Sztuka piękna może dostarczyć całej gamy emocji. Niektóre zdjęcia sprawiają, że patrzysz na nie godzinami, inne dosłownie szokują, zadziwiają i wysadzają w powietrze Twój światopogląd. Są takie arcydzieła, które zmuszają do myślenia i szukania tajnego znaczenia. Niektóre obrazy owiane są mistycznymi tajemnicami, w innych najważniejsza jest ich niebotycznie wysoka cena.
W historii malarstwa światowego jest wiele dziwnych obrazów. W naszej ocenie celowo nie wspomnimy o Salvadorze Dali, który był mistrzem w tym gatunku i którego nazwisko jako pierwsze przychodzi na myśl. I choć samo pojęcie obcości jest subiektywne, można wyróżnić te znane dzieła, które wyraźnie odbiegają od zwyczajności.
Edvard Munch „Krzyk” Dzieło o wymiarach 91x73,5 cm powstało w 1893 roku. Munch namalował go olejami, pastelami i temperą, dziś obraz znajduje się w Galerii Narodowej w Oslo. Twórczość artysty stała się punktem zwrotnym dla impresjonizmu, jest ogólnie jednym z najsłynniejszych obrazów współczesnego świata. Sam Munch tak opowiedział historię jego powstania: "Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. W tej chwili słońce zachodziło. Nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, i oparłem się o płot. Spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym „czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem tam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę”. Istnieją dwie wersje interpretacji narysowanego znaczenia. Można uznać, że ukazana postać ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając dłonie do uszu. Inna wersja mówi, że mężczyzna zatkał uszy przed otaczającymi go krzykami. W sumie Munch stworzył aż 4 wersje „Krzyku”. Niektórzy eksperci uważają, że to zdjęcie jest klasycznym przejawem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Kiedy Munch był leczony w klinice, nie wrócił już do tego płótna.
Paul Gauguin „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”. W Bostońskim Muzeum Sztuk Pięknych znajduje się to impresjonistyczne dzieło o wymiarach 139,1 x 374,6 cm, namalowane techniką olejną na płótnie w latach 1897-1898. To głębokie dzieło zostało napisane przez Gauguina na Tahiti, gdzie wycofał się z zgiełku paryskiego życia. Obraz stał się dla artysty tak ważny, że na jego końcu chciał nawet popełnić samobójstwo. Gauguin uważał, że była najlepsza, jaką stworzył wcześniej. Artysta wierzył, że nie może już stworzyć czegoś lepszego lub podobnego, po prostu nie miał już do czego dążyć. Gauguin żył jeszcze 5 lat, udowadniając prawdziwość swoich sądów. Sam powiedział, że jego główne zdjęcie należy oglądać od prawej do lewej. Znajdują się na nim trzy główne grupy postaci, które uosabiają pytania zatytułowane płótno. Trzy kobiety z dzieckiem ukazują początek życia, pośrodku ludzie symbolizują dojrzałość, zaś starość reprezentuje starsza kobieta, która czeka na swoją śmierć. Wygląda na to, że już się z tym pogodziła i myśli o czymś własnym. U jej stóp znajduje się biały ptak, symbolizujący bezsens słów.
Pablo Picasso „Guernica” Dzieła Picassa przechowywane są w Muzeum Reina Sofia w Madrycie. Duży obraz o wymiarach 349 na 776 cm namalowany jest techniką olejną na płótnie. Ten fresk na płótnie powstał w 1937 roku. Zdjęcie opowiada o nalocie faszystowskich pilotów-ochotników na miasto Guernica. W wyniku tych wydarzeń liczące 6 tysięcy mieszkańców miasto zostało całkowicie zmiecione z powierzchni ziemi. Artysta stworzył ten obraz w ciągu zaledwie miesiąca. Na początku Picasso pracował 10-12 godzin, już w pierwszych szkicach główna idea była już widoczna. W rezultacie obraz stał się jedną z najlepszych ilustracji wszystkich okropności faszyzmu, okrucieństwa i ludzkiego żalu. W „Guernicy” można rozważyć scenę okrucieństwa, przemocy, śmierci, cierpienia i bezradności. Chociaż przyczyny tego nie są wyraźnie określone, wynika to jasno z historii. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został nawet wezwany do gestapo w Paryżu. Natychmiast zapytano go: „Czy ty to zrobiłeś?”. Na co artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Jan van Eyck „Portret Arnolfinich”. Obraz ten został namalowany w 1434 roku techniką olejną na drewnie. Wymiary arcydzieła wynoszą 81,8 x 59,7 cm i jest przechowywane w London National Gallery. Prawdopodobnie obraz przedstawia Giovanniego di Nicolao Arnolfini z żoną. Dzieło to należy do najtrudniejszych w zachodniej szkole malarstwa okresu renesansu północnego. Ten słynny obraz ma ogromną liczbę symboli, alegorii i różnych wskazówek. Jaki jest tylko podpis artysty „Jan van Eyck tu był”. Dzięki temu obraz staje się nie tylko dziełem sztuki, ale prawdziwym dokumentem historycznym. W końcu przedstawia prawdziwe wydarzenie, które uchwycił van Eyck. To zdjęcie stało się ostatnio bardzo popularne w Rosji, ponieważ podobieństwo Arnolfini do Władimira Putina jest widoczne gołym okiem.
Michaił Vrubel „Siedzący demon”. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się to arcydzieło Michaiła Wrubela, namalowane olejem w 1890 roku. Wymiary płótna to 114x211 cm Przedstawiony tutaj demon jest zaskakujący. Pojawia się jako smutny młody człowiek z długimi włosami. Zwykle ludzie nie wyobrażają sobie złych duchów w ten sposób. Sam Vrubel powiedział o swoim najsłynniejszym płótnie, że w jego rozumieniu demon jest nie tyle złym duchem, co cierpiącym. Jednocześnie nie można mu odmówić władzy i majestatu. Demon Vrubela to przede wszystkim obraz ludzkiego ducha, panującego w nas, nieustannej walki z samym sobą i wątpliwościami. To stworzenie otoczone kwiatami tragicznie złożyło ręce, jego wielkie oczy smutno patrzą w dal. Całość kompozycji wyraża przymus postaci demona. Na tym obrazie wygląda to tak, jakby był wciśnięty pomiędzy górę i dół ramki.
Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”. Obraz został namalowany w 1871 roku, ale autor zdawał się przewidywać w nim okropności przyszłych wojen światowych. Płótno o wymiarach 127x197 cm przechowywane jest w Galerii Trietiakowskiej. Wierieszczagin uważany jest za jednego z najlepszych malarzy batalistycznych w malarstwie rosyjskim. Nie pisał jednak wojen i bitew, bo je kochał. Artysta za pomocą dzieł sztuki starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Wierieszczagin obiecał nawet, że nie będzie już pisać obrazów bitewnych. Przecież artysta zbyt blisko serca brał żałobę za każdego rannego i zabitego żołnierza. Efektem tak serdecznego podejścia do tego tematu była „Apoteoza wojny”. Straszny i urzekający obraz przedstawia górę ludzkich czaszek na polu z krukami wokół. Vereshchagin stworzył emocjonalne płótno, za każdą czaszką w ogromnym stosie można prześledzić historię i losy osobowości oraz bliskich im osób. Sam artysta sarkastycznie nazwał ten obraz martwą naturą, gdyż przedstawia martwą naturę. Wszystkie szczegóły „Apoteozy wojny” krzyczą o śmierci i pustce, widać to nawet na żółtym tle ziemi. A błękit nieba tylko podkreśla śmierć. Ideę okropności wojny podkreślają dziury po kulach i ślady szabli na czaszkach.
