Gatunek koncertu w twórczości Antonio Vivaldiego. Biografia Vivaldiego Antonio Vivaldi był twórcą gatunku

Twórczość wybitnego włoskiego kompozytora i skrzypka A. Corelli wywarł ogromny wpływ na europejską muzykę instrumentalną końca XVII - pierwszej połowy XVIII wieku, słusznie uważany jest za założyciela włoskiej szkoły skrzypcowej. Wielu głównych kompozytorów następnej epoki, w tym JS Bacha i G. F. Haendla, wysoko ceniło utwory instrumentalne Corelli. Dawał się poznać nie tylko jako kompozytor i wspaniały skrzypek, ale także jako pedagog (szkoła Corelli ma całą plejadę znakomitych mistrzów) i dyrygent (był liderem różnych zespołów instrumentalnych). Kreatywność Corelli i jego różnorodna działalność otworzyły nową kartę w historii muzyki i gatunków muzycznych.

Niewiele wiadomo o wczesnym życiu Corelli. Pierwsze lekcje muzyki pobierał u księdza. Po zmianie kilku nauczycieli Corelli w końcu trafia do Bolonii. To miasto było miejscem narodzin wielu wybitnych włoskich kompozytorów, a pobyt tam miał najwyraźniej decydujący wpływ na dalsze losy młodego muzyka. W Bolonii Corelli studiuje pod kierunkiem słynnego nauczyciela J. Benvenuti. O tym, że Corelli już w młodości odniósł wybitne sukcesy w dziedzinie gry na skrzypcach świadczy fakt, że w 1670 r., w wieku 17 lat, został przyjęty do słynnej Akademii Bolońskiej. W latach siedemdziesiątych XVII wieku Corelli przenosi się do Rzymu. Tutaj gra w różnych zespołach orkiestrowych i kameralnych, kieruje niektórymi zespołami i zostaje kapelmistrzem kościelnym. Z listów Corelli wiadomo, że w 1679 r. wstąpił na służbę królowej Szwecji Krystyny. Jako muzyk orkiestrowy zajmuje się również kompozycją - komponując sonaty dla swojej patronki. Pierwsze dzieło Corelliego (12 sonat kościelnych trio) pojawiło się w 1681 roku. W połowie lat 80. XVII wieku. Corelli wstąpił na służbę rzymskiego kardynała P. Ottoboniego, gdzie pozostał do końca życia. Po 1708 r. wycofał się z wystąpień publicznych i skoncentrował całą swoją energię na kreatywności.

Kompozycje Corelliego są stosunkowo nieliczne: w 1685 roku, po pierwszym opusie, jego trio kameralne sonaty op. 2, w 1689 - 12 sonat trio kościelnych, op. 3, 1694 - sonaty trio kameralne op. 4, w 1700 - sonaty trio kameralne op. 5. Wreszcie, w 1714, po śmierci Corelliego, w Amsterdamie ukazały się jego Concerti grossi op. 6. Te kolekcje, jak również kilka pojedynczych sztuk, stanowią spuściznę Corelliego. Jego kompozycje przeznaczone są na smyczkowe instrumenty smyczkowe (skrzypce, viola da gamba) z klawesynem lub organami jako instrumentami towarzyszącymi.

Kreatywność Corelli obejmuje 2 główne gatunki: sonaty i koncerty. To właśnie w twórczości Corelli ukształtował się gatunek sonatowy w formie, w jakiej jest on charakterystyczny dla epoki przedklasycznej. Sonaty Corelliego dzielą się na 2 grupy: kościelną i kameralną. Różnią się one zarówno kompozycją wykonawczą (organy towarzyszą sonacie kościelnej, klawesyn w sonacie kameralnej), jak i treścią (sonata kościelna wyróżnia się surowością i głębią treści, kameralna jest zbliżona do tańca zestaw). Kompozycja instrumentalna, do której skomponowano takie sonaty, zawierała 2 głosy melodyczne (2 skrzypiec) oraz akompaniament (organy, klawesyn, viola da gamba). Dlatego nazywa się je sonatami trio.

Koncerty Corelliego stały się także wybitnym fenomenem w tym gatunku. Gatunek concerto grosso istniał na długo przed Corellim. Był jednym z prekursorów muzyki symfonicznej. Ideą gatunku była swoista rywalizacja grupy instrumentów solowych (w koncertach Corelliego rolę tę pełni dwoje skrzypiec i wiolonczela) z orkiestrą: koncert został więc zbudowany jako alternatywa solówki i tutti. Dwanaście koncertów Corelliego, napisanych w ostatnich latach życia kompozytora, stało się jedną z najjaśniejszych kart w muzyce instrumentalnej początku XVIII wieku. Nadal są prawdopodobnie najpopularniejszym dziełem Corelli.

Jeden z największych przedstawicieli epoki baroku A. Vivaldi wszedł do historii kultury muzycznej jako twórca gatunku koncertu instrumentalnego, twórca orkiestrowej muzyki programowej. Dzieciństwo Vivaldiego związane jest z Wenecją, gdzie jego ojciec pracował jako skrzypek w katedrze św. Marka. Rodzina miała sześcioro dzieci, z których Antonio był najstarszy. Nie ma prawie żadnych szczegółów na temat lat dzieciństwa kompozytora. Wiadomo tylko, że uczył się gry na skrzypcach i klawesynie. 18 września 1693 Vivaldi został tonsurowany na mnicha, a 23 marca 1703 przyjął święcenia kapłańskie. W tym samym czasie młody człowiek nadal mieszkał w domu (prawdopodobnie z powodu poważnej choroby), co dało mu możliwość nie opuszczania lekcji muzyki. Ze względu na kolor włosów Vivaldi był nazywany „czerwonym mnichem”. Przypuszcza się, że już w tych latach nie był zbyt gorliwy w swoich obowiązkach duchownych. Wiele źródeł powtarza historię (być może niewiarygodną, ​​ale odkrywczą) o tym, jak pewnego dnia podczas nabożeństwa „rudy mnich” pospiesznie opuścił ołtarz, aby spisać temat fugi, który nagle przyszło mu do głowy. W każdym razie stosunki Vivaldiego z kręgami duchownymi nadal się nagrzewały, a on wkrótce, powołując się na zły stan zdrowia, publicznie odmówił odprawiania mszy.

We wrześniu 1703 Vivaldi rozpoczął pracę jako nauczyciel (maestro di violino) w weneckim dobroczynnym sierocińcu „Pio Ospedale delia Pieta”. Do jego obowiązków należała nauka gry na skrzypcach i viola d'amore, a także czuwanie nad bezpieczeństwem instrumentów strunowych oraz kupowanie nowych skrzypiec. „Nabożeństwa” w „Piecie” (słusznie można je nazwać koncertami) znajdowały się w centrum uwagi oświeconej publiczności weneckiej. Ze względów ekonomicznych w 1709 Vivaldi został zwolniony, ale w latach 1711-16. przywrócony na to samo stanowisko, a od maja 1716 był już koncertmistrzem orkiestry Pieta. Jeszcze przed nową nominacją Vivaldi dał się poznać nie tylko jako pedagog, ale także jako kompozytor (głównie autor muzyki sakralnej). Równolegle z pracą w Piecie Vivaldi poszukuje możliwości publikowania swoich świeckich pism. 12 sonat triowych op. 1 zostały opublikowane w 1706 r.; w 1711 najsłynniejszy zbiór koncertów skrzypcowych „Harmonic Inspiration” op. 3; w 1714 - kolejny zbiór pt. "Ekstrawagancja" op. 4. Koncerty skrzypcowe Vivaldiego bardzo szybko stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. Duże zainteresowanie nimi wykazali I. Quantz, I. Mattheson, Wielki J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście zaaranżował 9 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na klawier i organy. W tych samych latach Vivaldi napisał swoje pierwsze opery Otto (1713), Orlando (1714), Nero (1715). W latach 1718-20. mieszka w Mantui, gdzie pisze głównie opery na sezon karnawałowy, a także kompozycje instrumentalne na dwór książęcy Mantui. W 1725 roku wyszedł jeden z najsłynniejszych opusów kompozytora, noszący podtytuł „Doświadczenie harmonii i inwencji” (op. 8). Podobnie jak poprzednie, zbiór tworzą koncerty skrzypcowe (jest ich tu 12). Pierwsze 4 koncerty tego opusu kompozytor nazwał odpowiednio: „Wiosna”, „Lato”, „Jesień” i „Zima”. We współczesnej praktyce wykonawczej często łączy się je w cykl „Pory roku” (w oryginale nie ma takiego nagłówka). Podobno Vivaldi nie był usatysfakcjonowany dochodami z wydawania swoich koncertów iw 1733 r. powiedział pewnemu angielskiemu podróżnikowi E. Holdsworthowi o zamiarze porzucenia dalszych publikacji, gdyż w przeciwieństwie do drukowanych rękopisów odręczne kopie są droższe. W rzeczywistości od tego czasu nie pojawiły się żadne nowe oryginalne dzieła Vivaldiego.

Późne lata 20. - 30. często określane jako „lata podróży” (preferowane do Wiednia i Pragi). W sierpniu 1735 Vivaldi powrócił na stanowisko kapelmistrza orkiestry Pieta, ale komitetowi zarządzającemu nie spodobała się podróżnicza pasja jego podwładnego i w 1738 roku kompozytor został zwolniony. Jednocześnie Vivaldi nadal ciężko pracował w gatunku operowym (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), wolał jednak osobiście uczestniczyć w produkcji. Spektakle operowe Vivaldiego nie odniosły jednak szczególnego sukcesu, zwłaszcza po tym, jak z powodu kardynalnego zakazu wjazdu do miasta odebrano kompozytorowi możliwość kierowania swoimi operami w teatrze Ferrara (kompozytorowi zarzucono romans z Anna Giraud, jego była uczennica, a odmawiająca „rudowłosemu mnichowi” odprawiania mszy). W rezultacie premiera operowa w Ferrarze nie powiodła się.

