© ITAR-TASS/ Michaił Japaridze
„Jean-Christophe Maillot tka swoje życie z przeciwieństw” – te słowa Rollelli Hightower doskonale oddają istotę sztuki francuskiego choreografa. Nie da się go jednoznacznie nazwać ani artystą klasycznym, ani awangardowym – co więcej, w jego twórczości trendy te nie są bynajmniej przeciwstawne, a co więcej, wzajemnie się nie wykluczają.
Jean-Cristo Maillot urodził się w Tours w 1960 roku. W Narodowym Konserwatorium Regionu Tours uczył się nie tylko sztuki choreograficznej, ale także gry na fortepianie, a następnie w Cannes w Międzynarodowej Szkole Tańca, której mentorem była Rosella Hightower.
Jean-Christophe rozpoczął karierę sceniczną jako tancerz. W 1977 r. brał w tym charakterze udział w konkursie młodzieżowym w Lozannie i otrzymał I nagrodę. Utalentowany młody tancerz został zaproszony przez J. Neumeiera do swojej trupy i przez pięć lat grał partie solowe w balecie hamburskim… niestety tak znakomicie rozpoczęta kariera zostaje nagle przerwana: Jean-Christophe doznał kontuzji i musiał zapomnieć o spektaklach… Ale odkrywa dla siebie inną drogę – działalność choreografa.
Jean-Christophe Maillot wraca do ojczyzny, gdzie kieruje Teatrem Baletu Bolszoj w Tours, w tym charakterze wystawił ponad dwa tuziny przedstawień, jego zasługą jest także powołanie w 1985 roku festiwalu choreograficznego Le Chor?graphique w Monako. W 1987 roku choreograf umieszcza balet „Cudowny Mandaryn” do muzyki dla Baletu Monte-Carlo – sukces był ogromny, a współpraca kontynuowana kilka lat później: w 1992 roku J.-C. Mayo zostaje konsultantem kreatywnym tej trupy, a rok później księżna Hanoweru mianuje go dyrektorem artystycznym.
Kierując Baletem Monte-Carlo, Jean-Christophe Maillot zaczyna zapoznawać publiczność z twórczością awangardowych choreografów tamtych czasów: Williama Forsytha, Nacho Duato, tworzy też własne spektakle. Początkowo jego innowacyjność nie spotkała się ze zrozumieniem - zdarzało się, że liczba widzów na sali nie przekraczała dwudziestu osób - ale stopniowo nową sztukę doceniano. Sprzyjało temu również podniesienie poziomu artystycznego trupy, który choreograf wniósł do nowego etapu rozwoju. Znalazł wśród artystów błyskotliwe osobowości i dał każdemu możliwość zmaksymalizowania swojego talentu.
Przez lata pracy w Balecie Monte-Carlo Jean-Christophe Maillot stworzył ponad 60 spektakli, wśród których znalazły się zarówno małe, jak i duże balety: Czarne potwory, Miejsce urodzenia, Do ziemi obiecanej, Taniec mężczyzn, Na drugą stronę ”, „Oko za oko” i inne. Choreograf wystawiał także dzieła klasyczne, ale ich interpretacja zawsze stawała się nieoczekiwana. Tak było np. z baletem P. I. Czajkowskiego Dziadek do orzechów, który J.-C. Mayo wystawił pod tytułem „Dziadek do orzechów w cyrku”. Nie ma tu motywu świątecznego: bohaterka zasypia czytając książkę, a jej marzeniem jest przedstawienie cyrkowe, którego stewardami są pan Drossel i pani Mayer (wizerunek Drosselmeiera jest tak dziwacznie rozwiązany). Balet łączy się z elementami sztuki cyrkowej, a sama Marie, marząca o zostaniu baletnicą, „przymierza” obrazy baletu klasycznego: Śpiąca Królewna, Kopciuszek i Dziadek do Orzechów uczy ją tańca, w której stroju obowiązuje zasada męskości. wyraźnie podkreślone. Równie niekonwencjonalna okazuje się interpretacja baletu „Romeo i Julia”: to nie wrogość rodzin prowadzi do śmierci młodych bohaterów, ale oślepiająca miłość, prowadząca do autodestrukcji.
W innym balecie do muzyki S. S. Prokofiewa - Kopciuszku - w fabule wprowadzono także nowe cechy: Wróżka, w której bohaterka rozpoznaje swoją zmarłą matkę, towarzyszy bohaterce przez całą drogę. Choreograf przemyślał także inny klasyczny balet P. I. Czajkowskiego - "", przedstawiając go pod nazwą "Jezioro": nie skupia się na księciu Zygfrydzie, a nie na Odecie, ale na Złym Geniuszu, którego rola przypada kobiecie.
