od primitivus /łac./ - pierwszy, najwcześniejszy (od lat 90. XIX wieku)

Sięganie do obiektów kulturowych egzotycznych cywilizacji, głównie Afryki i Oceanii, to jedna z najbardziej owocnych strategii sztuki awangardowej. Z czasem zbiega się to z maksymalnym rozprzestrzenieniem się kolonializmu, rozwojem etnografii jako nauki i tworzeniem specyficznych zbiorów. Pojęcia „prymitywne” lub „dzikie”, za pomocą których Gauguin stworzył nowy obraz artysty, połączyły wszystkie idee i fantazje na temat mitu stworzenia świata. Urok prymitywów odsunął na bok zamiłowanie do egzotyki, które zaczęło się od orientalizmu Delacroix i kontynuowane było w japonizmie impresjonistów, Nabisów i wyznawców Gauguina. „Van Gogh miał japońskie ryciny, my mamy Afrykę” – napisał Picasso. Artyści podróżowali, a znacznie częściej odwiedzali muzea etnograficzne: Trocadero w Paryżu, Folkirkund Museum w Dreźnie i British Museum w Londynie. Maski i posągi, zamiast wzorców stylistycznych kultury zachodniej, stały się wzorem prymitywizmu. Wykraczali poza utartą tradycję i podsuwali artystom niemal gotowe rozwiązania o uproszczonej, wyabstrahowanej formie. Takie przedmioty, fundamentalne dla Picassa i rozwoju kubizmu, pomogły ekspresjonistom zdystansować się od świata cywilizacji. Rysunki dziecięce i sztukę ludową zaczęto klasyfikować jako dzieła sztuki. W antologii „Niebieski Jeździec” nazwano je nową tradycją malarską, która doprowadzi do zaniku granic między kulturą wysoką i niską. W najbliższej dekadzie style negre (styl murzyński) stanie się fenomenem wpływającym na modę, muzykę, teatr i design.

Malarze: Constantin Brancusi, Andre Derain, Max Ernst, Paul Gauguin, Alberto Giacometti, Ernst Ludwig Kirchner, Henri Matisse), Amedeo Modigliani, Max Pechstein, Pablo Picasso.

Wystawy: 1923, Paryż, Muzeum Sztuk Zdobniczych „Wystawa sztuki rodzimej kolonii Afryki i Oceanii”; 1984, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) „Prymitywizm w sztuce XX wieku”.

Teksty: G.Apollinaire „Sztuka i ciekawość: pierwsze kroki kubizmu”, 1912; Almanach „Błękitny Jeździec”, 1912; R. Fry "Rzeźba Murzynów", 1920; P. Guillaume "Murzyński prymityw rzeźbiarski", 1925.

Opis niektórych prac:

Pablo Picasso "Dziewczyny z Awinionu", 1907. Olej na płótnie. Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Na tym obrazie, biorąc pod uwagę własną wersję tematu prostytucji, Picasso użył dwóch przykładów sztuki prymitywnej. Głowy trzech kobiet po lewej stronie odtwarzają styl prehistorycznej rzeźby z kultury iberyjskiej Osuny, odkrytej w 1906 roku. Twarze dwóch postaci po prawej, przypominające maski apotropeiczne, inspirowane są eksponatami muzeum etnograficznego Trocadero. Picasso udał się tam zimą 1906/07. Odwołanie do prymitywu otworzyło drogę do zniekształceń i deformacji - ulubionych technik kubizmu. Pięć nagich postaci jest zjednoczonych i podzielonych. Ciała pisane szerokimi płaszczyznami o miękkiej tonacji pod różnymi kątami perspektywy wydają się być od siebie całkowicie odizolowane. Kanciastość nieproporcjonalnych figur nadaje obrazowi monumentalne właściwości rzeźby, wrażenie rzeźbionego reliefu, szczególnie jasnego ze względu na ewidentną geometryzację. Historyk i kolekcjoner Daniel-Henri Kahnweiler uznał to dzieło za „początek kubizmu, jego pierwszy kiełek”. Obraz był praktycznie niedostępny dla publiczności aż do 1937 roku, kiedy to dzieło trafiło do kolekcji Museum of Modern Art w Nowym Jorku.

Sztuka naiwna jest zwykle uważana za jeden z obszarów prymitywu. Przez N. I. rozumieją pracę artystów samouków (i „pół-nauków”), artystów-amatorów; czasami jakaś forma sztuki ludowej. Nie zawsze jest możliwe rozróżnienie tych obszarów z wystarczającą jasnością.

W praktyce terminy sztuka naiwna i prymitywna nie zawsze są używane jako identyczne. O sztuce naiwnej mówi się częściej jako o dziełach artystów, którzy relatywnie mówiąc „grają na polu” sztuki profesjonalnej: odtwarzają jej gatunki, wątki, „normy” estetyczne, do pewnego stopnia metody wykonania. Ale jednocześnie ich praca ujawnia w taki czy inny sposób rozbieżność między kryteriami akademickimi, co może wyglądać na niższość lub może nadać utworowi urok „naiwności”. Z tego punktu widzenia obrazy „Trzy dni przed pojedynkiem” M. Belovej (1983), „Zakochana młoda kobieta” nieznanego autora (koniec XVIII wieku, Francja) można nazwać typowymi dziełami sztuki naiwnej. Wspomniane rozróżnienie na sztukę naiwną i prymitywną nie jest powszechnie akceptowane.

Prymitywny - od łac. najpierw najwcześniej. Zgodnie ze znaczeniem tego słowa zjawiska sztuki związane z wczesnymi etapami rozwoju stylów artystycznych nazywano pierwotnie prymitywnymi. Tak więc grecki archaizm jest prymitywny w porównaniu z greckimi klasykami i hellenizmem; Malarstwo zachodnioeuropejskie średniowiecza w porównaniu z renesansem. Sztukę prymitywną zaczęto nazywać prymitywną, kiedy ją odkryto i tak dalej. Od XIX wieku w tych fenomenach sztuki wielu dostrzegało nie tylko niewystarczająco dopracowane umiejętności zawodowe, ale także zalety uczciwości, prostoty, szczerości i siły oddziaływania.

W XX wieku pojęcie prymitywu zbliżyło się do pojęcia sztuki naiwnej, w tym sztuki artystów samouków i amatorów („hobby”, „sztuka weekendowa”). Spośród artystów prymitywnych międzynarodową sławę zdobyli A. Russo, N. Pirosmani (Pirosmanashvili), artyści bałkańscy (I. Generalich i inni).

Prymityw różni się nie tylko od sztuki profesjonalistów, ale także od sztuki ludowej z jej wielowiekową tradycją, kanonami, głęboką symboliką i brakiem identyfikacji osobistego autorstwa. Jednocześnie duch prymitywizmu i charakterystyczne dla niego techniki ekspresyjne wciąż zbliżają go do sztuki ludowej.
Sztuka prymitywna, podobnie jak sztuka archaiczna i dziecięca, wywarła silny wpływ na profesjonalnych artystów XX wieku, co doprowadziło do powstania takiego kierunku, jak prymitywizm. W niektórych publikacjach nie ma rozróżnienia między prymitywizmem a prymitywizmem, to obok artystów „prymitywów” wymienia się także artystów profesjonalnych „prymitywów”.

Prymitywizm to nurt w sztuce profesjonalnej końca XIX-XX wieku, świadomie zorientowany na „nieprofesjonalne” próbki: archaiczne i tradycyjne formy sztuki różnych narodów, twórczość dziecięcą, a także twórczość artystów samouków. W tych fenomenach sztuki wyrafinowani mistrzowie XIX-XX wieku widzieli to, czego sami wierzyli, że im brakowało: szczerości, niezamierzenia, prostoty, uczciwości, żywej ekspresji, pokrewnego stosunku do natury itp.
W takim czy innym stopniu wielu wybitnych europejskich mistrzów można nazwać prymitywistami: P. Gauguin i jego zwolennicy, kubiści (P. Picasso i inni), Fauves (A. Matisse i inni), dadaiści, niektórzy abstrakcjoniści itp. W Rosji - artyści, którzy byli członkami stowarzyszeń „Niebieska róża”, „Jack of Diamonds”, „Donkey's Tail” itp.

