Ten, który bronił rewolucji francuskiej na barykadach. Wolność prowadząca ludzi. Szczegółowe badanie obrazu

1830
260x325 cm Luwr, Paryż

„Wybrałem nowoczesny temat, scenę na barykadach. .. Skoro nie walczyłem o wolność ojczyzny, to przynajmniej muszę tę wolność gloryfikować – poinformował brata Delacroix, odnosząc się do obrazu „Wolność prowadząca lud” (znamy ją też pod nazwą „Wolność na barykady”). Zawarte w nim wezwanie do walki z tyranią zostało usłyszane i entuzjastycznie przyjęte przez współczesnych.

Svoboda, z nagim torsem, przechadza się po zwłokach poległych rewolucjonistów, wzywając rebeliantów do pójścia za nimi. W podniesionej dłoni trzyma trójkolorową flagę Republiki, a jej kolory – czerwony, biały i niebieski – odbijają się echem na płótnie. W swoim arcydziele Delacroix połączył to, co wydawało się nie do pogodzenia – protokolarny realizm reportażu z wysublimowaną tkanką poetyckiej alegorii. Nadał ponadczasowy, epicki dźwięk krótkiemu epizodowi walk ulicznych. Centralną postacią płótna jest Wolność, która połączyła dostojną postawę Afrodyty z Milo z cechami, jakimi obdarzył Liberty Auguste Barbier: „To silna kobieta o potężnych piersiach, o ochrypłym głosie, z ogniem w oczach, szybka , z szerokim krokiem.”

Zachęcony sukcesem rewolucji 1830 roku, Delacroix rozpoczął pracę nad obrazem 20 września, aby gloryfikować Rewolucję. W marcu 1831 otrzymał za niego nagrodę, aw kwietniu wystawił obraz w Salonie. Obraz swoją gwałtowną siłą odpychał mieszczańskich przybyszów, którzy również zarzucali artyście, że w tym heroicznym akcie pokazywał jedynie „motłoch”. W salonie w 1831 roku francuskie Ministerstwo Spraw Wewnętrznych kupuje „Wolność” dla Muzeum Luksemburskiego. Po 2 latach „Wolność”, której fabułę uznano za zbyt upolitycznioną, została usunięta z muzeum i zwrócona autorowi. Król kupił obraz, ale przestraszony jego niebezpiecznym w czasach burżuazji charakterem kazał go ukryć, zwinąć, a następnie zwrócić autorowi (1839). W 1848 Luwr żąda malowania. W 1852 - Drugie Cesarstwo. Obraz ponownie zostaje uznany za wywrotowy i wysłany do magazynu. W ostatnich miesiącach Drugiego Cesarstwa „Wolność” znów była postrzegana jako wielki symbol, a ryciny z tej kompozycji służyły sprawie propagandy republikańskiej. Po 3 latach zostaje stamtąd wywieziony i pokazany na wystawie światowej. W tym momencie Delacroix przepisuje go ponownie. Być może przyciemnia jaskrawoczerwony odcień kapelusza, aby złagodzić jego rewolucyjny wygląd. Delacroix umiera w domu w 1863 roku. A po 11 latach „Wolność” jest ponownie wystawiana w Luwrze.

Sam Delacroix nie brał udziału w „trzech chwalebnych dniach”, obserwując to, co dzieje się z okien swojego warsztatu, ale po upadku monarchii Burbonów postanowił uwiecznić obraz Rewolucji.

Szczegółowy widok zdjęcia: *Realizm i idealizm.*
Obraz wolności mógł być stworzony przez artystę pod wrażeniem z jednej strony romantycznego wiersza Byrona „Pielgrzymka Childe Harolda”, a z drugiej starożytnej greckiej figury Wenus z Milo, którą właśnie odnaleźli archeolodzy pod ten czas. Jednak współcześni Delacroix uważali za jej pierwowzór legendarną praczkę Annę-Charlotte, która po śmierci swojego brata poszła na barykady i zniszczyła dziewięciu szwajcarskich strażników.
Postać w wysokim meloniku przez długi czas była uważana za autoportret artysty, obecnie jest skorelowana z Etienne Arago, fanatycznym republikaninem i reżyserem teatru Wodewil. Podczas wydarzeń lipcowych Arago dostarczał rebeliantom broń z rekwizytów swojego teatru. Na płótnie Delacroix postać ta odzwierciedla udział burżuazji w rewolucji.
Na głowie Wolności widzimy jej tradycyjny atrybut – stożkowate nakrycie głowy z ostrym wierzchołkiem, zwane „czapką frygijską”. Takie nakrycie głowy nosili kiedyś żołnierze perscy.
W bitwie uczestniczy również chłopiec ulicy. Jego podniesiona ręka z pistoletem powtarza gest Wolności. Podekscytowany wyraz twarzy chłopczycy podkreśla po pierwsze światło padające z boku, a po drugie ciemną sylwetkę nakrycia głowy.
Postać rzemieślnika wymachującego mieczem symbolizuje klasę robotniczą Paryża, która odegrała w powstaniu wiodącą rolę.
martwy brat Ten na wpół ubrany zwłoki, zdaniem ekspertów, jest identyfikowany jako zmarły brat Anny-Charlotte, który stał się prototypem Wolności. Muszkiet, który Liberty trzyma w dłoni, może być jego bronią.

Historia arcydzieła

Eugene Delacroix. „Wolność na barykadach”

W 1831 roku w Salonie Paryskim Francuzi po raz pierwszy zobaczyli obraz Eugene'a Delacroix „Wolność na barykadach”, poświęcony „trzem chwalebnym dniom” rewolucji lipcowej z 1830 roku. Płótno zrobiło oszałamiające wrażenie na współczesnych siłą, demokracją i odwagą artystycznej decyzji. Według legendy jeden szanowany burżua wykrzyknął:

„Mówisz - dyrektor szkoły? Powiedz mi lepiej - szef buntu!