W 2000 roku choreograf zorganizował Formę Tańca w Monako. W ramach tego międzynarodowego festiwalu, mającego na celu prezentację całej różnorodności sztuki choreograficznej, odbywały się nie tylko spektakle, ale także seminaria, konferencje, wystawy. Później, w 2001 roku, Dance Forum zostało połączone z Akademią Tańca Klasycznego Księżniczki Grace i J.-C. Majo. Dwa lata wcześniej choreograf pełnił funkcję koordynatora programu poświęconego 100-leciu rosyjskich sezonów. Publiczność tego wydarzenia, odbywającego się w Monako, przekroczyła 60 000 osób, a wystąpiło tam ponad 50 zespołów baletowych z różnych krajów.
Jedną z głównych cech Jean-Christophe Maillot jest otwartość, chęć wymiany doświadczeń. Bacznie śledzi twórczość różnych artystów, chętnie współpracuje z choreografami pracującymi w innych gatunkach, sprawdził się nie tylko jako choreograf, ale także jako producent spektakli operowych: Faust w Staatstheater w Winsbaden i Norma w Operze w Monte - Carlo w 2007 roku.
Współpracował J.-C. Mayo iz rosyjskimi artystami. W 2014 roku wystawił w Teatrze Bolszoj balet Poskromienie złośnicy do muzyki 25 utworów D. D. Szostakowicza: polki, romanse, fragmenty muzyki do filmów Gadfly, Licznik, Hamlet, fragmenty z Moskwy- Czeriomuszki ”, z dzieł symfonicznych. Według choreografa wybrał muzykę tego kompozytora, widząc w jego osobowości podobieństwo do głównego bohatera komedii Szekspira: zarówno D.D. Szostakowicz, jak i Katarina nie byli tym, czego inni chcieli ich widzieć. Balet może wydawać się „kombinacją niestosownego” – na przykład na początku spektaklu baletnice w czarnych spódniczkach toczą panowie po podłodze, a tę nieokiełznaną scenę skontrastuje klasyczny taniec „poprawnej dziewczyny” Bianchi - ale to właśnie takie techniki wyznaczają postacie szekspirowskich bohaterów.
Jean-Christophe Maillot otrzymał liczne nagrody: Order Sztuki i Literatury, Order Legii Honorowej, Order Świętego Karola, Order Księstwa Monako za zasługi kulturalne, Benois de la Danse i Dansa Valencia nagrody. Tworzone przez niego balety weszły do repertuaru różnych zespołów w Niemczech, Szwecji, Kanadzie, Rosji, Korei i USA.
Muzyczne sezony
Wszystko, co dzieje się w Teatrze Baletowym Monte-Carlo wydaje się nam ważne i bliskie – w końcu reżyseruje go Jean-Christophe Maillot, choreograf, w którym zakochaliśmy się od pierwszego wejrzenia, gdy zobaczyliśmy jego balet Daphnis i Chloe 2012. Następnie wystawił Poskromienie złośnicy w Teatrze Bolszoj, aw tym sezonie pokazał nam Kopciuszka (w Petersburgu) i Piękno (w Moskwie). Jean-Christophe to ciekawa osobowość i urocza osoba. W rozmowie z Olgą Rusanową opowiedział o swoim zainteresowaniu baletami bez fabuły, Mariusie Petipie io tym, jak to jest być choreografem w małym Monako.
Abstrakcja to życie?
Publiczność dobrze zna moje balety tematyczne i jest to rzeczywiście ważna część mojej pracy. Ale też czerpię wielką przyjemność z tworzenia czystych ruchów związanych z muzyką. Tak, ta sztuka wydaje się być abstrakcyjna, ale nie wierzę, że jest coś całkowicie abstrakcyjnego, ponieważ wszystko, co człowiek robi, niesie ze sobą jakieś emocje, uczucia. Poza tym uwielbiam zgłębiać ten bardzo specyficzny związek między ruchem a muzyką. A kiedy nie muszę trzymać się fabuły, mogę być bardziej odważny, a nawet zaryzykować, badając choreografię. To takie laboratorium, które mnie urzeka. I to też jest ważna część mojej pracy, może mniej znana, ale zawiera, jeśli kto woli, esencję baletu, ruchu jako takiego.
Mój najnowszy balet Abstrakcja/Życie powstał do zupełnie nowej muzyki - koncertu wiolonczelowego francuskiego kompozytora Bruno Mantovaniego pt. Abstrakcja. To bardzo duża partytura – prawie 50 minut – i inspiruje mnie pomysł pracy z kompozytorem.
Oczywiście podobała mi się też praca z muzyką Szostakowicza - mam na myśli balet "Poskromienie złośnicy", kiedy to z jego utworów stworzyłem niejako nową partyturę baletu, który w rzeczywistości nie istniał. Ale kiedy kompozytor komponuje specjalnie dla mnie, to zupełnie inna sprawa. Ponadto wieczór baletowy składa się z dwóch części – w pierwszej znajduje się balet George'a Balanchine'a do muzyki Koncertu skrzypcowego Strawińskiego. Przypomnę zdanie Balanchine'a: „Staram się słuchać tańca i widzieć muzykę”. Tak więc, podążając za Balanchine'em, chcę, aby muzyka wydawała się widoczna. Często współczesna muzyka jest trudna do odebrania sama w sobie. A taniec, ruch pozwalają go niejako „ożywić”, uczynić bardziej naturalnym dla percepcji. Tiya. W tym momencie coś się naprawdę dzieje. cud... Generalnie jako choreograf zawsze komponuję taniec razem z muzyką, nie wyobrażam sobie bez niej ani jednego kroku, ani jednego ruchu, bo moim zdaniem muzyka jest sztuką najwyższej próby , zawsze adresowana do emocji, nawet jeśli jest złożona, niezrozumiała . I to taniec, ruch ciała może przekazać tę emocję, jak ją opowiedzieć, a to, jak widzicie, dotyka.