W 1740 roku, na krótko przed śmiercią, Vivaldi wyruszył w swoją ostatnią podróż do Wiednia. Powody jego nagłego odejścia są niejasne. Zmarł w domu wdowy po wiedeńskim rymarzu nazwiskiem Waller i został pochowany przez żebraka. Wkrótce po jego śmierci zapomniano o nazwisku wybitnego mistrza. Prawie 200 lat później, w latach 20-tych. XX wiek włoski muzykolog A. Gentili odkrył unikalny zbiór rękopisów kompozytora (300 koncertów, 19 oper, duchowe i świeckie kompozycje wokalne). Od tego czasu rozpoczyna się prawdziwe odrodzenie dawnej świetności Vivaldiego. Wydawnictwo muzyczne „Ricordi” w 1947 roku zaczęło publikować wszystkie dzieła kompozytora, a firma „Philips” niedawno zaczęła realizować równie wspaniały plan - wydanie na płycie „wszystkich” Vivaldiego. W naszym kraju Vivaldi jest jednym z najczęściej wykonywanych i najbardziej lubianych kompozytorów. Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest wspaniałe. Według miarodajnego katalogu tematyczno-systematycznego Petera Ryoma (oznaczenie międzynarodowe - RV) obejmuje ponad 700 tytułów. Główne miejsce w twórczości Vivaldiego zajął koncert instrumentalny (w sumie zachowało się około 500). Ulubionym instrumentem kompozytora były skrzypce (około 230 koncertów). Ponadto pisał koncerty na dwoje, trzy i czworo skrzypiec oraz na orkiestrę i basso, koncerty na altówkę miłosną, wiolonczelę, mandolinę, flety podłużne i poprzeczne, obój, fagot. Trwa ponad 60 koncertów na orkiestrę smyczkową i basso, znane są sonaty na różne instrumenty. Z ponad 40 oper (której autorstwo Vivaldiego zostało z całą pewnością ustalone) zachowała się tylko połowa z nich. Mniej popularne (ale nie mniej interesujące) są jego liczne kompozycje wokalne – kantaty, oratoria, dzieła o tekstach duchowych (psalmy, litanie, „Gloria” itp.).

Wiele instrumentalnych kompozycji Vivaldiego ma programowe napisy. Niektóre z nich odnoszą się do pierwszego wykonawcy (Koncert karbonelli, RV 366), inne do święta, podczas którego ta lub inna kompozycja została wykonana po raz pierwszy (Na święto św. Wawrzyńca, RV 286). Szereg napisów wskazuje na niecodzienny szczegół techniki wykonawczej (w koncercie „L'ottavina”, RV 763, wszystkie skrzypce solo muszą być zagrane w górnej oktawie). Najbardziej typowe nagłówki charakteryzujące panujący nastrój to „Odpoczynek”, „Niepokój”, „Podejrzenie” lub „Inspiracja harmoniczna”, „Cytra” (dwa ostatnie to nazwy zbiorów koncertów skrzypcowych). Jednocześnie, nawet w tych utworach, których tytuły zdają się wskazywać na zewnętrzne momenty obrazowe („Burza na morzu”, „Szczywo”, „Polowanie” itp.), dla kompozytora najważniejsze jest zawsze przekazanie ogólnego lirycznego nastrój. Partytura Czterech pór roku ma dość szczegółowy program. Już za życia Vivaldi zasłynął jako wybitny koneser orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych, zrobił wiele dla rozwoju techniki gry na skrzypcach.

Giuseppe Tartini należy do luminarzy włoskiej szkoły skrzypcowej XVIII wieku, której sztuka zachowała swoje artystyczne znaczenie do naszych czasów. D. Ojstrach

Wybitny włoski kompozytor, pedagog, skrzypek wirtuoz i teoretyk muzyki G. Tartini zajmował jedno z najważniejszych miejsc w kulturze skrzypcowej Włoch w pierwszej połowie XVIII wieku. W jego sztuce połączyły się tradycje pochodzące od A. Corelli, A. Vivaldiego, F. Veraciniego i innych wielkich poprzedników i współczesnych.

Tartini urodził się w rodzinie należącej do klasy szlacheckiej. Rodzice przeznaczyli syna do kariery duchownego. Dlatego najpierw uczył się w szkole parafialnej w Pirano, a następnie u Capo d'Istria. Tam też Tartini zaczął grać na skrzypcach.

Życie muzyka dzieli się na 2 skrajnie przeciwne okresy. Wietrzny, nieumiarkowany z natury, szukający niebezpieczeństw – taki jest w młodości. Samowola Tartiniego zmusiła rodziców do porzucenia pomysłu wysłania syna na duchową ścieżkę. Wyjeżdża do Padwy na studia prawnicze. Ale Tartini również woli od nich szermierkę, marząc o działalności mistrza szermierki. Równolegle z szermierką coraz bardziej świadomie angażuje się w muzykę.

Sekretne małżeństwo z jego uczennicą, siostrzenicą głównego duchownego, radykalnie zmieniło wszystkie plany Tartiniego. Małżeństwo wzbudziło oburzenie arystokratycznych krewnych jego żony, Tartini był prześladowany przez kardynała Cornaro i zmuszony do ukrywania się. Jego schronieniem był klasztor Minorytów w Asyżu.

Od tego momentu rozpoczął się drugi okres życia Tartiniego. Klasztor nie tylko dał schronienie młodemu rozpustnikowi i stał się jego przystanią w latach wygnania. To tutaj nastąpiło moralne i duchowe odrodzenie Tartiniego i tu rozpoczął się jego prawdziwy rozwój kompozytorski. W klasztorze studiował teorię muzyki i kompozycję pod kierunkiem czeskiego kompozytora i teoretyka B. Czernogorskiego; samodzielnie studiował grę na skrzypcach, osiągając prawdziwą perfekcję w opanowaniu instrumentu, który według współczesnych przewyższał nawet grę słynnego Corelliego.

Tartini przebywał w klasztorze przez 2 lata, następnie przez kolejne 2 lata grał w operze w Ankonie. Tam muzyk spotkał się z Veracinim, który miał znaczący wpływ na jego twórczość.

Wygnanie Tartiniego zakończyło się w 1716 roku. Od tego czasu do końca życia, z wyjątkiem krótkich przerw, mieszkał w Padwie, prowadząc orkiestrę kaplicową w bazylice św. Antoniego i występując jako skrzypek solista w różnych miastach Włoch . W 1723 Tartini otrzymał zaproszenie do odwiedzenia Pragi, aby wziąć udział w uroczystościach muzycznych z okazji koronacji Karola VI. Wizyta ta trwała jednak do 1726 r.: Tartini przyjął propozycję objęcia stanowiska kameralisty w praskiej kaplicy hrabiego F. Kinskiego.

Wracając do Padwy (1727), kompozytor zorganizował tam akademię muzyczną, poświęcając wiele energii na nauczanie. Współcześni nazywali go „nauczycielem narodów”. Wśród uczniów Tartiniego są tak wybitni skrzypkowie XVIII wieku jak P. Nardini, G. Pugnani, D. Ferrari, I. Naumann, P. Lausse, F. Rust i inni.

Wkład muzyka w dalszy rozwój sztuki gry na skrzypcach jest ogromny. Zmienił projekt łuku, wydłużając go. Umiejętność dyrygowania smyczkiem samego Tartiniego, jego niezwykły śpiew na skrzypcach zaczęto uważać za wzorowe. Kompozytor stworzył ogromną liczbę utworów. Wśród nich liczne sonaty triowe, około 125 koncertów, 175 sonat na skrzypce i cymbały. To właśnie w twórczości Tartiniego ten ostatni otrzymał dalszy rozwój gatunkowy i stylistyczny.

Żywy obraz myślenia muzycznego kompozytora przejawiał się w chęci nadania jego utworom programowych napisów. Szczególną sławę zyskały sonaty „Abandoned Dido” i „Devil's Trill”. Ostatni wybitny rosyjski krytyk muzyczny W. Odoevsky uważał początek nowej ery w sztuce skrzypcowej. Obok tych prac duże znaczenie ma monumentalny cykl „Sztuka łuku”. Składający się z 50 wariacji na temat gawotu Corelliego jest rodzajem zestawu technik, który ma nie tylko znaczenie pedagogiczne, ale także wysoką wartość artystyczną. Tartini był jednym z dociekliwych muzyków-myślicieli XVIII wieku, jego poglądy teoretyczne znalazły wyraz nie tylko w rozmaitych traktatach muzycznych, ale także w korespondencji z wybitnymi naukowcami muzyki tego czasu, będącej najcenniejszymi dokumentami jego epoki.

20. Suita jako zasada myślenia muzycznego w muzyce XVII-XVIII wieku. Struktura klasycznej suity. (Weź dowolny pakiet i przeanalizuj go) ; (Przeczytaj pracę Yavorsky'ego).

Apartament (apartament francuski, "sekwencja"). Nazwa sugeruje sekwencję utworów instrumentalnych (tańców stylizowanych) lub fragmentów instrumentalnych z opery, baletu, muzyki do dramatu itp.

