STRONA \* FORMAT POŁĄCZENIA 2

Federalna Agencja Transportu Kolejowego

Syberyjska Państwowa Wyższa Szkoła Transportu

Katedra "Filozofii"

ARTYSTYCZNE OBRAZY RENESANSU

abstrakcyjny

W dyscyplinie „Kulturologia”

Głowa zaprojektowana

Profesor student gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyszowa E.V.

(podpis) (podpis)

08.12.2012

(data oględzin) (data przedłożenia do oględzin)

rok 2012

Wstęp

Renesans uważany jest za jeden z najjaśniejszych okresów w historii rozwoju kultury europejskiej. Można powiedzieć, że odrodzenie to cała epoka kulturowa w procesie przejścia od średniowiecza do nowego czasu, podczas której nastąpił kulturowy przewrót (przełom, przesunięcie). Zasadnicze zmiany wiążą się z wykorzenieniem mitologii.

Pomimo pochodzenia terminu renesans (fr. renesans, „renesans”), nie było odrodzenia starożytności i nie mogło być. Człowiek nie może wrócić do swojej przeszłości. Renesans, korzystając z lekcji starożytności, wprowadził innowacje. Nie przywrócił do życia wszystkich starożytnych gatunków, a jedynie te, które były charakterystyczne dla aspiracji jego czasu i kultury. Renesans połączył nowe odczytanie starożytności z nowym odczytaniem chrześcijaństwa.

Trafność wybranego tematu wynika z połączenia epoki nowożytnej z renesansem - jest to rewolucja przede wszystkim w systemie wartości, w ocenie wszystkiego, co istnieje i w stosunku do niego.

Głównym celem pracy jest ukazanie fundamentalnych zmian, jakie zaszły w światopoglądzie największych postaci rozpatrywanej epoki.

1. Kultura renesansu

XIII-XVI Wieki to czas wielkich zmian w ekonomii, polityce i kulturze. Szybki rozwój miast i rozwój rzemiosła, a później przejście na produkcję manufakturową zmieniły oblicze średniowiecznej Europy.

Na pierwszy plan wysunęły się miasta. Niedługo wcześniej najpotężniejsze siły średniowiecznego świata – cesarstwo i papiestwo – znajdowały się w głębokim kryzysie. W XVI Podupadłe Święte Cesarstwo Rzymskie narodu niemieckiego stało się areną dwóch pierwszych antyfeudalnych rewolucji – Wielkiej Wojny Chłopskiej w Niemczech i Powstania Niderlandzkiego.

Przejściowość epoki, proces wyzwalania się ze średniowiecznych ścieżek dokonujący się we wszystkich dziedzinach życia, a jednocześnie wciąż niedorozwój wyłaniających się stosunków kapitalistycznych nie mógł nie wpłynąć na charakterystykę kultury artystycznej i myśli estetycznej tamtego czasu .

Według A. V. Stiepanowa wszystkim zmianom w życiu społecznym towarzyszyła szeroka odnowa kultury - rozkwit nauk przyrodniczych i ścisłych, literatury w językach narodowych i sztuk pięknych. Odnowa ta, zapoczątkowana w miastach Włoch, objęła następnie inne kraje europejskie. Autor uważa, że po pojawieniu się druku otworzyły się niespotykane dotąd możliwości upowszechniania dzieł literackich i naukowych, a bardziej regularna i bliższa komunikacja między krajami przyczyniła się do przenikania nowych trendów artystycznych.

Nie oznaczało to, że średniowiecze cofnęło się przed nowymi trendami: tradycyjne idee zostały zachowane w masowej świadomości. Kościół oparł się nowym pomysłom, posługując się średniowiecznym środkiem - inkwizycją. Idea wolności osoby ludzkiej nadal istniała w społeczeństwie podzielonym na klasy. Feudalna forma zależności chłopskiej nie zniknęła całkowicie, aw niektórych krajach (Niemcy, Europa Środkowa) nastąpił powrót do pańszczyzny. System feudalny wykazywał dość dużą żywotność. Każdy kraj europejski przeżywał to na swój sposób i we własnych ramach chronologicznych. Kapitalizm istniał przez długi czas jako sposób na życie, obejmujący tylko część produkcji zarówno w mieście, jak i na wsi. Jednak patriarchalna powolność średniowiecza zaczęła odchodzić w przeszłość.

Ogromną rolę w tym przełomie odegrały wielkie odkrycia geograficzne. Na przykład w 1492 r. H. Kolumb w poszukiwaniu drogi do Indii przekroczył Ocean Atlantycki i wylądował w pobliżu Bahamów, odkrywając nowy kontynent - Amerykę. W 1498 Hiszpański podróżnik Vasco da Gama, okrążywszy Afrykę, z powodzeniem sprowadził swoje statki do wybrzeży Indii. Z XVI w. Europejczycy penetrują Chiny i Japonię, o których wcześniej mieli tylko najbardziej mgliste pojęcie. Od 1510 rozpoczyna się podbój Ameryki. W XVII w. Australia została odkryta. Zmieniła się idea kształtu ziemi: podróż dookoła świata F. Magellana potwierdziła przypuszczenie, że ma ona kształt kuli.

Pogardę dla wszystkiego, co ziemskie, zastępuje teraz żarliwe zainteresowanie światem realnym, człowiekiem, świadomością piękna i wielkości przyrody, czego dowodem jest analiza zabytków kultury renesansu. Niepodważalne w średniowieczu prymat teologii nad nauką zachwiana jest wiarą w nieograniczone możliwości ludzkiego umysłu, który staje się najwyższą miarą prawdy. Podkreślając zainteresowanie człowiekiem w przeciwieństwie do boskości, przedstawiciele nowej świeckiej inteligencji nazywali siebie humanistami, wywodząc to słowo z pojęcia „ studia humanitarne ”, czyli badanie wszystkiego, co wiąże się z naturą człowieka i jego światem duchowym.

Dla dzieł i sztuki renesansu charakterystyczna stała się idea wolnej istoty o nieograniczonych możliwościach twórczych. Wiąże się z antropocentryzmem w estetyce renesansu i rozumieniem piękna, wzniosłości, heroizmu. Zasadę pięknej artystycznej i twórczej osobowości ludzkiej teoretycy renesansu połączyli z próbą matematycznego obliczenia wszelkiego rodzaju proporcji, symetrii i perspektywy.

Myślenie estetyczne i artystyczne tej epoki po raz pierwszy opiera się na ludzkiej percepcji jako takiej i zmysłowo realnym obrazie świata. Uderza tu także subiektywistyczno-indywidualistyczne pragnienie doznań życiowych, niezależnie od ich interpretacji religijnej i moralnej, choć tej drugiej w zasadzie się nie zaprzecza. Estetyka renesansu skupia sztukę na naśladowaniu natury. Jednak na pierwszym miejscu jest tu nie tyle przyroda, co artysta, który w swojej twórczości upodabnia się do Boga.

E. Chamberlin uważa przyjemność za jedną z najważniejszych zasad percepcji dzieł sztuki, gdyż wskazuje to na istotny nurt demokratyczny w przeciwieństwie do scholastycznego „uczenia się” wcześniejszych teorii estetycznych.

Myśl estetyczna renesansu zawiera w sobie nie tylko ideę absolutyzacji jednostki ludzkiej w przeciwieństwie do osobowości Bożej w średniowieczu, ale także pewną świadomość ograniczeń takiego indywidualizmu, opartego na absolutnej autoafirmacji indywidualny. Stąd motywy tragedii, odnajdywane w dziełach W. Szekspira, M. Cervantesa, Michała Anioła itp. Jest to sprzeczny charakter kultury, która odeszła od antycznych absolutów średniowiecznych, ale ze względu na okoliczności historyczne nie znalazła jeszcze nowych niezawodne fundamenty.

