starożytna grecka rzeźba klasyczna
Starożytna grecka rzeźba z okresu klasycznego
Mówiąc o sztuce starożytnych cywilizacji, przede wszystkim pamiętamy i studiujemy sztukę starożytnej Grecji, a w szczególności jej rzeźbę. Naprawdę w tym małym pięknym kraju ten rodzaj sztuki urósł do takiego poziomu, że do dziś jest uważany za standard na całym świecie. Badanie rzeźb starożytnej Grecji pozwala lepiej zrozumieć światopogląd Greków, ich filozofię, ideały i aspiracje. W rzeźbie, jak nigdzie indziej, przejawia się stosunek do człowieka, który w starożytnej Grecji był miarą wszechrzeczy. To właśnie rzeźba daje nam możliwość oceny religijnych, filozoficznych i estetycznych idei starożytnych Greków. Wszystko to pozwala lepiej zrozumieć przyczyny takiego wzrostu, rozwoju i upadku tej cywilizacji.
Rozwój cywilizacji starożytnej Grecji dzieli się na kilka etapów - epok. Najpierw pokrótce opowiem o epoce archaicznej, ponieważ poprzedzała epokę klasyczną i „nadała ton” rzeźbie.
Okres archaiczny to początek powstawania starożytnej rzeźby greckiej. Era ta została również podzielona na wczesną archaiczną (650 - 580 p.n.e.), wysoką (580 - 530 p.n.e.) i późną (530 - 480 p.n.e.). Rzeźba - była ucieleśnieniem idealnej osoby. Wychwalała jego piękno, doskonałość fizyczną. Wczesne pojedyncze rzeźby reprezentowane są przez dwa główne typy: wizerunek nagiego młodzieńca - kurosa oraz postać ubraną w długą, obcisłą tunikę dziewczyny - kora.
Rzeźba z tej epoki była bardzo podobna do egipskiej. I nie jest to zaskakujące: Grecy, zapoznając się z kulturą egipską i kulturami innych krajów starożytnego Wschodu, dużo pożyczali, aw innych przypadkach znajdowali z nimi podobieństwa. W rzeźbie zaobserwowano pewne kanony, były więc bardzo geometryczne i statyczne: człowiek robi krok do przodu, jego ramiona są wyprostowane, a ręce opuszczone wzdłuż ciała, na ustach zawsze igra głupi uśmiech. Dodatkowo namalowano rzeźby: złote włosy, niebieskie oczy, różowe policzki.
Na początku epoki klasycznej kanony te nadal obowiązują, później jednak autor zaczyna odchodzić od statyki, rzeźba nabiera charakteru, często dochodzi do zdarzenia, do akcji.
Rzeźba klasyczna to druga epoka rozwoju kultury starożytnej Grecji. Dzieli się również na etapy: styl wczesny klasyczny lub ścisły (490 - 450 pne), wysoki (450 - 420 pne), styl bogaty (420 - 390 pne), późny klasyczny (390 - ok. 320 pne).
W dobie wczesnej klasyki następuje swego rodzaju przemyślenie życia. Rzeźba nabiera bohaterskiego charakteru. Sztuka zostaje uwolniona od sztywnych ram, które ją krępowały w epoce archaicznej, to czas poszukiwania nowego, intensywnego rozwoju różnych szkół i nurtów, tworzenia dzieł heterogenicznych. Dwa typy figur - kuros i kore - są zastępowane znacznie większą różnorodnością typów; rzeźby mają tendencję do przekazywania złożonego ruchu ludzkiego ciała.
Wszystko to dzieje się na tle wojny z Persami i to ta wojna tak bardzo zmieniła myślenie starożytnych Greków. Centra kulturalne zostały przesunięte i obecnie są to miasta Ateny, Północny Peloponez i grecki Zachód. W tym czasie Grecja osiągnęła najwyższy punkt rozwoju gospodarczego, politycznego i kulturalnego. Ateny zajęły czołowe miejsce w związku miast greckich. Społeczeństwo greckie było demokratyczne, zbudowane na zasadach równej działalności. Wszyscy mężczyźni zamieszkujący Ateny, z wyjątkiem niewolników, byli równymi obywatelami. I wszyscy mieli prawo do głosowania i mogli być wybierani na dowolne urzędy publiczne. Grecy byli w zgodzie z naturą i nie tłumili swoich naturalnych aspiracji. Wszystko, co zrobili Grecy, było własnością ludu. Posągi stały w świątyniach i na placach, na palestrach i na brzegu morza. Były obecne na frontonach, w dekoracjach świątyń. Podobnie jak w epoce archaicznej rzeźby były malowane.
Niestety rzeźba grecka dotarła do nas głównie we fragmentach. Chociaż według Plutarcha w Atenach było więcej posągów niż żywych ludzi. Wiele posągów spłynęło do nas w rzymskich kopiach. Ale są bardzo prymitywne w porównaniu z greckimi oryginałami.
Jednym z najsłynniejszych rzeźbiarzy wczesnych klasyków jest Pitagoras Rhegius. Niewiele jego dzieł dotarło do nas, a jego prace znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów. Pitagoras zasłynął realistycznym przedstawieniem ludzkich żył, żył i włosów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego rzeźb: „Chłopiec wyciągający drzazgę”, „Hiacynt” itp. Ponadto przypisuje mu się słynną statuę z brązu „Woźnica” znalezioną w Delfach. Pitagoras Regius stworzył kilka brązowych statuetek zwycięzców olimpijskich i delfickich. I jest właścicielem posągów Apollina - zabójcy Pytona, Porwania Europy, Eteoklesa, Polinejusza i Zranionego Filokteta.
Wiadomo, że Pitagoras Regius był współczesnym i rywalem Myrona. To kolejny słynny rzeźbiarz tamtych czasów. I zasłynął jako największy realista i znawca anatomii. Ale przy tym wszystkim Miron nie wiedział, jak nadać twarzom swoich prac życie i wyraz. Myron tworzył posągi sportowców - zwycięzców konkursów, reprodukował sławnych bohaterów, bogów i zwierzęta, szczególnie pięknie przedstawiał trudne pozy, które wyglądały bardzo realistycznie.
Najlepszym przykładem takiej rzeźby jest światowej sławy Discobolus. Starożytni pisarze wspominają także o słynnej rzeźbie Marsjasza z Ateną. Ta słynna grupa rzeźbiarska dotarła do nas w kilku egzemplarzach. Oprócz ludzi Myron przedstawiał także zwierzęta, szczególnie znany jest jego wizerunek „Krowy”.
Myron pracował głównie w brązie, jego prace nie zachowały się i znane są ze świadectw starożytnych autorów i kopii rzymskich. Był też mistrzem toreutyki - wykonywał metalowe kielichy z płaskorzeźbami.
Innym znanym rzeźbiarzem tego okresu jest Kalamid. Wykonywał rzeźby z marmuru, brązu i chryselefantyny, przedstawiał głównie bogów, kobiece postacie bohaterskie i konie. Sztukę Calamisa można ocenić na podstawie kopii z późniejszego czasu, która spłynęła do nas z posągiem Hermesa niosącego barana, którego zabił dla Tanagry. Postać samego boga wykonana jest w stylu archaicznym, z charakterystyczną dla tego stylu bezruchem pozy i symetrią ułożenia członów; ale baran niesiony przez Hermesa wyróżnia się już pewną żywotnością.
Ponadto zabytki starożytnej greckiej rzeźby z wczesnych klasyków obejmują frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii. Innym znaczącym dziełem wczesnych klasyków jest tak zwany Tron Ludovisiego. Jest to trójboczny marmurowy ołtarz przedstawiający narodziny Afrodyty, po bokach ołtarza znajdują się hetery i panny młode, symbolizujące różne hipostazy miłości lub obrazy służenia bogini.
Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta. Jej krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu. Szczytem starożytnej greckiej rzeźby były najwyraźniej posągi Ateny Partenos i Zeusa Olimpu autorstwa Fidiasza.
Fidiasz jest jednym z najlepszych przedstawicieli stylu klasycznego, a o jego znaczeniu wystarczy powiedzieć, że uważany jest za twórcę sztuki europejskiej. Kierowana przez niego attycka szkoła rzeźby zajęła czołowe miejsce w sztuce klasycystycznej.
Fidiasz posiadał wiedzę na temat osiągnięć optyki. Zachowała się opowieść o jego rywalizacji z Alkamenem: oba zostały zamówione posągi Ateny, które miały być postawione na wysokich kolumnach. Fidiasz wykonał swój posąg zgodnie z wysokością kolumny - na ziemi wydawał się brzydki i nieproporcjonalny. Szyja bogini była bardzo długa. Kiedy oba posągi zostały wzniesione na wysokich cokołach, poprawność Fidiasza stała się oczywista. Zwracają uwagę na wielką umiejętność Fidiasza w interpretacji strojów, w której przewyższa on zarówno Myrona, jak i Polikleitosa.