Pankov Konstantin Alekseevich to prymitywny artysta, Nieńców z narodowości. W dzieciństwie i młodości prowadził życie rybaków i myśliwych, w nierozerwalnej jedności z wrodzoną naturą. W dziele Pankova uderza niezmiennie jasny, pozytywny ton, radosne uczucie życia wszystkich zjawisk świata. Jego obrazy, niezwykle dokładne, muzykalne i subtelne kolorystycznie, przywołują marzenie lub sen współczesnego mieszkańca wielkiego miasta - a jednocześnie są niezwykle niezawodne we wszystkich codziennych szczegółach.
W latach 30. Pankov studiował w pracowni artystycznej Leningradzkiego Instytutu Ludów Północy. Prace Pankova, podobnie jak innych artystów północnych, były pokazywane w sowieckim pawilonie na międzynarodowej wystawie w Paryżu w 1937 roku i nagrodzone Grand Prix.
W 1942 roku na froncie Wołchowa zginął snajper i oficer wywiadu Pankow.

Choć jego sława jest nieporównywalna z międzynarodową sławą Henri Rousseau, a nawet Pirosmanaszwilego, tworzone przez niego prace w niczym nie ustępują twórczości tych genialnie uzdolnionych artystów samouków.
Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirosmanashvili, 1862-1918) był gruzińskim artystą samoukiem, jednym z najsłynniejszych przedstawicieli sztuki prymitywnej.
Pochodzący ze wsi Pirosmani od najmłodszych lat mieszkał w Tyflisie (Tbilisi), pracował jako służący, konduktor na kolei, sprzedawał mleko, wędrował; Malował obrazy i szyldy na czarnej ceracie dla tawern, sklepów, zajazdów, piwniczek winnych, aby zarobić pieniądze.
W 1912 r. „odkryli” go rosyjscy artyści awangardowi (I. Zdanevich i inni), zaczęli go wspierać finansowo i próbowali wprowadzić twórczą inteligencję do społeczeństwa.

Pirosmani malował nie tylko znaki - "martwa natura", ale także portrety, sceny domowe, zwierzęta, panoramy Gruzji. Potrafił nadać uroczyste, rytualne znaczenie codzienności i świętom życia, jego liczne kompozycje nasycone są poczuciem jedności bytu. Sztukę Pirosmaniego cechuje majestatyczne uproszczenie form, wyjątkowo indywidualny i jednocześnie jaskrawy narodowy kolor.
Rousseau, Henri (1844-1910) - francuski artysta, pierwszy przedstawiciel sztuki prymitywnej, który zyskał międzynarodową sławę. Przez prawie ćwierć wieku służył w urzędzie celnym, aw kręgach artystycznych nosił przydomek celnika. Odszedł na emeryturę, aby całkowicie poświęcić się malarstwu, ale nie zdobył uznania i zmarł w nędzy.
Chwała przybyła do Rousseau po śmierci. Stosunek współczesnych fachowców do niego był ambiwalentny: „mistrzowie” nie traktowali go całkiem poważnie, wyniośle, jako samouka – a jednocześnie nie mogli nie dostrzec jego wyjątkowego talentu, wyrazistości jego prace, zbliżone do sztuki archaicznej i dziecięcej.

Sztukę Rousseau wyróżnia nieskrępowana śmiałość pomysłów, jasność schematów kolorystycznych, swoista monumentalność obrazów: nie dzieli tego, co przedstawione na mniej lub bardziej istotne, równie dba o każdy szczegół (co jest generalnie charakterystyczne dla prymitywów). Sztuka).
Niektórzy naukowcy zauważają, że dla dziecka wszystko, co widzi wokół siebie, ma jednakową wartość i równie interesujące. I dlatego, bez względu na to, jak uszczegóławia obraz, nie traci on z tego powodu swojej integralności. Dziecko nie dzieli świadomie obrazu świata na główny i wtórny, na „figurę i grunt”, jak mówią psychologowie, czy używając terminologii muzycznej, na „melodię i akompaniament”.
Myślę, że dotyczy to również wielu prymitywnych artystów. Rozważ z tego punktu widzenia liście drzew i inne szczegóły obrazów K. Pankova; spójrzmy na zdjęcie A. Rousseau, na którym gepard i koń wyglądają jak jakiś jaskrawy owad kłębiący się wśród dużych łodyg i kwiatów na pierwszym planie. Co jest tutaj najważniejsze, co jest drugorzędne?

Wiele dzieci i prymitywów ma jakiś oderwany, pozytywny i niesprzeczny stosunek do tego, co przedstawiają. Na przykład Brueghel, podobnie jak nasz Pankow, malował szerokie obrazy natury, ludzkiej pracy i życia, na pierwszy rzut oka pogodny, ale przyglądając się bliżej ludziom, ich czynom i świętom, odczujemy jakąś ponurą dwuznaczność postawy autora, co naiwni Nieńcy.

Sztuka prymitywna jest jakby ponadczasowa - jak sztuka dziecięca iw pewnym sensie jak samo dzieciństwo. Ma podobieństwa z archaicznym. Podobnie jak twórczość dzieci, prawdopodobnie zawsze istniała w takiej czy innej formie. A jednocześnie najbardziej charakterystycznym zjawiskiem kultury XX wieku. Podobnie jak dziecinna, prymitywna sztuka mogła zostać zauważona i podniesiona do rangi wysokiej wartości artystycznej nie wcześniej niż pod koniec XIX wieku, ale przede wszystkim w wieku XX. Niektóre elementy sztuki naiwnej można odnaleźć we współczesnym spektaklu dom 2, co czyni go jeszcze bardziej popularnym.

Czemu? To jedno z interesujących pytań do omówienia, ale nie jedyne. Takich pytań jest wiele. Czy dzieci lubią prymitywnych artystów? Czy widzą ich podobieństwo do nich, ich odmienność od artystów „klasyków”? Czy dostrzegają momenty podobieństwa ze sztuką dekoracyjną i użytkową, pięknym folklorem, sztuką archaiczną iz tymi artystami XX wieku, którzy świadomie wiele zapożyczyli zarówno od archaiki, jak i od samych dzieci?

W recepcji biurowej, gabinecie, mieszkaniu lub wiejskim domu obrazy w stylu prymitywizmu dodadzą nowoczesnemu wnętrzu nutki wyrafinowania i komfortu. Uzupełnią wystrój i dodadzą uroku Twojej przestrzeni życiowej. Płótna utalentowanych artystów będą nie tylko doskonałym dodatkiem do wystroju, ale także dobrą inwestycją.

Prymitywizm w malarstwie - obrazy malowane z serca

Jako styl malarski prymitywizm powstał na przełomie XIX i XX wieku i szybko stał się jednym z najpopularniejszych nurtów w sztukach pięknych w Europie i przedrewolucyjnej Rosji. Styl zakłada celowe uproszczenie środków wyrazu. Prymitywizm w malarstwie nawiązuje do dziecięcych doświadczeń artysty i prymitywnej sztuki, czyniąc obraz odzwierciedleniem jego osobistego światopoglądu. Malarz stara się oderwać od dogmatów współczesnej sztuki „wysokiej” i stereotypów estetycznych, patrzeć na świat nie przez pryzmat cywilizacji, ale przez naiwne spojrzenie dziecka.

Prymitywizm objawia się brakiem zbędnych detali, zbędnych detali czy skomplikowanych obrazów - centralne miejsce na obrazach zajmuje temat główny. Wszystko, co może rozpraszać widza, zostaje bezlitośnie przekreślone. Dlatego płótna prymitywistów wyróżniają się szczególną energią i prawdziwą, prawie prymitywną siłą wyrazu.

Trzy powody, aby kupić obraz współczesnych prymitywnych artystów

W rzeczywistości nie ma trzech powodów, aby kupić obraz, ale znacznie więcej. Ale sprowadzenie ich wszystkich przez długi czas iw zasadzie nie jest konieczne. Dlatego podamy tylko trzy główne powody, dla których warto kupić obraz w stylu prymitywizmu - obraz, który odmieni Twoją przestrzeń życiową:

• Obraz ozdobi zarówno najbardziej wyrafinowane, jak i bezpretensjonalne wnętrze. Zawieś go na ścianie, a Twoja przestrzeń życiowa odmieni się!
• W nowoczesnym mieście człowiek potrzebuje jakiegoś ujścia. Dla osób o subtelnej, wrażliwej naturze obraz stanie się takim ujściem.
• Malowanie to bezpieczna inwestycja. Podobnie jak inne dzieła sztuki, obrazy malowane w stylu prymitywizmu z czasem stają się droższe.

Płótna prymitywnych artystów i inne obrazy w "Strychu Artystów"

Galeria sztuki „Mansarda Artystów” została stworzona przez podobnie myślących ludzi zakochanych w sztuce w 1997 roku i od 20 lat prezentuje obrazy różnych mistrzów. Pracujemy w samym centrum kulturalnej stolicy Rosji - na poddaszu budynku, który zachowuje ducha historii po stronie Piotrogrodu.

