Balet to forma sztuki performatywnej; to emocja zawarta w obrazach muzycznych i choreograficznych.

Balet, najwyższy etap choreografii, w którym sztuka tańca wznosi się do poziomu muzycznego wykonania scenicznego, powstał jako sztuka dworsko-arystokratyczna znacznie później niż taniec, w XV-XVI wieku.

Termin „balet” pojawił się w renesansowych Włoszech w XVI wieku i oznaczał nie spektakl, ale epizod taneczny. Balet to sztuka, w której taniec, główny środek wyrazu baletu, jest ściśle związany z muzyką, ma podstawę dramatyczną - libretto, ze scenografią, z pracą kostiumografa, projektanta oświetlenia itp.

Balet jest zróżnicowany: fabuła - klasyczny narracyjny balet wieloaktowy, balet dramatyczny; bez fabuły - balet-symfonia, balet-nastrój, miniatura.

Na światowych scenach pojawiło się wiele przedstawień baletowych opartych na arcydziełach literatury do muzyki znakomitych kompozytorów. Dlatego brytyjski zasób internetowy Listverse postanowił stworzyć własną ocenę najlepszych produkcji baletowych w historii.

"Jezioro łabędzie"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Pierwsza, moskiewska produkcja Jeziora łabędziego nie odniosła sukcesu – jego chwalebna historia rozpoczęła się prawie dwadzieścia lat później w Petersburgu. Ale to Teatr Bolszoj przyczynił się do tego, że świat został obdarowany tym arcydziełem. Piotr Czajkowski napisał swój pierwszy balet na zamówienie Teatru Bolszoj.
Szczęśliwe życie sceniczne Jeziorze łabędzim zapewnił słynny Marius Petipa i jego asystent Lew Iwanow, którzy przeszli do historii przede wszystkim dzięki inscenizacji standardowych „łabędzich” scen.

Wersja Petipa-Ivanov stała się klasykiem. U podstaw większości kolejnych produkcji Jeziora łabędziego, z wyjątkiem tych skrajnie modernistycznych.

Pierwowzorem jeziora łabędziego było jezioro w gospodarce Davydov Lebedeva (obecnie obwód czerkaski, Ukraina), które Czajkowski odwiedził na krótko przed napisaniem baletu. Odpoczywając tam, autor spędził ponad jeden dzień na jego brzegu, obserwując śnieżnobiałe ptaki.
Fabuła oparta jest na wielu motywach folklorystycznych, między innymi na starej niemieckiej legendzie o pięknej księżniczce Odecie, która została zamieniona w łabędzia przez klątwę złego czarnoksiężnika, rycerza Rothbarta.

"Romeo i Julia"

Romeo i Julia Prokofiewa to jeden z najpopularniejszych baletów XX wieku. Premiera baletu odbyła się w 1938 roku w Brnie (Czechosłowacja). Powszechnie jednak znana była edycja baletu, który został zaprezentowany w Teatrze Kirowa w Leningradzie w 1940 roku.

Romeo i Julia to balet w 3 aktach 13 scenach z prologiem i epilogiem opartym na tragedii Williama Szekspira o tym samym tytule. Ten balet to arcydzieło sztuki światowej, ucieleśnione przez muzykę i niesamowitą choreografię. Sam spektakl jest tak imponujący, że warto go obejrzeć przynajmniej raz w życiu.

„Gizelle”
Kompozytor: Adolf Adam

Giselle to „fantastyczny balet” w dwóch aktach francuskiego kompozytora Adolphe Adama do libretta Henri de Saint-Georges, Theophile Gauthier i Jean Coralli, opartego na legendzie opowiedzianej przez Heinricha Heinego. W swojej książce „O Niemczech” Heine pisze o vilis – dziewczynach zmarłych z nieszczęśliwej miłości, które zamieniając się w magiczne stworzenia, tańczą na śmierć młodych ludzi, których spotykają w nocy, mszcząc się na nich za zrujnowane życie.

Prapremiera baletu odbyła się 28 czerwca 1841 roku w Wielkiej Operze, w choreografii J. Coralli i J. Perraulta. Produkcja odniosła ogromny sukces, w prasie pojawiły się dobre recenzje. Pisarz Jules Janin napisał: „W tej pracy nie ma nic. I fikcja, i poezja, i muzyka, i kompozycja new pas, i piękne tancerki, i harmonia, pełna życia, wdzięku, energii. To się nazywa balet”.

"Orzechówka"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Historia inscenizacji baletu Czajkowskiego Dziadek do orzechów, opartego na baśni Ernsta Theodora Amadeusza Hoffmanna Dziadek do orzechów i król myszy, zna wiele autorskich wydań. Premiera baletu odbyła się w Teatrze Maryjskim 6 grudnia 1892 r.
Premiera baletu była wielkim sukcesem. Balet Dziadek do orzechów kontynuuje i kończy serię baletów P. I. Czajkowskiego, które stały się klasyką, w których brzmi temat walki dobra ze złem, rozpoczęty w Jeziorze łabędzim i kontynuowany w Śpiącej królewnie.