Po zamknięciu salonu rząd, przestraszony budzącym grozę i inspirującym apelem płynącym z obrazu, pospiesznie zwrócił go autorowi. Podczas rewolucji 1848 r. został ponownie wystawiony na widok publiczny w Pałacu Luksemburskim. I znowu wrócił do artysty. Dopiero po wystawieniu płótna na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku trafiło do Luwru. Do dziś zachowała się tu jedna z najlepszych kreacji francuskiego romantyzmu - natchniona relacja naocznego świadka i wieczny pomnik walki ludzi o wolność.

Jaki język artystyczny znalazł młody francuski romantyk, aby połączyć te dwie pozornie przeciwstawne zasady – szerokiego, wszechogarniającego uogólnienia i okrutnej w swej nagości konkretnej rzeczywistości?

Paryż słynnych lipcowych dni 1830. Powietrze przesycone szarym dymem i kurzem. Piękne i majestatyczne miasto, znikające w mgiełce pudru. W oddali ledwo zauważalne, ale dumnie wznoszą się wieże katedry Notre Dame -symbol historia, kultura, duch narodu francuskiego.

Stamtąd, z zadymionego miasta, nad ruinami barykad, nad trupami zabitych towarzyszy, powstańcy z uporem i stanowczością wychodzą. Każdy z nich może zginąć, ale krok buntowników jest niewzruszony – inspiruje ich chęć zwycięstwa, wolności.

Ta inspirująca siła ucieleśniona jest w obrazie pięknej młodej kobiety, w namiętnym wybuchu, który ją wzywa. Z niespożytą energią, swobodną i młodzieńczą szybkością ruchu jest niczym grecka bogini zwycięstwa Nike. Jej silna sylwetka ubrana jest w chitonową sukienkę, jej twarz o doskonałych rysach, z płonącymi oczami zwrócona jest do buntowników. W jednej ręce trzyma trójkolorowy sztandar Francji, w drugiej broń. Na głowie czapka frygijska - starożytny symbolwyzwolenie z niewoli. Jej krok jest szybki i lekki - tak kroczą boginie. Jednocześnie wizerunek kobiety jest prawdziwy - jest córką Francuzów. Jest siłą przewodnią ruchu grupy na barykadach. Z niego, jak ze źródła światła i ośrodka energii, promienie rozchodzą się, ładując pragnieniem i wolą zwycięstwa. Ci, którzy znajdują się w jej bliskim sąsiedztwie, każdy na swój sposób wyrażają swoje zaangażowanie w to inspirujące i inspirujące wezwanie.

„Gavroche, pełen natchnienia, promienny, wziął na siebie, aby wprawić całość w ruch. Biegał tam iz powrotem, wstawał, upadał, wstawał ponownie, hałasował, iskrzył się z radości. Wydawałoby się, że przyszedł tutaj, aby wszystkich pocieszyć. Czy miał do tego jakiś motyw? Tak, oczywiście, jego ubóstwo. Czy miał skrzydła? Tak, oczywiście, jego radość. To był rodzaj trąby powietrznej. Wydawało się, że wypełnia powietrze sobą, będąc jednocześnie wszędzie... Ogromne barykady wyczuwały go na jego kręgosłupie.

Gavroche na obrazie Delacroix to uosobienie młodości, „piękny impuls”, radosna akceptacja jasnej idei Wolności. Dwa obrazy - Gavroche i Liberty - wydają się wzajemnie uzupełniać: jeden to ogień, drugi to zapalona z niego pochodnia. Heinrich Heine opowiedział, jak żywą reakcję wzbudziła postać Gavroche wśród paryżan.

"Piekło! — wykrzyknął sklepik — Ci chłopcy walczyli jak olbrzymy!

Po lewej uczeń z bronią. Widziany w nim wcześniejautoportret artysta. Ten buntownik nie jest tak szybki jak Gavroche. Jego ruch jest bardziej powściągliwy, bardziej skoncentrowany, znaczący. Ręce pewnie ściskają lufę pistoletu, twarz wyraża odwagę, stanowczą determinację, by wytrzymać do końca. To głęboko tragiczny obraz. Uczeń zdaje sobie sprawę z nieuchronności strat, jakie poniosą buntownicy, ale ofiary go nie przerażają – wola wolności jest silniejsza. Za nim stoi równie odważny i stanowczy robotnik z szablą.

Zraniony u stóp Wolności. Ledwo wstałchce jeszcze raz spojrzeć w górę na Wolność, zobaczyć i poczuć całym sercem to piękno, za które umiera. Ta figura wnosi ostry dramatyczny początek brzmieniu płótna Delacroix. Jeśli obrazy Wolności, Gavroche, studenta, robotnika - prawie symbole, ucieleśnienie nieugiętej woli bojowników o wolność - inspirują i wzywają widza, to ranny mężczyzna wzywa do współczucia. Człowiek żegna się z Wolnością, żegna się z życiem. Jest wciąż impulsem, ruchem, ale już zanikającym impulsem.

Jego postać jest przejściowa. Wzrok widza, wciąż zafascynowany i uniesiony rewolucyjną determinacją buntowników, schodzi do stóp barykady, przykrytej ciałami chwalebnie zmarłych żołnierzy. Śmierć ukazuje artysta w całej nagości i oczywistości tego faktu. Widzimy niebieskie twarze zmarłych, ich nagie ciała: walka jest bezlitosna, a śmierć jest tak samo nieuniknioną towarzyszką buntowników, jak piękna inspiratorka Wolność.

Ale nie dokładnie to samo! Z okropnego widoku na dolną krawędź obrazu ponownie podnosimy oczy i widzimy piękną młodą postać - nie! życie wygrywa! Idea wolności, ucieleśniona tak widocznie i namacalnie, jest tak skoncentrowana na przyszłości, że śmierć w jej imieniu nie jest straszna.

