"Komórka". Nową jest Anastasia Stashkevich. Zdjęcie - Damir Jusupow
Amerykański choreograf Jerome Robbins wystawił „Klatkę” w 1951 roku zainspirowany muzyką Strawińskiego, w której usłyszał walkę tłumienia z uległością, człowieka z naturą.
W czternastominutowym opus, jakaś społeczność kobieca (kobieta modliszki, znane z zabijania samców po skojarzeniu, albo szalone Amazonki) inicjuje New Girl, wciągając ją w złowieszczy kult: rytualne morderstwo mężczyzn. Albo mężczyźni? Można potraktować pomysł Robbinsa dosłownie, ale wtedy The Cage robi ostatnio nieco komiczne wrażenie.
Ale można to zrobić także w sensie przenośnym – na przykład jako opowieść o skrajnościach feminizmu zawoalowaną ukrytą ironią. Albo analiza naszej wewnętrznej zwierzęcej agresji, która co jakiś czas próbuje się wydostać, przełamując kruche ludzkie bariery.
Robbins pracował w Klatce z tancerzami klasycznymi, szczególnie skupiając się na tych krokach baletowych, które można „podkręcić” do szaleństwa (na przykład ostre batmany - wysokie machnięcia nogami). A do tego nasycił plastik wszelaką „brzydotą”.
Choreograf opowiadał o oglądaniu „tygrysa w klatce, niestrudzenie smagającego ogon”, o okropnościach, które śniły się, gdy „ramiona, dłonie, palce zamieniły się w pazury, macki, czułki”.
Grupa kobiet (albo stworzeń?) z dębającymi włosami i zygzakami w baletowych „leotardach” wchodzi w pajęczej plastyczności, rozdziawiając usta w niemym krzyku, wędrując szeleszczącym krokiem na wpół zgiętym, wystawiając biodra i wyrzucając w górę ostre łokcie. Kiedy bohaterka w duecie „alertowym” niemal zakochała się we wrogu seksualnym, w końcu nadal postępuje zgodnie z regułami plemienia i łamie kark partnerowi, trzymając jego głowę między skrzyżowanymi nogami (wszystko to przeciwko tło kolorowej pajęczyny) - zdjęcie z pewnością potwierdza słowa reżysera:
„Klatka” to nic innego jak drugi akt „Giselle” we współczesnym znaczeniu. Zniknęła tylko Giselle z jej wszechwybaczającą miłością, tylko bezwzględni zabójcy – jeepy.
Dyrygent Igor Dronov zinterpretował Koncert na orkiestrę smyczkową D-dur Strawińskiego tak, jakby to nie był Strawiński. Gdzie jest cierpki związek gładkości i żywiołowości, ostrości i gładkości? Gdzie są akcenty i synkopy? Zmienne bogactwo rytmiczne i tonalne miesza się w bałagan, jakby ugrzęzły w nim nogi tancerzy i baletnic.
Zespół wykonał „Klatkę” w sposób nazbyt klasyczny, prawie bez dramatycznego wylewu, jaki widać – na płycie – u amerykańskich wykonawców, którzy nosili styl, w jakim tańczyli „Klatkę” pod batutą Robbinsa. Nawet Anastasia Stashkevich (New Girl), która tańczyła inteligentnie i została zaakceptowana przez przedstawicieli Fundacji Robbinsa, bardzo „zmiękczyła”. I do tej pory nie udało jej się osiągnąć efektu, którego żądała choreografka: podobieństwa do „niezgrabnego młodego źrebaka, który za chwilę przerodzi się w konia pełnej krwi”.
Balet „Etiudy” jest zupełnie inny. Oprawiona była do muzyki Karla Czernego, każdy uczeń szkoły muzycznej, który przestudiował etiudy fortepianowe, zna to imię.
Stworzony w Danii w 1948 roku przez choreografa Haralda Landera balet nie implikuje naruszeń klasycznej harmonii, wręcz przeciwnie, podkreśla ją w każdy możliwy sposób. „Etiudy” to pozbawiona fabuły podróż przez świat tańca klasycznego, z wpisami w styl romantyczny i przewodnik po trzystuletniej historii baletu.
