Dominuje na scenie artystycznej od lat 90. XX wieku.

W latach 80. Goldsmith College był uważany za innowacyjny: w przeciwieństwie do innych szkół, które gromadziły uczniów, którym nie udało się dostać do prawdziwego college'u, Goldsmith School przyciągała wielu utalentowanych uczniów i pomysłowych nauczycieli. Goldsmith wprowadził innowacyjny program, który nie wymagał od uczniów rysowania ani malowania. W ciągu ostatnich 30 lat ten model edukacji stał się powszechny na całym świecie.

Jako uczeń szkoły Hirst regularnie odwiedzał kostnicę. Później zauważy, że wiele tematów jego prac się tam wywodzi.

Kariera

W lipcu 1988 roku Hirst był kuratorem słynnej obecnie wystawy Freeze w pustym budynku Zarządu Portu Londyńskiego w londyńskich dokach; na wystawie zaprezentowano prace 17 uczniów szkoły oraz własne dzieło - kompozycję kartonowych pudeł, pomalowanych farbami lateksowymi. Sama wystawa zamrażać był także owocem pracy Hirsta. Sam wybrał prace, zamówił katalog i zaplanował ceremonię otwarcia.

zamrażać stał się punktem wyjścia dla kilku artystów YBA; ponadto uwagę Hirsta zwrócił znany kolekcjoner i mecenas sztuki Charles Saatchi.

W 1989 Hirst ukończył Goldsmiths College. W 1990 roku wraz ze swoim przyjacielem Karlem Friedmanem zorganizował kolejną wystawę, Hazard, w Angarze, w pustym budynku fabryki Bermondsey. Saatchi odwiedził tę wystawę: Friedman wspomina, jak stał z otwartymi ustami przed instalacją Hirsta zatytułowaną Tysiąc lat, wizualną demonstracją życia i śmierci. Saatchi kupił to dzieło i zaoferował Hirstowi pieniądze na tworzenie przyszłych prac.

Tak więc za pieniądze Saatchi w 1991 roku powstała Fizyczna Niemożliwość śmierci w umyśle żywego człowieka, czyli akwarium z rekinem tygrysim, którego długość sięgała 4,3 metra. Praca kosztowała Saatchi 50 000 funtów. Rekin został złapany przez upoważnionego rybaka w Australii i został wyceniony na 6000 funtów. W rezultacie Hirst został nominowany do nagrody Turnera, którą otrzymał Greenville Davey. Sam rekin został sprzedany w grudniu 2004 roku kolekcjonerowi Steve'owi Cohenowi za 12 milionów dolarów (6,5 miliona funtów).

Pierwsze międzynarodowe uznanie Hirsta przyszło artyście w 1993 roku na Biennale w Wenecji. Jego praca „Oddzielona matka i dziecko” to części krowy i cielęcia umieszczone w osobnych akwariach z formaldehydem. W 1997 roku ukazała się autobiografia artysty „Chcę spędzić resztę życia wszędzie, ze wszystkimi, jeden do jednego, zawsze, na zawsze, teraz”.

Najnowszy projekt Hirsta, który narobił wiele hałasu, to naturalnej wielkości przedstawienie ludzkiej czaszki; sama czaszka została skopiowana z czaszki około 35-letniego Europejczyka, który zmarł w latach 1720-1910; prawdziwe zęby w czaszce. Kreacja inkrustowana jest 8601 diamentami przemysłowymi o łącznej wadze 1100 karatów; zakrywają go całkowicie, jak chodnik. Na środku czoła czaszki znajduje się duży 52,4 karatowy standardowy bladoróżowy diament o szlifie brylantowym. Rzeźba nosi nazwę For the Love of the Lord i jest najdroższą rzeźbą żyjącego autora - 50 milionów funtów.

W 2011 roku Hirst zaprojektował okładkę albumu Red Hot Chili Peppers „I'm with you”.

Pracuje

Istnieje opinia, że ​​artysta może być albo skrajnie bogaty, albo skrajnie biedny. Można to zastosować do osoby, która zostanie omówiona w tym artykule. Nazywa się - i jest jednym z najbogatszych żyjących artystów.