Obraz namalowała 32-letnia artystka pełna siły, energii, pragnienia życia i tworzenia. Młody malarz, który przeszedł szkołę w pracowni Guerina, ucznia słynnego Dawida, szukał w sztuce własnych dróg. Stopniowo staje się szefem nowego kierunku - romantyzmu, który zastąpił stary - klasycyzm. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, którzy budowali malarstwo na racjonalnych podstawach, Delacroix starał się przede wszystkim przemawiać do serca. Jego zdaniem malarstwo powinno wstrząsnąć uczuciami człowieka, całkowicie zawrzeć w nim pasję, jaką posiada artysta. Na tej ścieżce Delacroix rozwija swoje kreatywne credo. Kopiuje Rubensa, lubi Turnera, jest blisko Géricault, ulubionego kolorysty Francuzówmistrzowie staje się Tintoretto. Angielski teatr, który przybył do Francji, urzekł go przedstawieniami tragedii Szekspira. Byron był jednym z moich ulubionych poetów. Z tych hobby i przywiązań powstał figuratywny świat obrazów Delacroix. Zwrócił się do tematów historycznych,historie zaczerpnięty z dzieł Szekspira i Byrona. Jego wyobraźnię podniecał Wschód.

Ale oto zdanie w pamiętniku:

„Poczułem chęć pisania na współczesne tematy”.

Delacroix stwierdza, a dokładniej:

„Chcę pisać o wątkach rewolucji”.

Jednak mglista i ociężała rzeczywistość otaczająca romantycznego artystę nie dostarczyła godnego materiału.

I nagle rewolucja wdziera się w tę szarą rutynę jak trąba powietrzna, jak huragan. Cały Paryż był pokryty barykadami iw ciągu trzech dni zmieciono na zawsze dynastię Burbonów. Święta Lipca! wykrzyknął Heinrich Heine. czerwone było słońce, jak wielcy byli mieszkańcy Paryża!”

5 października 1830 Delacroix, naoczny świadek rewolucji, napisał do swojego brata:

„Zacząłem malować na nowoczesnej fabule –„ Barykady ”. Jeśli nie walczyłem o ojczyznę, to przynajmniej na jego cześć namaluję obraz.

Tak powstał pomysł. Początkowo Delacroix miał na celu przedstawienie konkretnego epizodu rewolucji, na przykład „Śmierci d" Arcoli, bohatera, który upadł podczas zdobywania ratusza. Jednak artysta bardzo szybko zrezygnował z takiej decyzji. Szuka uogólnianieobraz , które ucieleśniałoby najwyższy sens tego, co się dzieje. W wierszu Auguste'a Barbiera stwierdza:alegoria Wolność w postaci „…silnej kobiety o potężnej piersi, z ochrypłym głosem, z ogniem w oczach…”. Ale nie tylko wiersz Barbiera skłonił artystę do stworzenia obrazu Wolności. Wiedział, jak zaciekle i bezinteresownie walczyły Francuzki na barykadach. Współcześni wspominali:

„A kobiety, zwłaszcza kobiety z pospólstwa – gorące, podekscytowane – inspirowały, zachęcały, zahartowały swoich braci, mężów i dzieci. Pomagali rannym pod kulami i śrutem lub rzucali się na wrogów jak lwice.

Delacroix prawdopodobnie wiedział o dzielnej dziewczynie, która zdobyła jedno z dział wroga. Następnie, ukoronowaną wieńcem laurowym, niesiono triumfalnie w fotelu ulicami Paryża, przy wiwatach ludu. W ten sposób sama rzeczywistość dostarczyła gotowych symboli.

Delacroix mógł je pojąć tylko artystycznie. Po długich poszukiwaniach fabuła obrazu w końcu skrystalizowała się: majestatyczna postać prowadzi niepowstrzymany strumień ludzi. Artysta przedstawia jedynie niewielką grupę buntowników, żywych i martwych. Ale obrońcy barykady wydają się niezwykle liczni.Kompozycja jest zbudowany w taki sposób, że grupa walczących nie jest ograniczona, nie zamknięta w sobie. Jest tylko częścią niekończącej się lawiny ludzi. Artysta podaje jakby fragment grupy: rama obrazu odcina postacie z lewej, prawej i dołu.

Zazwyczaj kolor w pracach Delacroix nabiera emocjonalnego brzmienia, odgrywa dominującą rolę w tworzeniu efektu dramatycznego. Kolory, czasem szalejące, czasem wyblakłe, przytłumione, tworzą napiętą atmosferę. W Wolności na barykadach Delacroix odchodzi od tej zasady. Bardzo dokładnie, bezbłędnie wybierając farbę, nakładając ją szerokimi pociągnięciami, artysta oddaje atmosferę bitwy.

Jednak kolorystyka gamma powściągliwy. Delacroix koncentruje się naulga modelowanie formularze . Tego wymagało figuratywne rozwiązanie obrazu. Wszak artysta, przedstawiając konkretne wczorajsze wydarzenie, stworzył także pomnik temu wydarzeniu. Dlatego postacie są prawie rzeźbiarskie. Dlatego każdycharakter , będąc częścią jednej całości obrazu, stanowi jednocześnie coś zamkniętego w sobie, jest symbolem oddanym w skończoną formę. Dlatego kolor nie tylko emocjonalnie wpływa na odczucia widza,ale ma też znaczenie symboliczne. W brązowo-szarej przestrzeni, gdzieniegdzie błyska uroczysta triadanaturalizm i idealne piękno; szorstki, straszny - i wzniosły, czysty. Nie bez powodu wielu krytyków, nawet tych życzliwych Delacroix, było zszokowanych nowatorstwem i śmiałością obrazu, nie do pomyślenia na tamte czasy. I nie bez powodu Francuzi nazwali ją później „Marsylianką”obraz .