Podróż zaczyna się od prostej skali muzycznej w górę iw dół, a samotna dziewczyna baletu na dole pokazuje podstawy - pięć podstawowych pozycji nóg w klasycznym i plie (głęboki przysiad).
„Etiudy” kończą się uroczystą ogólną apoteozą, kiedy baleriny w czarno-białych „tutus” ustawiają się w kolumnach wraz z panami. Pomiędzy nimi występują kontrasty tempa w allegro i adagio. Solo, duety i pas de trois.
Początkowe ruchy przy baletowym drążku w klasie - i parada świetnie wyszkolonych zawodowców, równie imponujących w dużych skokach i obrotach, jak i wyrafinowanych drobiazgach baletowych. Demonstracja czystości tańca, „stalowego” palca, prawidłowego ułożenia rąk i niezaciśniętego ciała.
Akademickie kroki Landera często pachną wodewilową zabawą, ale trzeba też pokazać mistrzostwo w lirycznej palecie. Premier kręci kobiece fouette, a baleriny muszą mieć męską siłę i wytrzymałość. Złoczyńca Lander, jak w kpinie, nakręca wszystko i nakręca kombinacje. Pod koniec baletu trupa - cokolwiek - dusi się ze zmęczenia tymi wściekłymi ćwiczeniami.
Etiudy powinny być wykonywane unisono, radośnie łącząc sprzęt techniczny z muzykalnością. Jest to generalnie trudne - i podwójnie trudne dla naszych tancerzy, wychowanych w większości na innym repertuarze, mało lub niewystarczająco przyzwyczajonych do finezyjnej techniki baletowej, do całego tego sznurowanego „krawata” stopami (znak szkoły duńskiej ), którymi „Etiudy” są pełne.
Poza tym próby w teatrze trwały tylko 20 dni, czyli mniej niż jest to konieczne do takiej choreografii. W rezultacie wrażenie jest połowiczne. Widać było, że zarówno zaproszony reżyser z Danii, jak i szef trupy baletowej Teatru Bolszoj Makhar Vaziev, surowo domagali się od artystów przestrzegania pozycji wywrócenia, wyrazistości póz i zaostrzonych stóp. Na twarzach wielu mówców wypisane było desperackie pragnienie odtworzenia wszystkiego we właściwy sposób. Co zrobić, jeśli ten piekielnie trudny, „podkręcony” technicznie balet mimo wszystko wydaje się czymś łatwym, jakby nie wymagającym zauważalnego wysiłku fizycznego?
Wirtuozeria bez wysiłku to słowa kluczowe dla wykonawców Etiud. Premiery Olga Smirnova, Ekaterina Krysanova (druga obsada), Siemion Chudin i Artem Ovcharenko tańczyli w zasadzie jak premiera, choć z plamami.
Sprawy były bardziej skomplikowane dla innych solistów. Kto usiłuje wypaść z rotacji, kto szybko się męczy, a to widać, kto kręci nogą lub nie ciągnie, niepoprawnie przysiada lub krzyżuje nogi w skokach z poślizgu, nie bez „brudu”. Nie wspominając o braku równowagi synchroniczności. Powstające tu i ówdzie drobne „dysonanse” stopniowo się kumulowały, zagrażając harmonii całego budynku.
W tych okolicznościach pomysł emisji do kin z premiery nie jest dobrym pomysłem. „Surowe” miejsca pierwszego pokazu zostały zreplikowane na całym świecie. Ale jak powiedział dyrektor Teatru Bolszoj Władimir Urin, teatr nie zawsze ma możliwość pokazania w kinie tego, co by chciał: przeszkadza problem praw autorskich. Oto taki przypadek.
Pierwsze zapowiedzi rosyjskich kin zapowiadały zupełnie inny program. Nie wypracował. Ale teraz trupa baletowa Bolszoj i ambitny dyrektor artystyczny Vaziev, jeśli cenią sobie swoją reputację, są zobowiązani do doprowadzenia techniki do perfekcji. Kilka miesięcy ciężkich prób - i na pewno wszystko się ułoży.
