Смятахме, че психологът е консултант, който води сърдечен разговор с хората в кабинета си. Той търси причините за проблемите на човека в неговото минало или в историята на семейството му.
Има обаче и други психолози, които обръщат внимание на по-дълбоките индивидуални различия при хората, свързани с характеристиките на тяхната нервна система. В същото време в практическата си работа, както всички останали психолози, те използват различни техники, за да помогнат на човек. Тези специалисти са невропсихолози. Те могат фино да съчетаят познанията си за функционирането на мозъчните полукълба с арт терапия. Помолихме специалист в тази област, кандидат на психологическите науки Светлана Юлиановна ШИСКОВА, генерален директор на психологическия център DOM, да говори за това как можете да разрешите психологическите проблеми на хората, като използвате знания в привидно толкова различни области.
ЦЕЛИЯТ НИ ЖИВОТ Е ТЕАТЪР
„Фактът, че това са различни области на знанието, може да изглежда само на пръв поглед“, обяснява психологът. – За да разберем какво свързва работата на мозъка и арт терапията, нека се обърнем към самото начало – към момента на раждането на човека. Когато се роди бебе, е много важно то да крещи. По време на плача дробовете му се изправят и започват да работят, мозъкът се обогатява с кислород. Този вик изпълнява още една важна функция: той стартира работата на дясното полукълбо. Невропсихолозите обичат да казват, че детето се „ражда с две десни полукълба“: лявото се появява по-късно.
Дясното полукълбо е творческо, то отговаря за мелодията, за интуицията. Родителите гукат мелодично с новороденото и в отговор получават мелодично гукане. И когато бебето започне да говори, произнася първите думи - лявото му полукълбо се включва в работата, защото центърът на речта се намира в него.
Сега се е увеличил броят на децата, които започват да говорят късно, чиято реч е нарушена. Дясното им полукълбо пулсира, мелодията на речта присъства, но няма пълноценна реч: децата се изразяват на свой собствен, "птичи" език. Тоест лявото полукълбо не е напълно включено. Лявото полукълбо е отговорно за последователността на думите, структурата на речта, семантичните конструкции и контрола. Между полукълбата има междуполусферична връзка, импулсът между тях трябва да преминава равномерно, но това не се случва.
Работата на полукълбата трябва да бъде хармонична и човек трябва да се намесва в тази област с голямо внимание. Днес техниките, които „разкриват работата на дясното полукълбо“, са много популярни. Хората искат да се реализират повече в творчеството и прибягват до такива методи. Веднъж при мен дойде клиент, който беше „отворен към дясното полукълбо“, продължава С.Ю. Шишков. – Като дете пише стихове, но не става поетеса. И благодарение на тази техника римите започнаха да се раждат отново в нея, стиховете течаха като река, тя имаше време само да ги запише. Когато тази жена дойде на консултацията, тя донесе със себе си цяла купчина надраскани листове. Помолих я да прочете едно малко стихотворение. Тя отговори: "Не мога да го направя, тъй като има само едно стихотворение, написано на всички тези листове." След това я поканих да избере произволен пасаж от него и да ми го прочете. Клиентът дълго време мислеше, сортираше чаршафите, но не можа да се спре пред нищо. Правенето на избор е задача на лявото полукълбо. Оказва се, че поради активирането на работата на дясното полукълбо в нея е започнал творческият процес, но клиентът не е могъл да придаде на работата си завършеност, определена форма. Тоест работата на полукълбата се оказа небалансирана. Така че тези техники трябва да се използват много внимателно.
Бих искал да се спра на още една особеност на работата на нашия мозък, - казва С.Ю. Шишков. - В зависимост от това кое полукълбо ръководи човек, може да се определи към кой психологически тип, или психотип, принадлежи. Типът "ляво полукълбо" се характеризира с оптимистично, позитивно възприемане на случващото се. Например, такъв човек гледа през прозореца и си мисли: „Колко е чудесно, че зимата е толкова топла, наоколо е сухо“; падна сняг - „страхотно, време е да караме ски“; стана студено - "е, зимата трябва да е студена." А дясното полукълбо е по-свързано с негативни емоции, с негативна оценка на света около нас. „Типът на дясното полукълбо“ гледа през прозореца, зад който е топла зима, и си мисли, че все още няма сняг, на улицата има мръсотия и копнежът го гризе. Падна сняг - също лошо, защото стана студено. Тоест, дясното полукълбо дърпа депресивно състояние, страдание. Много творчески шедьоври просто се раждат в моменти на страдание: в агонията на любовта, в преживяванията на безредиците или безсмислието на живота. Когато човек е весел и весел, не се създават творения, които докосват душата: човек изживява пълнотата на живота, радва се на съществуването си, той вече е щастлив, подчертава психологът.
Хората отдавна са разбрали, че изкуството помага да се промени вътрешното състояние на човек. Психолозите са включили творческите дейности в своя арсенал от терапевтична работа и са ги нарекли арт терапия. По време на психотерапевтични сесии възрастните и децата днес рисуват, извайват, пеят, правят пантомима.
– Особено ме интересува театърът в този смисъл. Той съчетава всички изкуства, като едновременно въздейства върху зрителя с помощта на изображение, звук, цвят, движение, дума и мелодия, - казва С.Ю. Шишков. - В театъра всеки намира своята символика и в зависимост от вътрешното си настроение възприема положително или отрицателно видяното. Следователно психологът, който използва театрална терапия в работата си, трябва да вземе предвид емоционалното състояние на човек и неговия психотип. Ако клиентът има склонност към депресия, по-добре е да му препоръчате театрални представления, които да го вдъхновят, а не да го потапят в трагичните обстоятелства на съдбата на героите. Понякога е полезно да отидете не в драматичния театър, а в балета, където няма нужда да се задълбочавате в конкретен текст. Просто слушайте красива музика и се насладете на пластичността на танца.
Актьор, зрител, режисьор
За първи път човек се изявява като актьор като дете. Когато гостите дойдат в къщата, родителите го слагат на стол и карат възрастните да прочетат рима. Озовава се на малка сцена пред публиката, вниманието на всички е привлечено към него.
– Психолозите често се посещават от възрастни, които се чувстват нещастни, защото не чувстват, че са успели да намерят себе си, да реализират потенциала си в обществото. И възниква въпросът как да им помогнем да отключат потенциала, който първоначално е бил заложен в тях, - казва С.Ю. Шишков. - Арттерапевтът може да посъветва човек да придобие умение за по-емоционална, по-уверена реч - тоест да се научи на ораторско изкуство. Понякога това е достатъчно. За друг е по-полезно да учи в театрално студио, да излиза на аматьорска сцена и да се опитва да работи с публика. Когато има взаимодействие с публиката, човек започва да осъзнава, че е изслушан, разбран. Той придобива увереност в себе си.
Понякога родителите водят децата си на психолог, притеснявайки се, че детето е срамежливо, сдържано, има ниско самочувствие. Той има творчески потенциал, но не може да го разкрие, да се изрази в обществото. Класовете в театрален кръг помагат на такова дете да почувства самочувствие. Ролята на артиста изпълнява психотерапевтична функция.
Какво е особеното в ролята на един актьор? Той има пространство за творчество, но то е ограничено от зададения текст и концепцията на спектакъла, която режисьорът е разработил. Но в театъра има и друга роля – ролята на зрителя.
За съвременните деца проблемът с общуването е актуален. Малките деца, предучилищните, по-малките ученици, тийнейджърите искат да общуват, но имат малко истинска комуникация. Това е поколението на интернет. Те седят в мрежи, кореспондират там с приятели. Но такова взаимодействие е много различно от истинската комуникация. Когато хората общуват "на живо", тогава единият говори, а другият го слуша. Способността да съпреживяваш, съчувстваш, да се радваш, способността да подкрепяш другия - идва от умението да слушаш. А виртуалното общуване не развива такова умение. Тук театърът може да играе важна роля. В театъра детето се превръща в зрител, наблюдател и в тази роля развива умението да слуша. Той се научава да съчувства и съчувства, научава се да приема информация, да я анализира и да общува за нея с други хора.
Смята се, че всеки човек трябва да ходи на театър, че е важно да се водят деца там. Но театърът е полезен само в определени дози. Понякога препоръчвам да ходите на представления не повече от веднъж на сезон, така че всяко посещение на театъра да се превърне в събитие, а самият човек да не се превърне в пасивен потребител на изкуство.
Жените обичат да ходят на театър. Като невропсихолог разбирам защо жените са фенове на театъра, докато мъжете най-често не са“, казва С.Ю. Шишков. - Активните мъже сами са режисьори, така че не обичат да ходят на театър, където са принудени пасивно да възприемат сценариите на други хора. И ако отидат там, те го правят повече заради любимата жена, отколкото за собствено удоволствие - така че пак действат според собствения си сценарий. Е, ако представлението, на което ги е довела жената, се окаже интересно, някак резонира в душата - още по-добре, ще има за какво да се говори след театъра.
