Л.Каранкова
1. Характеристики на творческия стил на Бетовен.
Л. В. Бетовен е немски композитор, представител на виенската класическа школа (роден в Бон, но прекарва по-голямата част от живота си във Виена - от 1792 г.).
Музикалното мислене на Бетовен е сложен синтез:
творчески постижения на виенската класика (Глук, Хайдн, Моцарт);
изкуството на Френската революция;
нови, възникващи през 20-те години. XIX век художествено течение - романтизъм.
Произведенията на Бетовен носят отпечатъка на идеологията, естетиката и изкуството на Просвещението. Това до голяма степен обяснява логичното мислене на композитора, яснотата на формите, обмислеността на цялостната художествена концепция и отделни детайли на произведенията.
Също така трябва да се отбележи, че Бетовен се проявява най-пълно в жанровете на соната и симфония (жанрове, характерни за класиката). Бетовен е първият, който използва т.нар „конфликтен симфонизъм“, основан на противопоставянето и сблъсъка на ярко контрастиращи музикални образи. Колкото по-драматичен е конфликтът, толкова по-сложен е процесът на развитие, който за Бетовен се превръща в основна движеща сила.
Идеите и изкуството на Великата френска революция оставят своя отпечатък върху много от творенията на Бетовен. От оперите на Керубини има пряк път към Фиделио на Бетовен.
Произведенията на композитора въплъщават привлекателни интонации и точни ритми, широко мелодично дишане и мощна инструментализация на химните на песните, маршовете и оперите от тази епоха. Те трансформират стила на Бетовен. Ето защо музикалният език на композитора, макар и свързан с изкуството на виенската класика, в същото време беше дълбоко различен от него. В произведенията на Бетовен, за разлика от Хайдн и Моцарт, рядко се срещат изящни орнаменти, плавни ритмични модели, камера, прозрачна текстура, баланс и симетрия на музикалната тематика.
Композитор от нова епоха, Бетовен намира различни интонации, за да изрази мислите си – динамични, неспокойни, сурови. Звукът на музиката му става много по-богат, плътен и драматично контрастиращ. Неговите музикални теми придобиват невиждан досега лаконизъм и строга простота.
Слушателите, възпитани в класицизма на 18-ти век, бяха зашеметени и често неразбрани от емоционалната сила на музиката на Бетовен, проявена или в насилствена драма, или в грандиозен епичен размах, или в прочувствен лиризъм. Но точно тези качества на изкуството на Бетовен възхищаваха романтичните музиканти. И въпреки че връзката на Бетовен с романтизма е неоспорима, неговото изкуство в основните си очертания не съвпада с него. Не се вписва напълно в рамките на класицизма. Защото Бетовен, като малко други, е уникален, индивидуален и многостранен.
Теми от творчеството на Бетовен:
Фокусът на Бетовен е върху живота на героя, който протича в постоянна борба за универсално, красиво бъдеще. Героичната идея минава като червена нишка през цялото творчество на Бетовен. Героят на Бетовен е неотделим от народа. В службата на човечеството, в извоюването на свободата за него той вижда целта на своя живот. Но пътят към целта минава през тръни, борба, страдание. Често герой умира, но смъртта му е увенчана с победа, носеща щастие на освободеното човечество. Привличането на Бетовен към героичните образи и идеята за борба се дължи, от една страна, на неговата личност, трудна съдба, борба с нея и постоянно преодоляване на трудности; от друга страна, влиянието на идеите на Великата френска революция върху светогледа на композитора.
Темата за природата също е богато отразена в творчеството на Бетовен (6-та симфония „Пасторална“, соната № 15 „Пасторална“, соната № 21 „Аврора“, 4-та симфония, много бавни движения на сонати, симфонии, квартети). Пасивното съзерцание е чуждо на Бетовен: спокойствието и тишината на природата помагат за дълбоко разбиране на вълнуващите въпроси, събиране на мисли и вътрешна сила за борбата на живота.
Бетовен навлиза дълбоко и в сферата на човешките чувства. Но, разкривайки света на вътрешния, емоционален живот на човека, Бетовен рисува същия герой, способен да подчини спонтанността на чувствата на изискванията на разума.
Основни характеристики на музикалния език:
Мелодика. Основната основа на мелодиката му е в тръбни сигнали и фанфари, в подканващи ораторски възклицания и маршови обороти. Често се използва движение по звуците на триада (G.P. „Eroic Symphony“; тема на финала на 5-та симфония, G.P. I част 9 от симфонията). Цезурите на Бетовен са препинателни знаци в речта. Ферматите на Бетовен са паузи след патетични въпроси. Музикалните теми на Бетовен често се състоят от контрастни елементи. Контрастната структура на темите се среща и при предшествениците на Бетовен (особено при Моцарт), но при Бетовен това вече се превръща в модел. Контрастът в рамките на темата прераства в конфликт G.P. и П.П. в сонатна форма, динамизира всички части на сонатното алегро.
Метроритъм. Ритмите на Бетовен се раждат от същия източник. Ритъмът носи заряд на мъжественост, воля и активност.
Маршовите ритми са изключително често срещани
Танцови ритми (в картини на народното забавление - финалът на 7-ма симфония, финалът на сонатата "Аврора", когато след много страдание и борба идва момент на триумф и радост.
Хармония. С простотата на вертикалния акорд (акорди на основните функции, лаконично използване на неакордни звуци) има контрастираща и драматична интерпретация на хармоничната последователност (връзка с принципа на драматургията на конфликта). Остри, смели модулации в далечни тонове (за разлика от пластичните модулации на Моцарт). В по-късните си произведения Бетовен предвижда характеристиките на романтичната хармония: полифонична тъкан, изобилие от неакордови звуци, изящни хармонични последователности.
Музикалните форми на произведенията на Бетовен са грандиозни структури. „Това е Шекспир на масите“, пише В. Стасов за Бетовен. „Моцарт е отговорен само за индивидите... Бетовен мисли за историята и за цялото човечество.“ Бетовен е създател на формата на свободните вариации (финал на соната за пиано № 30, вариации по тема от Диабели, 3-та и 4-та части на 9-та симфония). На него се приписва въвеждането на вариационната форма в голямата форма.
Музикални жанрове. Бетовен развива повечето от съществуващите музикални жанрове. Основата на неговото творчество е инструменталната музика.
Списък на творбите на Бетовен:
Оркестрова музика:
Симфонии - 9;
Увертюри: “Кориолан”, “Егмонт”, “Леонора” - 4 варианта за операта “Фиделио”;
Концерти: 5 пиано, 1 цигулка, 1 троен - за цигулка, виолончело и пиано.
Пиано музика:
32 сонати;
22 вариационни цикъла (включително 32 вариации в c-moll);
Bagatelles (включително „Fur Elise“).
Музика на камерен ансамбъл:
Сонати за цигулка и пиано (вкл. „Кройцерова” № 9); виолончели и пиано;
16 струнни квартета.
Вокална музика:
Опера "Фиделио";
Песни, вкл. цикъл “На далечна любима”, обработки на народни песни: шотландски, ирландски и др.;
2 меси: до мажор и тържествена меса;
оратория „Христос на Елеонския хълм“.
2. Жизненият и творчески път на Бетовен.
Бонски период. Детство и младост.
Бетовен е роден в Бон на 16 декември 1770 г. Във вените му, освен немска, тече и фламандска кръв (по бащина линия).
Бетовен израства в бедност. Бащата изпиваше мизерната си заплата; той учи сина си да свири на цигулка и пиано с надеждата, че ще стане дете чудо, нов Моцарт и ще осигури семейството си. С течение на времето заплатата на бащата беше увеличена в очакване на бъдещето на неговия талантлив и трудолюбив син.
Общото образование на Бетовен е също толкова несистематично, колкото и музикалното му образование. В последното обаче практиката играе голяма роля: той свири на виола в придворния оркестър и изпълнява като изпълнител на клавишни инструменти, включително органа, който успява бързо да овладее. КИЛОГРАМА. Нефе, придворният органист на Бон, става първият истински учител на Бетовен (между другото, той преминава през целия "HTK" на С. Бах с него).
През 1787 г. Бетховен успява да посети за първи път Виена - по това време музикалната столица на Европа. Според разказите Моцарт, след като слушал играта на младия мъж, високо оценил неговите импровизации и му предсказал голямо бъдеще. Но скоро Бетовен трябваше да се върне у дома - майка му умираше. Той остана единственият хранител на семейство, състоящо се от разпуснат баща и двама по-малки братя.
Талантът на младия мъж, неговата алчност за музикални впечатления, неговата пламенна и възприемчива природа привличат вниманието на някои просветени бонски семейства, а блестящите му импровизации на пиано му осигуряват свободен достъп на всякакви музикални събирания. Семейство Брюнинг направи много за него.
Първи виенски период (1792 - 1802).
Във Виена, където Бетовен идва за втори път през 1792 г. и където остава до края на дните си, той бързо намира титулувани приятели и покровители на изкуството.
Хората, които са се срещали с младия Бетовен, описват двайсетгодишния композитор като набит млад мъж със склонност към показност, понякога нахален, но добродушен и мил в отношенията с приятелите си. Осъзнавайки недостатъчността на образованието си, той отива при Йозеф Хайдн, признат виенски авторитет в областта на инструменталната музика (Моцарт е починал година по-рано) и известно време му носи упражнения за контрапункт за проверка. Хайдн обаче скоро губи интерес към упорития ученик и Бетовен, тайно от него, започва да взема уроци от И. Шенк и след това от по-задълбочения И. Г. Албрехтсбергер. Освен това, желаейки да подобри вокалното си писане, той посещава известния оперен композитор Антонио Салиери в продължение на няколко години. Скоро той се присъединява към кръг, който обединява титулувани аматьори и професионални музиканти. Принц Карл Лихновски въведе младия провинциал в кръга на своите приятели.
Политическият и социален живот на Европа по това време е тревожен: когато Бетовен пристига във Виена през 1792 г., градът е развълнуван от новините за революцията във Франция. Бетовен с ентусиазъм приема революционните лозунги и възхвалява свободата в музиката си. Вулканичният, експлозивен характер на неговото творчество несъмнено е въплъщение на духа на времето, но само в смисъл, че характерът на твореца е до известна степен оформен от това време. Дръзкото нарушаване на общоприетите норми, мощното себеутвърждаване, гръмотевичната атмосфера на музиката на Бетовен - всичко това би било немислимо в епохата на Моцарт.
Ранните произведения на Бетовен обаче до голяма степен следват каноните на 18-ти век: това се отнася за триата (струнни и пиано), сонати за цигулка, пиано и виолончело. Тогава пианото е най-близкият инструмент на Бетховен; в своите клавирни творби той изразява най-съкровените си чувства с най-голяма искреност. Първата симфония (1801) е първото чисто оркестрово произведение на Бетовен.
Приближаване на глухота.
Можем само да гадаем до каква степен глухотата на Бетовен е повлияла на творчеството му. Заболяването се развива постепенно. Още през 1798 г. той се оплаква от шум в ушите, трудно му е да различава високи тонове и да разбира разговор, воден шепнешком. Ужасен от възможността да се превърне в обект на съжаление - глух композитор, той разказал за болестта си на близкия си приятел Карл Аменда, както и на лекарите, които го посъветвали да пази слуха си, доколкото е възможно. Той продължава да се движи в кръга на виенските си приятели, участва в музикални вечери и композира много. Той успява да скрие глухотата си толкова добре, че до 1812 г. дори хората, които често го срещат, не подозират колко сериозно е заболяването му. Фактът, че по време на разговор той често отговаряше неуместно, се отдаваше на лошо настроение или разсеяност.
През лятото на 1802 г. Бетовен се оттегля в тихото предградие на Виена - Хайлигенщат. Там се появи зашеметяващ документ - „Заветът от Хайлигенщат“, болезнената изповед на музикант, измъчван от болест. Завещанието е адресирано до братята на Бетовен (с инструкции за четене и изпълнение след смъртта му); в него той говори за своето душевно страдание: мъчително е, когато „човек, който стои до мен, чуе отдалеч свирене на флейта, нечуто за мен; или когато някой чуе овчар да пее, но аз не мога да различа звук.” Но тогава, в писмо до д-р Вегелер, той възкликва: „Ще хвана съдбата за гърлото!“ И музиката, която продължава да пише, потвърждава това решение: през същото лято ярката Втора симфония и великолепните сонати за пиано оп. . 31 и три сонати за цигулка, оп. тридесет.
Периодът на зряло творчество. "Нов път" (1803 - 1812).
Първият решителен пробив към това, което самият Бетовен нарича „нов път“, се случва в Третата симфония (Eroica, 1803-1804). Нейната продължителност е три пъти по-дълга от всяка друга симфония, написана преди. Често се твърди (и не без основание), че Бетовен първоначално е посветил „Ероика“ на Наполеон, но след като научава, че той се е провъзгласил за император, той отменя посвещението. „Сега той ще потъпче правата на човека и ще задоволи само собствената си амбиция“, това според легендите са думите на Бетовен, когато разкъсва заглавната страница на партитурата с посвещението. В крайна сметка „Heroic” беше посветен на един от покровителите на изкуствата – принц Лобковиц.
През тези години от перото му едно след друго излизат блестящи творения. Основните произведения на композитора образуват невероятен поток от брилянтна музика; този въображаем звуков свят заменя за своя създател света на реалните звуци, който го напуска. Това беше победоносно самоутвърждаване, отражение на упоритата работа на мисълта, доказателство за богатия вътрешен живот на музиканта.
Произведения от втория период: соната за цигулка в ла мажор, оп. 47 (Кройцерова, 1802-1803); Трета симфония, (Ероична, 1802-1805); оратория Христос на Елеонската планина, оп. 85 (1803); сонати за пиано: “Валдщайн”, оп. 53; "Appassionata" (1803-1815); концерт за пиано № 4 в сол мажор (1805-1806); Единствената опера на Бетовен е Фиделио (1805 г., второ издание 1806 г.); три „руски” квартета, оп. 59 (посветен на граф Разумовски; 1805-1806); Четвърта симфония (1806); Увертюра към трагедията на Колин „Кориолан“, оп. 62 (1807); Меса в до мажор (1807); Пета симфония (1804-1808); Шеста симфония (Пасторална, 1807-1808); музика към трагедията на Гьоте Егмонт (1809) и др.
Източникът на вдъхновение за редица композиции са романтичните чувства, които Бетовен изпитва към някои от неговите ученици от висшето общество. Сонатата, която по-късно става известна като „Лунна“, е посветена на графиня Джулиета Гуичарди. Бетовен дори се замислял да й предложи брак, но навреме осъзнал, че глух музикант е неподходяща половинка за флиртуваща светска красавица. Други дами, които познаваше, го отхвърлиха; един от тях го нарече „изрод“ и „полулуд“. Ситуацията е различна със семейство Брунсуик, в което Бетовен дава уроци по музика на двете си по-големи сестри Тереза и Жозефин. Отдавна се смяташе, че адресатът на посланието до „Безсмъртната любима“, намерено в документите на Бетовен след смъртта му, е Тереза, но съвременните изследователи не изключват този адресат да е Жозефина. Във всеки случай, идиличната Четвърта симфония дължи концепцията си на престоя на Бетовен в унгарското имение Брунсуик през лятото на 1806 г.
През 1804 г. Бетовен с готовност приема поръчката да композира опера, тъй като във Виена успехът на оперната сцена означава слава и пари. Сюжетът накратко беше следният: смела, предприемчива жена, облечена в мъжки дрехи, спасява любимия си съпруг, хвърлен в затвора от жесток тиранин, и го изобличава пред хората. За да се избегне объркване с вече съществуваща опера, базирана на този сюжет, Леонора от Гаво, произведението на Бетовен е наречено Фиделио, след името, прието от маскираната героиня. Разбира се, Бетовен няма опит в композирането за театър. Кулминационните моменти на мелодрамата са белязани от отлична музика, но в други части липсата на драматичен усет пречи на композитора да се издигне над оперната рутина (въпреки че той много се стреми към това: във Фиделио има фрагменти, които са преработени до осемнадесет пъти). Въпреки това операта постепенно печели слушателите (по време на живота на композитора има три нейни продукции в различни издания - през 1805, 1806 и 1814 г.). Може да се твърди, че композиторът не е положил толкова много усилия в друга композиция.
