Antyczna martwa natura, „Bukiet z makami”, Europa Zachodnia. Druga trzecia XIX wieku
Antyczna martwa natura "Bukiet z winogron i brzoskwini". Europa Zachodnia, 1839.
Górski krajobraz z ruinami zamku. Europa Zachodnia, 1846.
Wakacje w parku. Europa Zachodnia 1903
Portret dziewczynki. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.
Winogrona i kwiaty. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Jabłka i winogrona. Zachodnia Europa. Pierwsza tercja XX wieku
Antyczne martwa natura z winogronami i owocami. Europa Zachodnia, 1869
Vintage martwa natura z kwiatami. Europa Zachodnia, 1821
Antyczna martwa natura z goździkami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczna martwa natura z melonem, jabłkami i winogronami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczny wazon martwa natura z chryzantemami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczne martwa natura z winogronami i brzoskwiniami. Europa Zachodnia, 1876 r.
Vintage martwa wazon z dyniami. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Bitwa kawalerii angielskiej z piechotą francuską. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Antyczne martwa natura z wiśniami i winogronami. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku.
Holenderski krajobraz zimowy. Europa Zachodnia, druga połowa X wieku.
Antyczna martwa natura: floksy. Europa Zachodnia, początek XX wieku
Wał przeciwpowodziowy. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Pejzaż morski. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Antyczna martwa natura: astry w rzeźbionej drewnianej wazonie Europa Zachodnia, początek XX wieku
Antyczne martwa natura: kwiaty na tle fontanny. Europa Zachodnia, Holandia, połowa XIX wieku
Obraz antyczny: „Martwa natura holenderska”. Europa Zachodnia, początek XVIII wieku
Starożytna martwa natura: bukiet kwiatów. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Starożytny krajobraz: „Na brzegu jeziora”. Europa Zachodnia, 1894
Stary obraz: „Leśny wodospad”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Stary obraz: „Kankan”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Chłopiec przy piecu”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Obraz antyczny: „Pejzaż z jeźdźcem”. Europa Zachodnia, koniec XVII wieku.
Antyczna martwa natura: tulipany w chińskim wazonie. Europa Zachodnia, początek XX wieku
Stary obraz: „Pejzaż jesienny”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczna martwa natura: „Kwiaty”. Europa Zachodnia, 1885
Starożytna martwa natura: „Wazon z astrami i hortensjami”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Pejzaż miejski”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Stary obraz: „Bukiet chryzantem”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XX wieku.
Stary obraz: „Panorama Paryża z widokiem na Ile de la Cité”. Europa Zachodnia, 1840.
Akwarela antyczna: „Portret dzieci artysty” z obrazu Rubensa. Europa Zachodnia, lata 30. XIX wieku.
Stary obraz: „Na werandzie hotelu”. Europa Zachodnia, 1878
Stary obraz: „Przy studni”. Europa Zachodnia, 1877
Starożytna martwa natura: „Owoce i kwiaty”. Europa Zachodnia, 1886
Obraz antyczny: „Wodospad w górach”. Europa Zachodnia, 1852.
Obraz antyczny: „Próbka wina”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Stary obraz: „Łódź w Zatoce Neapolitańskiej”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Stary obraz: „Muszkieter z karafką wina”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Wybrzeże Kornwalii”. Europa Zachodnia, początek XX wieku. Artysta: G. Berlau,
Stary obraz: „Wewnętrzny dziedziniec Palazzo Vecchio we Florencji”. Europa Zachodnia, ostatnia ćwierć XIX wieku
Starożytna martwa natura: „Jesienne kwiaty w doniczkach”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Stary obraz: „Port holenderski”. Europa Zachodnia, Artysta: Jan KUYPERS
Stary obraz: „Czarownik i muszkieterowie”. Europa Zachodnia, 1882 r.
Obraz antyczny: „Holenderska scena rodzajowa”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.
Obraz antyczny: „Martwa natura z różami”. Europa Zachodnia, 1877
Przybrzeżny krajobraz z łodziami i żaglówkami. Europa Zachodnia, 1877 Artysta: Moris H
Stary obraz: „Górska rzeka w lesie”. Europa Zachodnia, 1900
Stary obraz: „Psy”. Europa Zachodnia, 1899
Stary obraz: „Polowanie na jelenia”. Europa Zachodnia, 1840-1850
Stary obraz: „Włoski krajobraz z rzeką”. Europa Zachodnia, 1835.
Stary obraz: „W stajni”. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku. Artysta: Wouterus I VERSCHUUR
Malarstwo antyczne: Gatunek Scena włoska. Europa Zachodnia, Włochy, 1844. Artysta: Rauh I. N
Zastanawiam się: Słowianie wypluli tyle śliny na temat „Niemytej Europy”. I dlaczego Słowianie nie mogli zostawić tych samych obrazów, co w Europie z tego samego okresu: czasy wojny carsko-kondejskiej, rodziny królewskiej ze Słowianami w latach 1853-1921?
Czym są Słowianie: radzieccy żydowscy żołnierze Nikołajewa, starej czerwonej (pruskiej) gwardii Elstona-Sumarokowa, byli zaangażowani w zdobytą Rosję w latach 1861-1921. ?
Tak jak znieśli poddaństwo Żyda Puszkina, potomka brzydkich Murzynów, i dali Żydom wszelkie prawa, nie zrobili nic wartościowego w zdobytej Rosji. Tylko prawa dla Żydów od 1861 r. - to wszystkie zdobycze rewolucji Słowian żydowskich żołnierzy sowieckiego Elstona-Sumarokowa. O to, co walczyli z rosyjskimi carami w latach 1853-1921, z całą czerwoną (sowiecką) armią Słowian, ludu Kanaanu.
Ale jak? Zły Cariruski-Konde, Biali Generałowie, wyjechali do Paryża z całym Petersburgiem i Moskwą, i wysłali do piekła Słowian, naszych poddanych, w 1854 roku, na długo przed pańszczyzną żydowskich żołnierzy Elstona-Sumarokowa. I odmówili finansowania materialnego i moralnego dobrobytu słowiańskich żydowskich chłopów sowieckich, starej Czerwonej (pruskiej) Gwardii.
