Romantyzm w malarstwie to nurt filozoficzno-kulturowy w sztuce Europy i Ameryki końca XVIII - pierwszej połowy XIX wieku. Podstawą rozwoju stylu był sentymentalizm w literaturze niemieckiej – kolebki romantyzmu. Kierunek rozwijał się w Rosji, Francji, Anglii, Hiszpanii i innych krajach europejskich.
Fabuła
Mimo wczesnych prób pionierów El Greco, Elsheimera i Claude'a Lorraina, styl, który znamy jako romantyzm, nabrał rozpędu dopiero pod koniec XVIII wieku, kiedy to heroiczny element neoklasycyzmu przyjął główną rolę w sztuce tamtych czasów . Obrazy zaczęły odzwierciedlać heroiczno-romantyczny ideał oparty na ówczesnych powieściach. Ten heroiczny element, w połączeniu z rewolucyjnym idealizmem i emocjonalnością, powstał w wyniku Rewolucji Francuskiej jako reakcja na powściągliwą sztukę akademicką.
Po rewolucji francuskiej 1789 roku w ciągu kilku lat nastąpiły znaczące zmiany społeczne. Europą wstrząsały kryzysy polityczne, rewolucje i wojny. Kiedy przywódcy spotkali się na kongresie wiedeńskim, aby zaplanować reorganizację spraw europejskich po wojnach napoleońskich, stało się jasne, że nie spełniły się nadzieje narodów na wolność i równość. Jednak w ciągu tych 25 lat powstały nowe idee, które zakorzeniły się w umysłach ludzi we Francji, Hiszpanii, Rosji, Niemczech.
Szacunek do jednostki, który już w malarstwie neoklasycznym był kluczowym elementem, rozwinął się i zakorzenił. Obrazy artystów wyróżniały się emocjonalnością, zmysłowością w przekazywaniu wizerunku jednostki. Na początku XIX wieku różne style zaczęły wykazywać cechy romantyzmu. 
Cele
Założenia i cele romantyzmu obejmowały:
- Przykładem powrotu do natury jest nacisk na spontaniczność w malarstwie, który demonstrują obrazy;
- wiara w dobro człowieczeństwa i najlepsze cechy jednostki;
- Sprawiedliwość dla wszystkich - pomysł był szeroko rozpowszechniony w Rosji, Francji, Hiszpanii, Anglii.
Mocna wiara w siłę uczuć i emocji, które dominują w umyśle i intelekcie.
Osobliwości
Charakterystyczne cechy stylu:
- Idealizacja przeszłości, dominacja wątków mitologicznych stały się linią przewodnią w twórczości XIX wieku.
- Odrzucenie racjonalizmu i dogmatów przeszłości.
- Zwiększona wyrazistość poprzez grę światła i koloru.
- Obrazy przekazywały liryczną wizję świata.
- Rosnące zainteresowanie tematami etnicznymi.
Romantyczni malarze i rzeźbiarze mają tendencję do wyrażania emocjonalnej reakcji na życie prywatne, w przeciwieństwie do powściągliwości i uniwersalnych wartości promowanych przez sztukę neoklasyczną. Wiek XIX to początek rozwoju romantyzmu w architekturze, o czym świadczą przepiękne wiktoriańskie budowle.
Główni Przedstawiciele
Wśród największych malarzy romantycznych XIX wieku byli tacy przedstawiciele I. Fussli, Francisco Goya, Caspara David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. Sztuka romantyczna nie wyparła stylu neoklasycznego, lecz funkcjonowała jako przeciwwaga dla dogmatyzmu i sztywności tego ostatniego. 
Romantyzm w malarstwie rosyjskim reprezentują prace V. Tropinina, I. Aivazovsky'ego, K. Bryullova, O. Kiprensky'ego. Rosyjscy malarze starali się przekazać naturę tak emocjonalnie, jak to możliwe.
Pejzaż był preferowanym gatunkiem wśród romantyków. Natura była postrzegana jako zwierciadło duszy, w Niemczech postrzegana jest również jako symbol wolności i nieskończoności. Artyści umieszczają wizerunki ludzi na tle krajobrazu wiejskiego lub miejskiego, morskiego. W romantyzmie w Rosji, Francji, Hiszpanii, Niemczech wizerunek osoby nie dominuje, ale uzupełnia fabułę obrazu. 
Popularne są motywy Vanitas, takie jak martwe drzewa i zarośnięte ruiny, symbolizujące przemijanie i skończoną naturę życia. Podobne wątki występowały wcześniej w sztuce barokowej: artyści zapożyczyli pracę ze światłem i perspektywą w podobnych obrazach od malarzy barokowych.
Cele romantyzmu: Artysta demonstruje subiektywne spojrzenie na obiektywny świat i pokazuje obraz przefiltrowany przez jego zmysłowość.
W różnych krajach
Niemiecki romantyzm XIX wieku (1800 - 1850)
W Niemczech młodsze pokolenie artystów zareagowało na zmieniające się czasy procesem introspekcji: wycofało się w świat emocji, inspirowało ich sentymentalne dążenie do ideałów minionych czasów, przede wszystkim epoki średniowiecza, która jest obecnie postrzegana jako czas, w którym ludzie żyli w zgodzie ze sobą i światem. W tym kontekście obrazy Schinkla, takie jak gotycka katedra na wodzie, są reprezentatywne i charakterystyczne dla tego okresu. 
Artyści romantyczni byli bardzo bliscy neoklasycystom w ich tęsknocie za przeszłością, tyle że ich historyzm krytykował racjonalistyczne dogmaty neoklasycyzmu. Takie zadania stawiali artyści neoklasycy: zaglądali w przeszłość, by uzasadnić swoją irracjonalność i emocjonalność, utrwalali akademickie tradycje sztuki w przekazywaniu rzeczywistości.
Hiszpański romantyzm XIX wieku (1810 - 1830)
Francisco de Goya był niekwestionowanym liderem ruchu sztuki romantycznej w Hiszpanii, jego obrazy wykazują charakterystyczne cechy: skłonność do irracjonalności, fantazji, emocjonalności. W 1789 został oficjalnym malarzem hiszpańskiego dworu królewskiego. 
W 1814 roku, na cześć hiszpańskiego powstania przeciwko wojskom francuskim na Puerta del Sol w Madrycie i egzekucji bezbronnych Hiszpanów podejrzanych o współudział, Goya stworzył jedno ze swoich największych arcydzieł – Trzeciego Maja. Wybitne prace: „Klęski wojny”, „Caprichos”, „Akt Maja”.
Francuski romantyzm XIX wieku (1815 - 1850)
Po wojnach napoleońskich Republika Francuska ponownie stała się monarchią. Doprowadziło to do ogromnego pchnięcia w kierunku romantyzmu, który do tej pory był wstrzymywany przez dominację neoklasyków. Francuscy artyści epoki romantyzmu nie ograniczali się do gatunku pejzażu, pracowali w gatunku sztuki portretowej. Najwybitniejszymi przedstawicielami stylu są E. Delacroix i T. Gericault. 
Romantyzm w Anglii (1820 - 1850)
I. Fusli był teoretykiem i najwybitniejszym przedstawicielem stylu.
John Constable należał do angielskiej tradycji romantyzmu. Tradycja ta poszukiwała równowagi między głęboką wrażliwością na naturę a postępem w nauce malarstwa i grafiki. Constable porzucił dogmatyczny obraz natury, obrazy są rozpoznawalne dzięki wykorzystaniu plam barwnych do oddania rzeczywistości, co zbliża twórczość Constable'a do sztuki impresjonizmu. 