Бетовен, както вече споменахме, дълбоко почиташе творчеството на Гьоте, композира няколко песни по негови текстове, музика за трагедията му „Егмонт“, но се срещна с Гьоте едва през лятото на 1812 г., когато се озоваха заедно в курорта в Теплиц. Изисканите маниери на великия поет и суровото поведение на композитора не допринесоха за тяхното сближаване. „Талантът му ме учуди изключително много, но, за съжаление, той има неукротим нрав и светът му изглежда омразно творение“, казва Гьоте в едно от писмата си.
Приятелството на Бетовен с Рудолф, австрийския ерцхерцог и полубрат на императора, е една от най-интересните исторически истории. Около 1804 г. ерцхерцогът, тогава 16-годишен, започва да взема уроци по пиано от композитора. Въпреки огромната разлика в социалния статус, учителят и ученикът изпитваха искрена привързаност един към друг. Появявайки се на уроци в двореца на ерцхерцога, Бетовен трябваше да минава покрай безброй лакеи, да нарича ученика си „Ваше височество“ и да се бори с аматьорското му отношение към музиката. И той правеше всичко това с невероятно търпение, въпреки че никога не се колебаеше да отмени уроци, ако беше зает да композира. По поръчка на ерцхерцога са създадени произведения като соната за пиано „Сбогуване“, Тройния концерт, последният и най-грандиозен Пети концерт за пиано и Тържествената меса (Missa solemnis). Ерцхерцогът, княз Кински и княз Лобковиц учредяват своеобразна стипендия за композитора, донесъл слава на Виена, но не получава подкрепа от градските власти, а ерцхерцогът се оказва най-надеждният от тримата покровители.
Последните години.
Финансовото състояние на композитора се подобри значително. Издателите търсят неговите партитури и поръчват произведения като големи вариации за пиано на тема от валса на Диабели (1823). Когато брат му Каспар умира през 1815 г., композиторът става един от настойниците на десетгодишния си племенник Карл. Любовта на Бетовен към момчето и желанието му да осигури бъдещето му влизат в конфликт с недоверието, което композиторът изпитва към майката на Карл; в резултат на това той постоянно се караше и с двамата и тази ситуация оцвети последния период от живота му с трагична светлина. През годините, когато Бетовен търси пълно попечителство, той композира малко.
Глухотата на Бетовен става почти пълна. До 1819 г. той трябваше напълно да премине към общуване със събеседниците си с помощта на дъска или хартия и молив (запазени са така наречените тетрадки за разговори на Бетовен). Напълно потопен в произведения като величествената Тържествена литургия в ре мажор (1818) или Деветата симфония, той се държеше странно, предизвиквайки тревога у непознатите: той „пееше, виеше, тропаше с крака и като цяло изглеждаше въвлечен в смъртна битка с невидим враг" (Шиндлер). Блестящите последни квартети, последните пет сонати за пиано - грандиозни по мащаб, необичайни по форма и стил - изглеждаха на много съвременници като произведения на луд. И все пак виенските слушатели разпознаха благородството и величието на музиката на Бетовен; те чувстваха, че имат работа с гений. През 1824 г., по време на изпълнението на Деветата симфония с нейния хоров финал по текста на одата на Шилер „Към радостта“, Бетовен стои до диригента. Залата беше пленена от мощната кулминация в края на симфонията, публиката пощуря, но глухият Бетовен не се обърна. Наложи се един от певците да го хване за ръкава и да го обърне с лице към публиката, така че композиторът да се поклони.
Съдбата на други по-късни произведения беше по-сложна. Минаха много години след смъртта на Бетовен и едва тогава най-възприемчивите музиканти започнаха да изпълняват последните му квартети и последни сонати за пиано, разкривайки на хората тези най-високи, най-красиви постижения на Бетовен. Понякога късният стил на Бетовен се характеризира като съзерцателен, абстрактен и в някои случаи незачитащ законите на благозвучието.
Бетовен умира във Виена на 26 март 1827 г. от пневмония, усложнена от жълтеница и воднянка.
3. Произведение за пиано на Бетовен
Наследството на пиано музиката на Бетовен е страхотно:
32 сонати;
22 вариационни цикъла (сред тях - „32 вариации в c-минор“);
вещици, танци, рондо;
много малки произведения.
Бетовен беше брилянтен виртуозен пианист, който импровизира върху всякакви теми с неизчерпаема креативност. Концертните изпълнения на Бетовен много бързо разкриват неговата мощна, гигантска природа и огромна емоционална сила на изразяване. Това вече не беше стилът на камерен салон, а на голяма концертна сцена, където музикантът можеше да разкрие не само лирични, но и монументални, героични образи, към които той страстно гравитира. Скоро всичко това ясно се проявява в неговите композиции. Освен това индивидуалността на Бетовен се разкрива преди всичко в неговите произведения за пиано.Бетховен започва със скромен класически стил на пиано, все още до голяма степен свързан с изкуството на свиренето на клавесин, и завършва с музика за модерно пиано.
Иновативни техники на пиано стила на Бетовен:
разширяване до границата на звуковия диапазон, като по този начин разкрива непознати досега изразни средства на крайните регистри. Оттук и усещането за широко въздушно пространство, постигнато чрез съпоставяне на далечни регистри;
преместване на мелодията в ниски регистри;
използване на масивни акорди, богата текстура;
обогатяване на педалната технология.
Сред обширното клавирно наследство на Бетовен се открояват неговите 32 сонати. Сонатата на Бетовен стана като симфония за пиано. Ако за Бетовен симфонията е сфера на монументални идеи и широки „всечовешки“ проблеми, то в сонатите композиторът пресъздава света на човешките вътрешни преживявания и чувства. Според Б. Асафиев „сонатите на Бетовен са целият живот на човек. Изглежда, че няма емоционални състояния, които да не са отразени тук по един или друг начин.”
Бетовен интерпретира своите сонати в духа на различни жанрови традиции:
симфонии (“Appassionata”);
фентъзи ("Лунен");
Увертюра ("Патетика").
В редица сонати Бетовен преодолява класическата схема от 3 части, като поставя допълнителна част - менует или скерцо - между бавната част и финала, като по този начин оприличава сонатата на симфония. Сред по-късните сонати има две части.
Соната № 8, “Pathetique” (до минор, 1798).
Името „Pathetique” е дадено от самия Бетовен, много точно определяйки основния тон, който доминира в музиката на това произведение. „Патетично“ - преведено от гръцки. - страстен, развълнуван, пълен с патос. Известни са само две сонати, чиито заглавия принадлежат на самия Бетовен: „Pathetique” и „Farewell” (Es-dur, op. 81 a). Сред ранните сонати на Бетовен (преди 1802 г.) Pathétique е най-зрялата.
Соната № 14, „Лунна светлина“ (cis-moll, 1801).
Името „Лунен“ е дадено от съвременния поет на Бетовен Л. Релщаб (Шуберт е написал много песни по негови стихове), т.к. музиката на тази соната беше свързана с тишината и мистерията на лунна нощ. Самият Бетовен я определя като „Sonata quasi una fantasia“ (соната, сякаш е фантазия), което оправдава пренареждането на части от цикъла:
Част I - Адажио, написано в свободна форма;
II част – Алегрето в прелюдийно-импровизационен маниер;
Част III - Финал, в сонатна форма.
Оригиналността на композицията на сонатата се дължи на нейния поетичен замисъл. Психическа драма, преходите на състоянията, причинени от нея - от скръбна самовглъбеност към бурна дейност.
I част (цис-минор) – скръбен монолог-размисъл. Напомня възвишен хорал, погребален марш. Очевидно тази соната е уловила настроението на трагична самота, обзело Бетовен в момента на краха на любовта му към Жулиета Гуичарди.
Част II от сонатата (Des major) често се свързва с нейния образ. Изпълнен с изящни мотиви, игра на светлосенки, Алегрето рязко се различава от част I и финала. Според дефиницията на Ф. Лист това е „цвете между две бездни“.
Финалът на сонатата е буря, която помита всичко по пътя си, бушуваща стихия от чувства. Финалът на Лунната соната предшества Апасионата.
Соната № 21, „Аврора“ (C-dur, 1804).
В тази композиция се разкрива едно ново лице на Бетовен, слабо от бурни страсти. Всичко тук диша с девствена чистота и грее в ослепителна светлина. Нищо чудно, че тя е наречена „Аврора“ (в древноримската митология - богинята на зората, същата като Еос на древногръцки). „Бяла соната“ - така я нарича Ромен Ролан. Изображенията на природата се появяват тук в цялото им великолепие.
Част I е монументална, отговаряща на идеята за царска картина на изгрев.
Р. Ролан определя част II като „състоянието на душата на Бетовен сред мирни полета“.
Финалът е наслада от неописуемата красота на света около нас.
Соната № 23, „Апасионата“ (фа минор, 1805 г.).
Името "Appassionata" (страстен) не принадлежи на Бетовен, то е измислено от хамбургския издател Kranz. Яростта на чувствата, бушуващият поток от мисли и страсти с наистина титанична сила са въплътени тук в класически ясни, съвършени форми (страстите са сдържани от желязна воля). Р. Ролан определя "Appassionata" като "огнен поток в гранитен волан". Когато ученикът на Бетовен Шиндлер попита учителя си за съдържанието на тази соната, Бетовен отговори: „Прочетете „Бурята“ на Шекспир.“ Но Бетовен има своя собствена интерпретация на творчеството на Шекспир: в неговото творчество титаничната битка между човека и природата придобива подчертан социален оттенък (борбата срещу тиранията и насилието).
“Appassionata” е любимото произведение на В. Ленин: “Не знам нищо по-добро от “Appassionata”, готов съм да го слушам всеки ден. Невероятна, нечовешка музика. Винаги си мисля с гордост, може би наивно: това са чудесата, които хората могат да направят!“
Сонатата завършва трагично, но в същото време се придобива смисълът на живота. "Appassionata" става първата "оптимистична трагедия" на Бетовен. Появата в кодата на финала на нов образ (епизод в ритъма на тежък масов танц), който има значението на символ при Бетовен, създава безпрецедентно ярък контраст на надежда, импулс към светлина и мрачно отчаяние.
Една от характерните черти на “Appassionata” е изключителната динамика, която разшири обхвата му до колосални размери. Разрастването на сонатната алегро форма се дължи на развитието, проникващо във всички раздели на формата, вкл. и експозиция. Самото развитие придобива гигантски размери и без цезура се превръща в реприза. Кодата преминава във втората разработка, където се достига кулминацията на цялата част.
Сонатите, които се появяват след Апасионата, бележат повратна точка, отбелязвайки завой към нов - късен Бетовен стил, който в много отношения предшества творчеството на романтичните композитори от 19 век.
4. Симфонични творби на Бетовен.
Бетовен е първият, който дава на симфонията социална цел и я издига до нивото на философия. Именно в симфонията революционно-демократичният мироглед на композитора е въплътен с най-голяма дълбочина.
Бетовен създава величествени трагедии и драми в своите симфонични произведения. Симфонията на Бетовен, адресирана до огромни човешки маси, има монументални форми. По този начин първото движение на симфонията „Ероика“ е почти два пъти по-голямо от първото движение на най-голямата симфония на Моцарт „Юпитер“, а гигантските размери на 9-та симфония като цяло са несъизмерими с нито едно от написаните преди това симфонични произведения.
До 30-годишна възраст Бетовен изобщо не е написал симфония. Всяко симфонично произведение на Бетовен е плод на най-дълъг труд. Така създаването на „Ероика“ отне 1,5 години, Петата симфония - 3 години, Деветата - 10 години. Повечето от симфониите (от Трета до Девета) попадат в периода на най-висок възход на творчеството на Бетовен.
Симфония I обобщава търсенията от ранния период. Според Берлиоз „това вече не е Хайдн, но все още не е Бетовен“. Във втория, третия и петия са изразени образите на революционния героизъм. Четвърта, Шеста, Седма и Осма се отличават със своите лирични, жанрови, скерцо-хумористични черти. В Деветата симфония Бетовен се връща за последен път към темата за трагичната борба и оптимистичното утвърждаване на живота.
Трета симфония, "Ероика" (1804).
Истинският разцвет на творчеството на Бетовен се свързва с неговата Трета симфония (период на зряло творчество). Появата на тази творба е предшествана от трагични събития в живота на композитора - появата на глухота. Осъзнавайки, че няма надежда за възстановяване, той се потопи в отчаяние, мислите за смъртта не го напуснаха. През 1802 г. Бетовен написва завещание до братята си, известни като Хайлигенщат.
Именно в този ужасен момент за художника се ражда идеята за 3-та симфония и започва духовен поврат, от който започва най-плодотворният период в творческия живот на Бетовен.
Това произведение отразява страстта на Бетовен към идеалите на Френската революция и Наполеон, който олицетворява в съзнанието си образа на истински народен герой. След като завършва симфонията, Бетовен я нарича „Buonaparte”. Но скоро във Виена дойде новината, че Наполеон е предал революцията и се е провъзгласил за император. Научавайки за това, Бетовен изпада в ярост и възкликва: „Това също е обикновен човек! Сега той ще потъпче всички човешки права, ще следва само амбицията си, ще се постави над всички и ще стане тиранин! Според очевидци Бетовен се приближил до масата, грабнал заглавната страница, разкъсал я отгоре надолу и я хвърлил на пода. Впоследствие композиторът дава на симфонията ново име - „Героична“.
С Третата симфония започва нова ера в историята на световната симфония. Смисълът на произведението е следният: по време на титаничната борба героят умира, но подвигът му е безсмъртен.
Част I - Allegro con brio (Es-dur). G.P. е образ на герой и борба.
Част II - погребален марш (до минор).
Част III - Скерцо.
Част IV - Финал - усещане за всеобхватно народно веселие.
Пета симфония, до минор (1808).
Тази симфония продължава идеята за героичната борба на Третата симфония. „През тъмнината - към светлината“, така дефинира това понятие А. Серов. Композиторът не е дал заглавие на тази симфония. Но съдържанието му се свързва с думите на Бетовен, казани в писмо до приятел: „Няма нужда от мир! Не признавам друг покой освен сън... Ще хвана съдбата за гърлото. Тя няма да може да ме огъне напълно. Именно идеята за борба със съдбата, със съдбата определи съдържанието на Петата симфония.
След грандиозния епос (Трета симфония) Бетовен създава лаконична драма. Ако Третата се сравнява с Омировата Илиада, то Петата симфония се сравнява с класическата трагедия и оперите на Глук.
Част 4 от симфонията се възприема като 4 акта на трагедията. Свързва ги лайтмотивът, с който започва творбата и за който самият Бетовен казва: „Така съдбата чука на вратата”. Тази тема е описана изключително стегнато, като епиграф (4 звука), с рязко почукващ ритъм. Това е символ на злото, което трагично нахлува в живота на човек, като препятствие, което изисква невероятни усилия за преодоляване.
В част I темата за рока е водеща.
В част II понякога нейното „подслушване“ е тревожно.
В III част - Алегро - (тук Бетовен отказва както традиционния менует, така и скерцото („шегата“), защото музиката тук е тревожна и противоречива) - звучи с нова горчивина.
Във финала (тържество, триумфален марш) темата за рока звучи като спомен за минали драматични събития. Финалът е грандиозен апотеоз, достигащ апогея си в кода, изразяваща победното ликуване на масите, обхванати от героичен порив.