Związek sztuki z nauką jest jedną z charakterystycznych cech kultury. Artyści szukali oparcia w naukach ścisłych, często stymulując ich rozwój. Renesans naznaczony jest pojawieniem się artystów-naukowców, wśród których pierwsze miejsce należy do Leonarda da Vinci.

Tak więc jednym z zadań Renesansu jest zrozumienie przez człowieka świata przepełnionego boskim pięknem. Świat przyciąga człowieka, ponieważ jest uduchowiony przez Boga. Ale w renesansie istniał inny trend odczuwania przez człowieka tragedii jego istnienia.

2. Obraz świata i człowieka w dziełach wielkich mistrzów” renesans

Termin „renesans” (tłumaczenie francuskiego terminu „renesans”) wskazuje na związek nowej kultury z antykiem. W wyniku znajomości ze Wschodem, w szczególności z Bizancjum, w epoce wypraw krzyżowych Europejczycy zapoznali się ze starożytnymi manuskryptami humanistycznymi, różnymi zabytkami starożytnej sztuki i architektury. Wszystkie te zabytki zaczęły być częściowo transportowane do Włoch, gdzie były gromadzone i badane. Ale nawet w samych Włoszech było wiele starożytnych rzymskich zabytków, które również zaczęli uważnie badać przedstawiciele włoskiej inteligencji miejskiej. W społeczeństwie włoskim pojawiło się głębokie zainteresowanie klasycznymi językami starożytnymi, starożytną filozofią, historią i literaturą. Szczególnie ważną rolę w tym ruchu odegrało miasto Florencja. Z Florencji wyjechało wiele wybitnych postaci nowej kultury.

Korzystając ze starożytnej ideologii, stworzonej niegdyś w najbardziej żywych w sensie ekonomicznym miastach starożytności, nowa burżuazja przerobiła ją na swój własny sposób, formułując swój nowy światopogląd, ostro przeciwny do dotychczasowego światopoglądu feudalizmu. Dowodzi tego drugie imię nowej włoskiej kultury - humanizm.

Kultura humanistyczna postawiła w centrum uwagi samego człowieka (humanus – człowieka), a nie boskiego, nieziemskiego, jak miało to miejsce w ideologii średniowiecznej. Asceza nie miała już miejsca w światopoglądzie humanistycznym. Ciało ludzkie, jego namiętności i potrzeby nie były postrzegane jako coś „grzesznego”, co trzeba było tłumić lub torturować, ale jako cel sam w sobie, jako najważniejszą rzecz w życiu. Ziemska egzystencja została uznana za jedyną prawdziwą. Znajomość przyrody i człowieka została uznana za istotę nauki. W przeciwieństwie do motywów pesymistycznych, które zdominowały światopogląd średniowiecznych scholastyków i mistyków, w światopoglądzie i nastrojach ludzi renesansu dominowały motywy optymistyczne; charakteryzowała ich wiara w człowieka, w przyszłość ludzkości, w triumf ludzkiego rozumu i oświecenia. W tym wielkim nowym ruchu intelektualnym uczestniczyła konstelacja wybitnych poetów i pisarzy, uczonych i wszelkiego rodzaju artystów. Chwałę Włoch przynieśli tak wspaniali artyści: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michał Anioł, Rafael, Tycjan.

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu była poprawna geometrycznie konstrukcja obrazu. Artysta zbudował obraz wykorzystując opracowane przez siebie techniki. Najważniejsze dla malarzy tamtych czasów było obserwowanie proporcji przedmiotów. Nawet natura uległa sztuczkom matematycznym.

Innymi słowy, artyści renesansu starali się przekazać dokładny obraz, na przykład osoby na tle natury. W porównaniu z nowoczesnymi metodami odtwarzania widzianego obrazu na jakimś płótnie, najprawdopodobniej zdjęcie z późniejszą korektą pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansowi wierzyli, że mają prawo korygować wady natury, to znaczy, jeśli ktoś ma brzydkie rysy twarzy, artyści korygowali je w taki sposób, aby twarz stała się słodka i atrakcyjna.

Przedstawiając sceny biblijne, artyści renesansowi starali się wyjaśnić, że ziemskie przejawy człowieka można przedstawić wyraźniej, jeśli w tym samym czasie zostaną użyte historie biblijne. Możesz zrozumieć, czym jest upadek, pokusa, piekło czy niebo, jeśli zaczniesz poznawać twórczość ówczesnych artystów. Ten sam obraz Madonny przekazuje nam piękno kobiety, a także niesie zrozumienie ziemskiej ludzkiej miłości.

Tak więc w sztuce renesansu drogi naukowego i artystycznego rozumienia świata i człowieka były ze sobą ściśle powiązane. Jej sens poznawczy był nierozerwalnie związany z wysublimowanym poetyckim pięknem, w swoim dążeniu do naturalności nie schodził do małostkowej codzienności. Sztuka stała się powszechną potrzebą duchową.

Wniosek

Tak więc renesans lub renesans to era w życiu ludzkości, naznaczona kolosalnym wzrostem sztuki i nauki. Renesans głosił człowiekowi najwyższą wartość życia.

W sztuce motywem przewodnim była osoba o nieograniczonych możliwościach duchowych i twórczych.Sztuka renesansu położyła podwaliny pod europejską kulturę New Age, radykalnie zmieniła wszystkie główne rodzaje sztuki.

W architekturze rozwinęły się nowe typy budynków użyteczności publicznej.Malarstwo zostało wzbogacone o perspektywę liniową i powietrzną, znajomość anatomii i proporcji ludzkiego ciała.Treści ziemskie przenikały tradycyjne religijne motywy dzieł sztuki. Wzrost zainteresowania mitologią antyczną, historią, scenami codziennymi, pejzażami, portretami. Pojawił się obraz, powstał obraz olejny. Indywidualność twórcza artysty zajęła pierwsze miejsce w sztuce.

W sztuce renesansu drogi naukowego i artystycznego rozumienia świata i człowieka były ze sobą ściśle powiązane.Sztuka stała się powszechną potrzebą duchową.

Niewątpliwie renesans to jedna z najpiękniejszych epok w historii ludzkości.

BIBLIOGRAFIA

Kustodieva T.K. WŁOSKA SZTUKA RENESANSU XIII-XVI WIEKU (PRZEWODNIK) / Т.К. KUSTODIEWA, SZTUKA, 1985. 318 P.
OBRAZY MIŁOŚCI I PIĘKNA W KULTURZE RENESANSU / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
Stiepanow A.V. SZTUKA RENESANSU. WŁOCHY XIV-XV WIEKI / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 P.
Stiepanow A.V. SZTUKA RENESANSU. HOLANDIA, NIEMCY, FRANCJA, HISZPANIA, ANGLIA / A.V. STEPANOV, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 P.
CHAMBERLIN E. WIEK RENESANSU. ŻYCIE, RELIGIA, KULTURA / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 P.

Historia renesansu zaczyna się w Wciąż okres ten nazywany jest renesansem. Renesans przekształcił się w kulturę i stał się prekursorem kultury New Age. Renesans zakończył się w XVI-XVII wieku, ponieważ w każdym stanie ma swoją własną datę rozpoczęcia i zakończenia.

Kilka ogólnych informacji

Przedstawicielami renesansu są Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio. Stali się pierwszymi poetami, którzy zaczęli wyrażać wzniosłe obrazy i myśli szczerym, wspólnym językiem. Ta innowacja została przyjęta z hukiem i rozprzestrzeniła się na inne kraje.