Obrazy Williama Turnera, jednego z największych angielskich malarzy romantyzmu, odzwierciedlają chęć obserwowania natury jako jednego z elementów twórczości. Nastrój jego obrazów buduje nie tylko to, co przedstawiał, ale także sposób, w jaki artysta oddawał kolor i perspektywę.
Znaczenie w sztuce
Romantyczny styl malarstwa XIX wieku i jego szczególne cechy przyczyniły się do powstania licznych szkół, takich jak: szkoła Barbizon, pejzaże plenerowe, szkoła pejzażystek Norwich. Romantyzm w malarstwie wpłynął na rozwój estetyki i symboliki. Najbardziej wpływowi malarze stworzyli ruch prerafaelitów. W Rosji i Europie Zachodniej romantyzm wpłynął na rozwój awangardy i impresjonizmu.
Romantyzm(Romantyzm) to kierunek ideowo-artystyczny, który pojawił się w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII wieku - pierwszej połowy XIX wieku, jako reakcja na estetykę klasycyzmu. Początkowo (lata 90. XVIII w.) ukształtował się w filozofii i poezji w Niemczech, później (lata 20. XIX w.) rozprzestrzenił się na Anglię, Francję i inne kraje. Przesądzał o najnowszych osiągnięciach sztuki, nawet tych przeciwnych mu kierunków.
Nowymi kryteriami w sztuce była swoboda wypowiedzi, wzmożona dbałość o indywidualne, niepowtarzalne cechy osoby, naturalność, szczerość i rozluźnienie, które zastąpiły naśladownictwo klasycznych przykładów z XVIII wieku. Romantycy odrzucali racjonalizm i praktyczność Oświecenia jako mechanistyczny, bezosobowy i sztuczny. Zamiast tego postawili na emocjonalność ekspresji, inspirację.
Czując się wolni od upadającego systemu arystokratycznych rządów, starali się wyrazić swoje nowe poglądy, odkryte prawdy. Zmieniło się ich miejsce w społeczeństwie. Swojego czytelnika znaleźli wśród rozrastającej się klasy średniej, gotowej wesprzeć emocjonalnie, a nawet pokłonić się artyście – geniuszowi i prorokowi. Powściągliwość i pokora zostały odrzucone. Zostały zastąpione silnymi emocjami, często sięgającymi skrajności.
Szczególnie wpływ na młodych ludzi wywarł romantyzm, który miał okazję dużo się uczyć i dużo czytać (co ułatwia szybki rozwój poligrafii). Inspirują ją idee indywidualnego rozwoju i samodoskonalenia, idealizacja wolności osobistej w światopoglądzie, połączona z odrzuceniem racjonalizmu. Rozwój osobisty został postawiony ponad standardami próżnego i już zanikającego społeczeństwa arystokratycznego. Romantyzm wykształconej młodzieży zmienił klasowe społeczeństwo Europy, stając się początkiem pojawienia się wykształconej „klasy średniej” w Europie. I obraz Wędrowiec nad morzem mgły„nie bez powodu można go nazwać symbolem okresu romantyzmu w Europie.
Niektórzy romantycy zwrócili się w stronę tajemniczych, tajemniczych, a nawet strasznych wierzeń ludowych, baśni. Romantyzm był częściowo związany z ruchami demokratycznymi, narodowymi i rewolucyjnymi, chociaż „klasyczna” kultura rewolucji francuskiej w rzeczywistości spowolniła nadejście romantyzmu we Francji. Powstaje w tym czasie kilka ruchów literackich, z których najważniejsze to Sturm und Drang w Niemczech, prymitywizm we Francji na czele z Jean-Jacques Rousseau, powieść gotycka, zainteresowanie wzniosłością, ballady i dawne romanse (z których właściwie ukuto termin „romantyzm”). Źródłem inspiracji dla niemieckich pisarzy, teoretyków szkoły jeneńskiej (braci Schlegel, Novalis i innych), deklarujących się romantykami, była transcendentalna filozofia Kanta i Fichtego, która na pierwszym planie stawiała twórcze możliwości umysłu. Te nowe idee dzięki Coleridge'owi przeniknęły do Anglii i Francji, a także zdeterminowały rozwój amerykańskiego transcendentalizmu.
Tak więc romantyzm narodził się jako ruch literacki, ale miał znaczący wpływ na muzykę, a mniej na malarstwo. W sztukach wizualnych romantyzm przejawiał się najwyraźniej w malarstwie i grafice, mniej w architekturze. W XVIII wieku ulubionymi motywami artystów były górskie pejzaże i malownicze ruiny. Jej główne cechy to dynamika kompozycji, wolumetryczna przestrzenność, bogata kolorystyka, światłocienie (np. prace Turnera, Géricaulta i Delacroix). Wśród innych malarzy romantycznych można wymienić Fuseli, Martina. Za przejaw romantyzmu można też uznać twórczość prerafaelitów i neogotyk w architekturze.
Romantyzm jako nurt w malarstwie ukształtował się w Europie Zachodniej pod koniec XVIII wieku. Romantyzm osiągnął swój szczyt w sztuce większości krajów Europy Zachodniej w latach 20. i 30. XX wieku. 19 wiek.
Sam termin „romantyzm” pochodzi od słowa „powieść” (w XVII wieku dzieła literackie pisane nie po łacinie, ale w językach z niego wywodzących się - francuskim, angielskim itp.) nazywano powieściami. Później wszystko, co niezrozumiałe i tajemnicze, zaczęto nazywać romantycznym.
Jako fenomen kulturowy romantyzm powstał ze specjalnego światopoglądu wygenerowanego przez wyniki rewolucji francuskiej. Rozczarowani ideałami Oświecenia romantycy, dążąc do harmonii i integralności, stworzyli nowe ideały estetyczne i wartości artystyczne. Głównym obiektem ich uwagi były wybitne postacie ze wszystkimi ich przeżyciami i pragnieniem wolności. Bohaterem dzieł romantycznych jest osoba wybitna, która z woli losu znalazła się w trudnej sytuacji życiowej.
Choć romantyzm powstał jako protest przeciwko sztuce klasycyzmu, pod wieloma względami był bliski tej ostatniej. Romantycy byli po części takimi przedstawicielami klasycyzmu jak N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.
Romantycy wprowadzili do malarstwa oryginalne cechy narodowe, czyli to, czego brakowało w sztuce klasyków.
Największym przedstawicielem francuskiego romantyzmu był T. Gericault.
Teodor Géricault
Theodore Gericault, wielki francuski malarz, rzeźbiarz i grafik, urodził się w 1791 roku w Rouen w zamożnej rodzinie. Talent artysty ujawnił się w nim dość wcześnie. Często zamiast uczęszczać na zajęcia w szkole, Géricault siedział w stajni i rysował konie. Już wtedy starał się nie tylko przenieść na papier zewnętrzne cechy zwierząt, ale także przekazać ich temperament i charakter.
Po ukończeniu Liceum w 1808 roku Géricault został uczniem słynnego wówczas malarza Carla Verneta, który słynął z umiejętności przedstawiania koni na płótnie. Młodemu artyście nie podobał się jednak styl Verneta. Wkrótce opuszcza pracownię i idzie na studia do innego, nie mniej utalentowanego malarza niż Vernet, P. N. Guerina. Studiując u dwóch znanych artystów, Gericault nie kontynuował jednak swoich tradycji malarskich. J. A. Gros i J. L. David prawdopodobnie powinni być uważani za jego prawdziwych nauczycieli.