И така, преминаваме към третата театрална роля – ролята на режисьора. Той е създателят: той измисля концепция, избира изпълнители, постига изпълнението на идеите си, а зрителят вижда резултатите от работата му на сцената. Режисьорът е творческа личност, дясното му полукълбо работи интензивно. Но работата на лявото полукълбо му помага да реализира идеята си, да получи продукт като резултат. Тоест отново трябва да се хармонизира работата на полукълбата.
театрално пространство
- Казват, че театърът започва със закачалка. Наистина театърът е специално пространство. Това възприемане на театъра може да се сравни със съзерцаването на картина в музей. Всяка картина има рамка. Ограничава определено образно пространство. Самите художници разбират колко е важно да изберете правилната рамка за картината. За едната е подходяща аскетично проста рамка, а за другата е необходима позлатена, богато украсена с резба. Дори иконите са обрамчени така, че когато гледаме иконата, да ни се струва, че влизаме в друг свят. Когато влезем в специално пространство, ние се потапяме в особено състояние – всъщност ние се прераждаме.
В руската театрална школа актьорите работят по системата Станиславски. К.С. Станиславски научи актьорите на техниката на прераждане, така че актьорът да не играе, а да живее живота на героя на сцената. Той помага и на нас, публиката, да влезем в това особено състояние и да го преживеем. А пространството на театъра помага да се настрои по определен начин и да се подготви за прераждане. Както пише Станиславски, „публиката отива в театъра за забавление и неусетно го напуска, обогатена с нови мисли, усещания и искания благодарение на духовното общуване с авторите и артистите от сцената“.
Правихме изследвания, за да видим дали има някакви промени в мозъците на артистите, когато свирят на сцената. Снимахме енцефалограмата им преди и след представлението. И откриха невероятно нещо. Когато артист работи по системата на Станиславски, след представлението работата на дясното и лявото полукълбо е идеално хармонизирана, на електроенцефалограмата се получава симетрична картина, наподобяваща пеперуда.
И би било полезно да се научи тази техника на прераждане не само за актьорите, но и за всеки човек. В крайна сметка всеки от нас иска да предаде определена информация на другите, иска да бъде разбран правилно.
Работата по системата Станиславски обаче има своите трудности. Актьорите, превъплъщавайки се в различни роли, всеки път след падане на завесата на сцената трябва да се върнат обратно към своето „аз“. За съжаление, това не винаги се случва, преживяванията от една роля се наслагват върху други и се губи собствената личност на актьора. Затова в театъра е важно да не играеш много. К.С. Станиславски разбра тази особеност на живота на театъра и го напомни на актьорите. Талантливите актьори, независимо каква роля играят, винаги остават себе си, запазвайки своето лично "Аз".
Именно тази особеност на театралния живот трябва да се има предвид при избора на класове за дете в юношеска възраст. По това време той е в процес на търсене на себе си и му е трудно, действайки, да намери собственото си „аз“. На тази възраст е по-полезно за тийнейджър да посещава спортни секции, а не театрално студио.
Как да запознаем дете с театъра?
– Много е важно да слушате детето си, когато започнете да се занимавате с неговото културно развитие. Всяко дете е индивидуално и за начало може да е достатъчно някой да влезе в театралното пространство, където цари особена атмосфера, да види сцената с тежката кадифена завеса, да гледа пет минути от действието, - обяснява психологът.
Голям проблем е, когато на един незрял човек се дават какви ли не облаги. От добри намерения родителите показват на децата си най-доброто: водят ги на театри, пътуват с тях по света, но когато им писне от най-ярките впечатления, се насищат от най-ярките духовни ценности и материални блага, тогава само дъното на обществото остава непознато за тийнейджъра. Той започва да го изследва, събирайки най-долните и низки усещания. Следователно за психолога е много по-лесно да провежда психотерапия с проблемен тийнейджър, който не е получил нищо в живота си, тъй като все още има много неизвестни, ярки неща пред себе си, отколкото да работи с някой, който е бил пренахранен от „ този светъл”, а моралните и духовни ценности не успяха да положат.
За да се включат децата в театъра, е задължително да се говори с тях. След като сте ходили на театър, на кино, гледали сте телевизионна продукция с тях, много е важно да го обсъдите по-късно. И ако детето има собствена визия за изпълнението, трябва да го научите да не се страхува да изрази мнението си. Децата наистина искат да говорят с родителите си, а не да слушат техните инструкции.
Детето гледаше пиеса или филм, беше очаровано от ярки образи, лесен живот, дясното му полукълбо започва да пулсира: „Искам да живея по същия начин!“ Родителите трябва да учат децата си да мислят, да задават въпроси, да довеждат мислите си до логично заключение. За активно ангажиране на лявото полукълбо ...
Жените имат свой собствен театър
- Възприемането на звука при мъжете и жените е различно. Когато една жена не бъде разбрана, тя започва да крещи. В същото време звукът на гласа й става по-тънък и по-висок, скоростта на речта се увеличава. Такъв звук действа разрушително на мъжкия мозък.
Някои майки се оплакват от синовете си тийнейджъри: "Говориш с него, говориш - като грах в стената." Тоест една жена крещи на своето дете-момче, но то не реагира на думите й. Момчето стана тийнейджър, мозъкът му узря. Ако прекара честотата на плача на майка си през мозъка, тогава мозъкът му ще се провали в епи-готовност и в епилепсия. Следователно - както е предвидено от природата! – Мозъкът му се изключва. Вълната е преминала, потокът от думи е изчезнал и мозъкът е включен отново. Така че тийнейджърът има защитна реакция.
Ето защо, между другото, мъжете не винаги харесват операта, защото дългосрочното възприемане на високи ноти изисква голямо напрежение от тях. Ако мъж и тийнейджър не харесват операта, не бива да ги принуждавате да ходят там. По-добре е да отидете на концерт, да слушате хубава музика. И жената ще гледа операта с приятелката си.
Животът е като игра
– Всеки човек е уникален: той е и творец, и зрител, и изпълнител. И е важно, че в хода на живота тези роли се променят в човека. Не можете да гледате другите през цялото време или да играете роля в представянето на някой друг. Например, една жена се омъжва и в семейството съпругът става режисьор, а тя - изпълнител. Тя иска да е в тон през цялото време, да угажда на съпруга си. С течение на времето тя се събужда с чувството, че много се е разтворила в съпруга си като личност, загубила е себе си, - отбелязва С.Ю. Шишков. - И когато такива клиенти идват при мен, оплакват се от семейните отношения, аз им казвам: „Да започнем с една закачалка - спомнете си как се запознахте, какъв семеен сценарий започнаха да пишат тогава.“ Случва се жената да е неудобна, да се спъне, мъжът да я подкрепи - и те се срещнаха. Той беше привлечен от сценария, в който той се грижи, гледа, а другият сценарий не му подхожда. И с течение на времето една жена става уверена в себе си и вече не се нуждае от попечителство. Или например имаше купон, жената беше весела, светла и той й обърна внимание - тя го зареди с енергията си, даде му сили да живее с нейното положително отношение. Но такъв сценарий не предполагаше тъга и копнеж от нейна страна: самият той често беше депресиран. И сега тя е в беда, ходи мрачна, а мъжът й е недоволен от това.
Една жена трябва да си спомни момента, в който възникна взаимна симпатия, да разбере как е привлякла любимия си мъж, до какво представяне е стигнал някога. Той имаше едни очаквания, тя имаше други и е важно да не се разбива семейната система, а да се развива по друг начин. Ако един съпруг се промени, той трябва да помогне на партньора да се промени. Театралната терапия може да се използва за работа с брачните отношения, за съживяване на отношения в двойка, които са стигнали до задънена улица.
Важно е да научите самия човек да разбира какво представление играе в момента, на каква сцена навлиза, да го научите да променя сценариите, да променя ролите си. Ако човек играе ролята на лидер на работа, не е необходимо да действа в същата роля и у дома. След като промените пространството, може би си струва да промените ролите.
Човекът, който през цялото време иска животът да се развива според неговия сценарий, трябва да помни, че има някой отгоре, по-важен директор от него. Не винаги можете да казвате на другите хора какво да правят, трябва да се научите и да бъдете изпълнител.
Театралната терапия е добра и за работа с деца. Първите елементи на театралната терапия възникват, когато започнем да играем с дете с кукли, то изгражда сюжет и озвучава своята играчка. Появява се пространство за игра, прототип на театъра. Установява се емоционален контакт с играчката. Затова психолозите винаги казват: играйте с децата. С помощта на такава игра се задоволява и развива потребността от взаимодействие с околните и потребността от емоционален комфорт.
И накрая, театърът помага на човек да разбере себе си.