Шеста симфония, „Пасторална“ (F-dur, 1808).
Природата и сливането с нея, усещане за душевен мир, образи от народния живот – това е съдържанието на тази симфония. Сред деветте симфонии на Бетовен Шестата е единствената програмна, т.е. има общо име и всяка част е озаглавена:
Част I - „Радостни чувства при пристигането в селото“
Част II - „Сцена край потока“
Част III - „Весело събиране на селяни“
Част IV - „Гръмотевична буря“
Част V - „Овчарската песен. Песен на благодарност към божеството след гръмотевична буря.
Бетовен се стреми да избегне наивната фигуративност и в подзаглавието към заглавието подчертава - „повече израз на чувство, отколкото живопис“.
Природата сякаш примирява Бетховен с живота: в своето преклонение пред природата той се стреми да намери забрава от скърби и тревоги, източник на радост и вдъхновение. Глухият Бетовен, уединен от хората, често се скиташе в горите в покрайнините на Виена: „Всемогъщи! Щастлив съм в горите, където всяко дърво говори за теб. Там, на спокойствие, можем да ви обслужим.
„Пасторалната“ симфония често се смята за предвестник на музикалния романтизъм. „Свободна“ интерпретация на симфоничния цикъл (5 части, едновременно, тъй като последните три части се изпълняват без прекъсване, има три части), както и вид програмиране, което предвижда произведенията на Берлиоз, Лист и други романтици.
Девета симфония (ре минор, 1824).
Деветата симфония е един от шедьоврите на световната музикална култура. Тук Бетовен отново се обръща към темата за героичната борба, която придобива общочовешки, универсален мащаб. По грандиозност на своята художествена концепция Деветата симфония надминава всички творби, създадени от Бетовен преди нея. Не напразно А. Серов пише, че „цялата голяма дейност на блестящия симфонист е насочена към тази „девета вълна“.
Високата етична идея на произведението - обръщение към цялото човечество с призив за приятелство, за братско единство на милиони - е въплътена във финала, който е смисловият център на симфонията. Тук Бетовен за първи път представя хор и соло певци. Това откритие на Бетовен е използвано повече от веднъж от композитори от 19-ти и 20-ти век (Берлиоз, Малер, Шостакович). Бетовен използва линии от одата на Шилер „Към радостта“ (идеята за свободата, братството, щастието на човечеството):
Хората са братя помежду си!
Прегръдка, милиони!
Присъединете се към радостта на един!
Бетовен се нуждаеше от дума, защото патосът на ораторството има повишена сила на въздействие.
Деветата симфония съдържа програмни характеристики. Финалът повтаря всички теми от предишните части - своеобразно музикално обяснение на концепцията на симфонията, последвано от словесно.
Интересна е и драматургията на цикъла: първо има две бързи части с драматични образи, след това третата част е бавна и финалът. Така цялото продължително образно развитие се движи плавно към финала - резултат от житейската борба, чиито различни аспекти са дадени в предходните части.
Успехът на първото изпълнение на Деветата симфония през 1824 г. е триумфален. Бетовен беше посрещнат с пет аплодисменти, докато дори императорското семейство, според етикета, трябваше да бъде поздравено само три пъти. Глухият Бетовен вече не чуваше аплодисментите. Едва когато беше обърнат с лице към публиката, той успя да види насладата, обзела слушателите.
Но въпреки всичко това второто изпълнение на симфонията се състоя няколко дни по-късно в полупразна зала.
Увертюри.
Общо Бетовен има 11 увертюри. Почти всички те се появяват като въведение към опера, балет или театрална постановка. Ако по-рано целта на увертюрата е била да подготви за възприемане на музикално-драматично действие, то при Бетовен увертюрата се развива в самостоятелно произведение. При Бетовен увертюрата престава да бъде въведение към последващото действие и се превръща в самостоятелен жанр, подчинен на свои вътрешни закони на развитие.
Най-добрите увертюри на Бетовен са Кориолан, Леонора № 2, Егмонт. Увертюра "Егмонт" - по трагедията на Гьоте. Темата му е борбата на холандския народ срещу испанските поробители през 16 век. Герой Егмонт, борещ се за свобода, умира. В увертюрата отново цялото развитие се движи от тъмнина към светлина, от страдание към радост (както в Петата и Деветата симфонии).
Библиография
Адорно Т. Късният стил на Бетовен // MZh. 1988, № 6.
Алшванг А. Лудвиг Ван Бетовен. М., 1977.
Брянцева В. Жан-Филип Рамо и френският музикален театър. М., 1981.
В.А. Моцарт. По случай 200-годишнината от смъртта му: чл. различни автори // SM 1991, № 12.
Гинзбург Л., Григориев В. История на цигулковото изкуство. Vol. 1. М., 1990.
Gozenpud A.A. Кратък оперен речник. Киев, 1986.
Грубер Р. И. Обща история на музиката. Част 1. М., 1960.
Гуревич Е. Л. История на чуждестранната музика: Популярни лекции: За студенти. по-висок и сряда пед. учебник заведения. М., 2000.
Дръскин М. С. И. С. Бах. М., „Музика“, 1982 г.
История на чуждата музика. Vol. 1. До средата на 18 век / Съст. Rosenshield K.K.M., 1978.
История на чуждата музика. Vol. 2. Втората половина на 18 век. / Comp. Levik B.V. М., 1987.
История на чуждата музика. Vol. 3. Германия, Австрия, Италия, Франция, Полша от 1789 г. до средата на 19 век / Comp. Конен В.Д. М., 1989.
История на чуждата музика. Vol. 6 / Изд. Смирнова В. В. Санкт Петербург, 1999 г.
Кабанова И. Гуидо д’Арецо // Годишник на паметните музикални дати и събития. М., 1990.
Конен В. Монтеверди. - М., 1971.
Левик Б. История на чуждестранната музика: Учебник. Vol. 2. М.: Музика, 1980.
Ливанова Т. Западноевропейската музика от 17-18 век сред изкуствата. М., „Музика“, 1977 г.
Ливанова T.I. История на западноевропейската музика до 1789 г.: Учебник. В 2 т. Т. 1. Според 18 век. М., 1983.
Лобанова М. Западноевропейският музикален барок: проблеми на естетиката и поетиката. М., 1994.
Маркези Г. Опера. Ръководство. От произхода до наши дни. М., 1990.
Мартинов V.F. Световна художествена култура: Учебник. надбавка. - 3-то изд. - Мн.: TetraSystems, 2000.
Mathieu M.E. История на изкуството на древния изток. В 2 т. Т.1 - Л., 1941г.
Милщайн Я. Добре темпериран клавир от Й. С. Бах и характеристики на неговото изпълнение. М., „Музика“, 1967 г.
Музикална естетика на страните от Изтока / общ. изд. V.P.Shestakova. - Л.: Музика, 1967.
Морозов С. А. Бах. - 2-ро изд. - М.: Мол. Гвардия, 1984. - (Животът на забележителни хора. Сер. биогр. Брой 5).
Новак Л. Йозеф Хайдн. М., 1973.
Оперни либрета: Кратко резюме на съдържанието на оперите. М., 2000.
От Лули до наши дни: сб. статии / Съст. Б. Й. Конен. М., 1967.
Роланд Р. Хендел. М., 1984.
Rolland R. Grétry // Rolland R. Музикално и историческо наследство. Vol. 3. М., 1988.
Рицарев С.А. К.В. Бъг. М., 1987.
Смирнов М. Емоционалният свят на музиката. М., 1990.
Творчески портрети на композитори. Популярен справочник. М., 1990.
Уестреп Дж. Пърсел. Л., 1980.
Филимонова С.В. История на световната художествена култура: Учебник за студенти от средни училища и университети. Части 1-4. Мозир, 1997, 1998.
Forkel I. N. За живота, изкуството и творчеството на Йохан Себастиан Бах. М., „Музика“, 1974 г.
Hammerschlag I. Ако Бах водеше дневник. Будапеща, Корвина, 1965 г.
Хубов Г. Н. Себастиан Бах. Изд. 4. М., 1963.
Швейцер А. Йохан Себастиан Бах. М., 1966.
Ескина Н. Барок // MJ. 1991, № 1, 2.
http://www.musarticles.ru
Bagatelle (на френски - „дреболия“) е малко, лесно за свирене музикално произведение, основно за клавишен инструмент. Името е използвано за първи път от Couperin. Bagatelles са написани от Бетовен, Лист, Сибелиус и Дворжак.
Има общо 4 увертюри на Леонора. Те са написани като 4 версии на увертюрата към операта „Фиделио“.
Рябчинская Инга Борисовна
Длъжност:преподавател по пиано, корепетитор
Учебна институция: Детска музикална школа MBU DO на името на D.D. Шостакович
Местоположение: град Волгодонск, Ростовска област
Име на материала: методическа разработка
Предмет: "Исторически епохи. Музикални стилове" (класицизъм, романтизъм)
Дата на публикуване: 16.09.2015 г
Текстова част от публикацията
Общинска бюджетна институция за допълнително образование Детска музикална школа на името на Д. Д. Шостакович, Волгодонск
Методическа разработка по темата:
„Исторически епохи.
Музикални стилове »
класицизъм, романтизъм
) Разработката е извършена от Инга Борисовна Рябчинская, учител от първа категория, корепетитор от най-висока категория
Стилът и епохата са две взаимосвързани понятия. Всеки стил е неразривно свързан с историческата и културна атмосфера, в която се е формирал. Най-важните стилистични тенденции се появяват, съществуват и изчезват в историческа последователност. Във всеки от тях ясно се проявяват общи художествено-образни принципи, изразни средства и творчески методи.
КЛАСИЦИЗЪМ
Думите „класически“, „класицизъм“, „класически“ идват от латинския корен - classicus, тоест примерен. Когато наричаме един художник, писател, поет, композитор класик, имаме предвид, че той е постигнал най-високо майсторство и съвършенство в изкуството. Работата му е високо професионална и е за нас
проба.
Във формирането и развитието на класицизма има два исторически етапа.
Първи етап
датира от 17 век. Класицизмът от 17-ти век израства от ренесансовото изкуство. се развива едновременно с барока, отчасти в борба, отчасти във взаимодействие с него и през този период получава най-голямо развитие във Франция. За класиците от този период ненадминати примери за художествено творчество са произведенията на древното изкуство, където идеалът е редът, рационалността и хармонията. В творбите си те търсят красота и истина, яснота, хармония, завършеност на конструкцията.
Втора фаза
- късният класицизъм, от средата на 18 до началото на 19 век, се свързва предимно с
Виенска класическа школа
. Той влезе в историята на европейската култура като
Епоха на Просвещението
или ерата на разума. Човекът придаваше голямо значение на знанието и вярваше в способността да се обясни света. Главният герой е човек, който е готов на героични дела, подчинявайки своите интереси - общи, духовни
класицизъм
класицизъм
ясно
хармония
ясно
хармония
строг
форми
строг
форми
балансиран
чувства
балансиран
чувства
Импулсите са гласът на разума. Отличава се с морална твърдост, смелост, правдивост и преданост към дълга. Рационалната естетика на класицизма се отразява във всички видове изкуство.
Архитектура
Този период се характеризира с подреденост, функционалност, пропорционалност на частите, тенденция към баланс и симетрия, яснота на плановете и конструкциите, строга организация. От тази гледна точка символът на класицизма е геометричното оформление на кралския парк във Версай, където дървета, храсти, скулптури и фонтани са разположени според законите на симетрията. Таврическият дворец, издигнат от И. Старов, се превърна в стандарт на руската строга класика.
В рисуването
Логичното развитие на сюжета, ясна балансирана композиция, ясно пренасяне на обема, с помощта на chiaroscuro подчинената роля на цвета и използването на местни цветове придобиха основно значение (Н. Пусен, К. Лорен, Дж. Дейвид).
В поетичното изкуство
Имаше разделение на „високи“ (трагедия, ода, епос) и „ниски“ (комедия, басня, сатира) жанрове. Изключителни представители на френската литература П. Корней, Ф. Расин, Ж. Б. Молиер оказаха голямо влияние върху формирането на класицизма в други страни. Важен момент от този период е създаването на различни академии: науки, живопис, скулптура, архитектура, надписи, музика и танци.
Музикален стил класицизъм
Класицизмът в музиката се различава от класицизма в сродните изкуства и се формира през 1730 - 1820 г. В различните национални култури музикалните стилове стават широко разпространени по различно време; Безспорното е, че в средата на 18 век класицизмът триумфира почти навсякъде. Съдържанието на музикалните произведения е свързано със света на човешките чувства, които не подлежат на строгия контрол на ума. Композиторите от тази епоха обаче създават много хармонична и логична система от правила за изграждане на произведение. В епохата на класицизма се формират и достигат съвършенство жанрове като опера, симфония, соната. Истинската революция е оперната реформа на Кристоф Глук. Творческата му програма се основава на три велики принципа - простота, истина, естественост. В музикалната драма той търсеше смисъл, а не сладост. От операта Глук премахва всичко излишно: декорации, великолепни ефекти, дава на поезията по-голяма изразителна сила, а музиката е напълно подчинена на разкриването на вътрешния свят на героите. Операта "Орфей и Евридика" е първото произведение, в което Глук внедрява нови идеи и поставя началото на оперната реформа. Строгост, пропорционалност на формата, благородна простота без претенциозност, чувство
художествената мярка в произведенията на Глук напомня за хармонията на формите на античната скулптура. Арии, речитативи и хорове образуват голяма оперна композиция. Разцветът на музикалния класицизъм започва през втората половина на 18 век във Виена. По това време Австрия е могъща империя. Многонационалността на страната се отрази и на нейната художествена култура. Най-висшият израз на класицизма е творчеството на Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт, Лудвиг ван Бетовен, които работят във Виена и формират посока в музикалната култура - Виенската класическа школа.
Основоположниците на виенския класицизъм през
музика
В. Моцарт
Й. Хайдн Л.
Бетовен
Естетиката на класицизма се основава на вярата в рационалността и хармонията на световния ред, което се проявява в вниманието към баланса на части от произведението, внимателното завършване на детайлите и развитието на основните канони на музикалната форма. През този период най-накрая се формира сонатната форма, основана на развитието и противопоставянето на две контрастни теми и се определя класическият състав на частите на сонатата и симфонията.
виенски
класицизъм
виенски
класицизъм
Сонатна форма
Соната - (от италиански sonare - звуча) е една от формите на камерно-инструменталната музика, която има няколко части. Сонатина - (ит. sonatina - умалително от sonata) - малка соната, по-сбита по размер, много по-проста по съдържание и по-лесна технически. Инструментите, за които първоначално са композирани сонатите, включват цигулка, флейта, клавир - общото наименование на всички клавишни инструменти - клавесин, клавикорд, пиано. Жанрът на клавирната (пиано) соната достига най-големия си разцвет в епохата на класицизма. По това време пускането на музика у дома беше популярно. Първата част на сонатата, представена в сонатна форма, се отличава с най-голямо напрежение и острота. Първата част (сонатно алегро) се състои от три части: Първата част на сонатното алегро включва главни и второстепенни, свързващи и финални части: реприза, развитие, експозиция
Втората част на сонатното алегро - развитие Третата част на сонатното алегро - реприза:
експозиция
У дома
пратката
Основен
ключ
страна
пратката
Ключ
доминанти
развитие
развитие
опозиция
партии
опозиция
партии
модификация
партии
модификация
партии
"тъка"
партии
"тъка"
партии
Възможна част от кода на соната алегро:
Втора част
сонатна форма – бавна. Музиката предава спокоен поток от мисли, прославя красотата на чувствата и рисува изящен пейзаж.
