtę. Podczas swoich podróży Rubens maluje portrety osób królewskich i po prostu wysokich rangą: Marii Medycejskiej, Lorda Buckinghama, króla Filipa IV i jego żony Elżbiety francuskiej.
W latach trzydziestych XVII wieku rozpoczął nowy okres twórczości artysty. Po czterech latach wdowieństwa, w 1630 r. Rubens poślubił szesnastoletnią Helenę Faurment, córkę przyjaciela i dalekiego krewnego Daniela Faurmenta. Rubens odchodzi od spraw politycznych i całkowicie poświęca się kreatywności. Nabywa majątek z zamkiem w Elewite (Brabant) i osiedla się tam wraz z młodą żoną. Od czasu do czasu artysta tworzy kompozycje dekoracyjne i monumentalne, np. szkice łuków triumfalnych z okazji wjazdu do Antwerpii nowego władcy Flandrii, Infanta Ferdynanda, częściej jednak maluje niewielkie obrazy, wykonując je swoim własnymi rękami, bez pomocy warsztatu. Tematyka tego okresu jest różnorodna. Oprócz poetyckich pejzaży Rubens malował sceny wiejskich uroczystości. Jego głównym modelem jest młoda żona. Rubens uwiecznia ją w obrazach biblijnych i mitologicznych („Batszeba”), tworzy ponad 20 portretów Heleny. Ostatnie dzieła Rubensa - „ Wyrok Paryża”, „Trzy Gracje”, „Bachus”.
Wiosną 1640 r. stan zdrowia Rubensa gwałtownie się pogorszył (cierpiał na podagrę); 30 maja 1640 artysta zmarł.
Twórczość Rubensa wywarła zauważalny wpływ na rozwój sztuki europejskiej XVII-XIX wieku.
MISTRZOWIE BAROKÓW
Ogniwa MHK 9. XVII-XVIII wiek. numer 2.2011 rok
3. Mistrzowie malarstwa realistycznego.
„Mały Holender”.
W Sali Namiotowej Nowego Ermitażu znajduje się główna wystawa sztuki holenderskiej XVII wieku. Prezentowane są tu obrazy tzw. „małego (lub małego) Holendra”, wśród których wbrew temu określeniu nie zabrakło także bardzo dużych mistrzów. Nie stopień talentu, ale dopiero niewielki rozmiar płócien był powodem tej nazwy. Zdecydowana większość tych obrazów ma charakter świecki. Każdy artysta z reguły specjalizował się w jednym gatunku.
Niewielki, gabinetowy format obrazów nie był przypadkowy. Miejsce dawnych konsumentów sztuki: kościoła ze świątynią i pana feudalnego ze swoim zamkiem, zajął nowy klient: przedstawiciel trzeciego stanu, który do swojego skromnego domu nie potrzebował dużych obrazów. A porządek, w dawnym znaczeniu tego słowa, był teraz stawiany głównie na portret . Dzieła innych gatunków artysta tworzył „na rynek”. Nie oznaczało to oczywiście, że artysta miał całkowitą swobodę w swojej twórczości. Rynek, czyli gust nowego konsumenta dzieł sztuki – burżuazji, przedstawił malarzowi swoje żądania. Te żądania młodej, wschodzącej klasy miały, zwłaszcza na początku, bardzo trzeźwy, demokratyczny charakter: dzieło sztuki powinno pokazywać życie w sposób prawdziwy, bez upiększeń.
Burżua – przedstawiciel wczorajszej klasy uciskanej, obecnie właściciel materialnych i duchowych wartości państwa, chciał przede wszystkim zobaczyć swój własny wizerunek. Nie wstydził się, że z płótna wyglądała niezbyt piękna i niezbyt uduchowiona twarz, że postać nie wyróżniała się wdziękiem, a kostium nie był elegancki. Przyjdzie czas, gdy porywczy mieszczanie będą chcieli wyglądać jak arystokraci, ale dotychczas wymagano, aby osoba ukazana na portrecie miała charakter, aby w rysach twarzy widać było determinację, nieustępliwość w biznesie czuć w dłoniach i siłę w sylwetce.
Twórczość Fransa Halsa , wybitnego portrecisty XVII wieku, stanowił szczyt okresu zdecydowanej ofensywy realizmu w malarstwie. Odważnie przełamując utarte wyobrażenia o portrecie jako dokładnym, beznamiętnym rzucie natury, Hals tworzy ostry, żywy obraz – postaci uchwyconej w jednym z momentów ciągłej zmienności ludzkiej twarzy. Artystka rezygnuje z obowiązujących tradycyjnych norm: wizerunku frontalnego czy profilowego, konwencjonalnej, standardowej pozy. Wesoły, energiczny, przyjacielski, towarzyski, a jednocześnie opanowany i solidny na swój sposób, znający swoją wartość, potrafiący się bronić, bohater pojawia się przed widzem w „Portret młodego mężczyzny„. Kompozycja jest prosta: typowy portret półfigurowy. Ale ciało jest przedstawione prawie z profilu, a głowa - w trzech czwartych. Ten energetyczny zwrot wyraża silną wolę przedstawianej osoby. Żywy błysk w oczach, dziarski półuśmiech, który zaraz rozciągnie usta, i ruchome dłonie dopełniają dynamiki obrazu. W innym dziele Ermitażu – „Portret męski» przed publicznością – zupełnie inna osobowość. Wyzywająco niezależna poza (prawa ręka swobodnie opuszczona na bok), rozpuszczone włosy na ramionach i efektownie zarzucony płaszcz, a także wyraz zmrużonych oczu i sceptyczny uśmiech rysują osobę pewną siebie i nieco arogancki, narcystyczny i pełen świadomości godności własnej osoby. Twórczość Halsa, wyróżniająca się wyjątkową pełnią ujawnienia specyficznego charakteru oraz odważną innowacyjnością w zakresie koloru i techniki, jest najwyższym osiągnięciem wczesnego etapu rozwoju malarstwa niderlandzkiego.
Staje się jednym z najpopularniejszych w Holandii gatunek domowy. Obrazy Jana Steena przyciągają nie tylko umiejętnością przedstawiania ludzi, wnętrz, przedmiotów gospodarstwa domowego, ale także zabawną treścią, czasem scenami anegdotycznymi („ Biesiadnicy”, „Pacjent i lekarz”).
Malarze pracujący w mieście Delft woleli poetyzację życia codziennego od narracji i rozrywki. Udało im się uczynić „codzienność - poetycką, trywialną - wzniosłą, nadać najbardziej nieistotnym szczegółom rzadką duchowość” (V.N. Lazarev). Uważany jest za najwybitniejszego przedstawiciela szkoły z Delft Jana Vermera , który za życia zapracował sobie na przydomek „największego magika i magika malarstwa”. Zachowało się około 40 jego prac (wszystkie znajdują się w muzeach zagranicznych) - pejzaże, sceny rodzajowe, portrety.
Scena z jednego z najlepszych obrazów artysty z Delft Piotra de Hoocha Pani i służąca»staje się czystym, przytulnym dziedzińcem, zalanym jasnym światłem słonecznym. Pokojówka pokazuje gospodyni, która na jakiś czas zostawiła robótki, rybę przyniesioną z targu w mosiężnym wiadrze wypolerowanym na lustrzany połysk. Teraz gospodyni wyda niezbędne rozkazy, a życie znów potoczy się zwykłym rytmem. na obrazie przez Petera Janssensa pokój w holenderskim domu” subtelnie oddaje atmosferę ciszy i komfortu, spokoju i regularności codzienności.
kreacja Gerarda Terborchawyróżnia się żywą ekspresją uchwyconych sytuacji, umiejętnością przekazania relacji między bohaterami za pomocą subtelnych gestów („ Szklanka lemoniady", " Otrzymanie listu»).
Gatunek martwa natura . Termin ten, który pojawił się w XIX wieku, oznacza „martwą naturę”, co często nie odpowiada treści obrazów. Sami Holendrzy nazwali ten gatunek „ jeszcze jedenaście » - spokojne życie. „Ciche życie rzeczy” to obraz przedmiotów rzeczywistego świata, połączonych w całość, która ma ukryte budujące znaczenie. Ulubionymi tematami były „śniadania”, „desery”, bukiety kwiatów i kompozycje alegoryczne. Na tych obrazach zawsze wyczuwalna jest niewidzialna obecność człowieka. Przesunęli sztućce na stół, rozłupali orzech, obrali cytrynę i dopili wino w kieliszku. Kompozycja staje się jeszcze bardziej naturalna i autentyczna. Mistrzowie iluzji dokładnie oddają kształt i trójwymiarowość obiektów, ich materiał, odbicia światła i kolory na powierzchni rzeczy. To są martwe naturyWillem Klas Heda i Piotr Klas.
Najpopularniejszy gatunek malarstwa holenderskiego XVII wieku. staje się sceneria. O oryginalności tego gatunku i jego tematów zadecydowała specyfika przyrody tego północnego kraju. Artyści nie chcieli przedstawiać idealnych, uniwersalnych krajobrazów. Interesowała ich zwyczajna przyroda w naturalnej sytuacji.
Malarzy morskich przyciągają drogie sercu Holendrów przestrzenie morskie, po których płyną żaglówki i łodzie napędzane świeżym wiatrem ( Jana Porcellisa” Morze w pochmurny dzień» ). Znany zoolog Paulusa Pottera słynie z przedstawiania zwierząt w krajobrazach. Wspaniale malował pejzaże spowite przezroczystym chłodnym powietrzem i zielone łąki z pasącymi się stadami w jasnym świetle dnia. Obrazy charakteryzują się głębokim filozoficznym zrozumieniem natury, wyraźną przemyśleniem i wyrazistością kompozycjiJacoba van Ruisdaela. Jego natura jest pełna życia wewnętrznego, przesiąknięta nieustannym ruchem, walką sił żywiołów, kontrastami światła i cienia. Jego bohaterami są szybkie strumienie i stojąca woda bagien („ Bagno ”), drzewa powalone przez burzę, opadające jesienne liście i młode przyrosty. Każdy z jego pejzaży przesiąknięty jest osobistymi doświadczeniami dotyczącymi budowy wszechświata i miejsca w nim człowieka.
Uważnie podążając za naturą, holenderscy mistrzowie byli w stanie odkryć piękno widzialnego świata w jego najróżniejszych przejawach. Ich prace wciąż zachowują żywy dreszczyk prawdziwego życia, oddają barwne bogactwo otaczającego świata. Dorobek „Małego Holendra” stał się podstawą rozwoju nurtu realistycznego w sztuce europejskiej XVIII i XIX wieku.