Wczesne prace Gericaulta wyróżnia to, że są jak najbliżej życia. Takie obrazy są niezwykle ekspresyjne i żałosne. Pokazują entuzjastyczny nastrój autora przy ocenie otaczającego go świata. Przykładem jest obraz „Oficer cesarskich konnych strażników podczas ataku”, powstały w 1812 roku. Płótno to po raz pierwszy zobaczyli goście Salonu Paryskiego. Z podziwem przyjęli dzieło młodego artysty, doceniając talent młodego mistrza.
Dzieło powstało w tym okresie historii Francji, kiedy Napoleon był u szczytu swojej świetności. Współcześni ubóstwiali go, wielkiego cesarza, któremu udało się podbić większość Europy. W takim nastroju, pod wrażeniem zwycięstw armii napoleońskiej, powstał obraz. Płótno przedstawia żołnierza galopującego na koniu. Jego twarz wyraża determinację, odwagę i nieustraszoność w obliczu śmierci. Cała kompozycja
niezwykle dynamiczny i emocjonalny. Widz ma wrażenie, że sam staje się prawdziwym uczestnikiem wydarzeń przedstawionych na płótnie.
Postać odważnego żołnierza niejednokrotnie pojawi się w twórczości Géricaulta. Wśród takich obrazów szczególnie interesujące są bohaterowie obrazów „Oficer Karabińczyków”, „Oficer kirasjera przed atakiem”, „Portret karabinieru”, „Rany kirasjer”, powstałych w latach 1812-1814. Ostatnia praca wyróżnia się tym, że została zaprezentowana na kolejnej wystawie w Salonie w tym samym roku. Nie jest to jednak główna zaleta kompozycji. Co ważniejsze, pokazał zmiany, jakie zaszły w stylu twórczym artysty. Jeśli szczere uczucia patriotyczne znalazły odzwierciedlenie w jego pierwszych płótnach, to w utworach z 1814 roku patos w przedstawianiu bohaterów zastępuje dramat.
Podobna zmiana nastroju artysty ponownie wiązała się z wydarzeniami odbywającymi się w tym czasie we Francji. W 1812 r. Napoleon został pokonany w Rosji, w związku z czym on, niegdyś genialny bohater, zyskuje od swoich współczesnych chwałę nieudanego dowódcy wojskowego i aroganckiego dumnego człowieka. Géricault uosabia swoje rozczarowanie ideałem w obrazie „Ranny kirasjer”. Płótno przedstawia rannego wojownika próbującego jak najszybciej opuścić pole bitwy. Opiera się o szablę – broń, którą być może jeszcze kilka minut temu trzymał, trzymając ją wysoko.
To niezadowolenie Géricaulta z polityki Napoleona podyktowało jego wejście na służbę Ludwikowi XVIII, który objął tron francuski w 1814 roku. Fakt, że po drugim przejęciu władzy we Francji przez Napoleona (okres stu dni) młody artysta odchodzi ojczysty kraj wraz z Burbonami. Ale i tutaj czekało go rozczarowanie. Młody człowiek nie mógł spokojnie patrzeć, jak król niszczy wszystko, co osiągnięto za panowania Napoleona. Ponadto za Ludwika XVIII nastąpiła intensyfikacja reakcji feudalno-katolickiej, kraj coraz szybciej wycofywał się, powracając do starego ustroju państwowego. To nie mogło być zaakceptowane przez młodą, postępową osobę. Wkrótce młody człowiek, który stracił wiarę w swoje ideały, opuszcza armię dowodzoną przez Ludwika XVIII i ponownie zabiera pędzle i farby. Tych lat nie można nazwać jasnymi i godnymi uwagi w twórczości artysty.
W 1816 Gericault udał się w podróż do Włoch. Po wizycie w Rzymie i Florencji i studiowaniu arcydzieł słynnych mistrzów artysta lubi malarstwo monumentalne. Jego uwagę przyciągają freski Michała Anioła, które zdobiły Kaplicę Sykstyńską. W tym czasie powstały dzieła Géricaulta, skalą i majestatem, pod wieloma względami przypominające płótna malarzy wysokiego renesansu. Wśród nich najciekawsze są „Uprowadzenie nimfy przez centaura” i „Człowiek rzucający bykiem”.
Te same cechy stylu dawnych mistrzów widoczne są również w obrazie „Bieg wolnych koni w Rzymie”, namalowanym około 1817 roku i przedstawiającym zawody jeźdźców na jednym z odbywających się w Rzymie karnawałów. Cechą tej kompozycji jest to, że została skompilowana przez artystę z wcześniej wykonanych rysunków naturalnych. Ponadto charakter szkiców znacznie odbiega od stylu całej pracy. Jeśli te pierwsze to sceny opisujące życie Rzymian – współczesnych artystom, to w całej kompozycji pojawiają się wizerunki odważnych antycznych bohaterów, jakby wyszły z antycznych narracji. W tym Gericault podąża ścieżką J. L. Davida, który, aby dać obraz heroicznego patosu, ubrał swoich bohaterów w starożytne formy.
Wkrótce po napisaniu tego obrazu Gericault wraca do Francji, gdzie zostaje członkiem opozycyjnego kręgu skupionego wokół malarza Horacego Verneta. Po przybyciu do Paryża artysta szczególnie interesował się grafiką. W 1818 stworzył serię litografii o tematyce militarnej, wśród których najważniejszą był „Powrót z Rosji”. Litografia przedstawia pokonanych żołnierzy armii francuskiej wędrujących po zaśnieżonym polu. Postacie kalek i ludzi znużonych wojną są przedstawione w sposób realistyczny i zgodny z prawdą. W kompozycji nie ma patosu i patosu heroicznego, co było typowe dla wczesnych dzieł Gericaulta. Artysta stara się oddać rzeczywisty stan rzeczy, wszystkie nieszczęścia, jakie porzuceni przez dowódcę francuscy żołnierze musieli znosić na obcej ziemi.
W dziele „Powrót z Rosji” po raz pierwszy zabrzmiał wątek zmagania się człowieka ze śmiercią. Jednak w tym przypadku motyw ten nie jest jeszcze wyrażony tak wyraźnie, jak w późniejszych pracach Géricaulta. Przykładem takich płócien może być obraz „Tratwa Meduzy”. Został napisany w 1819 roku i wystawiony w Salonie Paryskim w tym samym roku. Płótno przedstawia ludzi zmagających się z szalejącym żywiołem wody. Artystka pokazuje nie tylko ich cierpienie i udręki, ale także chęć wyjścia zwycięsko w walce ze śmiercią za wszelką cenę.
Fabuła kompozycji jest podyktowana wydarzeniem, które miało miejsce latem 1816 r. i podbiło całą Francję. Słynna wówczas fregata „Medusa” wpadła na rafy i zatonęła u wybrzeży Afryki. Spośród 149 osób, które znajdowały się na statku, tylko 15 zdołało uciec, wśród których byli chirurg Savigny i inżynier Correard. Po przybyciu do ojczyzny opublikowali małą książeczkę opowiadającą o swoich przygodach i szczęśliwym ratunku. To właśnie z tych wspomnień Francuzi dowiedzieli się, że nieszczęście stało się z winy niedoświadczonego kapitana statku, który dostał się na pokład dzięki patronatowi szlachetnego przyjaciela.
Obrazy tworzone przez Gericault są niezwykle dynamiczne, plastyczne i ekspresyjne, co artysta osiągnął dzięki długiej i żmudnej pracy. Aby naprawdę oddać na płótnie straszne wydarzenia, przekazać uczucia ludzi umierających na morzu, artysta spotyka się z naocznymi świadkami tragedii, długo bada twarze wychudzonych pacjentów leczonych w jednym ze szpitali w Paryżu, a także marynarzy, którym udało się uciec z wraków. W tym czasie malarz stworzył wiele prac portretowych.