Galeria od początku istnienia do dziś była i pozostaje otwarta dla wszystkich artystów - od wybitnych mistrzów po początkujących malarzy. A to oznacza, że ​​na „Strychu Artystów” będzie można znaleźć obrazy współczesnych prymitywnych artystów w najbardziej przystępnych cenach oraz prace czcigodnych autorów dla najbardziej wymagających i zamożnych koneserów sztuki.

W "Strychu Artystów" można kupić płótna w stylu prymitywizmu oraz obrazy w innych stylach przychodząc do galerii osobiście lub składając zamówienie bezpośrednio na stronie. Wystarczy, że podasz naszym pracownikom numery artykułów, które Ci się podobają, a my jesteśmy gotowi przywieźć nawet pięć obrazów do osobistej kontroli. Możesz więc zobaczyć obraz na żywo i zrozumieć, jak będzie wyglądał w Twoim wnętrzu. Co więcej, jeśli w ciągu trzech dni stwierdzisz, że zdjęcie nie spełnia podanych wymagań, możesz je zwrócić do galerii.

Dostawa obrazów odbywa się na dowolny adres w Petersburgu, obwodzie leningradzkim lub innym regionie Rosji. W przypadku wszystkich pytań dotyczących obrazów, ich cen, zamówień i dostawy jesteśmy zawsze gotowi do konsultacji telefonicznej.

Prace Władimira Lubarowa znajdują się w Państwowym Muzeum Rosyjskim, Państwowej Galerii Trietiakowskiej, rosyjskich kolekcjach prywatnych, a także w muzeach i kolekcjach prywatnych w wielu krajach świata.

Władimir Lubarow- znany grafik książkowy, który zilustrował ponad sto książek, m.in. Woltera, Rabelaisa, Gogola, Strugackiego, Szoloma Alejchema, Singera. Przez jedenaście lat był głównym artystą pisma „Chemia i Życie”, a na początku pierestrojki zorganizował wraz z grupą pisarzy pierwsze w Rosji prywatne wydawnictwo książkowe „Tekst”.

Jednak w 1992 roku Lyubarov, niespodziewanie dla otaczających go osób, radykalnie zmienił jego życie. Rezygnując z roli prestiżowego wielkomiejskiego artysty, kupił mały dom w na wpół opuszczonej wioscePeremilovona skraju regionu Włodzimierza i pogrążył się w prostym chłopskim życiu.

Zajmując się malarstwem zaczął portretować swoich nowych rodaków. „Obrazy z życia rosyjskiego” odniosły ogromny sukces na Zachodzie i wkrótce Lubarow został zaproszony na wystawy do Belgii, Niemiec, Francji i Szwajcarii. I wkrótce sukces przyszedł w Rosji. W ostatnich latach w jednej z najbardziej prestiżowych moskiewskich galerii odbyły się dwie osobiste wystawy artysty -Galeria „Dom Nashchokin”, a w 2008 roku odbyła się osobista wystawa Władimira Lubarowa wPaństwowa Galeria Tretiakowska.

Wu” Nasza ulica„(tak nazywała się jedna z wystaw artysty) Władimira Lubarowa nie ma dokładnego adresu geograficznego: gdzie się znajduje - czy to w mieście, na wsi, czy po prostu na otwartym polu - jest nieznany. A ludzie o różnych Żyją na nim rody i religie - Rosjanie, Żydzi i ludzie nieokreślonej „narodowości kaukaskiej”.

Bohaterowie różnią się od siebie nie tylko strojem narodowym, ale także czasem, w jakim żyją: na Naszej ulicy płynie tam i z powrotem, a także losowo, a nawet całkowicie stoi w miejscu, jak chce artysta. A jednocześnie jest to typowo rosyjskie zaplecze: realia są od razu rozpoznawalne - brudny targ i typowy prowincjonalny dworzec i Park Kultury z niezbędną "dziewczyną z wiosłem" i tłokiem w kolejkach, jak i obywatele pijący na łonie natury.

Mieszka na „Naszej ulicy” i małej społeczności żydowskiej, składającej się z„Żydzi rosyjscy”- szewcy i rabini, rzeźnicy i krawcy. Idealnie wpisując się w rosyjski krajobraz, przestrzegają szabatu, jedzą macę w Pesach, studiują Torę i Talmud, coraz więcej myślą o wieczności.

Wiele wątków Lubarowa jest wprost literackich, inspirowanych legendami, przypowieściami biblijnymi, opowieściami, gdzieś za nimi majaczą cienie Szoloma Alejchema, Babela, Izaaka Baszewisa Singera i bohaterów rosyjskich baśni.

Literatura w malarstwie bywa nazywana wadą tego czy innego artysty. I mówią na próżno. Literatura, jako matka wszelkich sztuk, była potężnym źródłem inspiracji dla wielu największych malarzy. Ile obrazów inspirowanych jest księgą ksiąg - Biblią!

Mówiąc o obrazach Lubarowa, koneserzy często wymawiają słowa „lubok” i „naiwność”. Cóż, oczywiście jest tu szyna i też naiwność. Ale jaka naiwność? Naiwni, jak rozumiem, są najczęściej uznawani za artystów, którzy posiadając naturalną zdolność do malowania, nie otrzymali specjalnego wykształcenia, nie opanowali odpowiedniej techniki, ale zadziwiają swoich wielbicieli świeżym spojrzeniem na życie i „przymusowym” lekceważenie praw sztuki.

Lyubarov nie należy do tej rasy artystów. Jest wysokim profesjonalistą i do perfekcji opanowuje swoją sztukę. Ale to, co łączy go z artystami naiwnymi, to umiejętność patrzenia na świat spojrzeniem nieskomplikowanego profesjonalizmu, zaskoczenia tym, co widzi, może nawet dziecinnie, i sprawienia, żebyśmy doznali tego samego zaskoczenia. W tym sensie każdy prawdziwy artysta jest naiwny, a każde prawdziwe dzieło sztuki jest również do pewnego stopnia naiwne.

Ma rzadki dar dostrzegania w prywatnych faktach i sytuacjach życia codziennego szczególnego, metaforycznego znaczenia, związku czasów i tradycji narodowych, zabawnych i znaczących.

Prace artysty świadczą o wysokiej kulturze zawodowej, pomysłowości twórczej i niepowtarzalnej manierze stylistycznej autora, jego zaangażowaniu w losy swoich bohaterów.

Emocjonalna, wymowna skala twórczości Władimira Lubarowa niesie w sobie prawdziwy urok i głębię szczerej empatii dla otaczającego nas wielostronnego świata, głębię jego filozoficznego uogólnienia i groteskowej interpretacji, co już samo w sobie zasługuje na poważną uwagę i przemyślane podejście zarówno do osobowość mistrza i jego twórcze aspiracje.

Sztuka Lubarowa niewątpliwie należy do jasnych, niepowtarzalnych zjawisk współczesnej rosyjskiej kultury artystycznej.

Valentin Rodionov - Dyrektor Generalny Państwowej Galerii Trietiakowskiej

Przechadzając się niedawno wzdłuż Nowego Arbatu Władimir Lubarow znalazł na tacach i stojakach obficie wypełnione dziełami „sztuki ludowej” oraz znaczną liczbę obrazów Władimira Lubarow. Wszystkie te zdjęcia były opatrzone jego „odręcznym” podpisem. A niektóre z nich - a więc nawet trzy na raz: pod zdjęciem, na passe-partout i na plecach. Być pewnym. I nikt by w to nie wątpił. Szczerze mówiąc, artysta Lyubarov był najbardziej zdenerwowany nie samym faktem sprzedaży podróbek w Nowym Arbacie, ale jakością tych produktów. Faceci się nie stresują.

chłopaki. „Żurawiny” Arbat zostały wydrukowane na kserokopiarce, a następnie ręcznie pokolorowane. Tam, gdzie rzemieślnicy Arbatu nie lubią koloru, śmiało go zmieniają. Popraw, że tak powiem. A gdzie naprawdę wypadają - to w nazwach zdjęć. Komponują własne - a my, jak mówią, nie rodzimy się z łykiem. Artysta Lyubarov stał przy stoisku, patrzył na "swoje" zdjęcia i - daj spokój, myśli, kupię to.

I co? Półtora „tysiąca” rubli to duże obrazy, a małe to na ogół trzysta. Chodź - nie bądź skąpy. Więc Lyubarov nie marnował czasu na drobiazgi - kupił duży obraz. To prawda, nazwał to „Chórem”, a tutaj - „Bez fałszu”. Czemu? - Nie zawracałem sobie głowy, zwłaszcza że podczas ostrej rozmowy ze sprzedawcą („Przysięgam, oryginał!” - „No, powiedz mi! Widzę namalowaną kopiarkę!” - „Człowieku, zrób zdjęcie lub przejedź obok się!”), cena „siebie” została obniżona do siedmiuset. Co było miłe. I znowu jest teraz coś do pokazania przyjaciołom i znajomym.

