W zachodnioeuropejskiej muzyce fortepianowej przełomu XIX i XX w. największymi zjawiskami artystycznymi okazały się dzieła fortepianowe Debussy’ego, obok dzieł innego francuskiego kompozytora – Maurice’a Ravela, Norwega Edvarda Griega i Węgiera Bel Bartoka. .
Bardzo ważne miejsce w twórczości Debussy’ego zajmuje dziedzina muzyki fortepianowej. Będąc pianistą najwyższej klasy, Debussy przez całe życie sięgał po dzieła fortepianowe. Najbardziej charakterystyczne cechy jego twórczości, związane ze sferą figuratywną, różnorodnością gatunkową i stylem, znalazły najżywsze ucieleśnienie w utworach na fortepian.
Muzyka fortepianowa Debussy’ego, bardziej niż jakakolwiek inna dziedzina jego twórczości, przeszła znaczącą ewolucję od wczesnego do późnego okresu twórczości kompozytorskiej.
Oryginalność dzieła fortepianowego Debussy’ego polega przede wszystkim na jego strukturze figuratywnej. Żaden z kompozytorów przeszłości nie uosabiał w muzyce fortepianowej takiej różnorodności i bogactwa tematów kojarzących się z obrazami natury („Mgły”, „Grzejnik”, „Wiatr na równinie”, „Deszczowe ogrody”).
Debussy nie dążył w wyborze bliskich mu tematów, związanych z obrazami natury, do rozwiązania czysto obrazowego (czyli do dokładnego, konkretnego muzycznego przedstawienia zjawisk otaczającego świata). Dla niego problem blasku i koloru zawsze wiązał się z przeniesieniem określonego nastroju, uczucia i własnego stosunku do określonego obrazu poetyckiego. Każdy szkic krajobrazu ma dla niego pewną emocjonalną kolorystykę - albo spokojną, marzycielską kontemplację, albo dostojną medytację; surowy, a czasem ponury nastrój można natychmiast zastąpić odurzającą radością.
Debussy'ego pociąga także możliwość przełożenia scen rodzajowych i portretów muzycznych na muzykę fortepianową. Kompozytor odkrywa tu umiejętność stworzenia za pomocą kilku precyzyjnych pociągnięć bardzo realnego, realistycznego obrazu muzycznego („Wieczór w Grenadzie”, suita „Kącik dziecięcy”, preludia – „Dziewczyna z włosami w kolorze lnu”, „Przerwana Serenada” , „Brama Alhambry”, „Minstrele”, „Generał Lyavin ekscentryczny”).
Wśród dzieł fortepianowych Debussy'ego znajdują się dzieła inspirowane motywami baśniowymi i legendarnymi („Wróżki - cudowne tancerki”, „Zatopiona Katedra”), dzieła sztuki antycznej („Tancerze Delficcy”, „Kanopus”)
Zasady budowy kompozycyjnej dzieł fortepianowych kompozytora, a także tematyka wyróżniają się dużą oryginalnością. Spośród form dużych preferuje suitę fortepianową, jako gatunek składający się z szeregu niezależnych utworów („Suita Bergamas”, „Mała Apartament”, „Kącik dziecięcy”) lub pojedynczych miniatur. Unikając efektownego rozwoju obrazu w swoich suitach i miniaturach, Debussy odsłania go z różnych stron licznymi barwnymi odcieniami, szybko się zastępując, tworząc czasem wrażenie „kalejdoskopijności”. Stąd upodobanie kompozytora do gatunków swobodnej improwizacji, takich jak preludia, „Obrazy”, „Printy”.
Porzuciwszy tradycyjne formy (sonata, wariacje, koncert), Debussy w większości swoich dzieł nadal zachował harmonię i integralność kompozycji. Unika niejasności i amorficzności formy, dzieląc ją wyraźnie na wewnętrzne części za pomocą cezur, fermat i zatrzymań w ruchu.
Debussy stał się twórcą nowego stylu fortepianowego, oryginalnego i oryginalnego, zawierającego wieloaspektową fakturę, melodię ukrytą w harmonicznym tle, złożony język harmoniczny oparty na nieoczekiwanych zmianach w bardzo odległych tonacjach, na częstym stosowaniu nierozwiązanych współbrzmień dysonansowych, zwłaszcza kapryśne i zmienne rytmy.
Kompozytor tworzy nowe techniki techniki fortepianowej, oparte na skomplikowanych kombinacjach różnych jej typów – akordów i oktaw, pasaży skalowanych i arpeggiowych, naprzemiennych przemian rąk. Wiele dzieł Debussy'ego charakteryzuje się nieoczekiwaną zmianą faktury, spowodowaną zmianą obrazów lub ich barwnych odcieni. Debussy często posługuje się jednoczesnym brzmieniem skrajnych rejestrów fortepianu, bez wypełniania środka. Tworzy to efekt trójwymiarowości i pozwala zachować przezroczystość tekstury.
Styl dzieł fortepianowych kompozytora jest nierozerwalnie związany ze stylem wykonawczym i odznacza się całkowitym odrzuceniem wszystkiego, co zewnętrzne i ostentacyjne. Jest to styl kameralny w najlepszym tego słowa znaczeniu, gdzie wirtuozowskie możliwości instrumentu podporządkowane są zawsze poważnemu zadaniu artystycznemu.
Kompozycje Debussy'ego wyróżnia szczególnie subtelna i złożona pedałizacja (z szerokim wykorzystaniem półpedałów), polegająca na konieczności opóźnienia brzmienia zarówno pojedynczych dźwięków, jak i całych zespołów akordowych na długich odcinkach.