Według Sunday Times, według ich szacunków, artysta ten był najbogatszym na świecie w 2010 roku, a jego majątek oszacowano na 215 milionów funtów.

Praca Damiena Hirsta

W sztuce współczesnej ten człowiek przyjmuje rolę „twarzy śmierci”. Wynika to częściowo z tego, że używa materiałów, które nie są przyzwyczajone do tworzenia dzieł sztuki. Wśród nich warto zwrócić uwagę na obrazy martwych owadów, części martwych zwierząt w formaldehydzie, czaszkę z prawdziwymi zębami itp.

Jego prace wywołują u ludzi jednocześnie szok, wstręt i zachwyt. W tym celu kolekcjonerzy z całego świata są gotowi oddać ogromną sumę pieniędzy.

Artysta urodził się w 1965 roku w Bristolu. Jego ojciec był mechanikiem i opuścił rodzinę, gdy jego syn miał 12 lat. Matka Damiana pracowała w biurze konsultingowym i była artystką amatorem.

Przyszłe „oblicze śmierci” w sztuce współczesnej prowadziło aspołeczny styl życia. Był dwukrotnie aresztowany za kradzież w sklepie. Ale mimo to młody twórca studiował w School of Art w Leeds, a następnie wstąpił do London College o nazwie Goldsmith College.

Ta instytucja była dość innowacyjna. Różnica w stosunku do innych polegała na tym, że inne szkoły po prostu przyjmowały uczniów, którzy nie mieli umiejętności wstąpienia do prawdziwego college'u, a Goldsmiths College zgromadził wielu utalentowanych uczniów i nauczycieli. Mieli własny program, do którego nie trzeba było umieć rysować. Ostatnio ta forma szkolenia zyskała na popularności.

Jako student lubił odwiedzać kostnicę i tam robić szkice. To miejsce położyło podwaliny pod przyszłe tematy prac.

Od 1990 do 2000 roku Damien Hirst miał problemy z narkotykami i alkoholem. W tym czasie zdołał popełnić wiele różnych wybryków, będąc w stanie odurzenia.

Drabina kariery artysty

Hirst po raz pierwszy zainteresował się publicznością na wystawie „Freeze”, która odbyła się w 1988 roku. Na tej wystawie Charles Saatchi zwrócił uwagę na twórczość tego artysty. Ten człowiek był słynnym potentatem, ale był także zapalonym miłośnikiem sztuki i kolekcjonerem sztuki. Kolekcjoner kupił dwie prace Hirsta w ciągu roku. Potem Saatchi często kupował dzieła sztuki od Damiena. Można naliczyć około 50 prac, które zostały przez tę osobę kupione.

Wspomniany artysta już w 1991 roku postanowił zorganizować własną wystawę zatytułowaną In and Out of Love. Nie poprzestał na tym i zorganizował jeszcze kilka wystaw, z których jedna odbyła się w

W tym samym roku powstało jego najsłynniejsze dzieło, zatytułowane „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żyjących”. Powstał kosztem Saatchi. Praca wykonana przez Damiena Hirsta, której zdjęcie jest nieco niższe, to pojemnik z dużym pojemnikiem zanurzonym w formaldehydzie.

Na zdjęciu może się wydawać, że rekin jest dość mały, ale w rzeczywistości miał 4,3 metra.

Skandale

W 1994 roku na wystawie, której kuratorem był Damien Hirst, doszło do skandalu z artystą Markiem Bridgerem. Do tego incydentu przyczyniła się jedna z prac „Uduszona ze stada”, czyli owca zanurzona w formaldehydzie.

Marek przyszedł na wystawę, na której pokazywano to dzieło sztuki i jednym ruchem wlał do pojemnika puszkę atramentu i ogłosił nową nazwę tego dzieła - "Czarna Owca". Damien Hirst pozwał go za akt wandalizmu. Na rozprawie Mark próbował wyjaśnić ławie przysięgłych, że chciał tylko uzupełnić pracę Hirsta, ale sąd go nie zrozumiał i uznał za winnego. Nie mógł zapłacić grzywny, ponieważ był wówczas w złym stanie, więc dostał tylko 2 lata próby. Jakiś czas później stworzył własną Czarną Owcę.