10 stycznia 2016 r. mija 109. rocznica urodzin słynnego artysty Kuzbasu Iwana Jegorowicza Selivanova.

Nazywano go syberyjskim Pirosmani i Van Goghiem i jest to pod wieloma względami prawdziwe porównanie. Przez jakiś czas wokół obu kręcili się mecenasi, krytycy sztuki i wielbiciele - jednak zarówno Pirosmani, jak i Selivanov zginęli w pojedynkę, zyskując pośmiertną sławę.

Szedłem długo i ciężko

Słynny prymitywny artysta Kuzbass Ivan Egorovich Selivanov urodził się 10 stycznia 1907 roku. „Urodziłem się w prowincji Archangielska w okręgu Shenkur w radzie wiejskiej Eden we wsi Wasiljewskaja w biednej zubożałej rodzinie chłopskiej” – wspominał.

Później pisał: „Urodziłem się z matką Tatianą Jegorowną nie dla dużych pieniędzy, nie dla luksusowego życia, ale po prostu dla życia, jak każde żywe stworzenie w naturze. Wychował się wśród ubogiej klasy. Całe moje życie, cała moja praca była na nic, ale dlaczego - nie wiem. Czy naprawdę są tacy ludzie, którzy połkną moją pracę jak chciwy krokodyl, czy ją wyrzucą? Przyszłe pokolenia nie będą chwalić takich ludzi”.

„Mój ojciec zmarł wcześnie, w 1912 roku. Matka zostawiła po ojcu trzech synów: starszy urodził się w 1904, ja w 1907, a młodszy w 1912. Moja matka i brat Siergiej i ja zaraz po śmierci mojego ojca musieliśmy iść po jałmużnę dla Jezusa Chrystusa. W 1922 pojechałem do sąsiedniej wsi Iwanowsk, aby zostać pasterzem. Nasza mama i trzej bracia nie mogli mieszkać w naszej wiosce z powodu braku ziemi. Ojczyznę opuściłem - wieś w 1924 r. 5 lutego. Dzielenie się i szczęście było dla mnie trudne po zagranicznej stronie, było też błaganie...”

Iwan Jegorowicz próbował w swoim życiu wielu różnych dzieł. Pracował jako kowal, ślusarz, palacz, piecyk, stróż, żył ciężko i biednie. Sztukę piecową opanował do perfekcji, kładąc na sumieniu tak wiele wspaniałych pieców, że mógł przeżyć stulecie w honorze i zadowoleniu, ale jego dusza na coś czekała, nie mógł siedzieć w jednym miejscu.

A potem życie potoczyło się tak: przez wiele lat wędrował. Odwiedziłem wiele miast. Jeździł na budowy w Murmańsku, Archangielsku, Onega, Swierdłowsku, Zaporożu. Tutaj wybrał swoją żonę Varvarę Illarionovnę na resztę swojego życia. Razem z nią wyjechał do Leningradu, gdzie złapała ich Wielka Wojna Ojczyźniana. To stamtąd Iwan Jegorowicz został ewakuowany do Kuzbasu w 1941 roku. Najpierw mieszka w Nowokuźnieck, Mundybash, pracuje jako młotek, ładowacz, mechanik, tynkarz. Nigdy nie myślałem o sztuce, nie było czasu...

A w 1943 przeniósł się do Prokopiewska.

W mieście górników postanowił pracować jako kolejarz. Mieszkali we wsi Golubevka. A miejsce, w którym później, w 1951 r. Iwan Jegorowicz zbudował dla siebie dom, nazywało się Mars. Emanował egzotyką, romansem, przestrzenią. Nic dziwnego, że Iwan Jegorowicz siedział w letnie wieczory na werandzie domu i patrzył na gwiazdy nad głową.

Nie od razu Selivanov wpadł na pomysł malowania. W 1946 zobaczył w sklepie obraz. Kolorowość stogu siana zaskoczyła go, denerwując jego duszę. Jak sam powiedział, „w życiu dokonała się rewolucja, w całym organizmie, jak w morzu, zerwała się burza”. Chciałem się narysować.

A na swoim pierwszym rysunku w życiu Selivanov przedstawił wróbla. W tym czasie miał prawie 40 lat. Tak więc już w wieku dorosłym zaczął rysować. Najpierw - ołówkiem, później - opanowałem malarstwo olejne.

Przyjaciele i krewni śmiali się: „Jak myślisz, ekscentryczny, studiować w wieku czterdziestu lat! I co? Trochę drobiazgów, rysunek. Żona też była oburzona: „Byłoby lepiej, gdyby położył piec!”. Ale urodziłem się uparty, co wymyśliłem, a potem nagle i zrobię to ”- przypomniał Selivanov o początku swojej pracy. Jak później uznają eksperci, jego wytrwałość tkwi w samym nazwisku: pochodzi od kanonicznego imienia męskiego Selivan (z łac. silvanus – „bóg lasów”).

Wszystko widziane, doświadczane wymagało przemyślenia, widzialnego ucieleśnienia. Podobno rodzą się poeci, muzycy, pisarze, artyści. Wśród utalentowanych ludzi, niezależnie od czasu i wieku, rozbłyska iskra talentu...

Przypadkiem zobaczył w gazecie ogłoszenie o przyjęciu artystów amatorów na Moskiewski Korespondencyjny Ludowy Uniwersytet Artystyczny im. N.K. Krupskiej (ZNUI). Iwan Jegorowicz wysłał dokumenty i rysunek wróbla na Uniwersytet Ludowy. I wkrótce otrzymał zawiadomienie o przyjęciu, Julia Ferapontovna Luzan została mianowana nauczycielem-konsultantem.

Iwan Jegorowicz okazał się upartym, obiecującym uczniem. Zauważyli to doświadczeni nauczyciele i artyści. Zrobili wszystko, aby przekazać mu swoją wiedzę.

„Zacząłem studiować twórczość plastyczną we wrześniu 1947 roku. Studiowałem bez ograniczeń czasowych pod pretekstem tego, co się stanie i co się stanie. Nadal rysuję na prośbę mojego nauczyciela Aksenova Yu.G. za ilustracje do podręczników i literatury, co jest bardzo, bardzo ważne nie tylko dla Korespondencyjnego Uniwersytetu Sztuk Pięknych, ale dla całego kraju, i nie zająkuję się płaceniem nikomu mojej pensji. To nie pasuje do mojej twarzy. Wcześniej czy później ludzie zrozumieją moją nieocenioną - kolosalną pracę ”- wspomina I.E. Selivanov później.

Zostać artystą

Po wejściu do ZNUI życie Iwana Jegorowicza wypełniło się nową treścią, radosną kreatywnością. „Sztuka nie była dla niego celem samym w sobie, ale sposobem na rozwój i reagowanie na ból świata” – wspominał jego drugi nauczyciel, Jurij Grigoriewicz Aksjonow, który został mu wyznaczony po śmierci Yu.F. Luzan. Od Yu.G. Aksenov, artysta konsultował się i korespondował przez 40 lat.

Pierwszymi pracami Selivanova były rysunki pomalowane akwarelami lub kredkami. W centrum jego pracy znajduje się przedmiot, zwierzę lub człowiek jako samowystarczalne zjawisko.

Instruktorzy kursu, którzy uczyli Selivanova, oczywiście domyślali się, jaki ogromny talent drzemie w ich prokopiewskim uczniu. Ale kiedy w 1956 wysłał im portret dziewczyny, nawet oni byli zdumieni. To był wgląd Selivanova, jego „najlepsza godzina”.

Eksperci natychmiast nazwali „Dziewczynę” „amatorską Giocondą”, widząc w niej, według Yu.G. Aksyonova, „etniczna opowieść artysty o jego rodzinnej północy. W złocisto-słonecznej kolorystyce tej pracy uważne spojrzenie ujrzało dyskretny północny pejzaż, który na zawsze pozostał najcenniejszym wspomnieniem artysty”.

Od tego czasu Iwan Jegorowicz bardzo ciężko pracuje: robi autoportrety, portrety, martwe natury, pejzaże, prace animalistyczne, przedstawia też swoją ubogą ekonomię: kota, kurczaka, koguta.

Wszystkie prace - a jest ich już około 400 - są natychmiast wysyłane do Moskwy: „dla potomności, dla nowych pokoleń”, wiele jego dzieł do dziś znajduje się w stolicy. To Moskwa „odkryła” Selivanova. Filmy o nim, wystawy - tu wszystko wymyślono i zorganizowano. Lokalne władze i przedstawiciele „twórczej inteligencji”, „profesjonaliści” nie rozpoznali artysty.