Świąteczna bajka o szlachetnym i pięknym zaklętym księciu zamienionym w lalkę Dziadek do orzechów, o miłej i bezinteresownej dziewczynie oraz ich złym przeciwniku Królu Myszy, zawsze była kochana przez dorosłych i dzieci. Mimo baśniowej fabuły jest to dzieło prawdziwego baletowego mistrzostwa z elementami mistycyzmu i filozofii.

„Bajadera”
Kompozytor: Ludwig Minkus

Bajadera to balet w czterech aktach i siedmiu scenach z apoteozą choreografa Mariusa Petipy do muzyki Ludwiga Fiodorowicza Minkusa.
Źródłem literackim baletu „Bajadera” jest dramat indyjskiej klasyki Kalidasa „Szakuntala” oraz ballada W. Goethego „Bóg i Bajadera”. Fabuła oparta jest na romantycznej orientalnej legendzie o nieszczęśliwej miłości bajadery i dzielnego wojownika. "Bajadera" to przykładowe dzieło jednego z nurtów stylistycznych XIX wieku - eklektyzmu. W „Bajaderze” jest zarówno mistycyzm, jak i symbolika: uczucie, że od pierwszej sceny „miecz karzący z nieba” wznosi się nad bohaterami.

„Święta wiosna”
Kompozytor: Igor Strawiński

Święto wiosny to balet rosyjskiego kompozytora Igora Strawińskiego, którego premiera odbyła się 29 maja 1913 w Théâtre des Champs Elysées w Paryżu.

Koncepcja Święta wiosny została oparta na śnie Strawińskiego, w którym ujrzał starożytny rytuał - młoda dziewczyna w otoczeniu starszych tańczy do wyczerpania, aby obudzić wiosnę i umiera. Strawiński pracował nad muzyką w tym samym czasie co Roerich, który pisał szkice scenografii i kostiumów.

W balecie nie ma fabuły jako takiej. Treść Święta wiosny kompozytor tak opisuje: „Jasne Zmartwychwstanie natury, która odradza się do nowego życia, całkowite zmartwychwstanie, spontaniczne zmartwychwstanie poczęcia świata”

"Śpiąca Królewna"
Kompozytor: Piotr Czajkowski

Balet „Śpiąca królewna” PI Czajkowskiego - Marius Petipa nazywany jest „encyklopedią tańca klasycznego”. Starannie skonstruowany balet zachwyca przepychem różnorodnych choreograficznych barw. Ale, jak zawsze, w centrum każdego występu Petipy znajduje się baletnica. W pierwszym akcie Aurora jest młodą dziewczyną, która lekko i naiwnie postrzega otaczający ją świat, w drugim jest kuszącym duchem, przywołanym z wieloletniego snu przez wróżkę Bzu, w finale jest szczęśliwą księżniczka, która znalazła ją narzeczoną.

Pomysłowy geniusz Petipy olśniewa publiczność dziwacznym wzorem różnorodnych tańców, których szczytem jest uroczyste pas de deux kochanków, Księżniczki Aurory i Księcia Pożądania. Dzięki muzyce PI Czajkowskiego bajka dla dzieci stała się poematem o walce dobra (wróżka bzu) ze złem (wróżka Carabosse). Śpiąca królewna to prawdziwa muzyczno-choreograficzna symfonia, w której muzyka i taniec łączą się w jedno.

"Don Kichot"
Kompozytor: Ludwig Minkus

Don Kichot to jedno z najbardziej afirmujących życie, jasnych i świątecznych dzieł teatru baletowego. Ciekawe, że ten genialny balet wbrew nazwie nie jest inscenizacją słynnej powieści Miguela de Cervantesa, ale niezależnym dziełem choreograficznym Mariusa Petipy na podstawie Don Kichota.

W powieści Cervantesa podstawą fabuły jest wizerunek smutnego rycerza Don Kichota, gotowego na wszelkie wyczyny i szlachetne czyny. W balecie Petipy do muzyki Ludwiga Minkusa, którego premiera odbyła się w Moskiewskim Teatrze Bolszoj w 1869 roku, Don Kichot jest postacią drugoplanową, a akcja skupia się na historii miłosnej Kitri i Bazylego.

"Kopciuszek"
Kompozytor: Siergiej Prokofiew

Kopciuszek to balet w trzech aktach Siergieja Prokofiewa oparty na baśni o tym samym tytule autorstwa Charlesa Perraulta.
Muzyka do baletu powstała w latach 1940-1944. Po raz pierwszy Kopciuszek do muzyki Prokofiewa został wystawiony 21 listopada 1945 roku w Teatrze Bolszoj. Jej dyrektorem był Rostisław Zacharow.
Oto jak pisał Prokofiew o balecie Kopciuszek: „Stworzyłem Kopciuszka w najlepszych tradycjach baletu klasycznego”, co sprawia, że widz wczuwa się w empatię i nie pozostaje obojętny na radości i kłopoty Księcia i Kopciuszka.

Powstała na wzór zachodnich opery rosyjska opera wniosła cenny wkład do skarbca kultury światowej.

Występując w dobie klasycznego rozkwitu oper francuskich, niemieckich i włoskich, opera rosyjska w XIX wieku nie tylko dogoniła klasyczne narodowe szkoły operowe, ale też je wyprzedziła. Ciekawe, że rosyjscy kompozytorzy tradycyjnie wybierali do swoich utworów tematy o charakterze czysto ludowym.

