W kręgu kreatywnych ludzi często zdarza się, że różowe niebo pokrywają chmury burzowe. Pojawiają się konflikty, negatywne, a nawet wrogie nastawienie do siebie, zazdrość i uraza. A jeśli chodzi o negatywność, to po prostu się przewraca. Jednym z najczęstszych usprawiedliwień takich nastrojów i lekceważącego stosunku do kolegów jest duch czasu i przeludnienie planety przez artystów. Jak każdy początkujący bez wykształcenia, bez rodziny, bez plemienia, uważa się za obdarzonego zdolnościami i talentem, odbierając chleb prawdziwym twórcom. Ale czy tak jest? Czy naprawdę jest nas tak wielu i wszystko jest takie złe?
Artyści przez cały czas mieli bardzo polarny stosunek do siebie i swojej pracy. Zarówno z zewnątrz, jak i w wąskim kręgu komunikacji. Weźmy na przykład powieść Emila Zoli ( ks. Emil Zola, 1840-1902) "Kreacja" ( ks. L „Œuvre, 1886) to czternasta powieść z cyklu Rougon-Macquart. Chodzi o to, co jeszcze, o wigor twórczości i życie artystów, a także historię powstania plenerowego i szkicowego stylu pisania w malarstwie. Śmiem twierdzić, że choć Zola jest często opisywany jako francuski pisarz i artysta, nie był ostatnim. Zasłynął jako dość skandaliczny i utalentowany autor powieści. A życie artysty coraz bardziej oceniał jako zewnętrzny obserwator i stały uczestnik dyskusji o sztuce wśród swoich przyjaciół artystów.
Kadr z filmu „Cézanne et moi” z 2016 roku francuskiej pisarki, reżyserki i scenarzystki Danielle Thompson (Danièle Thompson, *1942). Film o przyjaźni pisarza Emila Zoli (w okularach) z malarzem Paulem Cezannem.
Zola uważał literaturę za „naukę, dzięki której można badać człowieka i społeczeństwo z taką samą dokładnością, z jaką przyrodnicy badają przyrodę”. Dlatego wydarzenia z jego powieści są ściśle związane z prawdziwymi wydarzeniami tamtych czasów, a główni bohaterowie są skreśleni z prawdziwych ludzi. Zmieniono tylko niektóre fakty i oczywiście fantazje pisarza również musiały wędrować pomiędzy czasami.
Tak więc pierwowzorami bohaterów powieści Emila Zoli byli prawdziwi artyści, którzy byli w tym czasie w Paryżu na sugestię krytyka i artysty Louisa Leroya ( ks. Louis Leroy; 1812-1885) stali się znani jako impresjoniści. Nawiasem mówiąc, nie wierzcie, gdy mówią, że to on wprowadził to oznaczenie do użytku. Bo sami impresjoniści wprowadzili to, choć początkowo byli bardzo urażeni. Ponieważ Leroy po raz pierwszy użył słowa „wrażenie” w wyjątkowo negatywny sposób. Jeden z obrazów Claude'a Moneta na pierwszej wspólnej wystawie artystów plenerowych nosił tytuł „Impresja, soleil levant” ( przetłumaczone z ks. Wrażenie, wschodzące słońce). Po wizycie na wystawie Louis Leroy donosił w innym druzgocącym artykule, że prace artystów tej szkoły malarstwa zostały po prostu zapomniane do napisania, do ukończenia. W końcu to nie są gotowe płótna, a tylko szybkie szkice, to jest dokładnie to wrażenie- lekki ślad, ulotne wrażenie, a nie solidny obraz.
Claude Monet, Impresja. Wschodzące słońce." 1872, 48×63 cm, Muzeum Marmottan Monet, Paryż
Claude Monet, Impresja. Wschodzące słońce." 1872, 48 × 63 cm, Muzeum Marmottan Monet, Paryż. Zdjęcie z tego miejsca.
W rzeczywistości Louisa Leroya można łatwo zrozumieć. Po pierwsze, on sam był grafikiem, który regularnie wystawiał się w „Paryskim Salonie” i wiedział, jaką krew tę wystawę oddaje i ile pracy trzeba na nią włożyć. Zdjęć samego Leroya nie znalazłem w pośpiechu w sieci. Jednak wiele źródeł nie wie już, że pisał nie tylko notatki krytyczne. Tak czy inaczej, z poniższej pracy można sobie wyobrazić, ile osób chciało uczestniczyć w "Paryskim Salonie" i dlaczego Zola napisał w swojej powieści, że były miejsca dochodowe i mniej dochodowe - na przykład pod sufitem.
Edouard Joseph Dantan, Salon Corner, 1880 Reprodukcja stąd.
W powieści „Kreatywność” występuje epizod, w którym bohaterowie właśnie przygotowują się do wystawy „Salon odrzuconych” ( ks. Salon des Reuses) - wystawa równoległa do oficjalnej francuskiej, prezentująca płótna i rzeźby odrzucone w latach 60. - 70. przez jury Salonu Paryskiego ( ks. Salon de Paris). „Salon” – była jedną z najbardziej prestiżowych wystaw sztuki we Francji, a także oficjalną wystawą stałą paryskiej i obecnej Akademii Sztuk Pięknych ( ks. Akademia Sztuk Pięknych). Został pomyślany jako propaganda oficjalnego gustu cesarskiego. Dotarcie tam i wystawienie było dla artysty kwestią prestiżu i atrakcyjności rynkowej.
Wyobraź sobie, że w tamtych czasach właśnie wynaleziono tubki z farbami olejnymi, a artyści zaczęli opuszczać swoje warsztaty w plenerze i od razu malować więcej z natury, a nie pracować z małymi szkicami śledzącymi ślady podróży. Oczywiście dla wielu to, co zrobili impresjoniści, było prawdziwym okrucieństwem. Tak wyglądało pełne wdzięku, akademicko realistyczne malarstwo.