Selivanov odmówił sprzedaży swoich dzieł. Za jego życia sprzedano tylko dwa obrazy: „Autoportret” – w Suzdal oraz jeden z dwóch portretów reżysera M.S. Litvyakov - do Wszechzwiązkowego Muzeum Sztuki Ludowej. Iwan Jegorowicz nie zgadza się już na sprzedaż swoich prac, dąży do tego, aby wszystkie były w jednym miejscu (w Moskwie).

Iwan Jegorowicz często wykonywał swoje prace na podstawie impresji z filmów. W ten sposób stworzył około 50 prac, a te, które przekazał nowokuźnieckiemu Muzeum Sztuk Pięknych w 1978 roku, powstały na podstawie wrażeń z kina: Spartak, Anka strzelec maszynowy, Pavka Korchagin.

W jego rysunkach „Napoleon”, „Łomonosow”, „Kopernik”, „Robespierre” uderza ścisłe podobieństwo do oryginalnego obrazu i pewna naiwna łatwość obsługi. Jak powtórzenie klasycznego tekstu własnymi słowami. Rysunek „Spartakus” artysta namalował nie czytając powieści Giovagnoli. Jak zauważają eksperci, „pisał to jednocześnie ze starożytną jasnością, słowiańską niewinnością i łagodnością”.

Prace Iwana Jegorowicza były polecane do wystawiania na dużych wystawach sztuki. Dostają najbardziej entuzjastyczne recenzje. Artysta Robert Falk, widząc swoją „Dziewczynę”, ujął to krótko: „Uważaj”, mając na myśli zarówno obraz, jak i autora. A historyk sztuki Michaił Alpatow napisał w czasopiśmie „Creativity”: „I możemy być dumni z artystów amatorów. Wśród nich są tacy, których można postawić obok Niko Pirosmaniego i Henri Rousseau, którzy zasłużenie zajęli swoje miejsca w muzeach sztuki”.

Obrazy Iwana Jegorowicza były wystawiane w wielu miastach naszego kraju i za granicą: w Paryżu, Londynie, Pradze, Berlinie, Bonn, Budapeszcie, Montrealu, Nowym Jorku. Na jego prace zwrócili uwagę akademik malarstwa Georgy Nyssky i amerykański artysta Anton Refregier.

Ale sam Iwan Jegorowicz przez długi czas nie wiedział o jego szerokiej popularności i sławie, chociaż od czasu do czasu otrzymywał serdeczne gratulacje i informowano o recenzjach wystawianych przez artystów i krytyków na temat jego twórczości. Nie był zarozumiały. Zaproponowano mu sprzedaż jednej z prac za granicę za duże pieniądze, ale stanowczo odmówił: „Wszystko, co zostało zrobione, należy tylko do mojej sowieckiej Rosji”. A jednak chwała jest chwałą. Poczuł satysfakcję, przypływ sił psychicznych i fizycznych, natchnienie i radość.

W 1969 roku słynny dokumentalista Michaił Litwiakow nakręcił film „Ludzie Ziemi Kuźnieckiej”, którego jedno z opowiadań było poświęcone Iwanowi Seliwanowowi. A w 1984 roku ukazał się film fabularny w reżyserii Wiktora Prochorowa „Serafini Polubes i inni mieszkańcy Ziemi”, oparty na biografii Seliwanowa, pokazano jego prace. Film opowiada o wiejskim artyście samouku, tzw. malarzu naiwnym. Uwagę publiczności dosłownie przykuły kadry, w których pokazywane były prace artysty. Pies. Krowa. Kogut. Dziewczyna karmi kurczaki. Kot. Autoportret. Obrazy zachwycają czystością zdumionego spojrzenia dziecka i dojrzałością pisma mistrza.

Nawiasem mówiąc, kiedy premiera tego filmu odbyła się w centralnym kinie Prokopiewska, nikt nie zwracał uwagi na starca, którego przyprowadziło dwóch nauczycieli. Tak więc premiera filmu odbyła się dla samego Selivanova.

Jedno z centralnych miejsc w twórczości Iwana Egorowicza Selivanova zajmują zwierzęta i ptaki. Naturalny talent artysty ujawnił publiczności „Dziewczyna z kurczakami”, „Lew w lesie”, „Pejzaż z wilkiem”, „Puma”, „Pies”, „Rodzina kogutów”, „Jeleń”, „Kot” , "Krajobraz. (Krowy)." Przedstawia je z wielką wyobraźnią, starannie, z miłością, obdarzając ich przebiegłością, niewinnością, jakby humanizując ich obrazy: duże, zamyślone, smutne oczy „Selivanowa” patrzą na nas z rysunków artysty psa, krowy i ptaka.

Choć oficjalne stosunki z Uniwersytetem Ludowym zakończyły się, Selivanov wysyłał tam swoje obrazy przez prawie cztery dekady. Wysłał Yu.G. Aksjonow ogromna liczba przypowieści i wpisów do pamiętnika, nazywając je „bazgraniem dla rozwoju osobistego systemu mózgowego”. Są to zdumiewająco nagie uczucia i „niezdarne” w języku cenione myśli Seliwanowa o życiu, pracy i sztuce.

Oto niektóre z nich: „Bardzo kocham zwierzęta. Mogę narysować z pamięci kogo zechcesz. Natura daje nam nastrój, poczucie piękna. Bez tego nie ma artysty.”

Artysta towarzyszył pejzażowi „Moja ojczyzna, mój dom” słowami: „Kocham cię, ziemio rosyjska, po mroku nocy, gdy wschodzi słońce. Wszystko oddycha, wszystko się śmieje, patrzy w oczy. Twoje serce się raduje, twoja dusza tańczy. Jak dobrze jesteś, ziemio rosyjska, moja Ojczyzna!

Wyznanie

W najlepszych pracach I.E. Selivanova - a są to głównie portrety - pokazała dar żywego ujęcia natury. W ciągu dwudziestu lat wykonał czterdzieści portretów swojej żony. Na portretach Selivanovowi udaje się przekazać „penetrację” spojrzenia. To spojrzenie, podobnie jak w starożytnych ikonach, nie opuszcza widza, „prowadzi” go, bez względu na to, gdzie patrzy na obraz. Jedno z najlepszych dzieł Selivanova zwykle robi wrażenie – jego „Autoportret”. Brodaty staruszek, który zna swoją wartość, rodzaj mędrca-czarownika z rosyjskiego folkloru, nosiciel wiecznych prawd, zaczarowany wędrowiec-poszukiwacz prawdy, patrzy na widza niemal wprost jasnymi oczami. Sam Iwan Jegorowicz za życia jest niskiego wzrostu, o niebiańsko niebieskich oczach, całkowicie ziemskim człowiekiem z jego praktycznymi troskami, pasjami i ambicjami.

Kiedy zmarła jego żona, Varvara Illarionovna, która dzieliła z nim trudy i radości, w domu na Marsie zapadła cisza. POŁUDNIE. Aksjonow wspomina, że ​​„w połowie lat 70. Iwan Jegorowicz nagle zamilkł: nie było paczek z dziełami, nie było od niego listów. Martwisz się, czy coś się stało? I nagle, rok później, pojawia się obraz: kotka Selivanova, Wasia, siedzi na śniegu ze smutnymi oczami. Stało się jasne: wydarzyło się nieszczęście. Niebieski cień od kota swoim przeszywającym błękitem chłodził dusze publiczności, podkreślając porzucenie skurczonej sylwetki. Oczy kota wydawały się krzyczeć: „Dlaczego wszyscy o mnie zapomnieliście, biedny człowieku?” To uczucie straszliwej samotności, gdy wydaje ci się, że w całym Wszechświecie, ciemnym i bezforemnym, istniejesz tylko Ty. Dla Iwana Jegorowicza był to rok ciężkiej depresji.

W 1985 r. Iwan Jegorowicz wszedł do domu opieki dla osób starszych i niepełnosprawnych w Ińsku, położonego nad brzegiem zbiornika Belovsky, w pobliżu miasta Belovo. Był na zasiłku państwa, otrzymywał, jak to ujął, emeryturę z pensji. Przeznaczono dla niego dwa pokoje, w tym jeden na warsztat. Przy sztalugach spędzał wszystkie godziny dzienne. Wywoływał różne uczucia w otaczających go osobach. Osobowość jest tajemnicza i znacząca dla mieszkańców internatu, niezwykła. Wokół jego imienia zaczęły rodzić się legendy, czasem absurdalne. Zazdrośni ludzie poczerniali jego pracę, porównując ją z bazarowym iso rąbkiem, mówiąc z pogardą o jego życiu poza murami tego domu.