Granta Wooda „Amerykański gotyk”. Ten niewielki obraz ma wymiary 74 na 62 cm, powstał w 1930 roku i obecnie znajduje się w Art Institute of Chicago. Obraz jest jednym z najsłynniejszych przykładów sztuki amerykańskiej ubiegłego wieku. Już w naszych czasach w mediach często pojawia się nazwa „American Gothic”. Zdjęcie przedstawia dość ponurego ojca i jego córkę. Liczne szczegóły mówią o surowości, purytanizmie i sztywności tych ludzi. Mają niezadowolone twarze, na środku zdjęcia pojawiają się agresywne widły, a stroje pary są staromodne nawet jak na ówczesne standardy. Nawet szew na ubraniu rolnika przypomina kształtem widły, podwajając zagrożenie dla tych, którzy wkraczają w jego styl życia. Szczegóły obrazu można badać bez końca, fizycznie odczuwając dyskomfort. Co ciekawe, kiedyś na konkursie w Art Institute of Chicago zdjęcie zostało przyjęte przez sędziów jako humorystyczne. Ale mieszkańcy Iowa obrazili artystę, ponieważ przedstawił ich w tak nieestetycznej perspektywie. Wzorem kobiety była siostra Wooda, ale prototypem wściekłego mężczyzny stał się dentysta malarza.
Miłośnicy Rene Magritte’a. Obraz namalowany został w 1928 roku techniką olejną na płótnie. W tym przypadku istnieją dwie opcje. Na jednym z nich mężczyzna i kobieta całują się, tylko ich głowy są owinięte białym płótnem. W innej wersji obrazu kochankowie patrzą na widza. Rysuje, zaskakuje i fascynuje. Postacie bez twarzy symbolizują ślepotę miłości. Wiadomo, że kochankowie nie widzą nikogo w pobliżu, ale nie możemy zobaczyć ich prawdziwych uczuć. Nawet dla siebie nawzajem ci ludzie, zaślepieni uczuciami, są w rzeczywistości tajemnicą. I chociaż główne przesłanie obrazu wydaje się jasne, „Kochankowie” wciąż skłaniają do patrzenia na nich i myślenia o miłości. Ogólnie rzecz biorąc, u Magritte'a prawie wszystkie obrazy to zagadki, których całkowicie nie da się rozwiązać. Przecież te płótna stawiają główne pytania o sens naszego życia. Artystka mówi w nich o iluzoryczności tego, co widzimy, o tym, że wokół nas kryje się wiele tajemniczych rzeczy, których staramy się nie zauważać.
Marc Chagall „Spacer”. Obraz namalowany techniką olejną na płótnie w 1917 roku, obecnie znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. W swoich pracach Marc Chagall jest zazwyczaj poważny, ale tutaj pozwolił sobie na okazanie uczuć. Obraz wyraża osobiste szczęście artysty, jest pełen miłości i alegorii. Jego „Spacer” to autoportret, na którym Chagall przedstawił obok siebie swoją żonę Bellę. Jego wybranka wznosi się w przestworza, już za chwilę zaciągnie tam artystę, który już prawie odrywa się od ziemi, dotykając jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce mężczyzny jest sikorka. Można powiedzieć, że tak Chagall przedstawił swoje szczęście. Ma na niebie żurawia w postaci ukochanej kobiety, a w rękach sikorkę, przez co miał na myśli swoją pracę.
Hieronima Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. To płótno o wymiarach 389 x 220 cm znajduje się w Hiszpańskim Muzeum Pravo. Bosch namalował obraz olejny na drewnie w latach 1500–1510. To najsłynniejszy tryptyk Boscha, choć obraz składa się z trzech części, to jego nazwa pochodzi od centralnej, poświęconej zmysłowości. Znaczenie dziwnego obrazu jest przedmiotem ciągłych dyskusji, nie ma takiej interpretacji, która byłaby uznawana za jedyną prawdziwą. Zainteresowanie tryptykiem wynika z wielu drobnych szczegółów, które wyrażają główną ideę. Istnieją przezroczyste postacie, niezwykłe konstrukcje, potwory, koszmary i wizje, które się spełniły, a także piekielne odmiany rzeczywistości. Artysta potrafił na to wszystko spojrzeć ostrym i badawczym spojrzeniem, udało mu się połączyć w jedno płótno odmienne elementy. Niektórzy badacze próbowali dostrzec na zdjęciu odbicie ludzkiego życia, co autor pokazał na próżno. Inni odnaleźli obrazy miłości, ktoś triumf zmysłowości. Wątpliwe jest jednak, czy autor próbował gloryfikować przyjemności cielesne. W końcu postacie ludzkie są przedstawiane z zimnym dystansem i niewinnością. Tak, a władze kościelne dość przychylnie zareagowały na ten obraz Boscha.
Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety” Obraz ten znajduje się w Narodowej Galerii Sztuki Nowoczesnej w Rzymie. Kwadratowe płótno o szerokości 180 cm zostało namalowane techniką olejną na płótnie w 1905 roku. To zdjęcie wyraża jednocześnie radość i smutek. Artystka w trzech postaciach potrafiła pokazać całe życie kobiety. Pierwsza, jeszcze dziecko, jest niezwykle beztroska. Dojrzała kobieta wyraża spokój, a ostatni wiek symbolizuje rozpacz. Jednocześnie wiek średni jest organicznie wpleciony w ozdoba życia, a stary wyraźnie wyróżnia się na jego tle. Wyraźny kontrast między młodą kobietą a osobami starszymi ma charakter symboliczny. Jeśli rozkwitowi życia towarzyszą liczne możliwości i zmiany, to ostatnia faza to faza zakorzenionej stałości i konfliktu z rzeczywistością. Taki obraz przyciąga uwagę i skłania do refleksji nad intencją artysty, jego głębią. Zawiera całe życie z jego nieuchronnością i metamorfozami.