I dalej. Artysta musi być świadkiem czasu, w którym żyje, udzielać informacji o realnym świecie. Rozmawiałem o tym z autorem Koncertu Bruno Mantovanim. Jego muzyka jest czasami zbyt skomplikowana, twarda, jak słyszałeś. Powiedział: „W XX wieku, a jeszcze bardziej dzisiaj, okrucieństwo jest wszędzie. Świat się rozwija, ludzi jest coraz więcej. Dużo obaw, pytań, zamieszania… Nie umiem pisać miękkiej, czułej muzyki, muszę odzwierciedlać rzeczywistość.”
Petipa, Diagilew i Instagram
Petipa to coś wyjątkowego, wyjątkowego, niepowtarzalnego. Wtedy nie było innych takich choreografów jak on. Myślę, że jest jednym z pierwszych, którzy wpadli na koncepcję tańca jako samowystarczalnego języka, do którego nic nie trzeba myśleć, dodał. Właściwie balet w jego przypadku wystarcza do zbudowania spektaklu.
Dlaczego wciąż mówimy o Petipie? „Ponieważ jest sercem wszystkiego, co jest baletem. Nikt nie byłby tam, gdzie jest dzisiaj, gdyby nie to, co zrobił Petipa. To punkt wyjścia, początek wiedzy o balecie, którą mamy dzisiaj. A skoro przechodził przez lata, stulecia, pokolenia, to znaczy, że był czymś bardzo ważnym, a to jest oczywiste.
A dzisiaj, tworząc balet o dużej fabule, wciąż myślimy o Jeziorze łabędzim, bo to jest fundament baletu klasycznego, na którym opiera się każdy choreograf. Była to pierwsza taka baza, na której można było dalej budować nową koncepcję, nowy styl myślenia, nowe idee. Wtedy nie było wideo, kina, mieliśmy tylko tę bardzo specyficzną zdolność tańca do przekazywania tej wiedzy w czasie, przez pokolenia.
Otóż fenomen Petipy jest również interesujący jako przykład przenikania się kultur. Jego balety od lat udowadniają, że taniec jest doskonałą podstawą komunikacji na skalę międzynarodową, bo to nasz wspólny język. Kiedy przyszedłem do Teatru Bolszoj i pracowałem z solistami trupy, nie mogłem przestać myśleć o Petipie, o tym, jak ten Francuz przybył z Marsylii do Rosji i po spotkaniu z rosyjską kulturą rosyjscy tancerze próbowali połączyć oba kultury.
Należy o tym pamiętać, zwłaszcza dzisiaj, ponieważ różnice kulturowe powoli zanikają. Coraz bardziej stapiamy się ze sobą, mieszamy. Wydawałoby się, że całkiem niedawno, gdy nie widzieliśmy naszych kolegów przez 5–6 lat, nie wiedzieliśmy, co robią, a teraz, dzięki portalom społecznościowym i Instagramowi, informacje nieustannie napływają. Wydaje się, że wszystko dzieje się w tym samym czasie. To jest zarówno dobre, jak i złe.
Zastanawiam się: co by się stało z Grigorowiczem, gdyby istniał wtedy Facebook i to wszystko, gdyby wiedział, co Trisha Brown robiła w tym samym czasie w Nowym Jorku? Czy wszystko w jego baletach byłoby takie samo? Mało prawdopodobne i prawdopodobnie moglibyśmy tylko tego żałować.
Maniera rosyjskich tancerzy była początkowo zupełnie inna niż tych francuskich i amerykańskich, ale czas mija i rozumiesz, że to, co było inne 20 lat temu, jest teraz coraz bardziej wymazane, rozpuszczone, przybliżone. I widzę to w moim towarzystwie, gdzie tańczą przedstawiciele różnych narodowości.
Uniwersalność myślenia, stylu, estetyki – tak, w pewnym sensie jest super, ale stopniowo stracimy swoją tożsamość. Nieświadomie kopiujemy się coraz bardziej. I być może to Petipa był jednym z pierwszych, który sprowokował ten proces. To on, opuszczając Francję, przeniósł jej kulturę do innego kraju, do Rosji. I może dlatego stała się taka niezwykła...