Renesans i sztuka

Cechą renesansu jest to, że ciało ludzkie stało się głównym źródłem inspiracji i przedmiotem badań ówczesnych artystów. Położono więc nacisk na podobieństwo rzeźby i malarstwa do rzeczywistości. Główne cechy sztuki okresu renesansu to blask, wyrafinowane malowanie pędzlem, gra cieni i światła, dokładność w procesie pracy i złożone kompozycje. Dla artystów renesansowych najważniejsze były obrazy z Biblii i mitów.

Podobieństwo rzeczywistej osoby do jego wizerunku na konkretnym płótnie było tak bliskie, że fikcyjna postać wydawała się żywa. Tego nie można powiedzieć o sztuce XX wieku.

Renesans (jego główne nurty krótko zarysowano powyżej) postrzegał ludzkie ciało jako niekończący się początek. Naukowcy i artyści regularnie doskonalili swoje umiejętności i wiedzę, badając ciała jednostek. W tym czasie panowała opinia, że człowiek został stworzony na podobieństwo i obraz Boga. To stwierdzenie odzwierciedlało fizyczną doskonałość. Głównymi i ważnymi obiektami sztuki renesansowej byli bogowie.

Natura i piękno ludzkiego ciała

Sztuka renesansu przywiązywała dużą wagę do natury. Charakterystycznym elementem krajobrazu była urozmaicona i bujna roślinność. Niebo o niebiesko-niebieskim odcieniu, przeszywane promieniami słonecznymi, które przenikały przez białe chmury, było wspaniałym tłem dla szybujących w powietrzu stworzeń. Sztuka renesansu czciła piękno ludzkiego ciała. Cecha ta przejawiała się w wyrafinowanych elementach mięśni i ciała. Trudne pozy, mimika i gestykulacja, dobrze skoordynowana i wyraźna kolorystyka są charakterystyczne dla twórczości rzeźbiarzy i rzeźbiarzy epoki renesansu. Należą do nich Tycjan, Leonardo da Vinci, Rembrandt i inni.

Stworzenie idealnego miasta dręczyło naukowców i architektów z różnych krajów i epok, jednak pierwsze próby zaprojektowania takiego miasta powstały w okresie renesansu. Chociaż naukowcy pracowali na dworze faraonów i cesarzy rzymskich, których prace miały na celu stworzenie pewnego rodzaju idealnej osady, w której nie tylko wszystko byłoby wyraźnie posłuszne hierarchii, ale także w której wygodnie byłoby żyć zarówno dla władcy i prosty rzemieślnik. Przypomnijmy chociażby Achetatona, Mohenjodaro czy fantastyczny projekt zaproponowany przez Stasikrates Aleksandrowi Wielkiemu, zgodnie z którym zaproponował wyrzeźbienie pomnika wodza z Góry Athos z miastem ulokowanym na jego ramieniu. Jedynym problemem było to, że osady te albo pozostały na papierze, albo zostały zniszczone. Pomysł zaprojektowania miasta idealnego przyszedł nie tylko do architektów, ale także do wielu artystów. Istnieją wzmianki o tym, że byli w to zaangażowani Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana i wielu innych.

Piero della Francesco znany był współczesnym przede wszystkim jako autor traktatów o sztuce. Przyszły do nas tylko trzy z nich: „Traktat na liczydle”, „Perspektywa w malarstwie”, „Pięć ciał regularnych”. To on jako pierwszy podniósł kwestię stworzenia miasta idealnego, w którym wszystko podlegałoby obliczeniom matematycznym, obiecując konstrukcje o wyraźnej symetrii. Z tego powodu wielu uczonych przypisuje Pierrotowi obraz „Widok miasta idealnego”, który idealnie wpisuje się w zasady renesansu.

Najbliżej realizacji tak dużego projektu był Leon Battista Alberti. Co prawda nie udało mu się zrealizować swojego pomysłu w całości, ale pozostawił po sobie dużą ilość rysunków i notatek, według których innym artystom udało się w przyszłości osiągnąć to, czego nie udało się Leonowi. W szczególności Bernardo Rosselino był wykonawcą wielu jego projektów. Ale Leon realizował swoje zasady nie tylko na piśmie, ale także na przykładzie wielu budowanych przez siebie budynków. W zasadzie są to liczne pałace przeznaczone dla rodzin szlacheckich. Swój przykład idealnego miasta architekt ujawnia w swoim traktacie O architekturze. Naukowiec pisał tę pracę do końca życia. Została wydana pośmiertnie i stała się pierwszą drukowaną książką ujawniającą problemy architektury. Według Leona idealne miasto musiało odzwierciedlać wszystkie potrzeby człowieka, odpowiadać na wszystkie jego humanistyczne potrzeby. I to nie przypadek, bo wiodącą myślą filozoficzną renesansu był humanizm antropocentryczny. Miasto powinno być podzielone na dzielnice, które zostałyby podzielone według zasady hierarchicznej lub według rodzaju zatrudnienia. W centrum, na głównym placu, znajduje się budynek, w którym skupiona byłaby władza miasta, a także główna katedra oraz domy rodzin szlacheckich i zarządców miast. Bliżej przedmieść znajdowały się domy kupców i rzemieślników, a biedni mieszkali na samej granicy. Taki układ budynków, zdaniem architekta, był przeszkodą w powstawaniu różnych niepokojów społecznych, ponieważ domy bogatych byłyby oddzielone od mieszkań biednych obywateli. Inną ważną zasadą planowania jest to, że musiał odpowiadać potrzebom każdej kategorii obywateli, aby zarówno władca, jak i duchowny mogli wygodnie mieszkać w tym mieście. Miał zawierać wszystkie budynki, od szkół i bibliotek po targi i łaźnie termalne. Ważna jest również publiczna dostępność takich budynków. Nawet jeśli zignorujemy wszystkie etyczne i społeczne zasady idealnego miasta, to zewnętrzne, artystyczne wartości pozostają. Układ musiał być regularny, zgodnie z którym miasto było podzielone na wyraźne kwartały prostymi ulicami. Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie konstrukcje architektoniczne powinny podlegać geometrycznym kształtom i być rysowane wzdłuż linijki. Kwadraty były okrągłe lub prostokątne. Zgodnie z tymi zasadami stare miasta, takie jak Rzym, Genua, Neapol, zostały poddane częściowej rozbiórce starych średniowiecznych ulic i budowie nowych przestronnych kwartałów.

W niektórych traktatach znaleziono podobną uwagę dotyczącą wypoczynku ludzi. Dotyczyło to głównie chłopców. Zaproponowano budowę placów zabaw i skrzyżowań w miastach tego typu, aby bawiąca się młodzież była pod stałą opieką dorosłych, którzy mogliby je bez przeszkód obserwować. Te środki ostrożności miały na celu wychowanie roztropności młodych ludzi.

Kultura renesansu pod wieloma względami dawała pożywkę do dalszej refleksji nad strukturą idealnego miasta. Dotyczyło to zwłaszcza humanistów. Zgodnie z ich światopoglądem wszystko powinno być stworzone dla osoby, dla jej wygodnej egzystencji. Kiedy wszystkie te warunki zostaną spełnione, człowiek otrzyma spokój społeczny i duchowe szczęście. Dlatego w takich
społeczeństwo po prostu a priori nie może mieć wojen ani zamieszek. Ludzkość dążyła do takiego wyniku przez całe swoje istnienie. Przypomnijmy przynajmniej słynną „Utopię” Thomasa More'a czy „1984” George'a Orwella. Prace tego typu wpłynęły nie tylko na cechy użytkowe, ale także zastanowiły się nad relacjami, porządkiem i strukturą społeczności zamieszkującej tę miejscowość, niekoniecznie miasto, może nawet świat. Ale te fundamenty zostały położone w XV wieku, więc możemy śmiało powiedzieć, że naukowcy renesansu byli wszechstronnie wykształconymi ludźmi swoich czasów.