„Życie dla cara” Glinka

Opera „Życie za cara” lub „Iwan Susanin” opowiada o wydarzeniach z 1612 roku – kampanii polskiej szlachty przeciwko Moskwie. Autorem libretta był baron Jegor Rozen, jednak w czasach sowieckich, ze względów ideologicznych, redagowanie libretta powierzono Siergiejowi Gorodeckiemu. Premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w Petersburgu w 1836 roku. Przez długi czas rolę Susanin grał Fiodor Chaliapin. Po rewolucji Życie za cara opuściło sowiecką scenę. Próbowano dostosować fabułę do wymagań nowych czasów: tak Susanin została przyjęta do Komsomołu, a końcowe wersy brzmiały jak „Chwała, chwała, sowiecki system”. Dzięki Gorodeckiemu, kiedy opera była wystawiana w Teatrze Bolszoj w 1939 roku, „system sowiecki” został zastąpiony przez „naród rosyjski”. Od 1945 roku Teatr Bolszoj tradycyjnie otwiera sezon różnymi przedstawieniami Iwana Susanina Glinki. Być może największe zagraniczne wystawienie opery zrealizowano w mediolańskiej La Scali.

„Borys Godunow” Musorgskiego

Opera, w której car i lud są wybierani jako dwie postacie, została zapoczątkowana przez Musorgskiego w październiku 1868 roku. Do napisania libretta kompozytor wykorzystał tekst tragedii Puszkina o tym samym tytule oraz materiały z Historii Państwa Rosyjskiego Karamzina. Tematem opery były rządy Borysa Godunowa tuż przed Czasem Kłopotów. Musorgski ukończył pierwszą edycję opery Borys Godunow w 1869 roku, która została przedstawiona komitetowi teatralnemu Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Recenzenci odrzucili jednak operę, odmawiając jej wystawienia ze względu na brak jasnej roli kobiecej. Musorgski wprowadził do opery „polski” akt miłosnej linii Mariny Mniszek i Fałszywego Dymitra. Dodał też monumentalną scenę popularnego powstania, dzięki czemu finał był bardziej widowiskowy. Mimo wszelkich korekt opera ponownie została odrzucona. Wystawiono ją dopiero 2 lata później, w 1874 roku, na scenie Teatru Maryjskiego. Za granicą premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w paryskiej Grand Opera 19 maja 1908 roku.

Dama pikowa Czajkowskiego

Operę Czajkowskiego ukończył wczesną wiosną 1890 roku we Florencji, a pierwsza inscenizacja odbyła się w grudniu tego samego roku w Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Opera została napisana przez kompozytora na zamówienie Teatru Cesarskiego i po raz pierwszy Czajkowski odmówił przyjęcia zamówienia, uzasadniając swoją odmowę brakiem „odpowiedniej scenicznej obecności” w fabule. Ciekawe, że w opowiadaniu Puszkina bohater nosi nazwisko Hermann (z dwoma „n” na końcu), a w operze głównym bohaterem jest mężczyzna o imieniu Herman – nie jest to pomyłka, a celowa zmiana autora . W 1892 roku opera została wystawiona po raz pierwszy poza Rosją w Pradze. Następnie - pierwsza produkcja w Nowym Jorku w 1910 i premiera w Londynie w 1915.

„Książę Igor” Borodin

Podstawą libretta był pomnik starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”. Pomysł na fabułę podsunął Borodinowi krytyk Władimir Stasow na jednym z wieczorów muzycznych u Szostakowicza. Opera powstawała przez 18 lat, ale kompozytor nigdy jej nie ukończył. Po śmierci Borodina prace nad dziełem zakończyli Głazunow i Rimski-Korsakow. Istnieje opinia, że Głazunowowi udało się przywrócić z pamięci autorskie wykonanie uwertury operowej, którą kiedyś usłyszał, jednak sam Głazunow obalił tę opinię. Pomimo faktu, że Głazunow i Rimski-Korsakow wykonali większość pracy, upierali się, że książę Igor był w całości operą Aleksandra Porfiriewicza Borodina. Premiera opery odbyła się w Teatrze Maryjskim w Petersburgu w 1890 roku, po 9 latach obejrzała ją zagraniczna publiczność w Pradze.

„Złoty Kogucik” Rimskiego-Korsakowa

Opera Złoty Kogucik powstała w 1908 roku na podstawie baśni Puszkina pod tym samym tytułem. Ta opera była ostatnim dziełem Rimskiego-Korsakowa. Teatry cesarskie odmówiły wystawienia opery. Ale gdy tylko publiczność zobaczyła ją po raz pierwszy w 1909 roku w Operze Moskiewskiej Siergieja Zimina, opera została wystawiona w Teatrze Bolszoj miesiąc później, a następnie rozpoczęła swój triumfalny pochód dookoła świata: Londyn, Paryż, Nowy Jork, Berlin, Wrocław.

