1. ละครเป็นรูปแบบศิลปะมีลักษณะสังเคราะห์ การแสดงละครรวมถึงความเป็นไปได้ในการแสดงออก หมายถึงศิลปะเกือบทุกประเภท (วรรณกรรม ดนตรี วิจิตรศิลป์ การออกแบบท่าเต้น ฯลฯ) ในขณะเดียวกันก็ไม่มีรูปแบบศิลปะใดที่จะมีบทบาทนำ ในปัจจุบัน การสังเคราะห์โรงละครทำได้โดยใช้การพัฒนาวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีสมัยใหม่ (จิตวิทยา สัญศาสตร์ เทคโนโลยี)
2. โรงละครเป็นกระบวนการสร้างสรรค์ร่วมกัน มันไม่ได้เกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันของสมาชิกในคณะเท่านั้น แต่ยังเกี่ยวกับการมีปฏิสัมพันธ์การร่วมเขียนของผู้ชม การรับรู้ของผู้ชมสามารถแก้ไขและปรับเปลี่ยนประสิทธิภาพได้ การแสดงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีผู้ชม การรับรู้ของผู้ชมเป็นงานที่จริงจัง สร้างสรรค์ และชาญฉลาด แม้ว่าตัวผู้ดูเองจะไม่รู้ก็ตาม
3. โรงละครมีอยู่เป็นการแสดงชั่วขณะ การแสดงแต่ละครั้งมีอยู่ในช่วงเวลาของการทำซ้ำเท่านั้น สิ่งนี้ให้ความเข้าใจในแนวคิดเรื่องประวัติศาสตร์ในการรับรู้ของโรงละคร มันอยู่ในโรงละครที่ผู้ชมเข้าถึงได้โดยตรงมีส่วนร่วมในงาน ไม่ว่านักแสดงจะเล่นในยุคไหน
4. งานละครไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้เนื่องจากขณะนี้มีอยู่เฉพาะในช่วงเวลาปัจจุบันเท่านั้น การถ่ายโอนไปยังภาพยนตร์ทำให้สามารถแก้ไขได้เท่านั้น ในกรณีนี้ ความมหัศจรรย์ของศิลปะจะหายไป
5. โรงละครเช่นเดียวกับศิลปะประเภทอื่น ๆ ขึ้นอยู่กับช่วงเวลาศิลปะเหตุการณ์บนเวที (การเกิดของงาน) เกิดขึ้นพร้อมกันกับการรับรู้ของผู้ชม ในโรงละครที่เรียกว่า เวลาบนเวที - ระหว่างที่มีการแสดง ปัจจุบันการแสดง 2.5-3 ชั่วโมง แต่บางโปรดักชั่นแนะนำระยะเวลา 5-10 ชั่วโมง บางครั้งใช้เวลาหลายวัน
6. ผู้ขนส่งหลักของแนวคิดการแสดงละคร การกระทำคือ นักแสดง ภาพลักษณ์ของนักแสดงสร้างขึ้นภายใต้กรอบความคิดที่วางไว้โดยบทละคร ผู้กำกับตีความ แต่ถึงกระนั้น นักแสดงก็ยังเป็นศิลปินที่รวบรวมภาพที่มีชีวิตบนเวทีอย่างอิสระ
7. ละครเป็นรูปแบบศิลปะอาจมีการตีความ ปัญหาของการตีความเกิดขึ้นไม่มากนักกับตัวบทละครสมัยใหม่เท่ากับตัวบทของวรรณกรรมคลาสสิก การตีความในโรงละครเป็นรูปแบบใหม่ของการอ่านผลงานที่มีชื่อเสียงซึ่งสามารถติดตามตำแหน่งทางปรัชญาการเมืองและศีลธรรมของผู้แต่งได้
ในโรงละคร การตีความทำให้สามารถเชื่อมโยงปัญหาของวันปัจจุบันกับข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์ของวันที่ผ่านมาได้