Utwory kompozytora wymagają od wykonawców wykonania subtelnych i różnorodnych niuansów i gradacji dynamiki, a także opanowania technik kolorystycznych wydobywania dźwięku.
W wielu sztukach Debussy’ego często spotykamy ogromną ilość autorskich instrukcji dla wykonawców, ukazujących figuratywną stronę przedstawienia („jak czuła i smutna skarga”, „ porywczy”, „nerwowy i pełen humoru”). Podobne przesłanki odnajdujemy w pieśniach Musorgskiego, gdzie także pomagają one wykonawcy w ujawnieniu idei dzieła. Często te wskazówki wynikają z pewnych obrazowych i kolorowych zadań: „wibruje”, „ostro”, „brzmi cicho w gęstej mgle”, „quasi tambouro” („prawie bęben”). Po raz kolejny podkreślają chęć kompozytora do poszerzenia i wzbogacenia palety barw fortepianu, do całkowitego podporządkowania zadań wirtuozowskich technicznych zadaniom artystycznym, malarskim i malarskim.
Porównując twórczość fortepianową Debussy'ego z dziedzictwem jego wielkich poprzedników, którzy zrewolucjonizowali świat muzyki fortepianowej i wykonawstwa (Beethovena, Schumanna, Chopina i Liszta), widzimy, że dzieła Debussy'ego z pewnością ustępują im pod względem głębi treści, zakresu emocjonalnego, w skali idei i form. Ale taka strona metody artystycznej Debussy'ego, jak kolorowa i kolorystyczna, przyczyniła się do maksymalnego poszerzenia barwy i możliwości brzmieniowych fortepianu oraz wzbogaciła literaturę fortepianową XX wieku o wiele wspaniałych dzieł.
Debussy jest często nazywany ojcem muzyki XX wieku ze względu na jego umiejętność przekazywania brzmienia każdego akordu i tonacji w nowy sposób. Talent muzyczny Debussy'ego był tak szeroki, że pozwolił mu wykazać się jako znakomity wykonawca, dyrygent i krytyk muzyczny.
Claude Debussy urodził się w małym miasteczku Saint-Germain-en-Laye. Claude od dzieciństwa zaczął wykazywać wielkie zdolności muzyczne. Jego pierwszą nauczycielką była teściowa słynnego poety P. Verlaine’a, Antoinette-Flora Mote, która nazywała siebie uczennicą Chopina.Pod jej przewodnictwem chłopiec odniósł niesamowity sukces i w wieku 11 lat zapisał się do Konserwatorium Paryskiego. Uczennica Debussy'ego przez kilka lat w sezonie letnim pracowała u pianisty N. von Mecka, a także uczyła muzyki swoje dzieci. Dzięki temu odwiedził Rosję i polubił twórczość kompozytorów „Potężnej Garści”.
Pod koniec 11-letnich studiów Claude zaprezentował swoją pracę dyplomową - kantatę „Syn marnotrawny”, napisaną na podstawie historii biblijnej. Później został za to nagrodzony Grand Prix de Rome. Debussy spędził kilka następnych lat jako zdobywca nagrody we Włoszech w Villa Medici. Zgodnie z warunkami umowy miał zajmować się twórczością muzyczną, ale kompozytora nieustannie nękały głębokie wewnętrzne sprzeczności. Będąc pod maską tradycji akademickich, Claude szukał własnego języka i stylu muzycznego. Było to przyczyną licznych konfliktów, a nawet sporów z nauczycielami.
W 1894 roku Claude napisał „Popołudnie fauna”. Preludium na wielką orkiestrę oparte jest na wierszu S. Malarme’a, napisanym w oparciu o fabułę mitologiczną. Ta muzyka zainspirowała S. Diagilewa do wystawienia baletu w choreografii Nieżyńskiego. Nie kończąc poprzedniego dzieła, Debussy zaczął pisać trzy Nokturny na orkiestrę symfoniczną. Po raz pierwszy wykonano je w grudniu 1900 roku w Paryżu, wykonano dwie części „Chmury” i „Święta”, a rok później zaprezentowano trzeci „Nokturn” zatytułowany „Syreny”.
Debussy wyjaśnił, że „Chmury” uosabiały obraz nieruchomego nieba z wolno płynącymi chmurami. „Święta” ukazywały taneczny rytm atmosfery, któremu towarzyszyły rozbłyski jasnego światła, a w „Syrenach” przedstawiony został obraz morza, gdzie wśród fal oświetlonych księżycem tajemniczy śpiew syren wybucha śmiechem i znika. Utwór ten wyraźnie pokazał chęć autora do ucieleśnienia w muzyce obrazów rzeczywistych. „Muzyka jest właśnie sztuką najbliższą naturze”– argumentował Debussy.
W latach 90. XIX w. kompozytor stworzył jedyną ukończoną operę „Pellas i Melisanda”. Wykazano go w Paryżu w 1902 roku i odniósł duży sukces wśród publiczności, choć krytycy wyrażali raczej negatywne oceny. Autorowi udało się osiągnąć udane połączenie psychologicznego wyrafinowania muzyki z natchnioną poezją, co pozwoliło nadać nowy nastrój muzycznej ekspresji. W 1903 roku ukazał się cykl muzyczny „Prints”, w którym autor podjął próbę syntezy stylów muzycznych różnych kultur świata.