Generalnie uważam, że zadaniem każdego artysty jest odniesienie się do tego, co było wcześniej zrobione, poznanie dziedzictwa, potraktowanie go z szacunkiem i ciekawością. Znajomość historii jest bardzo ważna, ale jednocześnie w pewnym momencie trzeba „zapomnieć” o tej wiedzy, aby przejść dalej. Często jestem pytany o zespół „Rosyjskie sezony” Siergieja Diagilewa, który pracował w Monte Carlo, gdzie działa nasz teatr. Oczywiście było to najciekawsze zjawisko, kiedy zespół skupiał kompozytorów, artystów, choreografów, dawał dwa lub trzy balety każdego wieczoru. Dziś wielu to robi, ale wtedy byli pierwsi. Dla mnie rosyjskie pory roku Diagilewa są nie mniej ważne niż Petipy.
Tancerz Bezharowskiego
Dorastałem w rodzinie teatralnej. Mój tata był scenografem w Teatrze Opery i Baletu. W domu, na trasie, zebrali się śpiewacy, tancerze, reżyserzy, można powiedzieć, że urodziłem się i wychowałem w teatrze. Siedziałem tam godzinami. Dlatego nie lubię opery – od najmłodszych lat za dużo jej widziałem. Jednocześnie nie powiedziałbym, że dorastałem w świecie tańca, raczej w środowisku artystycznym. Przez długi czas nie mogłam uważać się za specjalistę w dziedzinie tańca - do 32 roku życia.
Byłem tancerzem – studiowałem w konserwatorium w Tours, potem w Cannes. Niewiele wiedziałam o tańcu, zawsze bardziej zastanawiałam się nad życiem niż nad historią choreografii. Pamiętam, jak jako dziecko byłem pod wrażeniem Maurice'a Béjarta, zwłaszcza jego sztuki Niżyński, klaun Boga. A kiedy na podwórku (a ja nie dorastałem w najbardziej szanowanej części mojego rodzinnego miasta Tours), chłopcy zapytali: „Jakim jesteś tancerzem? Klasyczny czy Bezharowski?”, odpowiedziałem: „Bezharowski”. Inaczej pewnie by mnie nie zrozumieli, a może by mnie pobili. Dorastaliśmy w kulturze tańca popularnego, a nie klasycznego.
Potem zacząłem uczyć się czegoś ważnego o balecie, głównie przez tancerzy: mówię o Barysznikowie w Giselle, Makarowej w Jeziorze łabędzim. Odkryłem Balanchine'a i w naszym towarzystwie wystawiliśmy dziewiętnaście jego baletów.
Najważniejsze są tancerze
Naprawdę odkryłem Jurija Grigorowicza w 2012 roku, kiedy zobaczyłem jego balet Iwan Groźny. Byłem oczarowany, zniewolony. Największe wrażenie zrobiła na mnie nie sama choreografia – bardzo interesująca sama w sobie, ale tancerze, ich zaangażowanie, wiara w to, co robią. Dotknął mnie. I znowu zdałem sobie sprawę, że tancerze są najważniejsi w balecie. Tak, oczywiście potrzebują choreografa, ale choreograf bez tancerzy to nikt. Nie wolno nam o tym zapomnieć. Jeśli chcesz, to moja obsesja. Moim zadaniem jest przebywanie w studiu z ludźmi - wyjątkowymi ludźmi: kruchymi, wrażliwymi i bardzo uczciwymi, nawet gdy kłamią. Zawsze interesują mnie artyści, z którymi dzielę muzykę, język tańca, poprzez który mogą wyrazić to, co razem czujemy. I zawsze mamy nadzieję, że ta burza emocji przeniesie się ze sceny na salę i zjednoczy nas wszystkich.
Szczęśliwy w izolacji
Nie czuję się zbyt związany ze światem baletu: tutaj w Monako jestem trochę „odizolowany”. Ale lubię to miejsce, bo wygląda jak ja. Ten kraj jest wyjątkowy - bardzo mały, w sumie dwa kilometry kwadratowe, ale wszyscy o tym wiedzą. Monako to bardzo uwodzicielskie miejsce: nie ma strajków, problemów społecznych i ekonomicznych, nie ma konfliktów, nie ma biednych, bezrobotnych. Księżniczka Karolina z Monako dała mi cudowną możliwość pracy tutaj od 25 lat. Nie należę do potężnych instytucji, takich jak Balet Królewski, Teatr Bolszoj, Opera Paryska, ale do międzynarodowych firm. Jestem samotna, ale mogę sprowadzić tu cały świat.
A będąc tu "w izolacji", jestem zadowolona. A jeśli jutro świat baletu ogłosi mój bojkot, to w porządku, będę tu pracować. Ani książę, ani księżniczka nigdy mi nie mówią: „Musisz zrobić to i tamto”. Mam cudowną możliwość bycia szczerym, niezależnym, wolnym. Mogę robić, co chcę: wystawiać spektakle, organizować festiwale.