Egon Schiele „Rodzina”. Płótno o wymiarach 152,5 x 162,5 cm zostało namalowane farbą olejną w 1918 roku. Teraz jest przechowywany w wiedeńskim Belwederze. Nauczycielem Schiele był sam Klimt, jednak uczeń nie próbował go pilnie naśladować, szukając własnych środków wyrazu. Można śmiało powiedzieć, że twórczość Schielego jest jeszcze bardziej tragiczna, przerażająca i dziwna niż twórczość Klimta. Niektóre elementy dziś nazwalibyśmy pornograficznymi, jest tu wiele różnych perwersji, naturalizm jest obecny w całej swej krasie. Jednocześnie obrazy są dosłownie przesiąknięte jakąś bolesną rozpaczą. Szczytem twórczości Schielego i jego najnowszego obrazu jest Rodzina. Na tym płótnie rozpacz została doprowadzona do maksimum, a samo dzieło okazało się dla autora najmniej dziwne. Po śmierci ciężarnej żony Schielego na hiszpańską grypę i na krótko przed jego śmiercią powstało to arcydzieło. Pomiędzy obiema śmiercią minęły zaledwie 3 dni, wystarczyły one artyście, aby przedstawić siebie z żoną i nienarodzonym dzieckiem. W tym czasie Schiele miał zaledwie 28 lat.
Frida Kahlo „Dwie Fridy” Obraz narodził się w 1939 roku. Meksykańska artystka Frida Kahlo zasłynęła po premierze filmu o niej z Salmą Hayek w roli tytułowej. Podstawą twórczości artystki były jej autoportrety. Sama tłumaczyła ten fakt następująco: „Piszę sama, bo dużo czasu spędzam sama i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”. Co ciekawe, Frida nie uśmiecha się na żadnym ze swoich płócien. Jej twarz jest poważna, a nawet nieco smutna. Zrośnięte, grube brwi i ledwo zauważalne wąsy nad zaciśniętymi ustami wyrażają maksymalną powagę. Idee obrazów tkwią w postaciach, tle i szczegółach tego, co otacza Fridę. Symbolika obrazów opiera się na tradycjach narodowych Meksyku, ściśle powiązanych ze starą mitologią indyjską. „Dwie Fridy” to jeden z najlepszych obrazów Meksykanina. W oryginalny sposób ukazuje pierwiastki męskie i żeńskie, które łączą się w jednym układzie krążenia. Artysta pokazał w ten sposób jedność i integralność tych dwóch przeciwieństw.
Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”. W Ermitażu w Petersburgu można znaleźć ten obraz Moneta. Został namalowany techniką olejną na płótnie w 1899 roku. Po bliższym przyjrzeniu się obrazowi wydaje się, że jest to fioletowa plama pokryta grubymi pociągnięciami. Jednak oddalając się od płótna, widz rozumie całą jego magię. Początkowo widoczne stają się niewyraźne półkola przechodzące przez środek obrazu, pojawiają się zarysy łodzi. A już z odległości kilku metrów widać wszystkie elementy obrazu połączone w logiczny łańcuch.
Jacksona Pollocka „Numer 5, 1948”. Pollock to klasyk gatunku ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jego najsłynniejszy obraz jest zdecydowanie najdroższym na świecie. A artysta namalował go w 1948 roku, po prostu wylewając na podłogę farbę olejną na płytę pilśniową o wymiarach 240x120 cm. W 2006 roku obraz ten został sprzedany w Sotheby's za 140 milionów dolarów. Poprzedni właściciel, kolekcjoner i producent filmowy David Giffen sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi. Pollock powiedział, że zdecydował się odejść od tak znanych narzędzi artysty, jak sztaluga, farby i pędzle. Jego narzędziami były kije, noże, łopaty i rozlewanie farby. Używał także jego mieszaniny z piaskiem, a nawet potłuczonym szkłem. Zaczynam tworzyć. Pollock oddaje się inspiracji, nawet nie zdając sobie sprawy z tego, co robi. Dopiero wtedy przychodzi realizacja doskonałości. Jednocześnie artysta nie obawia się, że obraz zniszczy lub niechcący go zmieni – obraz zaczyna żyć własnym życiem. Zadaniem Pollocka jest pomóc jej się urodzić, wyjść. Ale jeśli mistrz straci kontakt ze swoim dziełem, rezultatem będzie chaos i brud. Jeśli się powiedzie, obraz będzie ucieleśniał czystą harmonię, łatwość przyjmowania i ucieleśniania inspiracji.
Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”. Obraz ten znajduje się obecnie w funduszu artysty w Hiszpanii. Został namalowany olejem na blasze miedzianej w 1935 roku w ciągu zaledwie tygodnia od 15 do 22 października. Wymiary kreacji to zaledwie 23x32 cm, mimo tak prowokacyjnej nazwy obraz mówi o okropnościach wojen domowych. Sam autor przedstawił w ten sposób wydarzenia tamtych lat rozgrywające się w Hiszpanii. Miro starał się pokazać okres niepokoju. Na zdjęciu widać nieruchomego mężczyznę i kobietę, którzy mimo to są do siebie przyciągani. Płótno nasycone złowieszczymi trującymi kwiatami, wraz z powiększonymi genitaliami, wygląda celowo obrzydliwie i obrzydliwie seksownie.
Jacek Yerka „Erozja”. W twórczości polskiego neosurrealisty obrazy rzeczywistości splatają się ze sobą, dając początek nowej rzeczywistości. W pewnym sensie nawet wzruszające zdjęcia są niezwykle szczegółowe. Czują w nich echa surrealistów przeszłości, od Boscha po Dali. Yerka wychowała się w atmosferze średniowiecznej architektury, która cudem przetrwała bombardowania II wojny światowej. Zaczął rysować jeszcze przed wstąpieniem na uniwersytet. Tam próbowali zmienić jego styl na bardziej nowoczesny i mniej szczegółowy, ale sam Yerka zachował swoją indywidualność. Dziś jego niezwykłe obrazy wystawiane są nie tylko w Polsce, ale także w Niemczech, Francji, Monako i USA. Znajdują się w wielu kolekcjach na całym świecie.
Bill Stoneham „Ręce mu się opierają” Obraz namalowany w 1972 roku trudno nazwać klasyką malarstwa. Nie ulega jednak wątpliwości, że jest to jedno z najdziwniejszych dzieł artystów. Obraz przedstawia chłopca, obok niego stoi lalka, a od tyłu liczne dłonie przyciskają się do szyby. To płótno jest dziwne, tajemnicze i nieco mistyczne. Stało się już legendarne. Mówią, że przez ten obraz ktoś umarł, a dzieci na nim żyją. Wygląda naprawdę przerażająco. Nic dziwnego, że obraz budzi lęki i straszne fantazje u osób z chorą psychiką. Sam Stoneham zapewniał, że namalował siebie w wieku 5 lat. Drzwi za chłopcem stanowią barierę pomiędzy rzeczywistością a światem snów. Lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić dziecko z jednego świata do drugiego. Dłonie to alternatywne życie lub możliwości danej osoby. Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. Wystawiono go na sprzedaż w serwisie eBay, twierdząc, że jest nawiedzony. Ostatecznie Hands Resist Him został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith. Wkrótce kupujący został dosłownie zasypany listami ze strasznymi historiami związanymi z obrazem i żądał zniszczenia tego płótna.