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669)
Rembrandt – holenderski malarz, rysownik i rytownik (akwaforta – rodzaj grawerowania), niezrównany mistrz malarstwa i grafiki, który tworzył dzieła niemal we wszystkich gatunkach: portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce biblijnej, mitologicznej i historycznej. Rembrandt jest autorem około 600 obrazów, 300 rycin i 2 tysięcy rysunków. Twórczy sukces, który przypadł Rembrandtowi na początku lat trzydziestych XVII wieku, wkrótce został zastąpiony szczerym odrzuceniem jego twórczości przez społeczeństwo holenderskie, co doprowadziło artystę do biedy i upokorzenia. Sztuka Rembrandta została mocno zapomniana przez współczesnych, zainteresowanie nim odnowiło się dopiero pod koniec XIX wieku.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się 15 lipca 1606 roku w Lejdzie w rodzinie młynarskiej. Po krótkich studiach na uniwersytecie w Leiden poświęcił się całkowicie sztuce. Przez pewien czas młody człowiek studiował w Amsterdamie u słynnego malarza historycznego Petera Lastmana. Sześć miesięcy później opuścił warsztat Lastmana i wracając na początku 1625 roku do rodzinnej Lejdy, stał się niezależnym artystą.
W 1632 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, gdzie wkrótce poślubił bogatego patrycjusza Saskię van Uylenburgh. Lata trzydzieste XVII w. – początek lat czterdziestych XVII w. to lata szczęścia rodzinnego i wielkiego sukcesu twórczego Rembrandta. Obraz "Lekcja anatomii doktora Tulpa ”, w którym artysta w nowy sposób rozwiązał problem portretu grupowego, przyniósł mu szeroką sławę. Otrzymuje wiele zamówień, w jego warsztacie pracuje wielu uczniów. W tych latach Rembrandt dużo pracował w gatunku portretów: malował portrety zamożnych mieszczan, autoportrety, portrety bliskich. Dzieła tego czasu charakteryzują się czasami teatralnymi efektami zewnętrznymi, zewnętrznym patosem i barokowym dynamizmem („Autoportret z Saskią », «
Ofiara Abrahama„”, Flora „). Szczególne miejsce w twórczości Rembrandta tego okresu zajmują obrazy o tematyce mitologicznej, które artysta interpretuje w sposób odległy od klasycznych kanonów i tradycji („ Danae „). W latach trzydziestych XVII wieku Rembrandt intensywnie zajmował się techniką trawienia. W tym okresie powstały pierwsze pejzaże, pierwsze grafiki, a także wiele najwspanialszych rysunków ołówkiem.
Narastający konflikt pomiędzy sztuką Rembrandta a wymogami estetycznymi współczesnego społeczeństwa objawił się w 1642 roku, kiedy obraz „Przemówienie kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka (Nocna Straż) „wywołało protesty klientów, którzy nie zaakceptowali głównej idei mistrza – zamiast tradycyjnego portretu grupowego stworzył on w istocie obraz historyczny. W latach czterdziestych XVII wieku napływ zamówień zostaje ograniczony, w warsztacie Rembrandta pozostają tylko najbardziej oddani uczniowie. Okoliczność życiową komplikuje śmierć Saskii. Twórczość artysty traci swą wcześniejszą zewnętrzną efektowność i nuty majorowe. Pisze spokojne, ciepłe i intymne sceny biblijne i rodzajowe („ Dawid i Jonatan „). Najbardziej subtelna gra światła i cienia nabiera coraz większego znaczenia zarówno w malarstwie, jak i grafice Rembrandta (akwaforta „Chrystus uzdrawiający chorych "(" Arkusz 100 guldenów»).
W 1649 r. Rembrandt żeni się po raz drugi – ze swoją służącą Hendrikje Stoffels, która później często służyła mu za wzór („Portret Hendrickje Stoffelsa »).
Lata pięćdziesiąte XVII wieku, lata trudnych prób życiowych, otwierają okres dojrzałości twórczej Rembrandta. W tym czasie Rembrandt tworzy wiele ze swoich najważniejszych portretów („Burmistrz Jan Sześć ”), w tym portrety osób starszych, kontynuuje pracę w grafice. W "Portret starszego mężczyzny w czerwieni ”, przechowywany w Ermitażu, artysta, jakby przesuwając ramy czasowe obrazu, przekazuje wielostronny i złożony wewnętrzny świat człowieka, odsłania jego duchową istotę jako wynik całego jego życia. Statyczny charakter kompozycji, brak jakichkolwiek szczegółów sytuacji, wykorzystanie światła do skupienia uwagi na najważniejszej rzeczy i wzmocnienie emocjonalnego oddziaływania obrazu, wirtuozowska technika malarska - wszystko służy charakteryzacji psychologicznej . Krytycy nazywają takie przedstawienia ludzi „portretami-biografiami”.
W 1656 roku Rembrandt ogłosił upadłość, a cały jego majątek został sprzedany na aukcji. Przeniósł się do żydowskiej dzielnicy Amsterdamu, gdzie resztę życia spędził w skrajnie ciasnych warunkach. W 1661 roku artyście zlecono namalowanie dużego historycznego obrazu dla amsterdamskiego ratusza na temat z odległej przeszłości Holandii („Spisek Juliusa Civilisa „). Praca ta nie została zaakceptowana przez klientów ze względu na jej surowy realizm. Do późnego okresu twórczości artysty zalicza się także szereg kompozycji o tematyce religijnej („ Dawid i Uriasz ”), portrety grupowe i pojedyncze („Portret Jeremiasza de Dekkera„). Twórczość zmarłego Rembrandta wyróżnia się niezwykłą głębią cech psychologicznych.
Na starość Rembrandta nękały straty: Hendrickje zmarł w 1663 r., jego jedyny syn Tytus zmarł na dziedziczną gruźlicę w 1668 r., a 4 października 1669 r. zmarł sam artysta, który zmarł w biedzie, zapomnieniu i samotności.
Obraz " Powrót syna marnotrawnego powstał na krótko przed śmiercią artysty. W przypowieści ewangelicznej, która opowiada o synu, który zapomniawszy o rodzicielskich wskazówkach, prowadził rozwiązłe życie, a chory, załamany duchowo żebrak wrócił do starego ojca i otrzymał od niego przebaczenie, Rembrandta nie pociągał temat przygody i dzikie życie młodego człowieka (które często przedstawiali inni malarze), a finałem jest spotkanie ojca i syna. Kompozycja zwrócona jest do widza, znajduje się on w tym samym kręgu z przedstawionymi na obrazie osobami, które w głębokiej i ciężkiej medytacji ze współczuciem patrzą na niewidomego starca, ostrożnie obejmując upadłego przed nim na kolana syna jego. Humanistyczna istota sztuki Rembrandta nabiera w tym dziele szczególnego, uogólniającego znaczenia. Samotny artysta, który w tym czasie stracił już prawie wszystkich bliskich, pracujący w społeczeństwie, które często odrzucało jego talent, podtrzymuje ideę życzliwego stosunku do ludzi, potrzeby niesienia pomocy tym, którzy odnaleźli się w tragicznej sytuacji. Dzieło to można uznać za swego rodzaju wynik twórczego życia genialnego mistrza.
Twórczość Rembrandta stanowi szczyt rozwoju sztuki holenderskiej w XVII wieku. Wywarł silny wpływ na rozwój całej europejskiej sztuki realistycznej.
Realistyczne malowanie Holandii. XVII wiek
MHK 9KL. 17-18 WIEK. NUMER 3. 2011
4. Mistrzowie „gatunku walecznego”: malarstwo rokokowe.
Tematem przewodnim malarstwa rokokowego jest wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy „pasterskiego” życia na tle dziewiczej przyrody (tzw. duszpasterskiej), świat romansów i pomysłowe alegorie. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego należy złapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, aby żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” (M. Kulmin) staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów stylu rokoko.
Antoine Watteau (1684-1721).
Słynny francuski malarz Jean Antoine Watteau urodził się w 1684 roku w małym prowincjonalnym miasteczku Valenciennes w rodzinie biednego dekarza. W 1702 roku Watteau udał się do Paryża bez żadnego wsparcia finansowego ze strony rodziny. Przez dwa lata za żebraczą pensję pracuje jako kopista tanich obrazów dla kupca z mostu Notre Dame. Artysta swój wolny czas poświęca na czerpanie z natury. W tym czasie Watteau poznał dekoratora teatralnego K. Zhilo, od którego zaczął brać lekcje malarstwa. Zbliżając się w 1708 roku do kustosza Pałacu Luksemburskiego, Watteau miał okazję studiować dzieła wielkich mistrzów, które obfitowały w pałacową kolekcję obrazów.
Watteau rozpoczyna niezależną działalność twórczą od szkiców scen z życia żołnierza. Kompozycje te odniosły sukces wśród paryskiej publiczności, a do artysty napłynęły zamówienia. Podążając za charakterystycznymi motywami malarstwa rodzajowego XVII wieku, Watteau zwrócił się ku obrazowi współczesnego życia.(„Savoyar ze świstakiem”), co wnosiło szczególną intymność i liryczne podniecenie. W wieku dorosłym artysta preferuje sceny teatralne i tzw. „gatunek szarmancki”, przedstawiający w swoich obrazach wszelkiego rodzaju święta, maskarady i zabawy, romantyczne randki, wykwintną grę miłości nieostrożnych pań i panów („Święto miłości „,” Społeczeństwo w parku „). Artysta malował także sceny teatralne, portrety, pejzaże, kompozycje mitologiczne i religijne, akty, rysunki pozostawione, w których uwieczniał najróżniejszych przedstawicieli społeczeństwa francuskiego.
Watteau jako pierwszy odtworzył w sztuce świat najsubtelniejszych stanów psychicznych („ Kapryśny”, „ żenująca propozycja”), często zabarwiony ironią i goryczą. Bohaterowie obrazów Watteau to stale powracające typy, ale za ich waleczną grą kryje się nieskończona różnorodność odcieni poetyckich uczuć.