Wstęp

Renesans jako nowy światopogląd i nowy styl artystyczny pojawił się we Włoszech pod koniec XIV wieku. Pierwsze idee urbanistyczne przedstawiały miasto jako jedność architektoniczną według z góry ustalonego planu. Pod wpływem tych idei, zamiast wąskich i krzywych średniowiecznych uliczek, we włoskich miastach zaczęły pojawiać się proste, szersze ulice zabudowane dużymi budynkami.

Renesansowy układ i architektura placów ukształtowała się w XV-XVI wieku. w Rzymie i innych większych włoskich miastach.

W tym okresie odbudowano tu kilka miast, stosując nowe zasady urbanistyki. W większości przypadków pałace w takich miastach znajdowały się na centralnych placach, co czasami stanowiło początek trójbelkowych kompozycji.

Renesansowe miasta stopniowo nabierały nowych cech pod wpływem przemian społecznych. Jednak ze względu na prywatną własność gruntu i zacofaną technologię nie można było szybko przenieść się ze starego miasta do nowego. We wszystkich okresach renesansu główne wysiłki urbanistów skierowane były na rozwój centrum miasta - placu i najbliższych kwartałów. W okresie rozkwitu państw monarchicznych w XVIII wieku. Zespoły centralnych placów miast miały wyjątkowe znaczenie jako ich główne dekoracje. Place miejskie miały w większości poprawne geometrycznie obrysy.

Jeśli architekturę starożytnych placów greckich i rzymskich charakteryzowały kolumny i portyki, to dla placów epoki renesansu arkady stały się nowymi elementami, rozwijającymi się równolegle z rozwojem całych systemów placów.

W większości średniowiecznych miast brakowało ozdobnej zieleni. W ogrodach klasztornych uprawiano sady; za miejskimi fortyfikacjami znajdowały się sady czy winnice mieszczan. w Paryżu w XVIII wieku. pojawiają się alejki, przycięta zieleń, klomby ogrodowe. Jednak parki pałacowe i zamkowe były własnością prywatną. Ogrody publiczne w większości miast europejskich pojawiają się dopiero pod koniec XVIII wieku.

Zbiorniki wodne w średniowieczu były w istocie przeszkodą w rozwoju miasta, dzieląc jego dzielnice i służyły wąskim celom praktycznym. Od XVIII wieku rzeki zaczęto wykorzystywać jako elementy łączące miasta, aw sprzyjających warunkach - jako osie kompozycyjne. Żywym przykładem jest mądre wykorzystanie urbanistyczne rzek Newy i Newki w Petersburgu. Budowa mostów i budowa nasypów utrwaliła ten kierunek w urbanistyce.

W średniowieczu panoramę miasta w dużej mierze wyznaczały spiczaste wieże administracji miejskich, kościołów i budynków użyteczności publicznej. Sylwetkę miasta wyznaczało wiele małych pionów i kilka dominujących. W związku z nowym artystycznym rozumieniem sylwetki miasta stopniowo likwidowano wysokie średniowieczne dachy, uzupełniano renesansowe budowle dachami z attykami i balustradami.

Wraz ze wzrostem skali budynków i nowymi typami przekryć sylwetkę miasta łagodzą kopuły o gładkich konturach, które w panoramach miast zyskały dominującą rolę. Na ich zmianę duży wpływ miały ogrody i parki, których drzewa w dużej mierze skrywają budynki.

Architekci renesansu posługiwali się w urbanistyce ścisłymi środkami wyrazu: harmonicznymi proporcjami, skalą człowieka jako miarą otaczającego go środowiska architektonicznego.

Ideologiczna walka rodzącej się burżuazji włoskiej przeciwko średniowiecznym formom religii, moralności i prawa zaowocowała szerokim ruchem postępowym - humanizmem. Humanizm opierał się na zasadach afirmujących życie obywatelskie: dążeniu do wyzwolenia osobowości człowieka z przymusu duchowego, pragnieniu poznania świata i samego człowieka, a w konsekwencji pragnieniu świeckich form życia społecznego, pragnienie poznania praw i piękna natury, wszechstronnego harmonijnego doskonalenia się człowieka. Te zmiany światopoglądowe doprowadziły do rewolucji we wszystkich sferach życia duchowego - sztuce, literaturze, filozofii, nauce. W swoich działaniach humaniści w dużej mierze opierali się na starożytnych ideałach, często ożywiając nie tylko idee, ale także same formy i środki wyrazu starożytnych dzieł. W związku z tym ruch kulturalny Włoch w XV-XVI wieku. zwany renesansem lub zmartwychwstaniem

Światopogląd humanistyczny stymulował rozwój jednostki, zwiększał jej znaczenie w życiu publicznym. Indywidualny styl mistrza odgrywał coraz większą rolę w rozwoju sztuki i architektury. Kultura humanizmu wypuściła całą plejadę genialnych architektów, rzeźbiarzy, artystów, takich jak Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Rafael, Michał Anioł, Palladio i inni.

Chęć stworzenia „idealnego wizerunku osoby”, połączona z poszukiwaniem metod artystycznego poznawania świata, doprowadziła do swoistego renesansowego realizmu poznawczego, opartego na ścisłym związku sztuki z szybko rozwijającą się nauką. W architekturze poszukiwanie „idealnych” form budynków, opartych na kompletnej i kompletnej kompozycji, stało się jednym z jej wyznaczających trendów. Wraz z rozwojem nowych typów budowli cywilnych i sakralnych postępuje rozwój myśli architektonicznej, istnieje pilna potrzeba teoretycznych uogólnień współczesnego doświadczenia, zwłaszcza historycznego, a przede wszystkim antycznego.

Trzy okresy włoskiego renesansu

Architektura renesansu we Włoszech dzieli się na trzy główne okresy: wczesny, wysoki i późny. centrum architektoniczne Wczesny renesans była Toskania z głównym miastem - Florencją. Okres ten obejmuje drugą ćwierć i połowę XV wieku. Za początek renesansu w architekturze uważa się rok 1420, kiedy rozpoczęła się budowa kopuły nad katedrą florencką. Osiągnięcia budowlane, które doprowadziły do powstania ogromnej formy centrycznej, stały się swoistym symbolem architektury New Age.

1. Okres wczesnego renesansu

Wczesny renesans w architekturze charakteryzują przede wszystkim formy budowli stworzone przez słynnego architekta inżyniera Filippo Brunellesco (pierwsza połowa XV wieku). W szczególności użył lekkiego półkola zamiast ostrołukowego łuku w sierocińcu we Florencji. Charakterystyczne dla architektury gotyckiej sklepienie krzyżowo – żebrowe zaczęło ustępować nowemu projektowi – zmodyfikowanemu sklepieniu skrzynkowym. Jednak lancetowe formy łuku były nadal używane do połowy XVI wieku.

Jednym z wybitnych budynków Brunellesco była ogromna kopuła katedry Santa Maria del Fiore we Florencji, która pozostawała niedokończona od XIV wieku.