Wykwintny luksus, przepych i kapryśna estetyka epoki baroku są w pełni ucieleśnione w dziełach słynnego weneckiego Antonio Vivaldiego. Nazywany jest „Włoskim Bachem” i nie bez powodu: w ciągu 63 lat swojego życia muzyk napisał około 800 utworów, w tym opery, utwory chóralne, ponad 500 koncertów na różne instrumenty i orkiestrę. Utalentowany nowatorski kompozytor, wirtuoz skrzypek, genialny dyrygent i pedagog, pozostawił po sobie nie tylko bogate dziedzictwo twórcze, ale także tak wiele tajemnic, że wiele z nich nie zostało jeszcze rozwiązanych. Nawet dokładne miejsce jego spoczynku nie jest znane jego potomkom. Ale niezwykła muzyka Vivaldiego, której magnetyzm nie jest zdominowany przez czas, zachowała się w swojej pierwotnej postaci i dziś zajmuje zaszczytne miejsce wśród największych atutów światowej sztuki muzycznej.

Przeczytaj krótką biografię Antonio Vivaldiego i wiele ciekawostek o kompozytorze na naszej stronie.

Krótka biografia Vivaldi

W 1678 r. w Wenecji w rodzinie cyrulika Giovanniego Battisty Vivaldiego urodził się syn Antonia. Pod koniec XVII wieku Wenecja była uznaną stolicą rozrywki, miastem-festiwalem, gdzie całe życie toczyło się przy dźwiękach muzyki, a dom przyszłego kompozytora nie był pod tym względem wyjątkiem. Głowa rodu Vivaldi był tak zręczny w grze na skrzypcach, że został zaproszony do występu jako członek orkiestry katedry św. Marka.

Antonio cierpiał od urodzenia na dolegliwość fizyczną – formę astmy. Ale ze wszystkich sześciorga dzieci Vivaldiego najbardziej przypominał swojego ojca – nie tylko z ognistymi rudymi włosami, rzadko spotykanymi u mieszkańców Wenecji, ale co najważniejsze – z umiejętnością słuchania i odczuwania muzyki. Talent muzyczny Antonio Vivaldiego dał się odczuć od wczesnego dzieciństwa. Szybko opanował grę skrzypce a w wieku 10 lat często występował w orkiestrze katedralnej zamiast ojca. A w wieku 13 lat chłopiec po raz pierwszy spróbował skomponować własną muzykę.

Biografia Vivaldiego mówi, że w wieku 15 lat życie Antonio gwałtownie się zmieniło - pod naciskiem rodziców wybrał karierę jako duchowny i poświęcił kolejne 10 lat swojego życia na naukę nauk kościelnych. Nie zrezygnował przy tym z lekcji muzyki, a do 1703 r. otrzymał nie tylko kapłaństwo, ale także zasłynął jako skrzypek-wirtuoz. Ze względu na kolor włosów był nazywany „czerwonym kapłanem”, ale Vivaldi nie pełnił długo obowiązków kościelnych. Bardzo szybko odmówił prowadzenia mszy - według jednej wersji, ze względu na to, że jego zdrowie nie pozwalało, według innej, ponownie z powodu uzależnienia od muzyki.

Niemal natychmiast po otrzymaniu stopnia Vivaldi rozpoczął pracę w jednej z weneckich szkół „Ospedale della Pieta” – tak nazywał się przyklasztorny sierociniec dla sierot. „Ospedale della Pieta” stało się prawdziwą kolebką twórczości Vivaldiego. Jako nauczyciel skrzypiec i chórmistrz zyskał niepowtarzalną okazję do realizacji najbardziej śmiałych i różnorodnych pomysłów twórczych. Na służbie musiał napisać dużo muzyki dla uczniów szkoły, zarówno duchowej, jak i świeckiej - kantaty, chorały, oratoria, kompozycje wokalne i symfoniczne, koncerty. Efekty tak energicznej i różnorodnej działalności szybko dały się odczuć – wśród koneserów i koneserów muzyki szkoła zaczęła być uznawana za najlepszą w mieście.

Dla orkiestry Pieta Vivaldi skomponował ponad 450 koncertów i często sam wykonywał partie skrzypiec solo. Wenecja nigdy nie słyszała takich skrzypiec, które wydawały się rodzić dźwięki z głębi ludzkiej duszy.

Bardzo szybko popularność młodego kompozytora wykroczyła daleko poza granice jego rodzinnego miasta. Każdy wybitny gość, który przyjeżdża do Wenecji, uważał za swój obowiązek uczęszczanie na spektakle Antonio Vivaldiego. W 1705 i 1709 sonaty muzyka zostały wydane w odrębnych zbiorach.

Ale Antonio dał się już ponieść innym pomysłom - zostać kompozytorem operowym. W tym czasie opera była uważana za najpopularniejszy gatunek wśród publiczności, a Vivaldi, z wrodzoną determinacją i niezłomnym temperamentem, pogrążył się w nowym dla niego rodzaju twórczości. Wielkim sukcesem okazał się jego debiut operowy Otto w Willi, wystawiony w 1713 roku. Vivaldi zaczyna pracować w szalonym tempie – udaje mu się stworzyć 3-4 opery rocznie. Rośnie jego sława jako kompozytora operowego, a Antonio otrzymuje zaproszenie od księcia Hesji-Darmstadt, konesera sztuki muzycznej, pełniącego funkcję gubernatora Mantui, aby został kapelmistrzem na jego dworze.

W latach 1721-22 Vivaldi pracował w Mediolanie i Rzymie, kontynuując komponowanie nowych oper.

W schyłkowych latach sprawy kompozytora były mocno wstrząśnięte. Postanowił wrócić do Wenecji, mając nadzieję, że w swoim rodzinnym mieście znajdzie spokój ducha, który oklaskiwał go przez prawie 40 lat. Ale czekało go rozczarowanie. Skomponowana przez niego muzyka nie budziła już dawnej radości, publiczność zyskała nowych idoli. Nawet w swoim rodzinnym konserwatorium, z którym związany był przez 38 lat owocnej pracy, dano mu do zrozumienia, że ​​jego usługi nie są tak naprawdę potrzebne.

Według biografii Vivaldiego, w 1740 roku w poszukiwaniu wyjścia kompozytor udał się do Wiednia, na dwór cesarza Karola VI, swego wieloletniego i potężnego wielbiciela, w nadziei, że jego talent będzie tam poszukiwany. Ale los przygotował Vivaldiemu kolejny cios – nie zdążył przybyć do Wiednia, kiedy zmarł Karol VI. Kompozytor krótko przeżył swego nieudanego patrona. Zmarł 28 lipca 1741 r. i został pochowany w Wiedniu w grobie nędzarza.

Interesujące fakty:

• Po 1840 r. wiele rękopiśmiennych wersji dzieł Vivaldiego zaginęło i na długo zniknęło z ludzkiej pamięci. Niektóre z notatek trafiły w ręce kolegów kompozytorów, a także bliskich krewnych.

• Swoje „drugie narodziny” Vivaldi zawdzięcza włoskiemu muzykologowi Alberto Gentili, który aktywnie poszukiwał dzieł kompozytora. W latach dwudziestych usłyszał plotkę o sprzedaży ręcznie pisanych partytur, które były przechowywane w klasztornym college'u w San Martino. Wśród nich Gentili odkrył 14 tomów dzieł Vivaldiego, wciąż nieznanych publiczności - 19 oper, ponad 300 koncertów, wiele wokalizacji duchowych i świeckich.
• Poszukiwania zaginionych dzieł Vivaldiego trwają do dziś. W 2010 roku w Szkocji odnaleziono jego Koncert fletowy. W 2012 roku świat rozpoznał jego nieznaną operę Orlando Furioso.
• Wielbicielami sztuki Vivaldiego byli słynni współcześni muzykowi. Wśród jego słuchaczy byli król Danii Fryderyk IV i papież Benedykt.
• W weneckim przewodniku dla obcokrajowców z 1713 r. ojciec i syn Vivaldiego wymieniani są jako najzdolniejsi skrzypkowie wśród weneckich muzyków.

• Za najpopularniejszy wizerunek kompozytora uważa się płótno francuskiego portrecisty Francois Morelona de la Cave. Do portretu Antonio musiał nosić białą perukę - etykieta tamtych czasów nie pozwalała mężczyznom pojawiać się w społeczeństwie bez peruki.
• "Wizytówka" Vivaldi - cykl koncertów skrzypcowych "Pory roku"- w oryginalnej wersji nosi nazwę „Cztery pory roku” „Le quattro stagioni”.
• Tylko 40 z 90 oper wymienionych przez kompozytora zdołało potwierdzić jego autorstwo.
• Epigrafami koncertów składających się na cykl „Pory roku” są sonety. Ich autor jest nieznany, ale przypuszcza się, że również należą do Vivaldiego.
• W 1939 roku Gloria została reaktywowana. Wystawiono go w Sienie w ramach „Tygodnia Vivaldiego”, zorganizowanego przez włoskiego Alfredo Casellę.
• Instytut Sieny nosi imię Vivaldiego.
• W budynku dawnej szkoły „Ospedale della Pieta” znajduje się obecnie zespół restauracyjny i hotelowy.
• Vivaldi i Mozart pochowany na cmentarzu w Wiedniu, gdzie pochowano część najbiedniejszych członków ludności.