Początek XX wieku był okresem najbardziej owocnym w twórczości Debussy'ego. Stopniowo wychodzi z niewoli symboliki i wkracza w gatunek scen codziennych i portretów muzycznych. W latach 1903–1905 Claude napisał największe ze swoich dzieł symfonicznych „Morze”. Zdecydował się napisać tę pracę w oparciu o głębokie osobiste wrażenia z obserwacji ogromnego żywiołu wody. Po raz kolejny wywarli na niego wpływ malarze impresjoniści i japoński mistrz drzeworytniczych pejzaży Hokusai. " Morze dobrze mnie potraktowało».
Zakrojony na szeroką skalę esej składa się z trzech części. Pierwsza, „Od świtu do południa na morzu”, zaczyna się powoli, potem zaczynają odbijać się echem drewniane instrumenty i pojawia się ruch fal morskich. Ponadto „The Game of Waves” utrzymany jest w różowym nastroju, podkreślonym efektami orkiestrowymi i biciem dzwonów. W części trzeciej, „Dialogu wiatru i morza”, morze ukazane jest zupełnie inaczej – burzliwe i groźne, a jego wygląd dopełniają dramatyczne obrazy wskazujące na ponury i niespokojny nastrój.
Nazwisko Debussy jest nierozerwalnie związane z muzyką fortepianową. Nie tylko pięknie komponował, ale był także znakomitym pianistą, a nawet występował jako dyrygent. Pianista M. Long porównał grę Debussy'ego ze stylem Chopina, w którym można było dostrzec płynność wykonania, a także pełnię i gęstość brzmienia.
starał się znaleźć silny związek z narodowymi korzeniami muzycznymi. Potwierdziły to serie utworów fortepianowych „Ogrody w deszczu”, „Wieczór w Granadzie”, „Wyspa radości”.
Początek XX wieku upłynął pod znakiem poszukiwania nowych, nietradycyjnych środków wyrazu muzycznego. Wielu autorów było przekonanych, że formy klasyczne i romantyczne wyczerpały się. Próbując odkryć nowe środki, kompozytorzy zaczęli coraz częściej sięgać do źródeł muzyki pozaeuropejskiej. Wśród gatunków, które przykuły szczególną uwagę Debussy'ego, był jazz. To za jego namową ten kierunek muzyczny stał się bardzo popularny w Starym Świecie.
Mimo rozpoczęcia poważnej choroby, ten czas został zapamiętany przez najaktywniejszą działalność kompozytorską i wykonawczą Debussy'ego. Brał udział w trasach koncertowych po Europie i Rosji.
W 1908 roku Claude Debussig zadedykował apartament swojej córce„Kącik dziecięcy”. W tej pracy próbował przedstawić świat za pomocą muzyki oczami dziecka, używając rozpoznawalnych obrazów - zabawkowego słonia, lalki, małego pasterza. W latach 1910 i 1913 powstały zeszyty preludiów, w których w pełni ukazuje się słuchaczowi figuratywny świat Debussy'ego. W „Tancerzach Delfickich” udało mu się znaleźć wyjątkowe połączenie surowości antycznej świątyni i rytualnej pogańskiej zmysłowości, a w „Zatopionej Katedrze” wyraźnie odbijają się motywy starej legendy.
W preludiach Debussy w zwięzłej, skoncentrowanej formie przedstawia cały swój muzyczny świat, uogólnia go i żegna się z nim pod wieloma względami – ze swoim dawnym systemem powiązań wizualno-muzycznych. A potem, w ciągu ostatnich 5 lat jego życia, jego muzyka, coraz bardziej skomplikowana, poszerza horyzonty gatunkowe, zaczyna być w niej wyczuwalna jakaś nerwowa, kapryśna ironia. Rośnie zainteresowanie gatunkami scenicznymi. Są to balety („Kamma”, „Gry” w inscenizacji W. Niżyńskiego i trupy S. Diagilewa w 1912 r. oraz balet lalkowy dla dzieci „Pudełko z zabawkami”, 1913), muzyka do misterium włoskiego futurysta G. d'Annunzio „Męczeństwo św. Sebastiana” (1911). W produkcji misterium wzięli udział baletnica Ida Rubinshtein, choreograf M. Fokin, artysta L. Bakst.
W czasie I wojny światowej działalność twórcza autora zaczęła podupadać, ogarnęły go głębokie uczucia patriotyczne. Postawił sobie za zadanie gloryfikowanie piękna na przekór masowym zniszczeniom wojny. Temat ten można prześledzić w szeregu dzieł - „Oda do Francji”, „Bohaterska kołysanka”, „Boże Narodzenie bezdomnych dzieci”.
Claude był bardzo przygnębiony wszystkim, co działo się w kraju. Groza wojny, krwi i zniszczenia wywołała głęboki duchowy niepokój. Poważna choroba, która dotknęła kompozytora w 1915 roku, pogłębiła trudne postrzeganie rzeczywistości.Do ostatnich dni Debussy pozostał wierny muzyce i nie ustawał w poszukiwaniach twórczych. Kompozytor zginął w Paryżu 26 marca 1918 roku podczas bombardowania miasta przez wojska niemieckie.
Debussy to wielki francuski kompozytor, krytyk, dyrygent, pianista i twórca muzycznego impresjonizmu. Achille Claude Debussy urodził się w małym miasteczku w 1862 roku. Ojciec chłopca był biednym mieszczaninem i prowadził sklep z chińską zastawą stołową. Od 8 roku życia Claude zaczął uczyć się gry na pianinie. Lekcje pobierał później u Antoinette Mote de Fleurville, która twierdziła, że uczyła się u samego Chopina. Ponadto była teściową Verlaine'a. I to ona poradziła chłopcu, aby wszedł do oranżerii.