Większość jego dzieł nie zachowała się, możemy je ocenić jedynie z opisów starożytnych autorów i kopii. Jednak jego sława była kolosalna. A było ich tak dużo, że zostało już dużo. Najsłynniejsze dzieła Fidiasza - Zeusa i Ateny Partenos zostały wykonane w technice chryzoelefantyny - złota i kości słoniowej.
Wysokość posągu Zeusa wraz z cokołem według różnych źródeł wynosiła od 12 do 17 metrów. Oczy Zeusa były wielkości pięści dorosłego mężczyzny. Peleryna zakrywająca część ciała Zeusa, w lewej ręce berło z orłem, w prawej figura bogini Nike oraz wieniec na głowie wykonane są ze złota. Zeus siedzi na tronie, na nogach tronu przedstawione są cztery tańczące Nike. Przedstawiono także: centaury, lafity, wyczyny Tezeusza i Herkulesa, freski przedstawiające bitwę Greków z Amazonkami.
Atena Partenon była, podobnie jak posąg Zeusa, ogromna i wykonana w technice chryzoelefantyny. Tylko bogini, w przeciwieństwie do swojego ojca, nie zasiadała na tronie, ale stała na pełną wysokość. „Sama Atena jest zrobiona z kości słoniowej i złota… Posąg przedstawia ją w pełnym rozwoju w tunice do samych podeszew stóp, na piersi ma głowę Meduzy wykonaną z kości słoniowej, w dłoni trzyma obraz Nike około czterech łokci, aw jej drugiej ręce - włócznię. U jej stóp leży tarcza, a w pobliżu włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtonius. (Opis Hellady, XXIV, 7).
Hełm bogini miał trzy herby: środkowy ze sfinksem, boczne z gryfami. Według Pliniusza Starszego na zewnętrznej stronie tarczy wybito bitwę z Amazonkami, od wewnątrz walkę bogów z gigantami, a na sandałach Ateny umieszczono wizerunek centauromachii. Podstawa została ozdobiona historią Pandory. Chiton bogini, jej tarcza, sandały, hełm i biżuteria są wykonane ze złota.
Na marmurowych kopiach ręka bogini z Niką wsparta jest na filarze, to, czy istniała w oryginale, jest przedmiotem licznych sporów. Nika wydaje się malutka, w rzeczywistości miała 2 metry wzrostu.
Atena Promachos - kolosalny wizerunek bogini Ateny wymachującej włócznią na ateńskim Akropolu. Wzniesiony na pamiątkę zwycięstw nad Persami. Jego wysokość sięgała 18,5 metra i górowała nad wszystkimi okolicznymi budynkami, z daleka błyszcząc nad miastem. Niestety ta bogini z brązu nie przetrwała do dziś. A wiemy o tym tylko ze źródeł kronikowych.
Atena Lemnia - znana nam również z kopii jest wykonana z brązu rzeźba bogini Ateny, stworzona przez Fidiasza. Jest to posąg z brązu przedstawiający boginię opartą na włóczni. Nazwany - od wyspy Lemnos, dla mieszkańców której został wykonany.
Ranna Amazonka, druga statuetka w słynnym konkursie rzeźbiarskim na Świątynię Artemidy w Efezie. Oprócz powyższych rzeźb Fidiaszowi przypisuje się także inne, zgodnie z podobieństwami stylistycznymi: posąg Demeter, posąg Kore, płaskorzeźbę z Eleusis, Anadumena (młody mężczyzna owijający głowę bandażem), Hermes Ludovisi, Tyber Apollo, Kassel Apollo.
Mimo talentu, a raczej boskiego daru Fidiasza, jego stosunki z mieszkańcami Aten wcale nie były ciepłe. Jak pisze Plutarch, Fidiasz w swoim Żywocie Peryklesa był głównym doradcą i asystentem Peryklesa (ateńskiego polityka, słynnego mówcy i dowódcy).
„Ponieważ był przyjacielem Peryklesa i cieszył się z nim wielkim autorytetem, miał wielu osobistych wrogów i zazdrosnych ludzi. Przekonali jednego z asystentów Fidiasza, Menona, by zadenuncjował Fidiasza i oskarżył go o kradzież. Fidiaszowi ciążyła zazdrość o chwałę jego dzieł… Analizując jego sprawę w Zgromadzeniu Narodowym, nie było dowodów kradzieży. Ale Fidiasz został wysłany do więzienia i tam zmarł z powodu choroby.
Polikleitos Starszy - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, współczesny Fidiaszowi. W przeciwieństwie do Fidiasza nie był tak duży. Jego rzeźba ma jednak pewien charakter: Policlet lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. Jako pierwszy wpadł na pomysł nadania figurom takiego stwierdzenia, że spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Polikleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub w zwolnionym tempie wydaje się poruszać i ożywić. Przykładem tego jest słynny posąg Polikleita „Dorifora” (włócznika). To właśnie w tej pracy ucieleśnione są idee Polikleta o idealnych proporcjach ludzkiego ciała, które są ze sobą w stosunku liczbowym. Uważano, że figura została stworzona na podstawie przepisów pitagoreizmu, dlatego w czasach starożytnych posąg Doryforosa był często nazywany „kanonem Polikleta”. Formy tego posągu powtarzają się w większości prac rzeźbiarza i jego szkoły. Odległość od brody do korony w posągach Polikleta to jedna siódma, odległość od oczu do podbródka to jedna szesnasta, a wysokość twarzy to jedna dziesiąta całej figury. Polykleitos jest silnie związany z tradycją pitagorejską. „Kanon Polikleta” – traktat teoretyczny rzeźbiarza, stworzony przez Polikleta dla innych artystów, aby z niego korzystali. Istotnie, Kanon Polikleta wywarł wielki wpływ na kulturę europejską, mimo że zachowały się tylko dwa fragmenty pracy teoretycznej, informacje na jego temat są fragmentaryczne, a podstawa matematyczna nie została jeszcze ostatecznie wydedukowana.
Oprócz włócznika znane są również inne dzieła rzeźbiarza: „Diadumen” („Młody człowiek wiążący bandaż”), „Zraniona Amazonka”, kolosalna statua Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijczyka Zeusa Fidiasa „Discophorus” („Młody człowiek trzymający dysk”). Niestety rzeźby te przetrwały tylko w starożytnych kopiach rzymskich.
Na etapie „Rich Style” znamy nazwiska takich rzeźbiarzy jak Alkamen, Agoracritus, Callimachus itp.
Alkamen, grecki rzeźbiarz, uczeń, rywal i następca Fidiasza. Uważano, że Alkamen nie ustępował Fidiaszowi, a po śmierci tego ostatniego stał się czołowym rzeźbiarzem w Atenach. Jego Hermes w formie hermy (filar zwieńczony głową Hermesa) znany jest w wielu kopiach. Nieopodal, w pobliżu świątyni Ateny Nike, znajdował się posąg Hekate, który składał się z trzech postaci połączonych plecami. Na akropolu w Atenach odnaleziono także grupę należącą do Alkamen - Proknę, która wzniosła nóż nad swoim synem Itisem, szukającym ratunku w fałdach jej ubrania. W sanktuarium na zboczu Akropolu znajdował się posąg siedzącego Dionizosa należącego do Alkamena. Alkamenes stworzył także posąg Aresa do świątyni na agorze oraz posąg Hefajstosa do świątyni Hefajstosa i Ateny.
Alkamen pokonał Agoracritusa w konkursie na posąg Afrodyty. Jednak jeszcze bardziej znana jest Afrodyta siedząca w Ogrodach, u północnych podnóży Akropolu. Jest przedstawiana na wielu czerwonofigurowych wazonach na Attyce, otoczonych przez Erosa, Peito i inne ucieleśnienia szczęścia, jakie niesie miłość. Często powtarzana przez starożytnych kopistów głowa, zwana „Sappho”, została prawdopodobnie skopiowana z tego posągu. Ostatnie dzieło Alkamena to kolosalna płaskorzeźba z Herkulesem i Ateną. Jest prawdopodobne, że Alkamen zmarł wkrótce potem.
Agorakrit był także uczniem Fidiasza i, jak mówią, ulubieńcem. On, podobnie jak Alkamen, brał udział w tworzeniu fryzu Partenonu. Dwa najbardziej znane dzieła Agorakrytusa to kultowy posąg bogini Nemezis (przerobiony po pojedynku z Alkamen Ateną), podarowany świątyni Ramnos oraz posąg Matki Boskiej w Atenach (przypisywany czasami Fidiaszowi). Spośród dzieł wymienionych przez starożytnych autorów do Agorakryta należały niewątpliwie jedynie posągi Zeusa-Hadesa i Ateny w Koronei. Z jego prac zachowała się tylko część głowy kolosalnego posągu Nemezis oraz fragmenty płaskorzeźb zdobiących podstawę tego posągu. Według Pauzaniasza na podstawie przedstawiono młodą Helenę (córkę Nemezis) wraz z opiekującą się nią Ledą, jej mężem Menelaosem i innymi krewnymi Heleny i Menelaosa.