Program wieczoru baletów jednoaktowych w Teatrze Bolszoj prezentują trzy spektakle zupełnie odmienne pod względem formy i treści, choreografii i projektu. Odważny i przerażający „Cage”, zainspirowany przez amerykańskiego D. Robbinsa ponurą muzyką Strawińskiego, „Carmen Suite” w inscenizacji A. Alonsa i oda do tańca w „Etiudach” choreografa H. Landera nie pozostaw widza obojętnym. W jeden wieczór koneserzy baletu będą mogli zaczerpnąć niesamowitego wachlarza emocji i odbyć podróż przez historię tańca.
Balet Carmen Suite
Balet w jednym akcie „Carmen Suite” od kilkudziesięciu lat nie przestaje przyciągać uwagi publiczności. Stworzony do muzyki radzieckiego kompozytora Rodiona Szczedrina, niegdyś uwielbiony przez wspaniałą baletnicę Maję Plisiecką. Później świeciły w nim także inne gwiazdy baletu prima.
W skróconej wersji spektakl „Carmen Suite” jest bardziej zrozumiały dla widza, a autora spektaklu stać na własną lekturę klasycznego dzieła. Dynamicznie i szybko rozwija się historia wolnego i krnąbrnego Cygana w ramach jednoaktowego baletu.
Miłość, zazdrość, los - wszystko to przechodzi przed widzem. Tym ciekawiej jest odczytywać obrazy i postacie w gestach, mimice, plastyczności tancerzy. W balecie wszystko, co się dzieje, jest bardzo symboliczne i czasami wydaje się, że los Carmen zmieni jej fatalny bieg. Ale walka byków, ze swoim nieuniknionym i tradycyjnym zakończeniem, przywraca widza do rzeczywistości.
Premiera tego pogodnego, przesyconego miłością spektaklu odbyła się wiosną 1967 roku. W 2005 roku, po długiej przerwie, wznowiono. Od tego czasu balet znalazł się w repertuarze Teatru Bolszoj. I. Nioradze, I. Kuzniecow, D. Matwienko błyszczą w Carmen Suite 2018 Alberta Alonso.
Balet „Klatka”
Premiera spektaklu „Klatka” w Bolszoj została pokazana w marcu 2017 roku, ale nawet ci, którzy mieli już szczęście obejrzeć i docenić choreografię produkcji Jerome'a Robbinsa w tym sezonie, wracają, aby zobaczyć wszystko ponownie. Jasna, groteskowa, czasem dziwna i niezrozumiała, ale przeszywająca i imponująca – „Klatka” 2018 nie pozostawia nikogo obojętnym.
To, co dzieje się na scenie, kultywuje nie najbardziej pozytywne emocje. Pajęcza plastyczność przeciwstawia się klasycznemu baletowi, dzika agresywność, przesycona feminizmem i zaprzeczeniem wszystkiego, co wymyka się kobiecej kontroli, wywołuje dziwne uczucie odrzucenia, ale wspaniała choreografia przywraca wszystko na swoje miejsce. Spektakl „Klatka” to spektakl, o którym mówią: „Prosimy o słabych sercach o opuszczenie sali”.
Robbins został zainspirowany do stworzenia spektaklu w 1951 roku muzyką Strawińskiego. W siódmej dekadzie istnienia w tym spektaklu brzmi to też inaczej w interpretacji dyrygenta-producenta Igora Dronova. Anastasia Stashkevich, która tańczyła rolę Nowinki, otrzymała szczególne uznanie od przedstawicieli Fundacji Robbinsa. Spektakl „Klatka” w Teatrze Bolszoj trwa tylko 14 minut, ale pozostaje w pamięci widza na długo, ponieważ zrozumienie go i zrozumienie tego, co się dzieje, wymaga czasu.