Kredyty Damiena

W 1995 roku w życiu artysty wydarzyła się ważna data - nominowany do nagrody Turnera. Praca zatytułowana „matka i dziecko w separacji” przyczyniła się do tego, że laureatem tej nagrody został Damien Hirst. Artysta połączył w tej pracy 2 pojemniki. W jednym z nich była krowa w formaldehydzie, aw drugim cielę.

Ostatnia „głośna” praca

Najnowszym dziełem, które wywołało poruszenie, jest Damien Hirst, który wydał na to sporo pieniędzy. Dzieło, którego zdjęcie pokazuje już wszystkie jego wysokie koszty, Damien Hirst jeszcze nie miał.

Nazwa tej instalacji to „Z miłości do Boga”. Przedstawia ludzką czaszkę pokrytą diamentami. Do tego stworzenia użyto 8601 diamentów. Całkowita wielkość kamieni to 1100 karatów. Ta rzeźba jest najdroższą ze wszystkich istniejących przez artystę. Jego cena to 50 milionów funtów. Potem rzucił nową czaszkę. Tym razem była to czaszka dziecka, którą nazwano „Na litość boską”. Zastosowanym materiałem była platyna i diamenty.

W 2009 roku, po tym, jak Damian Hirst zorganizował wystawę „Requiem”, która wywołała burzę niezadowolenia ze strony krytyków, ogłosił, że skończył z instalacjami i znów będzie malował zwyczajnie.

Pogląd na życie

Na podstawie wywiadu artysta nazywa siebie punkiem. Mówi, że boi się śmierci, bo prawdziwa śmierć jest naprawdę straszna. Według niego to nie śmierć dobrze się sprzedaje, a jedynie strach przed śmiercią. Jego poglądy na religię są sceptyczne.

Tekst: Ksiusza Pietrowa

Dziś w Moskwie Galeria Gary Tatintsyan otwiera się pierwsza od 2006 roku wystawa Damiena Hirsta – brytyjskiego artysty, którego nie na próżno nazywa się „wielkim i strasznym”, porównując albo z geniuszami renesansu, albo z rekinami z Wall Street. Hirst jest uważany za najbogatszego żyjącego autora, co tylko podsyca kontrowersje wokół jego twórczości. Odkąd Charles Saatchi dosłownie z otwartymi ustami patrzył na instalację „Tysiąc lat” – spektakularną i ponurą ilustrację całej drogi życia od narodzin do śmierci – szum wokół metod twórczych i wartości estetycznej pracy Hirsta nie ucichł , z czego sam artysta oczywiście tylko się cieszy. Opowiadamy, dlaczego prace Hirsta naprawdę zasługują na ogromną uwagę, jaką otrzymują, i staramy się zrozumieć wewnętrzny świat artysty – o wiele bardziej niejednoznaczny i subtelny, niż mogłoby się wydawać z zewnątrz.

Z dala od stada, 1994

Hirst ma teraz pięćdziesiąt jeden lat, a dziesięć lat temu całkowicie rzucił palenie, narkotyki i alkohol – są duże szanse, że jego kariera potrwa jeszcze kilkadziesiąt lat. Jednocześnie trudno sobie wyobrazić, jaki mógłby być kolejny krok artysty tej rangi – Hirst reprezentował już swój kraj na ceremonii otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Londynie, nakręcił teledysk dla grupy Blur, nakręcił najwięcej drogie dzieło sztuki na świecie (platynowa czaszka inkrustowana diamentami), w warsztatach na niej zatrudnia ponad stu sześćdziesięciu pracowników (Andy Warhol nigdy o czymś takim nie marzył ze swoją „Fabryką”), a jego majątek przekracza miliard dolarów. Wizerunek awanturnika, który rozsławił Hirsta, wraz z jego serią alkoholizowanych zwierząt w latach 90., stopniowo zmieniał się na spokojniejszy: choć artysta nadal kocha skórzane spodnie i pierścionki z czaszkami, nie pokazywał swojego penisa nieznajomym przez jakiś czas. od dawna, jak to robił w „latach militarnej chwały”, i coraz bardziej przypomina odnoszącego sukcesy przedsiębiorcę niż gwiazdę rocka, choć w rzeczywistości jest i jednym i drugim.