A kto będzie pracował? Cóż, nie my, Słowianie, chłopi radzieccy, stara czerwona gwardia (pruska), dyktatura proletariatu!
Dobrze, że nie wpuszczono ich nawet do Europy, przez całą czerwoną (żydowską) armię Słowian Elstona-Sumarokowa w latach 1853-1871. Zalany z Europy Tsarruski-Konde, Biali Królowie Aniołów. W przeciwnym razie Europa stałaby teraz w tej samej formie co Rosja, schwytana przez Słowian, po 150 latach sowieckiej okupacji Słowian: żydowskich żołnierzy sowieckich, starej czerwonej (pruskiej) gwardii.
O sztuce pierwszej połowy XIX wieku. pod wpływem rewolucji francuskiej (1789-1799), wojny z Napoleonem, wojny z Hiszpanią. W tym okresie nastąpił wielki postęp w nauce. Główne style: empir, romantyzm, realizm francuski.
W architekturze pierwszej połowy XIX wieku neoklasycyzm przeżywał swój ostatni rozkwit. W połowie wieku głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. Ze względu na romantyczną fascynację antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – tak powstał neogotyk, neorenesans, neobarok. Wysiłki architektów często prowadziły do eklektyzmu - mechanicznego łączenia elementów różnych stylów, starych z nowymi. W architekturze dominuje budowa fabryk, biur, budynków mieszkalnych, domów towarowych, sal wystawowych, bibliotek, dworców, zadaszonych rynków, banków itp. Banki zdobią antyczne greckie portyki, domy towarowe - gotyckimi ostrołukowymi oknami i wieżami. Fabrykom nadaje się wygląd zamków.
19.1.1 Sztuka Francji
Architektura. W latach Rewolucji Francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. Była to epoka budownictwa tymczasowego, najczęściej drewnianego. Na początku rewolucji zniszczono Bastylię, zburzono pomniki królów. W 1793 r. zamknięto akademie królewskie, w tym akademię architektury. Zamiast tego pojawiło się Krajowe Jury Artystyczne i Republikański Klub Artystyczny, których głównym zadaniem było organizowanie masowych świąt oraz dekorowanie paryskich ulic i placów.
Na Place de la Bastille wzniesiono pawilon z napisem: „Tu tańczą”. Plac Ludwika XV został nazwany Place de la Revolution i dodał łuki triumfalne, posągi Wolności, fontanny z emblematami. Pole Marsowe stało się miejscem publicznych zgromadzeń z ołtarzem Ojczyzny w centrum. Les Invalides i jego Katedra stały się świątynią ludzkości. Ulice Paryża zostały ozdobione nowymi pomnikami.
Również w latach Rewolucji Francuskiej utworzono Komisję Artystów, która zajmowała się ulepszaniem miasta, planowanymi zmianami w jego wyglądzie. Odegrał znaczącą rolę w historii architektury.
W sztuce Francji napoleońskiej dominował styl empirowy. Głównym wydarzeniem Napoleona w dziedzinie architektury była odbudowa Paryża: miała ona połączyć średniowieczne kwartały systemem alej przecinających miasto na osi wschód-zachód. Powstały: Avenue Champs Eisées, Rue Rivoli, kolumna triumfalna na Placu Vendôme (1806–1810, architekci Jean-Baptiste Leper, Jacques Gonduin), brama wejściowa do pałacu Tuileries (1806–1807, architekci Ch. Persier, P. F. L. Fontaine), łuk triumfalny Wielkiej Armii (1806-1837, architekci Jean-Francois Chalien i inni).
Obraz. W pierwszej połowie XIX wieku. francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Francja wyprzedziła inne kraje europejskie w demokratyzacji życia artystycznego. Od 1791 roku prawo uczestniczenia w wystawach Luwru otrzymują wszyscy autorzy, niezależnie od przynależności do akademii. Od 1793 roku sale Luwru są otwarte dla publiczności. Państwową edukację akademicką zastąpiły szkolenia w prywatnych warsztatach. Władze uciekały się do bardziej elastycznych metod polityki artystycznej: dystrybucja dużych zamówień na dekorację budynków użyteczności publicznej nabrała szczególnego zakresu.
Przedstawiciele malarstwa francuskiego romantyzmu - David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques Louis David (1748-1825) - najbardziej konsekwentny przedstawiciel klasycyzmu w malarstwie. Studiował w Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby w latach 1775-1779. odwiedził Włochy. W 1781 David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. W 1792 roku Dawid został wybrany na posła do Konwentu, najwyższego organu ustawodawczego i wykonawczego I Rzeczypospolitej.
Już w 1776 r. opracowano rządowy program zachęcający do tworzenia dużych obrazów. Dawid otrzymał zamówienie na obraz przedstawiający wyczyn trzech braci ze szlacheckiej rodziny Horatii - „Przysięga Horatii” (1784). Akcja obrazu rozgrywa się na dziedzińcu starożytnego rzymskiego domu: z góry na bohaterów obrazu leje się strumień światła, otacza ich oliwkowoszary zmierzch. Całość oparta jest na cyfrze trzy: trzy łuki (w każdym z łuków wpisana jest jedna lub więcej postaci), trzy grupy postaci, trzech synów, strzelnica miecza, trzy kobiety. Gładkie kontury kobiecej grupy kontrastują z ściganymi liniami postaci wojowników.
W latach 1795-1799 David i jego uczniowie pracowali nad obrazem „Sabinowie zatrzymujący bitwę między Rzymianami a Sabinami”. Artystka ponownie wybrała wątek zgodny z nowoczesnością: historia kobiet, które przerwały wojnę między Rzymianami (ich mężami) a Sabinami (ich ojcami i braćmi) zabrzmiała wówczas we Francji jako wezwanie do pokoju obywatelskiego. Jednak ogromny obraz, przeładowany liczbami, wywołał jedynie kpiny ze strony publiczności.