Balet „Etiudy”
Spektakl „Etiudy” to podróż przez świat choreografii baletowej. Powstał do muzyki kompozytora Carla Czernego. Klasyczna harmonia tego baletu została „napisana” przez choreografa Haralda Landera w jego pierwszym przedstawieniu dla Królewskiego Teatru Duńskiego w 1948 roku. Ten balet nie ma fabuły, w rzeczywistości opowiada o 300-letniej historii tańca.
W spektaklu, w kolejności złożoności, demonstrowane są kroki baletowe, zaczynając od pierwszych prostych pozycji nóg, a kończąc na paradzie skomplikowanych obrotów i skoków, wyrafinowanych technik baletowych. Pod koniec spektaklu „Etiudy” prima wykonuje już elementy, które częściej znajdują się w mocy mężczyzn, a ci drudzy kręcą kobiece fouette. Czasami wydaje się, że Lander kpi ze wszystkiego i wszystkich, ale to tylko złudzenie, w rzeczywistości Big Dance jest na scenie.
Premiera jednoaktówki „Etiudy” w Teatrze Bolszoj odbyła się w marcu 2017 roku. Po projekcji wielu krytyków zauważyło, że dla naszych tancerzy, przyzwyczajonych do radykalnie innej szkoły baletowej, interpretacja Haralda Landera jest trudna, a czasem wręcz nie do zniesienia fizycznie. Ale żeby mieć własne zdanie w tej sprawie, trzeba zobaczyć balet na własne oczy. W każdym razie wszystko, co dzieje się na scenie, jest cudowne.
Bilety na balety jednoaktowe „Carmen Suite”, „Cage”, „Etiudy”
W zeszłym sezonie balety jednoaktowe cieszyły się dużą popularnością wśród publiczności, co pozwala sądzić, że "Carmen Suite", "Cage", "Etiudy" 2018 nie będą mniejsze. Nasza Agencja od ponad 10 lat zajmuje się sprzedażą biletów na dowolne imprezy w Moskwie, dzięki czemu możemy zagwarantować jakość świadczonych usług. Na naszej stronie możesz kupić bilety na "Carmen Suite", "Cage", "Etides" płacąc za nie w dowolny dogodny sposób:
- plastikowa karta;
- Transakcja bankowa;
- w gotówce.
Nasi managerowie są gotowi udzielić wsparcia informacyjnego i zapewnić najlepsze miejsca na hali w najbardziej rozsądnych cenach. A organizacje i firmy liczące 10 i więcej osób mogą kupić bilety na "Carmen Suite", "Cage", "Etides" ze zniżką.
Balety jednoaktowe – spektakl godny prawdziwych koneserów baletu
Na pewno warto zobaczyć jednoaktowe balety Suita Carmen, Klatka, Etiudy w Moskwie. To festiwal tańca, który wywołuje silne emocje. Potwierdza to również fakt, że po premierze „Klatki” nikt nie pozostał obojętny, a po obejrzeniu „Etiud” publiczność nie puściła artystów, wysadzając długimi brawami salę Teatru Bolszoj.
Bogaty wieczór spędzą ci, którzy kupią bilety na wieczór baletów jednoaktowych w Teatrze Bolszoj „Etiudy”, „Pory rosyjskie”, „Cage” na naszej stronie internetowej.
„Klatka” i „Etiudy” to balety premierowe. „Klatkę” przygotował choreograf Jerome Robbins, znany z błyskotliwych projektów na Broadwayu, w zagranicznych teatrach i kinach.
Spektakl „Etiudy” opowie o tym, jak żyją tancerze, z czego składa się ich życie i ile wysiłku potrzeba, aby osiągnąć wielkość i zdobyć od publiczności owację na stojąco.
Wieczór zakończy balet „Rosyjskie pory roku” w inscenizacji Aleksieja Ratmańskiego. Niezwykła produkcja przypomni widzom korzenie, tradycje i sposób życia narodu rosyjskiego oraz zasugeruje zachowanie wartości narodowych. Balet do muzyki Leonida Desyatnikova podróżował do wielu krajów i wszędzie był wysoko ceniony zarówno przez profesjonalnych krytyków, jak i przez wdzięczną publiczność.