Będąc jednym z najlepszych dzieł i kreacji francuskiego romantyzmu, obraz Delacroix pozostaje wyjątkowy w swojej treści artystycznej. „Wolność na barykadach” to jedyne dzieło, w którym romantyzm, ze swoim wiecznym pragnieniem majestatu i heroizmu, z nieufnością do rzeczywistości, zwrócił się ku tej rzeczywistości, zainspirował się nią i znalazł w niej najwyższy sens artystyczny. Ale odpowiadając na wezwanie konkretnego wydarzenia, które nagle zmieniło zwykły bieg życia całego pokolenia, Delacroix wykracza poza to. W procesie pracy nad obrazem puszcza wodze wyobraźni, odsuwa na bok wszelkie konkrety, przemijające, indywidualne, jakie może dać rzeczywistość i przekształca ją z twórczą energią.

To płótno przynosi nam gorący oddech lipcowych dni 1830 roku, szybkiego rewolucyjnego wzrostu narodu francuskiego i jest doskonałym artystycznym ucieleśnieniem wspaniałej idei walki ludu o wolność.

E. Warlamowa

Opis pracy

1. Wstęp. Opis kontekstu historycznego i kulturowego epoki.
2- Biografia autora.
3- Gatunek, przynależność gatunkowa, fabuła, formalne cechy języka (kompozycja, materiał, technika, kreska, kolorystyka), twórcza koncepcja obrazu.
4- Obraz „Wolność na barykadach”.
5- Analiza we współczesnym kontekście (uzasadnienie trafności).

Pliki: 1 plik

Czelabińska Akademia Państwowa

Kultura i sztuka.

Semestralna praca egzaminacyjna nad obrazem artystycznym

EUGENE DELACROIX WOLNOŚĆ NA BARYKADACH.

Ukończone przez studenta II roku grupy 204 TV

Rusanova Irina Igorevna

Sprawdzone przez nauczycielkę sztuk pięknych Gindina O.V.

Czelabińsk 2012

1. Wstęp. Opis kontekstu historycznego i kulturowego epoki.

3- Gatunek, przynależność gatunkowa, fabuła, formalne cechy języka (kompozycja, materiał, technika, kreska, kolorystyka), twórcza koncepcja obrazu.

4- Obraz „Wolność na barykadach”.

5- Analiza we współczesnym kontekście (uzasadnienie trafności).

SZTUKA KRAJÓW EUROPY ZACHODNIEJ W POŁOWIE XIX WIEKU.

Romantyzm następuje po epoce Oświecenia i zbiega się z rewolucją przemysłową, naznaczoną pojawieniem się silnika parowego, parowozu, parowca, fotografii i przedmieść fabryki. Jeśli Oświecenie charakteryzuje kult rozumu i opartej na jego zasadach cywilizacji, to romantyzm afirmuje kult natury, uczuć i tego, co naturalne w człowieku. To właśnie w dobie romantyzmu ukształtowały się zjawiska turystyki, alpinizmu i pikników, mające na celu przywrócenie jedności człowieka i natury. Pożądany jest obraz „szlachetnego dzikusa”, uzbrojonego w „mądrość ludową”, a nie zepsutego przez cywilizację. Oznacza to, że romantycy chcieli pokazać niezwykłą osobę w niezwykłych okolicznościach.

Rozwój romantyzmu w malarstwie przebiegał w ostrej kontrowersji ze zwolennikiem klasycyzmu. Romantycy zarzucali swoim poprzednikom „zimną racjonalność” i brak „ruchu życia”. W latach 20. i 30. prace wielu artystów odznaczały się patosem i nerwowym podnieceniem; pojawiła się w nich tendencja do motywów egzotycznych i gra wyobraźni, która potrafi odciągnąć od „mrocznej codzienności”. Walka z zamrożonymi normami klasycystycznymi trwała długo, prawie pół wieku. Pierwszym, któremu udało się skonsolidować nowy kierunek i „usprawiedliwić” romantyzm, był Theodore Géricault

Historycznymi kamieniami milowymi, które zdeterminowały rozwój sztuki zachodnioeuropejskiej w połowie XIX wieku, były rewolucje europejskie z lat 1848-1849. i Komuna Paryska z 1871 r. W największych krajach kapitalistycznych następuje szybki wzrost ruchu robotniczego. Istnieje naukowa ideologia rewolucyjnego proletariatu, której założycielami byli K. Marks i F. Engels. Zryw w działalności proletariatu budzi wściekłą nienawiść burżuazji, która jednoczy wokół siebie wszystkie siły reakcji.

Wraz z rewolucjami 1830 i 1848-1849. łączą się najwyższe osiągnięcia sztuki, oparte na kierunkach, których w tym okresie były rewolucyjny romantyzm i demokratyczny realizm. Najwybitniejsi przedstawiciele rewolucyjnego romantyzmu w sztuce połowy XIX wieku. Byli francuski malarz Delacroix i francuski rzeźbiarz Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (Francuski Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - francuski malarz i grafik, lider romantycznego kierunku w malarstwie europejskim. Pierwszym obrazem Delacroix była Łódź Dantego (1822), którą wystawił w Salonie.

Twórczość Eugene'a Delacroix można podzielić na dwa okresy. W pierwszym artysta był bliski rzeczywistości, w drugim stopniowo od niej odchodzi, ograniczając się do wątków zaczerpniętych z literatury, historii i mitologii. Najważniejsze obrazy:

„Masakra na Chios” (1823-1824, Luwr, Paryż) i „Wolność na barykadach” (1830, Luwr, Paryż)

Obraz „Wolność na barykadach”.

Rewolucyjno-romantyczne płótno „Wolność na barykadach” kojarzy się z rewolucją lipcową 1830 roku w Paryżu. Artysta konkretyzuje miejsce akcji - po prawej stronie unosi się wyspa Cité i wieże katedry Notre Dame. Specyficzne są też wizerunki ludzi, o których przynależności społecznej może decydować zarówno charakter ich twarzy, jak i kostiumy. Widz widzi zbuntowanych robotników, studentów, paryskich chłopców i intelektualistów.