W 1812 wyjechał do Brukseli, gdzie mieszkał do śmierci. Malował portrety i prace o tematyce antycznej - „Śmierć Marata” (1793), „Portret Madame Recamier” (1800). Obraz „Śmierć Marata” został ukończony przez artystę w niecałe trzy miesiące i zawisł w sali obrad Konwencji. Marat został zasztyletowany w swoim mieszkaniu przez szlachciankę Charlotte Corday. W chwili śmierci Marat siedział w wannie: z powodu choroby skóry zmuszony był tak pracować i przyjmować gości. Połatane prześcieradła i proste drewniane pudełko, które zastąpiło stół, nie są wynalazkiem artysty. Jednak sam Marat, którego ciało oszpeciła choroba, pod pędzlem Dawida zamienił się w szlachetnego sportowca, niczym antyczny bohater. Prostota oprawy nadaje spektaklowi szczególną tragiczną powagę.
Na wspaniałym zdjęciu „Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame 2 grudnia 1804 r.” (1807) David stworzył kolejny mit - blask ołtarza i przepych strojów dworzan działają na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) był zwolennikiem klasycznych ideałów, oryginalnym artystą, obcym wszelkiemu fałszowi, nudzie i rutynie. W 1802 otrzymał Nagrodę Rzymską i otrzymał prawo podróżowania do Włoch. W 1834 został dyrektorem Akademii Francuskiej w Rzymie. Osiągnięto najwyższą umiejętność w gatunku portretowym - „Portret Riwiery”.
Ingres starał się przekazać w malarstwie dekoracyjne możliwości różnych rodzajów dawnej sztuki, na przykład wyrazistość sylwetek starożytnego greckiego malarstwa wazowego, - „Edyp i Sfinks” (1808) I „Jowisz i Tetyda” (1811).
W monumentalnym płótnie „Ślub Ludwika XIII z prośbą o patronat Matki Bożej dla Królestwa Francji” (1824) naśladował styl malarski Rafaela. Obraz przyniósł Ingresowi pierwszy duży sukces. na obrazie „Odaliska i niewolnik” (1839) Wybrałem kompozycję bliską „Kobietom Algieru w swoich komnatach” Delacroix i rozwiązałem go na swój własny sposób. Pstrokata, wielobarwna kolorystyka płótna powstała z zamiłowania artysty do orientalnych miniatur. W 1856 Ingres ukończył obraz "Źródło" poczęty przez niego w latach dwudziestych. we Włoszech. Pełne wdzięku, kwitnące dziewczęce ciało uosabia czystość i hojność świata przyrody.
Teodor Géricault(1791–1824) – twórca rewolucyjnego romantyzmu w malarstwie francuskim. Pierwsza praca wystawiona w Salonie - „Oficer konny gwardii cesarskiej idący do ataku” („Portret porucznika R. Dieudonnégo”, 1812). Pędzący jeździec na płótnie nie pozuje, lecz walczy: szybka przekątna kompozycji przenosi go w głąb obrazu, w niebiesko-fioletowy żar walki. W tym czasie dowiedział się o klęsce armii Napoleona Bonaparte w Rosji. Uczucia Francuzów, którzy znali gorycz porażki, znalazły odzwierciedlenie w nowym obrazie młodego artysty - „Rany kirasjer opuszcza pole bitwy” (1814).
W latach 1816-1817 Gericault mieszkał we Włoszech. Artystę szczególnie zafascynowały wyścigi koni na oklep w Rzymie. W serii malarskiej „Bieg Wolnych Koni” (1817) dostępna i wyrazista dokładność reportażu oraz powściągliwy heroizm w duchu neoklasycznym. W tych pracach ostatecznie ukształtował się jego indywidualny styl: potężne, szorstkie formy oddają duże ruchome plamy światła.
Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Tratwa Meduzy” (1818-1819). W lipcu 1816 r. w pobliżu Wysp Zielonego Przylądka osiadł na mieliźnie statek „Meduza”, dowodzony przez niedoświadczonego kapitana, który otrzymał stanowisko pod patronatem. Następnie kapitan i jego świta odpłynęli łodziami, pozostawiając na łasce losu tratwę ze stu pięćdziesięcioma marynarzami i pasażerami, z których przeżyło tylko piętnastu. Na zdjęciu Gericault szukał maksymalnej wiarygodności. Przez dwa lata poszukiwał osób, które przeżyły tragedię w oceanie, szkicował w szpitalach i kostnicach, malował studia morza w Hawrze. Tratwa na jego obrazie unosi się falą, widz od razu widzi wszystkich zgromadzonych na niej ludzi. Na pierwszym planie postacie zmarłych i zrozpaczonych; są napisane w pełnym rozmiarze. Oczy tych, którzy jeszcze nie rozpaczali, zwrócone są na drugi koniec tratwy, gdzie stojący na rozklekotanej beczce Afrykanin macha czerwoną chusteczką załodze „Argusa”. Rozpacz lub nadzieja wypełniają dusze pasażerów tratwy Meduzy.
W latach 1820-1821 Gericault odwiedził Anglię. Pod wpływem pism Constable'a pisał: „Wyścig w Epsom” (1821). Obraz przesycony jest ruchem: konie pędzą, ledwo dotykając ziemi, ich postacie zlały się w jedną szybką linię; niskie chmury są ruchome, ich cienie są ruchome, suną po wilgotnym polu. Wszystkie kontury w pejzażu są rozmyte, kolory rozmazane. Gericault pokazał świat tak, jak widzi go dżokej na galopującym koniu.
Eugeniusz Deacroix(1798-1863) - malarz francuski. Podstawą malarstwa Delacroix są barwne plamy, które tworzą harmonijną całość; każda plama oprócz koloru zawiera odcienie sąsiednich.
Delacroix namalował swój pierwszy obraz na wątku Boskiej Komedii Dantego - „Dante i Virgil” („Łódź Dantego”) (1822). Delacroix stworzył obraz „Masakra na Chios” (1824) pod wpływem wydarzeń rewolucji wyzwoleńczej w Grecji 1821-1829. We wrześniu 1821 r. tureccy skazani dokonali masakry ludności cywilnej Chios. Na pierwszym planie obrazu znajdują się postacie skazanych na zagładę Chian w kolorowych łachmanach; tło to ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na ich los, tylko dzieci na próżno błagają rodziców, aby ich chronili. Jeździec turecki, który ciągnie za sobą grecką dziewczynę, wygląda jak swego rodzaju symbol zniewolenia. Inne postacie są nie mniej symboliczne: nagi, ranny Grek – jego krew wpada w suchą ziemię, a obok leży złamany sztylet i worek opróżniony przez rabusiów.
