Светлана Обухова
За живота на критеца Доменико Теотокопули, художникът, завладял испанското Толедо под името Ел Греко, тоест гръцкият, почти не са останали доказателства. „Глупостта“ на неговия характер и странният изобразителен маниер удивиха мнозина и ги принудиха да вземат химикалката – но само няколко писма са оцелели. Един от тях съдържа следните редове: „... времето беше прекрасно, пролетното слънце нежно грееше. Това доставяше радост на всичко и градът изглеждаше празнично. Представете си изненадата ми, когато влязох в работилницата на Ел Греко и видях, че капаците на прозорците са затворени и затова беше трудно да се види какво има наоколо. Самият Ел Греко седеше на табуретка, без да прави нищо, но беше буден. Той не искаше да излиза с мен, защото според него слънчевата светлина пречеше на вътрешната му светлина...“
Почти няма доказателства за човека Доменико, само отзвуци: че той е живял в голям стил, поддържал е най-богатата библиотека, чел е много философи и също е съдил клиенти (той беше обичан, но по-често не разбиран), умря почти в бедност, - като тънки лъчи дневна светлина пробива пукнатините в „затворените капаци” на живота му. Но те не отвличат вниманието от основното - от вътрешната светлина, която изпълва картините на художника Ел Греко. Особено портрети.
Те нямат пейзажи, които се отварят зад изобразявания, няма изобилие от детайли, които привличат любопитното око. Дори името на героя често остава извън картината. Защото всичко това би попречило да се види лицето. И очи, дълбоки, тъмни, гледащи право към теб. Трудно е да се откъснеш от тях и ако се насилиш, тогава да видиш жеста - и отново да спреш в мисли.
Такъв е „Портретът на джентълмен с ръка на гърдите“ (1577-1579), написан от майстора малко след като се премести в Толедо. Този портрет е признат за един от най-добрите в испанската живопис от 16-ти век. Чужденецът Ел Греко създава „ярки образи на испанския живот и история“, които изобразяват „истински живи същества, съчетаващи всичко, което се възхищава в нашия народ, всичко героично и неукротимо, с онези противоположни свойства, които не могат да не бъдат отразени, без да унищожават самата му същност” (А. Сеговия). Аристократите от древните семейства на Толедо станаха истинските герои на Ел Греко, той видя тяхната вътрешна светлина - тяхното благородство и достойнство, вярност към дълга, интелигентност, изтънченост на маниерите, смелост, външна сдържаност и вътрешен импулс, сила на сърцето, който знае за какво живее и за какво умира...
Ден след ден посетителите на галерията Прадо спират пред непознатия идалго, изненадани, с думите: „Колко жив...“ Кой е този рицар? Защо отваря сърцето си с такава искреност? Защо очите му са толкова привлекателни? А този клетвен жест? А дръжката на меча?.. Може би тези въпроси са породили легендата, че изобразеният на портрета е друг велик испанец: Мигел де Сервантес. Воин и писател, който разказа на света историята на рицар с тъжен образ, на когото е даден същия божествен дар като Ел Греко - да вижда хората такива, каквито трябва да бъдат, да вижда тяхната вътрешна светлина...
И други картини от музея Прадо в Ермитажа...
Ел Греко "Христос прегръща кръста" 1600 - 1605
Изобразен на фона на типично за Ел Греко бурно небе, Христос прегръща кръста с изящните си ръце, гледайки нагоре със спокойна обреченост. Картината има голям успех и много нейни версии са създадени в работилницата на Ел Греко.
Ел Греко „Светото семейство със св. Анна и малкия Йоан Кръстител“ c. 1600 - 1605 г
Късният период на творчеството на Ел Греко се характеризира с използването на пронизващи цветове и проблясъци; пространството е изцяло изпълнено с фигури, които закриват хоризонта. Формите, нарисувани с вибриращ щрих, губят своята материалност. Малкият Йоан Кръстител призовава зрителя към тишина, за да не наруши спокойствието на младенеца Христос...
Веласкес - Портрет на Филип IV Портрет на крал Филип IV. 1653-1657
Основите на психологическия портрет в европейското изкуство са положени от испанския художник Диего Родригес де Силва Веласкес. Той е роден в бедно благородно семейство в Севиля, учи при Ерера Стария и Пачеко. През 1622 г. той за първи път идва в Мадрид. В практически смисъл това пътуване не беше много успешно - Веласкес не намери достойно място за себе си. Надявал се да се срещне с младия крал Филип IV, но срещата не се състояла. Въпреки това слуховете за младия художник достигат до двора и още през следващата 1623 г. първият министър, херцогът де Оливарес (също родом от Севиля), покани Веласкес в Мадрид, за да нарисува портрет на краля. Тази работа, която не е стигнала до нас, направи толкова приятно впечатление на монарха, че той веднага предложи на Веласкес позицията на придворен художник. Скоро между краля и Веласкес се развиха доста приятелски отношения, което не беше много типично за ордена, царуващ в испанския двор. Кралят, който управляваше най-голямата империя в света, се смяташе не за човек, а за божество, а художникът не можеше да разчита дори на благороднически привилегии, тъй като изкарваше прехраната си с работа. Междувременно Филип нареди отсега нататък само Веласкес да рисува портретите му. Великият монарх беше изненадващо щедър и подкрепяше Веласкес. Ателието на художника се намираше в кралските апартаменти, а там беше монтиран стол за Негово Величество. Кралят, който имал ключа от работилницата, идвал тук почти всеки ден, за да наблюдава работата на художника. Докато бил на кралска служба от 1623 до 1660 г., Веласкес рисувал около дузина портрета на своя господар. От тях до нас са достигнали малко повече от 10 картини. Така средно Веласкес изобразяваше своя господар около веднъж на три години. Рисуването на портрети на краля беше дело на Веласкес и той се справи перфектно с тази работа. Благодарение на това имаме уникален по рода си комплекс от творби: портретите на Веласкес проследяват житейския път на крал Филип толкова ясно, колкото по-късно става обичай едва в ерата на фотографията. Еволюцията е ясно видима в платната на художника. Първо, самият крал се променя, 18-годишен на първия портрет и 50-годишен на последния, лицето му носи отпечатъка на възрастови и духовни промени. Второ, възприятието на художника за неговия модел се задълбочава, превръщайки се от повърхностно в проницателно. С течение на времето начинът на представяне на модела и художествените техники се променят. Маниерът на Веласкес се трансформира под влияние на собственото му творческо израстване, както и под влиянието на съвременните вътрешни и чужди традиции. В този портрет на бюст Филип IV е показан на тъмен фон, облечен в черна роба с бяла яка, която подчертава лицето на монарха. Веласкес избягва показния лукс в портрета на краля и показва „човешкото лице“ на монарха без никакво ласкателство или придворно лукавство. Ние ясно усещаме, че човекът, който ни гледа от платното, е нещастен, последните години от царуването не бяха лесни за краля. Това е човек, който е познал разочарованието, но в същото време – човек, чиято плът е пълна с вродено величие, което нищо не може да разклати. Друг велик художник, испанец до мозъка на костите си - Пабло Руис Пикасо казва това за образа на испанския крал: „не можем да си представим друг Филип IV, освен този, създаден от Веласкес ...“
"Портрет на крал Филип IV" (ок. 1653 - 1657)
Един от последните портрети на монарха. Интересно е да се отбележи, че тук няма нито един елемент, който да говори за кралския статус на изобразяваната личност. Веласкес служи на Филип IV почти четиридесет години - от 1623 г. до смъртта си той рисува портрети на краля и семейството му, големи сюжетни платна за Кралската колекция.
Диего Веласкес „Портрет на шута Дон Диего де Аседо“ (El Primo) c. 1644 г
Диего Веласкес "Портрет на кралица Мариана Австрийска" 1652-1653
Тициан (Тициано Вечелио) "Венера с Купидон и органист" 1555 г.