Podziemna baza łodzi podwodnych w Bałaklawie jest jednym z najsłynniejszych zabytków Związku Radzieckiego po zimnej wojnie. Dawno, dawno temu ten ściśle tajny kompleks powstał na wypadek ostatniej wojny ludzkości - III wojny światowej, z powszechnym użyciem broni nuklearnej. Na szczęście w XX wieku nie doszło do nowej masakry światowej, a państwo Sowietów w ogóle nie istniało. Z tych powodów dziś Balaklava pozostaje cichym przypomnieniem lęków i ambicji supermocarstw ubiegłego wieku.
Cień światowej rzezi
W Ameryce cała historia jest podzielona przed wojną secesyjną i po niej. W wewnętrznych przestrzeniach historii obywatele są psychologicznie podzieleni na czas przed i po drugiej wojnie światowej. W Niemczech podobna postawa podczas wojny 30-letniej. A jeśli się nad tym zastanowić, wytworzenie broni nuklearnej, a także późniejsze bombardowania Hiroszimy i Nagasaki podzieliły historię całego świata na „przed” i „po”.
Trudno i zarazem przerażająco wyobrazić sobie, jak potoczyłaby się historia świata, gdyby tak potężna broń pozostała w rękach tylko jednego państwa. Jak na ironię, „długi pokój” w Europie wynika z czegoś być może najbardziej nieludzkiego. Wbrew tezom Margaret Thatcher o konieczności ograniczenia potencjału nuklearnego, broń nuklearna pozostaje maczugą, która uratuje choć część pokoju.
Zabrzmi to nieco cynicznie, ale współczesne konflikty między Rosją a Stanami Zjednoczonymi są w rzeczywistości bardzo „lekkie” w porównaniu z tymi, które powstały między ZSRR a Stanami Zjednoczonymi po II wojnie światowej. Stworzenie broni nuklearnej wywołało zarówno manię nuklearną, jak i paranoję. Na przykład w Stanach Zjednoczonych 19 grudnia 1949 r. opracowano plan prewencyjnego ataku nuklearnego na Związek Radziecki w przypadku jego agresji w Europie Zachodniej, na Bliskim Wschodzie lub w Japonii. Inicjatywę tę nazwano „Operacją Dropshot”.
Głównym celem „Operacji Dropshot” było zniszczenie w ciągu miesiąca radzieckiego kompleksu przemysłowego. W tym celu nakazano przeprowadzenie masowego bombardowania miast ZSRR przy użyciu 29 tysięcy ton bomb konwencjonalnych i 300 jednostek 50-kilogramowych bomb nuklearnych. Na cele wybrano około 100 największych miast Związku Radzieckiego. Rakiety balistyczne pojawią się dopiero za 10 lat. „Nuklearny szantaż” ZSRR przez Stany Zjednoczone całkowicie stracił swój skutek dopiero w 1956 r., kiedy lotnictwo strategiczne kraju było w stanie udowodnić, że w razie potrzeby może polecieć za granicę, aby odpowiedzieć.
W związku z tym nie należy myśleć, że ZSRR nie miał własnego „Dropshota”. Choć inicjatywy sowieckie miały przeważnie charakter działań odwetowych, to jednak, podobnie jak amerykańskie, nie różniły się niczym od człowieczeństwa.
„Nie poddawajcie się wrogowi…”
W pierwszych dziesięcioleciach, w czasie tworzenia bomby atomowej, ludzkość aktywnie próbowała dowiedzieć się, jaki będzie kształt nowej wojny. W tym czasie obie wojny światowe były wciąż żywe w mojej pamięci, dlatego też Trzecia nie wydawała mi się czymś niesamowitym. Jest całkiem oczywiste, że broń nuklearna będzie wykorzystywana przede wszystkim do niszczenia przemysłu, obiektów wojskowych i ludobójstwa ludności, aczkolwiek w sposób „towarzyszący”. Dlatego wojsko zaczęło podejmować działania mające na celu ochronę najważniejszych obiektów wojskowych.
W 1947 roku Instytut Projektowania Granit w Leningradzie opracował projekt bazy morskiej mającej chronić flotę okrętów podwodnych na Morzu Czarnym w przypadku wojny nuklearnej. Projekt kompleksu poparł osobiście Józef Stalin. Na budowę kompleksu o powierzchni 15 tysięcy metrów kwadratowych wybrano miejsce Balaklava. Prace budowlane rozpoczęły się w 1953 roku.
Interesujący fakt: Kominiarka została wybrana nie bez powodu. Jest to idealne naturalne schronienie dla marynarki wojennej. Port o szerokości zaledwie 200-400 metrów jest doskonale chroniony przed burzami i ciekawskimi spojrzeniami. Podziemny kompleks znajdował się pod górą Tavros, co stało się prawdziwym odkryciem. Miąższość wapienia marmurowego sięga w nim 126 metrów. Dzięki temu baza okrętów podwodnych w Bałaklawie uzyskała pierwszą kategorię odporności przeciwjądrowej - jest w stanie wytrzymać eksplozję o sile do 100 Kt.
Prace budowlane w tajnym obiekcie trwały całą dobę. Do prac inżynieryjnych w górnictwie wezwano budowniczych metra z Moskwy, Charkowa i Abakanu. Wiercenia prowadzono głównie metodą wybuchową. Natychmiast po usunięciu ziemi i skał pracownicy zamontowali metalową ramę, a dopiero potem wylali beton gatunku M400. W rezultacie w 1961 roku zakończono budowę specjalnego warsztatu dla stoczni z suchym dokiem 825 GTS. Kompleks mógłby ukryć przed atakiem nuklearnym do dziewięciu małych łodzi podwodnych lub siedmiu łodzi średniej klasy. Rok później kompleks uzupełniono arsenałem nuklearnym.
Interesujący fakt: podziemna baza została zaprojektowana tak, aby w przypadku wojny nuklearnej pomieścić nie tylko personel kompleksu naprawczego, ale także personel wojskowy najbliższych jednostek i ludność cywilną samego miasta.
Ściśle tajne
Dla zachowania tajemnicy sądy wchodziły do kompleksu jedynie w nocy. Jednym z najciekawszych elementów kompleksu jest Południowy Batoport – duża brama morska, która pomaga chronić zatokę przed niszczycielskimi skutkami eksplozji nuklearnej. Ze swej natury jest to pusta metalowa konstrukcja o wymiarach 18x14x11 metrów i wadze 150 ton. Kiedyś wejście do kanału zasłaniano także specjalną siatką maskującą w kolorze skał, którą naciągano za pomocą wyciągarki.
Wszyscy pracownicy kompleksu w Balaklavie podpisali umowę o zachowaniu poufności. Ograniczono ich także w szeregu praw w czasie pracy i przez kolejne 5 lat po zwolnieniu. Obywatelom tym zakazano na przykład wyjazdów poza ZSRR, w tym do krajów socjalistycznych. Samego obiektu strzegły trzy wojskowe posterunki ochrony. Cała baza została podzielona na liczne poziomy tajności. Co ciekawe, dla łatwiejszego rozpoznania, niektóre piętra i korytarze miały specjalny kolor.