Po wydarzeniach z lipca 1830 w Paryżu Delacroix stworzył obraz „Wolność prowadząca ludzi (28 lipca 1830)”. Artysta nadał ponadczasowy, epicki dźwięk prostemu epizodowi walk ulicznych. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą od wojsk królewskich, a prowadzi ich sama Wolność. Krytycy widzieli w niej „skrzyżowanie kupca i starożytnej greckiej bogini”. Wyczuwalny jest tu styl romantyczny: wolność przedstawiana jest jako bogini zwycięstwa, wznosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; a następnie uzbrojony tłum. Teraz wszyscy są żołnierzami Wolności.
W 1832 Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej w Algierze i Maroku. Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Kobiety Algierii w swoich komnatach” (1833). Postacie kobiet są zaskakująco plastyczne. Twarze o złocistej karnacji są miękko zarysowane, ramiona delikatnie wygięte, kolorowe stroje jaskrawo wyróżniają się na tle aksamitnych cieni.
Antoine Gros (1771–1835) - malarz francuski, portrecista. Gro porzucił klasyczne przedmioty - pociągała go historia współczesna. Stworzył cykl obrazów poświęcony wyprawie egipsko-syryjskiej armii napoleońskiej (1798-1799) - „Bonaparte odwiedzający ofiary zarazy w Jaffie” (1804). Inne obrazy poświęcone Napoleonowi - „Napoleon na moście Arcole” (1797), „Napoleon na polu bitwy pod Eyau” (1808). Gros w 1825 roku zakończył malowanie kopuły Panteonu w Paryżu, zastępując wizerunek Napoleona postacią Ludwika XVIII.
Powstanie cywilizacji przemysłowej miało ogromny wpływ na sztukę europejską. Jak nigdy dotąd była w ścisłym związku z życiem społecznym, duchowymi i materialnymi potrzebami ludzi. W kontekście rosnącej współzależności narodów ruchy artystyczne i osiągnięcia kulturalne szybko rozprzestrzeniły się na cały świat.
Obraz
Romantyzm i realizm przejawiały się ze szczególną siłą w malarstwie. Wiele przejawów romantyzmu było w twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi (1746-1828). Dzięki swemu talentowi i pracowitości syn biednego rzemieślnika stał się wielkim malarzem. Jego twórczość stanowiła całą epokę w historii sztuki europejskiej. Wspaniałe artystyczne portrety hiszpańskich kobiet. Są pisane z miłością i podziwem. Poczucie własnej wartości, duma i miłość do życia wyczytaliśmy na twarzach bohaterek, niezależnie od ich społecznego pochodzenia.
Śmiałość, z jaką Goya, nadworny malarz, namalował zbiorowy portret rodziny królewskiej, nie przestaje zadziwiać. Przed nami nie władcy czy arbitrzy losów kraju, ale całkiem zwyczajni, nawet zwykli ludzie. O zwrocie Goi w kierunku realizmu świadczą także jego obrazy poświęcone heroicznej walce narodu hiszpańskiego z armią Napoleona.
Kluczową postacią europejskiego romantyzmu był słynny francuski malarz Eugene Delacroix (1798-1863). W swojej twórczości stawiał przede wszystkim na fantazję i wyobraźnię. Kamieniem milowym w historii romantyzmu, a właściwie całej sztuki francuskiej, był jego obraz „Wolność wiodąca lud” (1830). Artysta uwiecznił na płótnie rewolucję 1830 r. Po tym obrazie Delacroix nie zwracał się już do francuskiej rzeczywistości. Zainteresował się tematem Wschodu i tematyką historyczną, gdzie zbuntowany romantyk mógł puścić wodze fantazji i wyobraźni.
Głównymi malarzami realistycznymi byli Francuzi Gustave Courbet (1819-1877) i Jean Millet (1814-1875). Przedstawiciele tego nurtu dążyli do wiernego oddania natury. Skupiono się na codziennym życiu i pracy człowieka. Zamiast historycznych i legendarnych bohaterów charakterystycznych dla klasycyzmu i romantyzmu w ich twórczości pojawili się zwykli ludzie: filistyni, chłopi i robotnicy. Nazwy obrazów mówią same za siebie: „Kupielacze”, „Knitters”, „Zbieracze uszu”.
Oficer konnej gwardii cesarskiej w ataku, 1812. Theodore Géricault (1791-1824). Pierwszy artysta romantycznego kierunku. Obraz wyraża romans epoki napoleońskiej
Courbet jako pierwszy zastosował koncepcję realizmu. Cel swojej pracy określił następująco: „Umieć przekazać obyczaje, idee, wygląd ludzi epoki moim zdaniem, być nie tylko artystą, ale także obywatelem, tworzyć żywą sztukę”.
W ostatniej tercji XIX wieku. Francja staje się liderem w rozwoju sztuki europejskiej. To właśnie w malarstwie francuskim narodził się impresjonizm (z francuskiego wrażenia - impresji). Nowy trend stał się wydarzeniem o znaczeniu europejskim. Artyści impresjonistyczni starali się przekazać na płótnie chwilowe wrażenia ciągłych i subtelnych zmian stanu natury i człowieka.
W powozie III klasy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoryginalniejszych artystów swoich czasów. Balzac porównał go do Michała Anioła.
Jednak sławę Daumiera przyniosła jego karykatura polityczna. „W powozie trzeciej klasy” przedstawia niewyidealizowany obraz klasy robotniczej
Czytelnicza kobieta. C. Corot (1796-1875). Słynny francuski artysta był szczególnie zainteresowany grą światła, był prekursorem impresjonistów.
Jednocześnie jego twórczość nosi piętno realizmu.
Impresjoniści dokonali prawdziwej rewolucji w technice malarskiej. Zwykle pracowali na świeżym powietrzu. Kolory i światło w ich pracy odgrywały znacznie większą rolę niż sam rysunek. Wybitnymi artystami impresjonistycznymi byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na tak wielkich mistrzów pędzla jak Vincent van Gogh, Paul Cezan, Paul Gauguin.