Adolphe William Bouguereau, „Uniesienie”. 1897, Muzeum Sztuki w San Antonio (Teksas)
Adolphe William Bouguereau, Fala. 1896, kolekcja prywatna
A teraz, dla porównania, obraz Edouarda Maneta, który również w powieści „Kreatywność” wysuwa się na pierwszy plan (tylko Zola mówi, że jej główny bohater napisał Claude) i który jury Salonu jednogłośnie i z oburzeniem odrzucił. Co? Naga ciotka w towarzystwie dwóch mężczyzn? Jaki rodzaj rozpusty? I dlaczego tak bezwstydnie patrzy na widza? I wiemy, kto to jest! Tak, tak - rozpoznaliśmy tę gospodynię domową! A co za przeciętny sposób pisania z wyraźnym naruszeniem proporcji. „Styl obrazu zrywa z ówczesnymi tradycjami akademickimi. Ostre „fotograficzne” światło eliminuje półtony. Manet nie starał się ukryć pociągnięć pędzla, przez co obraz w niektórych miejscach wygląda na niedokończony. Nagość w Śniadaniu on the Grass bardzo różni się od miękkich i nieskazitelnych postaci akademickich artystów szkół malarskich.
Edouard Manet, Śniadanie na trawie. 1863 Musee d'Orsay, Paryż
Oczywiście w porównaniu z pracami artystów akademickich prace impresjonistów wyglądały tak, jakby pokazywali publiczności szkice. Przecież w tamtym czasie nikt nie mógł sobie nawet wyobrazić, jak ogromny potencjał kryje się w niesamowitym sposobie pisania szkoły plenerowego, emocjonalnego malarstwa.
Już wielokrotnie zwracałem uwagę na to, że trzeba jasno zrozumieć, jak błędny jest pomysł, że jeden kierunek w sztuce jest stopniowo zastępowany przez inny, chociaż w podręcznikach są one podawane w ten sposób - nudne i po kolei. Często nowe trendy w sztuce powstawały równolegle z przyjętym lub modnym sposobem przedstawiania. Kreatywni ludzie o nowych kierunkach przez cały czas zmuszeni byli walczyć o miejsce pod słońcem, ponieważ to, co robili, było elementarnie niezwykłe. A jak odnosimy się do nowego i niezrozumiałego? Dziękuję, jeśli nie zabijamy jak źli kosmici, którzy przeniknęli do naszego ciepłego gniazda.
John Singer Sargent, „Obraz Claude'a Moneta na skraju lasu”, 1885, Tate Gallery
Tak samo było z impresjonizmem. Ten nowy nurt malarstwa bardziej emocjonalnego zrodził się równolegle z literaturą akademicką – wspomnianym akademizmem. Nawet po latach wielu artystów z kręgu impresjonistów nie porzuciło nadziei na dostanie się do „Salonu” i zrobienie tam rewolucji, a nie gdzieś na uboczu na cichym bagnie. I stało się.
Wróćmy jednak do powieści „Kreatywność” i towarzyszących jej skandali. Wielu impresjonistów, w kręgu których Zola też był członkiem, od razu rozpoznało się w „Twórczości”. Przyjaciel młodości Zoli - artysta Paul Cezanne ( ks. Paweł Cézanne, 1839-1906) - właśnie zerwał relacje z autorem. Zola wykorzystał w powieści prawdziwe przypadki i fakty z życia Cezanne'a, ale dodatkowo upiększył własnymi szczegółami i tak ułożył fabułę, by zwrócić uwagę czytelnika na niedoskonałość i niepowodzenie głównego bohatera Claude'a Lantiera. Claude, według Zoli, był artystą nieudanym, a sądząc po opisach, był bardzo podobny do prawdziwego artysty Paula Cezanne'a. Na dodatek Zola nie widzi wyjścia dla swojego bohatera i po prostu „zawiesza” go we własnym warsztacie – zabija. Czy możesz sobie wyobrazić, czego doświadczył Paul, kiedy rozpoznał siebie w powieści i uświadomił sobie, jakie opinie na temat niego i jego towarzyszy miał jego najlepszy przyjaciel i otoczenie? Ale publiczność była zachwycona śmiałym naturalizmem Zoli.
Po lewej Paul Cezanne, po prawej Emile Zola w młodości
Oto krótki fragment opowiadania D. L. Bykowa, abyś zrozumiał, jakie pasje tam szalały: „Claude odwiedza starych przyjaciół: Magudo jest gorszy od gustów publiczności, ale wciąż zachowuje talent i siłę, farmaceuta wciąż jest z nim i stał się jeszcze brzydszy, Zhori zarabia nie tyle na krytyce, ile na plotkach i jest z siebie całkiem zadowolony: Fagerol, który kradnie z potęgą i głównymi malowniczymi znaleziskami Claude'a i Irma, która co tydzień zmienia kochanki pędzą do siebie, bo nie ma nic silniejszego niż przywiązanie dwóch egoistów i cyników.Starszy przyjaciel Claude'a, uznany mistrz, który zbuntował się przeciwko Akademii, przez kilka miesięcy z rzędu nie może wyjść z głębokiego kryzysu, nie widzi nowego sposób, opowiada o dręczącym lęku artysty przed realizacją każdego nowego pomysłu, aw depresji Claude widzi z przerażeniem zapowiedź własnej męki.
A na koniec: „... Powietrze epoki jest zatrute, mówi Bongran Sandoz na pogrzebie geniusza, z którego nic nie pozostaje. , rozkład, ślepe zaułki na wszystkich drogach. Sztuka w upadku, anarchia dookoła, osobowość jest stłumiona, a epoka, która rozpoczęła się od jasności i racjonalizmu kończy się nową falą obskurantyzmu. Gdyby nie strach przed śmiercią, każdy prawdziwy artysta musiałby zachowywać się jak Claude… „To taka dziwna opinia zewnętrznego obserwatora o tym, co i komu artysta zawdzięcza.
Jak widać niewiele się zmieniło. I właściwie to jest dobre. Bo to znak, że talenty i chęć tworzenia tego, co piękne i wieczne, jeszcze się nie wyczerpały. A problemy artystów były i będą bardzo podobne. Zwłaszcza, że świat sztuki miał i ma swoich własnych „Mozartów i Salieri”. Ale trzymam się stanowiska, że wielu tylko wydaje się, że wszystko zniknęło tak, jak wydawało się Sandozowi (któremu sam Zola służył jako prototyp). W końcu nawet jeśli przyjrzymy się ulubionej metaforze o Mozarcie i Salieri – o zazdrości i prawdziwym talencie, pęka jak bańka mydlana. Ponieważ fikcja i pasje w nim są daleko idące.