Watteau udało się zdobyć uznanie w środowisku artystycznym jako mistrz subtelny i oryginalny. W 1712 został przyjęty do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby, a w 1717 na duży obraz „Pielgrzymka na wyspę Cythera » otrzymał tytuł naukowca. Urocze panie i panowie zgromadzili się na usianym kwiatami brzegu wyspy Cythera – wyspy Wenus, bogini miłości i piękna. Święto miłości rozpoczyna się przy posągu bogini, u stóp którego układana jest broń, lira i książki - symbole wojny, sztuki i nauki: rzeczywiście miłość może pokonać wszystko! Ciepłe, delikatne kolory, stonowane kolory, lekkie pociągnięcia pędzlem artysty – wszystko to tworzy wyjątkową atmosferę uroku i miłości.
W 1719 Watteau wyjechał do Anglii. Przez rok mieszkał w Londynie: ciężko pracował i zyskał uznanie. Jednak wilgotny klimat stolicy Anglii podważył kruche zdrowie artysty. Wracając do Paryża, Watteau był chory bez końca. W 1721 roku, w wieku 36 lat, Watteau zmarł na suchoty.
Twórczość Watteau zapoczątkowała nowy etap w historii europejskiego malarstwa, grafiki i sztuki dekoracyjnej XVIII wieku. Dekoracyjne wyrafinowanie jego dzieł posłużyło za podstawę artystycznego stylu rokoko.
Francois Boucher (1703-1770).
Francuski malarz, rysownik, rytownik i dekorator Francois Boucher urodził się w 1703 roku w rodzinie kupca drukarskiego. Około 1720 r. Francois rozpoczyna pracę w warsztacie F. Lemoine’a. Pierwszą specjalnością młodego artysty był rzemiosło ilustratora. Boucher rysuje winiety i uczestniczy w tworzeniu ilustracji do „Historii Francji” P. Daniela na zlecenie paryskiego kolekcjonera Juliena Bouchera, graweruje pejzaże i szkice A. Watteau. Boucher przez całe życie będzie zajmował się ilustrowaniem publikacji drukowanych; będzie tworzył ilustracje do dzieł Moliera, Boccaccia, Owidiusza i innych autorów.
W latach 1726-27 Francois wkrótce osiąga wielki sukces w sztuce grawerowania, otrzymuje Grand Prix Akademii i wyjeżdża na cztery lata do Włoch. Po powrocie do Paryża Boucher żeni się i otrzymuje pierwsze duże zamówienia dla królewskiej manufaktury gobelinów w Beauvais. W 1734 za obraz „Rinaldo i Armida » Boucher został wybrany do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby. W 1737 został profesorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby.1736-60. - okres dojrzałej twórczości artysty. Przez te lata intensywnie zajmował się różnymi dziedzinami sztuki (malarstwo, sztuka dekoracyjna i użytkowa).
Boucher jest największym artystą dekoracyjnym swoich czasów. Po pracy w Beauvais był dyrektorem królewskiej manufaktury gobelinów w Paryżu, pełnił funkcję dekoratora w Operze Paryskiej, pracował w manufakturze w Sevres. Niewątpliwym arcydziełem sztuki dekoracyjnej byłogobelin „Chińskie rozrywki”, podarowany w 1764 roku przez Ludwika XV cesarzowi chińskiemu. Artysta brał czynny udział w dekorowaniu rezydencji króla Ludwika XV i jego kochanki Madame de Pompadour, m.in. malował sufit w apartamentach królowej w Pałacu Wersalskim.
Twórczość malarza Bouchera jest wyjątkowo wieloaspektowa. Artysta zwrócił się w stronę alegoriiszachy i wątki mitologiczne, których ulubioną bohaterką była Wenus („ Triumf Wenus Jowisz i Kalisto„”, „Kąpiąca Diana”, „” Porwanie Europy » ). Boucher przedstawiał wiejskie jarmarki i modne paryskie życie. Pisał sceny rodzajowe. Stworzył duszpasterstwo („letni duszpasterstwo ”) i idylliczne krajobrazy („ Młyn „). Malował elegancko zalotne portrety („Portret markizy de Pompadour ”) i nagie sceny. Istnieje kilka obrazów Bouchera poświęconych tematyce religijnej.
Francois Boucher jest najwybitniejszym przedstawicielem rokokowego stylu artystycznego. Jego prace charakteryzują się dekoracyjnym wyrafinowaniem i wyrafinowaniem; Bohaterowie jego dzieł przepełnieni są emocjonalną spontanicznością, żartobliwym pozorem i szczerze zmysłową radością życia, wyróżniają się kwitnącym pięknem i pikantnym urokiem.
Od 1760 r. Bush traci dawną popularność. Mimo to w ostatnich latach życia był dyrektorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby oraz „pierwszym malarzem króla” (od 1765 r.), a na kilka miesięcy przed śmiercią został wybrany członkiem honorowym Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby. Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.
Niezwykle popularny w latach swojej świetności twórczej Francois Boucher pozostaje jednym z najsłynniejszych francuskich artystów XVIII wieku, wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego rysunku, którego obrazy zapraszają do świata szczęścia, miłości i pięknych snów.
ROKOKO
MHK 9KL. 17-18 WIEK NUMER 4
5. Malarstwo epoki klasycyzmu we Francji.
Rozwój klasycyzmu w sztuce jest ściśle związany z powstaniem monarchii absolutnej we Francji. W 1648 roku powołano Królewską Akademię Sztuk Pięknych, która podlegała pierwszemu ministrowi króla. Akademia została wezwana do opracowania formalnych zasad dotyczących różnych sztuk, w tym malarstwa. Stopniowo w malarstwie klasycyzmu wykształcił się zbiór norm, których artyści musieli ściśle przestrzegać. Wymagane było, aby fabuła obrazu zawierała poważną ideę duchową i moralną, która mogłaby mieć korzystny wpływ na widza. Według teorii klasycyzmu taką fabułę można było znaleźć jedynie w historii, mitologii lub tekstach biblijnych. Za główne wartości artystyczne uznawano rysunek i kompozycję, nie dopuszczano ostrych kontrastów kolorystycznych. Kompozycję obrazu podzielono na przejrzyste plany. We wszystkim, zwłaszcza w doborze objętości i proporcji postaci, artysta musiał skupić się na starożytnych mistrzach, przede wszystkim na starożytnych rzeźbiarzach greckich. Edukacja artysty miała odbywać się w murach akademii. Następnie koniecznie udał się do Włoch, gdzie studiował starożytność i dzieła Rafaela.
W ten sposób metody twórcze zamieniły się w sztywny system zasad, a proces pracy nad obrazem w naśladownictwo. Nic dziwnego, że kunszt malarzy klasycystycznych zaczął podupadać i w drugiej połowie XVII wieku we Francji nie było już ani jednego znaczącego artysty. Jednak dzieło twórcy klasycyzmu w malarstwie – Nicolasa Poussina, a także wybitnego artysty XVIII wieku. Jacques-Louis David to szczyty światowej sztuki.
Nicolas Poussin (1594-1665)
Nicolas Poussin urodził się w 1594 roku w Les Andelys w Normandii w rodzinie chłopskiej. Rozpoczął naukę malarstwa u miejscowego artysty i kontynuował studia w Paryżu, gdzie przybył w 1612 roku. Młodego Poussina pochłonęły studia nad starożytnością, poprzez ryciny zapoznał się z malarstwem Rafaela.
Pod koniec 1623 r. Poussin udał się do Wenecji, a w 1624 r. osiadł w Rzymie. We Włoszech artysta samodzielnie studiuje geometrię, optykę, anatomię, czyta starożytnych autorów, studiuje prace z zakresu teorii sztuki Albertiego i Dürera , ilustruje rysunkami rękopisuLeonardo da Vinci . Poussin stał się osobą wszechstronnie wykształconą, błyskotliwym znawcą kultury starożytnej. W swojej twórczości preferował tematykę antyczną. Artysta często przyrównywał postacie biblijne i ewangeliczne do starożytnych bohaterów. Świat starożytny w ujęciu Poussina jest idealnie piękny, zamieszkany przez ludzi mądrych i doskonałych. Nawet w dramatycznych epizodach historii starożytnej próbował dostrzec triumf rozumu i wyższej sprawiedliwości. Głębokie zrozumienie treści duchowej kultury starożytności znalazło odzwierciedlenie nie tyle w naturze wątków obrazów Poussina, ile w formie, za pomocą której artysta wyrażał swoje ideały moralne. Poussin opracował specjalny system malarstwa, zwany „klasycyzmem”. Klasycystyczne zasady Poussina są wyraźnie widoczne już na płótnach lat trzydziestych XVII wieku. („Gwałt na kobietach Sabine », « Taniec do muzyki czasu »).
Poussin widział cel sztuki w dostarczaniu umysłowi materiału do myślenia, wpajaniu człowiekowi cnót, uczeniu go mądrości. Z tego powodu Poussin praktycznie nie malował portretów, uznając ten gatunek za niegodny uwagi, nie inspirujący widza wzniosłymi i ważnymi ideami. Wyjątkiem były dwa autoportrety namalowane na prośbę przyjaciół. Poussin stworzył wiele dzieł o tematyce mitologicznej, historycznej i literackiej, w których przejawiają się silne postacie i majestatyczne czyny („Śmierć Germanika ”), pozostawiając dzieła przesiąknięte poetyckim uczuciem („ Królestwo Flory „,” Tankred i Erminia »).
Chwała Poussina dociera do Paryża. Artysta uparcie zapraszany jest do powrotu do ojczyzny. Otrzymawszy osobiste zaproszenie od Ludwika XIII, Poussin udaje się do Paryża w 1640 roku. Dekretem króla zostaje mianowany kierownikiem wszelkich dzieł artystycznych, co przywraca mu grupę malarzy nadwornych. Życie paryskie mocno ciążyło Poussinowi. Nie dokończywszy dzieła, w 1642 roku artysta wrócił do Rzymu.