Rozszalałe morze jest również przepełnione głębokim znaczeniem, jakby próbowało połknąć kruchą drewnianą tratwę z ludźmi. Ten obraz jest niezwykle wyrazisty i dynamiczny. Podobnie jak postacie ludzi, został zaczerpnięty z natury: artysta wykonał kilka szkiców przedstawiających morze podczas burzy. Pracując nad monumentalną kompozycją, Gericault wielokrotnie sięgał do wcześniej przygotowanych szkiców, aby w pełni oddać charakter żywiołów. Dlatego obraz robi na widzu ogromne wrażenie, przekonuje go o realizmie i prawdziwości tego, co się dzieje.
„Tratwa Meduzy” przedstawia Géricaulta jako wybitnego mistrza kompozycji. Artysta przez długi czas zastanawiał się, jak ułożyć postacie na obrazie, aby jak najpełniej wyrazić intencje autora. W trakcie prac wprowadzono kilka zmian. Szkice poprzedzające obraz wskazują, że początkowo Gericault chciał przedstawić zmagania ludzi na tratwie ze sobą, ale później zrezygnował z takiej interpretacji wydarzenia. W ostatecznej wersji płótno reprezentuje moment, w którym już zdesperowani ludzie widzą na horyzoncie statek Argus i wyciągają do niego ręce. Ostatnim dodatkiem do obrazu była postać ludzka umieszczona poniżej, po prawej stronie płótna. To ona była ostatnim akcentem kompozycji, która potem nabrała głęboko tragicznego charakteru. Warto zauważyć, że zmiana ta nastąpiła, gdy obraz był już wystawiony w Salonie.
Swoją monumentalnością i wzmożoną emocjonalnością malarstwo Gericaulta pod wieloma względami przypomina twórczość mistrzów renesansu (przede wszystkim Sąd Ostateczny Michała Anioła), których artysta poznał podczas podróży po Włoszech.
Obraz „Tratwa Meduzy”, który stał się arcydziełem malarstwa francuskiego, odniósł ogromny sukces w kręgach opozycyjnych, które widziały w nim odbicie ideałów rewolucyjnych. Z tych samych powodów dzieło nie zostało zaakceptowane wśród najwyższej szlachty i oficjalnych przedstawicieli sztuk pięknych Francji. Dlatego w tym czasie płótno nie było kupowane przez państwo od autora.
Zawiedziony przyjęciem, jakie spotkało jego dzieło w domu, Gericault jedzie do Anglii, gdzie przedstawia swoje ulubione dzieło na dworze Brytyjczyków. W Londynie koneserzy sztuki z wielkim entuzjazmem przyjęli słynne płótno.
Géricault podchodzi do angielskich artystów, którzy przekonują go umiejętnością szczerego i wiernego oddania rzeczywistości. Géricault poświęca życie i życie stolicy Anglii cykl litografii, wśród których dzieła zatytułowane „The Great English Suite” (1821) i „The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) należą do najznamienitszych największe zainteresowanie. W tym ostatnim artysta przedstawił londyńskiego włóczęgę, który odzwierciedlał wrażenia, jakie malarz odniósł w procesie badania życia ludzi w robotniczych dzielnicach miasta.
W tym samym cyklu znalazły się takie litografie jak „The Flanders Smith” i „U bram Stoczni Adelphin”, przedstawiające widzowi obraz życia zwykłych ludzi w Londynie. Interesujące w tych pracach są wizerunki koni, ciężkich i z nadwagą. Wyraźnie różnią się od tych pełnych wdzięku i wdzięku zwierząt, które namalowali inni artyści - współcześni Gericaultowi.
Będąc w stolicy Anglii, Gericault zajmuje się tworzeniem nie tylko litografii, ale także obrazów. Jednym z najbardziej uderzających dzieł tego okresu było płótno „Wyścig w Epsom”, powstałe w 1821 roku. Na zdjęciu artysta przedstawia pędzące z pełną prędkością konie, a ich nogi w ogóle nie dotykają ziemi. Tą sprytną techniką (zdjęcie dowiodło, że konie nie mogą mieć takiej pozycji nóg podczas biegu, taka jest fantazja artysty) mistrz posługuje się, by nadać kompozycji dynamizmu, dać widzowi wrażenie błyskawicznej ruch koni. To odczucie potęguje wierne przeniesienie plastyczności (poz, gestów) postaci ludzkich, a także zastosowanie jasnych i bogatych zestawień kolorystycznych (czerwony, gniady, biały konie; granatowy, ciemnoczerwony, biało-niebieski i złocisty). żółte kurtki dżokejów).
Temat wyścigów konnych, który od dawna przyciągał uwagę malarza swoim szczególnym wyrazem, niejednokrotnie powtarzał się w pracach stworzonych przez Géricaulta po zakończeniu prac nad Wyścigami konnymi w Epsom.
W 1822 artysta opuścił Anglię i powrócił do rodzinnej Francji. Tutaj zajmuje się tworzeniem dużych płócien, podobnych do dzieł mistrzów renesansu. Wśród nich są „Handel murzyński”, „Otwarcie drzwi więzienia Inkwizycji w Hiszpanii”. Obrazy te pozostały niedokończone - śmierć uniemożliwiła Gericaultowi ukończenie dzieła.
Na szczególną uwagę zasługują portrety, których powstanie historycy sztuki przypisują okresowi od 1822 do 1823 roku. Na szczególną uwagę zasługuje historia ich pisania. Faktem jest, że portrety te zostały zamówione przez przyjaciela artysty, który pracował jako psychiatra w klinice w Paryżu. Miały stać się rodzajem ilustracji pokazujących różne choroby psychiczne człowieka. Tak więc namalowano portrety „Szalony staruszek”, „Szalony”, „Szalony, wyobrażający sobie, że jest dowódcą”. Dla mistrza malarstwa ważne było nie tyle ukazanie zewnętrznych oznak i symptomów choroby, ile przekazanie wewnętrznego, psychicznego stanu chorego. Tragiczne wizerunki ludzi pojawiają się na płótnach przed widzem, którego oczy pełne są bólu i smutku.
Wśród portretów Géricaulta szczególne miejsce zajmuje portret Murzyna, znajdujący się obecnie w zbiorach Muzeum w Rouen. Z płótna spogląda na widza osoba zdeterminowana i silna, gotowa walczyć do końca z wrogimi mu siłami. Obraz jest niezwykle jasny, emocjonalny i wyrazisty. Mężczyzna na tym zdjęciu jest bardzo podobny do bohaterów o silnej woli, których Gericault wcześniej pokazywał w dużych kompozycjach (na przykład na płótnie „Tratwa Meduzy”).
Gericault był nie tylko mistrzem malarstwa, ale także znakomitym rzeźbiarzem. Jego prace w tej dziedzinie sztuki na początku XIX wieku były pierwszymi przykładami rzeźby romantycznej. Wśród takich dzieł szczególnie interesująca jest niezwykle ekspresyjna kompozycja „Nymfa i satyr”. Obrazy zatrzymane w ruchu dokładnie oddają plastyczność ludzkiego ciała.
Théodore Gericault zginął tragicznie w 1824 roku w Paryżu, spadając z konia. Jego wczesna śmierć była zaskoczeniem dla wszystkich współczesnych słynnemu artyście.