Ogólny charakter rzeźby późnoklasycznej zdeterminowany był rozwojem tendencji realistycznych.
Skopas jest jednym z najważniejszych rzeźbiarzy tego okresu. Skopas, zachowując tradycje monumentalnej sztuki wysokiej klasyki, nasyca swoje dzieła dramaturgią, ujawnia złożone uczucia i przeżycia człowieka. Bohaterowie Scopas nadal ucieleśniają doskonałe cechy silnych i walecznych ludzi. Skopas wprowadza jednak do sztuki rzeźbiarskiej tematy cierpienia, wewnętrznego załamania. Są to wizerunki rannych żołnierzy z frontonów świątyni Ateny Alei w Tegei. Plastyczność, ostra niespokojna gra światłocienia podkreśla dramaturgię tego, co się dzieje.
Skopas wolał pracować w marmurze, prawie porzucając ulubiony materiał wysokiej klasyki - brąz. Marmur umożliwił oddanie subtelnej gry światła i cienia, różnych kontrastów fakturalnych. Jego Maenada (Bachantka), zachowana w niewielkim zniszczonym, antycznym egzemplarzu, ucieleśnia obraz człowieka ogarniętego burzliwym wybuchem namiętności. Taniec Maenady jest szybki, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają ciężką falą na ramiona. Ruch zakrzywionych fałd jej tuniki podkreśla porywczy impuls ciała.
Obrazy Skopasa są albo głęboko zamyślone, jak młody człowiek z nagrobka rzeki Ilissus, albo żywe i pełne pasji.
W oryginale zachował się fryz z mauzoleum w Halikarnasie, przedstawiający walkę Greków z Amazonkami.
Wpływ sztuki Skopasa na dalszy rozwój greckiej sztuki plastycznej był ogromny i można go porównać jedynie z wpływem sztuki jego współczesnych Praksytelesów.
W swojej twórczości Praksyteles odwołuje się do obrazów przepojonych duchem czystej i czystej harmonii, spokojnej zadumy, pogodnej kontemplacji. Praksyteles i Skopas uzupełniają się wzajemnie, ukazując różne stany i uczucia człowieka, jego wewnętrzny świat.
Ukazując harmonijnie rozwiniętych, pięknych bohaterów, Praksyteles ujawnia także związki ze sztuką wysokiej klasyki, ale jego obrazy tracą heroizm i monumentalną wielkość dzieł okresu świetności, nabierając bardziej wyrafinowanego lirycznie i kontemplacyjnego charakteru.
Mistrzostwo Praksytelesa najpełniej ujawnia się w marmurowej grupie „Hermes z Dionizosem”. Pełen wdzięku krąg sylwetki, zrelaksowana postawa odpoczynku młodego, smukłego ciała, piękna, duchowa twarz Hermesa są oddane z wielką wprawą.
Praxitel stworzył nowy ideał kobiecego piękna, ucieleśniając go w obrazie Afrodyty, która jest przedstawiona w momencie, gdy po zdjęciu ubrania ma wejść do wody. Choć rzeźba przeznaczona była do celów kultowych, wizerunek pięknej nagiej bogini został uwolniony od uroczystego majestatu. „Afrodyta z Knidos” spowodowała w kolejnych czasach wiele powtórzeń, ale żadne z nich nie mogło się równać z oryginałem.
Rzeźba „Apollo Saurocton” to wizerunek pełnego wdzięku nastoletniego chłopca, który celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa. Praksyteles na nowo zastanawia się nad obrazami mitologicznymi, cechami życia codziennego, pojawiają się w nich elementy gatunku.
Jeśli w sztuce Skopasa i Praksytelesa istnieją jeszcze namacalne związki z zasadami sztuki wysokiej klasyki, to w kulturze artystycznej ostatniej tercji IV wieku. pne np. te więzi coraz bardziej słabną.
Macedonia nabiera wielkiego znaczenia w życiu społeczno-politycznym starożytnego świata. Podobnie jak wojna z Persami zmieniła i na nowo przemyślała kulturę Grecji na początku V wieku. pne mi. Po zwycięskich kampaniach Aleksandra Wielkiego i jego podboju polityki greckiej, a następnie rozległych terytoriach Azji, które stały się częścią państwa macedońskiego, rozpoczyna się nowy etap rozwoju starożytnego społeczeństwa - okres hellenizmu. Okres przejściowy od późnej klasyki do samego okresu hellenistycznego wyróżnia się osobliwymi cechami.
Lysippus jest ostatnim wielkim mistrzem późnej klasyki. Jego praca rozwija się w latach 40-30. V wiek pne e., za panowania Aleksandra Wielkiego. W sztuce Lysippusa, a także w pracach jego wielkich poprzedników, rozwiązano zadanie ujawnienia doświadczeń człowieka. Zaczął wprowadzać wyraźniej wyrażone cechy wieku, zawodu. Nowością w twórczości Lysippusa jest jego zainteresowanie charakterystyczną ekspresją w człowieku, a także rozszerzeniem malarskich możliwości rzeźby.
Lysippus ucieleśniał swoje rozumienie obrazu mężczyzny w rzeźbie młodego mężczyzny, który zeskrobuje piasek po zawodach - „Apoxiomen”, którego przedstawia nie w momencie wysiłku, ale w stanie zmęczenia. Smukła postać sportowca ukazana jest w złożonym zwoju, który zmusza widza do obejścia rzeźby. Ruch jest swobodnie rozmieszczany w przestrzeni. Twarz wyraża znużenie, głęboko osadzone, zacienione oczy patrzą w dal.
Lysippus umiejętnie przekazuje przejście od stanu spoczynku do działania i odwrotnie. To jest wizerunek odpoczywającego Hermesa.
Ogromne znaczenie dla opracowania portretu miała praca Lysippusa. W stworzonych przez niego portretach Aleksandra Wielkiego ujawnia się głębokie zainteresowanie odsłanianiem duchowego świata bohatera. Najbardziej niezwykła jest marmurowa głowa Aleksandra, która oddaje jego złożoną, sprzeczną naturę.
Sztuka Lysipposa zajmuje pogranicze na przełomie epok klasycznych i hellenistycznych. Wciąż jest wierny klasycznym koncepcjom, ale już podważa je od wewnątrz, tworząc grunt pod przejście do czegoś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie głowa bojownika na pięści nie należy do Lysippusa, ale być może do jego brata Lizystratusa, który był również rzeźbiarzem i podobno jako pierwszy używał masek zdjętych z twarzy modela do portretów ( co było szeroko rozpowszechnione w starożytnym Egipcie, ale całkowicie obce sztuce greckiej). Możliwe, że głowa pięściarza również została wykonana za pomocą maski; daleko mu do kanonu i ideału doskonałości fizycznej, którą Hellenowie ucieleśniali w postaci sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści nie jest niczym półbóg, tylko artystą estradowym dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy opuchnięte. Ten rodzaj „naturalistycznych” obrazów rozpowszechnił się później w hellenizmie; Jeszcze bardziej brzydkiego wojownika na pięści wyrzeźbił attycki rzeźbiarz Apoloniusz już w I wieku p.n.e. mi.
To, co wcześniej rzucało cień na jasną strukturę światopoglądu helleńskiego, pojawiło się pod koniec IV wieku p.n.e. e.: dekompozycja i śmierć polityki demokratycznej. Początkiem tego było powstanie Macedonii, północnego regionu Grecji, i faktyczne zdobycie wszystkich państw greckich przez macedońskiego króla Filipa II.
Aleksander Wielki w młodości skosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego opiekunem był wielki filozof Arystoteles, nadworni malarze - Lysippos i Apelles. Nie przeszkodziło mu to, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłosić się bogiem i zażądać, aby on i w Grecji otrzymał boskie zaszczyty. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich obyczajów Grecy, chichocząc, mówili: „Cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” – i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Jednak demokracja grecka, na której wyrosła jej kultura, umarła za Aleksandra i nie odrodziła się po jego śmierci. Nowo powstałe państwo nie było już greckie, lecz grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenia pod auspicjami monarchii kultur helleńskich i wschodnich.
Temat: Wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji.
Cel: Badanie głównych etapów rozwoju rzeźby antycznej Grecji.
Nowe słowa:
MIMESIS"- podobieństwo.
Kalokagatiya (gr. kalo- śliczne + Agatos uprzejmy).
Kuros i kora - stworzony w epoce archaicznych mężczyzn. i kobieta figurki (do 3 m.) Mimesis - podobieństwo. Kariatyda - (gr. karyatis) - rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej, która służy jako podpora belki w budynku (lub w przenośni wyraża tę funkcję).
zarazki - złóg pylony z „rękami”, umieszczonymi przy głównym wejściu do domu.
Pytania.
Rzeźbiarskie kanony Polikleita i Mirona.
Rzeźby Skopasa i Praksytelesa.
Lysippus i Leochar.
Rzeźba hellenistyczna.
Podczas zajęć.