W Kuzbass Iwan Selivanov otworzył się dla szerokiej publiczności dopiero w 1986 roku. Następnie, po artykule Władimira Dołmatowa w gazecie „Rosja Radziecka” „Niebieski kot na białym śniegu”, nazwisko Iwana Jegorowicza było słyszane prawie w całym kraju. W tym samym roku odbyły się dwie osobiste wystawy artysty jedna po drugiej w Kemerowie i Nowokuźniecku.

Powiedzieć, że publiczność była zszokowana, to powiedzieć bardzo mało. Zanim publiczność otworzyła naszą dobrze znaną nam i jednocześnie zupełnie nową rzeczywistość. Nowy wszechświat. Publiczność chodziła i zszokowana, torturowała się nawzajem, dlaczego serce boli na widok smutnej małpy i co fascynuje „Rodzinę kogutów”? Sam Iwan Jegorowicz, mały i bezpretensjonalny, w nowych brezentowych butach, a rozpoznał tylko filcowe buty i brezentowe, niezwykłą kurtkę i czapkę, niczego nie wyjaśniał. Wyglądał mądrze i przebiegle, jakby nie był zaangażowany w podniecenie, które wybuchło wokół niego. I dopiero gdy stanął obok swoich autoportretów, stało się jasne – to wszystko jego. Na nich Selivanov zawsze przedstawiał się jako potężny, pełen wewnętrznej siły. Było w nim więcej niż wystarczająco mocy.

I to pomimo tego, że jego talent w kręgach specjalistów od dawna uznawany jest za skarb narodowy. W liście do I.E. Selivanov Członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych S.M. Nikireev pisze: „Dla mnie jesteś artystą o ogromnym, rzadkim talencie, które ziemia rosyjska rodzi rzadko. Jesteś niesamowitym talentem. Życzę Ci zdrowia i pewności, że jesteś samorodkiem o niezwykłej wadze i blasku.

Ostatnia dożywotnia wystawa I.E. Selivanova odbyła się w 1987 roku - roku 80. urodzin artysty. Iwan Jegorowicz obchodził 80. urodziny jako słynny artysta-amator Federacji Rosyjskiej. Na terenie internatu w Insku namalował swoje ostatnie obrazy: „Autoportret” i „Portret matki”.

To Jurij Grigoriewicz Aksionow zasugerował, aby namalował portret swojej matki. Iwan Jegorowicz poważnie się nad tym zastanowił i zaczął sobie przypominać, jaka matka pozostała w jego pamięci. Nie widział jej od dwudziestego roku życia, zmarła w 1937 roku. A teraz na zdjęciu pojawia się twarz prawdziwego mieszkańca północy ze wsi Wasiljewski, powiat Shenkursky, prowincja Archangielska. Jasne oczy, jasne bujne włosy, zwyczajowo zebrane w kok, prosta rosyjska twarz. Chłopka, której ręce wirowały, tkały, ugniatały ciasto, uprawiała mały kawałek ziemi. Kobieta gorzkiego losu, pozostawiona bez męża z trójką dzieci i zmuszona wysłać je, dorosła, wyrywając je z serca „do ludzi”. Najwyższa prostota, nawet świętość w tym obliczu. Trzeba było przeżyć tak długie i trudne życie, jak żył Iwan Jegorowicz, aby zrozumieć obraz matki i zobaczyć przebłysk wieczności w rodzimych rysach.

... Iwan Jegorowicz zmarł samotnie 1 marca 1988 roku. Został pochowany we wsi Ińskoj, rejon Biełowski, obwód kemerowski, na miejscowym cmentarzu. Nie dożył zaledwie pięciu dni przed dniem, w którym pokazali film dokumentalny o jego życiu, w którym uznał za „świętość pracować do ostatnich dni swojego życia”.

Przyjaciele i wielbiciele opuścili go, zastanawiając się nad każdym calem jego malarstwa, nad każdym napisanym przez niego słowem. Ale I.E. Selivanov zostawił nam prorocze słowo: „Człowiek żyje tak długo, jak cieszy się życiem”. Pozostawił nie do końca ocenione pisma-opowieści, historię, którą zaczął o dwóch chłopcach z Archangielska.

Jego nazwisko figuruje w „Światowej encyklopedii sztuki naiwnej”, która została opublikowana w Wielkiej Brytanii. Jego prace otrzymały trzy Grand Prix na Międzynarodowych Wystawach w Paryżu. Przez cztery dekady działalności twórczej artysta I.E. Selivanov pozostawił setki obrazów i szkiców. Niektóre z nich są przechowywane w Prokopiejewskim Muzeum Krajoznawczym.

W 1990 roku wydawnictwo „Młoda Gwardia” wydało książkę I.E. Selivanova i N.G. Kataeva „I było życie ...”. Książka zawiera reprodukcje obrazów artysty i jego pamiętniki. W nich mówił o tragedii, bólu i pięknie rosyjskiego życia.

... Przede wszystkim ten sam los spotkał gruzińskiego artystę Pirosmaniego i Selivanova. Obaj wiedzieli o swoim wysokim darze. Obaj byli bezdomni i biedni. Przez jakiś czas patroni, krytycy sztuki i wielbiciele kręcili się wokół obu. Jednak zarówno Pirosmani, jak i Selivanov zginęli w pojedynkę, zyskując sławę po śmierci. Obraz Rosji Iwana Selivanova to cierpliwość i wola, cierpienie, siła i poświęcenie. Niezwykle powściągliwa, surowa, intensywna praca. Był taki sam w słowach. A tam i tu - ascetyczna siła i absolutna prostota wyrazu.

Słońce chwały nieczęsto oświetla oryginalnych artystów ludu. Dlatego tak bardzo by się chciało, aby nie zapomniano o tym prostym, miłym, uczciwym i szlachetnym imieniu - Iwan Jegorowicz Selivanov, który niejednokrotnie gloryfikował sztukę ludową na wystawach w naszym kraju i za granicą. Bo dzieło tego artysty od ludzi jest naszym bogactwem narodowym, które trzeba chronić.

Na podstawie materiałówInternet

W jego pracach żyje surowość i duchowość rosyjskiej Północy – jego ojczyzny. Kolejną cechą wyróżniającą Selivanova jest jego osobliwa filozofia, odzwierciedlona w zapisach dziennika, które artysta przechowywał przez wiele lat.

Kolorowy styl żywej mowy ludowej, żywe obrazy wspomnień i snów, aforyzmy - wszystko to sprawia, że ​​dziedzictwo pamiętnikowe Seliwanowa jest nie mniej wartościowe niż jego dzieła sztuki.

„Nie rozwiążesz tego sam bez pomocy innych. Może to dziwactwo? Diabelska moc w moich mózgach?.. ”- te słowa Selivanova można by umieścić jako epigraf dla całego badania sztuki naiwnej.

Kreatywność I.E. Selivanova, odkryta przez Moskwę na wystawach w tzw. klubach inteligencji twórczej – TsDRI, TsDL, Zarząd Związku Artystów Plastyków na Gogol Boulevard – była postrzegana jako powiew świeżego powietrza, dowód na to, że sztuka ludowa wciąż żyje, pomimo lat jego państwowej eksploatacji i perwersji.

To właśnie dzięki twórczości Selivanova i kilku innych oryginalnych artystów „odkrytych” w tamtych latach rozpoczęła się fala ogólnego entuzjazmu dla sztuki naiwnej, która osiągnęła swój szczyt w latach 70. XX wieku.

Pierwszy nauczyciel Selivanova na Moskiewskim Korespondencyjnym Uniwersytecie Ludowym im. N.K. Krupskaya (ZNUI) Julia Ferapontovna Luzan w 1947 roku wpadła na szczęśliwy pomysł: poprosić ucznia o narysowanie zwierząt z przodu iz profilu. Bohaterami jego rysunków w tym okresie była krowa, pies, kot, kogut, byli to prawdziwi przyjaciele i „rozmówcy” artysty do końca jego życia.

Później, kiedy Yu.G. Aksenov, w pracach Selivanova pojawił się słoń, lew, łania. Artysta zwrócił się do Aksenowa z prośbą o pomoc w "zrozumieniu niezrozumiałych słów w całej literaturze... Napisz zgodnie z obietnicą, czym jest sztuka nieobiektywna, estetyka, dogmatyka... W sumie przesyłam czterysta słów".

Iwan Selivanov i świat kultury, z którym się zetknął, mówili różnymi językami. Uważnie przestudiował album „Russian Portrait”, ale nie miało to wpływu na jego własne portrety.

Żaden z sąsiadów nie chciał pozować artyście. Wcielił się w swoją żonę, nauczycieli, bohaterów popularnych filmów - Spartakusa, Kleopatrę. Najważniejsze są jego autoportrety. Selivanov miał charakterystyczny wygląd rosyjskiego chłopa - krzaczastą brodę, kapelusz z gęstymi włosami ściętymi „pod garnkiem”, przeszywające spojrzenie z przebiegłością.