Obrazem tego ostatniego jest autoportret Delacroix. Jej wprowadzenie do kompozycji po raz kolejny wskazuje, że artysta czuje się uczestnikiem tego, co się dzieje. Przez barykadę obok buntownika przechodzi kobieta. Jest naga do pasa: na głowie ma czapkę frygijską, w jednej ręce pistolet, w drugiej sztandar. To alegoria Wolności prowadzącej lud (stąd drugie imię obrazu to Wolność prowadząca lud). W narastającym z głębi ruchu rytmie wzniesionych rąk, karabinów, szabli, w maczugach prochowego dymu, w durowo brzmiących akordach czerwono-biało-niebieskiego sztandaru - najjaśniejszego punktu obrazu - jeden czuć szybkie tempo rewolucji.

Obraz został wystawiony na Salonie w 1831 roku, płótno wywołało burzę społecznej aprobaty. Nowy rząd kupił obraz, ale jednocześnie natychmiast nakazał go usunąć, jego patos wydawał się zbyt niebezpieczny.Jednak przez prawie dwadzieścia pięć lat, ze względu na rewolucyjny charakter fabuły, praca Delacroix nie była wystawiana.

Obecnie znajduje się w 77. pokoju na 1 piętrze Galerii Denon w Luwrze.

Kompozycja obrazu jest bardzo dynamiczna. Artysta nadał ponadczasowy, epicki dźwięk prostemu epizodowi walk ulicznych. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą od wojsk królewskich, a prowadzi ich sama Wolność. Krytycy widzieli w niej „skrzyżowanie kupca i starożytnej greckiej bogini”. W rzeczywistości artysta nadał swojej bohaterce zarówno majestatyczną postawę „Wenus z Milo”, jak i te cechy, które poeta Auguste Barbier, śpiewak rewolucji 1830 roku, obdarzył Wolność: „To silna kobieta o potężnym piersi, ochrypłym głosem, z ogniem w oczach, szybkim, szerokim krokiem. Wolność podnosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; podąża za nim uzbrojony tłum: rzemieślnicy, wojskowi, burżuazja, dorośli, dzieci.

Stopniowo ściana rosła i umacniała się, oddzielając Delacroix i jego sztukę od rzeczywistości. Zamknięty w samotności znalazł go rewolucja 1830 roku. Wszystko, co kilka dni temu stanowiło sens życia pokolenia romantyków, zostało natychmiast odrzucone daleko w przeszłość, zaczęło „wydawać się małe” i niepotrzebne w obliczu wielkości wydarzeń, które miały miejsce.

Zdziwienie i entuzjazm, jakich doświadczyły w tych dniach, wkraczają w odosobnione życie Delacroix. Rzeczywistość traci dla niego odrażającą powłokę wulgarności i codzienności, ujawniając prawdziwą wielkość, której nigdy w niej nie widział, a której wcześniej poszukiwał w wierszach Byrona, kronikach historycznych, starożytnej mitologii i na Wschodzie.

Lipcowe dni odbiły się echem w duszy Eugene'a Delacroix z ideą nowego obrazu. Bitwy barykadowe z 27, 28 i 29 lipca w historii Francji zadecydowały o wyniku politycznych przewrotów. W tych dniach obalono króla Karola X, ostatniego przedstawiciela znienawidzonej przez lud dynastii Burbonów. Po raz pierwszy dla Delacroix nie była to fabuła historyczna, literacka czy orientalna, ale prawdziwe życie. Jednak zanim ten pomysł został wcielony, musiał przejść długą i trudną ścieżkę zmian.

R. Escollier, biograf artysty, napisał: „Na samym początku, pod pierwszym wrażeniem tego, co zobaczył, Delacroix nie zamierzał przedstawiać Wolności wśród jej zwolenników… Chciał po prostu odtworzyć jeden z lipcowych odcinków, takich jak na przykład śmierć d"Arcola". Tak, wtedy dokonano wielu wyczynów i poświęceń. Bohaterska śmierć d"Arcola wiąże się ze zdobyciem przez rebeliantów paryskiego ratusza. W dniu, w którym wojska królewskie trzymały pod ostrzałem most wiszący Greve, pojawił się młody mężczyzna, który pospieszył do ratusza. Wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d„ Arcole ”. Naprawdę zginął, ale udało mu się wciągnąć za sobą ludzi i zabrano ratusz.

Eugene Delacroix wykonał szkic piórem, który być może stał się pierwszym szkicem do przyszłego obrazu. O tym, że nie był to zwykły rysunek, świadczy dokładny dobór momentu i kompletność kompozycji, przemyślane akcenty na poszczególnych postaciach i organicznie połączone z akcją tło architektoniczne. Ten rysunek rzeczywiście mógł służyć jako szkic do przyszłego obrazu, ale historyk sztuki E. Kozhina uważał, że pozostał tylko szkicem, który nie miał nic wspólnego z płótnem, które później namalował Delacroix, pędząc naprzód i urzekając powstańców swoim bohaterskim impulsem .Eugène Delacroix przenosi tę centralną rolę na samą Wolność.

Podczas pracy nad obrazem w światopoglądzie Delacroix zderzyły się dwie przeciwstawne zasady – inspiracja inspirowana rzeczywistością, az drugiej strony nieufność do tej rzeczywistości, która od dawna zakorzeniła się w jego umyśle. Nieufność, że życie może być samo w sobie piękne, że ludzkie obrazy i środki czysto obrazowe mogą przekazać ideę obrazu w całości. Ta nieufność podyktowała symboliczną figurę Wolności Delacroix i inne alegoryczne udoskonalenia.

Artysta przenosi całe wydarzenie w świat alegorii, my odzwierciedlamy ideę tak, jak czynił to Rubens, którego ubóstwia (Delacroix powiedział młodemu Edouardowi Manetowi: „Trzeba zobaczyć Rubensa, musisz poczuć Rubensa, potrzebujesz kopiować Rubensa, bo Rubens jest bogiem”) w swoich kompozycjach, uosabiając pojęcia abstrakcyjne. Ale Delacroix nadal nie we wszystkim podąża za swoim idolem: wolność symbolizuje dla niego nie starożytne bóstwo, ale najprostsza kobieta, która jednak staje się po królewsku majestatyczna.