В заключение ще ви разкажа една притча. Мъдрецът по време на своите скитания се приближава до замъка. Замъкът се охранява. Пазачът постоянно пита мъдреца: „Кой си ти?“, „Къде отиваш?“, „Защо ти трябва това?“
Мъдрецът бил толкова поразен от тези въпроси, че казал на този пазач: „Ела при мен на служба. Вашата работа ще бъде всеки ден да ми задавате тези въпроси: „Кой си ти? Къде отиваш и защо?"
Интервюто на Олга ЖИГАРКОВА
Случи се така, че театралният етикет до голяма степен повтаря етикета на официални тържества и приеми, така че има много условности и ограничения. AiF.ru припомня основните принципи на поведение в театъра.
1. Отивайки на театър, погрижете се за гардероба си. В 21 век вече не е необходимо жените да носят вечерна рокля на представление, а мъжете – смокинг, освен ако специален дрескод не го изисква. Все пак е препоръчително да идвате на театър облечени по-празнично от обикновено. Мъжете могат да носят тъмен костюм, светла риза и вратовръзка, а жените могат да трансформират тоалета си, като го добавят към него. Въпреки това, човек не трябва да бъде ревностен - по-добре е да се обличаш скромно, отколкото да изглеждаш смешно.
Дамите трябва да помнят, че е лоша форма да освежавате парфюма си точно преди представлението. Тоалетната вода, дори и най-скъпата, трябва да се използва умерено. В залата ще се смесват десетки аромати, които могат да предизвикат световъртеж и дори алергична реакция у някои зрители.
2. Правилата на добрите нрави позволяват на жената да покани придружител в театъра, но във всеки случай билетите трябва да бъдат представени на контрольора от мъж. Той, на входа на театъра, отваря вратата на жената.
Според правилата на етикета трябва да дойдете на представлението предварително. Двадесет минути ще бъдат достатъчни, за да предадете безбързано връхни дрехи в гардероба и да закупите програма, която ще ви запознае със състава на изпълнителите.
3. Както знаете, театърът започва със закачалка. В гардероба мъжът трябва да помогне на спътницата си да съблече палтото си и едва след това да се съблече. След като предаде връхни дрехи, мъжът запазва номерата при себе си и не ги носи на пръста си, като пръстен, а веднага ги поставя в джоба си.
Не забравяйте, че да се гледате в огледалата, докато се разхождате из фоайето на театъра по време на антракта и преди представлението, е нетактично. Ако трябва да поправите нещо, подредете се в тоалетната.
4. Мъжът влиза пръв в залата, той също показва на дамата пътя до мястото, ако това не е направено от служителя на театъра.
Трябва да отидете на мястото си с лице към седящите и да се извините за безпокойството с тих глас или кимане на глава (ако пътеката между редовете е достатъчно широка, тогава седящият не е длъжен да става; ако пътеката е тесен, тогава трябва да се изправите и да оставите минувача). Първият между редовете винаги е мъж, следван от другаря му. Стигнал до столовете си, мъжът спира до тях и изчаква дамата да седне, след което сяда сам.
5. Заемете местата си в залата най-късно до третия звънец. Ако те са в средата на реда, тогава трябва да седнете на тях предварително, така че по-късно да не пречите на тези, които вече седят по краищата от вас. Ако вашите места не са разположени в средата на реда, тогава можете да си позволите да се забавите малко, така че по-късно да не ставате много пъти, прескачайки зрителите, седнали в средата.
6. Ако установите, че местата ви са заети, покажете билетите си на седящите на тях и учтиво ги помолете да напуснат. Ако възникне грешка и са издадени няколко билета за едно място наведнъж, свържете се със служителите на театъра, те са длъжни да разрешат проблема.
Не забравяйте, че е неприлично да заемате местата на други хора. Първо, вие предизвиквате безпокойство у тези хора, които ще трябва да доказват, че това е тяхното място. И второ, за вас самия ще бъде неудобно, когато бъдете „прогонени“ пред цялата зала.
7. Не е прилично да закъснявате за театър (можете да влезете в ложата само след като светлините в залата са изгасени). В останалите случаи служителите на театъра имат право да не ви допускат в залата до антракта. Но ако ви е позволено да влезете, направете го възможно най-тихо и седнете на първото свободно място. Недопустимо е да се промъквате по местата си по средата на действието - по време на антракта ще можете да вземете посочените на билета.
8. След като сте заели места в залата, не трябва да поставяте ръцете си върху двата подлакътника - това може да причини неудобство на вашия съсед. Не трябва да седите много близо, вкопчени един в друг, тъй като седящите отзад може да не виждат сцената зад вас.
Кръстосването на крака, широкото разтваряне на краката, сядането на ръба на стола, облягането на облегалката на предната седалка и опирането на стъпалата на нея също е неприлично.
9 . Дори и да ви се струва, че в залата е станало задушно, не използвайте програмата като вентилатор. И не забравяйте, че не можете да гледате в театралния бинокъл хората в залата. Предназначен е единствено за гледане на действието на сцената.
10. Основното правило в театъра е спазването на пълна тишина. Преди началото на представлението изключете мобилните телефони, те пречат не само на публиката, но и на артистите. Не обсъждайте представянето на актьорите по време на действието, както и неадекватното поведение на останалите зрители. Приемливо е да направите тиха забележка на публиката, която нарушава реда, но не забравяйте, че това е задължение на служителите на театъра.
Ако сте настинали, по-добре пропуснете спектакъла: нищо не смущава публиката и артистите повече от кашлицата и кихането в залата. И, разбира се, по време на представлението е неприемливо да ядете, да шумолете с чанти, пакети, да потупвате краката си.
11. По време на антракта можете да седнете в залата, да посетите бюфета или да се разходите във фоайето. Тук се спазват същите правила на поведение, както и на улицата. След като се срещнете с познати, можете да обмените впечатления, но тихо. Ако една жена иска да остане на място по време на антракта, придружителят остава с нея. И ако трябва да излезе, той се извинява и я оставя за малко.
12. Напускането на залата по време на действието е ясен показател за ниската култура на зрителя. Дори и да сте разочаровани от представлението, изчакайте антракта и едва тогава напуснете театъра. Разбира се, недопустимо е да заспите по време на представлението, дори ако сте имали тежък ден и постановката се е оказала скучна.
Показването на прекомерно удоволствие от случващото се на сцената по време на действието също се счита за лоша форма. Аплодисментите трябва да са органични: отделни ръкопляскания, прозвучали в пълна тишина, могат да свалят актьорите. Но след края на представлението не можете да скриете положителните си емоции. Аплодисментите са израз на благодарност от страна на публиката, но освиркването, виковете, тропането с крака в театъра са недопустими.
13. Ако искате да подарите цветя на актьор, който ви харесва особено, направете го в самия край на представлението, без да се качвате на сцената. Изчакайте последните поклони, когато всички участници в представлението се подредят на авансцената и предадете цветята, застанали на пътеката между сцената и първия ред на сергиите. Можете също така да прехвърлите букета на артиста чрез служител на театъра.
14. В края на представлението не тичайте веднага до гардероба, за да вземете дрехите си. Художниците често се поклоняват повече от веднъж, така че изчакайте, докато завесата се затвори. Едва тогава можете бавно да напуснете залата.
Ако поради някакви обстоятелства зрителят трябва да напусне театъра по-рано, тогава според негласните правила той гледа последното действие на балкона, след което, без да безпокои никого, напуска.
15. За да не губите време в стоене на опашката в гардероба, можете да го изчакате, като се разхождате във фоайето и обсъждате представлението, което сте видели.
В гардероба човек първо трябва сам да облече палто или наметало и след това да даде връхни дрехи на своя спътник.
Някога видни режисьори и филмови критици упорито твърдяха, че театърът, тази древна форма на човешко творчество, скоро ще умре, тъй като неговите възможности са просто жалки в сравнение с неограничените сили на киното и бързо развиващата се телевизия. Тези изводи са направени не в разгара на остра полемика, а на основата на студено и аргументирано изложение на неоспорими факти.
Но досега, в наше време, тези мрачни прогнози не се оправдават и театърът продължава да живее и не отстъпва на своя отдел. И което е най-изненадващо, в този древен храм, където същата сцена, същата завеса, същото прашно задкулисие, както преди стотици години, и няма зашеметяваща технология, зрителят отива и си отива, оставяйки досадния убиец на човека време - телевизия и огромни киноекрани.
Каква е тайната на тази жизненост, на това удивително запазване на своето „Аз“ от театъра в ерата на всеобщ ентусиазъм от техниката и възхищение от нея? Може би преди всичко в това, че театърът запазва основното си оръжие – прякото, моментно, живо общуване между актьори и зрители. Това е нещо истинско, понякога човешки разбираемо, понякога единственото недокоснато от студените метални ръце на техниката, което е безкрайно необходимо на днешния човек, тласкан от уморителния ритъм на живот.