W postaci dużej kopuły stworzonej przez architekta zauważalne jest echo gotyckiego łuku ostrołukowego. Rozpiętość kopuły tej katedry jest duża – 42m. Sklepienia kopuły, wykonane z cegły, spoczywają na ośmiobocznej podstawie z bali obitych żelazną blachą. Dzięki udanemu usytuowaniu katedry na wzgórzu i jej wysokiej wysokości (115 m), jej górna część, a zwłaszcza kopuła, nadaje powagi i oryginalności architektonicznej panoramie Florencji.

Architektura cywilna zajmowała znaczące miejsce w architekturze włoskiego renesansu. To przede wszystkim duże pałace miejskie (palazzo), które oprócz mieszkań przeznaczone były na uroczyste przyjęcia. Średniowieczne pałace, stopniowo zrzucając surowe romańskie i gotyckie stroje za pomocą marmurowych okładzin i rzeźb, nabrały wesołego wyglądu.

Cechą renesansowych elewacji są ogromne łukowe otwory okienne przedzielone kolumnami, boniowanie pięter kamieniami, górne płyty, duże gzymsy ryzalitowe i drobno kreślone detale. W przeciwieństwie do surowych fasad, architektura dobrze oświetlonych wnętrz ma pogodny charakter.

Do dekoracji fasad pałaców wczesnego renesansu często stosowano boniowanie. Kamienie do boniowania miały zwykle nieobrobioną (odłupaną) powierzchnię czołową z gładko ociosaną ścieżką graniczną. Rzeźba boniowania malała wraz ze wzrostem liczby kondygnacji. Później dekoracja z boniowaniem zachowała się jedynie przy obróbce cokołów i na narożach budynków.

W XV wieku. Włoscy architekci często posługiwali się porządkiem korynckim. Często zdarzały się przypadki łączenia kilku porządków w jednym budynku: dla niższych kondygnacji - porządek dorycki, a dla górnych - kompozycja kapiteli, zbliżona proporcjami i wzorem do typu jońskiego.

Jeden z przykładów architektury pałacowej połowy XV wieku. we Florencji może służyć trzypiętrowy Pałac Medici-Ricardi, zbudowany według projektu architekta Michelozza di Bartolomeo w latach 1444-1452, na polecenie Cosimo Medici, władcy Florencji. Zgodnie ze schematem fasady Pałacu Medyceuszy zbudowano później setki pałaców w innych miastach.

Dalszym rozwinięciem kompozycji pałacu jest palazzo Rucchelai we Florencji zbudowany w latach 1446–1451 projekt Leon Battista Alberti (1404–1472). Podobnie jak starożytne rzymskie Koloseum, jego fasada jest podzielona na kondygnacje według porządków z przejściem od najprostszego porządku doryckiego na dolnym poziomie do bardziej subtelnego i bogatego porządku korynckiego na górnym poziomie.

Wrażenie rozjaśnienia budynku w górę, powstałe w Palazzo Medici-Riccardi za pomocą boniowania ścian, wyraża się tu w postaci spiętrzonego systemu rozświetlających się w górę porządków. Jednocześnie duży gzyms wieńczący jest skorelowany nie z wysokością górnej kondygnacji, ale z wysokością budynku jako całości, dzięki czemu kompozycja nabrała cech kompletności i statyki. W opracowaniu elewacji zachowane są tradycyjne motywy: podwójne łukowe okna wywodzące się ze średniowiecznej formy okien, boniowanie ścian, ogólna monumentalność obłoku itp.

Kaplica Pazzich (1430-1443) - budynek z kopułą, posadowiony na dziedzińcu klasztoru. W kompozycji fasady wyeksponowano wewnętrzną strukturę wypreparowaną zamówieniem z kubaturą hali z dominującą nad nią kopułą na żaglach. Kolumnadzie, przeciętej wzdłuż osi łukiem i zakończonej drobno rozciętą attyką, współgrają z kartelizowanymi pilastrami na wewnętrznej ścianie loggii i wysuniętymi artykulacjami łuków na sklepieniu.

Korespondencja zamówień i powtórzenie kopuł w loggii i części ołtarzowej przyczyniają się do organicznego połączenia fasady z wnętrzem. Ściany wewnątrz rozczłonkowane są płaskimi, ale podkreślonymi kolorami pilastrami, które kontynuując podziały sklepień dają wyobrażenie o logice przestrzeni zabudowy, systemie tektonicznym. Rozwijający się trójwymiarowo porządek podkreśla jedność i podporządkowanie głównych części. Wizualne „ramy” charakteryzują także rozcięcie kopuły od wewnątrz, przypominające nieco strukturę gotyckich sklepień nerwowych. Jednak harmonia form porządku i klarowność struktury tektonicznej, równowaga i współmierność do człowieka mówią o triumfie nowych ideałów architektonicznych nad zasadami średniowiecza.

Obok Brunellesco i Michelozza da Bartolomeo ważną rolę w rozwoju nowej architektury odegrali także inni mistrzowie (Rosselino, Benedetto da Maiano itp.), których twórczość kojarzyła się głównie z Toskanią i północnymi Włochami. Alberti, który oprócz Palazzo Ruccellai zbudował szereg dużych budowli (fasada kościoła Santa Maria Novella, kościół Sant'Andrea w Mantui itp.), uzupełnia ten okres.

2. Okres wysokiego renesansu

Okres wysokiego renesansu to koniec XV - pierwsza połowa XVI wieku. W tym czasie, ze względu na ruch głównych szlaków handlowych z Morza Śródziemnego do Oceanu Atlantyckiego, Włochy doświadczały znanego upadku gospodarczego i zmniejszenia produkcji przemysłowej. Często burżuazja skupowała ziemię i zamieniała się w lichwiarzy i właścicieli ziemskich. Procesowi feudalizacji burżuazji towarzyszy powszechna arystokratyzacja kultury, punkt ciężkości zostaje przeniesiony na krąg dworski szlachty: książąt, książąt, papieży. Rzym staje się centrum kultury - rezydencją papieży, często wybieranych spośród przedstawicieli humanistycznej arystokracji. W Rzymie trwają ogromne prace budowlane. W tym przedsięwzięciu, podjętym przez dwór papieski w celu podniesienia własnego prestiżu, społeczność humanistyczna dostrzegła doświadczenie odradzania się wielkości starożytnego Rzymu, a wraz z nim wielkości całej Italii. Na dworze, który wstąpił na tron w 1503 roku. Humanista papieża Juliusza II był dziełem najwybitniejszych architektów – m.in. Bramantego, Rafaela, Michała Anioła, Antonio da Sangallo i innych.

W architekturze tego okresu główne cechy i nurty renesansu uzyskują swój ostateczny wyraz. Tworzone są najdoskonalsze kompozycje centryczne. Kształtuje się wreszcie typ palazzo miejskiego, który w tym okresie nabiera cech budynku nie tylko prywatnego, ale i publicznego, a tym samym na pewnym obszarze staje się pierwowzorem wielu kolejnych budynków użyteczności publicznej. Przełamany zostaje kontrast charakterystyczny dla okresu wczesnego renesansu (pomiędzy cechami architektonicznymi wyglądu zewnętrznego pałacu i jego dziedzińca. Pod wpływem bardziej systematycznej i trafniejszej archeologicznie znajomości z zabytkami starożytnymi, kompozycje porządkowe stają się bardziej rygorystyczne: wraz z jońskim i korynckimi, szeroko stosowane są porządki prostsze i bardziej monumentalne - rzymsko-doryckie i toskańskie, a misternie zaprojektowana arkada na kolumnach ustępuje miejsca bardziej monumentalnej arkadzie porządku. monumentalność, problem stworzenia regularnego zespołu urbanistycznego stawiany jest realnie, wille wiejskie budowane są jako integralne zespoły architektoniczne.