Alegoryczna Wolność jest pełna żywotnej prawdy, w szybkim impulsie wyprzedza kolumnę rewolucjonistów, ciągnąc ich za sobą i wyrażając najwyższy sens walki – siłę idei i możliwość zwycięstwa. Gdybyśmy nie wiedzieli, że Nika z Samotraki została wykopana z ziemi po śmierci Delacroix, można by przypuszczać, że artysta zainspirował się tym arcydziełem.

Wielu historyków sztuki zauważało i zarzucało Delacroix, że cała wielkość jego malarstwa nie może przesłonić wrażenia, które na pierwszy rzut oka okazuje się ledwo zauważalne. Mówimy o zderzeniu w umyśle artysty przeciwstawnych dążeń, które odcisnęło swoje piętno nawet na ukończonym płótnie, wahaniu Delacroix między szczerym pragnieniem ukazania rzeczywistości (tak jak on ją widział) a mimowolnym pragnieniem podniesienia jej do poziomu cothurns, między pociąganiem do malarstwa emocjonalnego, bezpośredniego i już przyzwyczajonego do tradycji artystycznej. Wielu nie było zadowolonych, że najbardziej bezwzględny realizm, który przerażał życzliwą publiczność salonów artystycznych, łączył w tym obrazie z nieskazitelną, idealną urodą. Dostrzegając jako cnotę poczucie autentyczności życia, które nigdy wcześniej nie przejawiało się w twórczości Delacroix (i nigdy więcej), zarzucono artyście uogólnienie i symbolikę obrazu Wolności. Jednak za uogólnienie innych obrazów, zrzucanie winy na artystę za to, że naturalistyczna nagość trupa na pierwszym planie sąsiaduje z nagością Wolności.

Ale, wskazując na alegorię głównego obrazu, niektórzy badacze zapominają zauważyć, że alegoryzm Wolności wcale nie tworzy dysonansu z pozostałymi postaciami na obrazie, nie wygląda na obrazie tak obco i wyjątkowo, jak mógłby wydają się na pierwszy rzut oka. W końcu reszta aktorów również jest alegoryczna w swej istocie i roli. W ich osobie Delacroix niejako wysuwa na pierwszy plan te siły, które dokonały rewolucji: robotników, inteligencję i plebs Paryża. Robotnik w bluzie i student (lub artysta) z bronią to przedstawiciele dość określonych warstw społecznych. Są to niewątpliwie jasne i niezawodne obrazy, ale Delacroix przenosi to uogólnienie do symboli. I ta alegoryczność, która jest już w nich wyraźnie odczuwalna, osiąga najwyższy rozwój w figurze Wolności. To niesamowita i piękna bogini, a jednocześnie odważna paryżanka. A obok niego, skaczący po kamieniach, krzyczący z zachwytu i wymachujący pistoletami (jakby organizując wydarzenia), zwinny, rozczochrany chłopak to mały geniusz paryskich barykad, którego Victor Hugo za 25 lat nazwie Gavroche.

Obraz „Wolność na barykadach” kończy romantyczny okres w twórczości Delacroix. Sam artysta bardzo lubił ten obraz i dokładał wszelkich starań, aby przenieść go do Luwru. Jednak po przejęciu władzy przez „monarchię burżuazyjną” zakazano wystawiania tego płótna. Dopiero w 1848 roku Delacroix mógł ponownie wystawić swój obraz, i to nawet dość długo, ale po klęsce rewolucji na długo trafił do magazynu. Prawdziwe znaczenie tego dzieła Delacroix określa jego drugie imię, nieoficjalne: wielu od dawna jest przyzwyczajonych do oglądania na tym obrazie „Marsylianki malarstwa francuskiego”.

Obraz jest na płótnie. Była malowana olejami.

ANALIZA OBRAZU PRZEZ PORÓWNANIE WSPÓŁCZESNEJ LITERATURY I TRAFNOŚCI.

własne postrzeganie obrazu.

W tej chwili uważam, że obraz Delacroix Wolność na barykadach jest bardzo aktualny w naszych czasach.

Temat rewolucji i wolności wciąż podnieca nie tylko wielkie umysły, ale także ludzi. Teraz wolność ludzkości jest pod przywództwem władzy. Ludzie są we wszystkim ograniczeni, ludzkość kieruje się pieniędzmi, a na czele stoi burżuazja.

W XXI wieku ludzkość ma większe możliwości chodzenia na wiece, pikiety, manifesty, rysowania i tworzenia tekstów (choć zdarzają się wyjątki, jeśli tekst klasyfikuje się jako ekstremizm), w których śmiało pokazuje swoje stanowisko i poglądy.

Ostatnio temat wolności i rewolucji w Rosji również stał się bardziej aktualny niż wcześniej. Wszystko to związane jest z ostatnimi wydarzeniami ze strony opozycji (ruchy „Front Lewy”, „Solidarność”, partia Nawalnowa i Borysa Niemcowa)

Coraz częściej słyszymy hasła wzywające do wolności i rewolucji w kraju. Współcześni poeci wyrażają to wyraźnie w swoich wierszach. Przykładem jest Aleksiej Nikonow. Jego rewolucyjny bunt i jego pozycja w stosunku do całej sytuacji w kraju uwidacznia się nie tylko w poezji, ale także w pieśniach.

Uważam też, że nasz kraj potrzebuje rewolucyjnego zamachu stanu. Nie możesz odebrać wolności ludzkości, skuć jej i zmusić do pracy dla systemu. Człowiek ma prawo wyboru, wolność słowa, ale próbuje to odebrać. I nie ma granic - jesteś dzieckiem, dzieckiem lub dorosłym. Dlatego obrazy Delacroix są mi bardzo bliskie, podobnie jak on sam.

Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830, która położyła kres reżimowi Restauracji w monarchii Burbonów. Po licznych szkicach przygotowawczych ukończenie obrazu zajęło mu zaledwie trzy miesiące. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeżeli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Obraz ma również drugie imię: „Wolność prowadząca lud”. Początkowo artysta chciał po prostu odtworzyć jeden z odcinków lipcowych bitew 1830 roku. Był świadkiem heroicznej śmierci d „Arcola, gdy rebelianci zdobyli paryski ratusz. Młody człowiek pojawił się na wiszącym moście Greve pod ostrzałem i wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d „Arcol”. I naprawdę został zabity, ale zdołał zniewolić ludzi.

W 1831 roku w Salonie Paryskim Francuzi po raz pierwszy zobaczyli ten obraz, poświęcony „trzem chwalebnym dniom” rewolucji lipcowej 1830 roku. Płótno zrobiło oszałamiające wrażenie na współczesnych siłą, demokracją i odwagą artystycznej decyzji. Według legendy jeden szanowany burżua wykrzyknął: „Mówisz - dyrektor szkoły? Powiedz mi lepiej - szef buntu! *** Po zamknięciu Salonu rząd, przestraszony budzącym grozę i inspirującym apelem płynącym z obrazu, pospiesznie zwrócił go autorowi. Podczas rewolucji 1848 r. został ponownie wystawiony na widok publiczny w Pałacu Luksemburskim. I znowu wrócił do artysty. Dopiero po wystawieniu płótna na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku trafiło do Luwru. Do dziś zachowała się tu jedna z najlepszych kreacji francuskiego romantyzmu - natchniona relacja naocznego świadka i wieczny pomnik walki ludzi o wolność.

Paryż słynnych lipcowych dni 1830. W oddali ledwo zauważalne, ale dumnie wznoszą się wieże katedry Notre Dame - symbol historii, kultury i ducha Francuzów. Stamtąd, z zadymionego miasta, nad ruinami barykad, nad trupami zabitych towarzyszy, powstańcy z uporem i stanowczością wychodzą. Każdy z nich może zginąć, ale krok buntowników jest niewzruszony – inspiruje ich chęć zwycięstwa, wolności.

Ta inspirująca siła ucieleśniona jest w obrazie pięknej młodej kobiety, w namiętnym wybuchu, który ją wzywa. Z niespożytą energią, swobodną i młodzieńczą szybkością ruchu jest niczym grecka bogini zwycięstwa Nike. Jej silna sylwetka ubrana jest w chitonową sukienkę, jej twarz o doskonałych rysach, z płonącymi oczami zwrócona jest do buntowników. W jednej ręce trzyma trójkolorową flagę Francji, w drugiej broń. Na głowie znajduje się czapka frygijska - starożytny symbol wyzwolenia z niewoli. Jej krok jest szybki i lekki - tak chodzą boginie. Jednocześnie wizerunek kobiety jest prawdziwy - jest córką Francuzów. Jest siłą przewodnią ruchu grupy na barykadach. Z niego, jak ze źródła światła w centrum energii, promieniują promienie, naładowując się pragnieniem i wolą zwycięstwa. Ci, którzy są blisko niego, każdy na swój sposób, wyrażają swoje zaangażowanie w to inspirujące wezwanie.

Po prawej chłopiec, paryski zwierz, wymachujący pistoletami. Jest najbliżej Wolności i niejako rozpalony jej entuzjazmem i radością wolnego impulsu. Szybkim, chłopięcym, niecierpliwym ruchem wyprzedza nawet swojego inspiratora. To poprzednik legendarnego Gavroche, którego dwadzieścia lat później sportretował Victor Hugo w powieści Nędznicy: „Gavroche, pełen natchnienia, promienny, wziął na siebie zadanie wprawienia wszystkiego w ruch. Biegał tam iz powrotem, wstawał, upadał, wstawał ponownie, hałasował, iskrzył się z radości. Wydawałoby się, że przyszedł tutaj, aby wszystkich pocieszyć. Czy miał do tego jakiś motyw? Tak, oczywiście, jego ubóstwo. Czy miał skrzydła? Tak, oczywiście, jego radość. To był rodzaj trąby powietrznej. Wydawało się, że wypełnia powietrze sobą, będąc jednocześnie wszędzie... Ogromne barykady wyczuwały go na kręgosłupie.**

Po lewej uczeń z bronią. Wcześniej był postrzegany jako autoportret artysty. Ten buntownik nie jest tak szybki jak Gavroche. Jego ruch jest bardziej powściągliwy, bardziej skoncentrowany, znaczący. Ręce pewnie ściskają lufę pistoletu, twarz wyraża odwagę, stanowczą determinację, by wytrzymać do końca. To głęboko tragiczny obraz. Uczeń zdaje sobie sprawę z nieuchronności strat, jakie poniosą buntownicy, ale ofiary go nie przerażają – wola wolności jest silniejsza. Za nim stoi równie odważny i stanowczy robotnik z szablą. Zraniony u stóp Wolności. Wstaje z trudem, by jeszcze raz spojrzeć w górę na Wolność, by zobaczyć i poczuć całym sercem to piękno, za które umiera. Ta figura wprowadza dramatyczny początek brzmienia płótna Delacroix. Jeśli obrazy Gavroche, Liberty, studenta, robotnika są niemal symbolami, ucieleśnieniem nieubłaganej woli bojowników o wolność - inspirują i wzywają widza, to ranny człowiek wzywa do współczucia. Człowiek żegna się z Wolnością, żegna się z życiem. Jest wciąż impulsem, ruchem, ale już zanikającym impulsem.

Z okropnego widoku na dolną krawędź obrazu ponownie podnosimy oczy i widzimy piękną młodą postać - nie! życie wygrywa! Idea wolności, ucieleśniona tak widocznie i namacalnie, jest tak skoncentrowana na przyszłości, że śmierć w jej imieniu nie jest straszna.