Третата част
сонати (финал). Финалите на сонатите обикновено се изпълняват в бързо темпо и имат танцов характер, например менует. Често финалите на класическите сонати са написани във формата
рондо
(от италиански rondo - кръг). Повтаряща се част -
А
-
въздържа
(основна тема),
B, C, D
- контрастен
епизоди
.
реприза
У дома
пратката
Основен
ключ
страна
пратката
Основен
ключ
обвързваща партида окончателна партида
код
код
тоналността е фиксирана
тоналността е фиксирана
контрастите се премахват
контрастите се премахват
звучат основните теми
звучат основните теми
Йозеф Хайдн
"Хайдн, чието име блести толкова ярко в храма на хармонията..."
Йозеф Хайдн е основателят на виенския класицизъм, движение, което замени барока. Животът му все още ще премине предимно в двора на светските владетели, а в творчеството му ще се формират нови принципи на музиката, ще се появят нови жанрове. Всичко това
запазва своето значение и в наше време... Хайдн е наричан основоположник на класическата инструментална музика, основоположник на модерния симфоничен оркестър и баща на симфонията. Той установява законите на класическата симфония: придава й хармоничен, завършен вид, определя реда на подреждането им, който се запазва в основните си черти и до днес. Класическата симфония има четирицифрен цикъл. Първата част върви бързо и най-често звучи енергично и развълнувано. Втората част е бавна. Нейната музика предава лиричното настроение на човек. Третата част - менует - е един от любимите танци на епохата на Хайдн. Четвъртата част е финалната. Това е резултат от целия цикъл, заключение от всичко показано, обмислено, усетено в предишните части. Музиката на финала обикновено е насочена нагоре, тя е жизнеутвърждаваща, тържествена и победоносна. В класическата симфония е намерена идеална форма, която може да съдържа много дълбоко съдържание. В творчеството на Хайдн се утвърждава и типът на класическата тричастна соната. Произведенията на композитора се отличават с красота, подреденост, фина и благородна простота. Музиката му е много ярка, лека, предимно мажорна, изпълнена с жизнерадост, прекрасна земна радост и неизчерпаем хумор. Неговите предци са били селяни и работници, чиято любов към живота, постоянство и оптимизъм са наследени от класика. „Покойният ми баща беше производител на файтони по професия, поданик на граф Харах и по природа пламенен любител на музиката.“ Хайдн вече открива интерес към музиката като дете. Забелязвайки таланта на сина си, родителите му го изпращат да учи в друг град - там момчето живее под грижите на своя роднина. След това Хайдн се премества в друг град, където пее в хора. Всъщност от 6-годишна възраст Йозеф Хайдн води независим живот. Можем да кажем, че е бил самоук, тъй като не е имал нито пари, нито връзки за системно обучение при известни учители. С напредване на възрастта гласът му става по-груб и съвсем младият Хайдн се оказва на улицата без покрив над главата си. Той изкарваше прехраната си, като преподаваше уроци, които вече беше дал сам. Самообучението продължава: Хайдн внимателно изучава музиката на C.F.E. Бах (син на Й. С. Бах), слуша песните, които звучат от улиците (включително славянски мелодии), а Хайдн започва да композира. Той се забелязва. В Европа благородниците се стремяха да се надминат един друг, като наемаха най-добрите музиканти. Годините, които младият Хайдн прекарва като свободен художник, са плодотворни, но все пак това е труден живот. Жененият вече Хайдн (всички определят брака като изключително неуспешен) приема поканата на принц Естерхази. Всъщност в двора на Естерхази, Хайдн
ще продължи 30 години. Неговите отговорности включват композиране на музика и ръководство на княжеския оркестър. Принц Естерхази (или Естерхази) беше, по всички признаци, порядъчен човек и голям любител на музиката. Хайдн можеше да прави това, което обичаше. Музиката се пишеше по поръчка - без "творческа свобода", но това беше обичайна практика по онова време. Освен това поръчката има значително предимство: поръчаната музика със сигурност е изпълнена веднага. На масата не пишеше нищо.
От първото официално споразумение между принц Естерхази и
Вицекапелмайстор Йозеф Хайдн:
„С първата заповед на негово светлост, Великия херцог, вицекапелмайсторът (Хайдн) се задължава да композира всякаква музика, която негова светлост пожелае, да не показва нови композиции на никого и още повече да не позволява на никого да ги копира, но да ги пази единствено за негова светлост и без негово знание и милостиво разрешение да не композира нищо за никого. Йозеф Хайдн е длъжен да се появява в залата всеки ден (независимо дали във Виена или в някое от княжеските имения) преди и след вечеря и да се отчита, в случай че негова светлост благоволи да нареди изпълнение или композиране на музика. Изчакайте и след като получите поръчката, донесете я на вниманието на другите музиканти. Имайки такова доверие, Негово светло височество предоставя на него, заместник-капелмайстера, годишна издръжка от 400 рейнски гулдена, които той ще получава на тримесечие в главната хазна. Нещо повече, той, Йозеф Хайдн, имаше право да получава кош от масата на офицера или половин гулден на ден пари за маса за сметка на господаря. (Впоследствие заплатата беше увеличена няколко пъти). Хайдн смята тридесетте години служба при принцовете на Естерхази за добро време в живота си. Той обаче винаги е бил оптимист. Освен това Йозеф Хайдн имаше всички възможности да композира и винаги пишеше бързо и много. Именно по време на службата си в двора на принцовете на Естерхази Хайдн печели слава. Връзката между Естерхази и Хайдн е идеално илюстрирана от известния случай с Прощалната симфония. Членовете на оркестъра се обърнаха към Хайдн с молба да повлияе на принца: апартаментите им се оказаха твърде малки, за да преместят семействата си. На музикантите им липсваха семействата им. Хайдн повлия на музиката: той написа симфония с още една част. И когато тази част звучи, музикантите постепенно си тръгват. Остават двама цигулари, но и те гасят свещите и си тръгват. Принцът разбра намека и изпълни „изискванията“ на музикантите.
През 1790 г. умира принц Естерхази, Миклош Великолепни. Новият принц Антон не беше в настроение за музика. Не, Антон напусна полковите музиканти, но разпусна оркестъра. Хайдн остава без работа, макар и с голяма пенсия, която Миклош му определя. И все още имаше много творческа енергия. Така Хайдн отново става свободен художник. И той ще отиде в Англия по покана. Хайдн скоро ще стане на 60 години, не знае езици! Но заминава за Англия. И отново - триумф! „Моят език се разбира перфектно по целия свят“, каза композиторът за себе си. В Англия Хайдн има не само зашеметяващ успех. Оттам донася още 12 симфонии и оратории. Хайдн е свидетел на собствената си слава - и това е много рядко. Основателят на виенския класицизъм остави огромен брой произведения и това е жизнеутвърждаваща, балансирана музика. Ораторията "Сътворението" е едно от най-известните произведения на Хайдн. Това е монументална музикална живопис, съзерцание на вселената, така да се каже... Хайдн има повече от 100 симфонии, Хофман ги нарича "Детска радост на душата". Голям брой сонати, концерти, квартети, опери... Йозеф Хайдн е автор на германския национален химн.
Волфганг Амадеус Моцарт
27 януари 1756 г. – 5 декември 1791 г
Изкуството на Хайдн оказва огромно влияние върху формирането на симфоничния и камерен стил на Волфганг Моцарт. Разчитайки на
С постиженията си в областта на сонатната и симфоничната музика Моцарт допринесе много нови, интересни, оригинални неща. Цялата история на изкуството не познава по-ярка личност от него. Моцарт имаше феноменална памет и слух, имаше блестящи умения на импровизатор, свиреше прекрасно на цигулка и орган и никой не можеше да оспори първенството му на клавесинист. Той беше най-популярният, най-признатият, най-обичаният музикант във Виена. Неговите опери имат голяма художествена стойност. Вече два века „Сватбата на Фигаро“ (буфа-опера, но реалистична и с лирични елементи) и „Дон Жуан“ (опера, определяна като „весела драма“ – тя е едновременно комедия и трагедия с много силна и сложни образи) се радват на успех. очарователно елегантна мелодия, простота, луксозна хармония. А „Вълшебната флейта“ (опера – зингшпил, но същевременно философска приказка за борбата между доброто и злото) влезе в историята на музиката като „лебедовата песен“ на Моцарт като произведение, което най-пълно и ярко разкрива неговия мироглед, съкровените му мисли. Изкуството на Моцарт е съвършено по умение и абсолютно естествено. Той ни даде мъдрост, радост, светлина и доброта. Йохан Хризостом Волфганг Теофил Моцарт е роден на 27 януари 1756 г. в Залцбург. Амадей е латинският аналог на гръцкото име Теофил - „любимец на Бога“. Моцарт обикновено се нарича с две имена. Волфганг Амадеус е дете чудо. Бащата на Моцарт, Леополд Моцарт, самият той е известен музикант, учител и доста плодовит композитор. В семейството са родени 7 деца, две са оцелели: Нанерл, по-голямата сестра на Моцарт, и самият Волфганг. Леополд започва да учи и двете деца от ранна детска възраст и отива на турне с тях. Беше истински период на лутане. Имаше няколко турнета, общо те продължиха повече от 10 години (с прекъсвания за завръщане у дома или детски болести). Бащата не само показа децата на Европа, включително монарси. Той търсеше връзки, които да позволят на порасналия му син да получи бъдеща работа в съответствие с неговия ярък талант. Моцарт започва да композира в ранна детска възраст и ранната му музика се изпълнява почти толкова често, колкото и зрялата му музика. Освен това, докато пътуваше, бащата нае най-добрите учители в Европа за сина си (в Англия това беше най-малкият син на Й. С. Бах - „Лондон Бах“, в Италия - известният падре Мартини, от когото учи, между другото и един от основателите на професионални композиционни школи в Русия Максим Березовски). В същата Италия съвсем младият Моцарт извърши „ужасен грях“, който е включен във всички биографии: в Сикстинската капела, след като го чу веднъж, той напълно си спомни и записа пазените
Произведението на Ватикана "Miserere" от Алегри. „И тук Волфганг премина известния „изпит“ за тънкостта на слуха и точността на паметта. По памет той записа известната „Miserere“ от Грегорио Алегри, която чу. Това произведение се считаше за короната на своя жанр и върха на папската музика за Разпети петък. Не е изненадващо, че параклисът се е погрижил да защити това произведение от неканени преписвачи. Това, което Волфганг успя да направи, естествено предизвика голяма сензация. Бащата успя да успокои майка си и сестра си в Залцбург, които се страхуваха, че като е записал „Miserere“, Волфганг е съгрешил и може да си навлече проблеми. Моцарт не само не е завършил университет, но дори не е ходил на училище. Баща му го е учил и на общо образование (математика, езици). Но те тогава пораснаха рано и то във всички слоеве на обществото. Нямаше време за тийнейджърска субкултура. Децата, разбира се, бяха много уморени. Накрая те пораснаха, което означаваше, че престанаха да бъдат деца-чудо, че публиката загуби интерес към тях. Всъщност Моцарт трябваше отново да „завладее“ публиката, вече като възрастен музикант. През 1773 г. младият Моцарт започва работа за архиепископа на Залцбург. Той успя да продължи да пътува и, разбира се, да работи усилено. При следващия архиепископ Моцарт напуска придворния си пост и става свободен художник. След детство, състоящо се от непрекъснати европейски турнета и служба при архиепископа, Моцарт се премества във Виена. Той продължава периодично да пътува до други европейски градове, но австрийската столица ще стане негов постоянен дом. „Моцарт беше първият от големите музиканти, който остана свободен артист и беше първият композитор в историята - представител на артистичната бохема. Разбира се, работата за свободния пазар означаваше бедност." Животът „на свободен хляб“ изобщо не е толкова прост и розов, колкото изглежда. В музиката на зрелия Моцарт се усеща трагизмът на неговата блестяща съдба, чрез блясъка и красотата на музиката се открояват тъгата и разбирането, експресията, страстта и драмата. Волфганг Моцарт оставя повече от 600 произведения през краткия си живот. Трябва да разберете, че говорим за мащабни произведения: опери, концерти, симфонии. Моцарт е универсален композитор. Той пише както инструментална, така и вокална музика, тоест във всички жанрове и форми, съществуващи по негово време. В бъдеще подобен универсализъм ще стане рядко явление. Но Моцарт е универсален не само поради тази причина: „Неговата музика съдържа огромен свят: съдържа небето и земята, природата и човека, комедията и трагедията, страстта във всичките й форми и дълбоки
вътрешен мир“ (К. Барт). Достатъчно е да си припомним някои от неговите произведения: опери, симфонии, концерти, сонати. Произведенията за пиано на Моцарт са тясно свързани с неговата преподавателска и изпълнителска практика. Той беше най-великият пианист на своето време. През 18 век Имаше, разбира се, музиканти, които не отстъпваха на Моцарт по виртуозност (в това отношение основният му съперник беше Муцио Клементи), но никой не можеше да се сравни с него в дълбокия смисъл на неговото изпълнение. Животът на Моцарт протича във време, когато клавесинът, клавикордът и пианото (както пианото се е наричало по-рано) са често срещани в музикалния живот. И ако във връзка с ранното творчество на Моцарт е обичайно да се говори за клавирен стил, то от края на 1770-те години композиторът несъмнено пише за пиано. Неговото новаторство се проявява най-ясно в неговите клавишни произведения с патетичен план. Моцарт е един от най-великите мелодици. Музиката му съчетава чертите на австрийските и немските народни песни с мелодичността на италианските песни. Въпреки факта, че творбите му се отличават с поетичност и фина грация, те често съдържат мелодии с голям драматичен патос и контрастни елементи. Камерно-инструменталното творчество на Моцарт е представено от разнообразни ансамбли (от дуети до квинтети) и произведения за пиано (сонати, вариации, фантазии). Клавирният стил на Моцарт се отличава с елегантност, яснота и внимателно завършване на мелодията и акомпанимента. В. Моцарт е написал 27 концерта за пиано и оркестър, 19 сонати, 15 вариационни цикъла, 4 фантазии (две в до минор, една в до мажор, комбинирана с фуга и още една в ре минор). Наред с мащабните цикли, творчеството на Моцарт съдържа много малки пиеси, на които самият той не винаги е придавал нужното значение. Това са отделни менуети, рондо, адажио, фуги. Операта беше социално значимо изкуство. До 18 век, в допълнение към придворните оперни театри, вече има два вида обществени оперни театри: сериозни и комични - ежедневни (seria и buffa). Но в Германия и Австрия зингшпилът процъфтява. Сред огромния брой произведения, създадени от гения на Моцарт, оперите са любимите му творения. Неговото творчество разкрива богата галерия от житейски образи на опери – серия, буфа и зингшпил, възвишени и комични, нежни и палави, умни и селски – всички те са обрисувани естествено и психологически достоверно. Музиката на Волфганг Амадеус Моцарт хармонично съчетава култа към разума, идеала за благородна простота и култа към сърцето, идеала за свободна личност. Стилът на Моцарт винаги е бил смятан за олицетворение на грация, лекота, жизненост на ума и истинска аристократична изтънченост.
П. И. Чайковски пише: „Моцарт е най-високата, кулминационна точка, до която достига красотата в сферата на музиката... това, което наричаме идеал“.