„Lady Makbet z rejonu mceńskiego” Szostakowicza

Pomysł opery wyszedł od Aleksandra Dargomyżskiego w 1863 roku. Jednak kompozytor wątpił w jego sukces i uważał dzieło za twórczy „rekonesans”, „zabawę nad Don Giovannim” Puszkina. Napisał muzykę do tekstu Puszkina The Stone Guest, nie zmieniając w nim ani jednego słowa. Problemy z sercem nie pozwoliły jednak kompozytorowi dokończyć dzieła. Zmarł, prosząc w testamencie swoich przyjaciół Cui i Rimskiego-Korsakowa o dokończenie dzieła. Opera została po raz pierwszy zaprezentowana publiczności w 1872 roku na scenie Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Prapremiera zagraniczna odbyła się dopiero w 1928 roku w Salzburgu. Ta opera stała się jednym z „kamień węgielnych”, bez wiedzy o tym nie można zrozumieć nie tylko rosyjskiej muzyki klasycznej, ale także ogólnej kultury naszego kraju.

Sekcja publikacji Teatry

Słynne rosyjskie balety. Top 5

Balet klasyczny to niesamowita forma sztuki, która narodziła się we Włoszech w okresie dojrzałego renesansu, „przeniosła się” do Francji, gdzie zasługa jego rozwoju, w tym założenia Akademii Tańca i kodyfikacji wielu ruchów, należała do króla Ludwika XIV . Francja eksportowała sztukę teatralnego tańca do wszystkich krajów europejskich, w tym do Rosji. W połowie XIX wieku stolicą europejskiego baletu nie był już Paryż, który dał światu arcydzieła romantyzmu La Sylphide i Giselle, ale Petersburg. To właśnie w północnej stolicy pracował przez prawie 60 lat wybitny choreograf Marius Petipa, twórca systemu tańca klasycznego i autor arcydzieł, które wciąż nie schodzą ze sceny. Po rewolucji październikowej chcieli zrzucić balet ze statku nowoczesności, ale udało im się go obronić. Czasy sowieckie były naznaczone powstaniem znacznej liczby arcydzieł. Przedstawiamy pięć baletów z najwyższej półki krajowej - w kolejności chronologicznej.

"Don Kichot"

Scena z baletu Don Kichot. Jedna z pierwszych produkcji Mariusa Petipa

Prawykonanie baletu L.F. Minkus „Don Kichot” w Teatrze Bolszoj. 1869 Z albumu architekta Alberta Kavos

Sceny z baletu Don Kichot. Kitri - Lyubov Roslavleva (w środku). Inscenizacja AA Gorskiego. Moskwa, Teatr Bolszoj. 1900

Muzyka L. Minkusa, libretto M. Petipy. Pierwsze przedstawienie: Moskwa, Teatr Bolszoj, 1869, choreografia M. Petipy. Kolejne produkcje: Petersburg, Teatr Maryjski, 1871, choreografia M. Petipy; Moskwa, Teatr Bolszoj, 1900, Petersburg, Teatr Maryjski, 1902, Moskwa, Teatr Bolszoj, 1906, całość - choreografia A. Gorskiego.

Balet „Don Kichot” to pełne życia i radości przedstawienie teatralne, odwieczna celebracja tańca, który nigdy nie męczy dorosłych i do którego rodzice chętnie zabierają swoje dzieci. Choć nazywana jest imieniem bohatera słynnej powieści Cervantesa, oparta jest na jednym z jej odcinków, „Weselu Kiterii i Basilio”, i opowiada o przygodach młodych bohaterów, których miłość ostatecznie zwycięża, mimo sprzeciwu upartego ojca bohaterki, który chciał ją poślubić za bogatego Gamache.

Więc Don Kichot nie ma z tym prawie nic wspólnego. Przez cały spektakl wysoki, chudy artysta, w towarzystwie niskiego, brzuchatego kolegi, przedstawiającego Sancho Pansę, krąży po scenie, czasami utrudniając oglądanie pięknych tańców skomponowanych przez Petipę i Gorskiego. Balet to w istocie koncert w kostiumach, celebracja tańca klasycznego i charakterystycznego, w którym wszyscy artyści każdego zespołu baletowego mają coś do roboty.

Pierwsza produkcja baletu odbyła się w Moskwie, gdzie Petipa odwiedzał od czasu do czasu, aby podnieść poziom miejscowej trupy, której nie można było porównać z genialną trupą Teatru Maryjskiego. Ale w Moskwie łatwiej było oddychać, więc choreograf w istocie wystawił baletowe wspomnienie wspaniałych lat młodości spędzonych w słonecznym kraju.

Balet odniósł sukces, a dwa lata później Petipa przeniósł go do Petersburga, co wymagało przeróbek. Tam charakterystyczne tańce cieszyły się znacznie mniejszym zainteresowaniem niż czysta klasyka. Petipa rozszerzył „Don Kichota” do pięciu aktów, skomponował „biały akt”, tzw. „Sen Don Kichota”, prawdziwy raj dla miłośników balerinek w tutusie, posiadaczy ładnych nóg. Liczba amorków w „Śnie” sięgnęła pięćdziesięciu dwóch...