Музикантът свири, седнал в краката на Венера и се любувайки на голото тяло на богинята, абстрактна игра с Купидон. Някои видяха в тази картина чисто еротично произведение, докато други я възприеха символично - като алегория на чувства, където зрението и слуха действат като инструменти за разбиране на красотата и хармонията. Тициан написа пет версии на тази тема.
Паоло Веронезе (Паоло Каляри) - Покаяна Мария Магдалена 1583 г.
След покръстването си Мария Магдалена посвети живота си на покаяние и молитва, като се оттегли от света. На това платно тя е изобразена гледаща към небето и окъпана в божествена светлина. Картината е написана в плътни тъмни цветове, характерни за стила на Веронезе в късния период на творчеството му. Преди да попадне в испанските кралски колекции, произведението е принадлежало на английския крал Чарлз I (екзекутиран през 1649 г.)
Антъни ван Дайк "Портрет на мъж с лютня" 1622-1632
Антъни Ван Дайк дължи славата си на портретния жанр, който заема доста ниска позиция в йерархията на европейската живопис. Въпреки това във Фландрия по това време вече се е развила традиция на портретното изкуство. Ван Дайк рисува стотици портрети, няколко автопортрета и става един от създателите на церемониалния портретен стил на 17-ти век. В портретите на своите съвременници той показва техния интелектуален, емоционален свят, духовен живот, живия характер на човек.
Традиционният модел за този портрет е Джейкъб Готие, лютенист в английския двор от 1617 до 1647 г., но наличието на меч и в по-голяма степен стилистичните характеристики на творбата показват, че тя трябва да бъде датирана много по-рано от Пътуването на Ван Дайк до Лондон, което поставя под съмнение тази теория. Наличието на музикален инструмент не означава непременно, че моделът е бил музикант. Като символ музикалните инструменти често се изобразяват в портрети, като показател за интелектуалната финес и чувствителност на изобразеното.
Хуан Баутиста Майно "Поклонението на пастирите" 1612-1614
Един от шедьоврите на Майно. Колекцията на Държавния Ермитаж съдържа друга версия на тази история, написана от Майно. Художникът е роден в Пастрана (Гвадалахара) и е живял в Рим от 1604 до 1610 г. В тази творба, написана при завръщането му в Испания, се усеща влиянието на Караваджо и Орацио Джентилески. През 1613 г. Майно става член на Доминиканския орден и картината влиза в олтарния цикъл на манастира Свети мъченик Петър в Толедо.
Жорж дьо Латур „Слепият музикант с лирата“ ок. 1625-1630 г
Латур изобразява стар сляп музикант, който свири на харди-гурди.Той повтаря тази история много пъти. Художникът, който е работил под влиянието на стила на Караваджо, с ентусиазъм възпроизвежда детайлите – шарката, която краси музикалния инструмент, бръчките по лицето на слепеца, косата му.
Питър Пол Рубенс, Якоб Йорданс "Персей освобождава Андромеда" ок. 1639-1640
Франсиско де Гоя "Портрет на Фердинанд VII" 1814-1815
След поражението на Наполеон през 1814 г. Фердинанд VII се завръща на испанския трон. На портрета той е изобразен в кралска мантия, облицована с хермелин, със скиптър и ордените на Карлос III и Златното руно.
Фердинанд VII, който управлява страната до 1833 г., основава музея Прадо през 1819 г.
Франсиско де Гоя "Мария фон Санта Круз" 1805 г
Мария фон Санта Крус, съпругата на първия директор на Прадо, беше една от най-почитаните жени в Испания на своето време.
В портрет от 1805 г. Гоя изобразява маркизата като муза на лирическата поезия Евтерпа, отпусната на балдахин и с лира в лявата си ръка. Изборът на точно такъв образ се дължи на страстта на маркизата към поезията.
Франсиско Гоя - "Есен (гроздобер)" 1786 - 1787
Франсиско Гоя - Гроздъберът. фрагмент
През 1775 - 1792 г. Гоя създава седем серии от картонени гоблени за дворците Ескориал и Прадо в покрайнините на Мадрид. Тази картина по-специално принадлежи към поредицата от сезони и е предназначена за трапезарията на принца на Астурия в Прадо. Гоя изобразява класическия сюжет като ежедневна сцена, която отразява естеството на взаимоотношенията между различните класи - картината показва собствениците на лозето със сина им и прислужницата.
Франсиско Гоя "Портрет на генерал Хосе де Урутия" (около 1798 г.)
Хосе де Урутия (1739 - 1809) - един от най-видните испански военни лидери и единственият офицер от неаристократичен произход през 18 век, достигнал чин генерал-капитан - е изобразен с ордена на Свети Георги, с която е награден от руската императрица Екатерина Велика за участие в превземането на Очаков по време на Кримската кампания от 1789 г.
Петер Пол Рубенс "Портрет на Мария Медичи". ДОБРЕ. 1622-1625.
Мария Медичи (1573 - 1642) е дъщеря на великия херцог на Тоскана Франческо I. През 1600 г. става съпруга на френския крал Хенри IV. От 1610 г. тя е регент на малкия си син, бъдещия крал Луи XIII. Рубенс тя поръча серия от творби, прославящи себе си и покойния й съпруг. Портретът показва кралицата с шапка на вдовица и на незавършен фон.
Доменико Тинторето „Жена оголи гърди“ ок. 1580-1590 г
Висенте Лопес Портаня „Портрет на Феликс Максимо Лопес, първият органист на Кралската капела“ 1820 г.
Испански неокласически художник, като същевременно запазва следи от стил рококо. Лопес е смятан за един от най-добрите портретисти на своето време, на второ място след Франсиско де Гоя. Започва да учи рисуване във Валенсия на 13-годишна възраст, а четири години по-късно печели няколко първи награди в Академията на Сан Карлос, което му носи стипендия за обучение в престижната Столична Кралска академия за изящни изкуства Сан Фернандо. След като завършва обучението си, Лопес работи няколко години в работилницата на Мариано Салвадор Маела, негов учител. До 1814 г., след френската окупация, Лопес вече е доста известен художник, така че испанският крал Фердинанд VII го извиква в Мадрид и го назначава за официален придворен художник, въпреки факта, че самият Франсиско Гоя е „първият кралски художник“ по това време. Висенте Лопес беше плодовит художник, рисуваше върху религиозни, алегорични, исторически и митологични теми, но преди всичко беше, разбира се, портретист. През дългата си кариера той рисува портрети на почти всички известни личности в Испания през първата половина на 19 век.
Този портрет на първия органист от кралския параклис и известния музикант и композитор е нарисуван малко преди смъртта на художника и е завършен от неговия първороден син Амброзио Лопес.
Антон Рафаел Менгс "Портрет на Мария Луиза Пармска, принцеса на Астурия" 1766 г.
Хуан Санчес Котан "Натюрморт с дивеч, зеленчуци и плодове" 1602 г
Дон Диего де Аседо е в съда от 1635 г. В допълнение към „службата на шута“ той изпълняваше ролята на кралски пратеник и отговаряше за печата на краля. Очевидно книгите, хартиите и материалите за писане, изобразени на снимката, говорят за тези дейности. Смята се, че портретът е нарисуван във Фрага, провинция Уеска, по време на пътуването на Филип IV до Арагон, в което той е бил придружен от Диего де Аседо. На заден план се издига връх Малисеос от планинската верига Гуадарама.