• „Do muzyki Vivaldiego” - tak nazywa się pieśń luminarzy autorskiej piosenki V. Berkovsky'ego i S. Nikitina do wierszy A. Velichansky'ego. Muzyka Vivaldiego w tym tekście piosenki jest symbolem duchowej harmonii lirycznego bohatera.
• Jeden z otwartych kraterów na planecie Merkury nosi imię kompozytora.
• "Vivaldi Orchestra" - tak nazywa się grupa, której twórcą w 1989 roku była skrzypaczka i dyrygent Svetlana Bezrodnaya. Jej wyjątkowość polega na tym, że składa się wyłącznie z kobiet. To rodzaj „remake” orkiestry uczniów, zorganizowanej przez Vivaldiego w szkole Ospedale della Pieta na początku XVIII wieku.
• W słynnym filmie „Pretty Woman” muzyka Vivaldiego, według reżyserów, stała się jedną z ilustracji świata wyższych sfer. Na taśmie brzmią „Pory roku” Vivaldiego – trzy koncerty z czterech.

• Vivaldi jest właścicielem sloganu: „Kiedy wystarczy jedno skrzypce, dwa nie są używane”.
• Około trzy lata temu włoscy naukowcy dokonali niesamowitego odkrycia - ujawnili tak zwany "efekt Vivaldiego". Przeprowadzili eksperyment, w wyniku którego okazało się, że cykliczne słuchanie „Pór roku” wzmacnia pamięć osób starszych.
• Szwajcarski łyżwiarz figurowy Stéphane Lambiel zdobył srebrny medal na Igrzyskach Olimpijskich w Turynie w 2006 roku, jeżdżąc na łyżwach do czterech sezonów Vivaldiego.

„Dziewczyna rudowłosego księdza”

W biografii kompozytora jest wiele „białych plam”, a jego życie osobiste nie jest wyjątkiem. Jego nazwisko jest ściśle związane tylko z jedną kobietą - piosenkarką Anną Giraud. Muzyk poznał Annę podczas pracy w Mantui. Wrócił z nią do Wenecji. Słynny wenecki dramaturg K. Goldoni wspomina, że ​​Vivaldi przedstawił mu Annę Giraud, nazywając ją swoją uczennicą. Ale złe języki szybko nazwały młodą piosenkarkę „dziewczyną rudowłosego księdza” i nie bez powodu. Kompozytor wyraźnie ją faworyzował, od chwili spotkania pisał specjalnie dla niej opery, a to Vivaldi zawdzięczał Annie sławę śpiewaczki operowej. Ponadto Anna wraz z własną siostrą Paoliną należała do jego najbliższego otoczenia, towarzyszyła kompozytorowi we wszystkich podróżach, a to zrodziło masę plotek o tym, że kompozytor prowadzi tryb życia nieprzystający do duchownego .

Nie ma bezpośrednich dowodów na ich romantyczny związek. Ponadto Vivaldi zaciekle bronił honoru Anny, tłumacząc wszystkim, że z powodu problemów zdrowotnych potrzebuje pomocy, a Anna i Paolina, która była pielęgniarką, tylko się nim opiekowały. W liście do swego patrona Bentivoglio z 16 listopada 1737 r. wyjaśnił, że z Anną łączy ich tylko przyjaźń i współpraca zawodowa. Jedyną wskazówką, że Anna była muzą kompozytora i damą jego serca, jest magiczna muzyka, którą napisał po jej spotkaniu. Wtedy też pojawił się cykl „Pory roku”, koncerty „Noc”, arcydzieło muzyki sakralnej „Gloria”, które uwieczniło jego imię.

Kimkolwiek Anna jest dla Vivaldiego, musimy oddać jej hołd – nie opuściła kompozytora w trudnym dla niego czasie i była jego oddanym towarzyszem i przyjacielem aż do ostatniego tchu.

Rola Vivaldiego w rozwoju światowej sztuki muzycznej

Wpływ Vivaldiego na rozwój sztuki muzycznej rozciąga się na szeroki wachlarz działań muzycznych, co potwierdza wyjątkowość osobowości twórczej utalentowanego kompozytora i skrzypka-wirtuoza.

• To dzięki Vivaldiemu wzmocniono technikę wykonawczą, całkowicie unikalną pod względem dramatycznej intensywności, zwaną „Lombard”, gdy czas trwania pierwszej nuty został skrócony, a następna stała się rytmicznie wspierająca.
• Geniusz kompozytora Vivaldi wpadł na pomysł nowego gatunku solowego koncertu instrumentalnego.
• Gatunek concerto grosso, popularnego we Włoszech koncertu zespołowo-orkiestrowego, wprowadził w nowy etap rozwoju, po czym przypisał formę trzyczęściową i zamiast grupy solistów wyodrębnił osobny instrument solowy, nadanie orkiestrze funkcji akompaniamentu.
• Wkład Vivaldiego w ewolucję sztuki orkiestracji jest ogromny – jako pierwszy wprowadził do orkiestry oboje, rogi, fagoty i inne instrumenty jako niezależne.
• Niewątpliwym osiągnięciem Vivaldiego jest wcielenie na scenie szczególnego typu koncertu – na orkiestrę i skrzypce oraz innej wersji – na dwoje i czworo skrzypiec. W sumie w jego dorobku twórczym jest około dwóch tuzinów takich koncertów, w tym jedyny na świecie koncert na dwie mandoliny.

Kompozycje Vivaldiego wywarły wielki wpływ na najsłynniejszego przedstawiciela sztuki muzycznej epoki baroku – Jan Sebastian Bach. Poważnie interesował się i szczegółowo studiował kompozycje Vivaldiego, aktywnie stosował techniki języka muzycznego i symbolikę swojego poprzednika, pogłębiając ich znaczenie. Niektórzy muzykolodzy w najsłynniejszej mszy Bacha w h-moll znajdują niewątpliwe echa dzieł włoskiego mistrza kompozycji. Następnie Bach dokonał transkrypcji 6 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na clavier, 2 kolejne zamienił na koncerty organowe i zaadaptował jeden na 4 claviery. Jak na ironię, te muzyczne arcydzieła uważano za skomponowane przez Bacha przez ponad 150 lat.

Na przełomie XIX i XX wieku austriacki kompozytor i muzyk Fritz Kreisler, uznany mistrz stylizacji, napisał Koncert skrzypcowy C-dur, któremu nadaje podtytuł „In the Style of Vivaldi”. Ogromny sukces towarzyszący tej błyskotliwej kreacji Kreislera, przez inercję, wzbudził zainteresowanie dziełami Vivaldiego, które zostały dogłębnie zapomniane. Tak rozpoczął się zwycięski powrót słynnego Wenecjanina i jego arcydzieł na muzyczny Olimp. Dziś muzyka Vivaldiego jest jedną z najbardziej lubianych przez skrzypków na całym świecie.

Wielki i sławny o twórczości Vivaldi

• Skrzypek i dyrygent Vladimir Spivakov poetycko nazwał „Pory roku” „freskiem ludzkiego życia”, ponieważ człowiek musi przejść tę samą drogę co natura – od narodzin do śmierci.
• Według austriackiego naukowca W. Kollendera Vivaldi wyprzedził o kilkadziesiąt lat rozwój muzyki europejskiej pod względem wykorzystania dynamiki i czysto technicznych metod gry na skrzypcach.
• Zdolność Vivaldiego do napisania nieskończonej liczby wariacji na ten sam temat muzyczny stała się podstawą sarkastycznej uwagi I. Strawińskiego, który nazwał Vivaldiego „nudarzem zdolnym do skomponowania tego samego koncertu sześćset razy z rzędu”.
• „Vivaldi to święto muzyki instrumentalnej, ekstrawagancja skrzypiec. Onon sam był skrzypkiem-wirtuozem i wiedział lepiej niż inni, jak pokazać najwięcejspektakularne w brzmieniu skrzypiec – mówił o twórczości wielkiego mistrza Dmitry Sinkovsky, współczesny skrzypek, zwycięzca konkursu muzyki dawnej w Brugii.

Biografie filmowe:

Osobowość kompozytora zawsze przyciągała uwagę filmowców, którzy na podstawie biografii Vivaldiego nakręcili kilka filmów opowiadających o życiu muzyka.

• Dokument „4” (2007)
• „Viva, Vivaldi” (Francja, 2000)
• "Vivaldi w Wiedniu" (1979)
• „Vivaldi, książę Wenecji” (Francja, 2006)
• „Vivaldi, rudowłosy ksiądz” (Wielka Brytania, Włochy, 2009)
• „Antonio Vivaldi” (USA, Belgia, 2016)

Muzyka Vivaldiego w filmach

Twórczość Antonio Vivaldiego stała się kwintesencją wszystkich najlepszych cech i wybitnych sukcesów włoskiej szkoły muzycznej. Ale los mistrza jest żywą ilustracją tego, że sława i zapomnienie w ludzkim życiu idą w parze. Zaledwie 30 lat po jego śmierci wzmianka o Vivaldim, nawet przelotnie, nie znajduje się w żadnych oficjalnych źródłach, w przeciwieństwie do innych włoskich kompozytorów. I dopiero na początku XX wieku muzyka Vivaldiego wróciła do nas, wzruszając dusze swoją szczerością i melodią. Dziś zdobi repertuary najsłynniejszych orkiestr. Prawie dwa stulecia zajęło światu ponowne odkrycie muzyki wielkiego Wenecjanina i docenienie jej wspaniałości.

Wideo: obejrzyj film o Vivaldi

4 marca 1678 urodził się Antonio Vivaldi - kompozytor, bez którego muzyki żaden skrzypek nie mógłby się nauczyć. Wśród jego licznych koncertów są takie, które są w mocy uczniów szkół muzycznych – inne zaś uhonorują uznanych wirtuozów. Dziedzictwo twórcze Antonio Vivaldiego jest uderzające skalą – sam napisał 90 oper, ale inne jego dzieła są znacznie bardziej znane – 49 utworów z gatunku concerto grosso, 100 sonat, kantat, oratoriów, utworów duchowych i liczba koncertów na jeden instrument solowy z orkiestrą - skrzypce, flety, wiolonczele, fagoty, obój - ponad trzysta.