Театърът е рядко убежище в наши дни, където всичко е естествено, естествено, човешко, където няма оглушителни усилватели, няма мъртво трептене на екрана, няма техника, която изпълва всичко, но има живи хора - актьори, естествени гласове, неувеличени до страшни размери очи и човешки страстите, които кипят тук на сцената, и аз ги виждам, чувам ги и съм сред хората такива, каквито са.
Хората са склонни към природата, това е инстинктът за самосъхранение. Театърът също е природа, природа. И докато хората се стремят към природата, към естественото, дотогава ще съществува театърът, без да се страхува нито от телевизията, нито от киното. Разбира се, борбата си е борба и театърът не може да съществува само на основата на вярно отразяване на живота. Имаме нужда от дълбочина, философско осмисляне на реалността, собствен поглед върху света около нас, имаме нужда от безстрашно проникване в наболелите съвременни проблеми. Театърът има нужда от много неща, за да оцелее в тази борба.
Но той има нещо различно, нещо прекрасно, което има само в театъра – зрител, който седи тук в залата, и можеш да чуеш дишането му, и можеш да чуеш ударите на сърцето му, и можеш да видиш очите му. Зрителят, който е свързан с невидими, но здрави нишки с актьорите, които или смразява с безразлично отношение към случващото се на сцената, или изгаря от топлината на своето вълнение. Зрителят, без когото е немислим театърът, немислим е театралът. Зрителят е последният съдник за работата на актьора, на когото той носи всичко най-скъпо, най-необходимо, най-тревожно за него.
Нашият зрител е чувствителен, горещ, искрен - той живо реагира на чувството, на потока от емоции, идващи от сцената, от екрана. Всяка пиеса, всеки филм, по един или друг начин засягащ морално-етичната тема, са спешно необходими. Необходимо. Зрителят чака силни, ярки, непримирими конфликти.
Той идва в театъра пълен с увереност, с отворено сърце. Как да оправдаем това доверие, как да го запазим? Известно е, че в основата на изкуството, а следователно и в основата на театралния спектакъл, е даден факт, подбран в съответствие с гледната точка на твореца, показан от определена позиция. Интересът се определя както от значимостта на самия факт, така и от това доколко независима и оригинална е позицията на театъра, режисьора, артистите, заслужава ли си да бъде осмислена, споделена или оспорена.
Като че ли днешният зрител може да се задоволи само с произведението, на което художникът гледа от партийни позиции, като в същото време запазва своето лично, уникално отношение към него.
Жаждата за съзерцание е може би основната черта на нашия зрител, независимо дали е работник или учен. И изкуството на театъра особено отговаря на тази негова потребност – все пак той все едно участва в разговор, който се води на сцената, защото представлението е човешка среща между изпълнители и публика, понякога техен диалог, понякога спор. А реакцията на публиката - смях, внезапно дълбоко мълчание или дори кашлица, обхванала няколко души едновременно, или неясно, непрекъснато шумолене - това е първата, най-директната и може би най-точната оценка на представлението . Но често зрителят има нужда да изрази мнението си по-категорично и, така да се каже, индивидуално.
Писма, бележки, въпроси на срещи с публиката често могат да дадат много на актьора, да внушат интересни мисли и понякога да го накарат да погледне нещо по нов начин.
И тогава има нужда да се отговори подробно и подробно на някои от тях, защитавайки тяхната гледна точка.
Бих искал да цитирам няколко подобни писма и да отговоря на тях, защото подобна размяна на мнения ми се струва ползотворна и за двете страни.
„Отдавна следя работата ви с интерес. Извинете, че ви задавам този въпрос, но ми се струва, че толкова сериозен актьор като вас би могъл да ви отговори. Кое според вас е основното в творбите на изкуството Какви проблеми имате Каква е целта на изкуството в крайна сметка? Ростов. В. Киселев".
Изкуството е катарзис, пречистване, е казал Аристотел. Но именно в изкуството човек търси отговор на измъчващите го въпроси на съвремието. Всяка истинска работа непременно носи морална тежест, опитвайки се да помогне на хората да се ориентират в бурното море от проблеми на 20-ти век. Мисля, че в наше време са успешни такива книги, филми, представления, които, говорейки за трудностите и сложността на живота, защитават вярата в доброто и справедливостта, вярата в човечеството. Особено важни са творбите, които са адресирани не към избрани единици, а към всички нас, нашия народ. И за да говорите с всеки за всеки, трябва да говорите за това, което е близко до всеки - за реалността, която е обща за всички нас. Всички сме еднакви по това, което виждаме, по това, което мислим, което преживяваме.
"Кое според вас е най-важното в произведенията на изкуството? Кои проблеми са ви най-близки?" питат ме. На този въпрос не може да се отговори скоро. Мога да кажа само едно: най-близки са ми тези проблеми, които изглеждат близки на вас, публиката. Искам да играя във филми, които биха предизвикали полемика, но в никакъв случай не оставят зрителя безразличен.
"Струва ми се, че каквото и да казват, един театрален или филмов актьор е много зависим в работата си. Има драматург, режисьор, художник, а актьорът изпълнява само техния план. Какво в крайна сметка помага на артист да защитава своята независимост?своите, а не чуждите мисли и чувства пред публиката? Москва. Е. Борисов".
Независимостта в творчеството е преди всичко независимостта на светогледа на художника, художника. Вярвам, че всеки артист трябва да има своя любима тема. Тема, която е изстрадал, минала през сърцето му. И тази тема трябва да минава като червена нишка през всичко, което създава на сцената, в киното. Ако един актьор излезе на сцената само за да блесне, да се гримира, да смени костюмите, за да покаже себе си, любимата си, няма да има смисъл. Такъв актьор никога няма да стане независим в работата си. Това не е театър, не е изкуство. Всяка роля волно или неволно обогатява артиста и се обогатява от него. Характерът на героя често се разширява. Не е достатъчно човек да бъде независим – трябва да бъде и модерен. А какво е съвременният актьор? Не, нямам предвид модата, не онези чисто външни, повърхностни признаци на времето, които често се представят за модерност. Съвременният художник е рупорът на своето време. Модерният художник е рожба на своята епоха. Той е длъжен, дошъл на света, да повдигне важни въпроси навреме. Всяка епоха, според мен, ражда не само определен тип герой, но и определен тип актьор, който го въплъщава. В киното според мен модерни актьори са Смоктуновски и Баталов. За мен като зрител е много важна и интересна гамата от проблеми, мисли, чувства, които те пренасят на екрана. За мен като актьор най-важното е да не губя това усещане за модерност в работата си. Трагично самотен и неразбираем е художникът, който закъснява в творчеството си или, обратното, който се появява малко по-рано. Да бъда на нивото на проблемите на нашето време, да говоря за това, което вълнува моите съвременници и следователно не може да не вълнува и мен - това според мен е творческа независимост, към това трябва да се стреми всеки актьор.
„Все пак имаме много филми, които изглеждат умни, сериозни, дори ги гледаш с удоволствие, но минава малко време и лесно се изтриват от паметта. Но някои филми ги помниш дълго. , много добре си спомням филма "Пепеляшка" е филм от моето детство. Имаше някаква наивна изобретателност в него. И аз също много харесвам красиви филми, цветни. Не холивудски екшън филми, не. Дори колоритността не спасява Наистина искам да гледам филми като пиесата "Принцеса Турандот", която се играе във вашия театър на името на Евгений Вахтангов.В края на краищата дори възрастните понякога обичат приказките, дори и не сериозно. Пушкино. Л. Гриневская".
Във всеки от нас, дори при сериозни хора на средна възраст, детската нужда да бъде изненадана, да се наслаждава на цветния, необичаен, ярък живот за дълго време. Умението да се наслаждаваме на илюзията, която ни дава истинското изкуство. Съвременният зрител очаква от нас не само духовен хляб, но и зрелища, зрелища в най-добрия и висш смисъл на думата. Следователно киното, разбира се, е длъжно не само да предизвиква спорове, но и да угажда на хората. Трябва да е различно – и умно, и весело, и сериозно, и празнично – същото като живота ни. Всъщност тук няма никакво противоречие. Спектакълът, ярката, оригинална форма никога няма да попречат на едно произведение да бъде едновременно умно и уместно. В края на краищата същата „Принцеса Турандот“ е не само празнично, ярко представление, но и много умно и фино изпълнение.
Московчанинът Буслаев ми писа: "Вие сте щастлив актьор, успяхте да изживеете толкова много роли, толкова много животи. Вероятно сте изиграли всички роли с любов. И все пак бих искал да знам дали има най-скъпата сред тях , тази, която помниш сам със себе си“.
Всяка роля в крайна сметка ти е скъпа по простата причина, че я създаваш с нервните си клетки, сърцето, позицията, наблюденията, живота си. Разбира се, има успешни, има по-малко успешни, има любими, има и необичани. Имам роли, които обичам да играя, има роли, които не харесвам, но най-скъпи и близки са ми онези роли, в които са ясно изразени граждански, човешки и морални позиции – когато аз, излизайки на екрана или на сцената, да знам за какво го правя, какво защитавам, срещу какво се боря, какво искам да проповядвам, на какво искам да се противопоставя, какво искам да прославям и т.н.