Po lewej stronie portret Mozarta z ostatniego życia Johanna Georga Edlingera (1790), po prawej portret Salieriego autorstwa niemieckiego artysty i kompozytora Josefa Willibrorda Mehlera z mniej więcej tego samego okresu
Mało kto wie przecież, że rywalizacja i wrogość między wyżej wymienionymi osobami to tylko literacka fikcja. Sztuka Puszkina o Mozarcie i Salieri opiera się tylko na jednej ze złych plotek, jakie wywołała wczesna śmierć W.A. Mozarta ( Niemiecki Wolfgang Amadeusz Mozart, 1756-1791). Aleksander Siergiejewicz wykorzystał najbardziej kontrowersyjną, teatralną i skandaliczną wersję. A wszystko dlatego, że Antonio Salieri ( to. Antonio Salieriego, 1750-1825) był jednym z najwybitniejszych i najwybitniejszych kompozytorów tamtych czasów. Nie przylgnęli do jakiegoś Josepha Haydna ( Niemiecki Franciszek Józef Haydn 1732-1809) z oskarżeniami - tam też kręcił się i był nawet starszy od Salieriego. Według współczesnych 40-letni wówczas Salieri nie miał nawet takich ambicji jak Mozart. Pochodził z biednej rodziny i ciężko pracował, aby zapracować na wypracowaną pozycję. Salieri nie miał powodu do podejmowania takiego ryzyka. A jego temperament nie był taki sam. W efekcie piękne słowo słynnego poety doprowadziło do rozpowszechnienia i zakorzenienia w masowej świadomości mitu o udziale Salieriego w tragicznej śmierci Mozarta. A teraz nawet nazwa Salieri w Rosji stała się powszechnie znana. W rzeczywistości Salieri był utalentowanym, bardzo doświadczonym i odnoszącym sukcesy kompozytorem i pedagogiem. To on był nauczycielem całego pokolenia innych kompozytorów, wśród których według jednego ze źródeł byli Beethoven, Schubert i Liszt. Ponadto niewiele osób wie, że po śmierci Mozarta Salieri został mentorem młodszego syna zmarłego, Franza Xavera. I zrobił to na prośbę Constance Mozart - żony Wolfganga Amadeusza. Jeśli nawet osoba bliska Mozarta nie miała żadnych podejrzeń, a nawet po latach tylko pełen szacunku stosunek do Salieriego, o co w tym wszystkim chodzi? Czym jest czarna niesprawiedliwość? Czym jest ten paskudny mit, który tak uporczywie tkwi w umyśle? Według współczesnych Salieri miał wielki szacunek dla Mozarta i jego daru. Sam Mozart nawet nie wspomniał w żadnej korespondencji o złym temperamencie Salieriego ani o atakach w jego kierunku. Muzeum Mozarta w Salzburgu (dom, w którym urodził się Mozart) posunęło się nawet do zorganizowania w swoich murach wystawy poświęconej Salieriemu, aby wybielić imię tej utalentowanej osoby, bez której stracilibyśmy wielu innych utalentowanych kompozytorzy.
Ale z jakiegoś powodu jesteśmy tak zaaranżowanymi, kreatywnymi ludźmi, że pasje kipią w nas nawet wtedy, gdy narzekanie jest już grzechem. Weźmy na przykład film fabularny z 2012 roku w reżyserii Gillesa Bourdo ( ks. Gilles Bourdos* 1963) o ostatnich latach francuskiego impresjonisty Pierre-Auguste Renoira ( ks. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919) w Cagnes-sur-Mer podczas I wojny światowej - "Renoir. Ostatnia miłość" ( ks. Renoir). W jednym z odcinków następuje następujący dialog między artystą a modelką. Młoda modelka prosi o pozwolenie na ruch podczas sesji malarskiej. W tym czasie Renoir był już mistrzem, uznanym geniuszem. Wszyscy chodzili wokół niego na palcach. Mistrz chętnie pozwala dziewczynie wstać i zmienić pozycję, mówiąc, że gdyby chciał rysować kamienie, nie wołałby jej do pozowania. A potem podaje jako przykład pewnego artystę z Aix-en-Provence, który lubi malować zmarłych. Co więcej, podobno ucieka od swoich modelek, zamyka się w domu ojca i maluje morele. Dlaczego narzekasz jak kupiec, stary Renoir, co? Co cię obchodzą morele innych ludzi? Przed tobą na sofie leży piękna dziewczyna. Narysuj już! Ale nie. Traci cierpliwość, że ktoś ma inne priorytety w życiu.
Kadr z filmu „Renoir. Ostatnia miłość”, 2012
Jeśli szybko nie zorientowałeś się, że uciekasz przed modelami i morelami - a był to kamień w ogrodzie Cezanne'a, który przez wiele lat mieszkał jako samotnik w posiadłości rodziny Jas de Bouffan ( ks. Jas de Bouffan, nazwa dosłownie oznacza „Dom wiatrów”) w Aix-en-Provence.
Szczerze mówiąc nie znam naprawdę uzdolnionych ludzi o lekkim, prostym charakterze. Niestety tak się nie dzieje. Talent może i jest przekazywany ludziom od urodzenia. Ale ci, którzy naprawdę ją pielęgnują, ciężko pracują i dążą do swoich celów, w końcu nie są zwykłymi ludźmi. Co więcej, jak mówi jeden z moich znajomych, artysta musi popracować nad złym charakterem, aby zostać sam i pozwolić mu tworzyć. Podobno Cezanne szczególnie wyróżnił się na wszystkich frontach, że jeszcze długo po jego śmierci rzucano w niego kamieniami i morelami.