Najważniejszym architektem tego okresu był Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Budynek Cancelleria przypisywany Bramante (główny urząd papieski) w Rzymie - jeden z wybitnych budynków pałacowych - to ogromny równoległościan z prostokątnym dziedzińcem otoczonym arkadami. Harmonijna kompozycja fasad rozwija zasady określone w Palazzo Ruccellai, ale ogólna rytmiczna struktura tworzy bardziej złożony i uroczysty obraz. Pierwsze piętro, traktowane jako piwnica, potęgowało kontrast lekkim blatem. Duże znaczenie w kompozycji zyskały rytmicznie ułożone akcenty plastyczne tworzone przez duże otwory i obramowujące je listwy. Rytm artykulacji poziomych stał się jeszcze wyraźniejszy.

Wśród obiektów sakralnych Bramante na dziedzińcu klasztoru San Pietro in Montrrio wyróżnia się niewielka kaplica, zwana Tempietto. (1502) - budynek położony wewnątrz dość ciasnego dziedzińca, który miał być otoczony w planie kolistą arkadą.

Kaplica to kopulasta rotunda otoczona rzymską kolumnadą dorycką. Budynek wyróżnia doskonałość proporcji, porządek interpretowany jest ściśle i konstruktywnie. W porównaniu z centrycznymi budynkami wczesnego renesansu, gdzie dominuje liniowo-płaska zabudowa murów (Kaplica Pazzi), kubatura Tempietta jest plastyczna: jego uporządkowana plastyczność koresponduje z tektoniczną integralnością kompozycji. Kontrast między monolitycznym rdzeniem rotundy a kolumnadą, między gładkością muru a plastycznością głębokich nisz i pilastrów podkreśla wyrazistość kompozycji, pełną harmonię i kompletność. Mimo niewielkich rozmiarów Tempietto sprawia wrażenie monumentalności. Już przez współczesnych Bramantego budynek ten został uznany za jedno z arcydzieł architektury.

Będąc głównym architektem na dworze papieża Juliusza II, Bramante od 1505 roku. działa na rzecz odbudowy Watykanu. Powstał okazały kompleks budowli obrzędowych i uroczystych dziedzińców rozmieszczonych na różnych poziomach, podporządkowanych jednej osi, zamknięty majestatyczną eksedrą Belwederu. W tym, w istocie, pierwszym renesansowym zespole o tak imponującym projekcie, po mistrzowsku zastosowano techniki kompozytorskie starożytnych forów rzymskich. Rezydencja papieska miała być połączona z inną okazałą budowlą w Rzymie – Katedrą Piotrową, do budowy której również przyjęto projekt Bramante. Doskonałość kompozycji centrycznej i rozmach projektu Katedry Piotra Bramantego dają powód do uznania tego dzieła za szczyt rozwoju architektury renesansowej. Jednak projekt nie był przeznaczony do realizacji w naturze: za życia Bramante dopiero rozpoczęto budowę katedry, która od 1546 r., 32 lata po śmierci architekta, została przekazana Michałowi Aniołowi.

Wielki artysta i architekt Rafael Santi wziął udział w konkursie na projekt Katedry Piotrowej, a także w budowie i malowaniu budynków Watykanu wraz z Bramantem, który zbudował i pomalował słynne loggie Watykanu, które otrzymały jego imię („Logie Rafaela”), a także szereg niezwykłych budowli, zarówno w samym Rzymie, jak i poza nim (budowa i malowanie Villa Madama w Rzymie, Pałac Pandolfini we Florencji itp.).

Jeden z najlepszych uczniów Bramante - architekt Antonio da Sangallo Jr. - jest właścicielem projektu Palazzo Farnese w Rzymie , w pewnym stopniu zakończył ewolucję renesansowego pałacu.

W zabudowie jej elewacji brak jest tradycyjnych boniowań i artykulacji pionowych. Na gładkiej, ceglanej powierzchni ściany wyraźnie wyróżniają się szerokie poziome pasy biegnące wzdłuż całej elewacji; jakby wsparte na nich, są okna z wytłoczonymi architrawami w formie antycznej „edykuły”. Okna pierwszego piętra, w przeciwieństwie do pałaców florenckich, mają takie same wymiary jak okna wyższych pięter. Budowla została uwolniona od izolacji fortecznej, wciąż tkwiącej w pałacach wczesnego renesansu. W przeciwieństwie do pałaców z XV wieku, gdzie dziedziniec otaczały lekkie łukowe krużganki na kolumnach, pojawia się tu monumentalna arkada porządkowa z półkolumnami. Porządek galerii jest nieco cięższy, nabierając cech powagi i reprezentacyjności. Wąskie przejście między dziedzińcem a ulicą zostało zastąpione otwartym „przedsionkiem”, odsłaniającym perspektywę podwórza od frontu.

3. Późny renesans

Za późny okres renesansu uważa się zwykle połowę i koniec XVI wieku. W tym czasie we Włoszech trwała dekoniunktura. Wzrosła rola szlachty feudalnej i organizacji kościelno-katolickich. Aby zwalczyć reformację i wszelkie przejawy antyreligijnego ducha, powołano Inkwizycję. W tych warunkach humaniści zaczęli doświadczać prześladowań. Znaczna ich część, ścigana przez inkwizycję, przeniosła się do północnych miast Włoch, zwłaszcza do Wenecji, która nadal zachowała prawa niepodległej republiki, gdzie wpływy religijnej kontrreformacji nie były tak silne. Pod tym względem w okresie późnego renesansu najbardziej uderzające były dwie szkoły - rzymska i wenecka. W Rzymie, gdzie ideologiczna presja kontrreformacji silnie wpłynęła na rozwój architektury, wraz z rozwojem zasad wysokiego renesansu następuje odejście od klasyki w kierunku bardziej złożonych kompozycji, większej dekoracyjności, pogwałcenia klarowność form, skala i tektoniczność. W Wenecji, mimo częściowego przenikania nowych trendów do architektury, bardziej zachowała się klasyczna podstawa kompozycji architektonicznej.

Wybitnym przedstawicielem szkoły rzymskiej był wielki Michał Anioł Buonarroti (1475-1564). W jego pracach architektonicznych kładzione są podwaliny nowego rozumienia formy, charakterystyczne dla tego okresu, wyróżniające się dużą ekspresją, dynamiką i wyrazistością plastyczną. Jego twórczość, która miała miejsce w Rzymie i Florencji, ze szczególną mocą odzwierciedlała poszukiwanie obrazów zdolnych wyrazić ogólny kryzys humanizmu i wewnętrzny niepokój, jakiego doświadczały wówczas postępowe kręgi społeczeństwa przed zbliżającymi się siłami reakcji. Jako genialny rzeźbiarz i malarz Michał Anioł potrafił znaleźć jasne, plastyczne środki, by wyrazić w sztuce wewnętrzną siłę swoich bohaterów, nierozwiązany konflikt ich świata duchowego, tytaniczne wysiłki w walce. W twórczości architektonicznej odpowiadało to podkreśleniu identyfikacji plastyczności form i ich intensywnej dynamice. Zakon Michała Anioła często tracił swoje znaczenie tektoniczne, stając się środkiem do zdobienia ścian, tworząc powiększone masy, które zadziwiają skalą i plastycznością. Śmiało łamiąc zasady architektoniczne znane renesansowi, Michał Anioł był do pewnego stopnia twórcą manier twórczych, które zostały później podchwycone w architekturze włoskiego baroku.Ukończenie Katedry Piotrowej w Rzymie po śmierci Bramantego należy do największych dzieła architektoniczne Michała Anioła. Michał Anioł, opierając się na schemacie centrycznym zbliżonym do planu Bramantego, wprowadził do jego interpretacji nowe cechy: uprościł plan i uogólnił przestrzeń wewnętrzną, umasowił podpory i ściany, dodał od zachodu portyk z uroczystą kolumnadą. fasada. W trójwymiarowej kompozycji spokojna równowaga i podporządkowanie przestrzeni projektu Bramantego przekładają się na podkreśloną dominację kopuły głównej i przestrzeni podkopułowej. W kompozycji elewacji wyrazistość i prostotę zastąpiły bardziej złożone i duże formy plastyczne, ściany rozcięte są gzymsami i pilastrami o dużej Porządek koryncki z potężnym belkowaniem i wysokim poddaszem; między pilastrami umieszczono otwory okienne, nisze i różne elementy dekoracyjne (gzymsy, wsporniki, sandryki, posągi itp.) niejako wciśnięte w filary, nadając ścianom niemal rzeźbiarską plastyczność.