W wieku 10 lat Claude wstąpił do konserwatorium, aby kontynuować naukę muzyki. Jego nauczycielami byli Antoine Marmontey, znany z zamiłowania do tradycjonalizmu Albert Lavignac oraz Frank Cesar. Już wtedy Claude miał swój własny styl gry, który nie odpowiadał nauczycielom. Gdy chłopiec miał 16 lat, wykonał na konkursie sonatę Schumanna. I dopiero wtedy docenili go profesorowie konserwatorium – otrzymał II miejsce.
Samotnie na początku lata 1880 roku Debussy podróżuje po Włoszech i Szwajcarii z rodziną Nadieżdy von Meck. I lato tego roku i następne spędza w jej posiadłości. Tam uczy muzyki dla dzieci i po raz pierwszy spotyka rosyjskich kompozytorów: Borodina, Bałakirewa, Czajkowskiego i innych. A to będzie miało później ogromny wpływ na jego twórczość.
W ciągu następnych dwóch dekad rozpoczął się twórczy rozwój Debussy'ego, zaczął angażować się w „symbolizm”, komunikować się z wieloma znanymi wówczas muzykami i poetami, pisać muzykę do wierszy Verlaine'a i Baudelaire'a. Ale jego dzieła różnią się od klasycznej „symboliki” wdziękiem i wyrafinowaniem.
Od początku XIX wieku Debussy porzucił „symbolizm” na rzecz natury, scen codziennych i portretów. Wyraża swój stosunek do tych tematów tak realistycznie, że stają się one niemal namacalne. Wciąż toczy się debata na temat tego, kim jest Debussy – symbolistą czy impresjonistą.
Od tego czasu Debussy stał się krytykiem muzycznym. Efektem tej działalności jest wydanie w 1914 roku książki „Pan Krosh – Antydyletant”, zawierającej wszystkie jego najlepsze artykuły krytyczne.
Debussy ostatnie lata swojego życia poświęcił realizacji swoich planów twórczych: częstym koncertom i występom.
Debussy zmarł w wieku 54 lat. Przez cały czas swojej twórczości stworzył trzy opery, trzy balety, pięć utworów na orkiestrę, utwory na fortepian, zespół kameralny, romanse i pieśni. Za najlepsze uznano operę Pelléas et Mélisande, fantastykę symfoniczną Popołudnie fauna, preludia, wśród których wyróżniają się „Schody w śniegu”, „Zatopiona katedra” i „Dziewczyna o lnianych włosach”, nokturny „Morze” i „Suite Bergamasso”. ..” i „Kącik dziecięcy” na fortepian.
Biografia 2
Claude Debussy (1862-1916) – francuski kompozytor. Urodzony w przeciętnej francuskiej rodzinie. Jego ojciec miał własny sklep, w którym robili naczynia, ale wkrótce po urodzeniu syna ojciec sprzedał źródło dochodu. Rodzina przeniosła się do Paryża, gdzie mogła zapewnić synowi dobre wykształcenie.
Jednak podczas wojny francusko-pruskiej Claude i jego matka opuścili stolicę i udali się do Cannes, aby być jak najdalej od strasznych widoków. Tam Claude zaczyna interesować się grą na pianinie i pobiera lekcje u lokalnych nauczycieli.
Następnie wstępuje do Konserwatorium Paryskiego, gdzie wkrótce zdobywa Nagrodę Rzymską. Claude różnił się od wszystkich pozostałych uczniów swoją niechęcią do podporządkowania się standardom. Próbował stworzyć własny styl w muzyce. To powodowało konflikty z nauczycielami.
Pracował jako pianista dla Nadieżdy von Meck. Dzięki niej Debussy podróżował do wielu krajów Europy, gdzie studiował style muzyczne. Ale kilka miesięcy później został zwolniony, bo wyszło na jaw, że zakochał się w jednej z córek von Mecka.
W 1885 roku został wysłany do Rzymu, gdzie musiał „odpracować” swoje premie. To był trudny okres w życiu Debussy’ego. Konflikty pojawiają się ponownie, gdy Claude próbuje wyjść poza normę.
Debussy wkrótce całkowicie zerwał z akademią, gdy ta odmówiła włączenia jednego z jego utworów do programu koncertu, ponieważ było ono zbyt innowacyjne.
Erik Satie odegrał ważną rolę w życiu Debussy'ego. Kompozytor dostrzegł w swojej twórczości coś nowego, niezwykłego, coś, co nie zależy od standardów. To dzięki temu człowiekowi indywidualny styl Debussy'ego zaczął szybko nabierać kształtu.
Claude, który wcześniej podziwiał Wagnera, pisze o tym człowieku z pogardą. Mówi, że Wagner nigdy nie służył ani muzyce, ani Niemcom. Nikt nie wiedział, co spowodowało tak chłodną relację między Debussym a Wagnerem.
W 1894 roku Claude Debussy napisał „Popołudnie fauna”. Dzieło to toruje pierwsze kroki w stronę impresjonizmu w muzyce.
Drugi okres życia Claude'a Debussy'ego naznaczony był chorobą, chorobą i biedą. Jednak nadal ciężko pracował nad swoimi dziełami. Wkrótce zaczął wygłaszać przemówienia na temat ówczesnej kondycji muzyki. Wszystkie jego przemówienia po śmierci zebrano w jednym zbiorze.