Paul Cezanne, „Martwa natura z jabłkami i pomarańczami”, 1895-1900, znajduje się w Musée d „Orsay w Paryżu
Nie przeszkodziło to jednak znanym artystom z Paryża odwiedzać Cezanne'a i pisać na sprzedaż swoje prace oparte na pomysłach i osiągnięciach Paula, jak opisał Zola w swojej powieści Kreatywność. Na przykład zawsze myślałem, że Arlekiny Picassa są jego mocną stroną. A kilka lat temu byłem na wystawie „Cézanne – Aufbruch in die Moderne” w Muzeum Folkwang w Essen w Niemczech. Tam zobaczyłem bezpośrednie porównanie dzieł Picassa, Matisse'a i Cezanne'a. Okazało się, że Arlekiny Picassa „upadły” po latach właśnie za sugestią Cezanne'a. Matisse czasami po prostu pracował w skali Cezanowa, kopiując fabuły.
Po lewej praca Matisse'a „Martwa natura z pomarańczami” 1898, po prawej praca Cezanne'a „Kosz jabłek” 1893
Wspomniana wystawa zawierała ponad 100 prac. Nawiasem mówiąc, niektóre prace pochodziły z Muzeum Puszkina. Ówczesnym dyrektorem Muzeum Folkwang jest Hubertus Gassner ( Hubertus Gassner) bardzo dyplomatycznie stwierdził, że wystawa zawiera porównania z twórczością Matisse'a ( Henri Matisse, 1869-1954) i Picassa ( Pablo Picasso, 1881-1973), aby wyjaśnić, jak egzystencjalne było dzieło Cezanne'a dla epoki modernizmu i ogólnie dla sztuki XX wieku.
Po lewej dzieło Cezanne'a „Pierrot i Arlequin” z muz. ich. Puszkin 1888, po prawej dzieło Picassa „Rodzina Arlekinów” 1905
Oczywiście egzystencjalnie. Cezanne żył jako samotnik, w przeciwieństwie do tego samego Picassa. Nie było Internetu i telewizorów, aby widz mógł zobaczyć, skąd wyrosły nogi. Ale jak moglibyśmy cieszyć się pięknymi Arlekinami, gdyby geniusz Cezanne'a i geniusz Picassa nie istniały w naturze, nawet jeśli były przez siebie inspirowane?
A jeśli wrócimy do pierwotnego tematu, że artystów było po prostu za dużo – stąd te wszystkie tragedie z zazdrością i lamenty nad prawdziwym talentem, to wydaje się, że jest to nieistotny szczegół, który osobiście rzuca mi się w oczy.
Wyobraź sobie, że my, mieszkańcy planety, mamy już prawie 7,5 miliarda, trend rośnie. Jak myślisz, ile z tych miliardów to ludzie wykształceni, kulturalni, inteligentni, utalentowani? Czy są przykłady? Jeśli nie, odpowiem wam słowami Abrahama Lincolna: „Bóg najwyraźniej kochał zwykłych ludzi, bo stworzył ich tak wielu”. I to nie jest snobizm, ale stwierdzenie faktu.
Zdjęcie
Rosyjski student wiosna-2017
Kierunek: dziennikarstwo
Nominacja: Najlepszy materiał redakcyjny
Dlaczego kreatywni ludzie są trochę dziwni?
„Prawie nie ma większej przyjemności niż przyjemność tworzenia”.
N.V. Gogol
Musiałeś przynajmniej raz w życiu słyszeć wyrażenie „osoba kreatywna” i zwykle ma ono nieco ironiczne skojarzenie ze znaczeniem „niezwykłe, cudowne”. Kreatywne osoby myślą, działają, a czasem nawet mówią inaczej niż zwykli ludzie. Mają dziwne, niezrozumiałe nawyki i codzienne czynności. Mogą ubierać się śmiesznie i być przesadnie emocjonalnymi, infantylnymi i ekscentrycznymi. Ale najbardziej zaskakujące jest to, że wcale nie uważają się za dziwnych. Po prostu nie mają czasu zwracać uwagi na takie drobiazgi, ponieważ są całkowicie pochłonięte swoją kreatywnością, a nawet jeśli w oczach opinii publicznej jednostka jest ogólnie pozbawiona talentu, on sam bardzo kocha swoją pracę bez względu na wszystko.
Dlaczego kreatywni ludzie są dziwni? Często mówi się o nich, że „latają w chmurach” lub „nie z tego świata”. I to jest absolutnie prawdziwe. Kreatywność w człowieku przejawia się przede wszystkim w jego wyobraźni. Wyobraźnia była sercem muzyki Bacha, poezji Puszkina i obrazów Picassa. Ze względu na zwiększoną wrażliwość, twórca w swoim codziennym życiu nieustannie boryka się z niedoskonałością świata, dysharmonią, chaosem i sprzecznościami, dlatego za pomocą swojej wyobraźni przenosi się do wspaniałego fikcyjnego świata, w którym nie ma miejsca na codzienne problemy i trudy. Jest tam bardzo dobrze i to tam twórca za każdym razem bierze pędzel / zakłada pointe / siada przy fortepianie (podkreśl w razie potrzeby). Sam proces tworzenia sprawia mu ogromną przyjemność, dlatego pracuje dzień i noc, zapominając o śnie i jedzeniu. I stara się pokazać innym rezultaty swoich twórczych impulsów, aby dać im część swojego idealnego świata, aby ich życie było bardziej harmonijne, doskonałe i piękniejsze. W każdym twórcy mieszka romantyk, który marzy o zmianie rzeczywistości na lepsze.
Kolejną cechą kreatywnych ludzi jest umiejętność dostrzegania niezwykłości w zwyczajności. Twórcy, podobnie jak dzieci, są gotowi na wszystko! Są bardzo spostrzegawcze, dociekliwe i uwielbiają się uczyć. Ciągłe pragnienie próbowania nowych rzeczy odróżnia osobę kreatywną od zwykłej. Osoba kreatywna musi stale się rozwijać i rozwijać, doskonaląc swoje umiejętności.
Czasami kreatywne jednostki są nieadekwatnie postrzegane w społeczeństwie ze względu na ich niezależność w ocenie i twórczą odwagę. Twórca zawsze ma swoje zdanie, a opinia innych wpływa na niego znacznie mniej niż na typowego laika. Twórcy nie obchodzi, co o nim myślą inni, a lekceważenie opinii publicznej często powoduje negatywne oceny z zewnątrz. Kreatywność sama w sobie wykracza poza stereotypy i schematy, a takie zachowanie, jak wiadomo, nie jest mile widziane przez tłum. Tłum rządzi się swoimi prawami, a twórcy zdecydowanie do nich nie pasują.