W dziełach drugiego okresu rzymskiego nasila się wydźwięk etyczny i filozoficzny („pasterze arkadyjscy », « Odpoczynek w czasie lotu do Egiptu „). Poussin lubił nauki starożytnych filozofów stoickich, którzy nawoływali do odwagi i godności w obliczu śmierci. Ważne miejsce w jego twórczości zajmowały refleksje na temat śmierci, z którymi wiąże się fabuła obrazu „Pasterze Arkadyjscy”. Mieszkańcy Arkadii, gdzie panuje radość i pokój, odkrywają nagrobek z napisem: „A ja jestem w Arkadii”. To sama Śmierć przemawia do bohaterów i burzy ich pogodny nastrój, zmuszając do myślenia o nieuniknionych przyszłych cierpieniach. Jedna z kobiet kładzie rękę na ramieniu sąsiada, jakby próbując pomóc mu pogodzić się z myślą o nieuniknionym końcu. Jednak pomimo tragicznej treści artysta spokojnie opowiada o zderzeniu życia i śmierci. Kompozycja obrazu jest prosta i logiczna: postacie są zgrupowane w pobliżu nagrobka i połączone ruchami rąk. Postacie pomalowane są delikatnym i wyrazistym światłocieniem, przypominają nieco rzeźby antyczne.
Ważne miejsce w twórczości Poussina zajmował krajobraz. Zawsze zamieszkują ją mitologiczni bohaterowie. Znajduje to odzwierciedlenie nawet w tytułach dzieł: „Krajobraz z Polifemem”, „Krajobraz z Herkulesem”. Ale ich postacie są małe i prawie niewidoczne wśród ogromnych gór, chmur i drzew. Postacie mitologii starożytnej pełnią tu rolę symbolu duchowości świata. Tę samą myśl wyraża kompozycja krajobrazu – prosta, logiczna, uporządkowana. Na obrazach wyraźnie wyodrębniono plany przestrzenne: pierwszy to równina, drugi to gigantyczne drzewa, trzeci to góry, niebo lub powierzchnia morza. Podział na plany podkreślono także kolorem. Tak powstał system, nazwany później „trójkolorowym pejzażem”: w malarstwie pierwszego planu dominują kolory żółty i brązowy, w drugim ciepły i zielony, w trzecim zimny, a przede wszystkim niebieski. Artystka była jednak przekonana, że kolor jest jedynie środkiem do stworzenia objętości i głębokiej przestrzeni, nie powinien odwracać wzroku od biżuteryjnego rysunku i harmonijnie zorganizowanej kompozycji. W rezultacie narodził się obraz idealnego świata, uporządkowanego według wyższych praw rozumu.
Poussin miał niewielu uczniów, ale faktycznie stworzył współczesną szkołę malarstwa. Twórczość tego mistrza stała się szczytem francuskiego klasycyzmu i wywarła wpływ na wielu artystów kolejnych stuleci.
Jacques Louis David (1746-1825)
Jacques Louis David urodził się w Paryżu w rodzinie zamożnego biznesmena. W 1766 roku został przyjęty do Akademii Królewskiej. Od młodości Dawida pociągało starożytne dziedzictwo, starał się przestrzegać zasad klasycyzmu. Po otrzymaniu nagrody Akademii, Nagrody Rzymu, w październiku 1775 roku Dawid udał się do Rzymu. W Rzymie artysta większość czasu poświęca czerpaniu z antycznych posągów i płaskorzeźb oraz kopiowaniu obrazów wielkich mistrzów.
W 1780 roku Dawid wrócił do ojczyzny. W latach poprzedzających rewolucję francuską artysta stał się największym przedstawicielem tzw. „rewolucyjnego” klasycyzmu. Twórczość Davida ma wyraźną orientację dziennikarską, artysta stara się wyrazić heroiczne ideały poprzez obrazy starożytności. Obraz "Belizariusz błaga o jałmużnę ”, Wystawiony na Salonie w 1781 r., wraz z kilkoma innymi płótnami, przyniósł artyście sławę i uznanie. Dla niej David został przydzielony do Akademii, co było pierwszym tytułem akademickim.
W wieku 34 lat David poślubił niejaką Marguerite Charlotte Pekoul, córkę bogatego i wpływowego kierownika pracy w Luwrze. Artystka przez wiele lat mieszkała z Charlotte; mieli dwóch synów i dwie córki.
W 1776 r. we Francji opracowano program rządowy zachęcający do tworzenia dużych obrazów „mających na celu ożywienie cnót i uczuć patriotycznych”. Dawidowi zaproponowano heroiczną fabułę z wczesnej historii Rzymu - wyczyn trzech braci ze szlacheckiej rodziny patrycjuszowskiej Horatii. Podczas wojny Rzymian z miastem Alba Longa (VII w. p.n.e.) pokonali w bitwie trzech najlepszych wojowników wroga (również braci – Curiatii), co przyniosło Rzymianom niemal bezkrwawe zwycięstwo. Dwóch Horatii zginęło w bitwie. Dawid namalował obraz Przysięga Horatii ” w Rzymie, dokąd wyjechał w 1784 roku wraz z rodziną i studentami. W tej dramatycznej historii artysta odnalazł moment wzniosłego męstwa – scenę, w której bracia przysięgają ojcu, że nie wycofają się w walce. Akcja obrazu rozgrywa się na dziedzińcu starożytnego rzymskiego domu: strumień światła leje się z góry na bohaterów obrazu, otacza ich oliwkowoszary zmierzch. W tle trójprzęsłowy podcień; w każdym z łuków wpisano jedną lub więcej postaci. Pośrodku stoi ojciec rodziny, na lewo od niego synowie gotowi do walki, na prawo kobiety z dziećmi, odrętwiałe z żalu i strachu. Gładkie kontury grupy kobiecej kontrastują z ściganymi liniami postaci wojowników. Sercem całej kompozycji jest liczba trzy: trzy łuki, trzy grupy postaci, trzy miecze, trzy ręce, chętnie wyciągnięte do broni. Te potrójne powtórzenia wypełniają całą scenę nastrojem pogodnego spokoju: każdy ruch natychmiast zyskuje potrójną siłę.
Kiedy płótno było już gotowe i artysta wystawił je publiczności, rozpoczęła się prawdziwa pielgrzymka Rzymian i cudzoziemców do jego pracowni. Obraz odniósł ogromny sukces. W kolejnych latach David dużo pisał. Tworzy płótna historyczne („Liktorzy przynoszą Brutusowi ciała jego synów. ”), kompozycje mitologiczne („ Paris i Elena”), portrety („ Portret Lavoisierów „). Artysta zyskuje sławę „najbardziej zaawansowanego i odważnego malarza”, „niszczyciela fundamentów”. Staje się bogaty, sławny i popularny.
Kolejny okres życia Dawida był ściśle związany z życiem politycznym Francji. Artysta stał się aktywnym uczestnikiem wydarzeń rewolucji francuskiej. W 1790 został członkiem Klubu Jakobinów, w 1792 Dawid został wybrany na posła do Konwentu, najwyższego organu ustawodawczego i wykonawczego I Rzeczypospolitej, a po zamachu stanu z 31 maja na 2 czerwca 1793, kiedy przybyli jakobini do władzy, właściwie został dyrygentem polityki rządu w dziedzinie sztuki. David nadzorował także organizację festiwali ogólnopolskich; do jego zadań należało także gloryfikacja poległych rewolucjonistów, oficjalnie uznanych za „męczenników wolności”. W styczniu 1793 roku Dawid wśród innych posłów Konwentu głosował za śmiercią króla Ludwika XVI, który później został stracony. Zainspirowany bohaterstwem rewolucji David maluje obraz historyczny na współczesny temat – „Przysięga w sali balowej " (nie skończony). Płótno "Śmierć Marata „stał się pomnikiem bohaterów epoki rewolucyjnej.
Po nowym zamachu stanu w lipcu 1794 r. Dawid, jako wybitny jakobin, został aresztowany i postawiony przed śledztwem. Udało mu się jednak udowodnić swój brak udziału w masowych egzekucjach z lat 1793-94. i został zwolniony w sierpniu 1795 r. Wychodząc z więzienia, David z entuzjazmem chwyta pędzel. Maluje portrety, rozpoczyna pracę na płótnie wielofigurowym”Sabines powstrzymujący bitwę pomiędzy Rzymianami a Sabinami ”, który pisał przez około pięć lat. Davidowi zaproponowano stanowiska członka rady stanu i senatora. Jednak David odrzuca wszystkie oferty, woląc od nich życie wolnego artysty.
W 1799 r. w wyniku kolejnego zamachu stanu do władzy doszedł Napoleon Bonaparte. Dawid, podobnie jak wielu byłych rewolucjonistów, z radością powitał to wydarzenie. W obrazie „Przeprawa Bonapartego przez przełęcz św. Bernarda” artysta przedstawił swojego nowego bohatera powracającego ze zwycięskiej kampanii we Włoszech. Nieruchoma, niczym pomnik, postać wodza na dębowym koniu wznosi się na tle martwych linii pasm górskich: wydaje się, że cały świat stanął w miejscu, posłuszny władczemu gestowi zwycięzcy. Kamienie pod końskimi stopami stanowią swego rodzaju cokół: wyryte są na nich imiona trzech wielkich zdobywców, którzy przeszli tędy – Hannibala, Karola Wielkiego i samego Napoleona. Napoleonowi tak bardzo spodobało się to dzieło, że później zamówił trzy powtórzenia obrazu. Gwiazda Dawida znów zaświeciła. Bez żadnych oficjalnych stanowisk pozostaje właściwie pierwszym malarzem Francji. Pozowanie dla Dawida uważane jest za wielki zaszczyt, który niewielu dostąpiło („ Pani Recamier”).
W 1804 roku Napoleon, ogłoszony cesarzem, nadaje Dawidowi tytuł „pierwszego malarza cesarskiego” i Order Kawalerii Legii Honorowej. W tym samym roku David zaczął malować obraz przedstawiający koronację Napoleona I („Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame 2 grudnia 1804 r „). Pracując na to zamówienie artysta stworzył około półtora setki portretów dostojników państwowych, których wizerunki miały znaleźć się w kompozycji. Artysta malował to wyjątkowe płótno przez około trzy lata. Obraz został pozytywnie przyjęty, a na artystę ponownie spadły zaszczyty. W 1812 roku David namalował ostatni portret Napoleona („Portret Napoleona »).
W 1814 roku David ukończył pracę na płótnie „Leonidas w bitwie pod Termopilami ”, które wystawiał w swoim warsztacie. Było to ostatnie duże płótno artysty. Nie przykuło to uwagi opinii publicznej. Wraz z ostatecznym upadkiem Bonapartego w życiu Dawida rozpoczęły się ciemne dni. Artysta został skazany na dożywocie zesłanie z Francji za głosowanie za egzekucją króla. Nie otrzymawszy pozwolenia na wyjazd do Rzymu, Dawid wraz z żoną udał się w 1816 roku do Brukseli. W Brukseli nadal maluje, tworząc portrety, a także obrazy o tematyce antycznej („Kupidyn i Psyche). 29 grudnia 1825 David zmarł. Władze francuskie nie wyraziły zgody na jego pochówek we Francji, David został pochowany w Brukseli.