Лудвиг ван Бетовен
16 декември 1770 – 26 март 1827 г
Лудвиг ван Бетовен става известен като най-великият симфонист. Изкуството му е пронизано от патоса на борбата. В него са реализирани напредничавите идеи на Просвещението, които утвърждават правата и достойнството на човешката личност. Той притежава девет симфонии, редица симфонични увертюри („Егмонт“, „Кориолан“) и тридесет и две сонати за пиано, формиращи една ера в клавирната музика. Светът на образите на Бетовен е разнообразен. Неговият герой е не само смел и страстен, той е надарен с фино развит интелект. Той е борец и мислител. В музиката му животът се проявява в цялото му многообразие - бурни страсти и откъснат блян, драматичен патос и лирична изповед, картини от природата и сцени от ежедневието. Завършвайки епохата на класицизма, Лудвиг ван Бетовен едновременно отваря пътя за идващия век. Бетовен е десетилетие и половина по-млад от Моцарт. Но това е качествено различна музика. Принадлежи към „класиците“, но в зрелите си творби е близо до романтизма. Музикалният стил на Бетовен е преход от класицизъм към романтизъм. Но за да разберем творчеството му, е необходимо първо да надникнем в панорамата на социалния и музикален живот от онова време. В края на 18-ти век възниква и се развива феноменът „Буря и натиск“ (Sturm und Drang) – период, когато стандартите са били нарушени
класицизъм в полза на по-голяма емоционалност и откритост. Това явление е обхванало всички сфери на литературата и изкуството, дори има интересно име: контрапросвещение. Най-големите представители на Sturm und Drang са Йохан Волфганг Гьоте и Фридрих Шилер, а самият този период предугажда появата на романтизма. Зарядът от енергия и интензивността на чувствата в музиката на Бетовен са неразривно свързани с изброените явления в обществения живот на Западна Европа от онова време и с обстоятелствата в личния живот на гения. Лудвиг ван Бетовен е роден в Бон. Семейството не беше богато, фламандци по произход, музиканти по професия. Бащата беше нетърпелив да направи от сина си „втори Моцарт“, но кариерата на концертен виртуоз като дете чудо не се получи, но имаше постоянно „пробиване“ на инструмента. Още като дете Лудвиг започва да работи на непълен работен ден (трябва да напусне училище), а на 17-годишна възраст поема отговорността за семейството: работи на постоянна заплата и дава частни уроци. Бащата стана пристрастен към алкохола, майката почина рано и по-малките братя останаха в семейството. Въпреки това Бетовен намира време и посещава университета в Бон като доброволец. Тогава всички университетски младежи бяха обхванати от революционния импулс, идващ от Франция. Младият гений се възхищава на идеалите на Великата френска революция. Той дори посвети своята Трета „Ероична“ симфония на Наполеон Бонапарт, но след това зачеркна посвещението, разочарован от „земното въплъщение на идеалите“, и вместо това посочи: „В памет на един велик човек“. „Никой не е толкова дребен, колкото големите хора“ - известните думи на Бетовен. Идеалите за „свобода, равенство, братство“ завинаги останаха идеалите на Бетовен - и това също предполагаше големи разочарования в живота. Лудвиг ван Бетовен задълбочено изучава и почита творчеството на Й. С. Бах. Във Виена той свири пред Моцарт, който дава висока оценка на младия музикант. Скоро Бетовен се премества напълно във Виена и впоследствие помага на по-малките си братя да се преместят там. Целият му живот ще бъде свързан с този град. Във Виена взема уроци по специални предмети, сред учителите му са Хайдн и Салиери (на Салиери са посветени три сонати за цигулка на Бетовен). Концертира в салоните на виенската аристокрация, а след това и в собствени концерти, пред широка публика. Пръстите му на клавиатурата бяха наречени „демонични“. „Искам да хвана съдбата за гърлото; тя със сигурност няма да може да ме прегърби напълно на земята“ (от писмата на Бетовен). Още в младостта си Бетовен осъзнава, че оглушава („Вече две години старателно избягвам цялото общество, защото не мога да кажа на хората: „Аз съм глух!“ „Това все още би било възможно, ако имахме
Имам друга професия, но с моя занаят нищо не може да бъде по-страшно” (из писмата на Бетовен). Периодичните намеси на лекарите не доведоха до излекуване и глухотата прогресира. До края на живота си той вече не чу нищо. Но вътрешният слух остана - но вече не беше възможно да чуете „лично“ това, което се чуваше вътре. И комуникацията с хората беше изключително трудна, с приятели се упражнявах да пиша в тетрадки за „разговор“. Чуващият глух - така го наричаха понякога. И той чу главното: не само музика, но и идеи и чувства. Той чуваше и разбираше хората. „Тази любов, страдание, постоянство на волята, тези редувания на униние и гордост, вътрешни драми - намираме всичко това във великите произведения на Бетовен“ ... (Ромен Ролан). Обичта на Бетовен е известна: младата графиня Джулиета Гуичарди. Но той остана самотен. Коя е неговата „безсмъртна любима“, писмото до която е намерено след смъртта на композитора, не е известно със сигурност. Но някои изследователи смятат Тереза Брунсуик, ученичка на Л. Бетовен, за „безсмъртната любима“. Тя имаше музикален талант - свиреше прекрасно на пиано, пееше и дори дирижираше. Лудвиг ван Бетовен имаше дълго приятелство с Тереза. До 1814 г. Бетовен придобива световна слава. Започва Виенският конгрес – след победата над Наполеон и навлизането на руски, австрийски и пруски войски в Париж – и прочутият мирен Виенски конгрес започва с операта Фиделио на Бетовен. Бетовен става европейска знаменитост. Той е поканен в императорския дворец на тържество в чест на именния ден на руската императрица, на която дава подарък: написан от него полонез. Лудвиг ван Бетовен е композирал много.
32 сонати за пиано
Сонатата за пиано е за Бетовен най-пряката форма на изразяване на мислите и чувствата, които го вълнуват, основните му артистични стремежи. Влечението му към този жанр беше особено силно. Ако симфониите се появиха като резултат и обобщение на дълъг период на търсене, тогава сонатата за пиано директно отразява цялото разнообразие от творчески търсения. Бетовен, като изключителен виртуоз на пиано, дори импровизира най-често в сонатна форма. В пламенните, оригинални, необуздани импровизации на Бетовен се раждат образи на бъдещите му велики произведения. Всяка соната на Бетовен е цялостно произведение на изкуството; заедно те образуват истинско съкровище на класическата мисъл в музиката. Бетовен интерпретира сонатата за пиано като цялостен жанр, способен да отрази разнообразието от музикални стилове на нашето време. IN
В това отношение той може да бъде сравнен с Филип Емануел Бах (син на Й. С. Бах). Този композитор, почти забравен в наше време, е първият, който дава на клавишната соната от 18 век значението на един от водещите видове музикално изкуство, пропити с дълбока мисъл неговите клавишни произведения. Бетовен е първият, който следва пътя на Ф. Е. Бах, но надминава своя предшественик по широта, разнообразие и значимост на идеите, изразени в сонатите за пиано, тяхното художествено съвършенство и значимост. Огромна гама от образи и настроения - от мека пасторална до патетична тържественост, от лирично излияние до революционен апотеоз, от върховете на философската мисъл до фолклорни жанрови моменти, от трагедия до хумор - характеризират тридесет и двете сонати за пиано на Бетовен, създадени от него през четвърт век. Пътят от първата (1792) до последната (1822) Бетовен соната бележи цяла епоха в историята на световната клавирна музика. Бетовен започва със скромен класически стил на пиано (все още до голяма степен свързан с изкуството на свиренето на клавесин) и завършва с музика за модерното пиано, с неговия огромен звуков диапазон и множество нови изразителни възможности. Наричайки последните си сонати „произведение за чуков инструмент“ (Hammerklavier), композиторът подчертава тяхната модерна
пианистичен
изразителност. През 1822 г. със създаването на Тридесет и втората соната Бетовен завършва дългия си път в тази област на творчеството. Лудвиг ван Бетовен работи много върху проблемите на виртуозността на пианото. В търсене на уникален звуков образ, той неуморно развива своя оригинален стил на пиано. Усещането за широко въздушно пространство, постигнато чрез съпоставяне на далечни регистри, масивни акорди, плътна, богата, многостранна текстура, темброво-инструментални техники, богато използване на педални ефекти (в частност левия педал) - това са някои от характерните иновативни похвати на Пиано стил на Бетовен. Започвайки с първата соната, Бетовен противопоставя камерната музика на клавишната музика от 18 век. техните величествени звукови стенописи, нарисувани с удебелени големи щрихи. Сонатата на Бетовен започва да прилича на симфония за пиано. Поне една трета от 32-те сонати за пиано са добре познати дори на хора, които се смятат за „нелюбители“. От тях: “Патетична” соната № 8. Властно, гордо, трагично начало - и вълни от музика. Цяла поема в три части, всяка от които е красива. Радост, страдание, бунт и борба - типичен бетховенски кръг от образи, изразени тук едновременно бурно и с голям
благородство. Това е страхотна музика, като всяка соната или симфония на Бетовен. “Quasi una fantasia”, така наречената “Лунна” соната № 14, посветена на младата графиня Джулиета Гуичарди, ученичка на Бетовен. Композиторът се заинтересува от Жулиета и дори мисли за женитба, но тя предпочете друг. Обикновено слушателите се ограничават до първата част, без да знаят какъв е финалът - "водопад, който се издига" - както образно се изразява един от изследователите. А има и “Appassionata” (No. 23), “The Tempest” (No. 17), “Aurora” (No. 21)... Сонатите за пиано са една от най-добрите, най-ценните части от брилянтното наследство на Бетовен. В дълга и вълнуваща поредица от техните великолепни образи, пред нас минава целият живот на един голям талант, голям ум и голямо сърце, нечужди на нищо човешко, но именно затова той отдаде всичките си удари на най-милото , най-свещените идеали на напредналото човечество. Л. Бетовен е продължител на традициите на Моцарт. Но музиката му придобива съвсем нови изрази: драматизмът в музиката стига до трагизъм, хуморът стига до ирония, а текстовете се превръщат в откровение на страдаща душа, във философски размисъл за съдбата и света. Клавирната музика на Бетовен е пример за артистичен вкус. Съвременниците често сравняват емоционалното настроение на сонатите на Бетовен с патоса на трагедиите на Шилер. Освен 32 сонати за пиано има и сонати за цигулка. Една определено е позната на мнозина поне по име - „Кройцер соната” - Соната № 9 за цигулка и пиано. А има и известните струнни квартети на Бетовен. От тях особено популярни са „Руските квартети“. В тях наистина можете да чуете руски мелодии („Ах, талант, мой талант“, „Слава“ - Бетовен беше особено запознат с тези песни от колекцията на Лвов). Това не е случайно: квартетите са написани по поръчка на руския дипломат Андрей Разумовски, който дълго време живее във Виена и е покровител на Бетовен. Две симфонии на композитора са посветени на Разумовски. Бетовен има девет симфонии, повечето от които са известни на публиката. Нека ви напомня за Третата (героична) симфония, Петата симфония с известната Тема за съдбата. Тези „удари на съдбата” падат и падат, съдбата все чука на вратата. И борбата не свършва с първата част. Резултатът е видим едва във финала, където темата за съдбата се превръща във възторг от радостта от победата. Пасторална (6-та симфония) - самото име подсказва тържество на природата. Зашеметяващата 7-ма симфония най-накрая е най-известната,
епохалната Девета симфония, идеята за която Бетовен ражда отдавна. Бетовен също живее живота на „свободен художник“ (обаче, започвайки с Моцарт, това става норма) с всичките му трудности и несигурност. Няколко пъти Бетовен се опитва да напусне Виена, тогава австрийското благородство му предлага заплата, само и само да не напуска. И Бетовен остана във Виена. Тук той срещна основния си триумф. От самата бездна на скръбта Бетовен решава да прослави Радостта. (Ролан). Бетовен вече беше много болен. Това не е само началото на глухота, композиторът развива тежко чернодробно заболяване. Нямаше достатъчно пари и имаше проблеми в личния ми живот (отглеждането на племенника ми). При тези условия се роди това, което понякога беше трудно да се приеме за човешко творение. Прегръдка, милиони! (Бетховен. 9-та симфония, финал). Нарича се още Хорална симфония, поради факта, че във финала вече добре познатият хор звучи по думите на Фридрих Шилер - „Ода на радостта“, която периодично ставаше различни химни, сега е химн на Европа съюз. Бетовен умира на 26 март 1827 г. През 2007 г. виенският патолог и експерт по съдебна медицина Кристиан Райтер (доцент в катедрата по съдебна медицина към Медицинския университет във Виена) предполага, че смъртта на Бетовен е била неволно ускорена от неговия лекар Андреас Ваврух, който многократно пробил перитонеума на пациента (за отстраняване на течността), след което намазал раните с лосиони, съдържащи олово. Тестовете за коса на Reuter показват, че нивата на олово на Бетовен се увеличават рязко всеки път, когато той посети лекар.
Бетовен - учител
Бетовен започва да дава уроци по музика още в Бон. Неговият ученик от Бон Стефан Бройнинг остава най-верният приятел на композитора до края на дните му. Бройнинг помага на Бетовен при преработването на либретото на Фиделио. Във Виена младата графиня Жулиета Гуичарди става ученичка на Бетовен; в Унгария, където Бетовен отсяда в имението Брунсуик, Тереза Брунсуик учи с него. Ученичка на Бетовен е била и Доротея Ертман, една от най-добрите пианистки в Германия. Д. Ертман е известна с изпълнението си на произведения на Бетовен. Композиторът й посвещава Соната № 28. Научавайки, че детето на Доротея е починало, Бетовен дълго време свири за нея. Карл Черни също започва да учи при Бетовен. Карл беше може би единственото дете сред учениците на Бетовен. Той беше само на девет години, но вече имаше концерти. Черни учи при Бетовен пет години, след което композиторът му дава документ, в който отбелязва
„изключителен успех на ученика и удивителната му музикална памет“. Паметта на Черни беше наистина удивителна: той знаеше наизуст всички произведения за пиано на своя учител. Черни започва своята учителска кариера рано и скоро става един от най-добрите учители във Виена. Сред неговите ученици е Теодор Лешетицки, който може да се нарече един от основателите на руската школа по пиано. Лешетицки, след като се премества в Русия в Санкт Петербург, от своя страна е учител на А. Н. Есипова, В. И. Сафонов, С. М. Майкапара. Ференц Лист учи при К. Черни година и половина. Успехът му беше толкова голям, че неговият учител му позволи да говори публично. Бетовен присъства на концерта. Той отгатнал таланта на момчето и го целунал. Лист запази спомена за тази целувка през целия си живот. Именно Лист, а не Черни, е наследил стила на свирене на Бетовен. Подобно на Бетовен, Лист интерпретира пианото като оркестър. Докато обикаля Европа, той популяризира творчеството на Бетовен, изпълнявайки не само неговите произведения за пиано, но и симфонии, които адаптира за пиано. По това време музиката на Бетовен, особено симфоничната, все още е непозната за широката публика. Благодарение на усилията на Ф. Лист паметникът на композитора Лудвиг ван Бетовен е издигнат в Бон през 1839 г. Невъзможно е да не разпознаете музиката на Бетовен. Лаконизъм и релеф на мелодиите, динамика, ясен мускулест ритъм - това е лесно разпознаваем героично-драматичен стил. Дори в бавните части (където разсъждава Бетовен) звучи основната тема на Бетовен: през страдание към радост, „през тръни към звездите“. М. И. Глинка смята Бетовен за върхът на виенския класицизъм, художникът, който най-дълбоко прониква в дълбините на човешката душа и перфектно я изразява в звуци. Бетовен е казал: „Музиката трябва да изстрелва огън от човешката душа!“
Заключение
Нарастването на свободата в обществото води до появата на първите публични концерти, а в основните градове на Европа се създават музикални дружества и оркестри. Развитието на нова музикална култура в средата на 18 век. дава началото на много частни салони и оперни представления. Музикалната култура на класицизма е свързана със създаването на много жанрове на инструменталната музика - като соната, симфония, квартет. През тази епоха изкристализираха жанрът на класическия концерт и вариационната форма, беше извършена реформа на оперните жанрове.