Hirst tłumaczy swój niezwykły sukces komercyjny tym, że miał większą motywację do zarabiania pieniędzy niż pozostali członkowie stowarzyszenia Young British Artists, którym kierował (podczas studiów w Goldsmiths Hirst zorganizował legendarną wystawę Freeze, która przyciągnęła uwagę m.in. wybitnych właścicieli galerii do młodych artystów). Dzieciństwa Hirsta nie można nazwać bezpiecznym i szczęśliwym: nigdy nie widział swojego biologicznego ojca, ojczym opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał dwanaście lat, a jego katolicka matka desperacko opierała się próbom syna, by stać się częścią bardzo wówczas młodej subkultury punkowej.

Mimo to wspierała jego zajęcia plastyczne - być może z desperacji, bo Hirst był trudnym nastolatkiem i wszystkie przedmioty, z wyjątkiem rysunku, były mu dawane z trudem. Damien regularnie wpadał w drobne kradzieże sklepowe i inne nieprzyjemne historie, ale jednocześnie zdołał naszkicować w miejscowej kostnicy i przestudiować atlasy medyczne, które były źródłem inspiracji dla jego ulubionego autora, ponurego ekspresjonisty Francisa Bacona. Obrazy Bacona wywarły silny wpływ na Hirsta: uśmiech słynnego alkoholizowanego rekina przypomina motyw otwartych w płaczu ust Bacona, prostokątne akwaria to klatki i postumenty, które nieustannie odnajdujemy na płótnach Bacona.

Kilka lat temu Hirst, który nigdy nie występował na polu tradycyjnego malarstwa, zaprezentował publiczności serię własnych obrazów, wyraźnie inspirowanych twórczością Bacona – i poniósł sromotną porażkę: krytycy nazwali nowe prace Hirsta żałosną parodią obrazy mistrza i porównał je z „maźcem nowicjusza, który nie pokłada wielkich nadziei”. Być może te zjadliwe recenzje zraniły uczucia artysty, ale wyraźnie nie wpłynęły na jego produktywność: z pomocą asystentów, którzy wykonują całą rutynową pracę, Hirst kontynuuje niekończącą się serię płócien z wielokolorowymi kropkami, „rotacyjnymi” obrazami tworzonymi przez przewijanie puszek farby w wirówce, instalacje z tabletami i na skalę przemysłową daje znakomicie sprzedające się prace.

← «Bez tytułu AAA», 1992

Chociaż Hirst zawsze powtarzał, że pieniądze to przede wszystkim środek do produkcji sztuki na dużą skalę, nie można zaprzeczyć, że ma niezwykły talent do przedsiębiorczości – równy, jeśli nie przewyższający w skali talent artystyczny. Brytyjczyk, nie wyróżniający się skromnością, wierzy, że wszystko, czego dotknie, zamienia się w złoto – i wydaje się to być prawdą: nawet w depresyjnym 2008 roku organizowana przez Hirsta dwudniowa aukcja jego prac w Sotheby's, przekroczył wszelkie oczekiwania i pobił rekord aukcji Picassa. Hirst, który wygląda jak zwykły gość z Leeds, nie waha się zarobić na przedmiotach, które wydają się obce sztuce wysokiej - czy to pamiątkowe deskorolki za sześć tysięcy dolarów, czy modna londyńska restauracja "Pharmacy", zaprojektowana w duchu cykl artysty „apteka”. Nabywcami prac Hirsta są nie tylko absolwenci Oxfordu z dobrych rodzin, ale także nowa warstwa kolekcjonerów – tych, którzy wyszli z dna i zbili fortunę od podstaw, jak sam artysta.