W twórczości Dawida najwyraźniej wyrażono zasady i ideały tak zwanego „rewolucyjnego” klasycyzmu. Próbując wyrazić ideały heroiczne poprzez obrazy starożytności, stworzył obrazy historyczne, które na zawsze uchwyciły ideologiczne aspiracje jego pokolenia. Malowidła historyczne o tematyce współczesnej, stworzone przez niego podczas rewolucji francuskiej, kontynuowały chwalebną tradycję francuskiego „wielkiego stylu”. Twórczość Dawida miała ogromne znaczenie dla wszystkich mistrzów szkoły neoklasycznej i akademickiej XIX wieku.
KLASYCYZM
MHK 9KL. 17-18 WIEKU NUMER 5-2010
Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.
Hostowane pod adresem http://www.allbest.ru
18 wiek był ostatnim historycznym etapem długiego okresu przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. Treścią procesu historycznego było stwierdzenie dominacji klasycznych form rozwiniętego społeczeństwa burżuazyjno-kapitalistycznego i jego kultury. Proces ten przebiegał w różny sposób w różnych krajach.
W Anglii rewolucja przemysłowa, przejście do maszynowego przemysłu kapitalistycznego. We Francji – przygotowania do klasycznej rewolucji burżuazyjnej, uwolnionej od religijnej skorupy w wyrażaniu swoich ideałów politycznych i społecznych. Jednak pomimo narodowej specyfiki rewolucji politycznej i kulturalnej poszczególnych krajów, główne cechy ich wspólności polegały na kryzysie feudalizmu i jego ideologii oraz na kształtowaniu się postępowej ideologii oświeceniowców. 18 wiek - wiek rozumu, wiek oświecenia, wiek filozofów, socjologów, ekonomistów. Nadchodzi nowa era, tworzy się nowa kultura. Rozum i Oświecenie stały się głównymi hasłami epoki. Nawet absolutyzm, ulegając potrzebom czasu, staje się oświecony. W Austrii i Prusach monarchowie wykorzystują idee Oświecenia do wzmocnienia scentralizowanego systemu rządów. Praktykuje się tworzenie jednolitego systemu edukacji, zachęca się do rozwoju nauki i sztuki – w pewnych granicach.
FILOZOFIA
We wszystkich krajach europejskich rozwój kultury w XVIII wieku. w ten czy inny sposób odbywało się pod znakiem idei Oświecenia. W Niemczech kształtuje się szkoła klasycznej niemieckiej filozofii idealistycznej (Kant, Fichte). We Włoszech Giambattista Vico dokonuje dialektyzacji filozofii czasów nowożytnych. W Anglii filozofia Berkeleya zapewnia teoretyczną podstawę światopoglądu religijnego, a sceptycyzm Hume'a pełni rolę teoretycznej podstawy utylitarnego i racjonalnego światopoglądu burżuazji. Ale najliczniejszy oddział oświeceniowych, jaśniejących talentami, powstał we Francji: to stąd, nosząc pieczęć francuskiego geniuszu, idee Oświecenia rozprzestrzeniły się po całej Europie.
Charles Louis Montesquieu (1689-1755) w swoich dziełach „Listy perskie” (1721), „O duchu praw” (1748) przeciwstawia się feudalizmowi i nieograniczonej monarchii.
Monteskiusz wyróżnia trzy formy władzy państwowej: despotyzm, który opiera się na strachu; monarchia oparta na „zasadzie honoru” republika, której ludność inspiruje się najwyższą cnotą obywatelską – patriotyzmem. Poglądy polityczne Monteskiusza, w szczególności jego doktryna podziału władzy ustawodawczej, wykonawczej i sądowniczej pomiędzy niezależne, ale wzajemnie kontrolujące się instancje, były nie tylko postępowe w XVIII wieku, ale także niezwykle istotne dla współczesnej sytuacji politycznej w Rosji.
Voltaire (1694-1778) był najwybitniejszym przywódcą umiarkowanego skrzydła francuskiego oświecenia, a jego ogromny talent znalazł wyraz w różnorodnych dziełach literackich, filozoficznych i historycznych o błyskotliwej formie, przesiąkniętych nienawiścią do państwa feudalnego i fanatyzmem religijnym. Z jego dzieł filozoficznych najważniejsze to „Listy filozoficzne”, „Podstawy filozofii Newtona” i „Słownik filozoficzny”. Wpływ idei Woltera poza Francją, w tym w Rosji, był wyjątkowo duży. Antyklerykalne dzieła Woltera odegrały znaczącą rolę w rozwoju rosyjskiego wolnomyślicielstwa w XVIII wieku.
Nowy etap w rozwoju francuskiego oświecenia XVIII wieku. była działalność Jean-Jacques’a Rousseau (1712-1778), ideologa rewolucyjnego drobnomieszczaństwa. Jego idee wyrażone w dziełach „O przyczynach nierówności”, „O umowie społecznej, czyli zasadach prawa politycznego” itp., Później podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej 1789–1794. znaczący wpływ na jakobinów, którzy uznali Rousseau za swojego ideologicznego poprzednika. Jego prace przesiąknięte są nienawiścią do ciemiężycieli, żarliwą krytyką współczesnego systemu społeczno-politycznego, nierównością społeczną i brzydką edukacją. Potępia obłudną moralność, wrogą interesom ludu, fałszywą sztukę i oficjalną naukę.
Najważniejszy nurt filozofii oświecenia reprezentuje szkoła materialistyczna. Jej inicjatorem jest lekarz Julien Ofre Lametrie (1709-1751), autor dzieł medycznych i filozoficznych. Odważny ateizm La Mettriego wywołał wściekłość reakcjonistów kościelnych i świeckich. Filozof został zmuszony do ucieczki z Francji i zmarł na wygnaniu.
Dalszy rozwój materializmu francuskiego wiąże się z działalnością Denisa Diderota (1713-1784), Etienne'a Bonn Condillaca (1710-1780) i Paula Holbacha (1723-1789). Rozkwit działalności francuskich materialistów przypada na lata 50. i 60. XX wieku. 18 wiek i jest ściśle związany z publikacją „Encyklopedii nauki, sztuki i rzemiosła” w 33 tomach, która stała się ideologicznym ogniskiem całego obozu oświeceniowców.
18 wiek charakteryzuje się jednoczesnym rozwojem nauki i technologii. Ekonomia polityczna stała się dyscypliną naukową za sprawą Adama Smitha i francuskich fizjokratów. Nauka jest coraz bardziej powiązana z produkcją, technologią i szybko się rozwija. Lavoisier, podobnie jak Łomonosow w Rosji, położył podwaliny chemii jako nowoczesnej nauki. Powstają nowe maszyny, przygotowujące przejście do ery przemysłowej.
W XVIII wieku. Intensywnie rozwijają się nowe gałęzie fizyki - doktryna ciepła, elektryczności, magnetyzmu. Badania chemiczne są intensywnie rozwijane. Nauki biologiczne postępują naprzód - anatomia, fizjologia, embriologia. Sukcesy K. Linneusza – (1707-1778) w klasyfikacji nowego materiału faktograficznego zgromadzonego przez botanikę i zoologię, rozwój paleontologii nieuchronnie postawiły pytanie o ewolucję świata organicznego. Największy przedstawiciel ewolucjonizmu w XVIII wieku, francuski naukowiec J.L. Buffon (1707–1788), stworzył wspaniałą „Historię naturalną”. Postęp w geologii zapewnił mnóstwo materiału na temat rozwoju skorupy ziemskiej. Miało to ogromne znaczenie dla rozwoju hipotez kosmogonicznych wysuniętych w połowie stulecia przez Buffona i Kanta (1724 – 1804), a pod koniec stulecia – przez PS Laplace’a (1749 – 1827).
Dość powiedzieć, że we Francji istniało wiele instytucji naukowych i edukacyjnych - Akademia Nauk, Kolegium Królewskie, Szkoła Inżynierów Wojskowych, Obserwatorium Paryskie itp. W wielu prowincjach powstają akademie i uniwersytety. Publikowane są artykuły naukowe, czasopisma, notatki naukowe, następuje aktywna wymiana wyników badań. Jednak nie wszystko tutaj było w porządku. Odrzucając jako absurd „objawiony przez Boga” obraz natury, wielu przyrodników włączyło się w tworzenie nieortodoksyjnej „teorii natury”. Dużą popularnością cieszyły się wówczas takie książki, jak Teologia wody Fabritiusa, Stwórca natury Boissy’ego, Teologia astronomiczna Dergela i in., w których próby umacniania teizmu kosztem odkryć nauk przyrodniczych na tle kryzysu ortodoksyjnego religia trwała dalej.
Zachodnioeuropejska myśl społeczna rozwija się nadal pod znakiem idei oświeceniowych. Potwierdzono siłę rozumu i szeroko rozpowszechniono krytykę uprzedzeń klasowych i kościelnego obskurantyzmu. Ogromne znaczenie ma wymiana idei filozoficznych, naukowych i estetycznych między krajami. Francuski staje się językiem międzynarodowej komunikacji między oświeconymi warstwami społeczeństwa. W większości krajów wyłania się inteligencja reprezentująca interesy klas nieuprzywilejowanych, co przyczynia się do ukształtowania szerszej idei jedności kultury społeczeństwa ludzkiego.
LITERATURA I MUZYKA
W XVIII wieku. rozpoczyna się proces zdecydowanej zmiany proporcji typów i gatunków sztuki, który zakończył się w następnym stuleciu. Wzrasta udział literatury i muzyki, osiągając stopień dojrzałości artystycznej, jaki malarstwo osiągało już w XVI-XVII wieku. Literatura i muzyka stopniowo stają się wiodącymi formami sztuki. Uzupełniając się, zaspokajają potrzeby czasu w estetycznej świadomości życia, jego ruchu i kształtowania.