В оркестрите настъпиха фундаментални промени; вече нямаше нужда от клавесин или орган като основни музикални инструменти; духовите инструменти - кларинет, флейта, тромпет и други, напротив, заеха мястото си в оркестъра и създадоха нов, специален звук. Новият състав на оркестъра води до появата на симфонията, най-важният музикален жанр. Един от първите композитори, които използват симфоничния формат, е синът на I.S. Бах - Карл Филип Еманюел Бах. Заедно с новия състав на оркестъра се появява
струнен квартет, състоящ се от две цигулки, виола и виолончело. Композициите са създадени специално за струнен квартет със собствен стандарт от четири темпа. Създава се многочастна сонатно-симфонична форма (4-частен цикъл), която и до днес е в основата на много инструментални композиции. През същата епоха е създадено пиано, чийто дизайн през 18в. претърпява значителни промени, подобрява се механизмът на клавиатурата-чук, въвеждат се чугунена рамка, педали и механизъм за „двойна репетиция“, променя се подреждането на струните и се разширява обхватът. Всички тези еволюционни иновации позволиха на пианистите по-лесно да изпълняват виртуозни произведения в различни версии, използвайки различни изразни средства и обогатена динамика. Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт и Лудвиг ван Бетовен - три велики имена, трима "титани", останали в историята като
виенски
класика
. Композиторите от виенското училище майсторски овладяват различни музикални жанрове - от ежедневни песни до симфонии. Високият музикален стил, в който богатото образно съдържание е въплътено в проста, но съвършена художествена форма, е основната характеристика на творчеството на виенските класици. Композиторите от Виенската класическа школа издигнаха жанра на сонатата за пиано и класическия концерт на най-високо ниво. Откриването на класицизма се състоеше в изразяването на желанието за най-висш идеал за съвършенство, за небесната структура на душата и живота. Хайдн каза, че Бог няма да се обиди от него, че Го възхвалява в нов, ярък и ясен стил. Музикалната култура на класицизма, подобно на литературата, както и изобразителното изкуство, възхвалява действията на човека, неговите емоции и чувства, над които властва разумът. Творците в творбите си се отличават с логично мислене, хармония и яснота на формата. Класицизмът е стил на исторически специфична епоха. Но неговият идеал за хармония и пропорционалност остава и до днес модел за следващите поколения.
Междувременно вековете на класицизма вече отстъпваха; в невижданата полистилистика на „Дон Жуан” и в бунтарския дух на „Егмонт” се долавя векът на романтизма с неговата трагична ирония, разстроено художествено съзнание и свобода на лирическата интимност.
Принципи на класицизма
1. Основата на всичко е разумът. Красиво е само това, което е разумно. 2. Основната задача е укрепването на абсолютната монархия, монархът е въплъщение на разума. 3. Основната тема е конфликтът на лични и граждански интереси, чувства и дълг. 4. Най-висшето достойнство на човек е изпълнението на дълга, службата на държавната идея. 5. Наследството на античността като модел. 6. Имитация на “украсена” природа. 7. Основната категория е красотата.
Литература
Келдиш Ю. В. - Класицизъм. Музикална енциклопедия, Москва: Съветска енциклопедия, от "Съветски композитор", 1973 - 1982. Класицизъм - Голям енциклопедичен речник, 2000 г. Ю. А. Кремльов - Сонати за пиано на Бетовен, Издателство "Съветски композитор", Москва 1970 г.
Композитори от класическата епоха
Фридрих Калкбренер Йозеф Хайдн Йохан Непомук Хумел Ян Ванхал Джовани Батиста Пескети Доминико Чимароза Иван Ласковски Леополд Моцарт Кристиан Готлоб Нефе Волфганг Амадеус Моцарт Джовани Батиста Грациоли Андре Гретри Йохан Е. Хумел Даниел Щайбелт Игнац Плейел Лудвиг ван Бетовен Николо Паганини Антон Диабел ли Александър Лвович Гурилев Ян Ладислав Дюсек Жак Обер Кристоф Вилибалд Глюк Джовани Паисиело Александър Иванович Дубук Лев Степанович Гурилев Карл Черни Даниел Готлоб Тюрк Вилхелм Фридеман Бах Антонио Салиери Йохан Кристиан Бах Мауро Джулиани Йохан Кристоф Фредерик Бах Джон Фийлд Карл Филип Еманюел Бах Александър Танеев Фредерик Дюверной Гаетано Доницети Йохан Вилхелм Хеслер Ойстиг ней Фомин Йохан Бенда Тобиас Хаслингер Луиджи Керубини Винченцо Белини Алберт Беренс Йохан Филип Кирнбергер Муцио Клементи Анри Джером Бертини Анри Крамер
Луиджи Бокерини Йохан Батист Крамер Дмитрий Бортнянски Родолф Кройцер Петър Булахов Фридрих Кухлау Карл Мария фон Вебер Йохан Хайнрих Лео Анри Лемоан Генища Йосиф Йосифович Михаил Клеофас Огински Джовани Батиста Перголези
РОМАНТИЗЪМ
Романтизмът е идеологическо и художествено движение, възникнало в европейската и американската култура в края на 18 век. - първата половина на 19 век. - беше реакция на естетиката на класицизма, своеобразна реакция на епохата на Просвещението с неговия култ към разума. Появата на романтизма се дължи на различни причини. Най-важният от тях
-
разочарование от резултатите на Френската революция
,
не оправда очакванията, възлагани му. Романтичният мироглед се характеризира с остър конфликт между реалността и мечтите. Реалността е низка и бездуховна, тя е проникната от духа на филистерството, филистерството и е достойна само за отричане. Мечтата е нещо красиво, съвършено, но непостижимо и непонятно за разума. Романтизмът за първи път възниква и се развива през 1790-те години. в Германия, в кръга на писателите и философите от йенската школа, чиито представители се считат за В. Г. Вакенродер, Лудвиг Тик, Новалис, братята Ф. и А. Шлегел). Философията на романтизма е систематизирана в произведенията на Ф. Шлегел и Ф. Шелинг и е, че има положително удоволствие от красивото, изразено в спокойно съзерцание, и има отрицателно удоволствие от възвишеното, безформено, безкрайно, причиняващо не радост, но учудване и разбиране. Възпяването на възвишеното е свързано с интереса на романтизма към злото, неговото облагородяване и диалектиката на доброто и злото. През 18 век Всичко странно, живописно и съществуващо в книгите, а не в реалността, се наричаше романтично. В началото. XIX век Романтизмът става обозначението на ново направление, противоположно на класицизма и Просвещението. От епоха в епоха, от стил към последващ стил в областта на изкуството, можете да „построите мост“ и да изразите съответните
определение на художествените движения: барокът е проповед, романтизмът е изповед. Така че те са „разпръснати“ настрани от хармоничния и подреден класицизъм. В бароковото изкуство човек се обръща към човек (проповядва) с нещо глобално важно; в романтизма човек се обръща към света, заявявайки му, че най-малките преживявания на душата му са не по-малко важни от всичко останало. И тук е не само правото на индивидуално усещане, но и правото на действие. Романтизмът, който заменя епохата на Просвещението, съвпада с индустриалната революция, белязана от появата на парната машина, локомотива, парахода, фотографията и фабричните покрайнини. Ако Просвещението се характеризира с култа към разума и основаната на неговите принципи цивилизация, то романтизмът утвърждава култа към природата, чувствата и естественото в човека. Именно в епохата на романтизма се оформиха феномените на туризма, планинарството и пикниците, предназначени да възстановят единството на човека и природата. Образът на „благороден дивак“, въоръжен с „народна мъдрост“ и неразвален от цивилизацията, е търсен. Романтизмът се противопоставя на образователната идея за прогрес с интерес към фолклора, мита, приказките, към обикновения човек, връщане към корените и природата. В по-нататъшното си развитие немският романтизъм се отличава с интерес към приказни и митологични мотиви, което е особено ясно изразено в творчеството на братята Вилхелм и Якоб Грим и Хофман. Г. Хайне, започвайки работата си в рамките на романтизма, по-късно го подлага на критична ревизия. Философският романтизъм призовава за преосмисляне на религията и преследване на атеизма. "Истинската религия е усещането и вкуса на безкрайността." По-късно през 1820-те романтичният стил се разпространява в Англия, Франция и други страни. Английският романтизъм включва произведенията на писателите Расин, Джон Кийтс и Уилям Блейк. Романтизмът в литературата получава широко разпространение в други европейски страни, например: във Франция - Шатобриан, Ж. Стаел, Ламартин, Виктор Юго, Алфред дьо Вини, Проспер Мериме, Жорж Санд, Стендал; в Италия - Н. У. Фосколо, А. Мандзони, Леопарди, в Полша - Адам Мицкевич, Юлиуш Словацки, Зигмунт Красински, Киприан Норвид; в САЩ - Вашингтон Ървинг, Фенимор Купър, У. С. Брайънт, Едгар Алън По, Натаниел Хоторн, Хенри Лонгфелоу, Херман Мелвил.
В руския романтизъм се появява свобода от класически условности, създава се балада и романтична драма. Утвърждава се нова представа за същността и значението на поезията, която се признава за самостоятелна сфера на живота, израз на най-висшите, идеални стремежи на човека. Романтизмът на руската литература показва страданието и самотата на главния герой. В Русия В. А. Жуковски, К. Н. Батюшков, Е. А. Баратински, Н. М. Языков също могат да се считат за романтични поети. Ранната поезия на А. С. Пушкин също се развива в рамките на романтизма. Поезията на М. Ю. Лермонтов може да се счита за връх на руския романтизъм. Философската лирика на Ф. И. Тютчев е едновременно завършване и преодоляване на романтизма в Русия. Романтизмът започва като литературно движение, но оказва значително влияние върху музиката и живописта. В изобразителното изкуство романтизмът се проявява най-ярко в живописта и графиката, по-малко в архитектурата. Развитието на романтизма в живописта протича в остра полемика с привържениците на класицизма. Романтиците упрекват своите предшественици за „студена рационалност“ и липса на „движение на живота“. През 18 век любимите мотиви на художниците са планински пейзажи и живописни руини. Основните му характеристики са динамична композиция, обемна пространственост, богат цвят, светлосенка (например произведения на Търнър, Жерико и Делакроа). През 20-те и 30-те години произведенията на много художници се характеризират с патос и нервна възбуда; проявяваха склонност към екзотични мотиви и игра на въображението, способна да отклони от „скучното ежедневие“. Борбата срещу застиналите класически норми продължи дълго, почти половин век. Първият, който успя да консолидира новото направление и да „оправдае“ романтизма, беше Теодор Жерико. Представители на живописта: Франсиско Гоя, Антоан-Жан Гро, Теодор Жерико, Йожен Дьолакроа, Карл Брюлов, Уилям Търнър, Каспар Дейвид Фридрих, Карл Фридрих Лесинг, Карл Шпицвег, Карл Блехен, Алберт Бирщат, Фредерик Едуин Чърч, Фюзели, Мартин.
РОМАНТИЗЪМ В МУЗИКАТА
Музиката на романтичния период е период в историята на европейската музика, който приблизително обхваща годините 1800 - 1910. В музиката посоката на романтизма се появява през 1820-те години, развитието му отнема целия 19 век. - векът на разцвета на музикалната култура на Западна Европа. Романтизмът не е просто лирика, а господство на чувства, страсти, духовни елементи, които се познават само в кътчетата на собствената душа. Истинският артист ги идентифицира с помощта на брилянтна интуиция.
Музиката от този период се развива от формите, жанровете и музикалните идеи, установени в по-ранни периоди като класическия период. Романтичните композитори се опитаха да изразят дълбочината и богатството на вътрешния свят на човека с помощта на музикални средства. Музиката става по-открояваща се и индивидуална. Развиват се песенните жанрове, включително баладите. Идеите и структурата на произведенията, които са създадени или току-що възникват в по-ранни периоди, са разработени по време на романтизма. В резултат на това произведенията, свързани с романтизма, се възприемат от слушателите като по-страстни и емоционално изразителни. Общоприето е, че непосредствените предшественици на романтизма са Лудвиг ван Бетовен - в австро-германската музика и Луиджи Керубини - във френската; Много романтици (например Шуберт, Вагнер, Берлиоз) смятат К. В. Глук за свой по-далечен предшественик. Периодът на преход от класицизъм към романтизъм се счита за предромантичен период - сравнително кратък период в историята на музиката и изкуството. Ако в литературата и живописта романтичното движение основно завършва своето развитие до средата на 19 век, тогава животът на музикалния романтизъм в Европа е много по-дълъг. Музикалният романтизъм като течение възниква в началото на 19 век и се развива в тясна връзка с различни течения в литературата, живописта и театъра. Основните представители на романтизма в музиката са: в Австрия - Франц Шуберт, и късните романтици - Антон Брукнер и Густав Малер; в Германия - Ернест Теодор Хофман, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер, Феликс Менделсон, Роберт Шуман, Йоханес Брамс, Лудвиг Шпор; в Англия - Едуард Елгар; в Унгария - Ференц Лист; в Норвегия - Едвард Григ; в Италия - Николо Паганини, Винченцо Белини, ранен Джузепе Верди; в Испания - Фелипе Педрел; във Франция - Д. Ф. Обер, Хектор Берлиоз, Й. Майербер и представителят на късния романтизъм Сезар Франк; в Полша - Фредерик Шопен, Станислав Монюшко; в Чехия - Бедрих Сметана, Антонин Дворжак;
в Русия Александър Алябиев, Михаил Глинка, Александър Даргомижски, Милий Балакирев, Н. А. Римски-Корсаков, Модест Мусоргски, Александър Бородин, Цезар Кюи, П. И. Чайковски работят в духа на романтизма.
Неслучайно за идеална форма на изкуството е обявена музиката, която поради своята специфика най-пълно изразява движенията на душата. Музиката в епохата на романтизма зае водещо място в системата на изкуството. Романтизмът в музиката се характеризира с призив към вътрешния свят на човека. Музиката има способността да изразява непознаваемото, да предава това, което думите не могат да предадат. Романтизмът винаги се стреми да избяга от реалността. Да докоснеш живота на обикновените хора, да разбереш чувствата им, разчитайки на музиката - това помогна на представителите на музикалния романтизъм да направят творбите си реалистични. Основният проблем на романтичната музика е проблемът на личността и в нова светлина - в нейния конфликт с външния свят. Романтичният герой винаги е самотен, когато е необикновен, надарен човек. Темата за самотата е може би най-популярната в цялото романтично изкуство. Художник, поет, музикант са любими герои в творчеството на романтиците („Любовта на един поет” от Шуман, „Фантастичната симфония” от Берлиоз с подзаглавие „Епизод от живота на един художник”). Разкриването на личната драма често придобива нотка на автобиографичност сред романтиците, което внася особена искреност в музиката. Например, много от произведенията за пиано на Шуман са свързани с историята на любовта му към Клара Вик. Рихард Вагнер подчертава силно автобиографичния характер на своите опери. Вниманието към чувствата води до промяна в жанровете - лириката, в която преобладават образите на любовта, придобива доминираща позиция. Темата за природата много често се преплита с темата за „лирическата изповед”. Развитието на жанровия и лирико-епическия симфонизъм е тясно свързано с образите на природата (едно от първите произведения е "голямата" симфония в до мажор на Ф. Шуберт). Темата на фантазията се превърна в истинско откритие за романтичните композитори. Музиката за първи път се научи да въплъщава приказно фантастични образи чрез чисто музикални средства. В оперите от 17-18 век. "неземни" герои (като Кралицата на нощта от "Вълшебната флейта" на Моцарт) говореха на "конвенционален"
музикален език, малко открояващ се на фона на реалните хора. Романтичните композитори се научиха да предават фантастичния свят като нещо напълно специфично (с помощта на необичайни оркестрови и хармонични цветове). Забележителен пример е „Сцената с дерето на вълка“ в „Вълшебният стрелец“ на Вебер. Интересът към народното творчество е изключително характерен за музикалния романтизъм. Подобно на поетите-романтици, които обогатяват и актуализират литературния език чрез фолклора, музикантите широко се обръщат към националния фолклор - народни песни, балади, епос (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Е. Григ). Всичко, чуто от ушите, веднага се превърна в творчество. Фолклорът - песни, танци, легенди - е обработен, оттам са взети теми, сюжети, интонации. Сред романтиците песента (в Русия - романтика) придобива специална стойност. Появяват се нови танци - мазурки, полонези, валсове. Въплъщавайки образи на националната литература, история и родна природа, те се опират на интонациите и ритмите на националния фолклор и възраждат древни диатонични ладове. Под влияние на фолклора съдържанието на европейската музика се променя драстично
.