Wrażenie. Wschód słońca, 1882.
Claude Monet (1840-1926) często malował te same obiekty o różnych porach dnia, aby zbadać wpływ oświetlenia na kolor i kształt.
Ia Orana Maria. P. Gauguin (1848-1903). Niezadowolenie artysty z europejskiego stylu życia zmusiło go do opuszczenia Francji i zamieszkania na Tahiti.
Lokalne tradycje artystyczne, różnorodność otaczającego świata miały ogromny wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego.
Malarz hiszpański, który pracował we Francji. Już w wieku dziesięciu lat był artystą, a w wieku szesnastu odbyła się jego pierwsza wystawa. Utorował drogę kubizmowi, rewolucyjnemu nurtowi w sztuce XX wieku. Kubiści porzucili obraz przestrzeni, perspektywę powietrzną. Przedmioty i postacie ludzkie zamieniają się w kombinację różnych (prostych, wklęsłych i zakrzywionych) geometrycznych linii i płaszczyzn. Kubiści mówili, że malują nie tak, jak widzą, ale tak, jak wiedzą.
Podobnie jak poezja, malarstwo tego czasu pełne jest niepokojących i niejasnych przeczuć. Pod tym względem bardzo charakterystyczne jest dzieło utalentowanego francuskiego artysty symbolisty Odilona Redona (1840-1916). Jego rewelacyjny w latach 80-tych. rysunek „Pająk” - złowieszczy znak pierwszej wojny światowej. Pająk jest przedstawiony z przerażającą ludzką twarzą. Jego macki są w ruchu, agresywne. Widz nie pozostawia poczucia nadchodzącej katastrofy.
Muzyka
W muzyce nie było tak znaczących zmian, jak w innych formach sztuki. Ale był także pod wpływem cywilizacji przemysłowej, ruchów narodowowyzwoleńczych i rewolucyjnych, które wstrząsały Europą przez całe stulecie. W 19-stym wieku muzyka wyszła poza pałace szlacheckie i kościoły. Stał się bardziej świecki i bardziej dostępny dla ogółu społeczeństwa. Rozwój wydawniczy przyczynił się do szybkiego druku muzyki i rozpowszechniania utworów muzycznych. W tym samym czasie powstawały nowe instrumenty muzyczne i ulepszano stare. Fortepian stał się integralną i zwyczajną rzeczą w domu europejskiej burżuazji.
Do końca XIX wieku. W muzyce dominował romantyzm. U jej początków stoi gigantyczna postać Beethovena. Ludwig von Beethoven (1770-1827) szanował klasyczne dziedzictwo XVIII wieku. Jeśli dokonywał zmian w ustalonych regułach sztuki muzycznej, robił to ostrożnie, starając się nie urazić swoich poprzedników. Tym różnił się od wielu poetów romantycznych, którzy często wywracali wszystkich i wszystko. Beethoven był tak błyskotliwy, że nawet będąc głuchym, mógł tworzyć nieśmiertelne dzieła. Jego słynna IX Symfonia i Sonata Księżycowa wzbogaciły skarbnicę sztuki muzycznej.
Romantyczni muzycy czerpali inspirację z motywów pieśni ludowych i rytmów tanecznych. Często zwracali się w swojej twórczości do dzieł literackich - Szekspira, Goethego, Schillera. Niektórzy z nich wykazywali upodobanie do tworzenia gigantycznych dzieł orkiestrowych, które nie istniały w XVIII wieku. Ale to dążenie tak dobrze korespondowało z potężnym tempem cywilizacji przemysłowej! Francuski kompozytor Hector Berlioz wywarł szczególne wrażenie na wielkości swoich pomysłów. Napisał więc kompozycję na orkiestrę składającą się z 465 instrumentów muzycznych, w tym 120 wiolonczel, 37 basów, 30 fortepianów i 30 harf.
Posiadał tak wirtuozowską technikę, że krążyły plotki, że to sam diabeł nauczył go grać na skrzypcach. W połowie muzycznego występu skrzypek mógł zerwać trzy struny i nadal grać równie ekspresyjnie na jedynej pozostałej strunie.
W 19-stym wieku wiele krajów europejskich dało światu wielkich kompozytorów i muzyków. W Austrii i Niemczech kulturę narodową i światową wzbogacili Franz Schubert i Richard Wagner, w Polsce Fryderyk Chopin, na Węgrzech Franciszek Liszt, we Włoszech Gioachino Rossini i Giuseppe Verdi, w Czechach Bedrich Smetana, w Norwegii Edvard Grieg, w Rosji - Glinka, Rimski Korsakow, Borodin, Musorgski i Czajkowski.
Od lat 20. 19 wiek W Europie zaczyna się pasja do nowego tańca - walca. Walc powstał w Austrii i Niemczech pod koniec XVIII wieku, wywodzi się od austriackiego pożyczkodawcy - tradycyjnego tańca chłopskiego
Architektura
Rozwój cywilizacji przemysłowej wywarł ogromny wpływ na architekturę europejską. Postęp naukowy i technologiczny przyczynił się do innowacji. W 19-stym wieku znacznie szybciej powstawały duże budynki o znaczeniu państwowym i publicznym. W budownictwie zaczęto wykorzystywać nowe materiały, zwłaszcza żelazo i stal. Wraz z rozwojem produkcji fabrycznej, transportu kolejowego i dużych miast pojawiają się nowe typy konstrukcji – dworce, mosty stalowe, banki, duże sklepy, budynki wystawiennicze, nowe teatry, muzea, biblioteki.
Architektura w XIX wieku wyróżnia się różnorodnością stylów, monumentalnością, praktycznym przeznaczeniem.