Status celebryty Hirsta i oszałamiający koszt jego pracy często utrudniają dostrzeżenie ich istoty - a szkoda, bo idee w nich zawarte są nie mniej imponujące niż przetarte tusze krowie w formaldehydzie. Nawet w tym, co wydaje się być w 100% kiczem, Hirst ma ironię: jego słynna czaszka wysadzana diamentami, sprzedana za sto milionów dolarów, nazywa się „Z miłości do Boga” (wyrażenie, które można dosłownie przetłumaczyć jako „W imię miłości Bożej” jako przekleństwo znużonego człowieka: „Cóż, z miłości do wszystkiego, co święte!”). Według artysty do stworzenia tego dzieła zainspirowały go słowa matki, która kiedyś zapytała: „Boże, zmiłuj się, co dalej?” („Na miłość boską, co zamierzasz dalej?”). Niedopałki, z maniakalną pedanterią rozłożoną w oknie, to sposób liczenia czasu życia: jak zwierzęta w formalinie i diamentowa czaszka nawiązująca do klasycznej fabuły memento mori, palone papierosy przypominają o kruchości istnienia, które z całym naszym pragnieniem nie jest w stanie uchwycić naszego umysłu. A wielobarwne kubki i niedopałki papierosów, i półki z lekarstwami - próba usprawnienia tego, co nas oddziela od śmierci, wyrażenia ostrości bycia w tym ciele iw tej świadomości, która w każdej chwili może się urwać.

"Klaustrofobia/Agorafobia", 2008

W swoich wywiadach Hirst coraz częściej mówi, że w młodości czuł się wiecznie, a teraz temat śmierci ma dla niego wiele innych niuansów. – Stary, mój najstarszy syn, Connor, ma już szesnaście lat. Kilku moich znajomych już zmarło, a ja się starzeję – wyjaśnia artysta. „Nie jestem już draniem, który próbował krzyczeć na cały świat”. Jako zagorzały ateista Hirst regularnie powraca do tematów religijnych, bezlitośnie je analizując i powtarzając w kółko, że istnienie Boga jest niemożliwe w taki sam sposób, jak „śmierć w umyśle żyjących”.

Seria prac z żywymi i martwymi motylami ucieleśnia refleksję artysty na temat piękna i jego kruchości. Najwyraźniej tę ideę wyraża instalacja „W miłości i z miłości”: kilka tysięcy motyli wylęga się z kokonów, żyje i umiera w przestrzeni galerii, a ich ciała przyklejone do płócien przypominają o kruchości piękna. Podobnie jak dzieła dawnych mistrzów, pożądane jest, aby dzieła Hirsta przynajmniej raz na żywo: zarówno memetyczna „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żyjących”, jak i „Oddzielona matka i dziecko” wywołują zupełnie inne wrażenie jeśli staniesz obok nich. Te i inne prace z cyklu Historii Naturalnej nie są prowokacją dla samej prowokacji, ale przemyślaną i liryczną wypowiedzią na temat fundamentalnych kwestii ludzkiej egzystencji.

Jak mówi sam Hirst, w sztuce, jak we wszystkim, co robimy, jest tylko jedna idea - poszukiwanie odpowiedzi na główne pytania filozofii: skąd pochodzimy, dokąd zmierzamy i czy to ma sens? Pijany rekin, inspirowany wspomnieniami Hirsta z dzieciństwa z horroru „Szczęki”, konfrontuje naszą świadomość z paradoksem: dlaczego czujemy się nieswojo przy padlinie śmiertelnego zwierzęcia, bo wiemy, że nie może nam ono zaszkodzić? Czy to, co czujemy, jest jednym z przejawów irracjonalnego lęku przed śmiercią, który zawsze czai się gdzieś na granicy świadomości – a jeśli tak, to jak wpływa to na nasze działania i codzienne życie?

Hirst niejednokrotnie był krytykowany za metody twórcze i ostre wypowiedzi: na przykład w 2002 roku artysta musiał publicznie przeprosić za porównanie zamachów z 11 września z procesem artystycznym. Żywy klasyk potępił Hirsta za to, że nie wykonywał pracy własnymi rękami, ale korzystał z pracy asystentów, a krytyk Julian Spalding ukuł nawet parodyczny termin „Con Art”, który można przetłumaczyć jako „konceptualizm dla frajerów”. Nie można powiedzieć, że wszystkie oburzone krzyki pod adresem Hirsta były bezpodstawne: artysta był wielokrotnie skazywany za plagiat, a także oskarżany o sztuczne zawyżanie cen za swoje prace, nie mówiąc już o wypowiedziach Towarzystwa Ochrony Praw Zwierząt, które zostało zaniepokojony warunkami przetrzymywania motyli w muzeum. Być może najbardziej absurdalnym konfliktem związanym z nazwiskiem skandalicznego Brytyjczyka jest jego konfrontacja z szesnastoletnim artystą Carthrainem, który sprzedawał kolaże z fotografią Hirsta „Z miłości do Boga”. Multimilioner artysta pozwał nastolatka o dwieście funtów, które zarobił na swoich kolażach, co wywołało oburzenie wśród przedstawicieli rynku sztuki.