Накратко, колкото и изразителна и изгодна да е ролята, ако я няма, не ми е интересна. Убеден съм, че е невъзможно да съществуваш на сцената без гледна точка, без определено отношение към явлението, което се анализира в произведение или в роля.
Ето едно интересно писмо: "Напоследък имаше много дебат за това как трябва да се интерпретира класиката на сцената и на екрана. Трябваше да играете ролите от класическия репертоар повече от веднъж. този спор?"
Този въпрос тревожи мнозина.
Мисля, че са оправдани позициите на марксистката диалектика, която твърди, че животът е променлив, не може да се гледа на класиците през очите на двадесетте, тридесетте и някои други години. Можете да погледнете на класиката само през очите на днешния, модерен човек. И в него потърсете отговори на днешните въпроси. Това не е мемориал, това не е музеят на Бахрушин, известният музей на театъра в Москва, но това е жив театър, който е силен, защото винаги е модерен. Щом театърът загуби връзка с живота, той става безинтересен, колкото и да е известен, академичен и традиционен в най-красивия смисъл на думата.
Театърът винаги е интересен със съзвучието си с времето. Надявам се, че никой няма да спори с това. И ако е така, тогава как класиката може да бъде гледана или поставяна въз основа на традиции или дори решения, които са били живи през двадесетте и тридесетте години. Съгласен съм, че не е необходимо да преобръщаме едно класическо произведение, но съм убеден, че човек трябва да намери у Шекспир, или у Достоевски, или у Толстой това, което ти е близко. Аз лично не мога да си представя решение на която и да е класическа роля, ако не ти е помогнало да изразиш това, за което се притесняваш.
И най-добрите произведения от последните години потвърждават това. Затова не разбирам много този спор, честно казано. Ричард III за мен не е историческа личност, а персонаж, чрез който мога да кажа нещо, което ми се струва съществено. Друг въпрос, който ви се струва важен е дали отгатвате модерната нотка в класиката.
Ако понякога класиците се приемат за съюзници, за да изразят онези чувства, мисли, които сега не са необходими, тук наистина се оказва провал поради простата причина, че дори брилянтната класика няма да помогне на неточно, или неправилно, или наскоро изразена мисъл днес . И ако тази мисъл е наистина днешна, трептяща, жива, кървяща, то класиката, разбира се, е остро, силно и мощно оръжие. А класическото произведение помага на най-добрите творци да изразят с най-голяма сила и с най-голяма яснота тази или онази гражданска, творческа, човешка, ако щете, партийна позиция. Така се отнасям към участието си в класическия репертоар. В това разбиране няма нищо ново. Искам само да подчертая жестокостта на идеята, че без днешните очи е безсмислено да се поставят класики. Така мисля. Ако постъпите иначе, тогава това е музей, чисто литературно удоволствие, а не театрално.
Получих много писма след картината "Председател". Образът на Трубников беше оценен по различен начин. Например В. Тимоненко от Смоленск завършва писмото си така: „Според мен най-важното е, че хора като Трубников увличат хората за подвиг и вдъхват вяра в бъдещето. Помнете Нагулнов и сравнете с Трубников. Това е морален герой".
Тази гледна точка ми е близка като изпълнител. Много зрители твърдяха, че той е деспот, диктатор и лидерството му се гради само на писък. Но вече се аргументирах с това мнение по-горе.
С голям интерес прочетох и си спомних писмото на Генадий Иванович Чернов, бивш директор на завод „Красни Котелщик“, в което той сравнява фактите, случили се в живота му, със ситуацията, изобразена в пиесата „Ден за ден“.
Намирам сърдечен отзвук, близки са ми изказванията на моите кореспонденти, че „нужни са неистови, страстни герои, които чукат на сърцето, бият тревога, събуждат заспала съвест, търсят, заразяват с настроението си“.
Честно казано, писмата са приятни, където ви хвалят: както се казва, „добрата дума е приятна и за котка“. Но въпреки това най-дълго остават в паметта онези писма, в които се усеща сериозно, заинтересовано отношение към работата на театъра, към работата на актьора.
Преди няколко години сондажният бригадир В. Е. Ротин ми писа от Якутия. Виктор Евсеевич не беше съгласен с моето изпълнение на ролята на Друянов, но тактът, с който той изрази възгледите си, любовта му към театъра като цяло и към Вахтангов в частност, познаването на нашите спектакли, техният внимателен анализ неволно подсказва, че изпълнителите биха играли с по-голяма възвръщаемост (те винаги интуитивно усещат настроението на публиката), да бъдат повече такива зрители на представления.
Много често, както в писма, така и на срещи с публиката, ме питат от какви качества има нужда един истински актьор. Този въпрос си задават както журналисти, така и хора, които може би са изненадани или привлечени от спецификата, необичайността на нашата професия, и вероятно онези млади мъже и жени, които мечтаят да излязат на сцената. Мога да отговоря така.
Истинският актьор трябва да има добро здраве и чувствителност на камертон. Имайте търпение и отворено сърце. Горещо е да изпиташ всички тревоги на времето, в което живееш. Не се обезсърчавайте от неуспехи. Знайте как да работите здраво. И да виждаш в работата най-висшето щастие в живота си. На работа е. Той не трябва да се угодява на публиката, не трябва да се приспособява към нея, а да се стреми да я подчини, да я ръководи, поне да говори сериозно с нея. И накрая, истинският актьор трябва да има талант, който или се ражда с човек, или не. Тук няма какво да се прави. Диамантът може да бъде полиран, превърнат в диамант. Тухла, колкото и да къртиш, тухла си остава. Отгатването на таланта предварително е почти невъзможно. В случая говоря за професията си.
Често чувам: "В нашите представи за публиката вие сте актьор преди всичко от съвременния репертоар. На какво се дължи това: разпределението на ролите? Вашето специално пристрастие към такива роли?"
В по-голямата част от случаите съдбата на артиста зависи от репертоара, който се създава в театъра. И ако аз например играя в някой оперетен театър, никога няма да получа ролите, които съм играл. Но вероятно никой не би ми поверил тези роли, ако не ме тревожеха, ако не бяха онази, може би малка, но трибуна, от която може да се говори за проблеми, които ме вълнуват като човек, като гражданин (голям или малък е друг въпрос). И ако има съвпадение на моя мироглед с мирогледа на положителния герой, тогава възниква онази цялост на образа, която вероятно достига до зрителя. И ако, да речем, искате да кажете повече, но ролята не го позволява, тогава няма пълно сливане с образа и зрителят остава хладен към вашето изпълнение.
И сега смятам за необходимо да засегна една друга страна на отношенията между зрител и актьор. Цитирам писмо, което получих преди десетина години и въпреки това остана в паметта ми: „Стереотипът се разбива трудно. Когато гледах Фронт, отначало не приех много вашия Горлов и изведнъж, някъде по средата на представлението, ясно видях вместо Горлов, някакъв огромен, грозен пън, който стърчи по средата на пътя, се е хванал за корените си и е необходимо да го изкоренявате нито за шофиране, нито за преминаване.
Да, театрите често се сблъскват с факта, че по-голямата част от зрителите са привлечени от определен познат стереотип. И когато се сблъскат с необичаен избор на роля или необичаен талант, те често веднага го приемат с предпазливост, подозрение, а понякога просто не го приемат. Яростно, понякога грубо и категорично отхвърлят необичайното за тях, защото поставя такива зрители в задънена улица. „Наистина ли е възможно? Защо, нали са ни учили по друг начин. Аз съм свикнал с нещо друго. Не разбирам това и затова не го приемам.“
Това е зло, ограничено, ако щете, дребнобуржоазно съждение - ако не за мен, то следователно е погрешно. Това обеднява и зрителя, и изкуството. А в изкуството не може да има еднозначно решение. Иначе Хамлет нямаше да се играе четиристотин години. Би било скучно да се повтаря едно и също нещо от век във век. Това е безсмъртието на Шекспир, което всяка епоха намира в него в съгласие със себе си. И не само при Шекспир. Възможностите за отразяване на днешния ден със средствата на изкуството са безкрайни. Безкраен. И колкото по-разнообразни са те, толкова по-пълно е това отражение. И колкото по-широк е кръгозора и възможностите на зрителя или читателя. Можете да изберете артисти, които най-пълно изразяват вашето отношение към света. Но това не означава, че не може да има друг начин за изразяване на реалността освен този, с който сте свикнали.