W Monako nie ma innego teatru. I staram się dać jak najwięcej lokalnej publiczności, nie ograniczając jej do repertuaru Teatru Baletowego Monte-Carlo. Gdyby przez te wszystkie lata widzieli tylko nasze balety, to znaczyłoby, że oszukuję publiczność, co się dzieje w świecie baletu. Moim zadaniem jest sprowadzanie tutaj klasycznych, nowoczesnych zespołów i innych choreografów. Chcę, żeby ludzie, którzy tu mieszkają, mieli takie same możliwości, jak paryżanie i Moskali. Więc muszę zrobić wszystko na raz: zaangażować się w wystawianie baletów, a także wycieczki, festiwale, a także Akademię Baletową. Ale moim zadaniem było znalezienie profesjonalnego reżysera, nie do wykonywania dla niego pracy, ale do wspierania go.
Ogólnie rzecz biorąc, im więcej utalentowanych ludzi wokół ciebie, tym ciekawiej i łatwiej jest ci wykonywać swoją pracę. Lubię inteligentnych ludzi w pobliżu - sprawiają, że jesteś mądrzejszy.
Nienawidzę pomysłu, że reżyser musi być potworem, pokazywać siłę, sprawiać, by ludzie bali się samych siebie. Nie jest trudno sprawować władzę nad ludźmi, którzy na co dzień przed tobą są praktycznie nadzy. Ale to są bardzo wrażliwi, niepewni ludzie. I nie możesz nadużywać swojej mocy. I kocham tancerzy, sympatyzuję nawet ze słabymi, bo mają specjalną pracę. Prosi się artystę o dojrzałość w wieku dwudziestu lat, ale dla zwykłych ludzi przychodzi to dopiero w wieku czterdziestu lat, a okazuje się, że gdy prawdziwa dojrzałość przychodzi do tancerza, ciało „odchodzi”.
Nasza firma - nie powiem "rodzinna", bo artyści nie są moimi dziećmi - to firma ludzi o podobnych poglądach. Nigdy nie miałem związku z zespołem, w którym żyłby strach, gniew, konflikt. To nie moje.
Bycie choreografem to łączenie ludzi z różnych szkół, o różnej mentalności, tak aby tworzyli spektakl, a jednocześnie w procesie tworzenia nigdy nie wiadomo dokładnie, kto dokładnie okaże się najważniejszym ogniwem w efekcie . To zawsze wysiłek zespołowy.
Tytuł: Sen (Sen nocy letniej, Sen) (Jean Christophe Maillot)
Tytuł oryginalny: Le Songe (Jean Christophe Maillot)
Rok wydania: 2009
Gatunek: balet, współczesny, komedia
Wydane przez: Monako, Francja, Japonia, Les Ballets de Monte-Carlo, Europe Images/M, NHK
Reżyseria: Jean Christophe Maillot
Artysta: Bernice Coppieters (Titania), Jeroen Verbruggen (Puck), Jerome Marchand (Oberon), Gaetan Marlotti (Tkacz), Chris Roeland (blacharz)
Info: Księstwo Monako, 20. rocznica powstania baletów, produkcja Jean-Christophe Maillot i prawdziwy francuski duch: rozpieszczanie, zmysłowość, erotyka - wszystko dla uroku duszy! (komentarz do baletu użytkownika trackera kinozal.tv - "aneta21")
Premiera baletu „Sen (Sen nocy letniej, Sen)” odbyła się w Monte Carlo (Grimaldi Forum) 27 grudnia 2005 roku, opartego na fabule komedii W. Szekspira „Sen nocy letniej”. Spektakl, wystawiony dla 26 tancerzy, upamiętnił 20. rocznicę powstania baletów w Księstwie Monte Carlo.
Jean-Christophe Maillot jest szefem Monte Carlo Ballet Company od 1986 roku. To przedstawienie jest najbardziej charakterystyczne dla twórczości Jean-Christophe Maillota: balet niesie ze sobą aktualną fantazję, połączoną z detalami komiksu i poezji. Ważną rolę w spektaklu odgrywają scenografia i kostiumy, podkreślające fantastykę, balansowanie na granicy snu w upiornym świetle księżyca w pełni. Komiczna akcja dwuaktowego baletu rozgrywa się na ciemnej, swobodnej scenie, gdzie głównym elementem scenografii jest gigantyczna abstrakcyjna kompozycja z białego welonu: niczym fantastyczna chmura tajemniczo unosi się nad sceną, kapryśnie zmieniając swój kształt i jasny kolor. Akcja rozwija się równolegle na dwóch poziomach - na scenie i nad nią, w jej mrocznych głębinach, gdzie uwydatnione są tylko postacie bohaterów, przez co wydają się one szybować w przestrzeni, czasem nawet w „chmurze zasłony”. ”. Wielogatunkowy spektakl umiejętnie utkany z tanecznych miniatur, teatralnych szkiców, ekspresyjnej pantomimy i cyrkowej błazeństwa, w ujmujący i przekonujący sposób opowiada magiczną historię z udziałem postaci baśniowych i mitologicznych. Można się było spodziewać, że choreograf obficie cytuje z baletu o tym samym tytule Johna Neumeiera, w którego trupie Jean-Christophe pracował przez wiele lat. Poszedł jednak własną drogą.