Antonio Vivaldi był pionierem na wiele sposobów. Stał się jednym z pierwszych, który dał „start życiowy” waltorni, fagotowi i obojowi, wykorzystując te instrumenty jako samodzielne instrumenty, nie je duplikując.Wraz z Arcangelo Corellim stał się twórcą solowego koncertu instrumentalnego.

Niewiele wiadomo o jego dzieciństwie. Jego ojczyzną jest Wenecja, był najstarszym z sześciorga dzieci skrzypka, który służył w katedrze św. Mark (a wcześniej łączył amatorskie muzykowanie z pracą fryzjera) - i jedyny, który poszedł w ślady ojca jako muzyk (inni synowie odziedziczyli po ojcu pierwszy zawód). Chłopiec nie urodził się przedwcześnie i nie był słaby – do tego stopnia, że ​​został pilnie ochrzczony, bojąc się, że nie przeżyje. Antonio przeżył, ale jego zdrowie nigdy nie było dobre. Objawy jego choroby określano jako „ucisk w klatce piersiowej” – najwyraźniej chodziło o astmę iz tego powodu Vivaldi nie potrafił grać na instrumentach dętych, ale doskonale opanował grę na skrzypcach i klawesynie.

W wieku piętnastu lat Antonio został mnichem, ale problemy zdrowotne uniemożliwiły mu zamieszkanie w klasztorze. Po dziesięciu latach przyjmuje święcenia kapłańskie. Współcześni nazywali muzyka „czerwonym księdzem”, co było prawdą – łączenie kariery muzycznej z karierą duchową było wówczas normą. Za karygodne uznano jeszcze jedną rzecz - zwyczaj opuszczania świątyni przez świętego ojca podczas kultu. Sam święty ojciec tłumaczył to stanem zdrowia - ale dla wielu było jasne, że po prostu wyjeżdżał, aby nagrać melodie, które przyszły mu do głowy. Jednak relacje z władzami kościelnymi coraz bardziej się nagrzewają, a w końcu Vivaldi pod pretekstem złego stanu zdrowia stara się uwolnić od obowiązku uczestniczenia w nabożeństwie.

W wieku dwudziestu pięciu lat młody ksiądz i wirtuoz skrzypiec ma inne obowiązki - zostaje „mistrzem skrzypiec” w sierocińcu dla kobiet „Pio Ospedale delia Pieta”. Zajmuje się pozyskiwaniem instrumentów, dba o bezpieczeństwo istniejących, a co najważniejsze uczy uczniów gry na skrzypcach i altówce. Jednocześnie tworzy dużo muzyki. Dzięki staraniom Vivaldiego nabożeństwa w kościele przy schronisku zamieniają się w prawdziwe koncerty, mieszkańcy Wenecji przyjeżdżają tam, aby posłuchać pięknej muzyki.

Ale twórczość Vivaldiego nie ogranicza się do muzyki liturgicznej. Tworzy wiele dzieł świeckich: sonaty na skrzypce i klawesyn, sonaty trio, zbiory koncertów Extravagance i Harmonic Inspiration. Vivaldi występuje również jako skrzypek wirtuoz. W tym charakterze był tak sławny, że jego nazwisko znalazło się w Przewodniku po Wenecji. Wenecję odwiedzało wielu podróżników, dzięki czemu sława Vivaldiego rozprzestrzeniła się daleko poza jej granice. Szczególnie popularne były koncerty. wykonał transkrypcje niektórych z nich na organach i clavierach.

Ale choć dziś nazwisko Vivaldiego kojarzy się z koncertem instrumentalnym, to początek jego działalności kompozytorskiej był związany z operą. Jego pierwszym dziełem z tego gatunku była „Otto w willi” – typowa opera seria: fabuła z starożytnej historii Rzymu, zawiła intryga, udział kastratów. Opera odniosła sukces, a po niej kolejne. Jednak w tej dziedzinie Vivaldi nigdy nie był w stanie osiągnąć takiego sukcesu jak np. Alessandro Scarlatti. Dużo większy sukces odniósł w gatunku koncertowym. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł – „Doświadczenie harmonii i inwencji” – ukazuje się w 1725 roku. A dokładniej cztery koncerty wchodzące w skład tego zbioru, zatytułowane „Wiosna”, „Lato”, „Jesień” i „Zima” zyskały szczególną sławę – następnie zaczęto je wykonywać jako cykl pod tytułem „Pory roku”, chociaż autor nie miał takiej nazwy. Koncerty te stały się jednym z pierwszych przykładów programowego dzieła symfonicznego.

W latach 30. XVIII wieku kompozytor dużo podróżuje. Ta pasja do podróży była powodem jego zwolnienia z Pio Ospedale delia Pieta. W swoją ostatnią podróż - do Wiednia - kompozytor udał się w 1740 roku, gdzie zmarł.

Za życia Vivaldi wiedział wiele: groźbę śmierci w dzieciństwie - i długie życie, wzloty i upadki, rozkosze publiczności - i samotną starość zapomnianej osoby. Ale jest mało prawdopodobne, że jego dzieła zostaną kiedykolwiek zapomniane. Imię Antonio Vivaldiego jest uwiecznione nawet w kosmosie – jego imieniem nazwano jeden z kraterów na Merkurym.

Muzyczne sezony

Antonio Vivaldi to wybitny skrzypek i kompozytor, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli włoskiej sztuki skrzypcowej XVIII wieku. W przeciwieństwie do Corelliego, rzadko skupiającego się na kilku gatunkach, kompozytor-skrzypek Vivaldi, który napisał ponad 500 koncertów na różne kompozycje i 73 sonaty na różne instrumenty, stworzył 46 oper, 3 oratoria, 56 kantat, dziesiątki dzieł kultowych. Ale ulubionym gatunkiem w jego twórczości był oczywiście koncert instrumentalny. Co więcej, concerti grossi stanowią tylko nieco ponad jedną dziesiątą jego koncertów: zawsze wolał utwory solowe. Ponad 344 z nich jest napisanych na jeden instrument (z akompaniamentem) i 81 na dwa lub trzy instrumenty. Wśród koncertów solowych jest 220 koncertów skrzypcowych. Posiadając żywe wyczucie barwy dźwięku, Vivaldi stworzył koncerty do szerokiej gamy kompozycji.

Gatunek koncertu szczególnie przyciągnął kompozytora rozmachem oddziaływania, dostępnością dla szerokiego grona odbiorców, dynamizmem trzyczęściowego cyklu z przewagą szybkich temp, reliefowymi kontrastami tutti i soli oraz błyskotliwością wirtuozowska prezentacja. Wirtuozowski styl instrumentalny przyczynił się do ogólnego blasku wrażeń z figuratywnej struktury dzieła. To właśnie w tej twórczej interpretacji ówczesny koncert był największym i najbardziej dostępnym z gatunków instrumentalnych i tak pozostało aż do powstania symfonii w życiu koncertowym.

W twórczości Vivaldiego koncert po raz pierwszy uzyskał skończoną formę, realizującą ukryte możliwości gatunku. Jest to szczególnie widoczne w interpretacji solowego początku. O ile w Concerto grosso Corelliego epizody solowe są krótkie, kilkutaktowe, epizody solowe są zamknięte, to u Vivaldiego, zrodzonego z nieograniczonej fantazji, są one budowane w inny sposób: w swobodnej, bliskiej improwizacji prezentacji ich partie, wirtuoz

charakter instrumentów. W związku z tym wzrasta skala orkiestrowych ritornello, a cała forma nabiera zupełnie nowego charakteru dynamicznego, z podkreśloną funkcjonalną klarownością harmonii i ostro zaakcentowaną rytmiką.

Jak już wspomniano, Vivaldi posiada ogromną liczbę koncertów na różne instrumenty, przede wszystkim na skrzypce. Za życia kompozytora ukazało się stosunkowo niewiele koncertów - 9 opusów, z których 5 obejmuje po 12 koncertów i 4 6. Wszystkie z wyjątkiem 6 koncertów op. 10 na flet i orkiestrę, przeznaczone na jedno lub więcej skrzypiec z akompaniamentem. Tym samym ukazało się mniej niż 1/5 ogólnej liczby koncertów Vivaldiego, co tłumaczy się nie tylko niedostatecznie rozwiniętym w tamtym czasie muzycznym biznesem wydawniczym. Być może Vivaldi świadomie nie pozwolił na publikację swoich najbardziej skomplikowanych i technicznie korzystnych koncertów, starając się zachować w tajemnicy tajniki umiejętności wykonawczych. (Później to samo zrobił N. Paganini). Znamienne, że zdecydowana większość opusów opublikowanych przez samego Vivaldiego (4, 6, 7, 9, 11, 12) to koncerty skrzypcowe najłatwiejsze pod względem wykonawczym. Wyjątkiem są słynne opusy 3 i 8: op. 3 zawiera pierwsze opublikowane, a więc szczególnie znaczące koncerty Vivaldiego, dystrybucją których starał się ugruntować swoją reputację kompozytora; z 12 koncertów op. 8-7 mają nazwy programowe i zajmują szczególne miejsce w twórczości kompozytora.