Don Kichot przyszedł do nas w przeróbce moskiewskiego choreografa Aleksandra Gorskiego, który lubił idee Konstantina Stanisławskiego i chciał, aby stary balet był bardziej logiczny i dramatycznie przekonujący. Gorsky zniszczył symetryczne kompozycje Petipy, odwołał tutus w scenie „Snu” i nalegał na stosowanie śniadego makijażu dla hiszpańskich tancerzy. Petipa nazwał go „świnią”, ale już w pierwszej przeróbce Gorskiego balet został wykonany na scenie Teatru Bolszoj 225 razy.

"Jezioro łabędzie"

Sceneria do pierwszego występu. Duży teatr. Moskwa. 1877

Scena z baletu „Jezioro łabędzie” P.I. Czajkowski (choreografowie Marius Petipa i Lew Iwanow). 1895

Muzyka P. Czajkowskiego, libretto V. Begicheva i V. Geltsera. Pierwsze przedstawienie: Moskwa, Teatr Bolszoj, 1877, choreografia V. Reisinger. Kolejna produkcja: Petersburg, Teatr Maryjski, 1895, choreografia M. Petipa, L. Iwanow.

Ukochany balet, którego klasyczna wersja została wystawiona w 1895 roku, narodził się w rzeczywistości osiemnaście lat wcześniej w moskiewskim Teatrze Bolszoj. Partytura Czajkowskiego, którego światowa sława miała dopiero nadejść, była rodzajem zbioru „pieśni bez słów” i wydawała się zbyt skomplikowana jak na tamte czasy. Balet odbył się około 40 razy i pogrążył się w zapomnieniu.

Po śmierci Czajkowskiego Jezioro łabędzie wystawiano w Teatrze Maryjskim, a wszystkie kolejne spektakle baletu opierały się na tej wersji, która stała się klasykiem. Akcja była bardzo przejrzysta i logiczna: balet opowiadał o losach pięknej księżniczki Odetty, która z woli złego geniusza Rothbarta została przemieniona w łabędzia, o tym, jak Rothbart oszukał zakochanego w niej księcia Zygfryda, uciekając się do uroków swojej córki Odile i o śmierci bohaterów. Punktacja Czajkowskiego została obniżona o około jedną trzecią przez dyrygenta Ricardo Drigo i przeorganizowana. Petipa stworzył choreografię do pierwszego i trzeciego aktu, Lew Iwanow do drugiego i czwartego. Ten podział idealnie odpowiadał powołaniu obu znakomitych choreografów, z których drugi musiał żyć i umierać w cieniu pierwszego. Petipa jest ojcem baletu klasycznego, twórcą nienagannie harmonijnych kompozycji i śpiewakiem kobiety-wróżki, kobiety-zabawki. Ivanov to innowacyjny choreograf z niezwykle wrażliwym wyczuciem muzyki. W rolę Odety-Odyli wcieliła się Pierina Legnani, „Królowa mediolańskich baletnic”, jest też pierwszą Raymondą i wynalazczynią 32 fouettes, najtrudniejszego typu rotacji na pointach.

Możesz nic nie wiedzieć o balecie, ale Jezioro Łabędzie jest znane wszystkim. W ostatnich latach istnienia Związku Radzieckiego, kiedy starzy przywódcy dość często wymieniali się nawzajem, serdeczna melodia „białego” duetu głównych bohaterów baletu i wybuchy skrzydeł z ekranu telewizora zapowiadały smutny wydarzenie. Japończycy tak bardzo kochają Jezioro Łabędzie, że są gotowi oglądać je rano i wieczorem w wykonaniu dowolnej trupy. Żadna trupa objazdowa, której jest wiele w Rosji, a zwłaszcza w Moskwie, nie może obejść się bez Lebedinoy.

"Orzechówka"

Scena z baletu Dziadek do orzechów. Pierwsza inscenizacja. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Wasilij Stukolkin. Teatr Maryjski. 1892

Scena z baletu Dziadek do orzechów. Pierwsza inscenizacja. Teatr Maryjski. 1892

Muzyka P. Czajkowskiego, libretto M. Petipy. Pierwsza produkcja: Petersburg, Teatr Maryjski, 1892, choreografia L. Ivanov.

Z książek i stron internetowych wciąż krążą błędne informacje, że Dziadek do orzechów wystawił ojciec klasycznego baletu Marius Petipa. W rzeczywistości Petipa napisał tylko scenariusz, a pierwszą produkcję baletu przeprowadził jego podwładny Lew Iwanow. Niemożliwe zadanie spadło na los Iwanowa: scenariusz, stworzony w stylu modnej wówczas baletowej ekstrawagancji z nieodzownym udziałem włoskiego wykonawcy gościnnego, był w oczywistej sprzeczności z muzyką Czajkowskiego, która, choć napisana ściśle według wskazówek Petipy, wyróżniał się wielkim wyczuciem, dramatycznym bogactwem i złożonym rozwojem symfonicznym. Ponadto bohaterką baletu była nastolatka, a gwiazda baletnicy była przygotowana tylko na finałowe pas de deux (duet z partnerem, składający się z adagio – część wolna, wariacji – tańców solowych i kody). (finał wirtuozowski)). Pierwsza inscenizacja Dziadka do orzechów, w której pierwszy - głównie pantomimiczny akt różnił się ostro od drugiego - divertissement, nie odniosła wielkiego sukcesu, krytycy odnotowali jedynie Walc płatków śniegu (uczestniczyło w nim 64 tancerzy) i Pas de deux Dragee Fairy i Prince Whooping Cough , która została zainspirowana Adagio z różą Iwanowa ze Śpiącej królewny, gdzie Aurora tańczy z czterema panami.