1. Aktualizacja wiedzy studentów o architekturze starożytnej Grecji.
2. Przesłanie tematu, cel lekcji.
Grecy zawsze wierzyli że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość - niezbędny warunek i podstawa idealnej osoby. Grecki ideał określa się terminem kalokagatiya(gr. kalo- śliczne + Agatos uprzejmy). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno ciała, jak i duchowego i moralnego usposobienia, to wraz z pięknem i siłą, ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że greccy bogowie, wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy, są wyjątkowo piękni.
Pomimo podobieństwa rzeźb z VI i V wieku. BC mają również charakterystyczne różnice:
Nie ma już odrętwienia, schematyzmu archaicznych rzeźb;
Posągi stają się bardziej realistyczne.
Rzeźbiarskie kanony Polikleita i Mirona .
1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;
2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce;
3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.
Najsłynniejsi rzeźbiarze epoki klasycyzmu to Polikletos i Myron.
Polykleitos - Starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, który pracował w Argos w drugiej połowie V wieku p.n.e.
| Policlet lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. „Doryfor”("Włócznik") Poliklet jako pierwszy wpadł na pomysł nadania postaciom takiego stwierdzenia, że spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. (Wczesnym przykładem klasycznego kontrapostu jest Doryphorus). Polykleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi - jego postać w spoczynku lub powolnym kroku wydaje się ruchliwa i ożywiona dzięki temu, że osie poziome nie są równoległe. Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w spoczynku. Weź tego samego "Włócznika". Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek, który umiejętnie i łatwo kontroluje swoje ciało, włócznik lekko zgiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy – ucieleśnienie greckich ideałów. Dzieła sztuki: 2. „Diadumen” („Młody mężczyzna wiązany bandażem”). „Zraniona Amazonka” Kolosalny posąg Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijskiego Zeusa Phidiasa. Rzeźby zaginęły i są znane z zachowanych starożytnych kopii rzymskich. |
1.Z rozkazu kapłanów Świątyni Artemidy w Efezie 440 p.n.e. Poliklet stworzył pomnik rannego Amazona, zajmując pierwsze miejsce w konkursie, w którym oprócz niego wzięli udział Fidiasz i Kresilaos. Ideę tego dają kopie - płaskorzeźba odkryta w Efezie, a także posągi w Berlinie, Kopenhadze i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Nogi Amazonki są ustawione, podobnie jak Doryphorus, ale wolna ręka nie zwisa wzdłuż ciała, ale jest rzucona za głowę; druga ręka podtrzymuje ciało, opierając się na kolumnie. Poza jest harmonijna i zrównoważona, ale Poliklet nie wziął pod uwagę faktu, że jeśli rana otwiera się pod prawą klatką piersiową osoby, jego prawa ręka nie może być uniesiona wysoko. Najwyraźniej piękna, harmonijna forma interesowała go bardziej niż fabuła czy przekaz uczuć. Ta sama troska jest nasycona starannym opracowaniem fałd krótkiej tuniki Amazonki.
2. Następnie Policlet pracowała w Atenach, gdzie ok. godz. 420 pne stworzył Diadumena, młodego mężczyznę z bandażem na głowie. W tym dziele, które nazwano łagodnym młodzieńcem, w przeciwieństwie do odważnych Doryforów, wyczuwa się wpływ szkoły attyckiej. Tutaj ponownie używany jest motyw kroku, mimo że obie ręce są uniesione i trzymają bandaż, ruch, który byłby bardziej odpowiedni dla spokojnej i stabilnej pozycji nóg. Przeciwieństwo prawej i lewej strony nie jest tak wyraźne. Rysy twarzy i bujne kosmyki włosów są znacznie bardziej miękkie niż w poprzednich pracach. Najlepsze reprodukcje Diadumena to kopia znaleziona na Delos, a obecnie w Atenach, posąg z Vezon we Francji przechowywany w British Museum oraz kopie w Madrycie i Metropolitan Museum of Art. Zachowało się również kilka figurek z terakoty i brązu. Najlepsze kopie głowy Diadumena znajdują się w Dreźnie i Kassel.
3. Około 420 pne Poliklet stworzył dla świątyni w Argos kolosalną chryzoelefantynową (wykonaną ze złota i kości słoniowej) figurę Hery siedzącej na tronie. Monety Argive mogą dać pewne wyobrażenie o tym, jak wyglądał ten starożytny posąg. Obok Hery stała Hebe, wyrzeźbiona przez Naucisa, ucznia Polikleta. W plastycznym projekcie świątyni można wyczuć zarówno wpływ mistrzów szkoły attyckiej, jak i Polikleta; być może jest to dzieło jego uczniów. Twórcom Polikleta brakowało majestatu posągów Fidiasza, ale wielu krytyków uważa je za lepsze od Fidiasza w ich akademickiej doskonałości i doskonałej postawie. Polikletos miał wielu uczniów i zwolenników aż do ery Lizypa (koniec IV wieku p.n.e.), który twierdził, że jego nauczycielem w sztuce był Doryforos, chociaż później odszedł od kanonu Polikleta i zastąpił go swoim własnym.
Myron
stworzył posągi zwycięskich sportowców, poprawnie i naturalnie oddał ludzką postać, odkrył tajemnicę plastycznej koncepcji ruchu. Ale (!!!) jego prace mają tylko jeden punkt widzenia. Wśród jego najsłynniejszych dzieł jest kompozycja rzeźbiarska 
„Atena i Marsjasz”, a także „Discobolus”. 
Myron był starszym współczesny Fidiaszowi i Polikletosowi i był uważany za jednego z największych rzeźbiarzy swoich czasów. Pracował w brązie, ale żadna z jego prac nie zachowała się; znane są głównie z kopii. Najbardziej znanym dziełem Mirona jest „Rzut dyskiem”. Rzucający dyskiem jest przedstawiony w złożonej pozie w momencie największego napięcia przed rzutem. Rzeźbiarza interesował kształt i proporcje poruszających się postaci. Miron był mistrzem w przekazywaniu ruchu w kulminacyjnym momencie, w momencie przejściowym. W pochwalnym epigramie poświęconym posągowi atlety Ładasa z brązu podkreśla się, że zdyszany biegacz jest przedstawiony z niezwykłą plastycznością. Grupę rzeźbiarską Myron Ateny i Marsjasza, która stała na ateńskim Akropolu, cechuje ta sama umiejętność przekazywania ruchu.
2.Twórczość rzeźbiarska Skopasa i Praksytelesa.
IV wiek PNE.
1. Dążył do przeniesienia energicznego działania;
2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:
Pasja
zaduma
Miłość
Furia
Rozpacz
Cierpienie
SCOPAS
(rozkwit działalności 375–335 p.n.e.), grecki rzeźbiarz i architekt, urodzony na wyspie Paros ok. godz. Prawdopodobnie 420 pne. Pierwszym znanym nam dziełem Skopasa jest świątynia Ateny Alei w Tegei na Peloponezie, która musiała zostać odbudowana, gdyż spłonęła w 395 roku p.n.e. Skopas był częścią grupy czterech rzeźbiarzy (i prawdopodobnie był najstarszy z nich), którym wdowa z Mavsolos Artemisia zleciła stworzenie rzeźbiarskiej części Mauzoleum (jednego z siedmiu cudów świata) w Halikarnasie, grób jej męża. Pasja tkwiąca w pracach Scopas realizowana jest przede wszystkim za pomocą: nowa interpretacja oczu: są głęboko osadzone i otoczone ciężkimi fałdami powiek.Żywość ruchów i odważne pozycje ciała wyrażają intensywną energię i demonstrują pomysłowość mistrza. 
Najsłynniejszymi dziełami Skopasa były:
- Skopas . „Amazonomachia”.
- Bitwa Greków z Amazonkami. Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 pne mi. Londyn. Brytyjskie Muzeum. 
Wspaniała jest płaskorzeźba przedstawiająca wojownika pochylającego się ostro do tyłu, próbującego oprzeć się naporowi Amazonki, która jedną ręką chwyciła jego tarczę, a drugą zadała śmiertelny cios. Na lewo od tej grupy znajduje się Amazonka na gorącym koniu. Siada odwrócona tyłem i najwyraźniej rzuca strzałą w ścigającego ją wroga. Koń prawie przejeżdża nad odchylonym do tyłu wojownikiem. Ostre zderzenie przeciwstawnych ruchów jeźdźca i wojownika oraz niezwykłe lądowanie Amazonki potęgują dramaturgię kompozycji swoimi kontrastami.
Skopas. Głowa rannego wojownika z zachodniego frontonu świątyni Ateny-Alei w Tegei. Marmur. I poł. IV w. pne mi. Ateny. Muzeum Narodowe. 
Skopas. Bachantka. Poł. IV w. pne mi. Redukcja marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Drezno. Albertinum.
Marmurowa „Maenada”, która spłynęła do nas w małej zniszczonej antycznej kopii, uosabia wizerunek człowieka opętanego gwałtownym wybuchem namiętności. Nie ucieleśnienie wizerunku bohatera, który potrafi śmiało panować nad swoimi namiętnościami, ale ujawnienie niezwykłej ekstatycznej pasji, która obejmuje człowieka, jest charakterystyczne dla Maenady. Co ciekawe, Menada Skopas, w przeciwieństwie do rzeźb z V wieku, jest przeznaczona do oglądania ze wszystkich stron.