Йероним Бош „Премахване на камъка на глупостта“ c. 1490 г
В сатирична сцена с фигури на фона на пейзаж е изобразена операция за извличане на „камъка на глупостта”. Надписът на готически шрифт гласи: - "Учителю, бързо махнете камъка. Казвам се Любберт Дас." Любберт е общо съществително, което означава невежество и невинност. Хирург в шапка под формата на обърната фуния, символизираща невежеството, „извлича“ камък (водна лилия) от главата на лековерен пациент и иска щедро плащане от него. По това време простосърдечните вярвали, че за глупостта им е виновен камък в главата. Това използваха шарлатаните.
Рафаело (Рафаело Санти) "Свето семейство с агне" 1507 г.
Мария помага на малкия Христос да седне на агне – християнски символ на идващите Христови Страсти, а Св. Джоузеф ги наблюдава. Картината е нарисувана във Флоренция, където художникът изучава творчеството на Леонардо да Винчи, повлиян от композициите му със Светото семейство. В музея Прадо това е единствената творба на Рафаел, написана в ранния период.
Албрехт Дюрер "Портрет на непознат мъж" ок. 1521 г
Портретът принадлежи към късния период от творчеството на Дюрер. Написано по начин, подобен на стила на холандските художници. Широкопола шапка привлича вниманието към лицето на изобразяваното лице, светлината, падаща отляво, фокусира вниманието на зрителя върху него. Вторият фокус на внимание в портрета са ръцете и най-вече лявата, в която непознатият държи свитък - очевидно обясняващ социалния му статус.
Рогие ван дер Вейден „Оплакване“ c. 1450 г
За модел послужи олтарният триптих за манастира Мирафлорес (съхраняван в художествената галерия в Берлин), създаден от Ван дер Вейден по-рано от 1444 г. и повторен с някои разлики. В тази версия, с горната част, добавена в неизвестен период, Мария, Христос, Св. Джон и дарителят (клиентът на картината) - член на семейство Броърс - са изобразени в едно и също пространство. Художникът експресивно предава скръбта на Божията майка, притискайки тялото на мъртвия си син към гърдите си. На трагичната група вляво се противопоставя фигурата на дарителя, разделена с камък. Той е в състояние на молитвена концентрация. По това време клиентите често искаха да се изобразят в картините. Но техните образи винаги са били второстепенни – някъде на заден план, в тълпата и т.н. Тук дарителят е изобразен на преден план, но отделен от основната група с камък и с помощта на цвят.
Алонсо Кано „Мъртвият Христос, подкрепен от ангел“ c. 1646 - 1652 г
На фона на здрач пейзаж ангел поддържа безжизненото тяло на Христос. Необичайната иконография на това платно се обяснява с факта, че то се свързва не с евангелските текстове, а с т. нар. Христос на Св. Григорий. Според легендата папа Григорий Велики е имал видение на мъртвия Христос, поддържан от двама ангели. Кано тълкува тази история по различен начин – само един ангел поддържа неподвижното тяло на Христос.
Бартоломе Естебан Мурило „Дева Мария на Розария“ ок. 1650 -1655 г
Творчеството на Бартоломе Естебан Мурило завършва златния век на испанската живопис. Творбите на Мурило са безупречно точни като композиция, богати и хармонични на цвят и красиви в най-високия смисъл на думата. Неговите чувства винаги са искрени и деликатни, но в платната на Мурило вече няма онази духовна сила и дълбочина, които са толкова шокиращи в творчеството на по-възрастните му съвременници. Животът на художника е свързан с родната му Севиля, въпреки че трябваше да посети Мадрид и други градове. След като учи при местния художник Хуан дел Кастило (1584-1640), Мурило работи много по поръчки от манастири и храмове. През 1660 г. става президент на Академията за изящни изкуства в Севиля.
Със своите платна на религиозни теми Мурило се стреми да донесе утеха и успокоение. Неслучайно той много често рисува образа на Божията майка. От картина на картина образът на Мери преминаваше под формата на прекрасно младо момиче с правилни черти и спокоен поглед. Невинният й вид трябваше да предизвика у зрителя усещане за сладка нежност. В тази картина Бартоломе Мурило изобразява Мадона и Исус с броеница, традиционна католическа броеница, на молитвата за която е отдавано голямо значение по времето на художника. В това произведение все още се забелязват чертите на натурализма, преобладаващи в произведенията на представителите на севилската школа през първата половина на 17-ти век, но стилът на рисуване на Мурило вече е по-свободен, отколкото в ранното му творчество. Този свободен маниер е особено изразен при изобразяването на булото на Дева Мария. Художникът използва ярка светлина, за да подчертае фигури на тъмен фон и да създаде контраст между деликатните тонове на лицето на Богородица и тялото на бебето Христос и дълбоки сенки в гънките на тъканите.
В Андалусия от 17-ти век образът на Божията майка с детето беше особено търсен. Мурило, чийто творчески живот е прекарал в Севиля, рисува много от тези картини, пропити с нежност. В този случай е изобразена Божията майка с броеница. И тук, както и в ранните години на своето творчество, художникът остава верен на пристрастията си към контрастите на светлината и сянката.
Бартоломе Естебан Мурило "Добрият пастир" 1655-1660
Картината е пропита с дълбок лиризъм и доброта. Заглавието е взето от Евангелието от Йоан: „Аз съм добрият пастир“. Това предполага, че картината изобразява Христос, макар и в много ранна възраст. На снимката на Мурило всичко е красиво и просто. Художникът обичаше да рисува деца и вложи цялата тази любов в красотата на образа на това момче-Бог. През 1660-те и 1670-те години, по време на разцвета на своите изобразителни умения, Мурило се стреми да поетизира своите герои и често е обвиняван в някои сантиментални образи и тяхната преднамерена красота. Тези обвинения обаче не са съвсем справедливи. Детето, изобразено на снимката, днес може да се види както в Севиля, така и в околните села. И именно в това се проявява демократичната насоченост на творчеството на художника - в изравняването на красотата на Мадоната с красотата на обикновените испанки и красотата на нейния син, малкия Христос, с красотата на уличните момчета.
Алонсо Санчес Коелю "Портрет на инфанта Изабела Клара Евгения и Каталина Михаела" 1575 г.
Портретът на принцесата, на осем и девет години, държи венец от цветя. Санчес Коелю рисува портрети на инфанти - любимите дъщери на крал Филип II и третата му съпруга Изабела от Валоа - от най-ранна възраст. Всички портрети са направени в съответствие с каноните на придворния портрет - момичета в великолепни дрехи и с безстрастни изражения на лицето.
Антон Рафаел Менгс. Портрет на крал Карлос III. 1767 г
Чарлз III е наречен може би единственият наистина просветен монарх в историята на Испания. Именно той основава музея Прадо през 1785 г., първо като музей по естествена история. Чарлз III мечтаеше музеят Прадо, заедно със съседните ботанически градини, да се превърне в център на научното образование.
След като се възкачи на трона, той започна да извършва сериозни политически и икономически реформи, от които страната толкова се нуждаеше по това време. Усилията му обаче са напразни – синът му Чарлз IV не споделя прогресивните възгледи на баща си и след смъртта на Чарлз III реформите са приключили.
Този портрет е абсолютно типичен за времето си. С всеки детайл художникът привлича вниманието към позицията, заета от модела: мантия, украсена с хермелин, малтийски кръст, инкрустирана със скъпоценни камъни, лъскава броня са незаменими атрибути на кралското величие. Буйни драперии и пиластър (елемент от класическата архитектура) са традиционен фон за такива портрети.
Но вече в този портрет е изненадващо как е представено лицето на модела. Менгс не прави опити да свие царствения си нос като лук или да изглади бръчките по набръчканите си бузи. Благодарение на максималната индивидуалност, тази картина създава усещане за живот, което предшествениците на Менгс не са могли да постигнат. Портретът ви кара да изпитвате симпатия към Карлос III, който е готов да "покаже" несъвършения си външен вид.