Dwanaście koncertów z op. 3, nazwane przez kompozytora „Inspiracją harmoniczną” („L” Estro Armonico”), były niewątpliwie powszechnie znane na długo przed ich publikacją w Amsterdamie (1712 r.), co potwierdzają odręczne kopie poszczególnych koncertów znajdujące się w wielu europejskich miastach. stylu i oryginalności” „dwurchowy” podział partii orkiestrowych pozwala przypisać powstanie idei cyklu początkom XVIII wieku, kiedy Vivaldi grał w katedrze św. Marka. Orkiestrowe partie każdego z nich koncertów podtrzymywane są w 8-głosowym przedstawieniu - 4 skrzypiec, 2 altówki, wiolonczela i kontrabas z cebalo (lub organami), dzięki czemu dźwięczność orkiestry zostaje podzielona in due cori (na dwa chóry), co jest następnie niezwykle rzadko u Vivaldiego Tworząc w tym przypadku kompozycje „dwuchórowe”, Vivaldi kierował się długą tradycją, która w tamtym czasie już się całkowicie wyczerpała.

Lub. 3 odzwierciedla przejściowy etap w rozwoju koncertu instrumentalnego, kiedy tradycyjne techniki wciąż współistnieją z nowymi trendami. Całe dzieło podzielone jest na 3 grupy po 4 koncerty, każdy według liczby użytych skrzypiec solo. W pierwszej grupie jest 4, w drugiej 2 i jeden w trzeciej. Koncerty na 4 skrzypiec, z jednym wyjątkiem, nie powstawały później. Ta grupa koncertów, z niewielkim rozbiorem sekcji solowych i tutti, jest najbardziej zbliżona do Concerto grosso Corelliego. Koncerty na dwoje skrzypiec z bardziej rozbudowanymi ritornelami w interpretacji początku solowego również pod wieloma względami przypominają Corelliego. I tylko w koncertach na jedne skrzypce epizody solowe uzyskują w miarę pełny rozwój.

Najlepsze z koncertów tego opusu należą do najczęściej wykonywanych. Są to koncerty h-moll na 4 skrzypiec, a-moll na 2 i E-dur na 1 skrzypce. Ich muzyka miała zadziwiać współczesnych nowością życia, wyrażoną w niezwykle żywych obrazach. Już dziś jeden z badaczy pisał o przedostatnim epizodzie solowym z III części Koncertu podwójnego a-moll: „Wydaje się, że okna i drzwi otwierały się w luksusowej sali epoki baroku, a wolna natura weszła z pozdrowieniem; muzyka rozbrzmiewa dumnym, majestatycznym patosem, nieznanym jeszcze XVII wieku: okrzykiem obywatela świata.

Publikacja op. 3 zapoczątkowały silny kontakt Vivaldiego z wydawcami amsterdamskimi i przez niecałe dwie dekady, aż do końca lat dwudziestych XVIII wieku, wszystkie pozostałe dożywotnie wydania koncertów kompozytora ukazywały się w Amsterdamie. Niektóre z tych opusów mają również tytuły, choć nie programowe w ścisłym tego słowa znaczeniu, ale pomagające zrozumieć intencję muzyczną autora. Najwyraźniej odzwierciedlają charakterystyczną dla tamtego okresu pasję kompozytorów do skojarzeń figuratywnych. A więc 12 koncertów na jedne skrzypce z akompaniamentem op. 4 noszą nazwę „La Stravaganza”, co można przetłumaczyć jako „ekscentryczność, dziwność”. Być może ten tytuł powinien podkreślać niezwykłą śmiałość muzycznego myślenia tkwiącą w tym opusie. 12 koncertów na jedno i dwoje skrzypiec z towarzyszeniem op. 9 nosi tytuł „Lyra” („La Cetra”), co oczywiście symbolizuje tutaj sztukę muzyczną. Wreszcie wspomniany już op. 8 ze swoimi 7 koncertami programowymi nosi tytuł "Doświadczenie Harmonii i Fantazji" ("II Cimento dell'Armonia e dell" Inventione"), jakby autor chciał ostrzec słuchaczy, że to tylko skromna próba, próbne poszukiwania w nieznanym dotąd obszarze muzycznej ekspresji.

Wydanie koncertów zbiegło się z rozkwitem działalności Vivaldiego jako skrzypka-wirtuoza i lidera orkiestry Ospedale. W dojrzałych latach swojego życia był jednym z najsłynniejszych skrzypków ówczesnej Europy. Opublikowane za życia muzyka partytury nie dają pełnego obrazu jego niesamowitych umiejętności wykonawczych, które odegrały ogromną rolę w rozwoju techniki skrzypcowej. Wiadomo, że w tamtej epoce nadal powszechny był rodzaj skrzypiec z krótką szyjką i małą podstrunnicą, co nie pozwalało na stosowanie wysokich pozycji. Sądząc po zeznaniach współczesnych, Vivaldi posiadał skrzypce ze specjalnie wydłużoną szyjką, dzięki czemu swobodnie osiągnął 12. pozycję (w jednej z kadencji jego koncertów najwyższą nutą jest fis 4. oktawy - dla porównania , zauważamy, że Corelli ograniczył się do używania 4-tej i 5-tej pozycji).

Oto jak jeden z jego współczesnych opisuje oszałamiające wrażenie występu Vivaldiego w Teatrze Sant'Angelo 4 lutego 1715 roku: nikt nigdy nie mógł i nigdy nie będzie mógł grać; z niesamowitą szybkością, wykonując coś przypominającego fugę na wszystkich 4 strunach, uniósł się palcami lewej ręki tak wysoko w górę szyi, że od stojaka dzieliła je odległość nie większa niż grubość słomy, i nie było nie ma miejsca na grę smyczka na strunach...”.

Mimo ewentualnych przesady opis ten wydaje się ogólnie prawdopodobny, co potwierdzają zachowane kadencje Vivaldiego (w sumie znanych jest 9 rękopisów jego kadencji). Najpełniej ujawniają niesamowity talent techniczny Vivaldiego, który pozwolił mu znacznie poszerzyć możliwości ekspresyjne nie tylko skrzypiec, ale i innych instrumentów. Jego muzyka na instrumenty smyczkowe w pomysłowy sposób wykorzystuje nowe techniki, które były wówczas szeroko rozpowszechnione: granie akordów z różnymi arpeggiami, stosowanie wysokich pozycji, efekt smyczkowy staccato, ostre rzuty, bariolaż itp. Jego koncerty pokazują, że był skrzypkiem z wysoko rozwiniętą techniką smyczkową, na którą składało się nie tylko proste i latające staccato, ale także wyrafinowane techniki arpeggiacji z niespotykanym wówczas cieniowaniem. Fantazja Vivaldiego w wymyślaniu różnych opcji gry arpeggio wydaje się niewyczerpana. Wystarczy nawiązać do 21-taktowego Larghetto z II części koncertu h-moll op. 3, podczas którego używane są jednocześnie trzy rodzaje pasaży, naprzemiennie wysuwające się na pierwszy plan.

A jednak największą siłą skrzypka Vivaldiego była podobno niezwykła mobilność lewej ręki, która nie znała ograniczeń w posługiwaniu się jakąkolwiek pozycją na gryfie.

Specyfika stylu wykonawczego Vivaldiego nadała pieczęć wyjątkowej oryginalności grze orkiestry Ospedale, którą prowadził przez wiele lat. Vivaldi osiągnął niezwykłą subtelność dynamicznych gradacji, zostawiając daleko w tyle wszystko, co znane mu w tej dziedzinie wśród współczesnych. Nie bez znaczenia jest również to, że występy orkiestry Ospedale odbywały się w kościele, gdzie panowała najsurowsza cisza, co pozwalało dostrzec najdrobniejsze niuanse dźwięczności. (W XVIII wieku muzyka orkiestrowa towarzyszyła zwykle hałaśliwym posiłkom, w których nie było mowy o dbałości o szczegóły w wykonaniu). wtedy takie niuanse uznano za niewykonalne. Badacze twórczości Vivaldiego ustalili, że pełna skala dynamiczna jego prac obejmuje 13 (!) gradacji brzmienia: od pianissimo do fortissimo. Konsekwentne stosowanie takich odcieni faktycznie doprowadziło do efektu crescendo czy diminuendo – wtedy zupełnie nieznanego. (W pierwszej połowie XVIII wieku zmiana brzmienia smyczków miała charakter „tarasowy”, podobny do wielomanuałowego cymbała czy organów.)

Po skrzypcach największą uwagę Vivaldiego wśród instrumentów smyczkowych przyciągnęła wiolonczela. W jego spuściźnie zachowało się 27 koncertów na ten instrument z towarzyszeniem. Liczba ta jest zdumiewająca, gdyż w tym czasie wiolonczela była jeszcze niezwykle rzadko wykorzystywana jako instrument solowy. W XVII wieku znany był głównie jako instrument continuo, a dopiero na początku następnego stulecia przeniósł się do grona solistów. Pierwsze koncerty wiolonczelowe pojawiły się w północnych Włoszech, w Bolonii i były niewątpliwie znane Vivaldiemu. Jego liczne koncerty świadczą o głęboko organicznym zrozumieniu natury instrumentu i jego nowatorskiej interpretacji. Vivaldi odważnie podkreśla niskie tony wiolonczeli, przypominające brzmienie fagotu, czasem ograniczając akompaniament do jednego continuo, by wzmocnić efekt. Partie solowe jego koncertów niosą ze sobą spore trudności techniczne, wymagające od wykonawcy dużej mobilności lewej ręki.

Stopniowo Vivaldi wprowadza do partii wiolonczeli nowe techniki gry na skrzypcach: zwiększenie liczby pozycji, staccato, rzuty smyczkiem, wykorzystanie niesąsiadujących strun w szybkim ruchu itp. Wysoki poziom artystyczny koncertów wiolonczelowych Vivaldiego umożliwia należą do najwybitniejszych przykładów tego gatunku. Twórczość kompozytora obejmuje dwa 10 lat, szczególnie istotne dla powstania nowego instrumentu, 10 lat poprzedzających pojawienie się suit Bacha na wiolonczelę solo (1720).