Dzieło Gericaulta wyznaczyło nowy etap w rozwoju malarstwa nie tylko we Francji, ale także w sztuce światowej - okresie romantyzmu. W swoich pracach mistrz pokonuje wpływy tradycji klasycznych. Jego prace są niezwykle kolorowe i odzwierciedlają różnorodność świata przyrody. Wprowadzając do kompozycji postacie ludzkie, artysta dąży do jak najpełniejszego i najbardziej wyrazistego ukazania wewnętrznych uczuć i emocji człowieka.
Po śmierci Gericaulta tradycje jego sztuki romantycznej podchwycił młodszy współczesny artyście, E. Delacroix.
Eugene Delacroix
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, słynny francuski artysta i grafik, następca tradycji romantyzmu, które rozwinęły się w twórczości Géricaulta, urodził się w 1798 roku. Nie ukończywszy Imperial Lyceum, w 1815 Delacroix poszedł na studia do słynnego mistrza Guerina. Jednak metody artystyczne młodego malarza nie spełniały wymagań nauczyciela, więc po siedmiu latach młody człowiek go opuszcza.
Studiując u Guerina, Delacroix poświęca dużo czasu na studiowanie twórczości Dawida i mistrzów malarstwa renesansu. Za fundamentalną dla rozwoju sztuki światowej uważa kulturę starożytności, której tradycje również podążał David. Dlatego ideałami estetycznymi dla Delacroix były dzieła poetów i myślicieli starożytnej Grecji, wśród których artysta szczególnie docenił dzieła Homera, Horacego i Marka Aureliusza.
Pierwszymi dziełami Delacroix były niedokończone płótna, na których młody malarz starał się odzwierciedlić walkę Greków z Turkami. Jednak artyście brakowało umiejętności i doświadczenia, by stworzyć wyrazisty obraz.
W 1822 Delacroix wystawił swoją pracę w Salonie Paryskim pod tytułem Dante and Virgil. To płótno, niezwykle emocjonalne i jaskrawe w kolorze, pod wieloma względami przypomina dzieło Géricaulta „Tratwa Meduzy”.
Dwa lata później publiczności Salonu został zaprezentowany kolejny obraz Delacroix „Masakra na Chios”. To w nim wcielił się wieloletni plan artysty, aby pokazać walkę Greków z Turkami. Całość kompozycji obrazu składa się z kilku części, które tworzą grupy ludzi, ułożonych osobno, każda z nich ma swój dramatyczny konflikt. Ogólnie praca sprawia wrażenie głębokiej tragedii. Poczucie napięcia i dynamizmu potęguje połączenie płynnych i ostrych linii tworzących sylwetki postaci, co prowadzi do zmiany proporcji postaci przedstawionej przez artystę. Jednak właśnie dzięki temu obraz nabiera realistycznego charakteru i życiowej wiarygodności.
Metoda twórcza Delacroix, w pełni wyrażona w „Masakrze na Chios”, daleka jest od klasycznego stylu akceptowanego wówczas w oficjalnych kręgach Francji i wśród przedstawicieli sztuk pięknych. Dlatego obraz młodego artysty spotkał się w Salonie z ostrą krytyką.
Mimo niepowodzenia malarz pozostaje wierny swojemu ideałowi. W 1827 roku ukazała się kolejna praca poświęcona tematowi walki narodu greckiego o niepodległość – „Grecja na ruinach Missolonghi”. Przedstawiona na płótnie postać stanowczej i dumnej Greczynki uosabia tutaj niepodbitą Grecję.
W 1827 roku Delacroix wykonał dwa dzieła, które odzwierciedlały twórcze poszukiwania mistrza w dziedzinie środków i metod artystycznego wyrazu. Są to płótna „Śmierć Sardanapala” i „Marino Faliero”. Na pierwszym z nich tragizm sytuacji oddawany jest w ruchu postaci ludzkich. Tylko wizerunek samego Sardanapala jest tutaj statyczny i spokojny. W kompozycji „Marino Faliero” dynamiczna jest tylko postać głównego bohatera. Reszta bohaterów zdawała się zastygać w przerażeniu na myśl o tym, co miało się wydarzyć.
W latach 20. 19 wiek Delacroix wykonał szereg prac, których wątki zostały zaczerpnięte ze słynnych dzieł literackich. W 1825 artysta odwiedził Anglię, miejsce urodzenia Williama Szekspira. W tym samym roku pod wrażeniem tej podróży i tragedii słynnego dramaturga Delacroix powstała litografia „Makbet”. W latach 1827-1828 stworzył litografię „Faust”, poświęconą dziełu Goethego o tym samym tytule.
W związku z wydarzeniami, które miały miejsce we Francji w 1830 roku, Delacroix wykonał obraz „Wolność wiodąca lud”. Rewolucyjna Francja przedstawiona jest na obrazie kobiety młodej, silnej, władczej, zdecydowanej i niezależnej, odważnie prowadzącej tłum, w którym wyróżniają się postacie robotnika, studenta, rannego żołnierza, paryskiego gamena (obraz antycypujący Gavroche, który pojawił się później w Nędznikach V. Hugo).
Praca ta wyraźnie różniła się od podobnych prac innych artystów, których interesowało jedynie prawdziwe przekazanie wydarzenia. Płótna stworzone przez Delacroix charakteryzowały się wysokim heroicznym patosem. Obrazy tutaj są uogólnionymi symbolami wolności i niezależności narodu francuskiego.
Wraz z dojściem do władzy Ludwika Filipa - króla-burżuazyjnego bohaterstwa i wzniosłych uczuć głoszonych przez Delacroix, we współczesnym życiu nie było miejsca. W 1831 artysta odbył podróż do krajów afrykańskich. Podróżował do Tangeru, Meknes, Oranu i Algieru. W tym samym czasie Delacroix odwiedza Hiszpanię. Życie Wschodu dosłownie fascynuje artystę swoim szybkim tokiem. Tworzy szkice, rysunki oraz szereg prac akwarelowych.
Po wizycie w Maroku Delacroix maluje płótna poświęcone Wschodowi. Obrazy, na których artysta przedstawia wyścigi konne czy bitwę z Maurami, są niezwykle dynamiczne i wyraziste. Na ich tle kompozycja „Algierki w swoich komnatach”, powstała w 1834 roku, wydaje się spokojna i statyczna. Nie ma w nim tak gwałtownego dynamizmu i napięcia charakterystycznego dla wcześniejszych prac artysty. Delacroix pojawia się tutaj jako mistrz koloru. Kolorystyka zastosowana przez malarza w całości odzwierciedla jasną różnorodność palety, która kojarzy się widzowi z kolorami Wschodu.
Tą samą powolnością i miarą odznacza się płótno „Żydowskie wesele w Maroku”, napisane ok. 1841 r. Dzięki dokładnemu oddaniu przez artystę oryginalności narodowego wnętrza, tworzy się tu tajemnicza orientalna atmosfera. Kompozycja wydaje się zaskakująco dynamiczna: malarz pokazuje, jak ludzie wchodzą po schodach i wchodzą do pokoju. Światło wpadające do pomieszczenia sprawia, że obraz jest realistyczny i przekonujący.
Motywy wschodnie przez długi czas były obecne w twórczości Delacroix. Tak więc na wystawie zorganizowanej w Salonie w 1847 roku na sześć prezentowanych przez niego prac pięć było poświęconych życiu i życiu Wschodu.
W latach 30-40. W XIX wieku w twórczości Delacroix pojawiają się nowe wątki. W tym czasie mistrz tworzy dzieła o tematyce historycznej. Wśród nich na szczególną uwagę zasługują płótna „Protest Mirabeau przeciwko rozwiązaniu Stanów Generalnych” i „Boissy d'Angles”. Szkic tego ostatniego, pokazany w 1831 roku w Salonie, jest żywym przykładem kompozycji na temat powstania ludowego.