Антоан Вато "Фестивал в парка" гр. 1713 - 1716
Тази очарователна сцена е типичен пример за "галантните тържества" на Вато. Лека мъгла, която размива очертанията, статуя на Нептун, почти скрита в зеленината над фонтана и избледнял златист цвят - всичко това предава атмосфера на рязко, но мимолетно удоволствие.
Картината принадлежи на Изабела Фарнезе, втората съпруга на крал Филип V.
Антонио Карнисеро „Вдигане на балон с горещ въздух в Аранхуес“ c. 1784 г
Картината е поръчана от херцога и херцогинята на Осуан, тя отразява духа на Просвещението, което предизвиква интерес към постиженията на научния прогрес. Изобразено е реално събитие: през 1784 г. в Кралските градини на Аранхуес, в присъствието на монарха, членове на неговото семейство и придворни, е извършен полет на балона Монголфие. Антонио Карнисеро беше известен със своите очарователни жанрови сцени и това платно е една от най-амбициозните му творби.
Хосе де Мадрасо и Агудо "Небесна любов и земна любов" 1813 г
Франсиско де Сурбаран "Agnus Dei. Агнец Божий" 1635-1640
Агне лежи на сива маса, изпъкващо рязко на тъмен фон в рязко фокусирана ярка светлина. Всеки човек през 17-ти век веднага би разпознал в него „Божието агънце” и би разбрал, че това е намек за Христовата саможертва. Вълната на агнето е забележително изписана и изглежда толкова мека, че е трудно да откъснете поглед от животното и да искате да го докоснете.
Хуан Пантоха де ла Крус "Портрет на кралица Изабела от Валоа" c. 1604 - 1608 г
Пантоха де ла Крус рисува този портрет, повтаряйки работата на Софонисба Ангуишола - оригиналът е изгорял в двореца през 1604 г. Художникът добави само пелерина от мармот към тоалета на кралицата.
Софонисба Ангуиксола е художник от Кремона, работил в испанския двор. Това беше първият портрет на млада кралица от поредица, направена от художника. Картината е написана по начин, близък до испански, но в по-топли и светли цветове.
Жан Ран "Портрет на Карлос III като дете" 1723г
Луис Мелендес "Натюрморт с кутия бонбони, геврече и други предмети" 1770 г.
Най-великият майстор на испанския натюрморт от 18-ти век, Луис Мелендес е роден в Италия, в семейството на миниатюрист от Астурия. През 1717 г. семейството се премества в Мадрид, където младежът влиза в подготвителния отдел на Академията на Сан Фернандо и сред най-надарените от нейните ученици заема първо място. Въпреки това през 1747 г. той е принуден да напусне Академията по следите на баща си, който е изключен от нея в резултат на конфликта. През този период Мелендес отново посещава Италия. Първоначално помагайки на баща си, той става миниатюрист и, завръщайки се от Италия, е поканен от Фердинанд VI да илюстрира книги в Кралската капела на Мадрид. В жанра на натюрморта, към който художникът се обръща в началото на 1760-те, се появява нов аспект на творчеството му.
Този натюрморт е написан в зрелия период на творчеството на художника. По това време в композициите му се появяват луксозни предмети, сребърни прибори. Но въпреки това художникът все още се придържа към своите идеали и работи в съответствие с жанровата традиция. Материалната осезаемост на всеки един от нарисуваните върху платно предмети ни кара да си припомним най-добрите образци на натюрморт в световното изкуство. Осезаемото прозрачно стъкло на стъклото се отразява в матовата, блестяща повърхност на сребърната ваза. Меко, геврече върху бяла салфетка, сякаш ухае на прясно изпечен хляб. Гърлото на запечатана бутилка блести тъпо. Сребърна вилица стърчи леко отвъд ръба на осветената маса. В композицията на този натюрморт липсва аскетично подреждане на предмети в един ред, характерно например за натюрмортите на Зурбаран. Може би има нещо общо с холандските образци. Но тонът е по-тъмен, обектите са по-малки и композицията е по-проста.
Хуан де Арелано "Кошница с цветя" 1670 г
Испански бароков художник, специализиран в флорални аранжировки, той е роден в Санторказе през 1614 г. Първоначално учи в ателието на сега неизвестен художник, но на 16-годишна възраст се мести в Мадрид, където учи при Хуан де Солис, художник, който изпълнява поръчки за кралица Изабела. Хуан де Арелано живее дълго за сметка на малки поръчки, включително стенописи, докато не решава да се съсредоточи изключително върху рисуването на цветя и става ненадминат майстор в тази област. Смята се, че майсторът е започнал с копиране на произведения на други, особено италиански, художници, фламандските натюрморти добавят елегантност и строгост към стила му. По-късно към тази комбинация той добавя свои собствени композиционни находки и характерна цветова палитра.
Доста простата композиция на този натюрморт е характерна за Арелано. Чистите, интензивни растителни цветове се открояват ярко на неутрален кафеникав фон поради интензивното осветление.
Може би един от най-ранните портрети на Ел Греко, създадени в Испания, е така нареченият „Портрет на джентълмен с ръка на гърдите“ (ок. 1577-1579). Това се доказва преди всичко от по-традиционния, тъмен, живописен маниер, изграден върху нюанси на кафеникави тонове с плътен гладък щрих. Характерна е психологическата неутралност на интерпретацията, която в бъдеще ще отстъпи място на много по-активна характеристика.
Този известен портрет на Ел Греко е сякаш образ на благородник от неговото време, издигнат в рамките на канона. Елегантен, много спокоен, с жест на клетва или убеждение, слагайки дясната си ръка на гърдите си, неизвестният кабалеро олицетворява характеристиката на испанската аристокрация sociego, тоест израз във външния вид на спокойствие, сдържаност, достойнство.
Дръжката на меча Толедо е красноречив детайл от неговия строг външен вид, черен костюм, украсен с висока яка и маншети от снежнобяла дантела. Антонина Валантин с право отбелязва, че този тип испанец е проникнал на сцената и вече е живял на страниците на романите, но за да бъде изобразен, е трябвало да изчака пристигането на Ел Греко в Толедо.
Портретът обаче е присъщ на вътрешна непоследователност, тъй като идеалният аспект на изображението не отговаря напълно на личността на изобразяваното лице - изобразява се не особено смислена природа. Впечатлението се постига чрез изобразителната структура на платното, където лицето и ръката със символичната подредба на пръстите излизат от тъмния фон като светли петна; скъпоценната красота на тънка блестяща дантела, дръжката на меч, сякаш виси във въздуха, придобива особена крехкост. Откъснатостта на погледа на кабалеро, надарен с типична елгрекска странност, засилва изразителността на образа.
Светлана Обухова
За живота на критеца Доменико Теотокопули, художникът, завладял испанското Толедо под името Ел Греко, тоест гръцкият, почти не са останали доказателства. „Глупостта“ на неговия характер и странният изобразителен маниер удивиха мнозина и ги принудиха да вземат химикалката – но само няколко писма са оцелели. Един от тях съдържа следните редове: „... времето беше прекрасно, пролетното слънце нежно грееше. Това доставяше радост на всичко и градът изглеждаше празнично. Представете си изненадата ми, когато влязох в работилницата на Ел Греко и видях, че капаците на прозорците са затворени и затова беше трудно да се види какво има наоколо. Самият Ел Греко седеше на табуретка, без да прави нищо, но беше буден. Той не искаше да излиза с мен, защото според него слънчевата светлина пречеше на вътрешната му светлина...“
Почти няма доказателства за човека Доменико, само отзвуци: че той е живял в голям стил, поддържал е най-богатата библиотека, чел е много философи и също е съдил клиенти (той беше обичан, но по-често не разбиран), умря почти в бедност, - като тънки лъчи дневна светлина пробива пукнатините в „затворените капаци” на живота му. Но те не отвличат вниманието от основното - от вътрешната светлина, която изпълва картините на художника Ел Греко. Особено портрети.