В Грузия има много отлични, талантливи паметници на изключителни културни дейци на грузинския народ. Но колко различни са те! Яростен Гамсахурдия и завладяващ Бараташвили, целият като пламък Табидзе и огромен като скали Яшвили, пронизващ до сълзи Пиросмани, на колене, с агне, притиснато до гърдите му, и Серго Закариадзе, вече въплътен в гранит - паметник на загиналите войници в Гурджаани . Душата се радва на такова разнообразие и безкраен талант на грузинските скулптори.
Едно нещо е едно и също в тях - любов към великите синове на Грузия, любов и най-дълбоко уважение към своя народ. Да, и двете трябва да са неизменни, непоклатими. А възможностите за изразяване на тези чувства са безкрайни.
Същото важи и за театъра, за актьорите. Още повече, че нашето изкуство е толкова мимолетно, толкова мимолетно и затова изисква предпазливост в оценките, любов и разбиране.
В края на краищата, едно театрално представление, театралната работа на един актьор не е бронз или гранит, които могат да бъдат оценени много години по-късно. Актьорството има само настояще и колкото и страшно да звучи, бъдеще няма. Актьорът спира да играе – и неговата роля, неговото творение изчезва. Такава е безпощадната истина за нашата професия. Не е нужно да чакаме разбиране от бъдещите поколения. Имаме нужда от разбиране днес и само днес. Утре ще има други актьори и други зрители.
Например, Инна Чурикова е актриса с голям талант, за разлика от никоя друга. Несвикнал с нейния начин на изпълнение, израз на нейната любов към живота. Възможно е ти, драги читателю, да си по-близо до нещо друго, по-определено, по-познато. Какво от това? Това е ваше право. Но не е закон за всички. Между другото, великият мъдрец Сократ е казал: "Знам, че нищо не знам." Ето защо той е мъдър човек, че допуска възможността за своето невежество.
Не толкова отдавна в „Литературная газета“ мина малка, но смайваща бележка - зрител от Уман написа с възмущение: „Артистите играят или положителни, или отрицателни герои. Защо не искат да вземат предвид факта, че аз, зрителят , имат памет, включително емоционална. Не трябва да разпознаваме артистите и да ги възприемаме само като актьори. В противен случай гледате положителен образ, а паметта ми казва, че съм виждал този актьор като негодник и негодник. Как мога да бъда ?" Наистина, как може да бъде? А публиката и най-важното - актьорите? Освен това знам от собствената си поща, че има много, ако не и мнозинство, такива зрители с повишена емоционална памет, тоест такива, които не приемат опитите на актьорите да се измъкнат от дълбока, утъпкана коловоз. Или може би зрителят е прав и трябва да върнете ролята? За да знае всеки своя шести. И за актьорите е лесно - утъпкан път, а зрителят знае предварително вкуса на ястието, сервирано от този или онзи актьор в продължение на много години.
Но Евгений Бограционович Вахтангов каза, че един актьор, истински актьор, трябва да може да играе и водевил, и трагедия, което означава, че трябва да може да играе и герои, и злодеи. Как да съм тук? Мисля, че онези зрители, на които им е трудно да превключат от едно възприятие за актьор към друго, се отнасят към изкуството на актьора, ако ме извините, като децата към приказка, където всичко е подредено по рафтовете и уредено надолу в продължение на много векове. Този чичо е Бова Королевич, а този е Кошчей Безсмъртният. Такъв зрител, както абсолютно правилно пише драматургът С. Алешин в една статия, след като дойде в театъра, не иска да научи нищо ново. Той иска потвърждение на това, което вече знае. И се дразни, дразни и дори ядосва, ако види и чуе нещо различно, а дори и обратното. Такъв зрител, дошъл на представлението, иска да забавлява суетата си и да получи потвърждение за своята непогрешимост. Той, този зрител, се обижда, ако актьор, когото е свикнал да вижда в положителни роли, изведнъж играе негодник. Това според него е предателство.
А в книгата „Въпроси към себе си“, забележителна със своята искреност и правдивост, Василий Макарович Шукшин пише: „Като всеки, който прави нещо в изкуството, аз също имам „интимни“ отношения с читатели и зрители - писма. Пишете. Търсете. Търсете Карат се на юнаците за тяхната грубост, за пиянството им и пр. Разбира се, учудва известната категоричност, с която те изискват и се карат. Наистина рядка увереност в собствената си правота. Но най-вече искреността и гнева с който това се прави е изненадващо. "Просто невероятно! Почти анонимен със заплаха за убийство от ъгъла с тухла. Но какво искат? Да измисля аз. Той, дяволът, има съсед зад стената който работи, пие през уикендите (понякога шумно), понякога се кара с жена си ... Той не вярва в него, той отрича, но ще повярва, ако излъжа от три кутии, той ще бъде благодарен, той ще плаче пред телевизора , трогнат, и си лягайте със спокойна душа.
Прибягнах до този цитат, за да покажа, че проблемът за такъв зрител смущава и безпокои много творци. Притеснително е, защото има много такива зрители и читатели. И най-странното е агресивността, с която защитават своята гледна точка, която смятат за непоклатима и единствено вярна.
Способността за възприемане на красотата не се ражда от само себе си. Това умение трябва да се възпитава. Трябва да свикнеш с музиката, рисуването, театъра, за да станат те не забавление за човека, а необходимост. Не можете да гледате на театъра като на диван за почивка - той е удобен, познат, това е добре.
Ако някое произведение на изкуството ви изглежда неразбираемо, може би дори извънземно, не бързайте да го отричате, а се опитайте да помислите какво е искал да каже създателят му, каква идея да изрази.
Контактът с публиката е задължително условие за съществуването на театъра. Ако успее да разтърси сърцата, да разкрие невидимите страни на живота, значи е необходим, значи е пълен, значи е непобедим.
Но другата страна, зрителят, също има нужда от контакт с театъра и следователно стремежите ни да намерим общ език трябва да са взаимни.
Зрителят не е вкус, зрителят е преживяване
Зрителското изживяване, което е възможно в театъра, не се свежда до изживяването на поглъщането на други маси. медийни продукти. Говорейки за театралната публика, последното нещо, което трябва да направим, е да се позоваваме на понятието масов вкус, да съпоставим театралната продукция с този анонимен случай.
В театър, в който е възможна „емпатия“, тоест физическо едновременно съприсъствие с разиграваща се фантастична, измислена реалност (доста банално и вече добре познато разграничаване на театъра от други колективни гледания), зрителят получава възможност за репетиция различни социални роли, зрителят е вътре различни произволни общности,зрителят преживява различни емоции от колективния живот. Това преживяване като цяло не се повтаря при други огледи. Може би това пречи на театъра да изчезне.
Вътрешната структура на театъра като модел на обществото
Историята на театъра предлага различни форми на организиране на театралното пространство, което води до внедряване в зрителя на преживявания, които не се свеждат до ежедневието. Всяка форма на театър обръща внимание на качеството на вниманието или социалното действие, което е важно за дадена социална структура.
Най-общите теоретични знания за зрителя в масовата система. медиите ни предлагат твърдението, че зрителят безкритично възприема конвенциите на реалността, предлагани му от каналите за предаване на информация, за разлика от, да речем, литературните (извънжанровата литература) конвенции на реалността или немасовото изкуство, където те са дълбоко противно на ежедневния опит на зрителя/читателя. Шокът от диспропорцията задейства механизма на възприемане на определен текст, кара зрителя/читателя да преосмисли условностите на собственото си възприемане на реалността, границите на своя реален свят.
По аналогия с възприемането на литературата и изкуството може да се каже, че различните форми на театъра активират у зрителя, у участника, специална емоция и специална роля, които не могат да бъдат сведени до всекидневния опит.
В историята на театъра и в топографията на театралните форми, които съществуват днес, могат да се идентифицират различни антропологични конструкции на зрителя. Културата на ХХ век е уникална с това, че може да практикува едновременно различни театрални системи.
А това означава, че в действителност на зрителя се дава възможност да комбинира чувствата си, да пробва различни социални роли. Фестивалите или животът на театралните градове могат да предложат на зрителя едновременно шест или седем концепции за социално преживяване на една фантастична театрална реалност, дадена във физическо съприсъствие с него.
Ето едно приблизително описание на театралните пространства, които едновременно присъстват в голям европейски град. Ще подчертая само тенденциите, елементите на тези театрални пространства могат да се съчетаят в едно представление. Важно е да се разбере техният произход и ролята на публиката, която генерират.
Подредбата на театъра на Шекспир предполага преживяването да отидеш на театър близо до забавлението на масата, до отдиха на обикновените хора. Такова преживяване привлича бурен, необуздан, емоционален живот.
Театрални форми на новото време (опера, след това оперета), с концепцията за сценично огледало, където социалните конфликти се редуцират или драматизират на сцената, където действието е адресирано до човек със способността да не се забавлява и да играе шеги , а да разпознае себе си като част от сложно общество и да съотнесе своите конфликти със сценичната версия. И освен това, в такава театрална подредба, не само процесът на гледане на представлението става важен, но и демонстрирането на собствения престиж преди представлението, представлението, което тези, които са дошли на оперетата, играят още преди представлението. В съвременен контекст свиренето в аристократично или буржоазно общество е възможно в оперните театри.