Rodzina Debussy'ego była w potrzebie, więc pracował jako dyrygent i jeździł na koncerty w niepełnym wymiarze godzin. Następnie kompozytor zaczął pisać muzykę do baletu, która od dawna go pociągała. W 1912 roku Claude rozpoczyna pracę nad baletem dla dzieci „Pudełko z zabawkami”, ale nie ma czasu na dokończenie pracy i umiera. Kaple kończy muzykę.
Twórczość kompozytora przerwała I wojna światowa. Ale już w 1915 roku Claude Debussy ponownie zaczął pracować i świat usłyszał wiele nowych kompozycji fortepianowych.
Giulio Gatti-Casazza zlecił Debussy'emu napisanie kompozycji do opery. Do ostatnich minut życia wielki kompozytor pracował nad zamówieniem, ale nie miał czasu na dokończenie dzieła.
Kompozytor Achille Claude Debussy, który pogodził romantyzm z modernizmem i wiek XIX z XX, jest jedną z najważniejszych postaci życia muzycznego tego czasu. Oprócz doskonałych kompozycji muzycznych napisał wiele dobrej krytyki muzycznej. Jest wielu godnych synów, z których Francja jest dumna, a jednym z nich jest Claude Debussy. Jego krótka biografia jest omówiona w tym artykule.
Dzieciństwo
Kompozytor urodził się na przedmieściach Paryża w sierpniu 1862 roku. Jego ojciec był właścicielem małego sklepu z porcelaną, który wkrótce sprzedał i dostał pracę jako księgowy w Paryżu, dokąd przeprowadziła się rodzina.
Claude Debussy spędził tam niemal całe swoje dzieciństwo. Z krótkiej biografii wynika, że był to ważny okres nieobecności przyszłego kompozytora w mieście. Trwała wojna francusko-pruska, a matka zabrała dziecko z ostrzału - do Cannes.
Fortepian
Tam już w wieku ośmiu lat Claude zaczął pobierać lekcje gry na fortepianie, które tak mu się spodobały, że nawet po powrocie do Paryża nie zrezygnował z nich. Tutaj uczyła się u Antoinette Mothe de Fleurville, teściowej poety Verlaine'a i uczennicy kompozytora i pianisty Chopina. Dwa lata później (w wieku dziesięciu lat) Claude studiował już w Konserwatorium Paryskim: gry na fortepianie uczył go sam Antoine Marmontel, solfeżu u Aotberta Lavignaca, a organów u
Siedem lat później Debussy otrzymał nagrodę za wykonanie sonaty Schumanna, innej nagrody nie otrzymał podczas studiów w konserwatorium. Ale w klasie harmonii i akompaniamentu wybuchł prawdziwy skandal, w którym uczestniczył Claude Debussy. Krótka biografia zdecydowanie o tym wspomina. Nauczyciel starej szkoły Emile Durand nie pozwalał na nawet najskromniejsze eksperymenty harmoniczne, a Debussy nazwał harmonię nauczyciela pompatycznym i absurdalnym sposobem sortowania dźwięków. Studia kompozycji rozpoczął dopiero niemal dziesięć lat później, w 1880 roku, u profesora Ernesta Guirauda.
Debussy’ego i Rosji
Krótko przed tym znaleziono pracę jako nauczyciel muzyki domowej i pianista w zamożnej rosyjskiej rodzinie. Rodzina podróżowała do Włoch i Szwajcarii, a był z nią Claude Debussy. Krótka biografia szczegółowo opisuje filantropkę Nadieżdę von Meck, która pomogła Czajkowskiemu i wielu innym twórczym ludziom. To ona zatrudniła Claude'a Debussy'ego. Kompozytor dwa lata z rzędu spędził pod Moskwą - w Pleszczejewie, gdzie dokładnie zapoznał się z najnowszą muzyką rosyjską i był zachwycony tą szkołą kompozytorską.
Tutaj otworzyli się przed nim Czajkowski, Bałakiriew i Borodin. Szczególne wrażenie wywarła na nim muzyka Musorgskiego. Wraz z von Meckiem w Wiedniu Debussy po raz pierwszy usłyszał Wagnera i był zafascynowany Tristanem i Izoldą. Niestety, wkrótce musiałam rozstać się z tą przyjemną i pożyteczną (i dobrze płatną) pracą, gdyż Debussy nagle odkrył, że zakochał się w jednej z córek von Mecka.
Znowu Paryż
W rodzinnym mieście kompozytor dostał pracę jako akompaniator w studiu wokalnym, gdzie poznał miłośniczkę śpiewu Madame Vanier, która znacznie poszerzyła jego znajomości wśród paryskiej bohemy.
To dla niej skomponował swoje pierwsze arcydzieła. Tutaj wreszcie zaczyna się prawdziwy „wokal” Claude’a Debussy’ego. Biografia, której krótkie podsumowanie zawiera opis tych relacji i wynik - wykwintne romanse „On the Mute” i „Mandolina”, wyznaczyła pierwsze kamienie milowe.
Nagrody akademickie
Jednocześnie kontynuowano studia konserwatorskie. Tam Claude próbował znaleźć uznanie i sukces wśród swoich kolegów. A w 1883 roku otrzymał drugą Nagrodę Rzymu za kantatę „Gladiator”. Potem napisał kolejną kantatę - „Syn marnotrawny”, a już w następnym roku został laureatem Grand Prix de Rome, a kompozytor Charles Gounod pomógł mu w tym (nagle i wzruszająco).