Те нямат пейзажи, които се отварят зад изобразявания, няма изобилие от детайли, които привличат любопитното око. Дори името на героя често остава извън картината. Защото всичко това би попречило да се види лицето. И очи, дълбоки, тъмни, гледащи право към теб. Трудно е да се откъснеш от тях и ако се насилиш, тогава да видиш жеста - и отново да спреш в мисли.
Такъв е „Портретът на джентълмен с ръка на гърдите“ (1577-1579), написан от майстора малко след като се премести в Толедо. Този портрет е признат за един от най-добрите в испанската живопис от 16-ти век. Чужденецът Ел Греко създава „ярки образи на испанския живот и история“, които изобразяват „истински живи същества, съчетаващи всичко, което се възхищава в нашия народ, всичко героично и неукротимо, с онези противоположни свойства, които не могат да не бъдат отразени, без да унищожават самата му същност” (А. Сеговия). Аристократите от древните семейства на Толедо станаха истинските герои на Ел Греко, той видя тяхната вътрешна светлина - тяхното благородство и достойнство, вярност към дълга, интелигентност, изтънченост на маниерите, смелост, външна сдържаност и вътрешен импулс, сила на сърцето, който знае за какво живее и за какво умира...
Ден след ден посетителите на галерията Прадо спират пред непознатия идалго, изненадани, с думите: „Колко жив...“ Кой е този рицар? Защо отваря сърцето си с такава искреност? Защо очите му са толкова привлекателни? А този клетвен жест? А дръжката на меча?.. Може би тези въпроси са породили легендата, че изобразеният на портрета е друг велик испанец: Мигел де Сервантес. Воин и писател, който разказа на света историята на рицар с тъжен образ, на когото е даден същия божествен дар като Ел Греко - да вижда хората такива, каквито трябва да бъдат, да вижда тяхната вътрешна светлина...
И други картини от музея Прадо в Ермитажа...
Ел Греко "Христос прегръща кръста" 1600 - 1605
Изобразен на фона на типично за Ел Греко бурно небе, Христос прегръща кръста с изящните си ръце, гледайки нагоре със спокойна обреченост. Картината има голям успех и много нейни версии са създадени в работилницата на Ел Греко.
Ел Греко „Светото семейство със св. Анна и малкия Йоан Кръстител“ c. 1600 - 1605 г
Късният период на творчеството на Ел Греко се характеризира с използването на пронизващи цветове и проблясъци; пространството е изцяло изпълнено с фигури, които закриват хоризонта. Формите, нарисувани с вибриращ щрих, губят своята материалност. Малкият Йоан Кръстител призовава зрителя към тишина, за да не наруши спокойствието на младенеца Христос...
Веласкес - Портрет на Филип IV Портрет на крал Филип IV. 1653-1657
Основите на психологическия портрет в европейското изкуство са положени от испанския художник Диего Родригес де Силва Веласкес. Той е роден в бедно благородно семейство в Севиля, учи при Ерера Стария и Пачеко. През 1622 г. той за първи път идва в Мадрид. В практически смисъл това пътуване не беше много успешно - Веласкес не намери достойно място за себе си. Надявал се да се срещне с младия крал Филип IV, но срещата не се състояла. Въпреки това слуховете за младия художник достигат до двора и още през следващата 1623 г. първият министър, херцогът де Оливарес (също родом от Севиля), покани Веласкес в Мадрид, за да нарисува портрет на краля. Тази работа, която не е стигнала до нас, направи толкова приятно впечатление на монарха, че той веднага предложи на Веласкес позицията на придворен художник. Скоро между краля и Веласкес се развиха доста приятелски отношения, което не беше много типично за ордена, царуващ в испанския двор. Кралят, който управляваше най-голямата империя в света, се смяташе не за човек, а за божество, а художникът не можеше да разчита дори на благороднически привилегии, тъй като изкарваше прехраната си с работа. Междувременно Филип нареди отсега нататък само Веласкес да рисува портретите му. Великият монарх беше изненадващо щедър и подкрепяше Веласкес. Ателието на художника се намираше в кралските апартаменти, а там беше монтиран стол за Негово Величество. Кралят, който имал ключа от работилницата, идвал тук почти всеки ден, за да наблюдава работата на художника. Докато бил на кралска служба от 1623 до 1660 г., Веласкес рисувал около дузина портрета на своя господар. От тях до нас са достигнали малко повече от 10 картини. Така средно Веласкес изобразяваше своя господар около веднъж на три години. Рисуването на портрети на краля беше дело на Веласкес и той се справи перфектно с тази работа. Благодарение на това имаме уникален по рода си комплекс от творби: портретите на Веласкес проследяват житейския път на крал Филип толкова ясно, колкото по-късно става обичай едва в ерата на фотографията. Еволюцията е ясно видима в платната на художника. Първо, самият крал се променя, 18-годишен на първия портрет и 50-годишен на последния, лицето му носи отпечатъка на възрастови и духовни промени. Второ, възприятието на художника за неговия модел се задълбочава, превръщайки се от повърхностно в проницателно. С течение на времето начинът на представяне на модела и художествените техники се променят. Маниерът на Веласкес се трансформира под влияние на собственото му творческо израстване, както и под влиянието на съвременните вътрешни и чужди традиции. В този портрет на бюст Филип IV е показан на тъмен фон, облечен в черна роба с бяла яка, която подчертава лицето на монарха. Веласкес избягва показния лукс в портрета на краля и показва „човешкото лице“ на монарха без никакво ласкателство или придворно лукавство. Ние ясно усещаме, че човекът, който ни гледа от платното, е нещастен, последните години от царуването не бяха лесни за краля. Това е човек, който е познал разочарованието, но в същото време – човек, чиято плът е пълна с вродено величие, което нищо не може да разклати. Друг велик художник, испанец до мозъка на костите си - Пабло Руис Пикасо казва това за образа на испанския крал: „не можем да си представим друг Филип IV, освен този, създаден от Веласкес ...“
"Портрет на крал Филип IV" (ок. 1653 - 1657)
Един от последните портрети на монарха. Интересно е да се отбележи, че тук няма нито един елемент, който да говори за кралския статус на изобразяваната личност. Веласкес служи на Филип IV почти четиридесет години - от 1623 г. до смъртта си той рисува портрети на краля и семейството му, големи сюжетни платна за Кралската колекция.
Диего Веласкес „Портрет на шута Дон Диего де Аседо“ (El Primo) c. 1644 г
Диего Веласкес "Портрет на кралица Мариана Австрийска" 1652-1653
Тициан (Тициано Вечелио) "Венера с Купидон и органист" 1555 г.
Музикантът свири, седнал в краката на Венера и се любувайки на голото тяло на богинята, абстрактна игра с Купидон. Някои видяха в тази картина чисто еротично произведение, докато други я възприеха символично - като алегория на чувства, където зрението и слуха действат като инструменти за разбиране на красотата и хармонията. Тициан написа пет версии на тази тема.
Паоло Веронезе (Паоло Каляри) - Покаяна Мария Магдалена 1583 г.
След покръстването си Мария Магдалена посвети живота си на покаяние и молитва, като се оттегли от света. На това платно тя е изобразена гледаща към небето и окъпана в божествена светлина. Картината е написана в плътни тъмни цветове, характерни за стила на Веронезе в късния период на творчеството му. Преди да попадне в испанските кралски колекции, произведението е принадлежало на английския крал Чарлз I (екзекутиран през 1649 г.)