Wszystko to było konieczne, aby w przypadku nowej wojny Związek Radziecki mógł zatrzymać na Morzu Czarnym część swoich łodzi podwodnych, które później miały zostać wykorzystane do dalszej kontroli regionu. Kompleks przestał istnieć po rozpadzie ZSRR. W 1995 r. z bazy łodzi podwodnych usunięto ostatniego strażnika. Kompleks Arsenału z bronią, w tym bronią nuklearną, był utrzymywany w tajemnicy przez prawie kolejne dziesięć lat. Dziś niegdyś tajny kompleks jest niczym więcej jak reliktem przypominającym zimną wojnę.
Sztuka piękna może dostarczyć całej gamy emocji. Niektóre zdjęcia sprawiają, że patrzy się na nie godzinami, inne zaś dosłownie szokują, zadziwiają i „wysadzają mózg”, a wraz z nim światopogląd.
Są takie arcydzieła, które zmuszają do myślenia i szukania tajnego znaczenia. Niektóre obrazy owiane są mistycznymi tajemnicami, w innych najważniejsza jest ich wygórowana cena. Można powiedzieć, że malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Ale niektóre zdjęcia są dziwniejsze od innych. I choć samo pojęcie obcości jest subiektywne, można wyróżnić te znane dzieła, które wyraźnie odbiegają od zwyczajności.
Edvard Munch „Krzyk”
Dzieło o wymiarach 91x73,5 cm powstało w 1893 roku. Munch namalował go olejami, pastelami i temperą, dziś obraz znajduje się w Galerii Narodowej w Oslo. Twórczość artysty stała się punktem zwrotnym dla impresjonizmu, jest ogólnie jednym z najsłynniejszych obrazów współczesnego świata. Sam Munch opowiedział historię jego powstania: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. W tym czasie zachodziło słońce. Nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone. Zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i oparłem się o płot. Spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele szli dalej, a ja stałam tam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.
Istnieją dwie wersje interpretacji narysowanego znaczenia. Można uznać, że ukazana postać ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając dłonie do uszu. Inna wersja mówi, że mężczyzna zatkał uszy przed otaczającymi go krzykami. W sumie Munch stworzył aż 4 wersje Krzyku. Niektórzy eksperci uważają, że to zdjęcie jest klasycznym przejawem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Kiedy Munch był leczony w klinice, nie wrócił już do tego płótna.
Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?".
W Bostońskim Muzeum Sztuk Pięknych znajduje się to impresjonistyczne dzieło o wymiarach 139,1 x 374,6 cm, namalowane techniką olejną na płótnie w latach 1897-1898. To głębokie dzieło zostało napisane przez Gauguina na Tahiti, gdzie wycofał się z zgiełku paryskiego życia. Obraz stał się dla artysty tak ważny, że na jego końcu chciał nawet popełnić samobójstwo. Gauguin uważał, że była najlepsza, jaką stworzył wcześniej. Artysta wierzył, że nie może już stworzyć czegoś lepszego lub podobnego, po prostu nie miał już do czego dążyć.
Gauguin żył jeszcze 5 lat, udowadniając prawdziwość swoich sądów. Sam powiedział, że jego główne zdjęcie należy oglądać od prawej do lewej. Znajdują się na nim trzy główne grupy postaci, które uosabiają pytania zatytułowane płótno. Trzy kobiety z dzieckiem ukazują początek życia, pośrodku ludzie symbolizują dojrzałość, zaś starość reprezentuje starsza kobieta, która czeka na swoją śmierć. Wygląda na to, że już się z tym pogodziła i myśli o czymś własnym. U jej stóp znajduje się biały ptak, symbolizujący bezsens słów.
Pabla Picassa Guernicy.
Dzieła Picassa przechowywane są w Muzeum Reina Sofia w Madrycie. Duży obraz o wymiarach 349 na 776 cm namalowany jest techniką olejną na płótnie. Ten fresk na płótnie powstał w 1937 roku. Zdjęcie opowiada o nalocie faszystowskich pilotów-ochotników na miasto Guernica. W wyniku tych wydarzeń liczące 6 tysięcy mieszkańców miasto zostało całkowicie zmiecione z powierzchni ziemi.
Artysta stworzył ten obraz w ciągu zaledwie miesiąca. Na początku Picasso pracował 10-12 godzin, już w pierwszych szkicach główna idea była już widoczna. W rezultacie obraz stał się jedną z najlepszych ilustracji wszystkich okropności faszyzmu, okrucieństwa i ludzkiego żalu. W „Guernicy” widzimy scenę okrucieństwa, przemocy, śmierci, cierpienia i bezradności. Chociaż przyczyny tego nie są wyraźnie określone, wynika to jasno z historii. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został nawet wezwany do gestapo w Paryżu. Natychmiast zapytano go: „Czy ty to zrobiłeś?”. Na co artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Jan van Eyck „Portret Arnolfinich”.
Obraz ten został namalowany w 1434 roku techniką olejną na drewnie. Wymiary arcydzieła wynoszą 81,8 x 59,7 cm i jest przechowywane w London National Gallery. Prawdopodobnie obraz przedstawia Giovanniego di Nicolao Arnolfini z żoną. Dzieło to należy do najtrudniejszych w zachodniej szkole malarstwa okresu renesansu północnego.
Ten słynny obraz ma ogromną liczbę symboli, alegorii i różnych wskazówek. Wart jedynie podpisu artysty „Był tu Jan van Eyck”. Dzięki temu obraz staje się nie tylko dziełem sztuki, ale prawdziwym dokumentem historycznym. W końcu przedstawia prawdziwe wydarzenie, które uchwycił van Eyck.
Michaił Vrubel „Siedzący demon”.
W Galerii Trietiakowskiej znajduje się to arcydzieło Michaiła Wrubela, namalowane olejem w 1890 roku. Wymiary płótna to 114x211 cm Przedstawiony tutaj demon jest zaskakujący. Pojawia się jako smutny młody człowiek z długimi włosami. Zwykle ludzie nie wyobrażają sobie złych duchów w ten sposób. Sam Vrubel powiedział o swoim najsłynniejszym płótnie, że w jego rozumieniu demon jest nie tyle złym duchem, co cierpiącym. Jednocześnie nie można mu odmówić władzy i majestatu.
Demon Vrubela to przede wszystkim obraz ludzkiego ducha, panującego w nas, nieustannej walki z samym sobą i wątpliwościami. To stworzenie otoczone kwiatami tragicznie złożyło ręce, jego wielkie oczy smutno patrzą w dal. Całość kompozycji wyraża przymus postaci demona. Na tym obrazie wygląda to tak, jakby był wciśnięty pomiędzy górę i dół ramki.
Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”.