В цирка, където основната тема на представлението е обучението, зрителят отново и отново изживява неговото величие и власт над природата. Самообучение, завладяване на диви животни, възхищение от човешките възможности, до паранормалното (в изкуството на илюзионистите).
Уличният театър с местоположението си претендира да се слее с реалния живот, приближавайки минувача максимално до зрителя. Тази форма на театър е въплътена във фестивала на уличния театър в Единбург, рядко се практикува в Русия.
Изобретението на деветнадесети век, кабарето е театър в кафене, театър, където като в оперета обществото се осмива, където отразяването на политиката, пороците и навиците на сънародниците става почивка - най-непоносимата форма на театрално изкуство за руската публика. От няколко години насам хумористични телевизионни програми като Full House стабилно изместват този театрален жанр. Бяха направени няколко опита да се върне практиката на кабарето в реалния театрален процес, в Москва се проведе фестивалът на комедията Stend ab, от време на време се появяват инициативи за кабаретни програми, но тази посока все още не е получила масов успех.
И накрая, най-трудната за описание група театрални пространства. Театри, които наричат себе си авангардни. Авангардното изкуство в театъра поставя под въпрос условностите на добре познатите театрални форми и тества границите на зрителското възприятие. Тези театрални пространства са много важни, те са лаборатории, където зрителят за първи път може да усети отново ролята на зрителя и как да усети театъра като изкуство за първи път.
Пространства на ликуване и пространства на тъга.
В допълнение към образа на зрителя (зрител, който се смее, зрител, който се наслаждава, зрител, изпитван, зрител събеседник) и преживяването на театрално представление, което не се свежда до ежедневието, различните форми на театъра предлагат споделяне на солидарност на различни основания, например при преживяване на една емоция. Реализираният в спектакъла зрител придобива доминираща емоция: наслада – шокиран – измъчен – провокиран – одобрителен – вдъхновен. Това е преживяването на обединение с други хора в емоции, по-очевидно от виртуалното емоционално преживяване при гледане на телевизионни програми, което рядко се среща с отражение никъде другаде в живота на съвременното общество. Емоционалните изблици, изпитани сред други хора относно театралните събития, могат да се конкурират с емоциите относно социалните ритуали: минути мълчание, празнични шествия или емоции относно събития на потребителското общество: празнични разпродажби, нови колекции, шеги.
Социалният опит на театралния зрител: пространствен, ролев, емоционален, за разлика от „качеството на театралната постановка” рядко става тема за театралните критици, което е жалко, тъй като подобен подход би ни позволил да представим зрителят не като пасивна инстанция на потребителя, а за да види събитията на възприятието, зрителските усещания, зрителя. Участието е вълнуваща и важна част от живота на театъра.
Две начинаещи продуцентки Дария Золотухина и Елена Новикова създадоха първото завладяващо представление в Русия „Black Russian“ и продадоха билети за 82 милиона рубли през първия сезон.
Начинаещи продуценти Елена Новикова и Дария Золотухина (отляво надясно) (Снимка: Иван Гушчин/Пресслужба на компанията)
„В тази къща е забранено да се гледа, но гостите имат право да надничат“, гласи първото правило на къщата на Троекуров, в която се развива действието на пиесата „Черният руснак“. Това е първата руска продукция, която се позиционира като потапящ спектакъл (от англ. immersive - "създаване на ефект на присъствие, потапяне"). Тук публиката се налива с чаша водка и се лекува с черни палачинки, няма сцена - посетителите могат свободно да се движат сред актьорите и да общуват с тях в старо имение.
През първия сезон билетът за необичайно представление струваше 5,6 хиляди рубли, два до три пъти повече от средните цени за представления в Москва. Билетите обаче се намираха трудно и обикновено се разпродаваха седмица преди представлението.
Black Russian е дебютът на продуцентите Дария Золотухина и Елена Новикова. Те възстановиха инвестициите за един сезон, получиха 80 милиона рубли. приходи и 20 милиона рубли. пристигна.
Театрални експерименти
Потапящите изпълнения дойдоха в Русия от чужбина. През 2003 г. в Лондон се състоя премиерата на първото и най-популярно потапящо представление в света Sleep No More. Продукцията свързва Шекспировия Макбет с филми в духа на Хичкок. Сега шоуто се премести в САЩ.
В Щатите вече има доста компании, които се занимават с потапящ театър: например Third Rail Projects са автори на популярната интерактивна пиеса Then She Fell по писмата на Луис Карол, където участват само 11 зрители; Speakeasy Dollhouse е компания от Ню Йорк, която е специализирана в постановката на шоута, където зрителят участва в разследването на мистериозно престъпление и т.н.
Театралните куестове, като "Москва 2048" от "Клаустрофобия", се смятат за предвестник на потапящи се представления в Русия. През 2014 г. в рамките на театралния фестивал, като експеримент, центърът "Мейерхолд" постави спектакъла-ходилка "Норманск" от Юрий Квятковски по книгата на братя Стругацки "Грозните лебеди". „Преди представленията-куестове в Русия никога не са станали модно забавление, те винаги са били собственост на маргинализираните, на експерименталната сцена или на бедните фестивали ... Направени в голям мащаб ... и с частни пари, „Черният руснак“ бележи преминаването на пешеходците от категорията на иновациите към сферата на масовото потребление“, пише критикът Роман Должански в „Комерсант“.
Театрални мечти
Дария Золотухина мечтаеше за театър от детството. Пример за нея беше баща й, който направи декорации и измисли нови художествени програми за детския театър. Золотухина дори получава докторска степен по културология, но гради кариера в друга област. През последните пет години тя отговаря за маркетинговите комуникации на Yandex.Taxi.
Елена Новикова работи 12 години като продуцент на различни маркетингови и PR проекти, ръководи агенция Pelican Event, която принадлежи към BBDO Russia Group. Сега Елена работи като продуцент на театър "Работилница Брусникин".
Бъдещите партньори се срещнаха през ноември 2015 г. След това Дария учи в драматичното училище Херман Сидаков, където се запознава с Дмитрий Брусникин, с когото работи Елена Новикова. Оказа се, че Дария и Елена имат подобно желание - да изнесат завладяващ спектакъл в Русия. През януари 2016 г. партньорите започнаха работа. В столицата нямаше аналози, така че за начало предприемачите решиха да проучат чуждестранен опит: отидоха в Ню Йорк за един месец, където гледаха няколко потапящи продукции.
В Русия първото нещо, което направиха, беше да потърсят съвет от режисьора Максим Диденко. Дария и Елена описаха идеята и попитаха кой от режисьорите може да я реализира. На което Диденко отговори, че самият той не е против да участва в проекта и извади своя екип от специалисти.
Не беше лесно да се вземе решение за идеята за бъдещото изпълнение, имаше няколко идеи. Първоначално се разглеждаха „Опасни връзки” от Шодерлос дьо Лакло и „Маскарад” от Михаил Лермонтов. Дария и Елена търсеха добре позната работа, така че дори неподготвен зрител да разбере за какво става въпрос. В хода на дълги дискусии решихме да се съсредоточим върху руската класика. „Дубровски“ на Пушкин е предложен от Максим Диденко и драматурга Константин Федоров.
През март драматургът започна работа по сценария. До май първата версия на сценария и скиците на декорите бяха готови. За да сключат договори с изпълнители и да плащат такси, момичетата регистрираха компанията Ecstatic Enterprise LLC.
Момичетата платиха първата подготвителна работа за своя сметка, но скоро разбраха, че е необходимо да се привлекат инвестиции. Търсенето на пари, признават предприемачите, беше най-трудният етап. Третият партньор и инвеститор на проекта беше Алексей Зайцев, собственик на металургичната компания A Group, с когото Золотухина запознаха общи приятели. Според SPARK Алексей има 20% дял в Ecstatic Enterprise LLC, Дария и Елена имат по 40%. Общо партньорите инвестираха около 27 милиона рубли в представлението. Черният руснак също има двама филантропи - съсобственикът на Yota Сергей Адониев и финансистът Леонард Блаватник: те инвестираха около 18 милиона рубли.
Поглъщащите представления не се нуждаят от театър: цялото пространство на сградата действа като сцена. Предприемачите наемат имението на Спиридонов в улица Мали Гнездниковски в Москва - градско имение от 19-ти век: важно е парцелът да се вписва органично в обстановката. Основната част от подготовката се проведе през лятото: обектът беше превърнат в театър, в допълнение към декорите за представлението беше необходимо да се подготвят гримьорни, гримьорна работилница, звукова работилница и други производствени съоръжения . Общо повече от 25 милиона рубли бяха изразходвани за наемане и ремонт на сградата.