Proza rozwija się jako gatunek, który stara się ukazać losy jednostki w jej złożonym rozwoju w czasie, w zawiłych relacjach z otoczeniem społecznym lub nakreślić szeroki obraz życia i zwyczajów epoki, rozwiązując podstawowe pytania o miejsce i rola człowieka w społeczeństwie. Takie, pomimo różnicy w piśmie i stylu, Kulawy demon Le Sage’a, Manon Lescaut Prevosta, Kandyd Voltaire’a, łotrzykowskie powieści Fieldinga, Podróż sentymentalna Sterna, Cierpienia młodego Wertera Goethego i Wilhelm Meister Goethego. Szczególnie owocnie rozwija się gatunek powieści, który daje uniwersalny obraz świata.
Potrzeba poetyckiego, emocjonalnie całościowego wyrażenia duchowego świata człowieka, ujawnienia jego bezpośredniego światopoglądu i światopoglądu w rozwoju, sprzeczności i integralności z góry określiła rozkwit muzyki jako niezależnej formy sztuki. Stworzenie w XVIII wieku. Bach, Mozart, Gluck, Haydn takich form muzycznych jak fuga, symfonia, sonata ujawniły zdolność muzyki do przekazywania najsubtelniejszych niuansów i procesu stawania się ludzkimi doświadczeniami.
znaczące w XVIII w. sukcesy w sztuce teatralnej, dramaturgii, ściśle związanej z literaturą. Charakteryzuje się odejściem od tradycji klasycyzmu do realistycznych i przedromantycznych kierunków twórczych. Cechą charakterystyczną kultury tego czasu jest wnikliwe studiowanie głównych zagadnień estetyki teatru, natury aktorstwa oraz uwzględnienia społecznej i edukacyjnej roli sztuki teatralnej.
SZTUKA I ARCHITEKTURA
18 wiek - wiek portretu, ale już na nowym etapie rozwoju kultury. Mistrzowie XVIII w stworzył sztukę wyrafinowaną, zróżnicowaną, analizującą najdrobniejsze niuanse uczuć i nastrojów. Pełna wdzięku intymność, powściągliwy liryzm, grzecznie bezlitosna obserwacja analityczna – to artystyczne cechy portretów Latoura, Gainsborougha, Houdona. Umiejętność przekazania najsubtelniejszych odcieni nastroju, dostrzeżenia charakterystycznych cech wyróżnia szarmanckie uroczystości i sceny rodzajowe Watteau, Fragonarda, skromne codzienne motywy Chardina, miejskie pejzaże Guardi. Te cechy artystycznego postrzegania życia po raz pierwszy z taką konsekwencją utwierdzano w sztuce, ale za cenę częściowej utraty artystycznych zdobyczy przeszłości.
Malarstwo traci powszechną pełnię życia duchowego człowieka, jaką była u Rubensa, Poussina, Rembrandta, Velasqueza.
Zakres potrzeb estetycznych XVIII wieku. najpełniej objawia się w sztukach wizualnych, architekturze, literaturze i muzyce. Problem specyficznego znaczenia sztuk pięknych i architektury w kulturze artystycznej ludzkości zostanie postawiony z całą ostrością dopiero w epoce rozkwitu kapitalizmu.
Tworzenie nowej kultury jest bardzo nierówne w różnych krajach. Na przykład we Włoszech pozbawionych jedności narodowej trwa rozwój tradycji XVII wieku. W XVIII-wiecznej Francji zaczyna się od smutnej i marzycielskiej sztuki Watteau, a kończy na rewolucyjnym patosie obrazów Davida, uzyskując świadomą orientację obywatelską.
W Hiszpanii twórczość młodego Goi przeciwstawia się klasycyzmowi z pasją zainteresowanym jasnymi, charakterystycznie wyrazistymi aspektami życia i antycypuje przejście sztuk pięknych do realistycznego romantyzmu XIX wieku.
W XVIII wieku. architektura sakralna ulega zmniejszeniu, a wolumen budownictwa cywilnego wzrasta. Architekturę charakteryzuje styl późnobarokowy – jeszcze bardziej skomplikowany dynamicznie, przeładowany dekoracją, mniej reprezentacyjny i monumentalny. Klasyczny kierunek również podlega dalszemu rozwojowi. We Francji powstało wiele znakomitych rozwiązań zespołowych (Place de la Concorde w Paryżu), reprezentujących przemyślenie w duchu klasycyzmu zasad planowania zespołu miejskiego. Istnieje zainteresowanie bardziej intymną interpretacją obrazu architektonicznego oddzielnej rezydencji, wygodniejszej, eleganckiej. Prowadzi to do dodania zasad sztuki rokokowej, bardziej intymnej niż barok. Rokoko w architekturze objawiało się głównie w dziedzinie dekoracji, płaskie, lekkie, kapryśne, kapryśne, wyrafinowane.
Malarstwo i rzeźba w stylu rokoko miały charakter wyłącznie dekoracyjny i służyły obok rzemiosła artystycznego do wyposażenia wnętrz. Sztuka rokokowa, bardziej intymna, przeznaczona do dekoracji czasu wolnego osoby prywatnej, wrażliwej na „elegancję”, posiadającej wykwintny gust, przesądziła o powstaniu stylu malarskiego zróżnicowanego w odcieniach nastroju, w subtelnościach fabuły, kompozycji , rozwiązań kolorystycznych i rytmicznych. Sztuka rokokowa unikała uciekania się do dramatycznych fabuł, do poznania rzeczywistości i miała szczerze hedonistyczny charakter, bardzo szybko przeradzając się w bezmyślnie powierzchowną sztukę przedstawicieli tej części społeczeństwa, która wyznawała dewizę Ludwika XV: „Po nas – nawet powódź .”
Sztuka XVIII wieku kończy się wspaniałą epopeją – dziełem wielkiego Hiszpana Francisa Goyi. Łączy się z tradycją malarstwa hiszpańskiego, z życiem narodu, ale jednocześnie w twórczości Goi wszystko zwrócone jest w stronę człowieczeństwa i historii, wszystko żyje w atmosferze powszechnej tragedii i powszechnej radości. Goya stał się wielkim artystą już w XVIII wieku, kiedy malował zarówno sceny ludowe tryskające radością życia, jak i dumne, pełne temperamentu portrety. Już na przełomie XIX i XX w. Goya stworzył cykl rycin „Caprichos”, gdzie nieustraszoną ręką otwierał przed światem te otchłanie, w które nie odważyli się zajrzeć, co brzmiało jak implikacja kultury XVIII wieku, o której mówiło się w szept. Ale cykl ten był także pożegnaniem z XVIII wiekiem. Dzieło Goi, a także obraz Dawida otwiera historię sztuki XIX i XX wieku.
WNIOSEK
Oświecenie sztuki kultury zachodnioeuropejskiej
Podsumujmy. Sztuka XVIII wieku. Na tle innych epok charakteryzuje się dużą integralnością stylistyczną: w różnych narodowych szkołach i stylach artystycznych można odnaleźć cechy jednoczące. Sztuka ta sprawia, że przejście od racjonalizmu do sensacji, od wzniosłości do tego, co bezpośrednio dane, jest ludzkie.
Najważniejszym rezultatem samej twórczości człowieka jest świat kultury. Szczególnie ważne miejsce zajmuje w nim państwo i systemy prawa, przemysł, nauka, moralność i system oświaty, sztuka. I choć czasami wyniki ludzkiej twórczości oceniane są negatywnie (Rousseau), to w ogóle kultura XVIII wieku. Optymistyczny. Dominuje w nim przekonanie, że powstanie społeczeństwa i kultury jest czynnikiem korzystnym dla ludzkości. Co więcej, to właśnie kultura jest swego rodzaju kryterium wyznaczającym etapy postępującego rozwoju społeczeństwa ludzkiego (Herder).
Hostowane na Allbest.ru
Podobne dokumenty
Obraz człowieka w świadomości społecznej Europejczyków w XVIII wieku. Rozwój idei „człowieka naturalnego”. Teoria edukacji naturalnej Zh.Zh. Rousseau. Znaczenie samotności w XVIII wieku, koncepcje miłości i przyjaźni. Rozwój oświaty, sztuki, nauk przyrodniczych.
streszczenie, dodano 09.10.2009
Uwzględnienie rozwoju literatury i sztuki zachodnioeuropejskiej XIX wieku. Zapoznanie z głównymi kierunkami twórczości artystycznej. Studium podstaw klasycyzmu, romantyzmu, realizmu. Nowe nurty w kulturze zachodnioeuropejskiej końca XIX wieku.
praca semestralna, dodano 08.09.2014
Główne cechy kultury zachodnioeuropejskiej czasów nowożytnych. Cechy kultury i nauki europejskiej w XVII wieku. Zasadnicze dominujące dominujące cechy kultury europejskiego oświecenia XVIII wieku. Najważniejsze nurty kulturalne XIX wieku. Etapy kultury artystycznej XIX wieku.
streszczenie, dodano 24.12.2010
Warunki wstępne rozwoju i główne cechy kultury rosyjskiej XVIII wieku. Kierunki kształtowania się sfery oświaty i wychowania, literatury, architektury i malarstwa. Wybitni przedstawiciele tych kierunków oraz ocena ich głównych osiągnięć w XVIII wieku.
prezentacja, dodano 20.05.2012
Problematyka kultury w twórczości pedagogów XVIII wieku. Kultura zachodnioeuropejska XVIII wieku. (Edukacja). Rozwój nauki w epoce Oświecenia. Mity, legendy i kultura starożytnego Wschodu. „Opowieść o minionych latach” to wybitny pomnik starożytnej kultury rosyjskiej.
test, dodano 18.07.2008
Kultura okresu reform Piotrowych. Cechy rosyjskiego oświecenia XVIII wieku, w tym rozwój myśli społecznej, filozofii, literatury i kultury artystycznej oraz jego wpływ na kulturę nowożytną. Historyczny portret Nowikowa N.I.
streszczenie, dodano 18.12.2010
Określenie czynników kształtowania się kultury narodowej Rosji w drugiej połowie XVIII wieku. Rozwój literackiego języka rosyjskiego, literatury narodowej, nauki, malarstwa i rzeźby w Rosji. Architektura architektoniczna Rosji drugiej połowy XVIII wieku.
prezentacja, dodano 19.09.2014
Francja jako hegemon życia duchowego Europy w XVIII wieku. Ramy chronologiczne i terytorialne Oświecenia. Ewolucja idei filozoficznych oświeceniowców i ich ucieleśnienie w sztukach pięknych. Wpływ Oświecenia na rozwój sztuki teatralnej.
praca semestralna, dodana 31.03.2013
Ogólna charakterystyka i najważniejsze cechy kultury Rosji XVIII wieku. Główne cechy kultury rosyjskiej XIX i początku XX wieku: wiek „złoty” i „srebrny”. Znaczące osiągnięcia i problemy rozwoju kultury białoruskiej XVIII wieku - początek. XX wiek.
streszczenie, dodano 24.12.2010
Czynniki, które wpłynęły na rozwój kultury za panowania Piotra I. Nowe zjawiska w kulturze (teatr, muzyka, literatura) epoki Piotrowej. Oświecenie i szkoła w pierwszej ćwierci XVIII wieku. Rozwój nauki. Życie społeczno-polityczne i gospodarcze.