Każdy z baletów będzie wymagał wysokich umiejętności wykonawczych, na szczęście przed rosyjską publicznością wystąpią czołowi artyści, gotowi zaskoczyć złożonymi liczbami i połączyć klasykę sztuki baletowej z nowoczesnymi technikami.
Dołącz do jasnego wieczoru, możesz kupić bilety z wyprzedzeniem na najlepsze miejsca na „Etiudy, klatka, sezony rosyjskie” w Teatrze Bolszoj na tej stronie.
sezony rosyjskie
Choreograf - Aleksiej Ratmanski
Dyrygent - Igor Dronov
Projektantka kostiumów — Galina Solovieva
Komórka
Choreografia Jerome Robbins
Scenografia Jean Rosenthal
Projektantka kostiumów - Ruth Sobotka
Etiudy
Choreografia Haralda Landera
Scenografia, kostiumy, oświetlenie Haralda Landera
Balet Bolszoj zaprezentował dwie premiery. Walory artystyczne Klatki w choreografii Jerome'a Robbinsa nie ulegają wątpliwości, ale Etiudy Haralda Landera można uznać za porażkę słynnej trupy - zarówno wybór spektaklu, jak i jego prezentacja są problematyczne.
W 1948 roku duński choreograf i nauczyciel Harald Lander zorganizował zajęcia, na których tancerze na co dzień dbają o formę. Reżyser umieścił w spektaklu wszystkie etapy treningu baletowego - od najprostszych ruchów przy drążku po najbardziej skomplikowane obroty i skoki. Premiera „Etiud” odbyła się w rodzimym Królewskim Balecie Duńskim Landera, a następnie opus trafił do zespołów na całym świecie. W 2004 roku trafił do Teatru Maryjskiego, w tym czasie kierował nim Makhar Vaziev, obecnie szef Baletu Bolszoj. „Etiudy” to jego pierwszy duży projekt na nowym stanowisku.
Na naszych oczach narasta przekonanie, że reżyser zdecydowanie postanowił zlikwidować luki w edukacji swoich podopiecznych. I rób to publicznie. Ze zwykłej klasy – ktoś próbuje z siłą i siłą, coś komuś nie wychodzi – ta wyróżnia się zastawionym światłem, odświętnymi strojami i obecnością klaskaczy machinalnie wykrzykujących „Brawo!”. I oczywiście muzyka - w przeciwieństwie do Landera akompaniatorzy Teatru Bolszoj mają dobry gust. Jeśli chodzi o Igora Dronova, który stał na premierze, powinien był złożyć kondolencje. Istnieje podejrzenie, że mistrz nie miał jeszcze do czynienia z tak słabym wynikiem.
Nie ma żadnych roszczeń do autora oryginału Carla Czernego. Pisał ćwiczenia dla uczniów opanowujących podstawy gry na fortepianie i nie stawiał sobie żadnych zadań artystycznych. Kompozytor Knudage Riisager, który zorkiestrował Etiudy, wyszedł z jakości materiału i nie starał się go uszlachetnić - blaszane grzechotki w jego prezentacji, smyczki piszczą, tutti spada na niewinnego słuchacza z ciężarem młot kowalski, poszczególne momenty politonowe, pozornie wprowadzone, w celu parodystycznym, zamieniają się w nieprzyzwoitą kakofonię.
Wygląda na to, że Maestro Dronov postanowił jak najszybciej pozbyć się tego koszmaru i pobiegł wynik półtora raza szybciej, niż powinien być według metronomu. Artyści nie podjęli jego inicjatywy, ale nie dlatego, że zagłębili się w szczegóły choreografii, ale dlatego, że choreografia w większości z nimi nie tańczyła. Nie pamiętam, żeby w jakimkolwiek balecie premierowym tancerze Bolszoj, w tym soliści, dopuszczali się aż tylu błędów.
Powodów jest chyba wiele – niewielka ilość prób, przepaść dzieląca wolną szkołę moskiewską od skrupulatnej duńskiej i niechęć do szlifowania rzemiosła bezpośrednio w audytorium. Wszystko to można z czasem skorygować - pytanie brzmi, dlaczego?