Ale w wieku XX, który zdołał przeniknąć w głąb muzyki Czajkowskiego, Dziadkowi do orzechów była skazana na naprawdę fantastyczną przyszłość. W Związku Radzieckim, krajach europejskich i USA odbywają się niezliczone przedstawienia baletowe. W Rosji szczególnie popularne są produkcje Wasilija Vainonena w Leningradzkim Państwowym Akademickim Teatrze Opery i Baletu (obecnie Teatr Maryjski w Petersburgu) i Jurija Grigorowicza w Moskiewskim Teatrze Bolszoj.

"Romeo i Julia"

Balet Romeo i Julia. Julia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Siergiejew. 1939

Pani Patrick Campbeple jako Julia w Romeo i Julii Szekspira. 1895

Finał Romea i Julii. 1940

Muzyka S. Prokofiewa, libretto S. Radlova, A. Piotrowskiego, L. Ławrowskiego. Pierwsza produkcja: Brno, Teatr Opery i Baletu, 1938, choreografia V. Psota. Kolejna produkcja: Leningrad, Państwowy Akademicki Teatr Opery i Baletu. S. Kirow, 1940, choreografia L. Ławrowskiego.

Jeśli zdanie Szekspira w dobrze znanym rosyjskim tłumaczeniu brzmi „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż historia Romea i Julii”, potem powiedzieli o balecie wielkiego Siergieja Prokofiewa napisanym na tej fabule: „Nie ma na świecie smutniejszej historii niż muzyka Prokofiewa w balecie”. Niesamowita w pięknie, bogactwie kolorów i wyrazistości partytura „Romea i Julii” w momencie jej powstania wydawała się zbyt skomplikowana i nieodpowiednia dla baletu. Tancerze baletowi po prostu odmówili jej tańca.

Prokofiew napisał partyturę w 1934 roku i pierwotnie była przeznaczona nie dla teatru, ale dla słynnej Leningradzkiej Akademickiej Szkoły Choreograficznej dla uczczenia jej 200-lecia. Projekt nie został zrealizowany z powodu zabójstwa Siergieja Kirowa w Leningradzie w 1934 roku, a w czołowym teatrze muzycznym drugiej stolicy nastąpiły zmiany. Plan wystawienia Romea i Julii w moskiewskim Bolszoj również się nie zmaterializował. W 1938 r. premierę wystawił teatr w Brnie, a już dwa lata później balet Prokofiewa został wreszcie wystawiony w ojczyźnie autora, w ówczesnym Teatrze Kirowa.

Choreograf Leonid Ławrowski w ramach gatunku „drambalet” (forma choreograficznego dramatu charakterystycznego dla baletu lat 30. i 50.), gorąco przyjmowany przez władze sowieckie, stworzył imponujące, ekscytujące widowisko ze starannie rzeźbionymi scenami masowymi i określone cechy psychologiczne postaci. Do jego dyspozycji była Galina Ulanova, najbardziej wyrafinowana baletnica-aktorka, która w roli Julii pozostała niezrównana.

Partytura Prokofiewa została szybko doceniona przez zachodnich choreografów. Pierwsze wersje baletu pojawiły się już w latach 40. XX wieku. Ich twórcami były Birgit Kuhlberg (Sztokholm, 1944) i Margarita Froman (Zagrzeb, 1949). Znane produkcje „Romea i Julii” należą do Fredericka Ashtona (Kopenhaga, 1955), Johna Cranko (Mediolan, 1958), Kennetha MacMillana (Londyn, 1965), Johna Neumeiera (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973). Moiseev, 1958, choreografia Y. Grigorovich, 1968.

Bez „Spartakusa” koncepcja „baletu sowieckiego” jest nie do pomyślenia. To prawdziwy hit, symbol epoki. Okres sowiecki rozwinął inne tematy i obrazy, głęboko odmienne od tradycyjnego baletu klasycznego odziedziczonego po Mariusie Petipie i cesarskich teatrach Moskwy i Petersburga. Bajki ze szczęśliwymi zakończeniami zostały zarchiwizowane i zastąpione bohaterskimi opowieściami.

Już w 1941 roku jeden z czołowych kompozytorów sowieckich, Aram Chaczaturian, mówił o swoim zamiarze napisania muzyki do monumentalnego, heroicznego spektaklu, który miałby zostać wystawiony w Teatrze Bolszoj. Jej tematem był epizod z historii starożytnego Rzymu, powstanie niewolników pod przywództwem Spartakusa. Chaczaturian stworzył barwną partyturę wykorzystującą motywy ormiańskie, gruzińskie, rosyjskie i pełną pięknych melodii i ognistych rytmów. Spektakl miał wystawić Igor Moiseev.

Jego twórczość zajęła publiczności wiele lat i pojawiła się nie w Teatrze Bolszoj, ale w Teatrze. Kirow. Choreograf Leonid Yakobson stworzył oszałamiające, innowacyjne przedstawienie, porzucając tradycyjne atrybuty baletu klasycznego, w tym taniec na pointe, wykorzystując w sandałach swobodne plastykowe i balerinowe buty.