Artysta przedstawia jedynie niewielką grupę buntowników, żywych i martwych. Ale obrońcy barykady wydają się niezwykle liczni. Kompozycja jest zbudowana w taki sposób, że grupa bojowników nie jest ograniczona, nie zamknięta w sobie. Jest tylko częścią niekończącej się lawiny ludzi. Artysta podaje jakby fragment grupy: rama obrazu odcina postacie z lewej, prawej i dołu.

Ale gama kolorów jest ograniczona. Delacroix skupia się na modelowaniu reliefowym formy. Tego wymagało figuratywne rozwiązanie obrazu. Wszak artysta, przedstawiając konkretne wczorajsze wydarzenie, stworzył także pomnik temu wydarzeniu. Dlatego postacie są prawie rzeźbiarskie. Dlatego też każda postać, będąc częścią jednej całości obrazu, stanowi również coś w sobie zamkniętego, reprezentuje symbol odlany w skończoną formę. Dlatego kolor nie tylko emocjonalnie wpływa na uczucia widza, ale niesie ze sobą symboliczny ładunek. W brązowo-szarej przestrzeni, gdzieniegdzie, uroczysta triada błysków czerwieni, błękitu, bieli - barw sztandaru Rewolucji Francuskiej 1789 roku. Wielokrotne powtarzanie tych kolorów wspiera potężny akord trójkolorowej flagi przelatującej nad barykadami.

Obraz Delacroix „Wolność na barykadach” jest dziełem złożonym, majestatycznym w swoim zakresie. Tutaj łączy się autentyczność bezpośrednio widzianego faktu z symboliką obrazów; realizm, osiągnięcie brutalnego naturalizmu i idealnego piękna; szorstki, straszny i wzniosły, czysty.

Obraz „Wolność na barykadach” utrwalił zwycięstwo romantyzmu we francuskiej „Bitwie pod Poitiers” i „Zamachu na biskupa Liege”. Delacroix jest autorem obrazów nie tylko o tematyce Rewolucji Francuskiej, ale także kompozycji batalistycznych o tematyce narodowej („Bitwa pod Poitiers”). Podczas swoich podróży artysta wykonał szereg szkiców z natury, na podstawie których po powrocie tworzył obrazy. Prace te wyróżnia nie tylko zainteresowanie egzotyką i romantyczną kolorystyką, ale także głęboko odczuwana oryginalność życia narodowego, mentalności i charakterów.

Delacroix. „Wolność prowadząca ludzi”. 1831 Paryż. Żaluzja.

Lawina powstańców przesuwa się szybko i groźnie nad ruinami barykady, właśnie odbitymi przez wojska rządowe, tuż nad ciałami poległych. Przed nami piękna w swym odruchu kobieta, z transparentem w dłoni, wznosi się do barykady. To jest Wolność prowadząca ludzi. Delacroix został zainspirowany do stworzenia tego obrazu wierszami Auguste'a Barbiera. W swoim wierszu „Yamba” znalazł alegoryczny wizerunek bogini Wolności, ukazany w postaci władczej kobiety z ludu:
„Ta silna kobieta o potężnych piersiach,
Z ochrypłym głosem i ogniem w oczach,
Szybko, szerokim krokiem,
Cieszyć się krzykami ludzi
Krwawe walki, długie dudnienie bębnów,
Zapach prochu, unoszący się z daleka,
Echa dzwonów i ogłuszających armat.
Artysta odważnie wprowadził symboliczny obraz w tłum prawdziwych paryżan. To zarówno alegoria, jak i żywa kobieta (wiadomo, że w lipcowych bitwach brało udział wielu paryżan). Ma klasyczny antyczny profil, potężny, wyrzeźbiony tors, chitonową sukienkę i frygijską czapkę na głowie – starożytny symbol wyzwolenia z niewoli.

Opinie

Zawsze miałam wrażenie, że z tego obrazu emanuje coś niezdrowego. Dziwny symbol patriotyzmu i wolności. Ta moc-
ta pani mogła raczej symbolizować wolność moralności, prowadząc ludzi do burdelu, a nie do rewolucji. To prawda, że „bogini wolności” ma takie
budzący grozę i surowy wyraz twarzy, o którym być może nie wszyscy decydują
wpatruj się w jej potężne piersi, więc możesz myśleć na dwa sposoby...
Przepraszam, jeśli coś źle zrozumiałem, po prostu wyrażałem swoją opinię.

Droga księżniczko! Wyrażona przez Ciebie opinia po raz kolejny pokazuje, że mężczyźni i kobiety patrzą na wiele rzeczy inaczej. Erotyczny moment w tak nieodpowiedniej sytuacji? Ale jest niewątpliwie obecny, a nawet bardzo do niego podobny! Rewolucja to zniszczenie wszystkiego, co stare. Fundamenty się kruszą. Niemożliwe staje się możliwe. Więc to upojenie wolnością jest na wskroś erotyczne. Delacroix to poczuł. Barbie to poczuł. Pasternak (w zupełnie innych rewolucyjnych czasach) poczuł to (czytaj: Moje życie siostry). Jestem nawet pewien, że gdyby człowiek podjął się napisania powieści o końcu świata, wiele rzeczy przedstawiłby inaczej. (Armagedon – czy to nie rewolucja wszystkich rewolucji?) Z uśmiechem.

Jeśli koniec świata jest rewolucją, to śmierć jest również rewolucją))))
To prawda, że z jakiegoś powodu większość stara się zorganizować dla niej kontrrewolucję, tak
i przedstawię ją w bardzo nieerotyczny sposób, wiesz, szkielet z kosą i
w czarnym płaszczu. Jednak… nie będę się kłócić, może w rzeczywistości
mężczyźni widzą to wszystko inaczej.

Dzienna publiczność portalu Proza.ru to około 100 tysięcy odwiedzających, którzy w sumie przeglądają ponad pół miliona stron według licznika ruchu, który znajduje się po prawej stronie tego tekstu. Każda kolumna zawiera dwie liczby: liczbę odsłon i liczbę odwiedzających.

Szczegółowy widok zdjęcia:

Opis pracy

Pliki: 1 plik