Obraz został namalowany w 1871 roku, ale autor zdawał się przewidywać w nim okropności przyszłych wojen światowych. Płótno o wymiarach 127x197 cm przechowywane jest w Galerii Trietiakowskiej. Wierieszczagin uważany jest za jednego z najlepszych malarzy batalistycznych w malarstwie rosyjskim. Nie pisał jednak wojen i bitew, bo je kochał. Artysta za pomocą dzieł sztuki starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Wierieszczagin obiecał nawet, że nie będzie już pisać obrazów bitewnych. Przecież artysta zbyt blisko serca brał żałobę za każdego rannego i zabitego żołnierza. Efektem tak serdecznego podejścia do tego tematu była „Apoteoza wojny”.
Straszny i urzekający obraz przedstawia górę ludzkich czaszek na polu z krukami wokół. Vereshchagin stworzył emocjonalne płótno, za każdą czaszką w ogromnym stosie można prześledzić historię i losy osobowości oraz bliskich im osób. Sam artysta sarkastycznie nazwał ten obraz martwą naturą, gdyż przedstawia martwą naturę. Wszystkie szczegóły „Apoteozy wojny” krzyczą o śmierci i pustce, widać to nawet na żółtym tle ziemi. A błękit nieba tylko podkreśla śmierć. Ideę okropności wojny podkreślają dziury po kulach i ślady szabli na czaszkach.
Granta Wooda „Amerykański gotyk”.
Ten niewielki obraz ma wymiary 74 na 62 cm, powstał w 1930 roku i obecnie znajduje się w Art Institute of Chicago. Obraz jest jednym z najsłynniejszych przykładów sztuki amerykańskiej ubiegłego wieku. Już w naszych czasach w mediach często pojawia się nazwa „American Gothic”. Zdjęcie przedstawia dość ponurego ojca i jego córkę.
Liczne szczegóły mówią o surowości, purytanizmie i sztywności tych ludzi. Mają niezadowolone twarze, na środku zdjęcia pojawiają się agresywne widły, a stroje pary są staromodne nawet jak na ówczesne standardy. Nawet szew na ubraniu rolnika przypomina kształtem widły, podwajając zagrożenie dla tych, którzy wkraczają w jego styl życia. Szczegóły obrazu można badać bez końca, fizycznie odczuwając dyskomfort.
Co ciekawe, kiedyś na konkursie w Art Institute of Chicago zdjęcie zostało przyjęte przez sędziów jako humorystyczne. Ale mieszkańcy Iowa obrazili artystę, ponieważ przedstawił ich w tak nieestetycznej perspektywie. Wzorem kobiety była siostra Wooda, ale prototypem wściekłego mężczyzny stał się dentysta malarza.
Miłośnicy Rene Magritte’a.
Obraz namalowany został w 1928 roku techniką olejną na płótnie. W tym przypadku istnieją dwie opcje. Na jednym z nich mężczyzna i kobieta całują się, tylko ich głowy są owinięte białym płótnem. W innej wersji obrazu kochankowie patrzą na widza. Rysuje, zaskakuje i fascynuje. Postacie bez twarzy symbolizują ślepotę miłości. Wiadomo, że kochankowie nie widzą nikogo w pobliżu, ale nie możemy zobaczyć ich prawdziwych uczuć. Nawet dla siebie nawzajem ci ludzie, zaślepieni uczuciami, są w rzeczywistości tajemnicą.
I choć główne przesłanie obrazu wydaje się jasne, Kochankowie wciąż skłaniają do patrzenia na nie i myślenia o miłości. Ogólnie rzecz biorąc, u Magritte'a prawie wszystkie obrazy to zagadki, których całkowicie nie da się rozwiązać. Przecież te płótna stawiają główne pytania o sens naszego życia. Artystka mówi w nich o iluzoryczności tego, co widzimy, o tym, że wokół nas kryje się wiele tajemniczych rzeczy, których staramy się nie zauważać.
Marc Chagall „Spacer”.
Obraz namalowany techniką olejną na płótnie w 1917 roku, obecnie znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. W swoich pracach Marc Chagall jest zazwyczaj poważny, ale tutaj pozwolił sobie na okazanie uczuć. Obraz wyraża osobiste szczęście artysty, jest pełen miłości i alegorii.
Jego „Spacer” to autoportret, na którym Chagall przedstawił obok siebie swoją żonę Bellę. Jego wybranka wznosi się w przestworza, już za chwilę zaciągnie tam artystę, który już prawie odrywa się od ziemi, dotykając jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce mężczyzny jest sikorka. Można powiedzieć, że tak Chagall przedstawił swoje szczęście. Ma na niebie żurawia w postaci ukochanej kobiety, a w rękach sikorkę, przez co miał na myśli swoją pracę.
Hieronim Bosch Ogród rozkoszy ziemskich.
To płótno o wymiarach 389 x 220 cm znajduje się w Hiszpańskim Muzeum Pravo. Bosch namalował obraz olejny na drewnie w latach 1500–1510. To najsłynniejszy tryptyk Boscha, choć obraz składa się z trzech części, to jego nazwa pochodzi od centralnej, poświęconej zmysłowości. Znaczenie dziwnego obrazu jest przedmiotem ciągłych dyskusji, nie ma takiej interpretacji, która byłaby uznawana za jedyną prawdziwą.
Zainteresowanie tryptykiem wynika z wielu drobnych szczegółów, które wyrażają główną ideę. Istnieją przezroczyste postacie, niezwykłe konstrukcje, potwory, koszmary i wizje, które się spełniły, a także piekielne odmiany rzeczywistości. Artysta potrafił na to wszystko spojrzeć ostrym i badawczym spojrzeniem, udało mu się połączyć w jedno płótno odmienne elementy.
Niektórzy badacze próbowali dostrzec na zdjęciu odbicie ludzkiego życia, co autor pokazał na próżno. Inni odnaleźli obrazy miłości, ktoś triumf zmysłowości. Wątpliwe jest jednak, czy autor próbował gloryfikować przyjemności cielesne. W końcu postacie ludzkie są przedstawiane z zimnym dystansem i niewinnością. Tak, a władze kościelne dość przychylnie zareagowały na ten obraz Boscha.
Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”
Obraz ten znajduje się w Narodowej Galerii Sztuki Nowoczesnej w Rzymie. Kwadratowe płótno o szerokości 180 cm zostało namalowane techniką olejną na płótnie w 1905 roku. To zdjęcie wyraża jednocześnie radość i smutek. Artystka w trzech postaciach potrafiła pokazać całe życie kobiety. Pierwsza, jeszcze dziecko, jest niezwykle beztroska. Dojrzała kobieta wyraża spokój, a ostatni wiek symbolizuje rozpacz. Jednocześnie wiek średni jest organicznie wpleciony w ozdoba życia, a stary wyraźnie wyróżnia się na jego tle.
Wyraźny kontrast między młodą kobietą a osobami starszymi ma charakter symboliczny. Jeśli rozkwitowi życia towarzyszy wiele możliwości i zmian, to ostatnia faza to faza zakorzenionej stałości i konfliktu z rzeczywistością. Taki obraz przyciąga uwagę i skłania do refleksji nad intencją artysty, jego głębią. Zawiera całe życie z jego nieuchronnością i metamorfozami.