Inną cechą kreatywnych ludzi, psychologowie nazywają pozytywne nastawienie do złożonych zadań. Trudności tylko motywują ich do jeszcze cięższej i cięższej pracy. Przy okazji warto wspomnieć o skuteczności twórców. Z pewnością nie uciekną z pracy, gdy tylko wybije szósta wieczorem. W życiu osobistym mogą wydawać się nieostrożni, leniwi, ale w swoim biznesie są bardzo zdyscyplinowani, obowiązkowi i pracowici.
I wreszcie, być może najważniejszą cechą twórcy jest talent. Talent kładzie się w człowieku z natury w jego zdolnościach umysłowych i właściwościach anatomicznych. „Talent jest jak brodawka - albo jest, albo nie” – powiedziała Faina Ranevskaya. Już w dzieciństwie rodzice zauważają, że ich dziecko robi coś lepiej niż inne dzieci. Prawdopodobnie teraz powiem wspólną prawdę, ale talent może zniknąć na zawsze, jeśli nie zostanie zebrany na czas i rozwinięty ciężką pracą. Oprócz talentu, twórcy zwykle mają zwiększone pragnienie piękna, że tak powiem, rozwinięty zmysł estetyczny.
Podsumowując, chciałbym powiedzieć, że w końcu twórcze jednostki nie rodzą się, ale stają się. Istnieje ogromna liczba przykładów, kiedy samodyscyplina i pracowitość stworzyły prawdziwych geniuszy, nie gorszych niż ci, którzy byli pierwotnie utalentowani. Teraz jest mnóstwo szkoleń rozwijających kreatywność i testów rozpoznających Twoje twórcze skłonności. Ale generalnie wszystko to nie ma znaczenia, jeśli praca, którą wykonujesz, sprawia Ci przyjemność. I nawet jeśli nie umiesz tańczyć, ale naprawdę to lubisz, nikt nie odważy się cię powstrzymać!
Źródło zdjęcia: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z
Sztuka wysoka to dla wielu sprawa złożona i niezrozumiała. Malarstwo renesansowe ze swoim idealnym wizerunkiem przyciąga wielu wielbicieli, ale nie każdemu łatwo jest uwierzyć, że dzieła Picassa i Kandinsky'ego mogą naprawdę kosztować bajeczne pieniądze. Inną tajemnicą jest obfitość nagich ludzi na obrazie, a także paradoks, że dobre obrazy nie muszą być piękne.
stronie internetowej Odpowiedzi na kilka ciekawych pytań dotyczących malarstwa poznałem, przyglądając się pracom krytyków sztuki i kulturologów.
1. Czy malowanie jest naprawdę takie drogie?
Od czasu do czasu słyszymy o szalonych sumach, które wyłożyłem na ten lub inny obraz. Ale w rzeczywistości takie pieniądze to mnóstwo bardzo niewielu prac. Większość artystów nigdy nie widziała ogromnych sum pieniędzy. Historyk sztuki Jonathan Binstock uważa, że na świecie jest tylko około 40 autorów, których obrazy są wyceniane na sumę z wieloma zerami.
Marki rządzą sztuką
Oto chyba najbardziej uderzający przykład. Prawdopodobnie słyszałeś o artyście graffiti Banksym. Ostra orientacja społeczna prac i biografii, okryta aureolą tajemniczości, spełniła swoje zadanie. Banksy jest dziś artystą, którego prace wyceniane są na wielocyfrowe kwoty. Jego obraz „Dziewczyna z balonem” został sprzedany za 1,042 mln funtów, a cały świat zaczął mówić o przedstawieniu, aby go zniszczyć natychmiast po sprzedaży.
Banksy to marka i marki dobrze się sprzedają. W ten sposób, Koszt obrazu w dużej mierze zależy od sławy jego autora.
Udana sprzedaż jednego obrazu jest kluczem do sukcesu innych
Artysta może przez długi czas mieć pecha, wegetować w biedzie i zapomnieniu, niezdolny do opłacalnej sprzedaży swojej pracy. Ale gdy tylko uda mu się sprzedać jeden ze swoich obrazów za duże pieniądze, można być pewnym, że cena innych jego prac poszybuje w górę.
Rzadkość, niedobór, wyjątkowość
Holenderski artysta Jan Vermeer nazywany jest dziś bezcennym. Niewiele obrazów należy do jego pędzla - tylko 36. Artysta pisał dość powoli. Zagubiony w 1990 roku obraz Holendra „Koncert” jest obecnie szacowany na około 200 milionów dolarów. Rzadkość i niedobór płótna wpływają na to, że ich ceny są po prostu niebotyczne.
Legendarny Van Gogh to super marka. Malowideł artysty jest niewiele i jest oczywiste, że on już nic nie zrobi. Jego praca jest wyjątkowa.
10 lat temu Suprematystyczna kompozycja Malewicza została sprzedana za 60 milionów dolarów, a być może gdyby nie kryzys, za 100 milionów. Obrazy Malewicza w zbiorach prywatnych bez wyjątku, a kiedy kolejny raz coś tej klasy pojawi się na rynku, nie wiadomo. Może za 10 lat, może za 100.
Ogólnie rzecz biorąc, jest to oczywiste: kupujący są gotowi zapłacić bajeczne pieniądze na niezwykle rzadkie przedmioty.
Innowacje są drogie
Jedna z prac Richarda Prince'a w kierunku „zapożyczenia artystycznego”.
Malarstwo przejmuje funkcję punktu orientacyjnego
Dziś rośnie poziom turystyki kulturowej, a funkcję pełni malarstwo Atrakcja. Turyści godzinami ustawiają się w kolejkach do słynnych muzeów. A żeby zadeklarować się i zdobyć światową sławę, galeria z pewnością musi posiadać oryginały znanych i lubianych malarzy.
Sztucznie tworzone ośrodki turystyki kulturowej rozwijają się również m.in. na Bliskim Wschodzie iw Chinach. Ostatnio rodzina królewska Katar zawarła transakcję prywatną na $ 250 milionów- wszystko po to, żeby kraj miał zdjęcie Cezanne „Gracze w karty”.