← Zaczarowana, 2008

Konceptualizm Hirsta nie jest tak bezduszny, jak mogłoby się wydawać: rzeczywiście, artysta rodzi pomysł, a w realizację zaangażowanych jest dziesiątki jego bezimiennych asystentów - jednak praktyka pokazuje, że Hirst naprawdę dba o los swoich prac. Przypadek tego samego alkoholizowanego rekina, który zaczął się rozkładać, stał się jedną z ulubionych anegdot świata sztuki. Charles Saatchi postanowił uratować pracę, napinając skórę cierpliwie cierpiącej ryby na sztucznej ramie, ale Hirst odrzucił przerobioną pracę, mówiąc, że nie robi już tak przerażającego wrażenia. W rezultacie zniszczona już instalacja została sprzedana za dwanaście milionów dolarów, ale pod naciskiem artysty rekin został wymieniony.

Przyjaciel i kolega Hirsta z YBA, Mat Collishaw, opisuje go jako „chuligana i estetę”, a jeśli wszystko jest jasne w części chuligana, to często zapomina się o stronie estetycznej: być może niezwykły talent artystyczny Hirsta można docenić tylko w ekspozycjach prac z jego obszernego

Jak sprzedać martwego rekina za 12 milionów dolarów?

Krwawa sława rekinów zapewniła im popularność nie tylko wśród mieszkańców nadmorskich miejscowości, ale także wśród liderów biznesu, którzy z powodzeniem otaczają te groźne ryby.

Sprzedaż martwej ryby za 12 milionów dolarów to transakcja, o której większość biznesmenów, którzy odnieśli sukces, prawdopodobnie nawet nie marzy.

Okazało się jednak, że jest to całkiem w mocy nowojorskiego magnata reklamowego, słynnego kolekcjonera sztuki Charlesa Saatchi.

Początki historii zmarłych sięgają 1991 roku, kiedy to sam modny brytyjski artysta Damien Hirst, zgodnie ze swoim wyznaniem, wywiesił ogłoszenia kupna świeżo złowionego rekina na wybrzeżu australijskiego miasta Ipswich.

Niewiele obiecano - tylko 4 tysiące dolarów za schwytanie drapieżnika, a kolejne 2 tysiące - za to, że zwłoki zostaną pokryte lodem i wysłane samolotem do Anglii.

Żaden z rybaków nie wyobrażał sobie, że zwłoki te będą mogły później zbić fortunę!

Martwy rekin był potrzebny Hirstowi do stworzenia dzieła sztuki pod złożonym tytułem „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle osoby żyjącej” (Fizyczna niemożność śmierci w umyśle osoby żyjącej) – a Saatchi również to zamówił.

Potentat zapłacił artyście 50 000 funtów (wówczas około 100 000 dolarów) za stworzenie ekspozycji.

W rzeczywistości arcydziełem był 5-metrowy rekin zabalsamowany w formalinie.

Już wtedy kwota wydawała się tak śmieszna, że ​​słynny tygodnik „Słońce” spotkał się z nagłówkiem „50 tysięcy za rybę bez frytek!”

Minął zaledwie rok - a martwa zwłoki zaczęła się rozkładać z powodu nieudanej obróbki tkanek - płetwa grzbietowa odpadła, skóra pomarszczyła się i nabrała zielonego odcienia, formaldehyd w akwarium zmętniał.

Kuratorzy Galerii Saatchi, próbując jakoś uratować eksponat, dodali do zbiornika trochę wybielacza, ale to tylko przyspieszyło rozkład.