Na takie nagrody trzeba było bez wątpienia zapracować i Debussy ze skandalicznym dwumiesięcznym opóźnieniem udał się na koszt państwa do Rzymu, gdzie miał wraz z innymi laureatami zamieszkać przez dwa długie lata w Willi Medici i tam tworzyć muzykę swego rodzaju co spodobałoby się konserwatorom akademickim.
Rzym
Życie, jakie wiódł Claude Debussy, raczej nie znajdzie się w krótkiej biografii dla dzieci, jest tak sprzeczne i niejednoznaczne. Obaj chcieli znaleźć się w szeregach konserwatystów Akademii i stawiali opór. Otrzymałem nagrodę, ale nie mam ochoty na nią zasłużyć, bo muszę się liczyć z wymogami akademickimi.
I zamiast pięknych romansów napisz coś tradycyjnego. A Ty potrzebujesz własnego, oryginalnego i niepowtarzalnego języka i stylu muzycznego! Stąd biorą się sprzeczności. Profesorowie akademiccy nie akceptowali, a nawet nie tolerowali niczego nowego.
Impresjonizm
Zgodnie z oczekiwaniami rzymski okres twórczości nie stał się zbyt owocny. Muzyka włoska nie była bliska kompozytorowi, nie lubił Rzymu... Jednak każda chmura ma dobrą stronę. Tutaj Debussy poznał poezję prerafaelitów i zaczął pisać wiersz „Dziewica wybrana” na głos i orkiestrę. Gabriel Rosetti skomponował dla niej wiersze. To właśnie w tym utworze Debussy pokazał cechy swojej muzycznej indywidualności.
Kilka miesięcy później do Paryża wysłano odę symfoniczną o Heinym „Zuleima”, a rok później suitę na chór (wokalizę) i orkiestrę „Wiosna” według obrazu Botticellego. To właśnie ta suita skłoniła akademików do użycia po raz pierwszy słowa „impresjonizm” w odniesieniu do muzyki. To słowo było dla nich wulgarnym słowem. Debussy'emu również nie podobało się to określenie i całkowicie się go wyparł w odniesieniu do swojej twórczości.
O stylu
W tym czasie impresjonizm był w pełni ukształtowany wśród malarzy, ale nie został nawet zarysowany w muzyce. Nawet we wspomnianych dziełach kompozytora styl ten nie został jeszcze zaprezentowany. Tyle, że akademickie uszy profesorów prawidłowo wychwyciły ten nurt i bały się Debussy’ego.
Ale sam Debussy mówił o tym samym „Zuleimie” nawet nie z ironią, ale z sarkazmem, który przypomina mu tę muzykę Meyerbeera lub Verdiego. Ale dwa ostatnie dzieła nie budziły już w nim ironii, a kiedy w konserwatorium odmówili wykonania „Wiosny”, po wykonaniu „Wybranej Dziewicy”, Debussy wpadł w panikę i zerwał stosunki z Akademią.
Wagnera i Musorgskiego
Mało kto tak bardzo interesował się nowymi trendami jak Claude Debussy. Krótka biografia nie jest w stanie objąć dzieła jako całości, jednak cykl wokalny „Pięć wierszy Baudelaire’a” zasługuje na osobne słowo. Nie jest to imitacja Wagnera, ale wpływ tego mistrza na Debussy'ego był ogromny i to słychać. Wiele z nich pochodzi także ze wspomnień o Rosji, w szczególności z uwielbienia dla muzyki Musorgskiego.
Idąc za jego przykładem Debussy postanawia szukać oparcia w folklorze, niekoniecznie własnym. W 1889 roku w Paryżu odbyła się Wystawa Światowa, na której kompozytor zwrócił uwagę na egzotyczną muzykę orkiestr jawajskich i anamickich. Wrażenie pozostało, ale nie pomogło w ukształtowaniu własnego stylu kompozytorskiego, zajęło to kolejne trzy lata.
Salon Chaussona
Pod koniec lat 80. zaczęła powstawać „impresjonistyczna” biografia Debussy’ego Achille Claude. Główne daty z życia kompozytora nie są na tyle liczne, aby nie dało się ich zapamiętać, ale ta jest tym bardziej, bo ważna. Debussy poznał kompozytora-amatora Ernesta Chaussona i zaprzyjaźnił się z wieloma osobami odwiedzającymi jego salon artystyczny.
Były tam legendarne gwiazdy, niezwykle ciekawi ludzie, jak śpiewali tam kompozytorzy Albéniz, Faure, Duparc, Pauline Viardot, a z nią przyjechał pisarz Iwan Turgieniew, grali skrzypek Eugene Isai i pianista Alfred Cortot-Denis, malował Claude Monet Tam. To właśnie wtedy Claude Debussy został przyjaciółmi. Biografia kompozytora wzbogaciła się o nowe spotkania, znajomości, przyjaźnie i współpracę. I wtedy Edgar Allan Poe stał się na całe życie ulubionym pisarzem Claude’a Debussy’ego.
Erika Satie
Jednak w tym okresie wszystkie wymienione osoby nie wpłynęły tak bardzo na rozwój talentu kompozytora, jak spotkanie na Montmartrze w 1891 roku ze zwykłym pianistą Tawerny w Clou. Nazywał się Erik Satie. Improwizacje, które Debussy usłyszał w tej restauracji, wydały mu się niezwykle świeże, niepodobne do nikogo innego, a już na pewno nie przypominały kawiarnianej pieśni. Po spotkaniu Debussy docenił także swobodę, z jaką ten niezależny człowiek żył i myślał o życiu. W jego ocenach muzycznych nie było stereotypów, był zjadliwie dowcipny i nie szczędził autorytetów.