Możesz połączyć duńskie wartości w takim arcydziele jak La Sylphide: Johann Kobborg wystawia w Bolszoj. Jeśli istnieje chęć sprowadzenia na scenę klasy baletowej, teatr ma swoją dumę – „Koncert klasowy” Asafa Messerera, wznowiony przez jego siostrzeńca Michaiła. Ta apoteoza wielkiego sowieckiego stylu, oprawiona przez odświętną fanfarę Dymitra Szostakowicza, jest, oprócz wszystkich swoich zalet, bardzo muzycznym widowiskiem.
Można zrozumieć racje pedagogiczne szefa Baletu Bolszoj, ale z punktu widzenia estetyki artystycznej włączenie Etiud do repertuaru jest czymś więcej niż dziwnym posunięciem. Pianista, postanowiwszy popisać się swoją techniką, nie wyjdzie z Czernym w publiczność, ale zagra etiudy Chopina, Skriabina czy Glassa - ten sam gatunek, ale na jakościowo innym poziomie. Sztuka baletowa ma również swoje „etiudy” – inspirujące hymny do czystej umiejętności niezwiązanej z drążkiem i innymi fazami treningu.
Dlaczego tancerze opanowują Landera, skoro mają Balanchine'a (nieliczne, ale reprezentowane w repertuarze Bolszoj) i Forsythe'a (nie w afiszu Teatru Bolszoj) jest tajemnicą dla autora tych linii. Dlaczego autor… „Nie mogę przeniknąć zakamarków baletowego umysłu” – poskarżył się Diagilew Strawińskiemu, który wydawał się dokładnie studiować balet i jego przedstawicieli.
Przy okazji, o Strawińskim. Mały, kwadransowy występ do jego muzyki stał się miłym wrażeniem wieczoru. Tytuł opus to „Klatka”. Choreografem jest kolega Balanchine, Jerome Robbins, znany szerokiej publiczności jako twórca West Side Story. Balet już dawno zatracił swój początkowy protest przeciwko agresywnemu feminizmowi, a dziś jego fabułę – plemię pająków-Amazonków wabi w sieć nieznajomych mężczyzn i zjada ich – można interpretować jako ironiczny thriller.
Zespół Bolszoj ma już doświadczenie w opanowywaniu opowieści z życia owadów. W 2009 roku brytyjski choreograf Wayne McGregor wystawił Chromę w Moskwie. Reżyser upierał się jednak, że jego interpretacja cielesności sięga do bezosobowej grafiki komputerowej, ale w rzeczywistości pokazał się jako urodzony entomolog. Jednak w tym atletycznym balecie władzy tancerze Teatru Bolszoj byli zbyt akademiccy i mieli obsesję na punkcie własnego piękna. We wdzięku Robbinsa, mimo jego „sztywności”, cechy te okazały się poszukiwane i dobrze pasowały do eleganckiego „brzmienia” Bazylejskiego Koncertu na orkiestrę smyczkową.
Cóż, zwieńczeniem wieczoru były „Rosyjskie pory roku” Leonida Desyatnikova i Aleksieja Ratmańskiego, które trwają w Bolszoj od 2008 roku. Kompozycja została w połowie zaktualizowana, ale przyjemność płynąca z tego muzycznego i choreograficznego arcydzieła ma tę samą wartość.
Klatka to jeden z największych baletów Robbinsa. W 1951 roku, kiedy balet zaczynał swój żywot, krytycy byli przerażeni jego zaciekłą furią. W Holandii władze nawet początkowo zabroniły tego – jako „pornograficznego”.