Jak powiedział J.-C. Maillot „balet potrzebuje nowej krwi”, dlatego w „Śnie” brzmi nie tylko muzyka F. Mendelssohna, ale także elektroakustyczna kompozycja argentyńskiego Daniela Terugii i muzyka Bernarda Maillot, brat choreografa. Taniec pointe tutaj jest rzadkim przywilejem nadanym tylko kilku wybranym baletnicom. Większość bohaterów toczy hałaśliwa, akrobatyczna burleska, na którą składają się zabawne dowcipy, wręcz pobłażanie sobie, namiętna zmysłowość, frywolna erotyka. Choreograf subtelnie wyczuł i odzwierciedlił w swoim balecie figlarną wesołość, naiwną niewinność i nieświadome aspiracje bohaterów. Balet jest jednocześnie dokładny, poważny, soczysty. Jest żywy, lśniący i tak pomysłowy, że widz nie może się nudzić ani na sekundę.
Muzyka: Felix Mendelssohn, Daniel Teruggi, Bernard Maillot
Asystent dyrektora: Nicolas Lormeau
Dyrygent: Nicolas Brochot
Orkiestra: Orkiestra Filharmonii Monte-Carlo
Choreograf: Jean Christophe Maillot
Scenografia: Ernest Pignon-Ernest
Kostiumy: Philippe Decoufle (Pracownik – Cirque du Soleil)
Światło: Dominique Drillot
Fantastyczna fabuła, absolutna swoboda poszukiwań i eksperymentów z klasyką. Balet Monte-Carlo, który przybył na festiwal Dance Inversion, przyniósł jeden ze swoich najsłynniejszych spektakli, La Belle. Słynny choreograf Jean-Christophe Maillot na nowo przemyśleł fabułę Charlesa Perota do muzyki Czajkowskiego i zaprezentował publiczności jego „Piękno”, podkreślając, że jest to dzieło niezależne. A sądząc po recenzjach, udało mu się zaskoczyć publiczność. Krytycy jednogłośnie deklarują: „To arcydzieło!”
Balet jeszcze się nie rozpoczął, ale w sali panuje już magiczna atmosfera. Jean-Christophe Maillot niczym gawędziarz zgromadził wokół siebie swoją międzynarodową trupę i opowiada, jak tworzyć magię w ruchu.
Ostatnie instrukcje przed premierą w Bolszoj. Jean-Christophe Maillot interesuje się nie tylko subtelnościami choreografii, ale także postaciami bohaterów. Wszystkie jego balety to prawdziwe dramaty.
A ten nie jest wyjątkiem. „Śpiąca królewna”, jakiej nigdy wcześniej nie widziano. Nie opowieść dla dzieci - psychologiczna analiza oryginalnego źródła - stara bajka Charlesa Perraulta, w której zbawczy pocałunek nie jest szczęśliwym zakończeniem, a jedynie początkiem.
„Są tu dwa światy – Książę i Piękno. Jej rodzice za bardzo ją kochali i chronili. Nie jest gotowa na rzeczywistość. A matka księcia, wręcz przeciwnie, wcale nie kochała, a on też jest przed życiem bezbronny i bezbronny. Nadmiar miłości jest tak samo niebezpieczny dla człowieka jak jej brak – mówi choreograf, dyrektor Baletu Monte Carlo Jean-Christophe Maillot.
Długo oczekiwana królewska córka żyje w przezroczystej kuli iluzji, zamkniętej przed światem zewnętrznym. A jeśli w bajce Piękność zapada we śnie, ukłuwszy się we wrzeciono, tutaj doznaje duchowej traumy, wychodząc z kokonu i stawiając czoła okrutnej rzeczywistości.
Pocałunek w dwie i pół minuty wcale nie jest baletem - dramatycznym środkiem: kobieta rodzi się w dziewczynie. Do odegrania tego ciężko wywalczonego sposobu dorastania choreograf zaprosił primabalerinę Bolszoj Olgę Smirnovą, baletnicę klasycznego petersburskiego treningu. I po raz kolejny pokazał, jak wirtuozem potrafi łączyć tradycję i awangardę, duet Piękna i Księcia został nazwany przez krytyków arcydziełem mistrza.
„Daje mi takie uczucie swojego ciała, znajduje plastyczność; to poczucie prawdomówności na scenie, kiedy nie jesteś ograniczony ramami tańca klasycznego” – mówi Olga Smirnova, primabalerina Teatru Bolszoj w Rosji.
Spektakle Mayo to mieszanka stylów i gatunków: Dziadek do orzechów – na arenie cyrkowej, Jezioro łabędzie – dramat w najlepszych tradycjach kina noir oraz Poskromienie złośnicy naszych czasów. 80 prac i każdy z nas dzisiaj. Dlatego obecna produkcja ma nawet inną nazwę: La Belle - „Beauty”. Nie myl z klasycznym baletem. Pozostała po nim tylko muzyka Czajkowskiego.