Zafascynowany nowymi odmianami instrumentów smyczkowych Vivaldi prawie nie zwracał uwagi na rodzinę altówek. Jedynym wyjątkiem jest viola d'amore (dosł. altówka miłości), dla której napisał sześć koncertów. Vivaldiego niewątpliwie przyciągnęło delikatne srebrzyste brzmienie tego instrumentu, stworzone przez alikwoty dźwięcznych (alikwotowych) metalowych strun rozciągniętych pod statywem. Viola d'amore jest wielokrotnie wykorzystywana jako niezastąpiony instrument solowy w jego utworach wokalnych (w szczególności w jednej z najlepszych arii oratorium Judith. Vivaldi napisał także jeden koncert na altówkę miłosną i lutnię).

Na szczególną uwagę zasługują koncerty Vivaldiego na instrumenty dęte – drewniane i blaszane. Tutaj jako jeden z pierwszych zwrócił się ku nowym odmianom instrumentów, kładąc podwaliny pod ich nowoczesny repertuar. Tworząc muzykę na instrumenty, które były poza zakresem własnej praktyki wykonawczej, Vivaldi odkrył niewyczerpaną pomysłowość w interpretacji ich możliwości wyrazowych. Jego koncerty dęte wciąż stawiają wykonawcom poważne wymagania techniczne.

Flet jest szeroko stosowany w twórczości Vivaldiego. Na początku XVIII wieku istniały dwie jej odmiany – podłużna i poprzeczna. Vivaldi pisał na oba rodzaje instrumentów. Szczególnie znaczący jest jego wkład w stworzenie repertuaru na flet poprzeczny jako instrument koncertu solowego. Zauważ, że praktycznie nie było dla niej kompozycji koncertowych. Fleciści często grali utwory przeznaczone na skrzypce lub obój. Vivaldi jako jeden z pierwszych stworzył koncerty na flet poprzeczny, które ujawniły nowe ekspresyjne i dynamiczne możliwości jego brzmienia.

Oprócz dwóch głównych odmian instrumentu Vivaldi napisał także na flet - flet, pozornie podobny do współczesnego fletu piccolo. Vivaldi przywiązywał dużą wagę do oboju, który w XVII wieku zajmował honorowe miejsce w orkiestrach operowych. Obój był szczególnie często używany w „muzyce plenerowej”. Zachowało się 11 koncertów Vivaldiego na obój i orkiestrę oraz 3 koncerty na dwa oboje. Wiele z nich ukazało się za życia kompozytora.

W 3 koncertach na różne instrumenty („con molti Istromenti”) Vivaldi użył klarnetu, który wówczas znajdował się jeszcze w eksperymentalnej fazie rozwoju. Klarnet znajduje się również w partyturze oratorium Judith.

Vivaldi napisał niesamowicie dużo na fagot - 37 recitali z akompaniamentem. Ponadto fagot wykorzystywany jest niemal we wszystkich koncertach kameralnych, w których najczęściej łączy się go z barwą wiolonczeli. Interpretacja fagotu w koncertach Vivaldiego charakteryzuje się częstym stosowaniem niskich, grubych rejestrów i szybkim staccato, co wymaga od wykonawcy wysoko rozwiniętej techniki.

Znacznie rzadziej niż instrumenty dęte drewniane Vivaldi sięgał po instrumenty dęte blaszane, co tłumaczy się trudnością wykorzystania ich w tym czasie w koncercie solowym. W XVIII wieku skala mosiężna była jeszcze ograniczona do naturalnych tonów. Dlatego też w koncertach solowych partie instrumentów dętych blaszanych zwykle nie wykraczały poza C i D-dur, a niezbędne kontrasty tonalne powierzano smyczkom. Koncert na dwie trąbki i dwa koncerty na dwie rogi i orkiestrę Vivaldiego ukazują niezwykłą zdolność kompozytora do kompensowania ograniczeń skali naturalnej za pomocą częstych imitacji, powtórzeń dźwięków, kontrastów dynamicznych i podobnych technik.

W grudniu 1736 roku powstały dwa koncerty Vivaldiego na jedną i dwie mandoliny oraz orkiestrę. Dzięki przejrzystej orkiestracji z częstym pizzicato osiągają organiczną jedność z barwą instrumentów solowych, pełną czarującego uroku brzmienia. Mandolina przyciągnęła uwagę Vivaldiego kolorową farbą barwną i jako instrument akompaniamentu. W jednej z arii oratorium Judith mandolina została użyta jako instrument obowiązkowy. Partie dwóch mandolin znajdują się w partyturze koncertu wykonanego w Ospedale w 1740 roku.

Z innych instrumentów szarpanych Vivaldi użył lutni, używając jej w dwóch swoich koncertach. (Dzisiaj partia lutni jest zwykle grana na gitarze.)

Będąc skrzypkiem z powołania, kompozytor Vivaldi w istocie zawsze podążał za kantyleną skrzypcową. Nic dziwnego, że prawie nigdy nie używał klawiszy jako instrumentów solowych, chociaż niezmiennie zachował dla nich funkcję kontynuacji. Wyjątkiem jest Koncert C-dur na kilka instrumentów z dwoma solowymi chambalami. Vivaldi był bardzo zainteresowany innym instrumentem klawiszowym – organami o bogatym brzmieniu i palecie barw. Znanych jest sześć koncertów Vivaldiego z organami solo.

Zafascynowany rozmaitymi możliwościami nowej formy koncertu solowego Vivaldi starał się wykorzystać ją w kompozycjach na zespoły o najróżniejszym składzie. Szczególnie dużo pisał na dwa lub więcej instrumentów z towarzyszeniem orkiestry – znanych jest łącznie 76 jego koncertów tego rodzaju. W przeciwieństwie do Concerto grosso, ze zwyczajowym składem trzech solistów – dwojga skrzypiec i basso continuo, kompozycje te reprezentują zupełnie nowy typ koncertu zespołowego. Ich sekcje solowe wykorzystują najbardziej zróżnicowane pod względem składu i liczby grup instrumentów, liczące do dziesięciu uczestników; w rozwoju na pierwszy plan wysuwają się indywidualni soliści lub dominuje forma instrumentalnego dialogu.

Vivaldi wielokrotnie odwoływał się również do typu koncertu orkiestrowego, w którym dominuje dźwięczność tutti, przeplatanego jedynie występami poszczególnych solistów. Znanych jest 47 dzieł tego rodzaju, których idee znacznie wyprzedzały swoje czasy. Swoim koncertom orkiestrowym nadawał różne nazwy, nazywając je „Sinfonia”, „Concerto”, „Concerto a quattro” (na cztery) lub „Concerto ripieno” (tutti).

Duża liczba koncertów orkiestrowych Vivaldiego świadczy o jego stałym zainteresowaniu tą odmianą gatunku. Podobno praca w „Ospedale” zmusiła go do częstego korzystania z takich form muzykowania, które nie wymagały pierwszorzędnych solistów.

Wreszcie szczególną grupę tworzą koncerty kameralne Vivaldiego na kilku solistów bez towarzyszenia orkiestry. Szczególnie pomysłowo wykorzystują możliwości łączenia instrumentów o różnym charakterze. Wśród 15 utworów tego rodzaju znajdują się także wspomniane już 4 koncerty z op.10 w pierwszym wydaniu.

Rozwój koncertu solowego (przede wszystkim koncertu skrzypcowego) to zasługa A. Vivaldiego, którego głównym polem twórczości była muzyka instrumentalna. Wśród jego licznych koncertów centralne miejsce zajmują koncerty na jedno lub dwoje skrzypiec i orkiestrę.

Ważnych akwizycji dokonał Vivaldi w zakresie rozwoju tematycznego i formy kompozycyjnej. Dla pierwszych części swoich koncertów ostatecznie wypracował i ustalił formę zbliżoną do ronda, którą następnie przyjął J.S. Bacha, a także kompozytorów klasycznych.

Vivaldi przyczynił się do rozwoju wirtuozowskiej techniki skrzypcowej, ustanawiając nowy, dramatyczny styl gry. Styl muzyczny Vivaldiego wyróżnia się melodyjną hojnością, dynamizmem i ekspresją brzmienia, przejrzystością pisarstwa orkiestrowego, klasyczną harmonią połączoną z bogactwem emocjonalnym.

Bibliografia

1. Harnoncourt N. Muzyka programowa - koncerty Vivaldiego op. 8 [Tekst] / N. Arnokur // Muzyka radziecka. - 1991. - nr 11. - S. 92-94.
2. Beletsky I.V. Antonio Vivaldi [Tekst]: krótki zarys życia i pracy / I. V. Beletsky. - L .: Muzyka, 1975. - 87 s.
3. Zeyfas N. Stary człowiek z niesamowitą niewyczerpaną pasją do kompozycji [Tekst] / N. Zeyfas // Muzyka radziecka. - 1991. - nr 11. - S. 90-91.
4. Zeyfas N. Concerto grosso w twórczości Haendla [Tekst] / N. Zeyfas. - M.: Muzyka, 1980. - 80 s.
5. Livanova T. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku [Tekst]. W 2 tomach Podręcznik. T. 1. Do XVIII wieku / T. Livanova. - wyd. 2, poprawione. i dodatkowe - M.: Muzyka, 1983. - 696 s.
6. Łobanova M. Barok zachodnioeuropejski: problemy estetyki i poetyki [Tekst] / M. Lobanova. - M.: Muzyka, 1994. - 317 s.
7. Raaben L. Muzyka barokowa [Tekst] / L. Raaben // Pytania o styl muzyczny / Państwo Leningradzkie. w - t teatr, muzyka i kinematografia. - Leningrad, 1978. - S. 4-10.
8. Rosenshield K. Historia muzyki zagranicznej [Tekst]: podręcznik dla wykonawców. fałsz. ogrody zimowe. Problem 1. Do połowy XVIII wieku / K. Rosenshild. - M.: Muzyka, 1969. - 535 s.
9. Sołowcow AA. Koncert [Tekst]: literatura popularnonaukowa / A. A. Sołowcow. - wyd. 3, dodaj. – M.: Muzgiz, 1963. – 60 s.