Obrazy „Bitwa pod Poitiers” (1830) i „Bitwa pod Taybur” (1837) poświęcone są wizerunkowi ludu. Z całym realizmem ukazana jest tu dynamika walki, ruch ludzi, ich wściekłość, gniew i cierpienie. Artysta stara się przekazać emocje i pasje osoby ogarniętej pragnieniem zwycięstwa za wszelką cenę. To właśnie postacie ludzi są głównymi przekazującymi dramaturgię wydarzenia.
Bardzo często w pracach Delacroix zwycięzca i pokonani są sobie ostro przeciwstawni. Widać to szczególnie wyraźnie na płótnie „Zdobywanie Konstantynopola przez krzyżowców”, napisanym w 1840 roku. Na pierwszym planie widać grupę ludzi ogarniętych żalem. Za nimi zachwycający, urzekający swoim pięknem krajobraz. Umieszczono tu także postacie zwycięskich jeźdźców, których budzące grozę sylwetki kontrastują z żałobnymi postaciami na pierwszym planie.
„Zdobywanie Konstantynopola przez krzyżowców” przedstawia Delacroix jako wybitnego kolorystę. Jasne i nasycone kolory nie potęgują jednak tragicznego początku, który wyrażają żałobne postacie znajdujące się blisko widza. Wręcz przeciwnie, bogata paleta tworzy wrażenie święta zaaranżowanego na cześć zwycięzców.
Nie mniej barwna jest kompozycja „Sprawiedliwość Trajana”, stworzona w tym samym 1840 roku. Współcześni artyście uznali ten obraz za jeden z najlepszych spośród wszystkich płócien malarza. Na szczególną uwagę zasługuje fakt, że w trakcie pracy mistrz eksperymentuje z kolorem. Nawet cienie przybierają od niego różne odcienie. Wszystkie kolory kompozycji odpowiadają dokładnie naturze. Wykonanie dzieła poprzedziły długie obserwacje malarza pod kątem zmian odcieni w przyrodzie. Artysta wpisał je do swojego pamiętnika. Następnie, jak wynika z notatek, naukowcy potwierdzili, że odkrycia dokonane przez Delacroix w dziedzinie tonalności były w pełni zgodne z zrodzoną wówczas doktryną koloru, której założycielem jest E. Chevreul. Ponadto artysta porównuje swoje odkrycia z paletą używaną przez szkołę wenecką, która była dla niego przykładem kunsztu malarskiego.
Wśród obrazów Delacroix szczególne miejsce zajmują portrety. Mistrz rzadko zwracał się do tego gatunku. Malował tylko te osoby, z którymi znał się od dawna, których duchowy rozwój odbywał się przed artystą. Dlatego obrazy na portretach są bardzo wyraziste i głębokie. Są to portrety Chopina i George Sand. Płótno poświęcone słynnemu pisarzowi (1834) przedstawia szlachetną i silną kobietę, która zachwyca swoich współczesnych. Portret Chopina, namalowany cztery lata później, w 1838 roku, reprezentuje poetycki i duchowy obraz wielkiego kompozytora.
Ciekawy i niezwykle ekspresyjny portret słynnego skrzypka i kompozytora Paganiniego, namalowany przez Delacroix około 1831 roku. Styl muzyczny Paganiniego był pod wieloma względami zbliżony do metody malarskiej artysty. Twórczość Paganiniego charakteryzuje ta sama ekspresja i intensywna emocjonalność, które były charakterystyczne dla twórczości malarza.
W twórczości Delacroix krajobrazy zajmują niewielkie miejsce. Okazały się one jednak bardzo istotne dla rozwoju malarstwa francuskiego w drugiej połowie XIX wieku. Krajobrazy Delacroix naznaczone są chęcią dokładnego oddania lekkiego i nieuchwytnego życia natury. Żywymi tego przykładami są obrazy „Niebo”, gdzie poczucie dynamiki tworzą śnieżnobiałe chmury unoszące się po niebie, oraz „Morze widoczne z brzegów Dieppe” (1854), w którym malarz po mistrzowsku przekazuje szybownictwo lekkich żaglówek po powierzchni morza.
W 1833 artysta otrzymał od króla francuskiego zlecenie na pomalowanie sali w Pałacu Burbonów. Prace nad stworzeniem monumentalnego dzieła trwały cztery lata. Realizując zamówienie, malarz kierował się przede wszystkim tym, aby obrazy były niezwykle proste i zwięzłe, zrozumiałe dla widza.
Ostatnim dziełem Delacroix był obraz kaplicy Świętych Aniołów w kościele Saint-Sulpice w Paryżu. Powstał w okresie od 1849 do 1861 roku. Używając jasnych, bogatych kolorów (różowy, jasnoniebieski, liliowy, umieszczonych na popielatym i żółto-brązowym tle) artysta tworzy w kompozycjach radosny nastrój, wywołujący u widza by poczuć entuzjastyczną radość. Pejzaż zawarty w obrazie „Wypędzenie Iliodora ze świątyni” jako rodzaj tła, wizualnie powiększa przestrzeń kompozycji i pomieszczenia kaplicy. Z drugiej strony, jakby chcąc podkreślić izolację przestrzeni, Delacroix wprowadza do kompozycji schody i balustradę. Umieszczone za nim postacie ludzi wydają się niemal płaskimi sylwetkami.
Eugene Delacroix zmarł w 1863 roku w Paryżu.
Delacroix był najbardziej wykształconym wśród malarzy pierwszej połowy XIX wieku. Wiele tematów jego obrazów zaczerpnięto z dzieł literackich słynnych mistrzów pióra. Ciekawostką jest to, że najczęściej artysta malował swoje postacie bez użycia makiety. Tego chciał nauczyć swoich wyznawców. Według Delacroix malarstwo jest czymś bardziej złożonym niż prymitywne kopiowanie linii. Artysta wierzył, że sztuka polega przede wszystkim na umiejętności wyrażania nastroju i intencji twórczych mistrza.
Delacroix jest autorem kilku prac teoretycznych dotyczących problematyki koloru, metody i stylu artysty. Dzieła te były drogowskazem dla malarzy kolejnych pokoleń w poszukiwaniu własnych środków artystycznych do tworzenia kompozycji.
Streszczenie egzaminu
Podmiot:„Romantyzm jako nurt w sztuce”.
Wykonywane uczeń 11 klasy „B” liceum nr 3
Boiprav Anna
Nauczyciel sztuki światowej
kultura Butsu T.N.
Brześć, 2002
1. Wstęp
2. Przyczyny romantyzmu
3. Główne cechy romantyzmu
4. romantyczny bohater
5. Romantyzm w Rosji
a) Literatura
b) Malowanie
c) Muzyka
6. Zachodnioeuropejski romantyzm
obraz
b) Muzyka
7. Wnioski
8. Referencje
1. WSTĘP
Jeśli zajrzysz do słownika wyjaśniającego języka rosyjskiego, możesz znaleźć kilka znaczeń słowa „romantyzm”: 1. Trend w literaturze i sztuce pierwszej ćwierci XIX wieku, charakteryzujący się idealizacją przeszłości, izolacją z rzeczywistości, kult osobowości i człowieka. 2. Kierunek w literaturze i sztuce, nasycony optymizmem i chęcią ukazania żywymi obrazami wysokiego celu człowieka. 3. Stan umysłu przesiąknięty idealizacją rzeczywistości, senną kontemplacją.