„Aby wzmocnić napięcie i dramatyzm spektaklu, pokazać ciemniejsze, głębsze strony tej opowieści, wykorzystałem fragmenty muzyki Czajkowskiego z Uwertury Romeo i Julia” – mówi Jean-Christophe Maillot.
Ta nieklasyczna Śpiąca Królewna jest prezentowana przez Balet Monte-Carlo w ramach festiwalu Dance Inversion, który pokazuje wszystkie osiągnięcia współczesnej choreografii. Synteza form baletowych, muzyki i dramatu.
„Te dwie przestrzenie tańca klasycznego i współczesnego 25 lat temu dużo się kłóciły, były bardzo aktywne, czasem agresywnie dyskutowały, a dziś te dwie przestrzenie się zbiegają” – wyjaśnia Irina Chernomurova, dyrektor artystyczna festiwalu Dance Inversion.
Fani baletu zamiast Czajkowskiego zobaczą Jezioro Łabędzie z Irlandii z muzyką ludową. Nieoczekiwany „Dziadek do orzechów” ze Szwajcarii. Całe piękno "Ciała Baletu" - tak nazywa się produkcja trupy marsylskiej. W ciągu najbliższych dwóch miesięcy choreografowie z ośmiu krajów pokażą, jak różnorodny i potężny może być język tańca.
1977 - Laureat Międzynarodowego Konkursu Młodych "Nagroda Lozanny".
1992 - Kawaler Orderu Zasługi w dziedzinie Sztuki i Literatury (Francja).
1999 - Oficer Orderu Zasługi Kulturalnej Księstwa Monako.
2002 - Kawaler Orderu Legii Honorowej; Nagroda Niżyńskiego na Monaco Dance Forum za najlepsze wykonanie choreograficzne, nagroda włoskiego magazynu „Danza & Danza” („Piękno”, 2001).
2005 - Komandor Orderu Świętego Karola (Monako).
2008 - nagroda Międzynarodowe Stowarzyszenie Choreografów„Benois de la danse” (Moskwa) za produkcję „Fausta” (2007).
2010 - Premio Danza z Walencji (Hiszpania).
Biografia
Urodzony w 1960 w Tours (Francja). Studiował taniec i fortepian w National Conservatory of Tours (Indre-et-Loire) pod kierunkiem Alaina Davena, następnie (do 1977) u Roselle Hightower w Międzynarodowej Szkole Tańca w Cannes. W tym samym roku otrzymał Nagrodę Międzynarodowego Konkursu Młodych w Lozannie, po czym dołączył do trupy Baletu Hamburskiego John Neumeier, którego był solistą przez kolejne pięć lat, wykonując główne partie.
Wypadek zmusił go do porzucenia kariery tancerza. W 1983 powrócił do Tours, gdzie został choreografem i dyrektorem Teatru Baletu Bolszoj w Tours, przekształconego później w Narodowe Centrum Choreografii. Dla tej trupy wystawił ponad dwadzieścia baletów. W 1985 roku założył festiwal Le Chorégraphique.
W 1986 roku otrzymał zaproszenie do wznowienia baletu „Farewell Symphony” do muzyki J. Haydna, któremu w 1984 powiedział „ostatnie przebaczenie” J. Neumeierowi za odrodzonego wówczas trupy Ballet Monte-Carlo. W 1987 roku wystawił dla tej trupy balet Bartoka The Wonderful Mandarin, który miał odnieść wyjątkowy sukces. W tym samym roku wystawił balet „Dziecko i magia” do muzyki opery pod tym samym tytułem M. Ravela.
W sezonie 1992-93. zostaje Doradcą Artystycznym Baletu Monte-Carlo, aw 1993 Jej Królewska Wysokość Księżna Hanoweru mianuje go Dyrektorem Artystycznym. Pięćdziesięcioosobowa trupa pod jego kierownictwem szybko się rozwijała i obecnie ma zasłużoną reputację wysoce profesjonalnego, dojrzałego twórczo zespołu.