Kompozycje wokalne i fortepianowe Satie były niezwykle odważne, choć nie do końca profesjonalnie napisane. Relacja tych dwojga ludzi trwała prawie ćwierć wieku i nigdy nie była prosta, była to przyjaźń-wrogość, pełna kłótni, ale zawsze pełna zrozumienia. Wyjaśnił Debussy'emu całą potrzebę uwolnienia się od tłumiącego twórczość wpływu wszystkich Wagnerów i Musorgskich, ponieważ nie są to naturalne skłonności Francuzów. Pokazał Debussy'emu środki wizualne, którymi od dawna posługiwali się artyści Cezanne, Monet, Toulouse-Lautrec, pozostało tylko znaleźć sposób na przełożenie ich na muzykę.
Popołudnie Fauna
W 1893 roku rozpoczynały się prace nad długą operą Peleas i Melisandre według Maeterlincka. I wtedy możesz bezpiecznie dodać nazwisko Debussy Claude do słowa „impresjonizm”. Biografia to historia życia, twórczość, punkty zwrotne na drodze do sztuki i wiele, wiele więcej, ale to są jej elementy składowe, a najważniejszy jest zawsze jeden. Dla Debussiego jest to oczywiście kreatywność. Rok później, w 1894 roku, zainspirowany eklogą Mallarmégo, skomponował „wizytówkę” impresjonizmu – „Popołudnie fauna”, preludium symfoniczne niezrównane w swojej kolorystyce.
Praca nad operą zajęła mi dziewięć lat życia. Równolegle Debussy pisał mniejsze dzieła, ale nie mniej ikoniczne: tryptyk orkiestrowy „Morze” o iście symfonicznym rozmachu, w którym żywioły rozmawiają ze sobą (finał to „Rozmowa wiatru z morzem”). Cała muzyka kompozytora naprawdę stała się jak obrazy Moneta – barwy dźwięku – „kolory” – zmienne, jak wzory w kalejdoskopie.
„Obrazy”, „Męczeństwo” i „Gry”
Orkiestrowe obrazy świąteczne poświęcone trzem krajom – Francji, Hiszpanii i Anglii – powstawały i były wykonywane przez siedem lat, począwszy od 1905 roku. Szczególnie dobra jest hiszpańska „Iberia” - z jasnymi i wesołymi częściami zewnętrznymi i kontrastującymi nocami w środkowej części.
W 1911 roku muzyka Debussy'ego była nieoczekiwana dla słuchaczy, którzy już w jego ostatnich utworach przyzwyczaili się i pokochali kapryśną grę zmiennych przeplatań harmonicznych. Harmonie nagle przyniosły ducha starożytności, faktura stała się szorstka i bardzo oszczędna. To właśnie ta muzyka stanowiła oprawę misterium „Męczeństwo św. Sebastiana” Gabriela d'Annuzio.Z kolei już w 1913 roku otrzymano zamówienie na jednoaktowy balet „Gry” od S.P. Diagilewa, którego Debussy odważnie się podjął i poradził sobie znakomicie z zadaniami.
Fortepian
Debussy przez nieopisanie długie wieki tworzył suity na fortepian, niemal każdy, choć odrobinę koncertujący pianista, jest dziś uzbrojony w tę muzykę. Jest to czteroczęściowa „Suita Bergamas”, skomponowana w 1890 r. i trzyczęściowa, wykonana po raz pierwszy w 1901 r., w której doszukać się można stylizacji w stylu rokoko.
W latach 1903–1910 Debussy napisał dwa zeszyty zawierające Preludia i ryciny fortepianowe. W 1915 roku ukończono cykl dwunastu „Etiud” poświęconych Fryderykowi Chopinowi. Znajomość i przyjaźń z Igorem Strawińskim można usłyszeć w suity na dwa fortepiany „W czerni i bieli”, ukończonej w 1915 roku, oraz w niektórych utworach wokalnych z tego okresu.
Muzyka wokalna i kameralna
Jego twórczość wokalna ostatniego okresu życia stała się znacznie bardziej neoklasyczna. Wiersze renesansu stały się podstawą „Pieśni francuskich”, które Debussy ukończył w 1904 r., „Spacerów kochanków”, którym autor poświęcił sześć lat swojego życia, kończąc je dopiero w 1910 r., ale „Trzy ballady” oparte na temat wierszy Villona zostały napisane szybko.
Oprócz muzyki wokalnej Debussy nie porzucił gatunku kameralnego: napisał wiele małych, ale bardzo błyskotliwych i zawsze popularnych utworów na wiolonczelę i fortepian, altówkę, flet i harfę - trio, skrzypce i fortepian. Nie zdążył dokończyć cyklu sześciu sonat kameralnych. Claude Debussy zmarł w 1918 roku w Paryżu na raka. Ale świat zawsze będzie o nim pamiętał.
Claude Debussy (fr. Achille-Claude Debussy), (22 sierpnia 1862, Saint-Germain-en-Laye pod Paryżem - 25 marca 1918, Paryż) – francuski kompozytor.