Антъни ван Дайк "Портрет на мъж с лютня" 1622-1632
Антъни Ван Дайк дължи славата си на портретния жанр, който заема доста ниска позиция в йерархията на европейската живопис. Въпреки това във Фландрия по това време вече се е развила традиция на портретното изкуство. Ван Дайк рисува стотици портрети, няколко автопортрета и става един от създателите на церемониалния портретен стил на 17-ти век. В портретите на своите съвременници той показва техния интелектуален, емоционален свят, духовен живот, живия характер на човек.
Традиционният модел за този портрет е Джейкъб Готие, лютенист в английския двор от 1617 до 1647 г., но наличието на меч и в по-голяма степен стилистичните характеристики на творбата показват, че тя трябва да бъде датирана много по-рано от Пътуването на Ван Дайк до Лондон, което поставя под съмнение тази теория. Наличието на музикален инструмент не означава непременно, че моделът е бил музикант. Като символ музикалните инструменти често се изобразяват в портрети, като показател за интелектуалната финес и чувствителност на изобразеното.
Хуан Баутиста Майно "Поклонението на пастирите" 1612-1614
Един от шедьоврите на Майно. Колекцията на Държавния Ермитаж съдържа друга версия на тази история, написана от Майно. Художникът е роден в Пастрана (Гвадалахара) и е живял в Рим от 1604 до 1610 г. В тази творба, написана при завръщането му в Испания, се усеща влиянието на Караваджо и Орацио Джентилески. През 1613 г. Майно става член на Доминиканския орден и картината влиза в олтарния цикъл на манастира Свети мъченик Петър в Толедо.
Жорж дьо Латур „Слепият музикант с лирата“ ок. 1625-1630 г
Латур изобразява стар сляп музикант, който свири на харди-гурди.Той повтаря тази история много пъти. Художникът, който е работил под влиянието на стила на Караваджо, с ентусиазъм възпроизвежда детайлите – шарката, която краси музикалния инструмент, бръчките по лицето на слепеца, косата му.
Питър Пол Рубенс, Якоб Йорданс "Персей освобождава Андромеда" ок. 1639-1640
Франсиско де Гоя "Портрет на Фердинанд VII" 1814-1815
След поражението на Наполеон през 1814 г. Фердинанд VII се завръща на испанския трон. На портрета той е изобразен в кралска мантия, облицована с хермелин, със скиптър и ордените на Карлос III и Златното руно.
Фердинанд VII, който управлява страната до 1833 г., основава музея Прадо през 1819 г.
Франсиско де Гоя "Мария фон Санта Круз" 1805 г
Мария фон Санта Крус, съпругата на първия директор на Прадо, беше една от най-почитаните жени в Испания на своето време.
В портрет от 1805 г. Гоя изобразява маркизата като муза на лирическата поезия Евтерпа, отпусната на балдахин и с лира в лявата си ръка. Изборът на точно такъв образ се дължи на страстта на маркизата към поезията.
Франсиско Гоя - "Есен (гроздобер)" 1786 - 1787
Франсиско Гоя - Гроздъберът. фрагмент
През 1775 - 1792 г. Гоя създава седем серии от картонени гоблени за дворците Ескориал и Прадо в покрайнините на Мадрид. Тази картина по-специално принадлежи към поредицата от сезони и е предназначена за трапезарията на принца на Астурия в Прадо. Гоя изобразява класическия сюжет като ежедневна сцена, която отразява естеството на взаимоотношенията между различните класи - картината показва собствениците на лозето със сина им и прислужницата.
Франсиско Гоя "Портрет на генерал Хосе де Урутия" (около 1798 г.)
Хосе де Урутия (1739 - 1809) - един от най-видните испански военни лидери и единственият офицер от неаристократичен произход през 18 век, достигнал чин генерал-капитан - е изобразен с ордена на Свети Георги, с която е награден от руската императрица Екатерина Велика за участие в превземането на Очаков по време на Кримската кампания от 1789 г.
Петер Пол Рубенс "Портрет на Мария Медичи". ДОБРЕ. 1622-1625.
Мария Медичи (1573 - 1642) е дъщеря на великия херцог на Тоскана Франческо I. През 1600 г. става съпруга на френския крал Хенри IV. От 1610 г. тя е регент на малкия си син, бъдещия крал Луи XIII. Рубенс тя поръча серия от творби, прославящи себе си и покойния й съпруг. Портретът показва кралицата с шапка на вдовица и на незавършен фон.
Доменико Тинторето „Жена оголи гърди“ ок. 1580-1590 г
Висенте Лопес Портаня „Портрет на Феликс Максимо Лопес, първият органист на Кралската капела“ 1820 г.
Испански неокласически художник, като същевременно запазва следи от стил рококо. Лопес е смятан за един от най-добрите портретисти на своето време, на второ място след Франсиско де Гоя. Започва да учи рисуване във Валенсия на 13-годишна възраст, а четири години по-късно печели няколко първи награди в Академията на Сан Карлос, което му носи стипендия за обучение в престижната Столична Кралска академия за изящни изкуства Сан Фернандо. След като завършва обучението си, Лопес работи няколко години в работилницата на Мариано Салвадор Маела, негов учител. До 1814 г., след френската окупация, Лопес вече е доста известен художник, така че испанският крал Фердинанд VII го извиква в Мадрид и го назначава за официален придворен художник, въпреки факта, че самият Франсиско Гоя е „първият кралски художник“ по това време. Висенте Лопес беше плодовит художник, рисуваше върху религиозни, алегорични, исторически и митологични теми, но преди всичко беше, разбира се, портретист. През дългата си кариера той рисува портрети на почти всички известни личности в Испания през първата половина на 19 век.
Този портрет на първия органист от кралския параклис и известния музикант и композитор е нарисуван малко преди смъртта на художника и е завършен от неговия първороден син Амброзио Лопес.
Антон Рафаел Менгс "Портрет на Мария Луиза Пармска, принцеса на Астурия" 1766 г.
Хуан Санчес Котан "Натюрморт с дивеч, зеленчуци и плодове" 1602 г
Дон Диего де Аседо е в съда от 1635 г. В допълнение към „службата на шута“ той изпълняваше ролята на кралски пратеник и отговаряше за печата на краля. Очевидно книгите, хартиите и материалите за писане, изобразени на снимката, говорят за тези дейности. Смята се, че портретът е нарисуван във Фрага, провинция Уеска, по време на пътуването на Филип IV до Арагон, в което той е бил придружен от Диего де Аседо. На заден план се издига връх Малисеос от планинската верига Гуадарама.
Йероним Бош „Премахване на камъка на глупостта“ c. 1490 г
В сатирична сцена с фигури на фона на пейзаж е изобразена операция за извличане на „камъка на глупостта”. Надписът на готически шрифт гласи: - "Учителю, бързо махнете камъка. Казвам се Любберт Дас." Любберт е общо съществително, което означава невежество и невинност. Хирург в шапка под формата на обърната фуния, символизираща невежеството, „извлича“ камък (водна лилия) от главата на лековерен пациент и иска щедро плащане от него. По това време простосърдечните вярвали, че за глупостта им е виновен камък в главата. Това използваха шарлатаните.
Рафаело (Рафаело Санти) "Свето семейство с агне" 1507 г.
Мария помага на малкия Христос да седне на агне – християнски символ на идващите Христови Страсти, а Св. Джоузеф ги наблюдава. Картината е нарисувана във Флоренция, където художникът изучава творчеството на Леонардо да Винчи, повлиян от композициите му със Светото семейство. В музея Прадо това е единствената творба на Рафаел, написана в ранния период.