Ale balet „Spartakus” stał się hitem i symbolem epoki w rękach choreografa Jurija Grigorowicza w 1968 roku. Grigorowicz zachwycił widza kompletnie zbudowaną dramaturgią, subtelnym portretowaniem bohaterów głównych bohaterów, umiejętną inscenizacją scen tłumu, czystością i pięknem lirycznych adagio. Swoją twórczość nazwał „występem dla czterech solistów z corps de ballet” (corps de ballet – artyści zaangażowani w epizody tańca masowego). Władimir Wasiliew grał rolę Spartakusa, Krassusa - Marisa Liepy, Frygii - Ekateriny Maksimowej i Eginy - Niny Timofeeva. Card de ballet był głównie męski, co sprawia, że balet „Spartacus” jest jedyny w swoim rodzaju.

Oprócz dobrze znanych czytań „Spartakusa” Jakobsona i Grigorowicza jest jeszcze około 20 przedstawień baletu. Wśród nich są wersje Jiriego Blazka dla Baletu Praskiego, Laszlo Seregi dla Baletu Budapesztańskiego (1968), Jüri Vamosa dla Arena di Verona (1999), Renato Zanelli dla Baletu Opery Wiedeńskiej (2002), Natalia Kasatkina i Vladimir Wasiliew dla Państwowego Teatru Akademickiego reżyserują balet klasyczny w Moskwie (2002).

jezioro łabędzie

Balet to forma sztuki, w której taniec jest głównym środkiem wyrazu. Akcja taneczna jest ściśle związana z muzyką i dramaturgią. Balet rosyjski zyskał sławę dzięki znakomitym kompozytorom.

Najsłynniejsze balety rosyjskich kompozytorów ucieleśniały emocje w obrazach muzycznych i choreograficznych, które całkowicie urzekły publiczność.

Wśród najbardziej znanych baletów można wyróżnić „Jezioro łabędzie” Piotra Iljicza Czajkowskiego. Premiera baletu odbyła się 4 marca 1877 roku w Teatrze Bolszoj. Pierwszymi dyrektorami baletu byli Marius Petipa i Lew Iwanow. To ich imiona kojarzą się z inscenizacją słynnych „łabędzi” scen. Warunkiem napisania baletu była wizyta Czajkowskiego w majątku na Czerkasach, gdzie spędzał dużo czasu nad jeziorem. Tam wielki kompozytor podziwiał śnieżnobiałe ptaki. Balet „Jezioro łabędzie” jest słusznie uważany za powszechnie uznane arcydzieło światowej szkoły baletowej. A wizerunek Białego Łabędzia pozostaje dziś symbolem rosyjskiego baletu.

Orzechówka

"Encyklopedia klasycznego tańca baletowego" jest często nazywana innym baletem Czajkowskiego - "Śpiąca królewna". Reżyserem-choreografem baletu był ponownie Marius Petipa. Centralną postacią akcji muzyczno-tanecznej jest baletnica. Sam balet zachwyca różnorodnością starannie zainscenizowanych scen choreograficznych. A szczytem tego tanecznego splendoru jest uroczysta miniatura taneczna młodej piękności Aurory i Księcia Pożądania.

Słynne balety nie bez powodu są skorelowane z nazwiskiem Piotra Iljicza Czajkowskiego. Kolejnym dziełem słynnego kompozytora jest Dziadek do orzechów. Premiera baletu odbyła się z sukcesem w grudniu 1892 roku w Teatrze Maryjskim. Akcja sceniczna nie pozostawia widza obojętnym. Balet powstał na podstawie baśni Hoffmanna o tym samym tytule z klasyczną fabułą baśni o konfrontacji dobra ze złem.

Balet „Romeo i Julia”

Kolejnym z najsłynniejszych baletów XX wieku jest Romeo i Julia, dzieło rosyjskiego kompozytora Siergieja Prokofiewa. Balet został wystawiony na podstawie dzieła Szekspira o tym samym tytule. Wspaniała muzyka i niesamowita choreografia przyniosły baletowi światową popularność. Premiera arcydzieła odbyła się w Czechosłowacji w 1938 roku. Jednak największą sławę zyskała produkcja, zaprezentowana po raz pierwszy w Leningradzie w 1940 roku.

Wybitny rosyjski kompozytor Siergiej Siergiejewicz Prokofiew stworzył kolejne słynne dzieło - Kopciuszek. S. Prokofiew słusznie nazywany jest „mistrzem portretu muzycznego”. Tak subtelnie, przy pomocy muzyki, oddał charakter i uczucia bohaterów. Prokofiew pisał muzykę dla Kopciuszka przez cztery lata. Premiera Kopciuszka odbyła się w Teatrze Bolszoj w listopadzie 1945 roku. Reżyserem baletu był Rostislav Zacharov, rolę Kopciuszka wykonała Olga Lepeshinskaya, a później Galina Ulanova.