Fasada budynku Opery Paryskiej. Zbudowany w latach 1861-1867. Wyraża eklektyczny trend, inspirowany renesansem i barokiem
Przez całe stulecie najpopularniejszym był styl neoklasyczny. Budynek British Museum w Londynie, zbudowany w latach 1823-1847, daje wizualną reprezentację starożytnej (klasycznej) architektury. Aż do lat 60. modny był tak zwany „styl historyczny”, wyrażający się w romantycznej imitacji architektury średniowiecza. Pod koniec XIX wieku. następuje powrót do gotyku w budowie kościołów i budynków użyteczności publicznej (neogotyk, czyli nowy gotyk). Na przykład Houses of Parliament w Londynie. W przeciwieństwie do neogotyku powstaje nowy kierunek secesji (nowa sztuka). Charakteryzował się wijącymi się gładkimi konturami budynków, lokali, detali wnętrz. Na początku XX wieku. Powstał inny kierunek - modernizm. Styl secesyjny charakteryzuje się praktycznością, rygorem i troskliwością, brakiem ozdób. To właśnie ten styl odzwierciedlał istotę cywilizacji przemysłowej i jest najbardziej związany z naszymi czasami.
W swoim nastroju sztuka europejska końca XIX - początku XX wieku. był w przeciwieństwie. Z jednej strony optymizm i przepełniona radość bycia. Z drugiej strony niewiara w twórcze możliwości człowieka. I nie powinno być w tym sprzeczności. Sztuka tylko odzwierciedlała na swój sposób to, co wydarzyło się w realnym świecie. Oczy poetów, pisarzy i artystów były coraz ostrzejsze. Widzieli to, czego inni nie widzieli i nie mogli zobaczyć.
TO CIEKAWE WIEDZIEĆ
„Wolę malować oczy ludzi niż katedry… dusza ludzka, nawet dusza nieszczęsnego żebraka… moim zdaniem jest o wiele ciekawsza” – powiedział Vincent van Gogh. Wielki artysta całe życie żył w nędzy i ubóstwie, często nie miał pieniędzy na płótno i farby, był praktycznie zależny od młodszego brata. Współcześni nie uznawali w nim żadnej zasługi. Kiedy Van Gogh zmarł, za trumną było tylko kilka osób. Tylko dwa lub trzy tuziny ludzi w Europie mogło docenić jego sztukę, którą wielki artysta skierował ku przyszłości. Ale minęły lata. W XX wieku. zasłużona, choć spóźniona sława przyszła do artysty. Obrazy Van Gogha były teraz opłacane kolosalnymi sumami. Na przykład obraz „Słoneczniki” na aukcji został sprzedany za rekordową kwotę 39,9 miliona dolarów. Ale osiągnięcie to zostało zablokowane przez obraz „Irysy”, sprzedany za 53,9 miliona dolarów.
Bibliografia:
V. S. Koshelev, I. V. Orzhehovsky, V. I. Sinitsa / Historia świata czasów nowożytnych XIX - wczesne. XX wiek., 1998.
Klasycyzm XVIII - początku XIX w. (w obcej historii sztuki często określany jako neoklasycyzm), który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się również głównie na łonie kultury francuskiej, pod silnym wpływem idei Oświecenie. W architekturze wyznaczono nowe typy wykwintnej rezydencji, frontowy budynek użyteczności publicznej, otwarty plac miejski (Gabriel Jacques Ange i Souflo Jacques Germain), poszukiwanie nowych, nieuporządkowanych form architektonicznych, pragnienie surowej prostoty w dziele Ledoux Claude Nicolas antycypował architekturę późnego okresu klasycyzmu - Empire. Obywatelski patos i liryzm połączone w plastiku (Pigalle Jean Baptiste i Houdon Jean Antoine), dekoracyjnych pejzażach (Robert Hubert). Odważny dramat obrazów historycznych i portretowych tkwi w twórczości szefa francuskiego klasycyzmu, malarza Jacquesa Louisa Davida. W XIX wieku malarstwo klasycyzmu, mimo działań poszczególnych wielkich mistrzów, takich jak Jean Auguste Dominique Ingres, degeneruje się w oficjalną apologetyczną lub pretensjonalnie erotyczną sztukę salonową. Rzym stał się międzynarodowym centrum europejskiego klasycyzmu w XVIII - początku XIX wieku, gdzie dominowały tradycje akademizmu, z charakterystycznym dla nich połączeniem szlachetności form i zimnej idealizacji (niem. malarz Anton Raphael Mengs, rzeźbiarze: włoski Canova Antonio i Dane Thorvaldsen Bertel ). Architekturę niemieckiego klasycyzmu charakteryzuje surowa monumentalność budowli Karla Friedricha Schinkla, dla kontemplacyjno-elegijnego nastroju malarstwa i plastyki - portrety Augusta i Wilhelma Tischbeinów, rzeźba Johanna Gottfrieda Schadowa. W angielskim klasycyzmie wyróżniają się antyki Roberta Adama, palladiańskie posiadłości parkowe Williama Chambersa, niezwykle surowe rysunki J. Flaxmana i ceramika J. Wedgwooda. Własne odmiany klasycyzmu wykształcone w kulturze artystycznej Włoch, Hiszpanii, Belgii, krajów skandynawskich, USA; wybitne miejsce w historii sztuki światowej zajmuje rosyjski klasycyzm lat 1760-1840.
Pod koniec pierwszej tercji XIX w. wiodąca rola klasycyzmu niemal powszechnie zanikała, zastępowana była przez różne formy architektonicznego eklektyzmu. Tradycja artystyczna klasycyzmu ożywa w neoklasycyzmie przełomu XIX i XX wieku.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - francuski artysta, powszechnie uznany lider europejskiego akademizmu XIX wieku.
W twórczości Ingresa - poszukiwanie czystej harmonii.
Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Tuluzie. Po ukończeniu akademii przeniósł się do Paryża, gdzie w 1797 został uczniem Jacques-Louis Davida. W latach 1806-1820 studiował i pracował w Rzymie, następnie przeniósł się do Florencji, gdzie spędził kolejne cztery lata. W 1824 wrócił do Paryża i otworzył szkołę malarską. W 1835 powrócił ponownie do Rzymu jako dyrektor Akademii Francuskiej. Od 1841 do końca życia mieszkał w Paryżu.
Akademicyzm (fr. academisme) to nurt w malarstwie europejskim XVII-XIX wieku. Malarstwo akademickie powstało podczas rozwoju akademii artystycznych w Europie. Podstawą stylistyczną malarstwa akademickiego na początku XIX w. był klasycyzm, w drugiej połowie XIX w. eklektyzm.
Akademicyzm wyrósł w ślad za zewnętrznymi formami sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnej starożytności i renesansu.