PRAKSITELE (IV wiek p.n.e.),
| Praksyteles to starożytny grecki rzeźbiarz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy attyckich IV wieku p.n.e. mi. Autor słynnych kompozycji „Hermes z małym Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”. Większość dzieł Praksytelesa znana jest z kopii rzymskich lub z opisów autorów antycznych. Rzeźby Praksytelesa namalował ateński artysta Nikias. Praksyteles - pierwszy rzeźbiarz, który jak najbardziej realistycznie przedstawił nagą kobietę: rzeźba Afrodyty z Knidos, gdzie naga bogini trzyma w ręku opadłą szatę. Praksyteles. Szef Afrodyty z Knidos (Afrodyta Kaufmann). Do 360 pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Berlin. Sobr. Kaufmana. |
Posąg Afrodyty z Knidos był uważany w starożytności nie tylko za najlepsze dzieło Praksytelesa, ale ogólnie za najlepszy posąg wszechczasów. Jak pisze Pliniusz Starszy, wielu przybyło do Knidos tylko po to, by ją zobaczyć. Był to pierwszy monumentalny wizerunek całkowicie nagiej postaci kobiecej w sztuce greckiej, dlatego został odrzucony przez mieszkańców Kos, dla których był przeznaczony, po czym został kupiony przez mieszczan sąsiedniego Knidus. W czasach rzymskich wizerunek tego posągu Afrodyty bito na monetach Knidos, wykonano z niego liczne kopie (najlepszy z nich znajduje się obecnie w Watykanie, a najlepszy egzemplarz głowy Afrodyty znajduje się w kolekcji Kaufmanna w Berlinie ). W starożytności twierdzono, że wzorem Praksytelesa była jego ukochana, hetera Phryne. 
Najlepszy pomysł na styl Praksytelesa daje posąg Hermesa z małym Dionizosem (Muzeum w Olimpii), który został znaleziony podczas wykopalisk w świątyni Hery w Olimpii. Wbrew pewnym wątpliwościom jest to prawie na pewno oryginalny, stworzony c.r. 340 pne Giętka postać Hermesa z gracją opierała się o pień drzewa. Mistrzowi udało się poprawić interpretację motywu mężczyzny z dzieckiem na rękach: ruchy obu rąk Hermesa są kompozycyjnie związane z dzieckiem. Zapewne w jego prawej, niezachowanej dłoni znajdowała się kiść winogron, którymi drażnił Dionizosa, dlatego maluch po nią sięgał. Postać Hermesa jest proporcjonalnie zbudowana i perfekcyjnie dopracowana, uśmiechnięta twarz pełna życia, profil pełen wdzięku, a gładka powierzchnia skóry ostro kontrastuje ze schematycznie zarysowanymi włosami i wełnianą powierzchnią płaszcza narzuconego na tułów . Malowano włosy, draperie, oczy i usta oraz paski sandałów.
Gorsze są inne posągi Afrodyty przypisywane Praksytelesowi. Nie zachowała się kopia posągu wybranego przez mieszkańców Kos. Afrodyta z Arles, nazwana tak od miejsca odkrycia i przechowywana w Luwrze, może nie przedstawiać Afrodyty, lecz Phryne. Nogi posągu są zasłonięte draperią, a tułów jest całkowicie odsłonięty; sądząc po jej postawie, w lewej ręce trzymała lustro. Zachowało się też kilka pięknych statuetek kobiety zakładającej naszyjnik, ale znowu można w nich zobaczyć Afrodytę i śmiertelną kobietę.
Praksyteles. Artemida z Gabii. Około 340-330 lat. pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
W posągu Artemidy widzimy przykłady rozwiązania motywu udrapowanej postaci ludzkiej. Artemida ukazana jest tutaj jako patronka kobiet: zarzuca na prawe ramię welon, przyniesiony przez kobietę w prezencie za udane uwolnienie się od ciężaru.
Praksyteles był niezrównanym mistrzem w przekazywaniu wdzięku ciała i subtelnej harmonii ducha. Najczęściej przedstawiał bogów, a nawet satyrów jako młodych; w swojej pracy zastępować majestat i wzniosłość obrazów V wieku. PNE. przychodzą łaska i rozmarzona czułość.
3. Leochar i Lysippus. Sztuka kierunku pseudoklasycznego najbardziej konsekwentnie ujawniała się w twórczości Leonarze, Leohar, z urodzenia Ateńczyk, został nadwornym malarzem Aleksandra Wielkiego. To on stworzył wiele chryzoelefantynowych posągów królów dynastii macedońskiej dla Filipeiona. Chłodny i pompatyczny klasycyzujący, czyli zewnętrznie naśladujący klasyczne formy, styl dzieł Leochara odpowiadał potrzebom rodzącej się monarchii Aleksandra. Idea stylu prac Leohara, poświęcony chwale monarchii macedońskiej, daje nam rzymską kopię jego bohaterskiego portretu Aleksandra Wielkiego. Naga postać Aleksandra miała charakter abstrakcyjny i idealny.
Leohar. Apollo Belvedere
. Około 340 pne. mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału z brązu. Rzym. Watykan. 
Najważniejszym z dzieł Leohara był posąg Apolla - słynny "Apollo Belvedere" ( „Apollo Belvedere” - nazwa rzymskiej kopii marmurowej, która sprowadza się do nas od brązowego oryginału Leochara, który znajdował się niegdyś w watykańskim Belwederze (otwarta loggia)).
Jednak wizerunek Apolla jest bardziej spektakularny na zewnątrz niż wewnętrznie. Splendor fryzury, wyniosły obrót głowy, znana teatralność gestu są głęboko obce prawdziwym tradycjom klasyków. 
Słynny posąg „Artemidy Wersalskiej”, pełen zimnej, nieco aroganckiej wielkości, również znajduje się blisko kręgu Leochara.
Leohar. Artemida Wersalska. III ćwierć IV w. pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
Lysippos.. W sztuce, Lysippe zdecydował zadanie ujawnienia wewnętrznego świata ludzkich przeżyć i pewnej indywidualizacji wizerunku osoby. W tym samym czasie Lysippus wprowadził nowe odcienie do rozwiązania tych problemów artystycznych, a co najważniejsze, przestał uważać tworzenie wizerunku idealnej pięknej osoby za główne zadanie sztuki. Lysippus jako artysta czuł, że nowe warunki życia społecznego pozbawiły ten ideał jakiejkolwiek poważnej podstawy życiowej.
po pierwsze, Lysippus znajduje podstawę dla obrazu typowego wizerunku osoby nie w tych cechach, które charakteryzują człowieka jako członka zespołu wolnych obywateli polis, jako harmonijnie rozwiniętą osobowość, ale w cechach jego wieku, zawodu, przynależności do tego czy innego temperamentu psychicznego. Szczególnie ważną nowością w twórczości Lysippusa jest zainteresowanie ujawnieniem tego, co charakterystycznie ekspresyjne, a nie idealnie idealne w obrazie osoby.
Po drugie Lysippus do pewnego stopnia podkreśla w swoich pracach moment osobistej percepcji, stara się przekazać jego emocjonalny stosunek do przedstawionego wydarzenia. Według Pliniusza Lysippos powiedział, że jeśli starożytni przedstawiali ludzi takimi, jakimi byli, to on, Lysippos, jest taki, jakim się wydają. Lysippos. Apoksyomenos. Głowa (zob. il. 215).
Pojmowanie wizerunku człowieka przez Lysipposa było szczególnie wyraziście zawarte w słynącym w starożytności posągu z brązu. posąg Apoksyomenosa. Lysippus przedstawił młodego mężczyznę, który czyści piasek areny skrobaczką, która przykleiła się do jego ciała podczas zawodów sportowych. W tym posągu artysta bardzo: ekspresyjnie oddał stan zmęczenia, jaki ogarnął młodzieńca po stresie walki, której doświadczył.
W Apoxyomeno Lysippus chce pokazać nie wewnętrzny spokój i stabilną równowagę, ale złożoną i sprzeczną zmianę odcieni nastroju.
Lysippos. Odpoczywający Hermes
. III ćwierć IV w. pne mi. Brązowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Neapol. Muzeum Narodowe. 
Hermes wydawał się siedzieć przez chwilę na krawędzi urwiska. Artysta przekazał tu spokój, lekkie zmęczenie, a jednocześnie gotowość Hermesa do kontynuowania szybkiego, szybkiego lotu.
W tej samej serii znalazła się również grupa przedstawiająca zmagania Herkulesa z lwem nemejskiej, która również trafiła do nas w rzymskiej kopii przechowywanej w Ermitażu. 
Lysippos. Herkules z lwem . II poł. IV w. pne mi. Zredukowana marmurowa kopia z okresu rzymskiego z zagubionego oryginału z brązu. Leningrad. Pustelnia.