Jeden z największych przedstawicieli epoki baroku, A. Vivaldi wszedł do historii kultury muzycznej jako twórca gatunku koncertu instrumentalnego, twórca orkiestrowej muzyki programowej. Dzieciństwo Vivaldiego związane jest z Wenecją, gdzie jego ojciec pracował jako skrzypek w katedrze św. Marka. Rodzina miała sześcioro dzieci, z których Antonio był najstarszy. Nie ma prawie żadnych szczegółów na temat lat dzieciństwa kompozytora. Wiadomo tylko, że uczył się gry na skrzypcach i klawesynie. 18 września 1693 Vivaldi został tonsurowany na mnicha, a 23 marca 1703 przyjął święcenia kapłańskie. W tym samym czasie młody człowiek nadal mieszkał w domu (prawdopodobnie z powodu poważnej choroby), co dało mu możliwość nie opuszczania lekcji muzyki. Ze względu na kolor włosów Vivaldi był nazywany „czerwonym mnichem”. Przypuszcza się, że już w tych latach nie był zbyt gorliwy w swoich obowiązkach duchownych. Wiele źródeł powtarza historię (być może niewiarygodną, ​​ale odkrywczą) o tym, jak pewnego dnia podczas nabożeństwa „rudy mnich” pospiesznie opuścił ołtarz, aby spisać temat fugi, który nagle przyszło mu do głowy. W każdym razie stosunki Vivaldiego z kręgami duchownymi nadal się nagrzewały, a on wkrótce, powołując się na zły stan zdrowia, publicznie odmówił odprawiania mszy.

We wrześniu 1703 Vivaldi rozpoczął pracę jako nauczyciel (maestro di violino) w weneckim dobroczynnym sierocińcu „Pio Ospedale delia Pieta”. Do jego obowiązków należała nauka gry na skrzypcach i altówce „amour”, a także pilnowanie bezpieczeństwa instrumentów smyczkowych i kupowanie nowych skrzypiec. oświeconej publiczności weneckiej.Ze względów ekonomicznych Vivaldi został zwolniony w 1709 r., ale w latach 1711-16 został przywrócony na to samo stanowisko, a od maja 1716 r. był już koncertmistrzem orkiestry Pieta. Vivaldi dał się poznać nie tylko jako pedagog, ale i kompozytor (głównie autor muzyki sakralnej. Równolegle z utworem w „Piecie” Vivaldi poszukuje możliwości publikowania swoich dzieł świeckich. Wydano 12 sonat triowych op. 1 w 1706 r., w 1711 r. pojawił się najsłynniejszy zbiór koncertów skrzypcowych „Inspiracja harmoniczna” op.3, w 1714 r. kolejny zbiór „Ekstrawagancja” op.4 Koncerty skrzypcowe Vivaldiego bardzo szybko stały się szeroko znane w Europie Zachodniej, a zwłaszcza w Niemczech. Zainteresowanie nimi okazali I. Quantz, I. Mattheson, Wielki J. S. Bach „dla przyjemności i nauki” osobiście zaaranżował 9 koncertów skrzypcowych Vivaldiego na klakier i organy. W tych samych latach Vivaldi napisał swoje pierwsze opery Otto (1713), Orlando (1714), Nero (1715). W latach 1718-20. mieszka w Mantui, gdzie pisze głównie opery na sezon karnawałowy, a także kompozycje instrumentalne na dwór książęcy Mantui. W 1725 roku wyszedł jeden z najsłynniejszych opusów kompozytora, noszący podtytuł „Doświadczenie harmonii i inwencji” (op. 8). Podobnie jak poprzednie, zbiór tworzą koncerty skrzypcowe (jest ich tu 12). Pierwsze 4 koncerty tego opusu kompozytor nazwał odpowiednio „Wiosną, Latem, Jesienią i Zimą”. We współczesnej praktyce wykonawczej często łączy się je w cykl „Pory roku” (w oryginale nie ma takiego nagłówka). Podobno Vivaldi nie był usatysfakcjonowany dochodami z wydawania swoich koncertów iw 1733 r. powiedział pewnemu angielskiemu podróżnikowi E. Holdsworthowi o zamiarze porzucenia dalszych publikacji, gdyż w przeciwieństwie do drukowanych rękopisów odręczne kopie są droższe. W rzeczywistości od tego czasu nie pojawiły się żadne nowe oryginalne dzieła Vivaldiego.

Późne lata 20. - 30. często określane jako „lata podróży” (preferowane do Wiednia i Pragi). W sierpniu 1735 Vivaldi powrócił na stanowisko kapelmistrza orkiestry Pieta, ale komitetowi zarządzającemu nie spodobała się podróżnicza pasja jego podwładnego i w 1738 roku kompozytor został zwolniony. Jednocześnie Vivaldi nadal ciężko pracował w gatunku operowym (jednym z jego librecistów był słynny C. Goldoni), wolał jednak osobiście uczestniczyć w produkcji. Spektakle operowe Vivaldiego nie odniosły jednak szczególnego sukcesu, zwłaszcza po tym, jak z powodu kardynalnego zakazu wjazdu do miasta odebrano kompozytorowi możliwość kierowania swoimi operami w teatrze Ferrara (kompozytorowi zarzucono romans z Anna Giraud, jego była uczennica, a odmawiająca „rudowłosemu mnichowi” odprawiania mszy). W rezultacie premiera operowa w Ferrarze nie powiodła się.

W 1740 roku, na krótko przed śmiercią, Vivaldi wyruszył w swoją ostatnią podróż do Wiednia. Powody jego nagłego odejścia są niejasne. Zmarł w domu wdowy po wiedeńskim rymarzu nazwiskiem Waller i został pochowany przez żebraka. Wkrótce po jego śmierci zapomniano o nazwisku wybitnego mistrza. Prawie 200 lat później, w latach 20-tych. XX wiek włoski muzykolog A. Gentili odkrył unikalny zbiór rękopisów kompozytora (300 koncertów, 19 oper, duchowe i świeckie kompozycje wokalne). Od tego czasu rozpoczyna się prawdziwe odrodzenie dawnej świetności Vivaldiego. W 1947 roku wydawnictwo muzyczne „Ricordi” zaczęło publikować wszystkie dzieła kompozytora, a firma „Philips” zaczęła ostatnio realizować równie wspaniały plan – publikację „wszystkich” Vivaldiego. W naszym kraju Vivaldi jest jednym z najczęściej wykonywanych i najbardziej lubianych kompozytorów. Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest wspaniałe. Według miarodajnego katalogu tematyczno-systematycznego Petera Ryoma (oznaczenie międzynarodowe - RV) obejmuje ponad 700 tytułów. Główne miejsce w twórczości Vivaldiego zajął koncert instrumentalny (w sumie zachowało się około 500). Ulubionym instrumentem kompozytora były skrzypce (około 230 koncertów). Ponadto pisał koncerty na dwoje, trzy i czworo skrzypiec z orkiestrą i basem, dalej koncerty na altówkę, wiolonczelę, mandolinę, flety podłużne i poprzeczne, obój, fagot. Ponad 60 koncertów na orkiestrę smyczkową i basso dalej znane są sonaty na różne instrumenty. Spośród ponad 40 oper (co do których autorstwo Vivaldiego zostało dokładnie ustalone) zachowała się tylko połowa z nich. Mniej popularne (ale nie mniej interesujące) są jego liczne wokale kompozycje - kantaty, oratoria, kompozycje na teksty duchowe (psalmy, litanie, "Gloria" itp.).

Wiele instrumentalnych kompozycji Vivaldiego ma programowe napisy. Niektóre z nich odnoszą się do pierwszego wykonawcy (Koncert karbonelli, RV 366), inne do święta, podczas którego ta lub inna kompozycja została wykonana po raz pierwszy (W święto św. Wawrzyńca, RV 286). Szereg podtytułów wskazuje na niecodzienny szczegół techniki wykonawczej (w koncercie „L” ottavina, RV 763 wszystkie skrzypce solo powinny być grane w górnej oktawie). Najbardziej typowe tytuły charakteryzujące panujący nastrój to „Odpoczynek” , Niepokój, Podejrzenie” czy „Harmonic Inspiracja, Cytra” (dwa ostatnie to nazwy zbiorów koncertów skrzypcowych). Jednocześnie nawet w tych utworach, których tytuły zdają się wskazywać na zewnętrzne momenty malarskie („Burza na morzu, Szczygieł , Hunt" itp. s.), dla kompozytora najważniejsze jest zawsze przeniesienie ogólnego nastroju lirycznego. Partytura Pory roku opatrzona jest stosunkowo szczegółowym programem. Już za życia Vivaldi zasłynął jako wybitny koneser orkiestry, wynalazca wielu efektów kolorystycznych, zrobił wiele, aby rozwinąć technikę gry na skrzypcach.