Албрехт Дюрер "Портрет на непознат мъж" ок. 1521 г
Портретът принадлежи към късния период от творчеството на Дюрер. Написано по начин, подобен на стила на холандските художници. Широкопола шапка привлича вниманието към лицето на изобразяваното лице, светлината, падаща отляво, фокусира вниманието на зрителя върху него. Вторият фокус на внимание в портрета са ръцете и най-вече лявата, в която непознатият държи свитък - очевидно обясняващ социалния му статус.
Рогие ван дер Вейден „Оплакване“ c. 1450 г
За модел послужи олтарният триптих за манастира Мирафлорес (съхраняван в художествената галерия в Берлин), създаден от Ван дер Вейден по-рано от 1444 г. и повторен с някои разлики. В тази версия, с горната част, добавена в неизвестен период, Мария, Христос, Св. Джон и дарителят (клиентът на картината) - член на семейство Броърс - са изобразени в едно и също пространство. Художникът експресивно предава скръбта на Божията майка, притискайки тялото на мъртвия си син към гърдите си. На трагичната група вляво се противопоставя фигурата на дарителя, разделена с камък. Той е в състояние на молитвена концентрация. По това време клиентите често искаха да се изобразят в картините. Но техните образи винаги са били второстепенни – някъде на заден план, в тълпата и т.н. Тук дарителят е изобразен на преден план, но отделен от основната група с камък и с помощта на цвят.
Алонсо Кано „Мъртвият Христос, подкрепен от ангел“ c. 1646 - 1652 г
На фона на здрач пейзаж ангел поддържа безжизненото тяло на Христос. Необичайната иконография на това платно се обяснява с факта, че то се свързва не с евангелските текстове, а с т. нар. Христос на Св. Григорий. Според легендата папа Григорий Велики е имал видение на мъртвия Христос, поддържан от двама ангели. Кано тълкува тази история по различен начин – само един ангел поддържа неподвижното тяло на Христос.
Бартоломе Естебан Мурило „Дева Мария на Розария“ ок. 1650 -1655 г
Творчеството на Бартоломе Естебан Мурило завършва златния век на испанската живопис. Творбите на Мурило са безупречно точни като композиция, богати и хармонични на цвят и красиви в най-високия смисъл на думата. Неговите чувства винаги са искрени и деликатни, но в платната на Мурило вече няма онази духовна сила и дълбочина, които са толкова шокиращи в творчеството на по-възрастните му съвременници. Животът на художника е свързан с родната му Севиля, въпреки че трябваше да посети Мадрид и други градове. След като учи при местния художник Хуан дел Кастило (1584-1640), Мурило работи много по поръчки от манастири и храмове. През 1660 г. става президент на Академията за изящни изкуства в Севиля.
Със своите платна на религиозни теми Мурило се стреми да донесе утеха и успокоение. Неслучайно той много често рисува образа на Божията майка. От картина на картина образът на Мери преминаваше под формата на прекрасно младо момиче с правилни черти и спокоен поглед. Невинният й вид трябваше да предизвика у зрителя усещане за сладка нежност. В тази картина Бартоломе Мурило изобразява Мадона и Исус с броеница, традиционна католическа броеница, на молитвата за която е отдавано голямо значение по времето на художника. В това произведение все още се забелязват чертите на натурализма, преобладаващи в произведенията на представителите на севилската школа през първата половина на 17-ти век, но стилът на рисуване на Мурило вече е по-свободен, отколкото в ранното му творчество. Този свободен маниер е особено изразен при изобразяването на булото на Дева Мария. Художникът използва ярка светлина, за да подчертае фигури на тъмен фон и да създаде контраст между деликатните тонове на лицето на Богородица и тялото на бебето Христос и дълбоки сенки в гънките на тъканите.
В Андалусия от 17-ти век образът на Божията майка с детето беше особено търсен. Мурило, чийто творчески живот е прекарал в Севиля, рисува много от тези картини, пропити с нежност. В този случай е изобразена Божията майка с броеница. И тук, както и в ранните години на своето творчество, художникът остава верен на пристрастията си към контрастите на светлината и сянката.
Бартоломе Естебан Мурило "Добрият пастир" 1655-1660
Картината е пропита с дълбок лиризъм и доброта. Заглавието е взето от Евангелието от Йоан: „Аз съм добрият пастир“. Това предполага, че картината изобразява Христос, макар и в много ранна възраст. На снимката на Мурило всичко е красиво и просто. Художникът обичаше да рисува деца и вложи цялата тази любов в красотата на образа на това момче-Бог. През 1660-те и 1670-те години, по време на разцвета на своите изобразителни умения, Мурило се стреми да поетизира своите герои и често е обвиняван в някои сантиментални образи и тяхната преднамерена красота. Тези обвинения обаче не са съвсем справедливи. Детето, изобразено на снимката, днес може да се види както в Севиля, така и в околните села. И именно в това се проявява демократичната насоченост на творчеството на художника - в изравняването на красотата на Мадоната с красотата на обикновените испанки и красотата на нейния син, малкия Христос, с красотата на уличните момчета.
Алонсо Санчес Коелю "Портрет на инфанта Изабела Клара Евгения и Каталина Михаела" 1575 г.
Портретът на принцесата, на осем и девет години, държи венец от цветя. Санчес Коелю рисува портрети на инфанти - любимите дъщери на крал Филип II и третата му съпруга Изабела от Валоа - от най-ранна възраст. Всички портрети са направени в съответствие с каноните на придворния портрет - момичета в великолепни дрехи и с безстрастни изражения на лицето.
Антон Рафаел Менгс. Портрет на крал Карлос III. 1767 г
Чарлз III е наречен може би единственият наистина просветен монарх в историята на Испания. Именно той основава музея Прадо през 1785 г., първо като музей по естествена история. Чарлз III мечтаеше музеят Прадо, заедно със съседните ботанически градини, да се превърне в център на научното образование.
След като се възкачи на трона, той започна да извършва сериозни политически и икономически реформи, от които страната толкова се нуждаеше по това време. Усилията му обаче са напразни – синът му Чарлз IV не споделя прогресивните възгледи на баща си и след смъртта на Чарлз III реформите са приключили.
Този портрет е абсолютно типичен за времето си. С всеки детайл художникът привлича вниманието към позицията, заета от модела: мантия, украсена с хермелин, малтийски кръст, инкрустирана със скъпоценни камъни, лъскава броня са незаменими атрибути на кралското величие. Буйни драперии и пиластър (елемент от класическата архитектура) са традиционен фон за такива портрети.
Но вече в този портрет е изненадващо как е представено лицето на модела. Менгс не прави опити да свие царствения си нос като лук или да изглади бръчките по набръчканите си бузи. Благодарение на максималната индивидуалност, тази картина създава усещане за живот, което предшествениците на Менгс не са могли да постигнат. Портретът ви кара да изпитвате симпатия към Карлос III, който е готов да "покаже" несъвършения си външен вид.
Антоан Вато "Фестивал в парка" гр. 1713 - 1716
Тази очарователна сцена е типичен пример за "галантните тържества" на Вато. Лека мъгла, която размива очертанията, статуя на Нептун, почти скрита в зеленината над фонтана и избледнял златист цвят - всичко това предава атмосфера на рязко, но мимолетно удоволствие.
Картината принадлежи на Изабела Фарнезе, втората съпруга на крал Филип V.
Антонио Карнисеро „Вдигане на балон с горещ въздух в Аранхуес“ c. 1784 г
Картината е поръчана от херцога и херцогинята на Осуан, тя отразява духа на Просвещението, което предизвиква интерес към постиженията на научния прогрес. Изобразено е реално събитие: през 1784 г. в Кралските градини на Аранхуес, в присъствието на монарха, членове на неговото семейство и придворни, е извършен полет на балона Монголфие. Антонио Карнисеро беше известен със своите очарователни жанрови сцени и това платно е една от най-амбициозните му творби.