Kiedy jest wszystko, sztuka zaczyna ciągnąć
W 2017 roku miliarder Dmitry Rybolovlev sprzedał ten obraz Leonardo da Vinci za 450 milionów dolarów, teraz jest to najdroższa transakcja w świecie malarstwa.
Kiedy masz 4 domy i samolot G5, co jeszcze możesz zrobić? Pozostaje tylko zainwestować w malowanie, bo tak jest jedna z najsilniejszych walut».
Według danych z 2015 roku na świecie jest 34 miliony milionerów. I nawet jeśli wyobrazimy sobie, że tylko 1% z nich interesuje się sztuką, to okazuje się, że na świecie żyją 340 tysięcy osób gotowych zapłacić okrągłe sumy za obrazy. A same obrazy znanych autorów, jak pisaliśmy powyżej, są bardzo nieliczne, zwłaszcza w porównaniu z liczbą milionerów. Ponadto nawet ci, którzy nie są zainteresowani malarstwem, są gotowi w nie zainwestować w trosce o prestiż lub stabilność takiej inwestycji.
Okazuje się więc, że wysokie koszty malowania wynikają w dużej mierze z tego, że za dużo pieniędzy gonić za mało.
2. Czy wszystkie obrazy potrzebują ramek?
Obraz Georgesa Seurata „Kanał w Gravelines, Wielki Fort Philippe”.
Książka Susie Hodge „Dlaczego w sztuce jest tak wielu nagich ludzi” mówi o przeznaczeniu ram. Tak, oni są chroń krawędzie obrazu i zwróć na niego uwagę. Niektóre kadry są fantazyjne, inne dość proste, nie odwracają uwagi od kontemplacji. Zadaniem ramy jest dopełnienie obrazu i pokazanie go w najlepszy możliwy sposób.
Oto artysta abstrakcyjny Piet Mondrian porównałem ramki z ściana, która stoi między widzem a obrazem. Chciał usunąć to poczucie dystansu. A artysta pisał na samych krawędziach płócien, a nawet na ścianie bocznej.
Georges Seurat nie lubił cienia, który jest rzucany przez ramkę na zdjęciu. A on sam często rysował ramki z maleńkich kropek o różnych kolorach. Nawiasem mówiąc, zgodnie z podobną zasadą malarstwa Seurata, za pół wieku zadziała kolorowy telewizor.
3. Dlaczego na zdjęciach jest tyle nagich ludzi?
Fragment fresku Michała Anioła „Stworzenie Adama”.
Nawet starożytni Grecy wierzyli, że nagie ciało jest niesamowicie piękne.
W sztuce najczęściej nagość - to jest symbol. Symbol nowego życia, szczerości, bezradności żywej istoty, a także życia i śmierci.
Poza tym nic nie powoduje tak silne emocje widz, jak nagość. Może to być zainteresowanie, zakłopotanie, wstyd lub podziw.
4. Dlaczego wszystko jest takie płaskie i generalnie nierealistyczne?
Obraz czeskiego artysty Bohumila Kubishty „Hipnotysta”.
Być może jedno z najczęstszych oskarżeń przeciwko współczesnym mistrzom brzmi tak: artyści zapomnieli, jak zdawać się oddawać rzeczywistość. Stąd błędne przekonanie, że przedmioty wyglądają płasko.
Ale spójrzmy na przykład na płótna kubiści. Przełamują perspektywę, ale jednocześnie przedstawiają przedmioty pod różnymi kątami i nawet w różnym czasie. Dlatego nie można powiedzieć, że obraz na płótnie jest dwuwymiarowy.
Nie trzeba już rysować „wygląda jak” - zdjęcie może to zrobić. Dlatego należy szukać odpowiedzi na pytanie, dlaczego artysta na tym lub innym obrazie przedstawił rzeczywistość jako płaską, konieczne jest w samym pomysł autora. Usuwając niektóre szczegóły obrazu, artysta skupia się na innych. Upraszczając obraz, on
Ale profesjonalny artyści awangardowi XIX–XX wieku mieli za sobą wykształcenie artystyczne i mocne podstawy. Oni są mógłby pisać w dowolny sposób ale w pewnym momencie postanowiłem zrobić to w ten sposób naśladując prymitywistów. Jak mówią, było to zamierzone, ponieważ jest to zupełnie nowy (a zatem interesujący dla tych, którzy są zmęczeni starym) sposób wpływania na widza.
Artyści zrobiliby świetną robotę z obrazem utrzymanym w duchu akademickiego klasycyzmu, dlatego było to dla nich nudne. Młody Picasso malował wzruszające i dość realistyczne portrety. Ale dojrzały artysta wybrał dla siebie drogę, która szokuje, pobudza oko, co pomaga zademonstrować chłodną kolorystykę i wyczucie formy.
6. Czy obrazy muszą być piękne?
Piękno nie oznacza sztuki, a sama sztuka nie zawsze przedstawia piękno. Każdy ma inne wyobrażenie o pięknie, a opinii pojedynczej osoby nie można uznać za standard.
Odejdźmy od malarstwa i narysujmy paralelę z kinem. Wśród historyków sztuki spotykamy się z taką opinią: powiedzieć, że obrazy muszą być na pewno piękne, to to samo, co powiedzieć, że prawdziwy film to tylko komedia romantyczna lub melodramat ze szczęśliwym zakończeniem. I dramaty psychologiczne, filmy akcji, thrillery - to wcale nie jest film. Zgadzam się, jest w tym logika.
Sztuka (w tym malarstwo) musi mówić językiem swoich czasów. Aby cieszyć się dowolnym obrazem, nawet realistycznym, musisz wiedzieć, co jest na nim przedstawione. Na wystawach najczęściej czytamy podpisy pod płótnami, a nawet korzystamy z audioprzewodnika.
Jaki obraz jest Ci bliski?
Biolodzy i kognitywiści uważają, że idee harmonii są zakorzenione w naszych mózgach, co pozwala nam być wrażliwymi na piękno form w przyrodzie. Przypuszczalnie lubimy jasne kolory, ponieważ umiejętność ich rozróżniania jest jednym z mechanizmów adaptacyjnych, które pozwoliły naszemu gatunkowi przetrwać. Intuicyjnie cieszą nas symetryczne twarze i harmonijne wzory, a obraz radosnych, pozytywnych historii sprawia naturalną przyjemność.