Wiek XVII to jedna z najjaśniejszych i najwspanialszych kart w historii światowej kultury artystycznej. To czas, kiedy ideologię humanizmu i wiarę w nieograniczone możliwości człowieka zastąpiło poczucie dramatycznych sprzeczności życia. Z jednej strony w naukach przyrodniczych dokonuje się rewolucyjny przewrót, kształtuje się nowy obraz świata, pojawiają się nowe style w sztuce, z drugiej strony przeważa konserwatyzm polityczny, pesymistyczne poglądy na społeczeństwo i człowieka.
Epokę XVII wieku w kulturze i sztuce nazywa się zwykle epoką baroku. Powstawanie nowej kultury europejskiej wiązało się z szybko zmieniającym się „obrazem świata” i kryzysem ideałów włoskiego renesansu. Dla życia duchowego społeczeństwa w XVII wieku ogromne znaczenie miały wielkie odkrycia geograficzne i przyrodnicze odkrycia naukowe. Osoba zaczęła dotkliwie odczuwać kruchość i niestabilność swojej pozycji, sprzeczność między iluzją a rzeczywistością. Nowy światopogląd został w szczególny sposób załamany w kulturze artystycznej: wszystko, co niezwykłe, niejasne, upiorne, zaczęło wydawać się piękne, atrakcyjne, jasne i proste - nudne i nieciekawe. Ta nowa estetyka w zauważalny sposób wyparła dawne renesansowe zasady naśladowania natury, przejrzystości, równowagi.
Tak powstał nowy styl - barok. Barok (włoski barocco - „dziwny”, „dziwny”, „nadmierny”, port. perola barroca - „perła o nieregularnym kształcie” (dosłownie „perła z imadłem”) - slangowe słowo portugalskich żeglarzy odnoszące się do wadliwych pereł o nieregularnym kształcie kształt zaczęto używać w znaczeniu „zmiękczyć, rozpuścić kontur, uczynić formę bardziej miękką, bardziej malowniczą”.
Architekturę barokową charakteryzowały bogate wykończenia dekoracyjne z wieloma detalami, wielobarwność sztukaterii, bogactwo złoceń, rzeźb, rzeźb i malowniczych plafonów, które stwarzały iluzję otwierających się sklepień. To czas dominacji krzywizn, misternie zakrzywionych linii przechodzących w siebie, uroczystych fasad budynków i majestatycznych zespołów architektonicznych. W malarstwie dominuje portret ceremonialny, charakterystyczny jest kontrast, napięcie, dynamika obrazów, chęć wielkości i przepychu, gdyż charakterystyczne jest połączenie rzeczywistości i iluzji.
Początek włoskiego baroku wiąże się z budową rzymskiego kościoła Il Gesu (1575), którego fasadę zaprojektował Giacomo della Porta. Dosłownie „stworzyła epokę”, stając się wyrazem ówczesnych trendów stylistycznych: tradycyjnego podziału na 2 piętra, półkolumny, nisze, posągi i nieuniknione woluty (loki) w narożnikach. Pierwszą i największą budowlą pałacową tamtej epoki był Palazzo Quirinale, letnia rezydencja papieży, wzniesiona na szczycie wzgórza Kwirynal.
Ruch ten znajduje swój najbardziej uderzający wyraz w rzeźbie w twórczości Lorenza Berniniego. Jego rzeźba „Dawid” przedstawia moment szybkiego ruchu, pędu w kierunku gigantycznego Goliata, przejścia jednego ruchu w drugi. Bernini nie poprzestaje na zniekształcaniu twarzy, przekazywaniu wyrazu bolesnego lub błogiego. W rzeźbie „Apollo i Daphne” Lorenza Berniniego, w ruchu latającym, uchwycono moment przemiany młodej bezbronnej Daphne, dogonionej przez lekkonogiego Apolla, w wawrzyn. Genialny kunszt Berniniego objawił się w budowie słynnych rzymskich fontann – „Fontanna Trytona” i „Fontanna Czterech Rzek”.
Nazwisko Berniniego kojarzone jest z kolejnym etapem przebudowy katedry św. Piotra w Rzymie: ozdobił on plac przed katedrą, zadaszone galerie-korytarze ciągnące się daleko wprzód od krawędzi fasady. Architekt stworzył 2 kwadraty - duży eliptyczny, otoczony kolumnami i bezpośrednio do niego przylegający, w kształcie trapezu, ograniczony po przeciwnej stronie główną fasadą katedry. Jednocześnie przestrzeń przed katedrą była jednocześnie placem miejskim, ozdobionym obeliskiem pośrodku owalu i dwiema fontannami.
Holandia wysuwa się na pierwszy plan w sztukach wizualnych, a przede wszystkim w malarstwie. Peter Paul Rubens (1577-1640), podobnie jak wielkie postacie renesansu, dał się poznać w różnych dziedzinach działalności: był dyplomatą, dworzaninem, otrzymał tytuł szlachecki, przyjaźnił się i współpracował z wybitnymi osobistościami epoki. Podobnie jak wielu innych malarzy, Rubens w młodości podróżował do Włoch, gdzie studiował zabytki starożytności i twórczość mistrzów renesansu. Wracając do ojczyzny, stworzył klasyczny obraz monumentalnego barokowego obrazu ołtarzowego – „Podwyższenia Krzyża” i „Zstąpienia z Krzyża” (1610-1614). Grupa oprawców i żołnierzy postawiła duży krzyż, do którego przybito Chrystusa. Różne pozy postaci, ich skomplikowane skróty perspektywiczne i nabrzmiałe mięśnie wyrażają skrajne napięcie sił fizycznych, tej brutalnej sile przeciwstawia się wyidealizowany obraz Chrystusa. Rubens charakteryzuje się potężnymi i wspaniałymi ciałami ludzkimi, pełnymi witalności, o dużej skali dekoracyjnej. Tematyką jego obrazów były tematy mitologiczne i biblijne, sceny historyczne.
Rubens „Podwyższenie Krzyża” „Zejście z krzyża”
W obrazie Polowanie na lwy, którego szkic jest jednym z najlepszych dzieł Rubensa w zbiorach Ermitażu, akcja charakteryzuje się niezwykłą szybkością i pasją. Hodujące konie, lew dręczący spadającego jeźdźca i atakujący go myśliwi połączyli się w nierozłączną grupę, w której nieokiełznana siła i witalność zamieniają się w wściekłość.
Chętnie nawiązuje do tematyki świata starożytnego. Obraz Ermitażu „Perseusz i Andromeda” (1620-1621), należący do arcydzieł mistrza, daje przykład tego, jak swobodnie i realistycznie posługuje się on obrazami klasycznej starożytności. Przedstawiony jest moment, w którym mityczny bohater Perseusz, przybył na swoim skrzydlatym koniu Pegazie, uwalnia Andromedę przykutą do skały. Pokonał smoka, który trzymał ją w niewoli, a straszliwy potwór bezsilnie otwiera paszczę u jego stóp. Zafascynowany pięknem jeńca Perseusz podchodzi do niej, chwała wieńczy zwycięzcę, amorki pędzą, by mu służyć.
Tematem przewodnim Rubensa był człowiek, miłość żywa i ziemska, można by nawet rzec pasja. Zależy mu na pełni życia, sile, zasięgu, burzy ruchu. Często przedstawiał nagie postacie, często ciężkie, ciepłe, pełnokrwiste ciała, przepełnione bujną barwą życia i zwykle podkreślane jasną plamą na ciemnym tle. Pisze więc „Elena Fourman w futrze”. W portretach Rubensa dodatki, tła - bujne zasłony itp. nie przeszkadzały, a raczej przyczyniały się do ujawnienia charakteru bohatera, wniknięcia w jego wewnętrzny świat („Portret pokojówki”).
Tendencje realistyczne w malarstwie można zaobserwować w twórczości wielkiego malarza holenderskiego Rembrandta Harmensza van Rijna (1606-1669). Tematyka jego prac jest różnorodna: tematyka religijna, mitologia, historia, portrety, sceny rodzajowe. Sztukę Rembrandta wyróżniała przede wszystkim miłość do człowieka, humanizm, w każdym dziele Rembrandta - próba przekazania duchowej ewolucji człowieka, tragicznej ścieżki poznania życia. Jego bohaterami są ludzie o sprzecznych charakterach i trudnych losach. Artysta zawsze bada naturę, swój model, nie ograniczając się do ukazywania cech wspólnych. Rembrandt wszedł do historii malarstwa światowego jako mistrz autoportretu. Z roku na rok przedstawiał się jako wesoły lub smutny, potem zły lub obojętny. W stu autoportretach, które stworzył, zawarta jest historia jego życia, biografia jego duszy, wyznanie artysty.
Obraz „Powrót syna marnotrawnego” przedstawia końcowy epizod przypowieści, kiedy syn marnotrawny wraca do domu, „a gdy był jeszcze daleko, ujrzał go ojciec i zlitował się; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i ucałował go”, a jego starszy prawy brat, który został z ojcem, rozgniewał się i nie chciał wejść.
„Danae” została napisana w oparciu o starożytny grecki mit o Danae, matce Perseusza. Kiedy król starożytnego greckiego miasta Argos dowiedział się o proroctwie, według którego przeznaczona była mu śmierć z rąk syna Danae, jego córki, uwięził ją w lochu i przydzielił jej służącą. Bóg Zeus jednak przeniknął Danae w postaci złotego deszczu, po czym urodziła syna, Perseusza.
Klasycyzm dominował we Francji w XVII wieku. Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. Classicus - wzorowy) to styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku. Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Mistrzowie klasycyzmu nie przekazywali w swoich dziełach bezpośredniego, otaczającego życia. Portretowali uszlachetnioną rzeczywistość, starali się stworzyć obrazy idealne, odpowiadające ich wyobrażeniom o tym, co rozsądne, heroiczne i piękne. Tematyka sztuki klasycznej ograniczała się głównie do historii starożytnej, mitologii i Biblii, natomiast język figuratywny i techniki artystyczne zapożyczano z klasycznej sztuki antycznej, która w oczach mistrzów klasycyzmu odpowiadała przede wszystkim harmonijnemu ideałowi rozsądnego i pięknego.