Komponował w stylu często określanym jako impresjonizm, którego nigdy nie lubił. Debussy był nie tylko jednym z najważniejszych francuskich kompozytorów, ale także jedną z najważniejszych postaci muzyki przełomu XIX i XX wieku; jego muzyka reprezentuje formę przejściową od muzyki późnoromantycznej do modernizmu w muzyce XX wieku.
Debussy – francuski kompozytor, pianista, dyrygent, krytyk muzyczny. Ukończył Konserwatorium Paryskie (1884) i otrzymał Prix de Rome. Uczeń A. Marmontela (fortepian), E. Guiraud (kompozycja). Jako domowy pianista rosyjskiego filantropa N. F. von Mecka towarzyszył jej w podróżach po Europie, w latach 1881 i 1882 odwiedził Rosję. Występował jako dyrygent (w 1913 w Moskwie i Petersburgu) i pianista, wykonując głównie swoje utwory, a także jako krytyk muzyczny (od 1901).
Debussy jest twórcą muzycznego impresjonizmu. W swojej twórczości odwoływał się do francuskich tradycji muzycznych: muzyki francuskich klawesynistów (F. Couperin, J. F. Rameau), opery lirycznej i romansu (C. Gounod, J. Massenet). Znaczący był wpływ muzyki rosyjskiej (M. P. Musorgskiego, N. A. Rimskiego-Korsakowa), a także francuskiej poezji symbolistycznej i malarstwa impresjonistycznego. D. ucieleśnione w muzyce ulotne wrażenia, najsubtelniejsze odcienie ludzkich emocji i zjawisk naturalnych. Orkiestrowe „Preludium do popołudnia fauna” (na podstawie eklogi S. Mallarmégo, 1894) uważali współcześni za swoisty manifest muzycznego impresjonizmu, w którym zmienność nastrojów, wyrafinowanie, wyrafinowanie, kapryśna melodia i Ujawniły się barwne harmonie charakterystyczne dla muzyki D. Do najważniejszych dzieł D. należy opera „Pelléas et Mélisande” (na podstawie dramatu M. Maeterlincka; 1902), w której osiągnięto całkowite połączenie muzyki i akcji. D. odtwarza istotę niejasnego, symbolicznie zamglonego tekstu poetyckiego. Dzieło to, przy ogólnej impresjonistycznej kolorystyce i symbolicznym niedopowiedzeniu, charakteryzuje się subtelnym psychologizmem i żywą emocjonalnością w wyrażaniu uczuć bohaterów. Echa tego dzieła odnajdujemy w operach G. Pucciniego, B. Bartoka, F. Poulenca, I. F. Strawińskiego, S. S. Prokofiewa. Blask, a zarazem przejrzystość palety orkiestrowej wyznaczają 3 szkice symfoniczne „Morze” (1905) - największe dzieło symfoniczne D. Kompozytor wzbogacił środki wyrazu muzycznego, paletę orkiestrową i fortepianową. Stworzył impresjonistyczną melodię, charakteryzującą się elastycznością niuansów i jednocześnie niejasnością.
W niektórych utworach – „Suita Bergamas” na fortepian (1890), muzyka do misterium G. D’Annunzia „Męczeństwo św. Sebastian” (1911), balet „Gry” (1912) itd. – pojawiają się później cechy charakterystyczne dla neoklasycyzmu, świadczące o dalszych poszukiwaniach Debussy’ego w zakresie barwy barw i porównań kolorystycznych. D. stworzył nowy styl pianistyczny (etiudy, preludia). Jego 24 preludia na fortepian (1 zeszyt - 1910, 2 - 1913), zaopatrzone w poetyckie tytuły („Tancerze delficcy”, „Dźwięki i zapachy unoszą się w wieczornym powietrzu”, „Dziewczyna o lnianych włosach” itp.) tworzą obrazy miękkich, czasem odrealnionych pejzaży, naśladują plastyczność ruchów tanecznych, przywołują wizje poetyckie i obrazy rodzajowe. Twórczość Debussy’ego, jednego z największych mistrzów XX wieku, wywarła znaczący wpływ na kompozytorów wielu krajów.
Twórczość: Opery - Rodrigo i Ximena (1892, niedokończone), Pelleas i Mélisanda (1902, Paryż), Upadek domu Escherów (w szkicach, 1908-17); balet - Kamma (1912, późnohiszp. 1924, tamże), Gry (1913, Paryż), Toy Box (dla dzieci, 1913, koniec 1919, Paryż); kantaty - sceny liryczne Syn marnotrawny (1884), Oda do Francji (1917, ukończone: M. F. Gaillard); poemat na głosy i orkiestrę Dziewica wybrana (1888); dla orka. - Divertimento Triumf Bachusa (1882), suita symfoniczna Wiosna (1887), Preludium do „Popołudnia Fauna” (1894), Nokturny (Chmury, Uroczystości; Syreny - z chórem żeńskim; 1899), 3 szkice symfoniczne Morza (1905), Obrazy (Gigi, Iberia, Tańce wiosenne, 1912); kameralne zespoły instrumentalne – sonaty wiolonczelowe. i fortepian (1915), na skrzypce i fortepian (1917), na flet, altówkę i harfę (1915), trio fortepianowe (1880), kwartet smyczkowy (1893); na fortepian - Suita Bergamasco (1890), Ryciny (1903), Wyspa radości (1904), Maski (1904), Obrazy (seria I - 1905, II - 1907), Suita Kącik dziecięcy (1908), Preludia ( I zeszyt - 1910, 2 - 1913), szkice (1915); piosenki i romanse; muzyka do spektakli teatru dramatycznego, transkrypcje fortepianowe itp.