Zwrócił uwagę dziennikarzy telewizyjnych, filmowców, pisali o nim w prasie lokalnej i centralnej. Jednak krąg osób, które bezpośrednio komunikowały się z artystą, sam nie posiadał wystarczająco wysokiego poziomu wykształcenia, aby właściwie interpretować jego sztukę.

Do dziś jego twórczość nie została szczegółowo opisana językiem współczesnej nauki. Oryginalny filozof chłopski, obcy w świecie „rozwiniętego socjalizmu”, Iwan Jegorowicz Selivanow, przeniósł do swojej pracy obrazy harmonijnego porządku świata – domu z ogrodem, przyjaciół, nauczycieli, bohaterów i wszelkiego stworzenia Bożego.

Wystawy osobiste I.E. Seliwanowa:

Centralny Dom Pisarzy, Moskwa, 1971;

Na cześć 70. rocznicy I.E. Selivanova, Moskwa, 1977; Na cześć 80-lecia I.E. Selivanova, Muzeum Sztuk Pięknych, Region Kemerowo, 1986;

Muzeum Sztuk Pięknych Nowokuźnieck, 1986;

Centralna Sala Wystawowa moskiewskiego oddziału Związku Artystów RFSRR, Moskwa, 1987.

Wystawy z udziałem prac artysty:

Wystawa prac artystów amatorów, studentów kursów kształcenia na odległość TsDNT im. N.K. Krupska, Centralny Dom Sztuki, Moskwa, 1965;

Ogólnorosyjska wystawa prac artystów-amatorów, Moskwa 1960;

Ogólnounijne wystawy artystów amatorów w Moskwie: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Wystawa „100 prac oryginalnych artystów”, Moskwa, Sala Związku Artystów na bulwarze Gogola, 1971;

Jubileuszowa wystawa prac studentów Wydziału Sztuk Pięknych z okazji 50-lecia ZNUA w Centralnej Sali Wystawowej Związku Artystów Plastyków RFSRR w Podolsku, 1983-1984;

Naifs sovietiques (Francja), 1988;

Ogólnorosyjska wystawa prac artystów amatorów z okazji 40. rocznicy zwycięstwa narodu radzieckiego w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej, Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Ludowej, Moskwa, 1985;

"Złoty Sen", 1992;

Rajskie Jabłka, 2000;

„Festnaiv-04”.

Kolekcje malarstwa I.E. Selivanova są przechowywane:

Państwowy Dom Sztuki Ludowej;

Rezerwat Muzeum Władimira-Suzdala;

Muzeum „Tsaritsyno”, Moskwa.

Filmografia:

„Ludzie ziemi kuźnieckiej”, reż. M. Litwiakow, Leningradzka Wytwórnia Filmów Dokumentalnych, 1969;

„Rysują od dzieciństwa”, reż. K. Revenko, Telewizja Centralna, film telewizyjny, 1979;

„Kuzbass Pirosmanashvili”, Studio Telewizyjne Kemerowo, 1981;

„Serafini Polubes i inni mieszkańcy Ziemi” (film fabularny, w którym wykorzystano twórczość Seliwanowa), reż. W. Prochorow, Mosfilm, 1984;

Niebieski kot na białym śniegu, reż. V. Lovkova, TSSDF, 1987.

Literatura:

Shkarovskaya N. Ludowa sztuka amatorska. L., 1975;

Światowa encyklopedia sztuki naiwnej. Londyn, 1984. str. 529;

Iwan Selivanov - malarz. Eseje o artyście. Kemerowo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. I było życie… M., 1990;

Wystawa prac artystów amatorów, studentów kursów kształcenia na odległość TsDNT im. N.K. Krupska, Centralny Dom Sztuki, Moskwa, 1965.

Katalog artykułów w mediach drukowanych:

Alpatov M. Bezpośrednio i szczerze // Kreatywność. 1966. nr 10;

Gerchuk Yu Czy prymitywni są prymitywni? // Kreacja. 1972. nr 2;

Baldina O. Drugie powołanie. M., 1983;

Aksenov Y. Zobacz na własne oczy // Artysta. 1986. nr 9;

Shkarovskaya N. Atrakcja miłości do natury // Ogonyok. 1987. nr 36;

Amatorskie sztuki plastyczne // Amatorska twórczość artystyczna: eseje o historii lat 1960-1990. SPb., 1999.

ŻEBERKA ARTYSTA - CZY TO LOSU?! KILKA FAKTÓW Z ŻYCIA IVANA SELIVANOVA

Nazwisko prokopchanina Iwana Selivanova znajduje się w wydanej w Wielkiej Brytanii Encyklopedii Sztuki Naiwnej. Za granicą Iwan Jegorowicz nazywany był rosyjskim Pirosmani i Van Goghiem, wszedł do pierwszej dziesiątki najlepszych naiwnych artystów Rosji.

Jego prace wywieziono do Londynu i Nowego Jorku, sprzedano nielegalnie, żył w biedzie. Przez 45 lat Selivanov napisał setki obrazów i szkiców, ale nie mniej interesujące są jego pamiętniki z własnymi poglądami filozoficznymi. Lokalne muzeum historyczne w Prokopiewsku ma niewielką kolekcję jego prac, około stu - w Moskwie w Państwowym Rosyjskim Domu Sztuki Ludowej.

Jestem chory psychicznie... Dlaczego znalazłem się w takich warunkach? Każdy dupek-baba mnie pozbywa! Wpływa na całe ciało, układ mózgowy… To cytat z filmu „Ivan Selivanov. Fragmenty życia”

W Centralnym Szpitalu Miejskim. Salon Gogola „Artysta” zorganizował wieczór poświęcony pamięci Iwana Selivanova. Na stronie internetowej biblioteki pojawił się e-book poświęcony oryginalnemu artyście z Prokopewska. Zawiera artykuły o Selivanovie, niepublikowane wcześniej fotografie i reprodukcje obrazów. Od 20 lat historyk sztuki Galina Stiepanowna Iwanowa stopniowo zbiera materiał do książki.

W kwietniu 1986 roku artysta został zaproszony do klubu filmowego „Dialog”, odwiedził Muzeum Dostojewskiego i twierdzę Kuznieck. W warsztacie Witalija Karmanowa, do którego został przywieziony, zdziwił się, że artysta może mieć tyle tub z farbą.

Wielbiciele twórczości Selivanova zachowali plakaty jego indywidualnej wystawy, która odbyła się 22 października 1986 roku w Nowokuźnieckim Muzeum Sztuki.

Selivanov swoje ostatnie lata spędził w wiejskim domu opieki dla osób starszych i niepełnosprawnych. Ińskoj. Doświadczył swojej pozycji niewolności, nazywając siebie biurokratą, który z powodu zaburzenia duszy nie może pracować.

- Jestem chory psychicznie... Dlaczego znalazłem się w takich warunkach? Każdy dupek-baba mnie pozbywa! Wpływa na cały organizm, system mózgowy…

Nie mieszkał długo we własnym domu, do którego został przeniesiony na rok przed śmiercią. 5 marca 1988 r. Selivanov został pochowany.

Podczas jednej z wizyt w Selivanov Galina Ivanova (na prośbę artysty) przyniosła Iwanowi Jegorowiczowi talerz i patelnię. Potem okazało się, że użył tej płyty zamiast palety.
Przykrył patelnię gazetą, włożył do niej kubek z rozpuszczalnikiem i dopiero wtedy zaczął pisać. W ostatnich latach pracował w olejach.

W Nowokuźniecku koncertował Teatr Lenkom, a do naszego studia (biuro filmowo-fotograficznego KMK) przyszli aktorzy Nikołaj Karachentsow i Oleg Jankowski. Dosłownie dzień wcześniej znawca malarstwa i kolekcjoner Jankowski odwiedził Selivanova z wizytą, nie podejrzewając ekscentrycznego usposobienia właściciela.

Jestem znanym aktorem Olegem Jankowskim - zaczął od progu Lenkom.

Popularny aktor nie miał innego wyjścia, jak tylko posłuchać rady starca. Prace samorodnego artysty zobaczył później - w filmie dokumentalnym S. Shakuro i V. Skody. Nikołaj Karachentsov patrzył z prawdziwym podziwem na małego (wysokość 154 cm!), brodatego chłopa, wszyscy byli zaskoczeni:

Co za kompletny charakter!

Następnego dnia Nikołaj Pietrowicz przyprowadził na seans całą trupę...