Jak widać z definicji, romantyzm jest zjawiskiem, które przejawia się nie tylko w sztuce, ale także w zachowaniu, ubiorze, stylu życia, psychologii ludzi i pojawia się w krytycznych momentach życia, więc temat romantyzmu jest nadal aktualny. . Żyjemy na przełomie wieków, jesteśmy na etapie przejściowym. W związku z tym w społeczeństwie jest niewiara w przyszłość, niewiara w ideały, jest chęć ucieczki od otaczającej rzeczywistości w świat własnych przeżyć i jednocześnie jej zrozumienia. To właśnie te cechy są charakterystyczne dla sztuki romantycznej. Dlatego do badań wybrałem temat „Romantyzm jako nurt w sztuce”.
Romantyzm to bardzo duża warstwa różnych rodzajów sztuki. Celem mojej pracy jest prześledzenie warunków i przyczyn powstania romantyzmu w różnych krajach, zbadanie rozwoju romantyzmu w takich formach sztuki jak literatura, malarstwo i muzyka oraz ich porównanie. Głównym zadaniem było dla mnie podkreślenie głównych cech romantyzmu, charakterystycznych dla wszystkich rodzajów sztuki, ustalenie, jaki wpływ romantyzm miał na rozwój innych nurtów w sztuce.
Przy opracowywaniu tematu korzystałem z podręczników o sztuce takich autorów jak Filimonova, Vorotnikov i innych, publikacji encyklopedycznych, monografii poświęconych różnym autorom epoki romantyzmu, materiałów biograficznych takich autorów jak Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova i innych.
2. PRZYCZYNY POCHODZENIA ROMANTYZMU
Im bliżej jesteśmy nowoczesności, tym krótsze stają się okresy dominacji tego czy innego stylu. Okres końca XVIII-XIII wieku. uważany za epokę romantyzmu (z francuskiego Romantique; coś tajemniczego, dziwnego, nierzeczywistego)
Co wpłynęło na pojawienie się nowego stylu?
Są to trzy główne wydarzenia: Wielka Rewolucja Francuska, wojny napoleońskie, powstanie ruchu narodowowyzwoleńczego w Europie.
Paryskie grzmoty rozbrzmiewały w całej Europie. Hasło „Wolność, równość, braterstwo!” wzbudziło ogromną atrakcję dla wszystkich narodów Europy. Wraz z formowaniem się społeczeństw burżuazyjnych klasa robotnicza zaczęła działać jako niezależna siła przeciwko systemowi feudalnemu. Przeciwstawna walka trzech klas — szlachty, burżuazji i proletariatu — stanowiła podstawę rozwoju historycznego XIX wieku.
Los Napoleona i jego rola w historii Europy przez dwie dekady, 1796-1815, zaprzątały umysły współczesnych. „Władca myśli” – mówił o nim A.S. Puszkina.
Dla Francji były to lata świetności i chwały, choć kosztem życia tysięcy Francuzów. Włochy widziały w Napoleonie swojego wyzwoliciela. Polacy wiązali z nim duże nadzieje.
Napoleon działał jako zdobywca działający w interesie francuskiej burżuazji. Dla monarchów europejskich był nie tylko przeciwnikiem militarnym, ale także przedstawicielem obcego świata burżuazji. Nienawidzili go. Na początku wojen napoleońskich w jego „Wielkiej Armii” było wielu bezpośrednich uczestników rewolucji.
Fenomenalna była też osobowość samego Napoleona. Młody człowiek Lermontow odpowiedział na 10. rocznicę śmierci Napoleona:
Jest obcy światu. Wszystko w nim było tajemnicą.
Dzień wyniesienia - i upadek godziny!
Ta tajemnica szczególnie przyciągnęła uwagę romantyków.
W związku z wojnami napoleońskimi i dojrzewaniem samoświadomości narodowej okres ten charakteryzuje się wzrostem ruchu narodowowyzwoleńczego. Niemcy, Austria, Hiszpania walczyły z okupacją napoleońską, Włochy - z austriackim jarzmem, Grecja - z Turcją, w Polsce z caratem rosyjskim, Irlandia - z Brytyjczykami.
Zadziwiające zmiany zaszły na oczach jednego pokolenia.
Francja kipiała przede wszystkim: burzliwa piąta rocznica Rewolucji Francuskiej, wzlot i upadek Robespierre'a, kampanie napoleońskie, pierwsza abdykacja Napoleona, jego powrót z wyspy Elba („sto dni”) i ostatni
klęska pod Waterloo, ponura 15 rocznica restytucji, rewolucja lipcowa 1860, rewolucja lutowa 1848 w Paryżu, która wywołała falę rewolucyjną w innych krajach.
W Anglii w wyniku rewolucji przemysłowej w drugiej połowie XIX wieku. nawiązano produkcję maszyn i stosunki kapitalistyczne. Reforma parlamentarna z 1832 r. utorowała burżuazji drogę do władzy państwowej.
Na ziemiach niemieckich i austriackich władcy feudalni zachowali władzę. Po upadku Napoleona ostro rozprawili się z opozycją. Ale nawet na ziemi niemieckiej parowóz sprowadzony z Anglii w 1831 r. stał się czynnikiem postępu burżuazyjnego.
Rewolucje przemysłowe, rewolucje polityczne zmieniły oblicze Europy. „Burżuazja, w ciągu niespełna stu lat swojej dominacji klasowej, stworzyła liczniejsze i bardziej okazałe siły wytwórcze niż wszystkie poprzednie pokolenia razem wzięte” – napisali niemieccy naukowcy Marks i Engels w 1848 roku.
Tak więc Wielka Rewolucja Francuska (1789-1794) była szczególnym kamieniem milowym oddzielającym nową erę od Wieku Oświecenia. Zmieniły się nie tylko formy państwa, struktura społeczna społeczeństwa, układ klas. Cały system idei, oświetlony przez wieki, został wstrząśnięty. Oświeceni ideologicznie przygotowali rewolucję. Ale nie mogli przewidzieć wszystkich jego konsekwencji. „Królestwo rozumu” nie miało miejsca. Rewolucja, która głosiła wolność jednostki, zrodziła ład burżuazyjny, ducha zachłanności i egoizmu. Taka była historyczna podstawa rozwoju kultury artystycznej, która wyznaczyła nowy kierunek - romantyzm.
3. GŁÓWNE CECHY ROMANTYZMU
Romantyzm jako metoda i kierunek w kulturze artystycznej był zjawiskiem złożonym i kontrowersyjnym. W każdym kraju miał wyrazisty wyraz narodowy. Niełatwo znaleźć w literaturze, muzyce, malarstwie i teatrze cechy, które łączą Chateaubrianda i Delacroix, Mickiewicza i Chopina, Lermontowa i Kipreńskiego.
Romantycy zajmowali w społeczeństwie różne pozycje społeczne i polityczne. Wszyscy zbuntowali się przeciwko skutkom rewolucji burżuazyjnej, ale zbuntowali się na różne sposoby, ponieważ każdy miał swój własny ideał. Ale przy tych wszystkich twarzach i różnorodności, romantyzm ma stabilne cechy.
Rozczarowanie w czasach nowożytnych dało początek wyjątkowemu zainteresowanie przeszłością: do przedburżuazyjnych formacji społecznych, do patriarchalnej starożytności. Wielu romantyków charakteryzowało przekonanie, że malownicza egzotyka krajów południa i wschodu - Włoch, Hiszpanii, Grecji, Turcji - jest poetyckim przeciwieństwem nudnej, mieszczańskiej codzienności. W tych krajach, wówczas jeszcze mało dotkniętych cywilizacją, romantycy szukali jasnych, silnych charakterów, oryginalnego, kolorowego sposobu życia. Zainteresowanie przeszłością narodową zrodziło masę dzieł historycznych.