Szczególne znaczenie dla dalszej ewolucji portretu greckiego miała praca Lysipposa.
Szef Aleksandra Wielkiego
z wyspy Kos. Marmur Oryginalność i siła umiejętności portretowych Lysipposa były najbardziej wyraziście ucieleśnione w jego portretach Aleksandra Wielkiego. 
Silny, energiczny obrót głowy, ostro odrzucone do tyłu kosmyki włosów tworzą ogólne wrażenie żałosnego impulsu. Z drugiej strony żałobne fałdy na czole, cierpiące spojrzenie, zakrzywione usta nadają wizerunkowi Aleksandra rysy tragicznego zamętu. W tym portrecie po raz pierwszy w historii sztuki z taką siłą wyrażane jest napięcie namiętności i ich wewnętrzna walka.
4. Rzeźba hellenizmu.
1. Podniecenie i napięcie twarzy;
2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;
3. Senność obrazów;
4. Harmoniczna doskonałość i powaga
Sztuka hellenistyczna pełna jest kontrastów - gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i domowych, alegorycznych i naturalnych. Główny trend - odejście od uogólnionego typu ludzkiegodo rozumienia człowieka jako konkretnej, indywidualnej istoty, i stąd rosnąca dbałość o jego psychologię, zainteresowanie wydarzeniami i nową czujność na narodowe, wiekowe, społeczne i inne oznaki osobowości.
Wszystko to nie oznacza, że epoka hellenistyczna nie pozostawiła wielkich rzeźbiarzy i ich pomników sztuki. Ponadto stworzyła prace, które naszym zdaniem są syntezą najwyższych osiągnięć starożytnych sztuk plastycznych, są jej niedostępnymi próbkami - 
Afrodyta z Melos,
Nike z Samotraki , ołtarz Zeusa w Pergamonie. Te słynne rzeźby powstały w epoce hellenistycznej. Ich autorzy, o których nic lub prawie nic nie wiadomo, pracowali zgodnie z tradycją klasyczną, rozwijając ją prawdziwie twórczo.
Wśród rzeźbiarzy tej epoki można wymienić nazwiska: Apoloniusz, Taurisk („byk farnezyjski”), Atenodoros, Polidoros, Agesander („Afrodyta z Melos”, „Laokoon”).
Moralność i formy życia, a także formy religii zaczęły się mieszać w epoce hellenistycznej, ale nie zapanowała przyjaźń i nie nadszedł pokój, niezgoda i wojna nie ustały.
5.Wniosek. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: to szczególne upodobanie do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych.
Zbadaliśmy dzieła największych rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez cały okres starożytności. Widzieliśmy cały proces powstawania, rozkwitu i upadku stylów rzeźbiarskich - całe przejście od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej, do dramatycznego psychologizmu posągów hellenistycznych. Twórczość rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez wiele stuleci słusznie uważana była za wzór, ideał, kanon, a teraz nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie osiągnięto wcześniej ani później. Wszystkie współczesne rzeźby można uznać, w takim czy innym stopniu, za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji w swoim rozwoju przeszła trudną ścieżkę, torując drogę do rozwoju sztuki plastycznej kolejnych epok w różnych krajach.
Wiadomo, że większość starożytnych mistrzów plastyki nie rzeźbiła w kamieniu, ale odlewała w brązie. W wiekach następujących po epoce cywilizacji greckiej lepiej było zachować arcydzieła z brązu, które zostały przetopione na kopuły lub monety, a później na armaty. W późniejszym czasie tradycje ustanowione przez starożytne greckie rzeźby zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a starożytne kanony stanowiły niezbędną podstawę, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich późniejszych epokach.
6. Dom. zadanie: ch.8, st.84-91., zadanie st.91.
LISTA WYKORZYSTYWANYCH ŹRÓDEŁ
1. Kultura antyczna. Słownik-odniesienie / pod ogólnym. wyd. V.N. Jarcho - M., 2002
2. Bystrova A. N. „Świat kultury, podstawy kulturoznawstwa”
Polikarpow V.S. Wykłady z kulturoznawstwa - M.: "Gardarika", "Biuro Ekspertów", 1997
3. Żmija B.R. Sztuka starożytnej Grecji. - M., 1972
4. Gnedich P.P. Światowa historia sztuki - M., 2000
5. Gribunina N.G. Historia światowej kultury artystycznej, w 4 częściach. Części 1, 2. - Twer, 1993
6. Dmitrieva, Akimova. Sztuka antyczna. Eseje. - M., 1988
W obliczu sztuki greckiej wiele wybitnych umysłów wyrażało prawdziwy podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą przyrodę, ale także coś więcej niż przyrodę, mianowicie jakiś ideał piękno, które powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł.
Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej bezpośredniości i głębi, rzeczywistości i fikcji. W nim, zwłaszcza w rzeźbie, ucieleśnia się ideał człowieka. Jaka jest natura ideału? W jaki sposób fascynował ludzi tak bardzo, że sędziwy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?
Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość jest niezbędnym warunkiem i podstawą idealnej osoby. Grecki ideał określa się terminem kalokagathia (gr. kalos - piękny + agathos dobry). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno ciała, jak i duchowego i moralnego usposobienia, to wraz z pięknem i siłą, ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że rzeźbione przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękne.
Najlepsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PNE. Ale wcześniejsze prace sprowadzają się do nas. Posągi z VII - VI wieku PNE. symetryczny: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Skulone postawy, wyciągnięte ramiona przyciśnięte do muskularnego ciała. Nie najmniejsze przechylenie czy obrót głowy, ale usta są rozchylone w uśmiechu. Uśmiech jakby od środka rozświetla rzeźbę wyrazem radości życia.
Później, w okresie klasycyzmu, posągi nabierają większej różnorodności form. Próbowano algebraicznie pojąć harmonię. Pierwsze naukowe badanie tego, czym jest harmonia, podjął Pitagoras. Szkoła, którą założył, zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała czy struktury architektonicznej nie były wyjątkiem.
Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata. Co ma wspólnego teoria liczb ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest najbardziej bezpośredni, ponieważ harmonię sfer Wszechświata i harmonię całego świata wyrażają te same stosunki liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4 /3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, kwinta i kwarta). Ponadto harmonia implikuje możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego obiektu, w tym rzeźby, zgodnie z następującą proporcją: a / b \u003d b / c, gdzie a to dowolna mniejsza część obiektu, b to dowolna duża część , c to całość.
Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Polikleitos (V wiek pne) stworzył rzeźbę młodzieńca dzierżącego włócznię (V wiek pne), który nazywa się „Dorifor” („Włócznik”) lub „Kanon” - po imię i nazwisko rzeźbiarza pracy, gdzie omawiając teorię sztuki, rozważa prawa wizerunku osoby doskonałej. Uważa się, że rozumowanie artysty można przypisać jego rzeźbie. Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w spoczynku. Weź tego samego "Włócznika". Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek, który umiejętnie i łatwo kontroluje swoje ciało, włócznik lekko zgiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy – ucieleśnienie greckich ideałów.
W przeciwieństwie do swoich współczesnych Polikleitów, Myron lubił przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Discobolus” (V wiek pne; Muzeum Term, Rzym). Jej autor, wielki rzeźbiarz Miron, przedstawił pięknego młodzieńca w chwili, gdy wymachiwał ciężkim dyskiem. Jego uchwycone w ruchu ciało jest zgięte i napięte jak sprężyna, która ma się rozwinąć. Wytrenowane mięśnie wybrzuszyły się pod elastyczną skórą odciągniętego ramienia. Palce, tworzące niezawodną podporę, głęboko wciśnięte w piasek. Posągi Myrona i Polikleta zostały odlane z brązu, ale dotarły do nas tylko marmurowe kopie starożytnych greckich oryginałów wykonane przez Rzymian.
Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który ozdobił Partenon marmurową rzeźbą. Jego rzeźby odzwierciedlały postrzeganie bogów przez starożytnych Greków jako obrazu idealnej osoby. Najlepiej zachowaną marmurową wstęgą reliefu jest fryz o długości 160 m. Przedstawia on procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny - Partenonu. Rzeźba Partenonu została poważnie uszkodzona. A posąg „Ateny Partenos” zmarł w czasach starożytnych. Stała w świątyni i była niewypowiedzianie piękna. Głowę bogini o niskim, gładkim czole i zaokrąglonym podbródku, szyi i ramionach wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubrania, tarczę i hełm wybito ze złotych blach.
Na zdjęciu: Atena Partenos, rzeźbiarka Fidiasz. Kopiuj. Odrestaurowany zgodnie z opisami. Narodowe Muzeum Archeologiczne, Ateny.
Bogini w postaci pięknej kobiety jest uosobieniem Aten. Z tą rzeźbą wiąże się wiele historii. Stworzone arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autor od razu miał wielu zazdrosnych ludzi. Próbowali w każdy możliwy sposób zdenerwować rzeźbiarza i szukali różnych powodów, dla których mogliby go o coś oskarżyć. Mówi się, że Fidiasz został oskarżony o ukrycie części złota, które zostało przekazane jako materiał do dekoracji bogini. Na dowód swojej niewinności Fidiasz usunął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie odpowiadała wadze złota nadanego rzeźbie.