Хосе де Мадрасо и Агудо "Небесна любов и земна любов" 1813 г
Франсиско де Сурбаран "Agnus Dei. Агнец Божий" 1635-1640
Агне лежи на сива маса, изпъкващо рязко на тъмен фон в рязко фокусирана ярка светлина. Всеки човек през 17-ти век веднага би разпознал в него „Божието агънце” и би разбрал, че това е намек за Христовата саможертва. Вълната на агнето е забележително изписана и изглежда толкова мека, че е трудно да откъснете поглед от животното и да искате да го докоснете.
Хуан Пантоха де ла Крус "Портрет на кралица Изабела от Валоа" c. 1604 - 1608 г
Пантоха де ла Крус рисува този портрет, повтаряйки работата на Софонисба Ангуишола - оригиналът е изгорял в двореца през 1604 г. Художникът добави само пелерина от мармот към тоалета на кралицата.
Софонисба Ангуиксола е художник от Кремона, работил в испанския двор. Това беше първият портрет на млада кралица от поредица, направена от художника. Картината е написана по начин, близък до испански, но в по-топли и светли цветове.
Жан Ран "Портрет на Карлос III като дете" 1723г
Луис Мелендес "Натюрморт с кутия бонбони, геврече и други предмети" 1770 г.
Най-великият майстор на испанския натюрморт от 18-ти век, Луис Мелендес е роден в Италия, в семейството на миниатюрист от Астурия. През 1717 г. семейството се премества в Мадрид, където младежът влиза в подготвителния отдел на Академията на Сан Фернандо и сред най-надарените от нейните ученици заема първо място. Въпреки това през 1747 г. той е принуден да напусне Академията по следите на баща си, който е изключен от нея в резултат на конфликта. През този период Мелендес отново посещава Италия. Първоначално помагайки на баща си, той става миниатюрист и, завръщайки се от Италия, е поканен от Фердинанд VI да илюстрира книги в Кралската капела на Мадрид. В жанра на натюрморта, към който художникът се обръща в началото на 1760-те, се появява нов аспект на творчеството му.
Този натюрморт е написан в зрелия период на творчеството на художника. По това време в композициите му се появяват луксозни предмети, сребърни прибори. Но въпреки това художникът все още се придържа към своите идеали и работи в съответствие с жанровата традиция. Материалната осезаемост на всеки един от нарисуваните върху платно предмети ни кара да си припомним най-добрите образци на натюрморт в световното изкуство. Осезаемото прозрачно стъкло на стъклото се отразява в матовата, блестяща повърхност на сребърната ваза. Меко, геврече върху бяла салфетка, сякаш ухае на прясно изпечен хляб. Гърлото на запечатана бутилка блести тъпо. Сребърна вилица стърчи леко отвъд ръба на осветената маса. В композицията на този натюрморт липсва аскетично подреждане на предмети в един ред, характерно например за натюрмортите на Зурбаран. Може би има нещо общо с холандските образци. Но тонът е по-тъмен, обектите са по-малки и композицията е по-проста.
Хуан де Арелано "Кошница с цветя" 1670 г
Испански бароков художник, специализиран в флорални аранжировки, той е роден в Санторказе през 1614 г. Първоначално учи в ателието на сега неизвестен художник, но на 16-годишна възраст се мести в Мадрид, където учи при Хуан де Солис, художник, който изпълнява поръчки за кралица Изабела. Хуан де Арелано живее дълго за сметка на малки поръчки, включително стенописи, докато не решава да се съсредоточи изключително върху рисуването на цветя и става ненадминат майстор в тази област. Смята се, че майсторът е започнал с копиране на произведения на други, особено италиански, художници, фламандските натюрморти добавят елегантност и строгост към стила му. По-късно към тази комбинация той добавя свои собствени композиционни находки и характерна цветова палитра.
Доста простата композиция на този натюрморт е характерна за Арелано. Чистите, интензивни растителни цветове се открояват ярко на неутрален кафеникав фон поради интензивното осветление.
"Рицар с ръка на гърдите"- картина на испанския художник Ел Греко, написана в Толедо около 1580г. Най-известният в поредица от светски портрети на неизвестни кабалеро в черни роби и бели длета на тъмен фон. В момента се съхранява в Прадо.
Позата на кабалеро може да означава полагане на клетва или показване на увереност в сключването на договор, или благородния произход на персонаж, или дори таен предварително уговорен сигнал. Златен меч и медальон показват богатство и принадлежност към висшето общество. Външният вид на героя е типичен за благородник от епохата на испанския Златен век. При реставрацията на картината се оказа, че първоначално фонът не е черен, а светлосив, но с времето картината потъмнява. Богатството на нюанси върху тъмните дрехи свидетелства за влиянието на венецианската живописна школа върху Ел Греко.
Преди се е смятало, че „Рицар с ръка на гърдите“ е портрет на Сервантес, но сега повечето историци на изкуството са склонни да вярват, че портретът изобразява Хуан де Силва и Рибера, третият маркиз на Монтемайор и Алкалде от Толедо Алкасар. Историкът на изкуството Алекс Бергарт и художникът Робърт Шрайв допускат възможността това да е автопортретът на художника.
Напишете отзив за статията "Рицар с ръка на гърдите"
Бележки
Откъс, характеризиращ рицаря с ръка на гърдите
„Напротив, изглежда, че всичко върви добре, братовчедка“, каза Пиер с онзи навик на игривост, който Пиер, който винаги смутено понасяше ролята си на благодетел пред принцесата, се е научил по отношение на нея.- Да, безопасно е ... добро самочувствие! Днес Варвара Ивановна ми каза колко различни са нашите войски. Определено чест за приписване. Да, и народът съвсем се разбунтува, спира да слуша; моето момиче и тя станаха груби. Така че скоро ще ни победят. Не можеш да ходиш по улиците. И най-важното, днес французите ще са тук утре, какво да очакваме! Моля ви за едно, братовчедко, - каза принцесата, - заповядайте да ме отведат в Петербург: какъвто и да съм, но не мога да живея под властта на Бонапарт.
„Хайде, братовчедка, откъде черпиш информацията си?“ Срещу…
„Няма да се подчиня на вашия Наполеон. Други, както пожелаят ... Ако не искате да направите това ...
- Да, ще го направя, сега ще поръчам.
Принцесата явно се ядоса, че няма на кого да се сърди. Тя, шепнейки нещо, седна на стол.
„Но за теб се съобщава погрешно“, каза Пиер. В града всичко е тихо и няма опасност. Така че сега четях... - Пиер показа плакатите на принцесата. - Графът пише, че отговаря с живота си, че врагът няма да бъде в Москва.
„Ах, този твой граф – говореше със злоба принцесата, – това е лицемер, злодей, който сам накара хората да се разбунтуват. Не е ли писал в тези тъпи плакати, че каквото и да е, влачете го за гребена до изхода (и колко глупаво)! Който вземе, казва, чест и слава. Ето къде се е объркал. Варвара Ивановна каза, че почти е убила хората си, защото говорела френски ...
„Но това е така... Много много приемаш всичко присърце“, каза Пиер и започна да играе пасианс.
Въпреки факта, че пасиансът се сближи, Пиер не отиде в армията, а остана в изоставена Москва, все още в същото безпокойство, нерешителност, в страх и заедно в радост, очаквайки нещо ужасно.
На следващия ден принцесата замина вечерта, а неговият главнокомандващ дойде при Пиер с новината, че парите, които са му необходими за униформенето на полка, не могат да бъдат получени, освен ако едно имение не бъде продадено. Главнокомандващият като цяло заявяваше на Пиер, че всички тези начинания на полка трябва да го съсипят. Пиер трудно скри усмивката си, слушайки думите на мениджъра.
„Е, продайте го“, каза той. „Какво да направя, сега не мога да откажа!“