W końcu w 1993 roku poddali się, oskórowali zwłoki i naciągnęli je na mocną plastikową ramę. Martwy rekin był wciąż zielony.

Rekin w formalinie - sztuka bez granic

Mniej więcej w tym samym czasie obrońcy praw zwierząt, z pomocą mediów, podnieśli w gazetach zamieszki, oświadczając, że to nie sztuka, a zwykła kpina z trupa.

Co przeszkodziło Saatchi po prostu wyrzucić zgniłą rybę i zastąpić ją dokładnie taką samą, ale świeżą? Historycy sztuki odpowiadają na to pytanie kategorycznie - jeśli rekin zostanie w jakiś sposób zaktualizowany lub zmieniony, to nie będzie to samo dzieło. Podobnie jak w przypadku przemalowania Rembrandta, nie będzie to już Rembrandt.

W końcu Saatchi zdecydował się sprzedać eksponat. Mediatorem był słynny nowojorski marszand Larry Gagosian.

Kilku londyńskich kolekcjonerów i muzeów wykazywało stłumione zainteresowanie, ale żadne z nich nie wyraziło zdecydowanej chęci zakupu od dawna zepsutych martwych ryb.

12 milionów dolarów za martwą rybę

Najbardziej obiecującym ze wszystkich kupców był miliarder z Connecticut, kolekcjoner Steve Cohen. Kupił przedmiot.

12 milionów dolarów - cena zgniłej, na wpół upadłej, bezbarwnej ryby wstrząsnęła światowym rynkiem sztuki współczesnej.

I nie chodzi nawet o to, że ta kwota była największą na świecie, jaką kiedykolwiek zapłacono za pracę artysty za jego życia.

Steve Cohen, zarabiający ponad pół miliarda dolarów rocznie, bez problemu może sobie pozwolić na taki kaprys – proste obliczenia pokazują, że zakup kosztował go tylko pięć dni dochodu.

Ale czy takie nabycie jest dziełem sztuki? Opinie ekspertów, a nawet zwykłych ludzi są różne.

I podczas gdy ludzie się kłócą, czołg z najsłynniejszym martwym rekinem na świecie zbiera kurz w podziemiach galerii Steve'a Cohena.

Damien Hirst(Inż. Damien Hirst, ur. 7 czerwca 1965) jest współczesnym artystą angielskim. Jeden z najwybitniejszych członków grupy Young British Artists. Zdobywca nagrody Turnera z 1995 r. Szacunki z 2010 r. - najbogatszy artysta na świecie.

Biografia i kreatywność

Damien Hirst urodził się w 1965 roku w Bristolu (Anglia). Dorastał w Leeds. Jego ojciec opuścił rodzinę, gdy Hearst miał 12 lat, a matka nie była w stanie kontrolować syna. W młodości był dwukrotnie aresztowany za kradzież w sklepie.

Studiował w szkole artystycznej w Leeds, a następnie (po dwuletniej przerwie) w uznawanym wówczas za innowacyjny Goldsmith College (1986-1989), oferujący eksperymentalny program nauczania, który przyciągał tam wielu utalentowanych uczniów i nauczycieli. W tym czasie bardzo lubił twórczość Francisa Bacona, co znalazło odzwierciedlenie w jego przyszłych pracach. Jeszcze przed ukończeniem studiów, w lipcu 1988 był kuratorem wystawy Zamrażać gdzie prezentowane były m.in. własne instalacje. Należy zauważyć, że sama wystawa była pod wieloma względami projektem 23-letniego Hirsta i zapoczątkowała zarówno jego własną karierę, jak i kariery wielu innych artystów, z których wielu było również absolwentami złotnictwa. Tutaj Hirst został po raz pierwszy zauważony przez milionera i kolekcjonera sztuki Charlesa Saatchi, który był pod wielkim wrażeniem pracy artysty. Rok później, na drugiej wystawie Hirsta, kupił pracę „Tysiąc lat” i zaoferował pomoc finansową w tworzeniu kolejnych prac.