Założycielem klasycyzmu w malarstwie francuskim był Nicolas Poussin (1594-1665). Jego prace wyróżniają się głębokimi pomysłami, przemyśleniami i uczuciami. Uważał, że sztuka powinna przypominać człowiekowi „kontemplację i mądrość, dzięki którym będzie mógł pozostać mocny i niewzruszony w obliczu ciosów losu”. W ramach tematów z mitologii starożytnej i Biblii Poussin odsłonił tematykę epoki nowożytnej. W swoich pracach dążył do majestatycznego spokoju, szlachetnej powściągliwości, równowagi. Jego ideałem jest bohater, który w życiowych próbach zachowuje niewzruszony spokój ducha, zdolny dokonać wyczynu. Idea przemijania życia i nieuchronności śmierci często przyciągała uwagę Poussina i była tematem wielu jego dzieł. Najlepszym z nich jest obraz „Pasterze Arkadyjscy” (Luwr), wykonany najwyraźniej na początku lat pięćdziesiątych XVII wieku. Przedstawia czterech mieszkańców legendarnej szczęśliwej krainy – Arkadii, którzy znaleźli wśród krzaków grobowiec i analizują wyryte na nim słowa: „A ja byłem w Arkadii”. To przypadkowe znalezisko daje do myślenia pasterzom arkadyjskim, przypominając im o nieuchronności śmierci. Głęboka idea filozoficzna leżąca u podstaw tego obrazu wyrażona jest w krystalicznie czystej i klasycznie rygorystycznej formie. Charakter postaci, ich posągowość oraz zbliżenie do starożytnych form i proporcji świadczy o dojrzałej sztuce mistrza. Obraz wyróżnia się niezwykłą integralnością projektu i wykonania, a ukryty smutek, jaki jest przepojony, nadaje mu zupełnie swoistego uroku. Jedną z charakterystycznych cech jego talentu jest umiejętność wydobywania wewnętrznego świata człowieka w ruchu, geście, rytmie.
W historii kultury francuskiej okres od początków panowania Ludwika XV do początku rewolucji (1789) nazywany jest okresem Oświecenia. Jedną z najważniejszych cech kultury Oświecenia jest proces wypierania religijnych zasad sztuki przez świeckie. Architektura świecka w XVIII wieku po raz pierwszy niemal w całej Europie uzyskała pierwszeństwo przed architekturą sakralną.
Życie społeczne Oświecenia było bardzo kontrowersyjne. Oświeceni zmagali się ze „starym porządkiem”, który wówczas miał jeszcze realną władzę. Rokoko (od francuskiego „rocaille” – muszla) staje się nie tylko stylem twórczości artystycznej, ale także sposobem życia dworów królewskich, uosabiającym „Stary Porządek” Europy. Nazwa oddaje główną cechę tego stylu - wybór złożonej, wyrafinowanej formy i fantazyjnych linii, przypominających sylwetkę muszli.
Termin „rokoko” (lub „rocaille”) wszedł do użytku w połowie XIX wieku. Początkowo „rocaille” to sposób ozdabiania wnętrz grot, mis fontannowych itp. różnymi skamieniałościami imitującymi naturalne (naturalne) formacje. Charakterystyczne cechy rokoka to wyrafinowanie, wielkie dekoracyjne obciążenie wnętrz i kompozycji, wdzięczny rytm zdobniczy, wielka dbałość o mitologię, osobisty komfort.
Architektura rokokowa
W przeciwieństwie do baroku, który był stylem wyłącznie dworskim, rokoko było sztuką arystokracji i wyższych warstw mieszczaństwa. Teraz głównym celem mistrza nie była gloryfikacja kogokolwiek lub czegokolwiek, ale wygoda i przyjemność konkretnej osoby. Architekci rokoko zaczęli dbać o wygodę człowieka. Porzucili pompatyczność majestatycznych budowli barokowych i starali się otoczyć człowieka atmosferą wygody i wdzięku. Malarstwo także porzuciło „wspaniałe pomysły” i stało się po prostu piękne. Uwolnione od burzliwych emocji baroku obrazy wypełnione były zimnym światłem i subtelnymi półtonami. Rokoko było być może pierwszym niemal całkowicie świeckim stylem w historii sztuki europejskiej. Podobnie jak filozofia Oświecenia, tak i sztuka rokokowa oddzieliła się od kościoła, spychając tematykę religijną na dalszy plan. Odtąd zarówno malarstwo, jak i architektura miały być lekkie i przyjemne. Dzielne społeczeństwo XVIII wieku było zmęczone moralizowaniem i nauczaniem, ludzie chcieli cieszyć się życiem i czerpać z niego jak najwięcej.
Rokoko przejawiało się nie w projektowaniu zewnętrznym budynków, ale jedynie we wnętrzach, a także w projektowaniu książek, ubiorów, mebli i obrazów. Styl rokokowy znakomicie wyrażał się także we wszystkich gałęziach produkcji artystycznej i przemysłowej; ze szczególnym powodzeniem stosowano go do wyrobu porcelany, nadając swoistej elegancji zarówno formie, jak i zdobnictwu wyrobów; dzięki niemu fabrykacja ta zrobiła w swoich czasach ogromny krok naprzód i zyskała duże uznanie wśród miłośników sztuki. Oprócz porcelany modne jest srebro. Wykonujemy miseczki na czekoladę, wazy, dzbanki do kawy, naczynia, talerze i wiele innych. W tym stuleciu narodziła się sztuka kulinarna w jej nowoczesnej formie, w tym sztuka nakrywania stołu. Meble rokokowe wyróżniają się charakterystycznymi cechami. Jedną z najbardziej uderzających cech są zakrzywione linie i zakrzywione nogi. Meble stają się lżejsze i bardziej eleganckie niż dotychczas. Pojawiają się nowe meble: konsole, sekretarzyki, komody, komody, szafy. Dwa najpopularniejsze typy krzeseł to „Bergere” i „Marquise”. Pozłacane kandelabry, zegary, porcelanowe figurki, gobeliny, parawany to nieodzowne elementy stylu rokoko. Lustra i obrazy ważące asymetrycznie są szeroko stosowane. Na sofach i fotelach zastosuj jedwabne poduszki i pufy z haftem fabularnym. Ciekawostką jest to, że to rokokowy styl projektowania wprowadził do wnętrza taką innowację, jak akwarium we wnętrzu.
Wnętrze rokokowe
Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy „pasterskiego życia” na tle dziewiczej przyrody. Jednym z największych mistrzów sztuki francuskiej XVIII wieku był Antoine Watteau (1684-1721), artysta o subtelnym wyczuciu poetyckim i wielkim talencie malarskim. Marzycielski i melancholijny mistrz „szlachetnych uroczystości”, do przedstawienia życia świeckiego społeczeństwa wprowadził prawdziwą poezję i głębię uczuć, a do interpretacji scen miłosnych i beztroskich zabaw cień pewnego rodzaju melancholii i niezadowolenia. Bardzo często spotykamy na jego obrazach wizerunek samotnego marzyciela, melancholijnego i smutnego, pogrążonego w myślach i oderwanego od hałaśliwej zabawy, próżnej próżności tłumu. Oto prawdziwy bohater Watteau. Jego twórczość zawsze przesiąknięta jest lirycznym smutkiem. Nie znajdziemy w nich burzliwych, zabawnych, ostrych i dźwięcznych kolorów. Szczególnie lubi portretować panie i panów spacerujących lub bawiących się na tle krajobrazu, w zarośniętych, zacienionych parkach, nad brzegami stawów i jezior. Takie są dwa urokliwe obrazy Galerii Drezdeńskiej, na przykład „Towarzystwo w parku”, gdzie wszystko jest przesiąknięte subtelnym lirycznym nastrojem, a nawet marmurowe posągi starożytnych bogów zdają się spoglądać na kochanków z przychylnością.
„Przyjazd na wyspę Cythera”
Najbardziej znanym artystą rokokowym był Francois Boucher, który oprócz malarstwa zajmował się wszelkiego rodzaju sztuką zdobniczą i użytkową: tworzył kartony na gobeliny, rysunki na porcelanę Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury i obrazy dekoracyjne. François Boucher był artystą ideologicznie kojarzonym ze społeczeństwem arystokratycznym w okresie jego upadku; uchwycił na swoich płótnach pragnienie korzystania ze wszystkich błogosławieństw życia, jakie panowały wśród klas wyższych w połowie XVIII wieku. W twórczości Busha szeroko stosowane są wątki mitologiczne, które dają początek przedstawieniu nagiego ciała kobiety i dziecka. Szczególnie często pisze o bohaterkach mitologicznych – w różnych momentach ich romansów lub zajętej toalety. Nie mniej charakterystyczne dla Bouchera są tzw. sceny pasterskie, czyli pasterskie. Charakterystyczne dla całej epoki zamiłowanie do tematów pasterskich było odzwierciedleniem modnych wówczas teorii, według których szczęśliwi są tylko naiwni ludzie żyjący z dala od cywilizacji, na łonie natury. Jego pasterze i pasterki to eleganccy i piękni młodzi mężczyźni i kobiety, lekko przebrani i przedstawieni na tle krajobrazów. Oprócz obrazów pasterskich i mitologicznych malował sceny rodzajowe z życia arystokratycznego społeczeństwa, portrety (zwłaszcza często portrety markizy Pompadour), obrazy religijne, zwykle rozwiązywane w tym samym planie dekoracyjnym („Odpoczynek podczas lotu do Egiptu” ), kwiaty, motywy zdobnicze. Boucher miał niezaprzeczalny talent dekoratora, wiedział jak połączyć swoje kompozycje z rozwiązaniami wnętrz.
Moda rokokowa
Pytania i zadania:
1. Opowiedz nam o cechach estetycznych stylu barokowego
2. Opowiedz nam o cechach malarstwa barokowego na przykładzie Rubensa
3. Opowiedz nam o stylu malarstwa Rembrandta
4. Dlaczego styl rokoko uważany jest za styl arystokracji?
5. Odbyć podróż korespondencyjną po Wersalu