Następnie Fidiasz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiał fabułę bitwy między Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Obraz Fidiasza na tarczy stał się przyczyną konfliktu. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza grecka opinia publiczna była w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.
Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie były jedynymi w jego twórczości. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepszą była kolosalna brązowa figura Ateny Promachos, wzniesiona na Akropolu około 460 p.n.e. i nie mniej ogromna figura Zeusa z kości słoniowej i złota dla świątyni w Olimpii.
Tak można opisać posąg Zeusa do świątyni w Olimpii: na złotym tronie siedział ogromny 14-metrowy bóg i wydawało się, że gdyby wstał, wyprostował szerokie ramiona, zrobiłby się ciasno na hala i sufit byłby niski. Głowę Zeusa ozdobiono wieńcem z gałązek oliwnych - znakiem spokoju budzącego grozę boga. Twarz, ramiona, ramiona, klatka piersiowa były z kości słoniowej, a pelerynę narzucono na lewe ramię. Korona, broda Zeusa były z błyszczącego złota. Fidiasz obdarzył Zeusa ludzką szlachetnością. Jego przystojna twarz, obramowana kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i miła, postawa była poważna, majestatyczna i spokojna. Połączenie piękna ciała i dobroci duszy podkreślało jego boską idealność. Posąg wywarł takie wrażenie, że według starożytnego autora ludzie przygnębieni żalem szukali pocieszenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka ogłosiła posąg Zeusa jednym z „siedmiu cudów świata”.
Niestety nie ma już autentycznych dzieł i nie możemy na własne oczy zobaczyć wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały tylko ich opisy i kopie. Pod wieloma względami było to spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.
Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne pod tym względem, że wszystkie przedstawiały harmonię zawartego w nim pięknego ciała i życzliwej duszy. To był główny trend tamtych czasów. Oczywiście normy i postawy w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało jej pełnego głębokiego znaczenia powściągliwości, która zachwyca ludzkość w okresie klasyków greckich.
W epoce hellenizmu, kiedy człowiek tracił poczucie stabilności świata, sztuka traciła dawne ideały. Zaczął odzwierciedlać uczucia niepewności co do przyszłości, które panowały w ówczesnych nurtach społecznych. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: jest to szczególna pasja do plastiku, do sztuk przestrzennych.
Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne zapasy różnorodnego koloru, szlachetnego i idealnego materiału - marmuru - dawały szerokie możliwości jego realizacji. Choć większość greckich rzeźb wykonano z brązu, ponieważ marmur był kruchy, to właśnie faktura marmuru, jej barwa i efekt dekoracyjny, pozwoliła z największą wyrazistością oddać piękno ludzkiego ciała.
Sztuka starożytnej Grecji stała się podporą i fundamentem, na którym wyrosła cała europejska cywilizacja. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźby antycznej nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu i trudno sobie wyobrazić dalszy rozwój tej sztuki. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy główne etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.
sztuka archaiczna. Cechy charakterystyczne: 1) statyczna pozycja frontalna postaci, przypominająca rzeźbę starożytnego Egiptu: ręce opuszczone, jedna noga do przodu; 2) Rzeźba przedstawia młodych mężczyzn ("kuros") i dziewczęta ("koros"), na ich twarzach spokojny uśmiech (archaiczny); 3) Kouros przedstawiano nago, kora zawsze ubierano, a rzeźby malowano; 4) Umiejętność przedstawiania kosmyków włosów, w późniejszych rzeźbach - fałdy draperii na postaciach kobiecych.
Okres archaiczny obejmuje trzy wieki - od VIII do VI wieku p.n.e. mi. To okres kształtowania się podstaw rzeźby antycznej, ustanawiania kanonów i tradycji. Okres bardzo warunkowo wyznacza ramy wczesnej sztuki starożytnej. W rzeczywistości początki archaiczności widać już w rzeźbach z IX wieku p.n.e., a wiele śladów archaiczności widać w zabytkach z IV wieku p.n.e. Mistrzowie wczesnej starożytności wykorzystywali do swojej pracy różnorodne materiały. Zachowały się rzeźby wykonane z drewna, wapienia, terakoty, bazaltu, marmuru i brązu. Rzeźbę archaiczną można podzielić na dwa zasadnicze elementy: kora (figury kobiece) i kouros (figury męskie). Uśmiech archaiczny to szczególny rodzaj uśmiechu używany przez greckich rzeźbiarzy archaicznych, zwłaszcza w drugiej ćwierci VI wieku. pne mi. , być może po to, by pokazać, że podmiot obrazu żyje. Ten uśmiech jest płaski i wygląda raczej nienaturalnie, choć jest to znak ewolucji sztuki rzeźbiarskiej w kierunku realizmu i jego poszukiwań.
Kore Common, dla prawie wszystkich kobiecych posągów, to kąt. Najczęściej kora pojawia się frontalnie wyprostowana, ramiona są często opuszczone wzdłuż ciała, rzadko skrzyżowane na klatce piersiowej lub trzymające święte atrybuty (włócznia, tarcza, miecz, różdżka, owoc itp.). Na jego twarzy pojawia się archaiczny uśmiech. Proporcje ciała są wystarczająco oddane, pomimo ogólnych schematycznych i uogólnionych obrazów. Wszystkie rzeźby muszą być pomalowane.
Kuros Rzeźby męskie z tego okresu charakteryzują się ścisłą pozą frontalną, często lewa noga jest wysunięta do przodu. Ręce opuszczone wzdłuż ciała, dłonie zaciśnięte w pięści, rzadziej rzeźby z ramionami wyciągniętymi do przodu, jakby składały ofiarę. Kolejnym niezbędnym warunkiem archaicznych męskich posągów jest dokładna symetria ciała. Zewnętrznie rzeźby męskie mają wiele wspólnego z posągami egipskimi, co wskazuje na silny wpływ egipskiej estetyki i tradycji na sztukę starożytną. Wiadomo, że najwcześniejsze kuro były wykonane z drewna, ale nie zachowała się ani jedna drewniana rzeźba. Później Grecy nauczyli się przetwarzać kamień, więc wszystkie ocalałe kouroi są wykonane z marmuru.
Sztuka klasyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Zakończył poszukiwania sposobu na zobrazowanie poruszającej się postaci ludzkiej, harmonijnej w swoich proporcjach; wypracowano stanowisko „kontrpostu” – równowaga ruchów części ciała w spoczynku (postać swobodnie stojąca z podparciem na jednej nodze); 2) Rzeźbiarz Poliklet rozwija teorię kontraposty, ilustrując swoją pracę rzeźbami w tej pozycji; 3) W V w. pne mi. osoba jest przedstawiana jako harmonijna, wyidealizowana, z reguły młoda lub w średnim wieku, wyraz twarzy jest spokojny, bez zmarszczek mimicznych i fałdów, ruchy są powściągliwe, harmonijne; 4) W IV w. pne mi. jest większa dynamika, a nawet ostrość plastyki postaci; w obrazach rzeźbiarskich zaczynają ukazywać indywidualne cechy twarzy i ciał; pojawia się rzeźba.
V wiek w historii greckiej rzeźby okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwiskami tak znanych mistrzów jak Myron, Policlet i Fidiasz. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć nawet „żywe”, maleje schematyzm charakterystyczny dla archaicznej rzeźby. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie. Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się ze starożytną sztuką plastyczną. Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.
Polikleitos, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Policlet wolał przedstawiać sportowców, w których zwykli ludzie zawsze widzieli ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Doryfora” i „Diadumena”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec, z bandażem zwycięzcy konkursów na głowie.
Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, jest nam znana z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach („Disco Thrower”).
Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju wobec Ateny i dzikości wobec Marsjasza.
Fidiasz to kolejny wybitny przedstawiciel rzeźbiarza okresu klasycznego. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejszymi rzeźbami były kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w Świątyni Olimpijskiej, Ateny Promachos znajdującej się na placu Akropolu w Atenach. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.
Rzeźba starożytnej Grecji ukazywała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku, po podbojach Aleksandra Wielkiego w Grecji, poznano nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje.
Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowacje, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać emocje radości, strachu, szczęścia w rzeźbach. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych skomplikowanych pozach, szukając nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętność, złość, wściekłość, strach, smutek). Posąg Maenady jest doskonałym dziełem okrągłej sztuki plastycznej, obecnie zachowała się jego rzymska kopia. Nowym i wieloaspektowym dziełem reliefowym jest Amazonomachia, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.
Praksyteles był wybitnym rzeźbiarzem okresu klasycznego, który mieszkał w Atenach około 350 roku p.n.e. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praksyteles, podobnie jak Skopas, starał się przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać bardziej „lekkie” emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, senność na rzeźby, wyśpiewał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie tworzy postaci w ruchu.