instalacja "Tysiąc lat" był rodzajem systemu ilustrującego takie globalne procesy jak życie i śmierć. Temat śmierci – temat kluczowy Hirsta – zajmuje już w tym dziele dominującą pozycję. Instalacja składała się z pojemnika na muchy, gnijącej krowiej głowy i elektrycznej packi na muchy. Z jaj wykluły się larwy, wpełzły do ​​pokarmu (głowa krowy), zamieniły się w muchy i padły w kontakcie z packą na muchy. Z biegiem czasu instalacja uległa zmianie – głowa stała się mniejsza, a trupów much było coraz więcej, a widz, przychodząc ponownie na wystawę, cały opisany powyżej proces widział w dynamice, obserwując nie tylko drogę życia much , ale także wynikiem tego procesu.

Za pieniądze z Saatchi Hirst stworzył dzieło zatytułowane „Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle żyjących”. Ta praca to martwy czterometrowy rekin w formaldehydzie. Położyła podwaliny pod szereg podobnych instalacji, z których jedna - „Oddzielona matka i dziecko”(dosłownie z angielskiego. "Matka i dziecko. Podzielony") - został zaprezentowany na Biennale w Wenecji i przyniósł Hirstowi międzynarodową sławę. Widz widzi tutaj stworzenia „zamrożone w śmierci”, coś przerażającego i odpychającego, coś, co już nie żyje, ale wciąż zachowuje swój łatwo rozpoznawalny wygląd. Czyli na przykład przed warunkowym widzem instalacji „Fizyczna niemożliwość…” nie ma rekina, już umarł i pozostała tylko jego skorupa. Ale „martwy” jest postrzegany przez widza tylko jako „nieożywiony”. Widzi „dawnych żyjących”, interpretujących nowy obiekt przez pryzmat tego, czym był kiedyś, a nie kierując się tym, czym jest teraz.

Temat śmierci, który czasem przeradza się w temat przemijania życia, przebiega jak czerwona nić przez całą twórczość Damiena Hirsta. W 2007 roku tworzy dzieło pt „Z miłości do Pana!”, który jest czasem nazywany „Diamentowa czaszka Damiena Hirsta” i kto stał się znany jako najdroższe dzieło sztukiżyjący autor. Sama praca jest kopią czaszki 35-latka Europejczyka, wykonaną z platyny i w całości wysadzaną diamentami. Na środku czoła czaszki znajduje się różowy diament. Stworzenie tej pracy kosztowało Hirsta 14 milionów funtów.

Pomimo konceptualnych podstaw prac Hirsta, trudno zaprzeczyć celowo skandalicznemu charakterowi wielu prac artysty. Po martwych zwierzętach w formaldehydzie i najdroższym dziele sztuki na świecie warto wspomnieć o instalacji "W miłości i poza nią" lub w tym przypadku „Miłość wewnątrz i na zewnątrz”). Lalki zostały przymocowane do płócien na ścianach, z których pojawiły się motyle. Wchodząc do pokoju, widzowie znaleźli się wśród tych owadów, które latały wokół nich, lądując zarówno na samych widzach, jak i na pojemnikach z owocami umieszczonymi w tym samym pomieszczeniu. Wystawa odbyła się w galerii Tate Modern i trwała 5 miesięcy. W tym czasie przyciągnęła ponad 460 000 zwiedzających i stała się najczęściej odwiedzaną indywidualną wystawą w historii galerii. Później pojawiły się informacje, że podczas wystawy zginęło 9 000 motyli, co wywołało protesty wielu organizacji ekologicznych.

Malarstwo Damiena Hirsta można zaliczyć do geometrycznej sztuki abstrakcyjnej (przykład: seria Obrazy punktowe) i (przykład: seria Wiruj obrazy)). Seria „Plamy” to obrazy przedstawiające koła tej samej wielkości, ale w różnych kolorach (kolor nigdy się nie powtarza) ułożonych w kratkę. Seria Rotations to obrazy, które powstały poprzez wylanie farby na obracające się płótno. Hirst jest także autorem wielu obrazów, które sprowadzają nas do tematu motyli: cykl Butterfly Color Paintings to prace, w których martwe motyle są przyczepione do jeszcze nie wyschniętej farby, która staje się podstawą kompozycji.