Jednocześnie nie wymagamy od artysty, aby swoją pracą na pewno „nas upiększył”.
Do obiektów sztuki stosuje się szersze kryteria, a samo pojęcie piękna jako kategorii wartościującej w sztuce współczesnej zostało zdekonstruowane. Czy Czarny Kwadrat jest piękny? A co z fontanną Marcela Duchampa? A co z występem Mariny Abramowicz „Rytm 0”? Każde z tych dzieł sztuki jest ideą ucieleśnioną w materiale lub działaniu iw żadnym wypadku artysta nie starał się zadowolić receptorów innych ludzi.
Artyści zawsze mieli powody, by przedstawiać kompleks, brzydki lub dziwaczny. Jednocześnie potoczna opinia głosi, że „wcześniej” (w warunkowej epoce klasycznej) artyści nie wypaczyli jeszcze istoty sztuki i woleli „pięknie rysować”. Jednak w kulturze europejskiej koncepcja artystyczna brzydoty pojawiła się znacznie wcześniej niż sztuka współczesna.
Filozofowie i teologowie o brzydocie
Obok teorii piękna, odzwierciedlonej w koncepcjach filozoficznych i dziełach sztuki, zawsze istniała teoria brzydoty, w której brzydota i brzydota mogły być fabułą godną przedstawienia. Brzydota jako przedmiot sztuki już teraz interesuje ludzi średniowiecza – jeśli mówimy o utalentowanym obrazie, który w pełni oddaje ideę brzydoty. W takim przypadku przedmiotem podziwu nie będzie sam straszny czy odrażający obraz, ale kunszt, z jakim jest wykonany.
Johan Huizinga zauważa, że dopiero w roku 1400 malarstwo osiągnęło poziom umiejętności pozwalający w pełni przekazać takie tematy. W szczególności łączy się z tym stosunkowo późne wprowadzenie w malarstwie tak szeroko rozpowszechnionych tematów jak „Triumf śmierci” i „Sąd Ostateczny”. Mniej więcej to samo stało się z obrazami cierpienia męczenników.
Męka Świętych: Ból i Piękno
„estetyka męczeństwa”, przejawiająca się w najwyższym stopniu w obrazach Męki Pańskiej, rozkwitła w epoce dojrzałego średniowiecza i przeszła do sztuki renesansowej. We wczesnym średniowieczu częściej spotykano uproszczone przedstawienia ukrzyżowania niż szczegółowe obrazy. To samo dotyczy zdjęć przedstawiających tortury męczenników.
Jednak model antropocentryczny przewidywał zainteresowanie osobą, a co za tym idzie, osobiste przeżywanie cierpienia.
Jeśli w średniowieczu na to pytanie patrzyło się od strony budującej, to artystów renesansu zaczęły interesować momenty czysto malownicze: poprawny przekaz anatomii, perspektywa. Większa dbałość o fizyczność przejawiała się w obrazach cierpiących świętych – był to legalny sposób malowania nagich ciał ludzkich i zwracania uwagi na doznania fizyczne.
Tłumaczy to tendencję do pewnej estetyzacji męki cielesnej świętych. Skorygowane kompozycje, pełne wdzięku pozy męczenników - to znaki takich obrazów. Piękno ciała stało się przedmiotem wnikliwej analizy. Kultura artystyczna tej epoki odzwierciedla zainteresowanie człowieka różnymi przejawami, w tym cierpieniem.
Niesamowite i dziwaczne
Jest jeszcze inny obszar doznań estetycznych, po części sąsiadujący z brzydotą – ale bez tak ponurej kolorystyki. Doświadczenie to było pożądane zarówno w średniowieczu, kiedy wszystkie przedmioty nosiły znaczenia symboliczne, jak iw kulturze renesansu z jej zainteresowaniem różnymi zjawiskami świata materialnego. Mówimy o kategorii niesamowitych, dziwacznych i dziwacznych.
Ludzie w przeszłości niewiele dzielili "cuda" ze względu na pochodzenie - mistyczne obrazy i dziwactwa natury były postrzegane jako zjawiska jednorodne.
Pasja do zbierania ciekawostek, która wyróżniała zarówno przyrodników, jak i monarchów, świadczy o chęci dotknięcia tajemnic wszechświata. Na przykład kolekcja cesarza Rudolfa II zawierała zarówno dzieła sztuki, jak i fragmenty ciał legendarnych zwierząt. Magiczne i naukowe, symboliczne i estetyczne – te pojęcia były ściśle splecione w gabinetach osobliwości.
Dziś mamy dostęp do każdego materiału wizualnego, a ludzie minionych epok mieli go znacznie mniej. Niska mobilność społeczna, siedzący tryb życia większości ludzi i analfabetyzm nie pozwalały na poszerzanie obrazu świata. Dlatego nowe obrazy - na zdjęciach lub opowiadaniach - były bardzo poszukiwane i robiły niesamowite wrażenie.
Opowieści z podróży w odległych krajach były bardzo popularnym gatunkiem średniowiecznym. W opowieściach o podróżach na wschód pojawia się wiele wyimaginowanych stworzeń, które choć nie są przerażające i brzydkie, są legendarne i naruszają utarte kanony. Opowieściom towarzyszyły odpowiednie obrazy wykonane zgodnie z tym, co zasłyszano. Podziw, jaki wzbudzają te obrazy, ma charakter estetyczny – co więcej, wiele z przedstawionych stworzeń czy zjawisk wcale nie jest pięknych. Wiążąca się z nimi moc rozrywki, propozycja spektaklu, legendarny status – to właśnie przyciąga do nich widza.
XII-wieczny List Prezbitera Jana odniósł ogromny sukces i wywarł wielki wpływ na umysły jemu współczesnych, zarówno w sensie estetycznym, jak i politycznym. Słynna księga Marco Polo poświęcona jest dalekim wędrówkom. Oprócz danych, które można pomylić z prawdziwymi informacjami historycznymi, jest wystarczająco dużo przesady i ciekawostek. Na przykład w opisie Java Minor (Sumatra) Polo twierdzi, że widział jednorożca, ale nie był tak piękny i potulny, jak o nim mówiono, i dlatego przyniósł jedno rozczarowanie.