През август започнаха репетициите с актьорите. В трупата има 49 души, това са артистите на Гогол център, Театър Практика, Театър на нациите, Театър Вахтангов. Отне около 37 милиона рубли, за да плати на артистите за сезона.
Потапящият театрален формат се оказа толкова необичаен, че актьорите често не знаеха как да взаимодействат с публиката. Например, веднъж един от зрителите по време на последната сцена, когато Дубровски е убит, вдигна револвер и стреля по нарушителя. Понякога имаше сцени на ревност в шоуто. Факт е, че Дубровски често флиртува със зрители, чете поезия шепнешком в ухото си. Кавалерите не издържаха и започнаха да оправят нещата с актьора.
„Импровизацията се оказа доста труден момент за артистите, а за всички беше предизвикателство, предизвикателство. Поканихме Том Пиърсън, завладяващ театрален режисьор от Ню Йорк, за майсторския клас“, спомня си Новикова. През лятото Дария Золотухина излезе в отпуск по майчинство, така че успя да се посвети изцяло на Black Russian, а Елена Новикова напусна BBDO и комбинира подготовката на пиесата с работа в работилницата Брусникин.
"Черният руснак" в цифри
5,9 хиляди рубли— цена на билета за пиесата „Черен руснак” във втория сезон, започва на 2 февруари
17,3 хиляди рублинаправи средна проверка на уебсайта на проекта, много зрители дойдоха в група, някои купиха всички билети за представлението, за да организират празник за приятели
10 минутиактьорите застават в позиция „дъска” при всяка загрявка преди представлението
1 час 20 минути изпълнението продължава
2 актьорите играят по две представления на ден
Преди 80 зрителипосетете шоуто
Източник: данни на Ecstatic Enterprise
Театърът не е за театрали
Шоуто беше рекламирано от продуценти във Facebook и Instagram, отне около 4,5 милиона рубли. Но не беше необходима мащабна рекламна кампания. Според статистиката на Ecstátic всеки трети зрител е публикувал в социалните мрежи. Освен от уста на уста, продажбите се движат и от добрите отзиви на театралните критици.
Факт е, че шоуто наистина се оказа необичайно. Всеки зрител на входа получи като подарък маска, съответстваща на една от сюжетните линии: Маша е лисица, Троекуров е бухал, Дубровски е елен. Маските са включени в цената на билета, те струват на организаторите 1,5 милиона рубли всяка. на месец.
В продължение на час и половина зрителят може да гледа една от трите сюжетни линии - Маша, Троекуров или Дубровски. „Всеки зрител монтира представлението именно от онези епизоди, които е успял да види, от тези взаимодействия с актьорите, които са успели да взаимодействат с него“, казва Дария Золотухина. В резултат на това някои зрители закупиха повторно билети, за да гледат сюжетните линии на други герои.
Режисьорите вярват, че правилно подбраните миризми, звуци, вкусови усещания и визуални образи помагат на публиката да се потопи по-дълбоко в артистичния свят на представлението. Затова Дария и Елена заснеха видео за прожекции сред природата в продължение на седмица. След това с помощта на берлински колеги от заснетия материал е монтирана 360-градусова видеопрожекция. Също така във всяка стая бяха пръскани специални аромати - миризма на махагон, миризма на тамян и други.
Това е и гастрономическо шоу. Зрителите се гощават с черни кнедли с мастило от сепия, червен колбас и плодове. В кухнята по време на представлението се пекат палачинки на черно брашно и се вари компот от черни сушени плодове. За храна се харчат около 1 милион рубли. на месец. Част от разходите са поети от партньорите на представлението. Например, на входа на публиката се представя погребална чаша водка: представлението започва с погребението на Троекуров. Производителите успяха да привлекат водка Beluga като партньор.
„Проектът ни се стори интересен поради нестандартния творчески подход - преди това фразата „потапящ се театър“ беше нова за мнозина в Русия и, разбира се, поради работата, избрана за постановка. Доволни сме от сътрудничеството, тъй като проектът се превърна в голямо събитие в живота на Москва и привлече много внимание“, казва Мария Нестерова, директор „Маркетингови комуникации“ на марката Beluga. Според Золотухина през втория сезон ще има повече такива партньори.
Продуцентите смятат, че са успели да привлекат публика, която обикновено не ходи на театър. „Просто нашата мечта беше да доведем нова публика в театъра, да създадем нов случай, да разширим границите на съзнанието на хората“, казва Елена Новикова.
Снимка: Иван Гушчин/Пресслужба на компанията
черна икономика
Общо повече от 100 милиона рубли бяха изразходвани за създаването и популяризирането на представлението през първия сезон: 45 милиона рубли. - това е капиталова инвестиция в реквизита и оборудването на имението, около още 60 милиона рубли. - оперативни разходи за сезона за заплати, наем и храна.
През първия сезон актьорите изиграха 175 представления - десет представления на седмица. Общо "Черният руснак" е гледан от 14 хиляди зрители. Оборотът от първия сезон възлиза на повече от 82 милиона рубли. Ако вземем предвид помощта на покровители, тогава производителите почти възстановиха всички инвестиции и спечелиха около 20 милиона рубли. печалба: оперативният марж беше около 25%.
Според Дария Золотухина проектът е започнал като хоби, тя и Елена не са очаквали такъв комерсиален успех. На 2 февруари стартира новият сезон на Black Russian. Производителите повишиха цената на билета до 5,9 хиляди рубли. и сме сигурни, че този път шоуто ще бъде гледано от още 15 хиляди зрители. Ако динамиката на продажбите остане положителна, шоуто може да стане постоянно.
Изпълнението обаче има сериозни конкуренти. През декември стартира друга завладяваща пиеса „Завърналите се“ в старо имение в Москва, а завладяващият мюзикъл „Суини Тод“ стартира в Театър на Таганка. И двете представления са успешни.
Изглед отвън
„Потапящите представления привличат нова публика в театралния живот“
Алексей Зайцев, собственик и главен изпълнителен директор на металургичната компания A Group:
„Реших да подкрепя проекта, защото е много интересен, нов за Русия. Бях впечатлен от подхода - поканиха един от най-добрите според мен екипи от професионалисти. Доволен съм от резултата.
Ако говорим за конкуренти, които се появяват в сегмента на потапящия театър, например шоуто „Завърнали се“, тогава това е само плюс за развитието на този формат и привличането на вниманието към него, а оттам и популярността на нашето шоу. Поглъщащите представления привличат нови зрители към театралния живот. Иска ми се да вярвам, че руският театър като цяло ще бъде възприеман като прогресивен. "Black Russian" доказа, че можем да правим качествени неща, които да се харесат на взискателната публика."
„Потапящият театър е триизмерно представление“
Тимур Кадиров, съосновател на компанията Claustrophobia:
„Мисля, че потапящият театър е страхотен. Бях в Ню Йорк. Вече не спя, ще посетя московските продукции. Нашата мисия „Москва 2048“ също може да се припише на потапящия театър, въпреки че има много повече игрови компонент.
Това, което сега е потапящият театър, е триизмерно представление. Зрителят има възможност да наблюдава какво се случва от всяка точка на пространството, но всъщност той остава невидим наблюдател, както в класическия театър. Ние се интересуваме от създаване на проекти със смесени роли, когато зрителят става пряк участник в представлението, както се случва в Москва 2048 или всяко представление на Клаустрофобия. Планираме да продължим да се движим към театъра, създавайки повече проекти в пресечната точка на играта и театралното представление.“
„Зрителят получава всичко, което му е обещано“
Григорий Заславски, театрален критик, актьор Ректор на GITIS:
„Black Russian“ е огромна победа и успех за две продуцентки, които успяха да убедят голяма част от хората, че представлението наистина струва много пари. Това е много честен проект. Зрителят получава всичко, което му е обещано. Усещат се сериозни инвестиции и фантазии на художника, режисьора и финансите. Но театралният живот в Москва няма да се промени драстично, това е просто ново удоволствие. Бих казал, че театърът има още един сериозен конкурент.”
„Трудно е да изненадаш или впечатлиш съвременник с нещо“
Вячеслав Дусмухаметов, продуцент на шоуто "Завърнали се":
„Дали потапящите представления ще променят театралния пазар е много често срещан въпрос. Преди десет години имаше широки и безполезни дискусии и тревоги дали интернет или електронните книги ще изместят печатните издания. Статистиката по отношение на мащаба е леко променена, защото все пак това са различни пазари и различни продукти. Така е и с театъра.
Вглъбяването във формата на представлението е колективното несъзнавано, нещо, което липсва на съвременния човек. Състоянието, когато сте изкуствено поставени в среда, в която можете да изпитате напълно различни състояния за час или два, които може да не са съвсем познати или отдавна забравени, от ужас до възхищение, състрадание или омраза. Трудно е да изненадаш или впечатлиш с каквото и да е съвременник, затова съм сигурен, че точно това е форматът и средата, които са необходими.
Запазване