Zrealizował dla Baletu Monte-Carlo następujące spektakle:
„Temat i cztery wariacje” („Cztery temperamenty”) do muzyki P. Hindemitha (ze wspomnieniami z baletu „Cztery temperamenty” w reż. J. Balanchine)
"Czarne potwory" (1993),
„Home sweet home” do muzyki G. Goretsky'ego (1994)
„Gdzie jest księżyc” / „Dov’e la luna” do muzyki A. Skriabina (1994)
„Ubuhuha” do tradycyjnej muzyki Burundi (1995)
„Do Ziemi Obiecanej” do muzyki J. Adamsa (1995)
„Koncert aniołów” do muzyki I.S. Bacha (1996)
„Romeo i Julia” S. Prokofiewa (1996)
Recto verso do muzyki A. Schnittkego (1997)
"Wyspa" (1998)
Kopciuszek S. Prokofiewa (1999)
„Dziadek do orzechów w cyrku” (wersja „Dziadka do orzechów” P. Czajkowskiego, 1999, na cześć rocznicy księcia Rainiera III w Chapiteau w Monako, który mógł pomieścić 20 tysięcy widzów)
"Opus 40" do muzyki M. Monka (2000)
"Sploty" / "Entrelacs" (2000)
„Oko za oko” do muzyki A. Schnittkego, A. Pärta, K. Jarretta (2001)
„Piękno” (wersja „Śpiącej królewny” P. Czajkowskiego, 2001)
„Taniec mężczyzn” do muzyki S. Reicha (2002)
„Od jednego wybrzeża do drugiego wybrzeża” do muzyki J. Maresa (2003)
„Wesele” I. Strawińskiego (2003)
„Miniatury” do muzyki R. Lazcano, I. Fedele, M. Matalon, B. Mantovani, J. Pesson, A. Cera, M. Ducret (2004)
„Sen” do muzyki F. Mendelssohn-Bartholdy, D. Terugia, B. Mayo (na podstawie spektaklu „Sen nocy letniej” W. Szekspira, 2005)
"Kolejna piosenka I" / "Altro Canto I" do muzyki C. Monteverdiego, B. Marini, JJ Kapsbergera (2006)
"Faust" do muzyki F. Liszta i C. Gounoda (2007)
"Kolejna piosenka II" / "Altro Canto II" B. Mayo (2008)
"Taniec mężczyzn dla kobiet" on muzyka S. Reicha (2009)
„Szeherezada” do muzyki N. Rimski-Korsakow (2009 w „Daphnis i Chloe” do muzyki M. Ravela (2010, in w ramach obchodów stulecia baletu rosyjskiego)
"Opus 50" M. Monet (2011)
„Jezioro” (wersja „Jeziora łabędziego” P. Czajkowski, z dodano muzykę B. maj, 2011)
„Horeo” / Chore włączone muzyka J. Cage, I. Maresa, B. Mayo (2013 np. ta produkcja oznaczona 20-lecie jego kierownictwo trupy)
The Nutcracker Company do muzyki P. Czajkowskiego i B. Mayo (2013 np. historia trupy- do 20-lecia współpraca z ją)
Mayo jest niezmiennie w trakcie tworzenia nowego języka choreograficznego, ponieważ chce „ponownie odczytać” balety z wielką fabułą i zademonstrować swój własny sposób abstrakcyjnego myślenia choreograficznego. To podejście przyniosło mu sławę w światowej prasie. Ma obsesję na punkcie rozwoju swojej trupy. Jest zawsze otwarty na współpracę z innymi twórcami i co roku zaprasza ciekawych choreografów do Monako, jednocześnie dając możliwość wyrażenia siebie młodym choreografom na tej scenie.
Znakomity impuls do kreatywności dają mu błyskotliwe osobowości, które kolekcjonuje i pielęgnuje w swoim zespole, chcąc dać im możliwość jeszcze jaśniejszego otwarcia i pokazania jeszcze dojrzalszych umiejętności. To pragnienie doprowadziło do powstania w 2000 roku Monaco Dance Forum, festiwalu, który wkrótce stał się szeroko znany na arenie międzynarodowej.
Balet Monte Carlo spędza sześć miesięcy w roku na trasach koncertowych, co jest również konsekwencją przemyślanej polityki Mayo. Zespół zwiedził niemal cały świat (występował w Londynie, Paryżu, Nowym Jorku, Madrycie, Lizbonie, Seulu, Hongkongu, Kairze, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Brukseli, Tokio, Meksyku, Pekinie, Szanghaju) i wszędzie a ona i jej lider otrzymali najwyższe uznanie.
Jean-Christophe Maillot jest mile widzianym gościem w każdej trupie baletowej na świecie. Tylko w ostatnich latach wystawił szereg swoich słynnych przedstawień (m.in. balety Romeo i Julia i Kopciuszek) - w Bolszoj Ballet of Canada (Montreal), Royal Swedish Ballet (Sztokholm), Essen Ballet (Niemcy), Pacific Northwest Western Ballet (USA, Seattle), National Ballet of Korea (Seul), Stuttgart Ballet (Niemcy), Royal Danish Ballet (Kopenhaga), Geneva Bolshoi Ballet, American Ballet Theatre (ABT), Bejart Ballet w Lozannie.
W 2007 roku wystawił operę „Faust” C. Gounoda w Wiesbaden State Theater, w 2009 – „Norma” V. Belliniego w Monte-Carlo Opera. W 2007 roku wyreżyserował swój pierwszy balet filmowy „Kopciuszek”, a jesienią 2008 roku balet filmowy „Sen”.
W 2011 roku w życiu baletowym Monako miało miejsce bardzo ważne wydarzenie. Zespół, festiwal i instytucja edukacyjna zjednoczyły się, a mianowicie: Balet Monte Carlo, Forum Tańca Monako i Akademię Tańca. Księżniczka Grace. Pod patronatem Jej Wysokości Księżnej Hanoweru i pod przewodnictwem Jean-Christophe Maillota, który w ten sposób otrzymał jeszcze więcej możliwości realizacji swoich aspiracji.
Zdjęcie Karla Lagerfelda
wydrukować