Wśród jego prac należy zwrócić uwagę na „Odpoczywający satyr”, „Afrodyta z Cnidos”, „Hermes z niemowlęciem Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”.
Lysippus (druga połowa IV wieku p.n.e.) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością.
Wśród słynnych dzieł są „Herkules z łanią”, „Apoxiomen”, „Hermes odpoczynek” i „Zapaśnik”. Lysippus dokonuje proporcjonalnych zmian, przedstawia mniejszą głowę, szczuplejsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.
Mała rzeźba w okresie hellenistycznym była powszechna i składała się z postaci ludzi wykonanych z wypalanej gliny (terakoty). Nazywano je terakotami Tanagra, od miejsca ich produkcji, miasta Tanagra w Beocji.
Sztuka hellenistyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Utrata harmonii i ruchów okresu klasycznego; 2) Ruchy postaci nabierają wyraźnego dynamizmu; 3) Wizerunki postaci w rzeźbie mają tendencję do przekazywania cech indywidualnych, pragnienia naturalizmu, odstępstwa od harmonizacji natury; 4) W dekoracji rzeźbiarskiej świątyń pozostaje dawny „heroiczny”; 5) Doskonałość w przekazywaniu form, objętości, fałd, „żywotności” natury.
W tamtych czasach rzeźba zdobiła domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, skwery, akropolie. Rzeźba hellenistyczna charakteryzuje się odbiciem i ujawnieniem ducha niepokoju i napięcia, pragnienia przepychu i teatralności, a czasem surowego naturalizmu. Szkoła pergamońska rozwinęła artystyczne zasady Skopasa z jego zainteresowaniem gwałtownymi przejawami uczuć, przekazywaniem szybkich ruchów. Jedną z wybitnych budowli hellenizmu był monumentalny fryz Ołtarza Pergamońskiego, zbudowany przez Eumenesa 2 na cześć zwycięstwa nad Galami w 180 roku p.n.e. mi. Jej cokół pokryto fryzem o długości 120 m, wykonanym płaskorzeźbie i przedstawiającym bitwę bogów olimpijskich i zbuntowanych olbrzymów z wężami zamiast nóg.
Odwaga jest ucieleśniona w grupach rzeźbiarskich „Umierający Gal”, „Gal zabijający siebie i swoją żonę”. Wybitna rzeźba hellenizmu - Afrodyta z Mediolanu autorstwa Agesandera - półnaga, surowa i w najwyższym stopniu spokojna.
Wśród różnorodnych arcydzieł dziedzictwa kulturowego starożytnej Grecji zajmuje szczególne miejsce. W posągach greckich ideał człowieka, piękno ludzkiego ciała, ucieleśnia się i gloryfikuje za pomocą środków malarskich. Jednak nie tylko wdzięk i gładkość linii wyróżniają starożytne greckie rzeźby - kunszt ich twórców jest tak wielki, że nawet w zimnym kamieniu udało im się przekazać całą gamę ludzkich emocji i nadać postaciom szczególny, głęboki sens, jakby tchnął w nie życie i obdarzył każdego niepojętą tajemnicą, która wciąż przyciąga i nie pozostawia obojętnym kontemplatora.
Podobnie jak inne kultury, starożytna Grecja przechodziła różne okresy swojego rozwoju, z których każdy wprowadzał pewne zmiany w procesie powstawania wszystkich typów, do których należy również rzeźba. Dlatego możliwe jest prześledzenie etapów powstawania tego rodzaju sztuki poprzez krótką charakterystykę cech starożytnej rzeźby greckiej starożytnej Grecji w różnych okresach jej historycznego rozwoju.
OKRES ARCHAICZNY (VIII-VI wpne).
Rzeźby z tego okresu charakteryzują się pewną prymitywnością samych postaci ze względu na to, że obrazy, które w nich ucieleśniały, były zbyt uogólnione i nie różniły się różnorodnością (postacie młodych mężczyzn nazywano kouros, a dziewczęta nazywano Kors). Najsłynniejszą rzeźbą kilkudziesięciu, jakie przetrwały do naszych czasów, jest marmurowy posąg Apolla z Cieni (sam Apollo ukazuje się nam jako młody człowiek z opuszczonymi rękami, z palcami zaciśniętymi w pięści i szeroko otwartymi oczami , a na jego twarzy odbija się typowy rzeźbiarski archaiczny uśmiech tamtych czasów). Wizerunki dziewcząt i kobiet wyróżniały się długimi ubraniami, falującymi włosami, ale przede wszystkim przyciągała je gładkość i elegancja linii - ucieleśnienie kobiecej wdzięku.
OKRES KLASYCZNY (V-IV wpne).
Jedną z wybitnych postaci wśród rzeźbiarzy tego okresu można nazwać Pitagoras Regius (480-450). To on ożywił swoje dzieła i uczynił je bardziej realistycznymi, choć niektóre z jego prac uznano za nowatorskie i zbyt odważne (np. pomnik zatytułowany Chłopiec wyciągający drzazgę). Niezwykły talent i bystrość umysłu pozwoliły mu zgłębiać znaczenie harmonii za pomocą algebraicznych metod liczenia, które realizował w oparciu o założoną przez siebie szkołę filozoficzno-matematyczną. W ten sposób Pitagoras badał harmonie o innej naturze: harmonię muzyczną, harmonię ludzkiego ciała czy strukturę architektoniczną. Szkoła pitagorejska istniała na zasadzie liczby, która była uważana za podstawę całego świata.
Oprócz Pitagorasa okres klasyczny dał kulturze światowej tak wybitnych mistrzów jak Myron, Poliklet i Fidiasz, których twórczość łączyła jedna zasada: harmonijne połączenie idealnego ciała i zamkniętej w nim równie pięknej duszy. To właśnie ta zasada stanowiła podstawę do tworzenia rzeźb tamtych czasów.
Twórczość Myrona wywarła wielki wpływ na sztukę edukacyjną V wieku w Atenach (wystarczy wspomnieć o jego słynnym miotaczu dyskiem z brązu).
W kreacjach Polikleitosa ucieleśniała umiejętność równoważenia sylwetki mężczyzny stojącego na jednej nodze z podniesioną ręką (przykładem jest posąg Doryforosa, młodzieńca z włócznią). W swoich pracach Policlet starał się łączyć idealne dane fizyczne z pięknem i duchowością. To pragnienie zainspirowało go do napisania i opublikowania własnego traktatu Kanon, który niestety nie zachował się do dziś. Fidiasza można słusznie nazwać wielkim twórcą rzeźby V wieku, ponieważ udało mu się doskonale opanować sztukę odlewania z brązu. 13 figur rzeźbiarskich odlanych przez Fidiasza zdobiło świątynię Apolla w Delfach. Wśród jego dzieł znajduje się również dwudziestometrowy posąg Ateny Dziewicy w Partenonie, wykonany z czystego złota i kości słoniowej (ta technika posągów nazywana jest chryzo-słoniątkiem). Prawdziwa sława przyszła do Fidiasza po tym, jak stworzył posąg Zeusa do świątyni w Olimpii (jego wysokość wynosiła 13 metrów).
OKRES HELLENIZMU. (IV-I wiek pne).
Rzeźba w tym okresie rozwoju starożytnego państwa greckiego nadal miała swój główny cel zdobienia obiektów architektonicznych, choć odzwierciedlała zmiany, jakie zaszły w administracji publicznej. Ponadto w rzeźbie, jako jednej z wiodących form sztuki, powstało wiele szkół i nurtów.
Skopas stał się wybitną postacią wśród rzeźbiarzy tego okresu. Jego umiejętności zostały ucieleśnione w hellenistycznym posągu Nike z Samotraki, nazwanym tak na pamiątkę zwycięstwa floty Rodos w 306 rpne i umieszczonym na piedestale, który swoim projektem przypominał dziób statku. Klasyczne obrazy stały się przykładami twórczości rzeźbiarzy tej epoki.
W rzeźbie hellenistycznej tak zwana gigantomania (pragnienie ucieleśnienia pożądanego obrazu w posągu o ogromnych rozmiarach) jest wyraźnie widoczna: żywym tego przykładem jest posąg boga Heliosa wykonany z pozłacanego brązu, który wzniósł się 32 metry na wejście do portu Rodos. Przez dwanaście lat uczeń Lizypa, Chares, pracował niestrudzenie nad tą rzeźbą. To dzieło sztuki słusznie zajęło miejsce na liście Cudów Świata. Po zdobyciu starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców wiele dzieł sztuki (m.in. wielotomowe kolekcje bibliotek cesarskich, arcydzieła malarstwa i rzeźby) zostało wyprowadzonych z jej granic, ponadto wielu przedstawicieli z dziedziny nauki i oświaty zostały schwytane. Tym samym elementy kultury greckiej zostały wplecione w kulturę starożytnego Rzymu i miały znaczący wpływ na jej dalszy rozwój.
Różne okresy rozwoju starożytnej Grecji dokonywały oczywiście własnych korekt w procesie formowania się tego typu sztuk pięknych,