Na liście słynnych baletów kompozytorów rosyjskich znajduje się również Święto wiosny Igora Strawińskiego. Marzenie kompozytora było warunkiem wstępnym powstania baletu. Zobaczył w nim tańczącą młodą dziewczynę wśród starszych wokół niej. Aby obudzić wiosenną naturę, dziewczyna tańczy, tracąc siły i umiera. Dusza dziewczyny odradza się w „Jasnym Zmartwychwstaniu Natury”.

„Święto wiosny” jest już w kosmosie

Premiera baletu odbyła się w Paryżu na Polach Elizejskich w maju 1913 roku. Ale nie można powiedzieć, że się udało. Publiczność nie zrozumiała oryginalności muzyki i tańców i wygwizdała artystów. „Święto wiosny”, jako jeden z 27 utworów muzycznych, zostało nagrane na płycie Voyagera i wysłane w kosmos dla pozaziemskich cywilizacji.

Światowy balet klasyczny jest nie do pomyślenia bez rosyjskich kompozytorów. To rosyjska szkoła baletowa stała się lokomotywą światowej sztuki. Słynie na całym świecie, poruszając najdelikatniejsze struny duszy każdego widza.

Pomóż mi proszę. Potrzebujemy 10 rosyjskich kompozytorów i ich baletów.

Jezioro łabędzie Czajkowski
1. Asafiew Borys Władimirowicz - „Fontanna Bakczysaraju”
Tak, jest o wiele łatwiej :)
1- Czajkowski - Dziadek do orzechów
2-Strawiński- ognisty ptak
3-prokofiew-kopciuszek
4-scriabin-scriabiniana
5-rachmaninoff-paganini
6-oki-raymond
7-Szostakowicz-Swietłyj Strumień
8-Roman-Korsakov-Scheherezade
9-gawrilina-anyuta
10-cherepnin - pawilon armida
Daję minimum, jest ciemność :)))
Będę pisał bez kompozytorów!
15 NAZW BALETOWYCH
1) „Jezioro łabędzie”
2) „Śpiąca Królewna”
3) „Dziadek do orzechów”
4) „Raymonda”
5) „Don Kitoch”

6) „Korsarz”
7) „Średni duet”
8) „Kopciuszek”
9) „Złoty Wiek”
10) „Karty do gry”

11) „Romeo i Julia”
12) „Spartakus”
13) „Gizelle”
dzięki za pomoc wszystkim, którzy znają tych kompozytorów
1- Czajkowski - Dziadek do orzechów
2-Strawiński- ognisty ptak
3-prokofiew-kopciuszek
4-scriabin-scriabiniana
5-rachmaninoff-paganini
Czajkowski, Prokofiew, Strawiński i wielu innych
. Asafiew Borys Władimirowicz - „Fontanna Bakczysaraju”
2. Arensky Anton (Antony) Stepanovich – „Noce egipskie”
3. Głazunow Aleksander Konstantinowicz - Raymond
4. Glier Reingold Moritsevich – „Jeździec z brązu”
5. Prokofiew Sergey Sergeevich - Kopciuszek, Romeo i Julia
6. Rachmaninow Siergiej Wasiljewicz - spektakl baletowy „Paganini”
7. Rimski-Korsakow Nikołaj Andriejewicz - do jego muzyki wystawiono balety Szeherezada i Złoty Kogucik
8. Skryabin Aleksander Nikołajewicz - do jego muzyki wystawiono balety Prometeusz, Poemat ekstazy
9. Strawiński Igor Fdorowicz – „Ognisty ptak”
10. Szczedrin Rodion Konstantinowicz - „Konk-Gorbunok”, „Carmen Suite”
Pisali o Czajkowskim, ale Glinka i Musorgski pisali muzykę do tańców baletowych w swoich operach.
Eshpay Andrey Yakovlevich - „Angara”
Aleksander Nikołajewicz Skriabin Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalne i głęboko poetyckie dzieło Skriabina wyróżniało się nowatorstwem nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwracać uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S. W. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin poświęcił się całkowicie muzyce – jako koncertowy pianista-kompozytor jeździł po Europie i Rosji, spędzając większość czasu za granicą.
Szczytem twórczości kompozytorskiej Skriabina były lata 1903-1908, kiedy powstały III Symfonia („Poemat Boski”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, wiersze fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonata oraz inne utwory. wydany. „Wiersz ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia witalna, ognista pasja, moc silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii utworowi temu miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, ze względów technicznych, nie przeszła żadnych efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” była idea Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.
A. N. Skriabin „Prometeusz”
Sergei Vasilievich Rachmaninov Sergei Vasilievich Rachmaninov to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy obraz Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często przydomkiem „najbardziej rosyjski kompozytor”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, która wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w prowincji nowogrodzkiej, od czwartego roku życia rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej Pierwszej Symfonii (1897) w Petersburgu wywołała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku Rachmaninow wyłonił się w stylu łączącym rosyjskie pieśni kościelne, zanikający europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm. złożona symbolika. W tym okresie twórczym rodzą się jego najlepsze prace, m.in
NO, nie będę pisał tak obszernie i nie będę w stanie wymienić wszystkich 10. Ale… Szostakowicz, balety „Jasny strumień”, „Piorun” (jest to mniej znane), Czajkowski – „Dziadek do orzechów”, „Jezioro łabędzie”, Prokofiew „Romeo i Julia”