Chcąc jakoś wznieść się ponad prozę bytu, wyzwolić różnorodne zdolności jednostki, ostatecznie zrealizować się w twórczości, romantycy sprzeciwiali się formalizacji sztuki i wprost rozsądnemu podejściu do niej, charakterystycznemu dla klasycyzmu. Wszyscy pochodzili z negowanie oświecenia i racjonalistycznych kanonów klasycyzmu, co krępowało twórczą inicjatywę artysty.A jeśli klasycyzm dzieli wszystko w linii prostej, na złe i dobre, na czerń i biel, to romantyzm nie dzieli nic w linii prostej. Klasycyzm to system, ale romantyzm nie. Romantyzm dokonał postępu współczesności od klasycyzmu do sentymentalizmu, który ukazuje wewnętrzne życie człowieka w harmonii z rozległym światem. A romantyzm sprzeciwia się harmonii wewnętrznemu światu. To właśnie z romantyzmem zaczyna się pojawiać prawdziwy psychologizm.
Głównym zadaniem romantyzmu było obraz świata wewnętrznego, życie duchowe, a można to zrobić na materiale opowieści, mistycyzmu itp. Trzeba było pokazać paradoks tego wewnętrznego życia, jego irracjonalność.
W wyobraźni romantycy przekształcili nieatrakcyjną rzeczywistość lub weszli w świat swoich przeżyć. Przepaść między snem a rzeczywistością, opozycja pięknej fikcji wobec obiektywnej rzeczywistości leżała u podstaw całego ruchu romantycznego.
Romantyzm po raz pierwszy stawia problem języka sztuki. „Sztuka to język zupełnie innego rodzaju niż natura; ale zawiera również tę samą cudowną moc, która równie potajemnie i niezrozumiale wpływa na ludzką duszę ”(Wackenroder i Tieck). Artysta jest tłumaczem języka natury, pośrednikiem między światem ducha i ludzi. „Dzięki artystom ludzkość wyłania się jako cała indywidualność. Artyści poprzez nowoczesność jednoczą świat przeszłości ze światem przyszłości. Są najwyższym organem duchowym, w którym spotykają się siły życiowe ich zewnętrznego człowieczeństwa i gdzie przede wszystkim przejawia się wewnętrzne człowieczeństwo” (F. Schlegel).
Pod koniec XVIII i na początku XIX wieku idee klasycyzmu i oświecenia straciły na atrakcyjności i aktualności. Nową, która w odpowiedzi na kanoniczne metody klasycyzmu i moralno-społeczne teorie Oświecenia zwróciła się ku człowiekowi, jego wewnętrznemu światu, nabrała sił i zawładnęła umysłami. Romantyzm był bardzo rozpowszechniony we wszystkich dziedzinach życia kulturalnego i filozofii. Muzycy, artyści i pisarze starali się w swoich utworach ukazać wysokie przeznaczenie człowieka, jego bogaty świat duchowy, głębię uczuć i przeżyć. Odtąd dominującym tematem w dziełach sztuki stał się człowiek ze swoją wewnętrzną walką, duchowymi poszukiwaniami i doświadczeniami, a nie „rozmytymi” ideami ogólnego dobrobytu i dobrobytu.
Romantyzm w malarstwie
Malarze przekazują głębię pomysłów i swoje osobiste doświadczenia poprzez kreację za pomocą kompozycji, koloru, akcentów. Różne kraje Europy miały swoje osobliwości w interpretacji romantycznych obrazów. Wynika to zarówno z nurtów filozoficznych, jak iz sytuacji społeczno-politycznej, na którą sztuka była żywą odpowiedzią. Malarstwo nie było wyjątkiem. Rozdrobnione na małe księstwa i księstwa Niemcy nie doświadczyły poważnych wstrząsów społecznych, artyści nie tworzyli monumentalnych płócien przedstawiających bohaterów tytanów, tutaj budził zainteresowanie głęboki duchowy świat człowieka, jego piękno i majestat, poszukiwania moralne. Dlatego romantyzm w malarstwie niemieckim najpełniej reprezentowany jest w portretach i pejzażach. Dzieła Otto Runge są klasycznymi przykładami tego gatunku. W portretach wykonanych przez malarza, poprzez dokładne studium rysów twarzy, oczu, poprzez kontrast światła i cienia, wyraża się chęć ukazania niekonsekwencji osobowości, jej potęgi i głębi uczuć. Poprzez pejzaż, nieco fantastyczny, przerysowany obraz drzew, kwiatów i ptaków, artysta starał się także odkryć różnorodność osobowości człowieka, jego podobieństwo do natury, różnorodne i nieznane. Wybitnym przedstawicielem romantyzmu w malarstwie był pejzażysta K.D. Friedrich, który podkreślał siłę i moc natury, pejzaży górskich i morskich, współbrzmiących z człowiekiem.
Romantyzm w malarstwie francuskim rozwijał się według innych zasad. Rewolucyjne przewroty, burzliwe życie społeczne przejawiały się w malarstwie ciążeniem artystów do przedstawiania tematów historycznych i fantastycznych, z patosem i „nerwowym” podnieceniem, co osiągnięto poprzez jaskrawy kontrast kolorystyczny, ekspresję ruchu, pewną przypadkowość, spontaniczność kompozycji. Najbardziej kompletne i żywe idee romantyczne przedstawione są w pracach T. Gericaulta, E. Delacroix. Artyści po mistrzowsku posługiwali się kolorem i światłem, tworząc pulsującą głębię uczuć, wysublimowany impuls do walki i wolności.
Romantyzm w malarstwie rosyjskim
Rosyjska myśl społeczna bardzo żywo reagowała na nowe kierunki i prądy pojawiające się w Europie. a potem wojna z Napoleonem - te znaczące wydarzenia historyczne, które najpoważniej wpłynęły na poszukiwania filozoficzne i kulturowe rosyjskiej inteligencji. Romantyzm w malarstwie rosyjskim reprezentowany był w trzech głównych pejzażach, sztuce monumentalnej, w której wpływ klasycyzmu był bardzo silny, a idee romantyczne ściśle splotły się z kanonami akademickimi.
Na początku XIX wieku coraz więcej uwagi poświęcano wizerunkowi inteligencji twórczej, poetów i artystów Rosji, a także zwykłych ludzi i chłopów. Kiprensky, Tropinin, Bryullov z wielką miłością starali się pokazać głębię i piękno osobowości człowieka, poprzez spojrzenie, obrót głowy, szczegóły stroju, aby przekazać duchowe poszukiwanie, kochający wolność charakter swoich „modeli” . Duże zainteresowanie osobowością człowieka, jego centralne miejsce w sztuce przyczyniło się do rozkwitu gatunku autoportretów. Co więcej, artyści nie malowali autoportretów na zamówienie, był to impuls twórczy, rodzaj autoreportażu dla współczesnych.
Pejzaże w twórczości romantyków wyróżniały się także oryginalnością. Romantyzm w malarstwie odzwierciedlał i oddawał nastrój człowieka, krajobraz musiał być z nim w zgodzie. Dlatego artyści starali się pokazać buntowniczy charakter natury, jej siłę i spontaniczność. Orłowski, Szczedrin, przedstawiając morze, potężne drzewa, pasma górskie, z jednej strony oddawał piękno i wielobarwność prawdziwych pejzaży, z drugiej tworzył pewien emocjonalny nastrój.