J. Homans, Anioły Apolla
Wiosną 1951 Robbins powrócił do New York City Ballet i, według niego, zastosował czysto techniczne odkrycia, których dokonał w musicalu The King and I* w swoim polemicznym balecie The Cage. Sam powiedział, że nadmiernie rozciągnięte ruchy i gesty syjamskie, których używał w przedstawieniu na Broadwayu, przepełniły się i rozlały w balecie. Utrzymany w mrocznej muzyce Koncertu na orkiestrę smyczkową D-dur Strawińskiego, ten balet opowiada, jak samice owadów „gwałcą”, a następnie zabijają samce. Program oferował „konkurencję lub kult” jako wyjaśnienie. Według Robbinsa pierwotny pomysł sięgał mitologicznych Amazonek. Ale już na pierwszych próbach został tak przekształcony, że „Amazonki” zamieniły się w modlące się owady, przypominające modliszki, oddające się ich kultowi. Robbins wziął też coś z pająków, z nieokiełznanej mocy świata zwierząt, aby stworzyć to, co sam nazwał „zjawiskiem naturalnym”.
Pomysł wystawienia Klatki pojawił się po raz pierwszy, gdy odwracając płytę Apollo Musagete Strawińskiego, zobaczył na odwrocie Koncert z 1946 r. „Co za dramat!” - taka była jego reakcja. Opisał tę muzykę jako „strasznie ekscytującą, przytłaczającą i ujarzmiającą” i wyobrażał sobie trzy części koncertu jako strukturę dramatyczną, która później stała się podstawą jego baletu. Robbins nałożył na taniec nieskończoną liczbę pomysłów i obrazów, które znalazł i zaabsorbował podczas pracy nad baletem, od Nory Kay przylizanej mokrymi włosami **, spod prysznica, po oglądanie tygrysa w klatce, bezlitośnie biczującego swoim ogon. Zasugerował również, że inspirowały go osobliwe rysy młodzieńcze - starannie przez niego nakreślone - w tańcu Tanakila Le Clerc*** (porównał ją do niezdarnego młodego źrebaka, który ma się zmienić w konia pełnej krwi). Sam mówił o tym procesie wchłaniania Imagist**** w następujący sposób: „Miałem specjalne spojrzenie na materiał. Ten „specjalny wygląd” jest typowy dla każdego zaangażowanego w pracę twórczą, czy to artysty, dramaturga, poety, kompozytora czy choreografa. Ten „wygląd” staje się rodzajem licznika Geigera, który zaczyna klikać w mózgu lub wyzwala emocje, gdy zbliżasz się do jakiegoś przedmiotu, który może być wartościowy dla twojej pracy”.
W takim przypadku obiekt prawdopodobnie uniósłby brwi ze zdziwienia, ponieważ balet był celowo groźny i brutalny. Podsumowując wszystko, co się w nim dzieje, Robbins powiedział: „To jest opowieść o plemieniu, plemieniu kobiet. Młoda dziewczyna, nawrócona, musi przejść rytuał przejścia. Nie zna jeszcze swoich obowiązków i uprawnień jako członka plemienia, nie jest też świadoma swoich naturalnych instynktów. Zakochuje się w mężczyźnie i kojarzy się z nim. Ale zasady, według których żyje plemię, wymagają jego śmierci. Odmawia zabicia go, ale po raz kolejny (Królowa Plemienia) nakazuje jej wykonać swój obowiązek. A kiedy jego krew naprawdę się rozlewa, zwierzęce instynkty przejmują kontrolę. Ona sama pędzi naprzód, by dokończyć ofiarę. Jej uczucia są posłuszne instynktom jej plemienia”.