Ingres. Portrety rodziny Riviere. 1804-05
Romantyzm
Romantyzm- zjawisko generowane przez system burżuazyjny. Jako światopogląd i styl twórczości artystycznej odzwierciedla jej sprzeczności: przepaść między właściwym a realnym, ideałem a rzeczywistością. Świadomość nierealizacji humanistycznych ideałów i wartości Oświecenia zrodziła dwa alternatywne stanowiska światopoglądowe. Istotą pierwszego jest pogarda dla podstawowej rzeczywistości i zamknięcie się w skorupie czystych ideałów. Istotą drugiego jest rozpoznanie rzeczywistości empirycznej, odrzucenie wszelkiego rozumowania na temat ideału. Punktem wyjścia romantycznego światopoglądu jest otwarte odrzucenie rzeczywistości, uznanie przepaści nie do pokonania między ideałami a bytem realnym, nieracjonalność świata rzeczy.Charakteryzuje się negatywnym stosunkiem do rzeczywistości, pesymizmem, interpretacją sił historycznych poza realną codziennością, mistyfikacją i mitologizacją. Wszystko to skłoniło do poszukiwania rozwiązania sprzeczności nie w świecie rzeczywistym, ale w świecie fantazji.
Światopogląd romantyczny obejmował wszystkie sfery życia duchowego - naukę, filozofię, sztukę, religię. Występował w dwóch wersjach:
Pierwsza - w niej świat jawił się jako nieskończona, pozbawiona twarzy, kosmiczna podmiotowość. Twórcza energia ducha działa tu jako początek tworzący światową harmonię. Ta wersja romantycznego światopoglądu charakteryzuje się panteistycznym obrazem świata, optymizmem i wzniosłymi uczuciami.
Po drugie, w niej podmiotowość ludzka jest rozpatrywana indywidualnie i osobowo, rozumiana jako wewnętrzny, głęboki świat osoby skonfliktowanej ze światem zewnętrznym. Ta postawa charakteryzuje się pesymizmem, lirycznie smutnym stosunkiem do świata.
Pierwotną zasadą romantyzmu były „dwa światy”: porównanie i przeciwstawienie światów realnych i wyimaginowanych. Symbolizm był sposobem wyrażania tego podwójnego świata.
Romantyczna symbolika reprezentowała organiczne połączenie świata iluzorycznego i realnego, co przejawiało się w pojawieniu się metafory, hiperboli i poetyckich porównań. Romantyzm, mimo ścisłego związku z religią, charakteryzował się humorem, ironią, marzycielstwem. Romantyzm uznał muzykę za wzór i normę dla wszystkich dziedzin sztuki, w których, zdaniem romantyków, brzmiał sam żywioł życia, żywioł wolności i triumf uczuć.
Pojawienie się romantyzmu było spowodowane kilkoma czynnikami. Po pierwsze, społeczno-polityczne: rewolucja francuska 1769-1793, wojny napoleońskie, wojna o niepodległość Ameryki Łacińskiej. Po drugie ekonomiczne: rewolucja przemysłowa, rozwój kapitalizmu. Po trzecie, powstało pod wpływem klasycznej filozofii niemieckiej. Po czwarte, powstała na bazie iw ramach istniejących stylów literackich: oświecenia, sentymentalizmu.
Okres rozkwitu romantyzmu przypada na lata 1795-1830. - okres europejskich rewolucji i ruchów narodowowyzwoleńczych i romantyzmu szczególnie jasno objawił się w kulturze Niemiec, Anglii, Rosji, Włoch, Francji, Hiszpanii.
Na polu humanitarnym duży wpływ miał nurt romantyczny, w naukach przyrodniczych, technicznych i praktycznych pozytywistyczny.
Jean Louis Andre Theodore Géricault (1791-1824).
Uczeń przez krótki czas C. Verneta (1808-1810), a następnie P. Guerina (1810-1811), który był zdenerwowany jego metodami przekazywania natury niezgodnymi z zasadami szkoły Jacquesa-Louisa Davida i uzależnienie od Rubensa, ale później uznał racjonalność aspiracji Gericaulta.
Służąc w królewskich muszkieterach Gericault pisał głównie sceny batalistyczne, ale po podróży do Włoch w latach 1817-19. wykonał duży i skomplikowany obraz „Tratwa Meduzy” (znajdujący się w paryskim Luwrze), który stał się całkowitym zaprzeczeniem nurtu Dawidowego i wymownym kazaniem realizmu. Nowość fabuły, głęboki dramat kompozycji i prawda życia tego mistrzowsko napisanego dzieła nie zostały od razu docenione, ale wkrótce zostały docenione nawet przez zwolenników stylu akademickiego i przyniosły artyście sławę utalentowanego i odważnego innowatora .
Tragiczne napięcie i dramat W 1818 roku Gericault pracował nad obrazem Tratwa Meduzy, który zapoczątkował francuski romantyzm. Delacroix, który pozował swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył gotowy obraz, „z zachwytem rzucił się do ucieczki jak szalony i nie mógł przestać, dopóki nie znalazł się w domu”.
Fabuła obrazu oparta jest na prawdziwym incydencie, który miał miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Następnie na płyciznach Argen, 40 mil od wybrzeża Afryki, rozbił się fregata Medusa. 140 pasażerów i członków załogi próbowało uciec, wchodząc na tratwę. Ocalało tylko 15 z nich i w dwunastym dniu wędrówki zostali odebrani przez bryg Argus. Szczegóły rejsu rozbitków wstrząsnęły współczesną opinią publiczną, a sam wrak stał się skandalem we francuskim rządzie z powodu niekompetencji kapitana statku i niewystarczającej próby ratowania ofiar.
rozwiązanie figuratywne
Gigantyczne płótno zachwyca siłą wyrazu. Gericaultowi udało się stworzyć żywy obraz, łączący w jednym obrazie umarłych i żywych, nadzieję i rozpacz. Obraz poprzedziły ogromne prace przygotowawcze. Gericault wykonał liczne szkice umierających w szpitalach i zwłok rozstrzelanych. Tratwa Meduzy była ostatnim ukończonym dziełem Géricaulta.