Znajdują się tu dzikie słonie i jednorożce, nie mniej niż słonie; ich włosy są jak u bawołów, a na nogach słonia pośrodku czoła znajduje się gruby i czarny róg; gryzą, powiadam wam, językiem; mają długie kolce na swoich językach i gryzą swoimi językami. Z wyglądu zwierzę jest brzydkie. Nie są takie, jak je opisujemy; nie ulegną dziewicy: wcale nie to, co nam o nich powiedziano.
Marco Polo Księga Cudów Świata
W sztukach wizualnych przykładem kapryśności są ilustracje do książki rzymskiego pisarza Juliusa Obsequenta z XV wieku. Mistrz, który je stworzył, nazywa się imieniem Mistrz Busiko – od nazwy innej serii prac przez niego stworzonych („Godziny Marszałka Busiko”). Dla ludzi Renesansu traktat czytał się jak połączenie podręcznika historii i powieści fantasy - nawet jeśli niektórzy z nich wątpili, że kamienny deszcz naprawdę spadł na którąkolwiek z prowincji, ciekawie było o tym przeczytać. Co powiedzieć o obrazach potwornych stworzeń!
Miniatury w książkach z dziedziny geografii i historii przedstawiały legendarne stworzenia - jednorożce, skrzydlate i bezskrzydłe smoki, cynocefal (psiglavtsy), cyklopa, jednonożnych heschiapodów. Klasyczny kanon estetyczny w przedstawieniach stworzeń jest bez wątpienia zniekształcony: nikomu nie przyszłoby do głowy nazwać atrakcyjną postacie z twarzą umieszczoną na piersi.
Jednocześnie nie niosą zagrożenia, które tkwią w obrazach piekielnych mąk, a wzbudzają zainteresowanie. Łatwo wyobrazić sobie renesansowego uczonego, który z otwartymi ustami zachłannie patrzy na takie obrazy.
Znamy bardziej złożone sposoby doświadczania estetycznego niż tylko „piękne”. Uważamy, że matowe, „zakurzone kolory” są przepiękne i cenimy radykalną czerń. Naszą wyobraźnię pobudzają kontrasty – eleganckie i szorstkie, wzniosłe i niskie. Widzimy piękno w wadach i wadach, wierząc, że czasami tworzą one coś doskonałego, naprawdę wyjątkowego. Widzimy ekscytujące w przerażających i uwielbiamy łaskotać nasze nerwy. Jesienne deszcze i gorąca lawa wulkanów wydają nam się piękne.
Zmysł estetyczny był złożony i niejednoznaczny w różnych epokach – także tych, w których powstawały miniatury książkowe i klasyczne płótna.
Patrząc na rzeczy oczami innych czasów, zauważymy, że byli oni również świadomi złożonych doświadczeń na granicy odrzucenia i zainteresowania, ciekawości badacza i podziwu dla talentu artystycznego mistrza, bez względu na wszystko on przedstawiany.
Życie ludzi kreatywnych jest zawsze, w taki czy inny sposób, otoczone nie tylko zasłoną tajemnicy, ale także wszelkiego rodzaju plotkami. Która z nich jest prawdziwa, a która fikcją kultywowaną od wieków?
Mit 1. Wszyscy artyści piją
Dlaczego nie kucharze, sprzedawcy, nauczyciele matematyki czy dozorcy? Tak, ponieważ niektórzy ludzie muszą zatankować „dla inspiracji”. Nie ma wątpliwości, że niektórzy malarze naprawdę przywołują muzę czterdziestostopniowymi metodami, a nawet narkotykami. Wielu wspaniałych ludzi nie stroniło od zielonego węża: Modigliani, Savrasov (a tu są jednocześnie dwa stereotypy: nie tylko jest artystą, ale także Rosjaninem!), Van Gogh, Gauguin i inni. Więc co? Czy naprawdę mało było pijących wśród przedstawicieli innych dziedzin działalności? Jelcyn, Stalin, Piotr Wielki, Aleksander Wielki nie byli dostrzegani w pasji do malarstwa, ale w zamiłowaniu do alkoholu - to mile widziane.
Mit 2. Wszyscy artyści są biedni
Mit 3. Wszyscy artyści są bogaci
I znowu nie! Historia zdaje się znać mniej takich przykładów. Statystyki przemawiają na korzyść portrecistów, którzy preferowali realizm lub upiększali przedstawiane. Portrety bogatych (od szlachty po cesarza) są chłodniejsze niż kopalnia złota. Faworyci Katarzyny II nerwowo palą na uboczu. A jednak przykłady z poprzedniego akapitu sprowadzają na ziemię współczesnych marzycielskich artystów ze świata różowych słoni. Jak sprzedać pracę w odpowiedniej cenie jest omówione w moim artykule „Za ile sprzedać obrazy? »
Mit 4. Artyści oszczędzają na prezentach
Dał zdjęcie - i zamów. Nie będę mówił o koszcie alternatywnym (czyli czasie, jaki malarz mógłby poświęcić na sprzedaż obrazu). Chodzi o materialną stronę problemu. Farby, pędzle i inne materiały eksploatacyjne kosztują, zwłaszcza płótna na noszach: cena zwykłego płótna 40x50 to średnio 500-700 rubli. A teraz dodaj spersonalizowaną bagietkę o wartości kilku tysięcy rubli i passe-partout, jeśli mówimy o akwarelach! „Domowe” kosztuje mnie kilka razy więcej niż zakupiony prezent.
Mit 5. Wszyscy wielcy artyści to mężczyźni.
O nie, wcale nie jestem feministką, wręcz przeciwnie. Ale wciąż stwierdzając fakt: od wieków kobietom nie wolno było szczególnie angażować się w kreatywność. A gdy tylko było to dozwolone, Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassett i Berthe Morisot wspięły się na malowniczy Olimp. Pisali na równi z mężczyznami, nie gorzej! A teraz idź do dowolnego studia artystycznego - publiczność jest taka sama jak u fryzjera (dwóch facetów na dziesięć dziewczyn). Przeczytaj więcej o znanych artystach w artykule ”