Новите теми и образи изискват от романтиците да разработят нови средства за музикален език и принципи на формиране, разширявайки тембъра и хармоничната палитра на музиката (естествени режими, цветни сравнения на мажор и минор). А в изразните средства общото все повече отстъпва място на индивидуално-уникалното.
В оркестрацията принципът на ансамбловите групи отстъпи място на солирането на почти всички оркестрови гласове. По време на разцвета на романтизма възникват редица нови музикални жанрове, включително програмни музикални жанрове (симфонични поеми, балади, фантазии, песенни жанрове). Най-важният аспект на естетиката на музикалния романтизъм беше идеята за синтез на изкуствата, която намери най-ярък израз в оперното творчество на Р. Вагнер и в програмната музика на Г. Берлиоз, Р. Шуман, Ф. , Лист.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Появата на романтизма е повлияна от три основни събития: Великата френска революция, Наполеоновите войни и подемът на националноосвободителното движение в Европа. Романтизмът като метод и направление в музикалната и художествената култура е сложно и противоречиво явление. Във всяка страна той имаше ярък
национално изразяване. Романтиците се бунтуваха срещу резултатите от буржоазната революция, но те се бунтуваха по различни начини, тъй като всеки имаше свой идеал. Но с цялото си многообразие и многообразие, романтизмът има устойчиви черти: разочарование от света около нас, чувство за част от Вселената, недоволство от себе си, търсене на хармония, конфликт с обществото. Всички те идват от отричането на Просвещението и рационалистичните канони на класицизма, които спъват творческата инициатива. Интерес към силна личност, която се противопоставя на целия заобикалящ свят и разчита само на себе си, и внимание към вътрешния свят на човек. Идеята за синтез на изкуствата намира израз в идеологията и практиката на романтизма. Индивидуализираната, лична визия за света доведе до появата на нови музикални жанрове. Във връзка с тенденцията за развитие на домашното музициране, камерното изпълнение, не предназначено за масова публика и перфектната изпълнителска техника, това породи появата на жанра на клавирните миниатюри - импровизирани, музикални моменти, ноктюрни, прелюдии, мн. танцови жанрове, които преди това не са се появявали в професионалната музика. Романтичните теми, мотиви и изразни техники са навлезли в изкуството на различни стилове, направления и творчески асоциации. Сили, които се противопоставят на романтизма, започват да се появяват през втората половина на 19 век (Брамс, Брюкнер, Малер). С появата им се забелязва тенденция към връщане към реалния свят, обективност и отхвърляне на субективното. Но въпреки това романтичният мироглед или мироглед се оказа едно от най-плодотворните художествени стилистични движения. Романтизмът като общо отношение, характерно предимно за младите хора, като желание за идеална и творческа свобода, все още живее в световното изкуство.
ЛИТЕРАТУРА
Рапацкая Л. А. Романтизмът в художествената култура на Европа през 19 век: откриването на „вътрешния човек“ // Световна художествена култура. 11 клас на 2 части. М.: Владос, 2008
Брянцева В.Н. Музикална литература на чужбина - Изд. “Музика” 2001 A.V. Сердюк, О.В. Уманец Пътищата на развитие на украинското и чуждестранното музикално изкуство. - Х.: Основа, 2001. Берковски Н.Я. Романтизмът в Германия / Уводна статия на А. Аникст. - Л.: „Художествена литература“, 1973 г
Лудвиг ван Бетовен Бетовен е ключова фигура в западната класическа музика през периода между класицизма и романтизма, един от най-уважаваните и изпълнявани композитори в света. Той пише във всички жанрове, съществували по негово време, включително опера, музика за драматични представления и хорови произведения.
Баща му Йохан (Йохан ван Бетовен,) е певец, тенор, в придворната капела, майка му, Мария Магдалена, преди брака си, Кеверих (Мария Магдалена Кеверих,), е дъщеря на придворния готвач в Кобленц, те се женят през 1767 г.
Учителите на Бетовен Бащата на композитора иска да направи втори Моцарт от сина си и започва да го учи да свири на клавесин и цигулка. През 1778 г. първото представление на момчето се състоя в Кьолн. Но по чудо Бетовен не станал дете, баща му поверил момчето на своите колеги и приятели. Единият научил Лудвиг да свири на орган, другият – на цигулка. През 1780 г. в Бон пристига органистът и композитор Кристиан Готлоб Нефе. Той става истинският учител на Бетовен
Първи десет години във Виена През 1787 г. Бетовен посещава Виена. След като изслуша импровизацията на Бетовен, Моцарт възкликна. Той ще накара всички да говорят за себе си! Пристигайки във Виена, Бетовен започва да учи с Хайдн и впоследствие твърди, че Хайдн не го е научил на нищо; Класовете бързо разочароваха и ученик, и учител. Бетовен вярва, че Хайдн не е бил достатъчно внимателен към усилията му; Хайдн беше уплашен не само от смелите възгледи на Лудвиг по това време, но и от доста мрачните мелодии, които бяха рядкост през онези години. Някога Хайдн е писал на Бетовен. Твоите неща са красиви, те са дори прекрасни неща, но тук-там има нещо странно, мрачно в тях, тъй като ти самият си малко мрачен и странен; а стилът на музиканта винаги е самият той. Скоро Хайдн заминава за Англия и предава ученика си на известния учител и теоретик Албрехтсбергер. В крайна сметка самият Бетовен избира Антонио Салиери за свой ментор.
По-късни години () Когато Бетовен е на 34 години, Наполеон изоставя идеалите на Френската революция и се обявява за император. Затова Бетовен се отказва от намеренията си да му посвети своята Трета симфония: „Този Наполеон също е обикновен човек. Сега той ще потъпче всички човешки права и ще стане тиранин. Поради глухота Бетовен рядко напуска къщата и е лишен от звуково възприятие. Става мрачен и отдръпнат. През тези години композиторът създава едно след друго най-известните си творби. През същите тези години Бетовен работи върху единствената си опера „Фиделио“. Тази опера принадлежи към жанра на оперите на ужасите и спасяването. Успехът на „Фиделио” идва едва през 1814 г., когато операта е поставена първо във Виена, след това в Прага, където е дирижирана от известния немски композитор Вебер, и накрая в Берлин.
Минали години Малко преди смъртта си композиторът предава ръкописа на „Фиделио” на своя приятел и секретар Шиндлер с думите: „Това дете на моя дух се роди в по-големи мъки от другите и ми причини най-голяма скръб. Затова ми е по-скъп от всеки друг...” След 1812 г. творческата дейност на композитора за известно време запада. След три години обаче той започва да работи със същата енергия. По това време са създадени сонати за пиано от 28-ма до последната, 32-ра, две сонати за виолончело, квартети и вокален цикъл „До далечна любима“. Много време се отделя и на обработки на народни песни. Наред с шотландци, ирландци, уелци има и руснаци. Но основните творения от последните години са двете най-монументални произведения на Бетовен, „Тържествена литургия“ и Симфония 9 с хор.
Джулиета Гуичарди, на която композиторът посвещава Лунната соната, Деветата симфония е изпълнена през 1824 г. Публиката аплодира композитора на крака. Известно е, че Бетовен стоеше с гръб към публиката и не чуваше нищо, тогава един от певците го хвана за ръката и го обърна с лице към публиката. Хората размахваха шалове, шапки и ръце, поздравявайки композитора. Овациите продължиха толкова дълго, че присъстващите полицаи го настояха.
Произведения от 9 симфонии: 1 (), 2 (1803), 3 „Ероична“ (), 4 (1806), 5 (), 6 „Пасторална“ (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( 1824 г.). 11 симфонични увертюри, включително Кориолан, Егмонт, Леонора 3. 5 концерта за пиано. 6 младежки сонати за пиано. 32 сонати за пиано, 32 вариации и около 60 пиеси за пиано. 10 сонати за цигулка и пиано. концерт за цигулка и оркестър, концерт за пиано, цигулка и виолончело и оркестър („троен концерт”). 5 сонати за виолончело и пиано. 16 струнни квартета. 6 тройки. Балет "Творенията на Прометей". Опера "Фиделио". Тържествена литургия. Вокален цикъл „На далечна любима”. Песни по стихове на различни поети, обработки на народни песни.
Виенските класици влизат в световната история на музиката като големи реформатори.Тяхното творчество е не само уникално само по себе си, но и е ценно, защото определя по-нататъшното развитие на музикалния театър, жанрове, стилове и движения. Техните композиции поставят основата на това, което сега се счита за класическа музика.
Обща характеристика на епохата
Тези автори са обединени от факта, че са творили на границата на две големи културно-исторически епохи: класицизъм и романтизъм. Виенската класика живее във време на преход, когато активно се търсят нови форми не само в музиката, но и в художествената литература, живописта и архитектурата. Всичко това до голяма степен определя посоката на тяхната дейност и проблематиката на техните съчинения. 18-ти - първата половина на 19-ти век са белязани от сериозни политически катаклизми, войни, които буквално обръщат картата на Европа с главата надолу и оказват силно въздействие върху съзнанието на съвременната интелигенция и образованите кръгове на обществото. Виенската класика не беше изключение. Например, добре известен факт е, че Наполеоновите войни оказват силно влияние върху творчеството на Бетовен, който в известната си 9-та симфония („Хорална“) предава идеята за универсално единство и мир. Това беше своеобразен отговор на всички катаклизми, разтърсили европейския континент по времето, което разглеждаме.
Културен живот
Виенската класика живее в период, когато барокът избледнява на заден план и нова посока започва да играе водеща роля. Тя се стреми към хармония на формите, единство на композицията и затова изостави великолепните форми на предишната епоха. Класицизмът започва да определя културния облик на много европейски държави. Но в същото време още тогава е имало тенденция да се преодолеят закостенелите форми на това движение и да се създадат силни произведения с елементи на драма и дори трагедия. Това са първите признаци на появата на романтизма, които определят културното развитие на целия 19 век.
Оперна реформа
Виенската класика играе решаваща роля в развитието на всички музикални жанрове от разглеждания период. Всеки от тях, така да се каже, се специализира в един стил или музикална форма, но всичките им постижения бяха включени в златния фонд на световната музика. Глук (композитор) е най-големият и един от най-известните автори на своето време. Трудно е да се надцени неговата роля в развитието на театъра: в края на краищата той даде на оперния жанр завършената форма, в която го познаваме сега. Заслугата на Кристофър Глук е, че той пръв се отдалечи от разбирането за операта като произведение за демонстрация на вокални способности, но подчини музикалния принцип на драматургията.
Значение
Глук е композиторът, който превърна операта в истинско представление. В неговите творби, както и в творбите на неговите последователи, вокалите започват да зависят до голяма степен от думата. Сюжетът и композицията, и най-вече драматургията, започват да определят развитието на музикалната линия. Така операта престана да бъде изключително развлекателен жанр, а се превърна в сериозен вид музикално творчество със сложна драматургия, интересни герои от психологическа гледна точка и завладяваща композиция.
Произведения на композитора
Виенската класическа школа е в основата на целия световен музикален театър. Голяма част от заслугата за това е на Глук. Неговата опера „Орфей и Евридика“ се превърна в пробив в този жанр. В него авторът се е съсредоточил не върху виртуозността на изпълнението, а върху драматизма на героите, благодарение на които произведението е получило такова звучене и се изпълнява и до днес. Друга опера, Алцеста, също беше нова дума в световната музика. Австрийският композитор отново се съсредоточи върху развитието на сюжетната линия, благодарение на което произведението получи мощен психологически оттенък. Произведението все още се изпълнява на най-добрите сцени в света, което предполага, че реформата на оперния жанр, извършена от Глук, е от основно значение за еволюцията на музикалния театър като цяло и е определила по-нататъшното развитие на операта в тази посока.
Следващият етап от развитието
Австрийският композитор Хайдн също принадлежи към известната плеяда автори, които имат значителен принос за реформирането на музикалните жанрове. Той е най-известен като създател на симфонии и квартети. Благодарение на тях маестрото придоби широка популярност не само в страните от Централна Европа, но и извън техните граници. Най-широко известни са произведенията му, които са включени в световния репертоар под името „Дванадесетте лондонски симфонии“. Те се отличават с чувство на оптимизъм и жизнерадост, което обаче е характерно за почти всички произведения на този композитор.
Характеристики на творчеството
Характерна черта на творчеството на Йозеф Хайдн е връзката им с фолклора. В произведенията на композитора често се чуват песенни и танцови мотиви, които правят произведенията му толкова разпознаваеми. Това отразява мирогледа на автора, който до голяма степен имитира Моцарт, смятайки го за най-добрия композитор в света. От него той заимства радостни, леки мелодии, които правят произведенията му необичайно изразителни и ярки по звук.
Други произведения на автора
Оперите на Хайдн не са толкова популярни, колкото неговите квартети и симфонии. Въпреки това този музикален жанр заема видно място в творчеството на австрийския композитор, така че трябва да се споменат редица негови творби от този вид, още повече че те са забележим етап от творческата му биография. Една от неговите опери се казва „Аптекарят” и е написана за откриването на новия театър. Хайдн създава още няколко творби от този вид за новите театрални сгради. Той пише главно в стила на италианската опера-буфа и понякога съчетава комични и драматични елементи.
Най-известните произведения
Квартетите на Хайдн с право се наричат перлата на световната класическа музика. Те съчетават основните принципи на композитора: елегантност на формата, виртуозност на изпълнението, оптимистично звучене, тематично разнообразие и оригинален начин на изпълнение. Един от известните цикли се нарича „руски“, защото е посветен на царевич Павел Петрович, бъдещият руски император Павел I. Друга група квартети е предназначена за пруския крал. Тези композиции са написани по нов начин, тъй като се отличават с изключителна гъвкавост на звука и богатство от контрастни музикални нюанси. Именно с този вид музикален жанр името на композитора добива световно значение. Тук трябва да се отбележи, че авторът често прибягва до така наречените „изненади“ в своите композиции, правейки неочаквани музикални пасажи на места, където публиката най-малко го очаква. „Детската симфония“ на Хайдн е едно от тези необичайни произведения.
Обща характеристика на творчеството на Моцарт
Това е един от най-известните автори на музика, който все още се радва на изключителна популярност сред почитателите на класическата музика и е обичан по целия свят. Успехът на произведенията му се обяснява с факта, че те се отличават с логическа хармония и завършеност. В тази връзка много изследователи приписват работата му на епохата на класицизма. Други обаче смятат, че виенският композитор е станал предвестник на романтизма: в края на краищата в неговите творби вече е имало ясна тенденция да изобразява силни, необикновени образи, както и дълбоко психологическо изследване на героите (в това говорим за опера случай). Както и да е, произведенията на маестрото се отличават със своята дълбочина и в същото време изключителна лекота на възприятие, драматизъм и оптимизъм. Те са лесни и достъпни за всеки, но в същото време много сериозни и философски по съдържание и звучене. Именно това е феноменът на неговия успех.
Опери от композитора
Виенската класическа школа изиграва решаваща роля в развитието на оперния жанр. Голяма заслуга за това принадлежи на Моцарт. Спектаклите по негова музика все още са изключително популярни и обичани не само от истинските меломани, но и от масовата публика. Може би това е единственият композитор, чиято музика е известна на всички по един или друг начин, дори и да имат най-смътната представа за творчеството му.