W 1818 roku, kiedy Gericault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm, Eugene Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył gotowy obraz, „z zachwytem rzucił się do ucieczki jak szalony i nie mógł przestać, dopóki nie znalazł się w domu”.
Reakcja społeczna
Kiedy Géricault wystawił na Salonie Tratwę Meduzy w 1819 roku, obraz ten wzbudził publiczne oburzenie, ponieważ artysta, wbrew ówczesnym normom akademickim, nie wykorzystał tak dużego formatu do przedstawienia heroicznej, moralizatorskiej czy klasycznej fabuły.
Obraz został zakupiony w 1824 roku i obecnie znajduje się w pokoju 77 na 1. piętrze galerii Denon w Luwrze.
Eugene Delacroix(1798 - 1863) - francuski malarz i grafik, przywódca romantycznego nurtu w malarstwie europejskim.
Ale Luwr i komunikacja z młodym malarzem Theodorem Gericaultem stały się prawdziwymi uniwersytetami dla Delacroix. W Luwrze fascynowały go dzieła dawnych mistrzów. W tym czasie można było tam zobaczyć wiele płócien zdobytych w czasie wojen napoleońskich i jeszcze nie zwróconych ich właścicielom. Przede wszystkim początkującego artystę przyciągnęli świetni koloryści - Rubens, Veronese i Tycjan. Ale największy wpływ na Delacroix wywarł Theodore Géricault.
W lipcu 1830 r. Paryż zbuntował się przeciwko monarchii Burbonów. Delacroix sympatyzował z buntownikami, co znalazło odzwierciedlenie w jego „Wolności prowadzącej lud” (znamy ją również jako „Wolność na barykadach”). Wystawione na Salonie w 1831 roku płótno wywołało burzę społecznej aprobaty. Nowy rząd kupił obraz, ale jednocześnie natychmiast nakazał go usunąć, jego patos wydawał się zbyt niebezpieczny.
Trendy w malarstwie XIX wieku są ściśle powiązane z trendami wieku poprzedniego. Na początku wieku wiodącym kierunkiem w wielu krajach był. Pochodzący z XVIII wieku styl ten nadal się rozwijał, ponadto w różnych krajach jego rozwój miał indywidualne cechy.
Klasycyzm
Artyści, którzy pracowali w tym kierunku, ponownie zwracają się ku obrazom starożytności. Jednak poprzez klasyczne tematy starają się wyrazić rewolucyjne uczucia - pragnienie wolności, patriotyzmu, harmonii między człowiekiem a społeczeństwem. Wybitnym przedstawicielem rewolucyjnego klasycyzmu był artysta Louis David. To prawda, że z czasem klasycyzm urósł w kierunku konserwatywnym, wspieranym przez państwo, czyli pozbawionym twarzy, zatartym przez cenzurę.
Szczególnie jasny rozkwit malarstwa w XIX wieku zaobserwowano w Rosji. W tym czasie powstało tu wiele nowych stylów i trendów. Analogiem klasycyzmu w Rosji był akademizm. Styl ten miał cechy klasycznego stylu europejskiego - odwołanie się do obrazów starożytności, wzniosłe tematy, idealizacja obrazów.
Romantyzm
Na początku lat 30. XIX w. w opozycji do klasycyzmu pojawił się romantyzm. W ówczesnym społeczeństwie było wiele punktów zwrotnych. Artyści starali się oderwać od brzydkiej rzeczywistości, tworząc swój własny idealny świat. Niemniej jednak romantyzm jest uważany za postępowy nurt swoich czasów, ponieważ pragnieniem artystów romantycznych było przekazanie idei humanizmu i duchowości.To pojemny trend, który znalazł odzwierciedlenie w sztuce wielu krajów. Jej znaczeniem jest egzaltacja walki rewolucyjnej, tworzenie nowych kanonów piękna, malowanie obrazów nie tylko pędzlem, ale i sercem. Na pierwszym planie jest emocjonalność. Romantyzm charakteryzuje się wprowadzeniem alegorycznych obrazów do bardzo realnej fabuły, umiejętną grą światłocienia. Przedstawicielami tego nurtu byli Francisco Goya, Eugene Delacroix, Rousseau. W Rosji twórczość Karla Bryulłowa zalicza się do romantyzmu.
Realizm
Zadaniem tego kierunku był obraz życia takiego, jakie jest. Artyści realistyczni zwrócili się ku wizerunkom zwykłych ludzi, główne cechy ich prac to krytyczność i maksymalna prawdziwość. Szczegółowo przedstawiali strzępy i dziury w ubraniach zwykłych ludzi, twarze zwykłych ludzi zniekształcone cierpieniem i grube ciała burżuazji.Ciekawym zjawiskiem XIX wieku była Szkoła Artystów Barbizon. Termin ten zjednoczył kilku francuskich mistrzów, którzy wypracowali własny, odmienny styl. Jeśli w kierunkach klasycyzmu i romantyzmu natura była na różne sposoby idealizowana, to Barbizonowie starali się przedstawiać pejzaże z natury. Na ich obrazach - wizerunki rodzimej przyrody i na tym tle zwykłych ludzi. Najbardziej znani artyści Barbizon to Theodore Rousseau, Jules Despres, Vergil la Peña, Jean-Francois Millet, Charles Daubigny.
Jean Francois Millet
Twórczość ludu Barbizon wpłynęła na dalszy rozwój malarstwa w XIX wieku. Po pierwsze, artyści tego nurtu mają naśladowców w wielu krajach, w tym w Rosji. Po drugie, Barbizonians dali impuls do pojawienia się impresjonizmu. Jako pierwsi malowali w plenerze. W przyszłości tradycję przedstawiania prawdziwych krajobrazów podchwycili impresjoniści.
Stał się ostatnim etapem malarstwa XIX wieku i przypadał na ostatnią trzecią część stulecia. Artyści impresjonistyczni podeszli do przedstawiania rzeczywistości jeszcze bardziej rewolucyjnie. Starali się przekazać nie samą naturę, a nie obrazy w szczegółach, ale wrażenie, jakie wywołuje to lub inne zjawisko.
Impresjonizm był przełomem w historii malarstwa. Ten okres dał światu wiele nowych technik i unikalnych dzieł sztuki.