Egon Schiele „Rodzina”.
Płótno o wymiarach 152,5 x 162,5 cm zostało namalowane farbą olejną w 1918 roku. Teraz jest przechowywany w wiedeńskim Belwederze. Nauczycielem Schiele był sam Klimt, jednak uczeń nie próbował go pilnie naśladować, szukając własnych środków wyrazu. Można śmiało powiedzieć, że twórczość Schielego jest jeszcze bardziej tragiczna, przerażająca i dziwna niż twórczość Klimta.
Niektóre elementy dziś nazwalibyśmy pornograficznymi, jest tu wiele różnych perwersji, naturalizm jest obecny w całej swej krasie. Jednocześnie obrazy są dosłownie przesiąknięte jakąś bolesną rozpaczą. Szczytem twórczości Schielego i jego najnowszego obrazu jest Rodzina.
Na tym płótnie rozpacz została doprowadzona do maksimum, a samo dzieło okazało się dla autora najmniej dziwne. Po śmierci ciężarnej żony Schielego na hiszpańską grypę i na krótko przed jego śmiercią powstało to arcydzieło. Pomiędzy obiema śmiercią minęły zaledwie 3 dni, wystarczyły one artyście, aby przedstawić siebie z żoną i nienarodzonym dzieckiem. W tym czasie Schiele miał zaledwie 28 lat.
Frida Kahlo „Dwie Fridy”
Obraz narodził się w 1939 roku. Meksykańska artystka Frida Kahlo zasłynęła po premierze filmu o niej z Salmą Hayek w roli tytułowej. Podstawą twórczości artystki były jej autoportrety. Sama tłumaczyła ten fakt następująco: „Piszę sama, bo dużo czasu spędzam sama i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”.
Co ciekawe, Frida nie uśmiecha się na żadnym ze swoich płócien. Jej twarz jest poważna, a nawet nieco smutna. Zrośnięte, grube brwi i ledwo zauważalne wąsy nad zaciśniętymi ustami wyrażają maksymalną powagę. Idee obrazów tkwią w postaciach, tle i szczegółach tego, co otacza Fridę.
Symbolika obrazów opiera się na tradycjach narodowych Meksyku, ściśle powiązanych ze starą mitologią indyjską. „Dwie Fridy” to jeden z najlepszych obrazów Meksyku. W oryginalny sposób ukazuje pierwiastki męskie i żeńskie, które łączą się w jednym układzie krążenia. Artysta pokazał w ten sposób jedność i integralność tych dwóch przeciwieństw.
Most Waterloo Claude’a Moneta. Efekt mgły.
W Ermitażu w Petersburgu można znaleźć ten obraz Moneta. Został namalowany techniką olejną na płótnie w 1899 roku. Po bliższym przyjrzeniu się obrazowi wydaje się, że jest to fioletowa plama pokryta grubymi pociągnięciami. Jednak oddalając się od płótna, widz rozumie całą jego magię.
Początkowo widoczne stają się niewyraźne półkola przechodzące przez środek obrazu, pojawiają się zarysy łodzi. A z odległości kilku metrów widać już wszystkie elementy obrazu połączone w logiczny łańcuch, zauważa adme.ru.
Jacksona Pollocka „Numer 5, 1948”.
Pollock to klasyk gatunku ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jego najsłynniejszy obraz jest zdecydowanie najdroższym na świecie. A artysta namalował go w 1948 roku, po prostu wylewając na podłogę farbę olejną na płytę pilśniową o wymiarach 240x120 cm. W 2006 roku obraz ten został sprzedany w Sotheby's za 140 milionów dolarów.
Poprzedni właściciel, kolekcjoner i producent filmowy David Giffen sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi. Pollock powiedział, że zdecydował się odejść od tak znanych narzędzi artysty, jak sztaluga, farby i pędzle. Jego narzędziami były kije, noże, łopaty i rozlewanie farby. Używał także jego mieszaniny z piaskiem, a nawet potłuczonym szkłem.
Zaczynając tworzyć, Pollock oddaje się inspiracji, nawet nie zdając sobie sprawy z tego, co robi. Dopiero wtedy przychodzi realizacja doskonałości. Jednocześnie artysta nie obawia się, że obraz zniszczy lub niechcący go zmieni – obraz zaczyna żyć własnym życiem. Zadaniem Pollocka jest pomóc jej się urodzić, wyjść. Ale jeśli mistrz straci kontakt ze swoim dziełem, rezultatem będzie chaos i brud. Jeśli się powiedzie, obraz będzie ucieleśniał czystą harmonię, łatwość przyjmowania i ucieleśniania inspiracji.
Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”.
Obraz ten znajduje się obecnie w funduszu artysty w Hiszpanii. Został namalowany olejem na blasze miedzianej w 1935 roku w ciągu zaledwie tygodnia od 15 do 22 października. Wymiary kreacji to zaledwie 23x32 cm, mimo tak prowokacyjnej nazwy obraz mówi o okropnościach wojen domowych. Sam autor przedstawił w ten sposób wydarzenia tamtych lat rozgrywające się w Hiszpanii. Miro starał się pokazać okres niepokoju.
Na zdjęciu widać nieruchomego mężczyznę i kobietę, którzy mimo to są do siebie przyciągani. Płótno nasycone złowieszczymi trującymi kwiatami, wraz z powiększonymi genitaliami, wygląda celowo obrzydliwie i obrzydliwie seksownie.
Jacek Jerka „Erozja”.
W twórczości polskiego neosurrealisty obrazy rzeczywistości splatają się ze sobą, dając początek nowej rzeczywistości. W pewnym sensie nawet wzruszające zdjęcia są niezwykle szczegółowe. Czują w nich echa surrealistów przeszłości, od Boscha po Dali.
Yerka wychowała się w atmosferze średniowiecznej architektury, która cudem przetrwała bombardowania II wojny światowej. Zaczął rysować jeszcze przed wstąpieniem na uniwersytet. Tam próbowali zmienić jego styl na bardziej nowoczesny i mniej szczegółowy, ale sam Yerka zachował swoją indywidualność. Dziś jego niezwykłe obrazy wystawiane są nie tylko w Polsce, ale także w Niemczech, Francji, Monako i USA. Znajdują się w wielu kolekcjach na całym świecie.
Ręce Billa Stonehama stawiają mu opór.
Obraz namalowany w 1972 roku trudno nazwać klasyką malarstwa. Nie ulega jednak wątpliwości, że jest to jedno z najdziwniejszych dzieł artystów. Obraz przedstawia chłopca, obok niego stoi lalka, a od tyłu liczne dłonie przyciskają się do szyby. To płótno jest dziwne, tajemnicze i nieco mistyczne. Stało się już legendarne. Mówią, że przez ten obraz ktoś umarł, a dzieci na nim żyją. Wygląda naprawdę przerażająco. Nic dziwnego, że obraz budzi lęki i straszne fantazje u osób z chorą psychiką.