Kiedy czytasz jego myśli, myślisz, że to prawdziwy filozof:

„Człowiek nie rodzi się sam, przychodzi na ten świat z jakiegoś nieznanego powodu i jest związany ze wszystkimi żywymi istotami.
Jeśli ktoś jest uczciwy w swojej pracy i swoich towarzyszach, spełnia prawo o uczciwej pracy społecznej.

„Aby przeżyć dzień z prawdziwą prawdą na ziemi, musisz dużo pracować nad sobą od rana do wieczora. Aby serce i dusza w swojej czystości były równe bursztynowi lub promieniom słońca.

„Uważam za błogosławieństwo być niezależnym od innych, jeść chleb żytni z ziemniakami w mundurach obieranych i odrobiną soli zmieszanej z wodą. Niech będzie niewygodnie i brudno w mojej chacie, to nie ma znaczenia. Ze względu na wagę uznam, że zimą w mojej chacie jest ciepło. Jest mnóstwo takich starych mężczyzn jak ja, młodych kobiet i starych kobiet na całej ziemi.

IVAN SELIVANOV: ŻYCIE I LOSU

« Urodziłam się z matką... nie za duże pieniądze, nie za luksusowe życie, ale po prostu za życie, jak każda żywa istota w naturze”. Tak pomyślał i napisał bohater naszego artykułu, wyjątkowy rosyjski artysta i myśliciel Iwan Jegorowicz Selivanov (1907-1988).

Nie, oficjalnie nie był "artystą ludowym" - nie otrzymał od państwa żadnych tytułów naukowych i regaliów. Ale był prawdziwym „artystą ludu” epoki sowieckiej. Wraz z Niko Pirosmanim i Efimem Chestnyakovem jest własnością ludzkości. A jego pamiętniki pod względem treści i głębi można nazwać prawdziwą mądrością ludową ... Opowiemy dziś o nim, jego losie i myślach.

Ten artykuł nie jest szkicem biograficznym, nie postawiliśmy sobie za zadanie przynajmniej częściowego opisania ścieżki życia Iwana Selivanova, ale nadal nie możemy obejść się bez krótkiego wprowadzenia. Oto, co pisze miejscowa historyczka, badaczka jego życia i pracy Nina Grigoryevna Kataeva:

« Artysta spotkał się ze mną w domu zbudowanym na terenie szkoły z internatem dla weteranów pracy we wsi Ińskoj w rejonie Biełowskim w obwodzie kemerowskim. Dom został zbudowany zgodnie z rodzajem chaty, w której mieszkał Selivanov przez trzydzieści cztery lata. Starość, słabość i samotność zmusiły nas do rozstania się z nią, a po roku smutnej egzystencji w zaciszu małego pokoju w domu opieki stara artystka wreszcie poczułem troskę lokalnych liderów o siebie».

Nauczyciel Selivanova, ten oryginalny artysta, wiejski piecyk, Jurij Grigoriewicz Aksionow z Moskiewskiego Korespondencyjnego Ludowego Uniwersytetu Sztuki, mówił o nim w ten sposób: „Jedyną rzeczą, która uratowała go przed życiem, był obóz. Wszystko inne było.” Co z resztą? Rzeczywiście, wszystko. Niesprawiedliwe oskarżenia, głód, zimno, bieda, samotność, tułaczka bez pracy. Ale być może to dzięki takiemu losowi artyście udało się zachować krystalicznie czysty aż do ostatniego tchu.

Krytyk sztuki z Polski, usłyszawszy na wieczorze filmowym w Moskwie w Ministerstwie Kultury RFSRR, że nie znaleziono jeszcze godnego schronienia dla dziedzictwa Seliwanowa, wykrzyknął zdziwiony:

- Tak, gdybyśmy znaleźli takiego artystę jak twój Iwan Jegorowicz, dalibyśmy mu najlepsze muzeum w Warszawie!

Cóż, być może Polacy by dali. Nie ma proroka w jego własnym kraju.

Samotność biegacza długodystansowego

Sam Selivanov traktował perypetie losu nie tyle ze stoickim spokojem, ile raczej z pokorą, jako nieuchronność. W ogóle nie uważał się za artystę.

- Jestem mężczyzną, który maluje obrazy między obowiązkami domowymi, powiedział. I wielokrotnie odwoływał się do Lwa Tołstoja, który na pytanie, dlaczego ma w swoich postaciach solidnych hrabiów i książąt, odpowiedział:

„Ponieważ mogą kontrolować historię”.

Selivanov uważał też, że biedni nie mogą wpływać na bieg wydarzeń historycznych. A kiedy próbowali go przekonać, mówiąc: „Jesteś twórcą i nie możesz nie wpływać na bieg życia!”, - powtórzył: „Nie, jestem żebrakiem”.

I zrobił to samo z pieniędzmi. Kiedy oszust wywabił go ze wszystkiego, co udało mu się zdobyć na wystawy, tylko wzruszył ramionami: „Cóż, wydaje się, że potrzebuje więcej…”.

Iwan Jegorowicz pozostawił po sobie wiele notatników z pamiętnika - oto „Prorocze sny artysty” i „Gdzie jesteś, szczęście?”, „Opowieści i przypowieści” ... I uważał ten notatnik za szczególnie ważny dla siebie , z którym teraz częściowo się zapoznamy.

„Dotyczy wszystkich”

W ten sposób - "Dotyka wszystkich" - Selivanov zatytułował jeden ze swoich zeszytów pamiętnika. I oczywiście nie na próżno – chodziło o wiele ważnych rzeczy. Na przykład o bezwartościowym, jego zdaniem, sowieckim systemie edukacji i wychowania („Nawet nie wiem, która z osób piśmiennych może podjąć się ważnego zadania, jakim jest edukacja człowieka. Podczas gdy wszyscy patrzą na tę sprawę z chłodem, nikogo to nie dotyczy. Więc ludzie sami się uczą – jak to się okazuje Czy nie dlatego jest tak wiele dziur w naszym państwie?I są różnego rodzaju „warstwy” i ci, którzy cieszą się w życiu przywilejami?”).

A Selivanov pisze o skorumpowanych pisarzach, o pracy jako podstawie życia, io Moskwie, która tak bardzo ucierpiała, ale pozostała Moskwą… Selivanov pisze dużo o miłości.

« Nie zdradziłem mojej żony Varenki. Oszukać żonę oznacza to samo, co zdradę ojczyzny. Gardzę takimi ludźmi zawsze i wszędzie. W czasie wojny tych, którzy zdradzili swoją ojczyznę, stawiano pod murem. A za zdradę, na jaką kulę zasługuje mąż-mężczyzna?».

Selivanov nazywa siebie „kapitan, który stracił kontrolę nad statkiem”. Ale z dumą to pisze „służy ludziom za skromne jedzenie, za kawałek chleba”.

Zarysowując swoje przemyślenia na temat moralności, boleśnie zastanawia się nad odwiecznymi pytaniami, nad głównymi tajemnicami bytu, nad tym, co pochodzi od Immanuela Kanta, -” gwiaździste niebo nad nami i prawo moralne w nas”. Oczywiście Iwan Jegorowicz nie odnosi się do Kanta, ale jego „gwiaździste niebo” to nieskończenie zmienna natura, która nagradza ludzi na różne sposoby: komu „instynkt kradzieży”, I do kogo „do dobrych uczynków”.

Jego pamiętnik z 1982 roku jest bardzo charakterystyczny: „ Idź na stromy wysoki brzeg. Horyzont rozszerzy się przed tobą. Będziesz podziwiać to, co widzisz. W chwili Twojej refleksji zza horyzontu wyłoni się ogromna masa ludzi - ludzie. Ci ludzie są zakuci w kajdany i ledwo się ruszają. Gdzie? A harmonijny system twoich myśli natychmiast straciłby równowagę na żądanie twojego serca. Pomyślałbyś - co to jest? Gdzie iść, gdzie biegać? Od tak ogromnej masy ludzi spętanych? W tym ludzkim morzu jest tak wielu ludzi... Dlaczego są przykuci żelaznymi kajdanami? Prosiłbym każdego z nich z serca… Tak, nie możesz łamać prawa, nie możesz się do nich podejść».

Niewielu m.in.

Tak było, Iwan Jegorowicz Selivanov, artysta, poeta i mędrzec. Ludzie, którzy go znali, momentami byli zdumieni - bardzo skromne wykształcenie i pełne godności przemówienie! Na przykład Selivanov powiedział: Rembrandt to fenomen wyjątkowy, na świecie jest niewielu artystów takich jak Rembrandt. Może dziesięć osób. W przeciwieństwie do pozostałych mają wyraz rzeczywistości”. Ale te słowa można również przypisać samemu Iwanowi Jegorowiczowi. Niewiele jest takich ludzi na świecie...

Andrzeja Bystrowa,