I rzeczywiście, pod przywództwem Królowej Plemienia (Yvonne Munsee), dwóch Nieznajomych (Nicolas Magallanes, Michael Mol) zostało zabitych jeden po drugim przez gwałtowne ciosy w dłonie i stopy kobiet. Skoro „Free as Air”***** rozszerzyło klasyczną „sylabę” o kombinację piruetów i salta, to „The Cage” ze swoją groteskową manierą powinien był jeszcze bardziej przesunąć granice klasycznej formy. „Nie musiałem ograniczać się wyłącznie do ludzkich ruchów, to znaczy ruchów wykonywanych w sposób, który uważamy za ludzki” – wspominał Robbins. - W sposobie, w jaki pracowały ich palce, w pochylaniu tułowia do ziemi czy wypadaniu ramienia, miałem okazję zobaczyć, co chciałem skomponować. Czasami ręce, dłonie, palce zamieniały się w pazury, macki, czułki.<…>
Premiera baletu odbyła się w City Center 4 czerwca 1951 roku. Artysta Jean Rosenthal oświetlił pustą, przypominającą pajęczynę strukturę splecionych ze sobą lin, a Ruth Sobotka ubrała wykonawców w prowokacyjne „pajęcze” szaty. Na początku baletu zwisająca z góry siatka sznurowa jest niesamowicie napięta, co Robbins dodał, jakby ostrzegał przed tym, co się tutaj wydarzy. Ale ten niespełna czternastominutowy spektakl od razu miażdży wszelkie przypuszczenia widza.<…>
Reakcja krytyków była bardzo głośna, ale w większości na korzyść Robbinsa. John Martin****** napisał: „Jest to dzieło gniewne, fragmentaryczne i bezlitosne, dekadenckie w swej obsesji na punkcie mizoginii i pogardy dla reprodukcji. Nie potrafi uniknąć pytań, ale swoimi ostrymi i mocnymi uderzeniami wnika w samą istotę problemu. Bohaterowie to owady, bez serca i sumienia, a ich opinia o rasie ludzkiej nie jest zbyt wysoka. Ale pomimo całej mocy zaprzeczania, jest to bardzo mała rzecz, naznaczona piętnem geniuszu. W Herald Tribune Walter Terry ****** podsumowuje, że „Robbins stworzył zaskakujący, mocny, ale ogólnie ekscytujący utwór”.<…>
Clive Barnes****** później opisał The Cage jako „odrażający kawałek źle wyrażonego geniuszu”. Jakby broniąc Robbinsa przed oskarżeniami o mizoginię, Lincoln Kernstein******* nazwał to „manifestem ruchu wyzwolenia kobiet, zrobionym dwadzieścia lat przed jego początkiem”. W tym czasie Robbins był bardzo zraniony tak ostrą reakcją, a nawet wydał „odparcie”: „Nie rozumiem, dlaczego ktoś jest tak zszokowany Klatką. Jeśli przyjrzysz się uważnie, stanie się jasne, że to nic innego jak drugi akt Giselle we współczesnym znaczeniu. I choć później tłumaczył, że w jego wypowiedzi kryła się ironia, nieustannie „zapamiętywały go” jeepy, mściwe duchy w kobiecej postaci, które w słynnej cmentarnej scenie brutalnie zaatakowały Hilariona i Alberta. Ale w Klatce nie ma śladu wszechogarniającej mocy miłości, która pomaga Giselle uratować jej niewiernego księcia. Robbins uczynił swój balet nieskończenie mrocznym i bezwzględnym: obaj jego Obcy musieli umrzeć, nie czekając na jakiekolwiek przejawy ludzkich emocji ze strony swoich zabójców. Co było zgodne z radą Balanchine'a, który według biografa Bernarda Tapera powiedział Robbinsowi po biegu: „Pozostawcie go klinicznie bezdusznego”.
Fragment „Taniec z demonami: życie Jerome'a Robbinsa” G. Lawrence'a
Tłumaczenie N. Shadrina
* „Król i ja” – musical na podstawie powieści „Anna i król Syjamu”, wystawiony przez J. Robbinsa na Broadwayu w 1951 r.
** Nora Kay jest pierwszym wykonawcą partii Convert.
*** Tanakil Le Clerc to baletnica New York City Ballet, która wkrótce po opisanych wydarzeniach została żoną J. Balanchine'a.
**** Imagist - nieodłączny od imagizmu (nurt literacki w krajach anglojęzycznych).
***** Free as Air to jeden z najsłynniejszych baletów J. Robbinsa (1944).
****** John Martin, Walter Terry, Clive Barnes to najwięksi amerykańscy krytycy baletowi.
******* Lincoln Kerstein jest filantropem, koneserem sztuki, pisarzem, impresario, współzałożycielem New York City Ballet Company.
wydrukować