W składzie Kaplicy Medyceuszy kościół San Lorenzo we Florencji (1520), wnętrze i rzeźby Michała Anioła połączyły się w jedną całość. Formy rzeźbiarskie i architektoniczne są pełne wewnętrznego napięcia i dramatu. Ich ostra ekspresja emocjonalna przeważa nad podłożem tektonicznym, porządek interpretowany jest jako element ogólnej koncepcji rzeźbiarskiej artysty.

Jednym z wybitnych architektów rzymskich późnego renesansu jest także Vignola, autor traktatu „Zasada pięciu porządków architektury”. Najważniejsze z jego dzieł to zamek Caprarola i willa papieża Juliusza II. . W okresie renesansu typ willi ulega znacznemu rozwojowi związanemu ze zmianą jej treści użytkowej. Nawet na początku XV wieku. była to posiadłość wiejska, często otoczona murami, a czasem nawet posiadała baszty obronne. Pod koniec XV wieku. willa staje się miejscem wiejskiego wypoczynku dla zamożnych obywateli (Villa Medici koło Florencji), a od XVI wieku. często staje się rezydencją wielkich panów feudalnych i wyższego duchowieństwa. Willa traci swoją intymność i nabiera charakteru frontonowo-osiowej konstrukcji, otwartej na otaczającą przyrodę.

Przykładem tego typu jest willa papieża Juliusza II. Jego ściśle osiowa i prostokątna kompozycja schodzi półkami w dół zbocza, tworząc złożoną grę otwartych, półotwartych i zamkniętych przestrzeni rozmieszczonych na różnych poziomach. Na kompozycję mają wpływ starożytne rzymskie fora i sądy Watykanu.

Wybitnymi mistrzami szkoły weneckiej późnego renesansu byli Sansovino, który wzniósł gmach Biblioteki św. klasyczna szkoła renesansowa – architekt Palladio.

Działalność Andrei Palladio (1508 - 1580) przebiegała głównie w mieście Vicenza, niedaleko Wenecji, gdzie budował budowle pałacowe i wille, a także w Wenecji, gdzie budował głównie budowle sakralne. Jego praca w wielu budynkach była reakcją na antyklasyczne tendencje późnego renesansu. Starając się zachować czystość klasycznych zasad, Palladio opiera się na bogatym doświadczeniu, które zdobył w procesie studiowania starożytnego dziedzictwa. Stara się ożywić nie tylko formy porządkowe, ale całe elementy, a nawet typy budowli z okresu antycznego. Wiodący konstrukcyjnie portyk porządku staje się głównym tematem wielu jego prac.

W Willi Rotonda , zbudowany w okolicach Vicenzy (rozpoczęty w 1551), mistrz osiągnął wyjątkową integralność i harmonię kompozycji. Usytuowane na wzgórzu i dobrze widoczne z daleka cztery elewacje willi z portykami ze wszystkich stron wraz z kopułą tworzą wyraźną kompozycję centryczną.

W centrum znajduje się okrągła kopuła hali, z której wyjścia prowadzą pod portykami. Szerokie schody portykowe łączą budynek z otaczającą przyrodą. Centralna kompozycja odzwierciedla ogólne dążenia renesansowych architektów do absolutnej kompletności kompozycji, klarowności i geometryczności form, harmonijnego połączenia poszczególnych części z całością oraz organicznego zespolenia budynku z naturą.

Ale ten „idealny” schemat kompozycji pozostał jednolity. Przy rzeczywistej budowie licznych willi Palladio zwracał większą uwagę na tzw. schemat trójdzielny, składający się z głównej bryły i ciągnących się od niego na boki parterowych galerii porządkowych, służących do komunikacji z służbami osiedla i zorganizowanie frontowego dziedzińca przed fasadą willi. To właśnie ten schemat wiejskiej rezydencji miał później licznych zwolenników przy budowie pałaców dworskich.

W przeciwieństwie do swobodnej zabudowy kubatur wiejskich willi, miejskie pałace Palladia mają zazwyczaj surową i lakoniczną kompozycję z dużą i monumentalną fasadą główną. Architekt szeroko posługuje się dużym zamówieniem, interpretując je jako rodzaj systemu „słup – ściana”. Uderzającym przykładem jest palazzo Capitanio (1576), którego ściany ozdobione są kolumnami o dużym porządku kompozytowym z potężnym, luźnym belkowaniem. Górna kondygnacja, rozbudowana w formie nadbudowy (poddasze), nadała budynkowi kompletności i monumentalności,

Palladio szeroko stosował również w swoich miejskich pałacach dwupoziomowy podział fasad z orderami, a także order umieszczony na wysokiej boniowanej piwnicy - technikę zastosowaną po raz pierwszy przez Bramantego, a następnie szeroko stosowaną w architekturze klasycystycznej.

Wniosek

Nowoczesna architektura, szukając form własnej manifestacji stylistycznej, nie ukrywa, że korzysta z dziedzictwa historycznego. Najczęściej odwołuje się do tych teoretycznych koncepcji i zasad kształtowania, które w przeszłości osiągnęły największą czystość stylistyczną. Czasami wydaje się nawet, że wszystko, co żyło w XX wieku, wracało w nowej formie i szybko się powtarzało.

Wiele z tego, co człowiek ceni w architekturze, odwołuje się nie tyle do skrupulatnej analizy poszczególnych części obiektu, ile do jego syntetycznego, integralnego obrazu, do sfery emocjonalnej percepcji. Oznacza to, że architektura jest sztuką lub w każdym razie zawiera elementy sztuki.

Czasami architekturę nazywa się matką sztuk, co oznacza, że malarstwo i rzeźba rozwijały się przez długi czas w nierozerwalnym, organicznym związku z architekturą. Architekta i artystę zawsze łączyło w swojej pracy wiele, a czasem dobrze dogadywało się w jednej osobie. Starożytny grecki rzeźbiarz Fidiasz jest słusznie uważany za jednego z twórców Partenonu. Zgrabna dzwonnica głównej katedry we Florencji, Santa Maria del Fiore, została zbudowana „według rysunku” wielkiego malarza Giotta. Michał Anioł, który był równie wspaniały jako architekt, rzeźbiarz i malarz. Rafał z powodzeniem działał również na polu architektonicznym. Ich współczesny malarz Giorgio Vasari zbudował ulicę Uffizi we Florencji. Taka synteza talentu artysty i architekta znalazła się nie tylko wśród tytanów renesansu, ale wyznaczyła także nowy czas. Artyści użytkowy Anglik William Morris i Belg Van de Velde wnieśli wielki wkład w rozwój nowoczesnej architektury. Corbusier był utalentowanym malarzem, a Alexander Vesnin genialnym artystą teatralnym. Radzieccy artyści K. Malewicz i L. Lissitzky ciekawie eksperymentowali z formą architektoniczną, a ich kolega i współczesny Vladimir Tatlin stał się autorem legendarnego projektu 111 International Tower. Autor słynnego projektu Pałacu Sowietów, architekt B. Iofan, słusznie uważany jest za współautora rzeźby „Robotnik i dziewczyna z kołchozu” wraz z wybitną artystką radziecką Verą Mukhiną.