Най-известната опера е може би „Сватбата на Фигаро“. Това е може би най-веселата и в същото време необичайно забавна творба на автора. В почти всяка част се чува хумор, което го прави толкова популярен. Известната ария на главния герой се превърна в истински хит още на следващия ден. Музиката на Моцарт - ярка, игрива, игрива, но в същото време необичайно мъдра в своята простота - веднага спечели всеобща любов и признание.
Друга известна опера на автора е „Дон Жуан“. По отношение на популярността може би не отстъпва на гореспоменатия: продукциите на това представление могат да се видят и в наше време. Показателно е, че композиторът представи доста сложната история на този човек в много проста и в същото време сериозна форма, като по този начин отново демонстрира своето дълбоко разбиране на живота. В това геният успя да покаже както драматичните, така и оптимистичните компоненти, които са неразривно свързани помежду си във всички негови творби.
Днес операта „Вълшебната флейта” е не по-малко известна. Музиката на Моцарт достига апогея си в своята изразителност. В това произведение е леко, ефирно, весело и в същото време необичайно сериозно, така че човек може само да се чуди как авторът успя да предаде цяла философска система в толкова прости, хармонични звуци. Известни са и други опери на композитора, например, днес периодично можете да чуете La Clemenza di Titus, както в театрални, така и в концертни изпълнения. Така оперният жанр заема едно от основните места в творчеството на брилянтния композитор.
Избрани произведения
Композиторът работи в различни посоки и създава голям брой музикални произведения. Моцарт, чиято „Нощна серенада“, например, отдавна надхвърли обхвата на концертните изпълнения и стана широко известен, пише на много прост и достъпен език. Може би затова често го наричат гений на хармонията. Дори в трагичните произведения имаше мотив за надежда. В „Реквием” той изразява мислите си за по-добър бъдещ живот, така че въпреки трагичния тон на музиката, произведението оставя усещане за просветен мир.
Концертът на Моцарт се отличава и със своята хармонична хармония и логическа завършеност. Всички части са подчинени на една тема и са обединени от общ мотив, който задава тона на цялата творба. Затова музиката му се слуша на един дъх. В този тип жанр са въплътени основните принципи на творчеството на композитора: хармонично съчетание на звуци и части, ярък и в същото време виртуозен звук на оркестъра. Никой друг не може да структурира музикалното си произведение толкова хармонично, колкото Моцарт. „Нощната серенада” на композитора е своеобразен еталон за хармоничното съчетаване на части с различни звуци. Весели и шумни пасажи много ритмично отстъпват място на едва доловими виртуозни части.
Специално внимание трябва да се обърне на авторските маси. Те заемат видно място в неговото творчество и, подобно на други произведения, са пропити с чувство на светла надежда и просветена радост. Заслужава да се спомене и прочутото „Турско рондо“, което излезе от рамките на концертните изпълнения, така че често може да се чуе дори в телевизионни реклами. Но най-голямото чувство за хармония може би се намира в концерта на Моцарт, в който принципът на логическата завършеност достига най-високата си степен.
Накратко за творчеството на Бетовен
Този композитор изцяло принадлежи към епохата на господството на романтизма. Ако Йохан Амадеус Моцарт стои, така да се каже, на прага на класицизма и новото направление, тогава Лудвиг Ван Бетовен напълно премина към изобразяване на силни страсти, мощни чувства и необикновени личности в своите произведения. Той става може би най-видният представител на романтизма. Показателно е, че, обръщайки се към драматични, трагични теми, той пише само една опера. Основен жанр за него остават симфониите и сонатите. На него се приписва реформирането на тези произведения, точно както Глук реформира оперното изпълнение по негово време.
Удивителна черта на творчеството на композитора е, че основната тема на неговите творби е образът на мощната, титанична воля на индивид, който с огромно усилие на волята преодолява трудностите и всички препятствия. Л. В. Бетовен също отделя много място в своите композиции на темата за борбата и конфронтацията, както и на мотива за универсалното единство.
Някои биографични факти
Произхожда от семейство на музиканти. Баща му искаше момчето да стане известен композитор, затова работеше с него, използвайки доста сурови методи. Може би затова детето е израснало мрачно и строго по природа, което впоследствие се е отразило на творчеството му. Бетовен работи и живее във Виена, където учи с Хайдн, но тези изследвания много бързо разочароват както ученик, така и учител. Последният обърна внимание на факта, че младият автор е доминиран от доста мрачни мотиви, което не беше прието по това време.
Биографията на Бетовен разказва накратко и за периода на страстта му към освободителната борба. Първоначално той приема наполеоновите войни с ентусиазъм, но по-късно, когато Бонапарт се провъзгласява за император, се отказва от идеята да напише симфония в негова чест. През 1796 г. Лудвиг започва да губи слуха си. Това обаче не прекъсва творческата му дейност. Вече напълно глух, той написва знаменитата си 9-та симфония, превърнала се в истински шедьовър в световния музикален репертоар. (невъзможно е да се говори за това накратко) също съдържа информация за приятелството на маестрото с изключителни хора от неговото време. Въпреки резервирания си и суров характер, композиторът беше приятел с Вебер, Гьоте и други фигури от епохата на класицизма.
Най-известните произведения
Вече беше казано по-горе, че характерна черта на творчеството на Л. В. Бетовен е желанието да се изобразят силни, емоционални герои, борбата на страстите и преодоляването на трудностите. Сред творбите от този жанр е особено забележителна „Appassionata“, която по отношение на интензивността на чувствата и емоциите е може би една от най-силните. Когато композиторът беше попитан за идеята зад създаването му, той се позова на пиесата на Шекспир „Бурята“, която според него е послужила като източник на вдъхновение. Авторът прави паралел между мотивите на титаничните пориви в творчеството на драматурга и неговата музикална интерпретация на тази тема.
Едно от най-популярните произведения на автора е „Лунната соната“, която, напротив, е пропита с усещане за хармония и мир, сякаш в контраст с драматичната мелодия на неговите симфонии. Показателно е, че самото име на това произведение е дадено от съвременниците на композитора, може би защото музиката приличаше на блещукането на морето в тиха нощ. Това са асоциациите, които възникват у повечето слушатели, когато слушат тази соната. Не по-малко, а може би дори по-популярна е известната композиция „Für Eliza“, която композиторът е посветил на съпругата на руския император Александър I Елизавета Алексеевна (Луиза). Това произведение е поразително с невероятната комбинация от леки мотиви и сериозни драматични пасажи в средата. Особено място в творчеството на маестрото заема единствената му опера „Фиделио” (в превод от италиански „Верни”). Това произведение, подобно на много други, е пропито с патоса на любовта към свободата и призива за свобода. „Фиделио“ все още не напуска сцената на водещите, въпреки че операта не получи веднага признание, както почти винаги се случва.
Девета симфония
Това произведение е може би най-известното сред другите произведения на композитора. Написана е три години преди смъртта му, през 1824 г. Деветата симфония завършва дългия и многогодишен стремеж на композитора да създаде перфектното симфонично произведение. Той се различава от всички предишни по това, че, първо, въвежда хорова част (към известната „Ода на радостта“ от Ф. Шилер), и второ, в него композиторът реформира структурата на симфоничния жанр. През всяка част от творбата постепенно се разкрива основната тема. Началото на симфонията е доста мрачно и тежко, но дори и тогава звучи далечен мотив за помирение и просветление, който нараства с развитието на музикалната композиция. И накрая, в самия край, звучат доста мощни хорови вокали, призоваващи всички хора по света да се обединят. Така композиторът допълнително подчертава основната идея на своето произведение. Той искаше мислите му да бъдат изразени възможно най-ясно, затова не се ограничи само до музиката, но въведе и изпълнението на певците. Симфонията има изключителен успех: при първото изпълнение публиката аплодира композитора на крака. Показателно е, че Л. В. Бетовен я композира, когато вече е напълно глух човек.
Значението на Виенската школа
Глук, Хайдн, Моцарт, Бетовен станаха основатели на класическата музика, оказвайки огромно влияние върху цялата последваща музикална история не само на Европа, но и на света. Значението на тези композитори и техният принос за реформата на музикалния театър трудно могат да бъдат надценени. Работейки в различни жанрове, те създават гръбнака и формата на произведенията, въз основа на които техните последователи композират нови произведения. Много от техните творения отдавна са излезли от рамките на концертните изпълнения и се чуват широко във филмите и по телевизията. „Турско рондо“, „Лунна соната“ и много други произведения на тези автори са известни не само на любителите на музиката, но дори и на тези, които не са запознати отблизо с класическата музика. Много изследователи съвсем основателно наричат виенския етап от развитието на класиката определящ в историята на музиката, тъй като през този период са положени основните принципи за създаване и писане на опери, симфонии, сонати и квартети.
Л. В. Бетовен е немски композитор, представител на виенската класическа школа (роден в Бон, но прекарва по-голямата част от живота си във Виена - от 1792 г.).
Музикалното мислене на Бетовен е сложен синтез:
Ø творчески постижения на виенската класика (Глук, Хайдн, Моцарт);
Ø изкуството на Френската революция;
Ø нови, възникващи през 20-те години. XIX век художествено течение - романтизъм.
Произведенията на Бетовен носят отпечатъка на идеологията, естетиката и изкуството на Просвещението. Това до голяма степен обяснява логичното мислене на композитора, яснотата на формите, обмислеността на цялостната художествена концепция и отделни детайли на произведенията.
Също така трябва да се отбележи, че Бетовен се показа най-пълно в жанровете сонати и симфонии(характерни за класиката жанрове) . Бетовен е първият, който използва т.нар "конфликтен симфонизъм"въз основа на съпоставянето и сблъсъка на ярко контрастиращи музикални образи. Колкото по-драматичен е конфликтът, толкова по-сложен е процесът на развитие, който за Бетовен се превръща в основна движеща сила.
Идеите и изкуството на Великата френска революция оставят своя отпечатък върху много от творенията на Бетовен. От оперите на Керубини има пряк път към Фиделио на Бетовен.
Произведенията на композитора въплъщават привлекателни интонации и точни ритми, широко мелодично дишане и мощна инструментализация на химните на песните, маршовете и оперите от тази епоха. Те трансформират стила на Бетовен. Ето защо музикалният език на композитора, макар и свързан с изкуството на виенската класика, в същото време беше дълбоко различен от него. В произведенията на Бетовен, за разлика от Хайдн и Моцарт, рядко се срещат изящни орнаменти, плавни ритмични модели, камера, прозрачна текстура, баланс и симетрия на музикалната тематика.
Композитор от нова епоха, Бетовен намира различни интонации, за да изрази мислите си – динамични, неспокойни, сурови. Звукът на музиката му става много по-богат, плътен и драматично контрастиращ. Неговите музикални теми придобиват невиждан досега лаконизъм и строга простота.
Слушателите, възпитани на класицизма от 18 век, бяха зашеметени и често предизвикваха недоразумения емоционална силаМузиката на Бетовен, проявена или в драма с насилие, или в грандиозен епичен размах, или в прочувствени текстове. Но точно тези качества на изкуството на Бетовен възхищаваха романтичните музиканти. И въпреки че връзката на Бетовен с романтизма е неоспорима, неговото изкуство в основните си очертания не съвпада с него. Не се вписва напълно в рамките на класицизма. Защото Бетовен, като малко други, е уникален, индивидуален и многостранен.
Теми от творчеството на Бетовен:
Ø Съсредоточете се върху Бетовен – животът на героя, който протича в постоянна борба за универсално, красиво бъдеще.Героичната идея минава като червена нишка през цялото творчество на Бетовен. Героят на Бетовен е неотделим от народа. В службата на човечеството, в извоюването на свободата за него той вижда целта на своя живот. Но пътят към целта минава през тръни, борба, страдание. Често герой умира, но смъртта му е увенчана с победа, носеща щастие на освободеното човечество. Привличането на Бетовен към героичните образи и идеята за борба се дължи, от една страна, на неговата личност, трудна съдба, борба с нея и постоянно преодоляване на трудности; от друга страна, влиянието на идеите на Великата френска революция върху светогледа на композитора.
Ø Намери най-богато отражение в произведенията на Бетовен и природна тема(6-та симфония „Пасторална“, соната № 15 „Пасторална“, соната № 21 „Аврора“, 4-та симфония, много бавни части от сонати, симфонии, квартети). Пасивното съзерцание е чуждо на Бетовен: спокойствието и тишината на природата помагат за дълбоко разбиране на вълнуващите въпроси, събиране на мисли и вътрешна сила за борбата на живота.
Ø Бетовен прониква дълбоко в сферата на човешките чувства.Но, разкривайки света на вътрешния, емоционален живот на човека, Бетовен рисува същия герой, способен да подчини спонтанността на чувствата на изискванията на разума.
Основни характеристики на музикалния език:
Ø Мелодика . Основната основа на мелодиката му е в тръбни сигнали и фанфари, в подканващи ораторски възклицания и маршови обороти. Често се използва движение по звуците на триада (G.P. „Eroic Symphony“; тема на финала на 5-та симфония, G.P. I част 9 от симфонията). Цезурите на Бетовен са препинателни знаци в речта. Ферматите на Бетовен са паузи след патетични въпроси. Музикалните теми на Бетовен често се състоят от контрастни елементи. Контрастната структура на темите се среща и при предшествениците на Бетовен (особено при Моцарт), но при Бетовен това вече се превръща в модел. Контрастът в рамките на темата прераства в конфликт G.P. и П.П. в сонатна форма, динамизира всички части на сонатното алегро.
Ø Метроритъм. Ритмите на Бетовен се раждат от същия източник. Ритъмът носи заряд на мъжественост, воля и активност.
§ Маршови ритмиизключително често
§ Танцови ритми(в картини на народното забавление - финалът на 7-та симфония, финалът на сонатата "Аврора", когато след много страдания и борба идва момент на триумф и радост.
Ø Хармония. С простотата на вертикалния акорд (акорди на основните функции, лаконично използване на неакордни звуци) има контрастираща и драматична интерпретация на хармоничната последователност (връзка с принципа на драматургията на конфликта). Остри, смели модулации в далечни тонове (за разлика от пластичните модулации на Моцарт). В по-късните си произведения Бетовен предвижда характеристиките на романтичната хармония: полифонична тъкан, изобилие от неакордови звуци, изящни хармонични последователности.
Ø Музикални форми Произведенията на Бетовен са грандиозни конструкции. „Това е Шекспир на масите“, пише В. Стасов за Бетовен. „Моцарт е отговорен само за индивидите... Бетовен мисли за историята и за цялото човечество.“ Бетовен е създателят на формата безплатни вариации(финал на соната за пиано № 30, вариации по тема от Диабели, 3-та и 4-та части на 9-та симфония). На него се приписва въвеждането на вариационната форма в голямата форма.
Ø Музикални жанрове. Бетовен развива повечето от съществуващите музикални жанрове. Основата на неговото творчество е инструменталната музика.
Списък на творбите на Бетовен:
Оркестрова музика:
Симфонии – 9;
Увертюри: “Кориолан”, “Егмонт”, “Леонора” - 4 варианта за операта “Фиделио”;
Концерти: 5 пиано, 1 цигулка, 1 троен – за цигулка, виолончело и пиано.
Пиано музика:
32 сонати;
22 вариационни цикъла (включително 32 вариации в c-moll);
Bagatelles (включително „Fur Elise“).
Музика на камерен ансамбъл:
Сонати за цигулка и пиано (вкл. „Кройцерова” № 9); виолончели и пиано;
16 струнни квартета.
Вокална музика:
Опера "Фиделио";
Песни, вкл. цикъл “На далечна любима”, обработки на народни песни: шотландски, ирландски и др.;
2 меси: до мажор и тържествена меса;
оратория „Христос на Елеонския хълм“.