Sam Stoneham zapewniał, że namalował siebie w wieku 5 lat. Drzwi za chłopcem stanowią barierę pomiędzy rzeczywistością a światem snów. Lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić dziecko z jednego świata do drugiego. Dłonie to alternatywne życie lub możliwości danej osoby.
Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. Wystawiono go na sprzedaż w serwisie eBay, twierdząc, że jest nawiedzony. Ostatecznie Hands Resist Him został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith. Wkrótce kupujący został dosłownie zasypany listami ze strasznymi historiami związanymi z obrazem i żądał zniszczenia tego płótna.
1. Deonardo da Vinci. Mona Lisa. Najbardziej rozpoznawalne zdjęcie na świecie może wiele nauczyć fotografów, ale najważniejsze jest to, jak powinna wyglądać relacja z fotografowanym obiektem. Jak już wielokrotnie mówiono, jej uśmiech mówi o szczególnej więzi łączącej artystkę z modelką. Do tego powinien dążyć każdy fotograf tworząc portrety.
2. Rafał. Szkoła ateńska. Wielu fotografów woli robić zdjęcia pojedynczych obiektów. Jedna osoba, jedna rzecz i jedna chwila. Praca ta pochodzi z czasów, gdy napawanie się jednym płótnem zajmowało pół godziny. Jest na nim kilkanaście różnych sytuacji i żadna z nich nie koliduje z drugą. Bardzo ważne jest, aby móc skomponować w kadrze wieloaspektową scenę.
3. Jana Vermeera. Dziewczyna z perłowym kolczykiem. Vermeer uwielbiał światło okienne. To najlepsze światło do portretów. Kiedy używamy oświetlenia studyjnego lub lampy błyskowej, staramy się uzyskać co najmniej tak dobre światło, jak to tylko możliwe. Podobnie jak w portrecie Mony Lisy, istnieje tu więź z artystą, która przekazywana jest widzowi.
4. Edwarda Hoppera. Nocne jastrzębie. Wszyscy fotografowie szukają tych krótkich chwil, które później „zahaczą” widza. Obraz ten przyciąga uwagę swoim spokojem. Fotografowie powinni starać się widzieć i uchwycić takie momenty.
5. M. Escher. Piłka ręczna i lustrzana. Jedną z rzeczy, które każdy fotograf powinien umieć, jest pokazanie perspektywy na fotografii.
6. Normana Rockwella Plotki. Narracja poprzez mimikę. Nie musimy znać samych plotek, żeby zrozumieć, co się dzieje na tym zdjęciu. Umiejętność uchwycenia „mówiącego” wyrazu twarzy jest ważną umiejętnością fotografa.
7. Normana Rockwella Ucieczka. Norman Rockwell miał talent do przywoływania wspomnień widzów, gdy oglądali jego obrazy. Historia opowiedziana w tej pracy to znacznie więcej, niż czasami można opowiedzieć w całej książce. Stwórz takie zdjęcie, a odniesiesz sukces.
8. Andy Warhol. Niektórzy fotografowie robią wszystko, co w ich mocy, aby znaleźć obiekt do sfotografowania. Szukają czegoś ekscytującego. O wiele ważniejsza jest umiejętność przekształcenia prostej rzeczy w coś niezwykłego i właśnie to zrobił Warhol z puszkami zupy.
9. Gustav Klimt. Pocałunek. Wielu fotografów podąża za najnowszymi trendami w fotografii. W Internecie jest milion zdjęć wykorzystujących HDR (High Dynamic Range), gdy trzy klatki tej samej sceny są kręcone przy różnych ekspozycjach i łączone za pomocą edytora. Błędem jest zakładanie, że nowości jest na tyle dużo, że tą techniką można sfotografować wszystko i uzyskać dobre zdjęcie. Klimt zasłynął ze swoich stylizowanych obrazów, ale to właśnie w tym ukazuje moment głębokiego związku między przedmiotami. To powinno być lekcją dla wszystkich fotografów.
11. Michał Anioł. Sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Dobrą umiejętnością fotografa jest patrzenie na rzeczy pod różnymi kątami, aby uzyskać najlepsze ujęcie. Nie pozwól, aby niezręczna postawa przeszkodziła Ci w inspiracji. Strzelaj, nawet jeśli musisz patrzeć prosto w górę.
12.Salvador Dali. Trzy Sfinksy z wyspy Bikini. Ważne jest, aby zobaczyć powtarzające się kształty i tekstury na fotografii i stworzyć na ich podstawie dobre ujęcia.
13. Graffiti Banksy'ego. Banksy jest mistrzem łączenia niekompatybilnych. Spodziewasz się jednego, a on zaskakuje cię czymś zupełnie innym.
14. Williama Blake’a. Świetny architekt. Blake może nauczyć fotografów, jak łączyć inspirację i technikę.
15. Wincenty van Gogh. Nocna kawiarnia. Powinniśmy robić zdjęcia rzeczy, które coś dla nas znaczą. Kiedy patrzysz na to zdjęcie, rozumiesz, że ta kawiarnia miała dla Van Gogha pewne znaczenie, była dla niego ważna.
16. Katsushika Hokusai. Wielka fala u wybrzeży Kanagawy. Decydujące momenty nie zdarzają się tylko w życiu ludzi. Fotografowie powinni szukać podobnych momentów w otaczającym ich świecie.
17. Hiroshige. Kobieta idąca drogą przez pola. Fotograf musi zadbać o to, aby wszystko w kadrze pasowało do działań głównego obiektu. Na przykład tutaj linie drzew, ścieżka i ludzie są równoległe.
18. Prace Edgara Mullera. Müller jest mistrzem perspektywy. W zależności od odległości, z której patrzy się na jego prace, iluzja głębi zmienia się radykalnie. Może to nauczyć fotografów, aby nigdy nie przestawali szukać odpowiedniego kąta.
19. Georgia O'Keeffe Mak. Istnieje cała „subkultura” fotografii flory. Georgia O'Keeffe świetnie nadaje się do czerpania inspiracji do fotografowania kwiatów.
20. Emily Carr. Kitwancool. Emily Kar była znana ze swoich obrazów przedstawiających totemy. Całe życie spędziła na poszukiwaniu totemów do swojej pracy. Fotografowie powinni zawsze szukać projektów. Pewien temat, który można zbadać i pokazać poprzez serię fotografii.
21. Pierre Auguste Renoir. Bal w Moulin de la Galette. To świetny przykład przedstawienia wielu obiektów, które nie stanowią konkurencji dla obiektu głównego.
22. Grant Wood. Amerykański gotyk. Obraz „American Gothic” Granta Wooda jest doskonałym przykładem tego, jak projektowany temat odzwierciedla otoczenie. Grant Wood próbował wyobrazić sobie, jacy ludzie mogliby mieszkać w domu w tle. Ten dom i tę parę mają niemal fizyczne podobieństwo.
23. Edouarda Moneta. Chez le pere Lathuille. Ta scena mogłaby być ujęciem z fotografii ulicznej.