Przedstawienie graficzne i trójwymiarowy układ to główne środki, za pomocą których architekt szuka i broni swoich decyzji. Odkrycie perspektywy linearnej w okresie renesansu aktywnie wpłynęło na przestrzenną koncepcję architektury tego czasu. Ostatecznie zrozumienie perspektywy linearnej doprowadziło do połączenia placu, schodów, budynku w jedną kompozycję przestrzenną, a następnie do powstania gigantycznych zespołów architektonicznych baroku i wysokiego klasycyzmu. Wiele lat później eksperymenty artystów kubistycznych wywarły ogromny wpływ na rozwój kreacji formy architektonicznej. Próbowali przedstawić obiekt z różnych punktów widzenia, osiągnąć jego trójwymiarową percepcję poprzez nałożenie kilku obrazów, rozszerzyć możliwości percepcji przestrzennej poprzez wprowadzenie czwartego wymiaru - czasu. Ta trójwymiarowa percepcja posłużyła jako punkt wyjścia do formalnych poszukiwań nowoczesnej architektury, która przeciwstawiała płaski ekran fasady misterną grą brył i płaszczyzn swobodnie rozmieszczonych w przestrzeni.

Rzeźba i malarstwo nie od razu uniezależniły się od architektury. Początkowo były tylko elementami struktury architektonicznej. Minęło ponad sto lat, zanim obraz oderwał się od ściany lub ikonostasu. Pod koniec renesansu, na Piazza della Signoria we Florencji, rzeźby wciąż nieśmiało tłoczą się wokół budynków, jakby bały się całkowicie zerwać z fasadami. Michał Anioł jako pierwszy wzniósł pomnik konny na środku Placu Kapitolińskiego w Rzymie. Jest rok 1546. Od tego czasu pomnik, rzeźba monumentalna, zyskuje prawa samodzielnego elementu kompozycji, organizującego przestrzeń miejską. Co prawda forma rzeźbiarska jeszcze przez jakiś czas żyje na ścianach konstrukcji architektonicznej, ale te ostatnie ślady „dawnego luksusu” stopniowo z nich znikają.

Corbusier afirmuje tę kompozycję nowoczesnej architektury z charakterystyczną dla siebie pewnością: „Ani rzeźby, ani malarstwa nie uznaję za dekorację. Przyznam, że obydwa potrafią wywoływać w widzu głębokie emocje w taki sam sposób, w jaki oddziałuje na Ciebie muzyka i teatr – wszystko zależy od jakości pracy, ale zdecydowanie jestem przeciwnikiem dekoracji. Z drugiej strony, patrząc na dzieło architektoniczne, a zwłaszcza platformę, na której jest wzniesiona, widać, że pewne miejsca samego budynku i wokół niego są pewnymi intensywnymi miejscami matematycznymi, które okazują się niejako kluczem do proporcji pracy i jej otoczenia. Są to miejsca o największej intensywności i właśnie w tych miejscach może się urzeczywistnić określony cel architekta - czy to w postaci basenu, czy kamiennego bloku, czy posągu. Można powiedzieć, że w tym miejscu łączą się wszystkie warunki do wygłoszenia przemówienia, przemówienia artysty, przemówienia plastycznego.

Włoska architektura wczesnego renesansu (Quattrocento) otworzyła nowy okres w rozwoju architektury europejskiej, porzucając dominującą w Europie sztukę gotycką i ustanawiając nowe zasady oparte na systemie porządkowym.

W tym okresie celowo i świadomie badano starożytną filozofię, sztukę i literaturę. Starożytność została więc narzucona na silne wielowiekowe tradycje średniowiecza, zwłaszcza sztuki chrześcijańskiej, przez co specyficznie złożony charakter kultury renesansu opiera się na przemianach i przeplataniu się podmiotów pogańskich i chrześcijańskich.

Quattrocento to czas poszukiwań eksperymentalnych, kiedy do głosu doszła nie intuicja, jak w epoce protorenesansu, ale ścisła wiedza naukowa. Teraz sztuka odegrała rolę uniwersalnej wiedzy o otaczającym świecie, o której napisano wiele traktatów naukowych z XV wieku.

Pierwszym teoretykiem architektury i malarstwa był Leon Batista Alberti, który rozwinął teorię perspektywy liniowej, opartej na prawdziwym obrazie w obrazie głębi przestrzeni. Teoria ta stała się podstawą nowych zasad architektury i urbanistyki, mających na celu stworzenie miasta idealnego.

Mistrzowie renesansu zaczęli ponownie zwracać się do marzenia Platona o idealnym mieście i idealnym państwie i ucieleśniali te idee, które były już główne w starożytnej kulturze i filozofii - idee harmonii między człowiekiem a naturą, idee humanizmu. Nowy wizerunek miasta idealnego był więc początkowo pewną formułą, ideą, odważnym roszczeniem o przyszłość.

Równolegle rozwijały się teoria i praktyka urbanistyki renesansowej. Odbudowywano stare budynki, budowano nowe, jednocześnie pisano traktaty o architekturze, fortyfikacji i przebudowie miast. Autorzy traktatów (Alberti i Palladio) daleko wyprzedzali potrzeby praktycznego budownictwa, nie opisując gotowych projektów, ale przedstawiając graficznie zobrazowaną koncepcję, ideę miasta idealnego. Podawali też argumenty na temat tego, jak powinno być zlokalizowane miasto pod względem obronnym, ekonomicznym, estetycznym i higienicznym.

Alberti był w rzeczywistości pierwszym, który ogłosił podstawowe zasady idealnego zespołu urbanistycznego renesansu, opracowanego przez syntezę starożytnego poczucia proporcji i racjonalistycznego podejścia nowej epoki. Tak więc zasady estetyczne renesansowych urbanistów były następujące:

spójność skal architektonicznych budynków głównych i drugorzędnych;
stosunek wysokości budynku do przestrzeni znajdującej się przed nim (od 1:3 do 1:6);
brak dysonansowych kontrastów;
równowaga składu.

Idealne miasto było bardzo ekscytujące dla wielu wielkich mistrzów renesansu. Pomyślał o tym również Leonardo da Vinci, którego ideą było stworzenie dwupoziomowego miasta, w którym transport towarowy poruszał się po dolnym poziomie, a drogi naziemne i piesze znajdowały się na górnym poziomie. Plany Leonarda da Vinci wiązały się także z odbudową Florencji i Mediolanu, a także z rozrysowaniem miasta wrzeciona.

Pod koniec XVI wieku wielu teoretyków urbanistyki zastanawiało się nad budowlami obronnymi i terenami handlowymi. Tak więc wieże i mury forteczne zostały zastąpione ziemnymi bastionami, które zostały wyjęte z granic miasta, dzięki czemu miasta w swoich zarysach zaczęły przypominać wielowiązkową gwiazdę.

I choć nie zbudowano ani jednego idealnego miasta z kamienia (poza małymi miastami fortecznymi), wiele zasad budowy takiego miasta stało się rzeczywistością już w XVI wieku, kiedy we Włoszech i wielu innych krajach zaczęto układać proste, szerokie ulice. połączone ważne elementy zespołu miejskiego.