ในการวิเคราะห์การตีความบทละคร ความเข้าใจในทัศนคติของผู้กำกับ โลกทัศน์ของเขา รวมถึงการชี้แจงปัญหานิรันดร์ที่เกี่ยวข้องกับแก่นแท้ของมนุษย์มีบทบาทสำคัญ ผู้ชมที่รับรู้ผลงานคลาสสิกในโรงละครเข้าสู่บทสนทนาไม่มากกับผู้เขียน แต่กับผู้กำกับซึ่งช่วยให้คุณเปิดเผยสาระสำคัญของความขัดแย้งของสังคมสมัยใหม่ แต่ในขณะเดียวกัน ผู้ชมก็กำลังสนทนากับยุคที่ผลงานถูกสร้างขึ้น กรรมการหันไปหางานคลาสสิคตีความเพราะ ในพวกเขาความขัดแย้งไม่ได้รับการแก้ไขมันเป็นนิรันดร์ ผู้อำนวยการอยู่ในสถานะของ "การอุทธรณ์การตีความ" (W. Eco) การตีความในโรงละครเป็นไปได้ในระดับนักเขียนบทละครในระดับผู้กำกับนักแสดงผู้ชมนักวิจารณ์โรงละคร (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich)
เขียนเรียงความในหัวข้อ: อะไรคือความคล้ายคลึงกันระหว่างโรงละครและประติมากรรม? 1 หน้า
กระทรวงศึกษาธิการของสาธารณรัฐปกครองตนเองไครเมีย
วิศวกรรมรัฐไครเมียและมหาวิทยาลัยครุศาสตร์
คณะ จิตวิทยาและการสอน
ภาควิชาวิธีการประถมศึกษา
ทดสอบ
/>ตามระเบียบวินัย
การออกแบบท่าเต้น การแสดงบนเวที และหน้าจอ พร้อมวิธีการสอน
หมายถึงการแสดงออกของศิลปะการละคร
นักศึกษา Mikulskite S.I.
ซิมเฟอโรโพล
2550 - 2551 ปีการศึกษา ปี.
วิธีการหลักในการแสดงออกของศิลปะการละคร
การตกแต่ง
ชุดละคร
การออกแบบเสียงรบกวน
ไฟบนเวที
เอฟเฟกต์บนเวที
วรรณกรรม
แนวคิดของมัณฑนศิลป์เป็นวิธีการแสดงออกของศิลปะการละคร
ศิลปะฉากเป็นหนึ่งในวิธีการที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกถึงศิลปะการละคร เป็นศิลปะในการสร้างภาพลักษณ์ของการแสดงผ่านฉากและเครื่องแต่งกาย เทคนิคการจัดแสงและการแสดงละคร อิทธิพลทางภาพทั้งหมดเหล่านี้เป็นองค์ประกอบอินทรีย์ของการแสดงละครช่วยในการเปิดเผยเนื้อหาให้เสียงทางอารมณ์บางอย่าง การพัฒนามัณฑนศิลป์มีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาละครและการละคร
องค์ประกอบของมัณฑนศิลป์ (เครื่องแต่งกาย หน้ากาก ผ้าม่านตกแต่ง) มีอยู่ในพิธีกรรมและเกมพื้นบ้านที่เก่าแก่ที่สุด ในโรงละครกรีกโบราณแล้วในศตวรรษที่ 5 BC e. นอกเหนือจากการสร้างสคีนซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมสำหรับการแสดงของนักแสดงแล้ว ยังมีทิวทัศน์สามมิติแล้วจึงนำเสนอฉากที่งดงามตระการตา หลักการของศิลปะการตกแต่งกรีกถูกนำมาใช้โดยโรงละครแห่งกรุงโรมโบราณซึ่งใช้ม่านเป็นครั้งแรก
ในช่วงยุคกลาง เดิมทีภายในโบสถ์เล่นบทบาทของการตกแต่งพื้นหลัง ซึ่งเป็นการแสดงละครพิธีกรรม แล้วที่นี่ หลักการพื้นฐานของฉากพร้อมกันซึ่งเป็นลักษณะของโรงละครยุคกลางถูกนำมาใช้เมื่อฉากของการกระทำทั้งหมดแสดงพร้อมกัน หลักการนี้ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในประเภทหลักของโรงละครยุคกลาง - บทละครลึกลับ ฉากลึกลับทุกประเภทได้รับความสนใจมากที่สุดในฉาก "สวรรค์" ซึ่งปรากฎในรูปของซุ้มไม้ที่ประดับประดาด้วยความเขียวขจี ดอกไม้และผลไม้ และ "นรก" ในรูปของปากเปิดของมังกร นอกจากการตกแต่งอย่างมากมายแล้ว ยังใช้ทิวทัศน์ที่งดงาม (ภาพท้องฟ้าเต็มไปด้วยดวงดาว) ด้วย ช่างฝีมือผู้ชำนาญมีส่วนร่วมในการออกแบบ - จิตรกร ช่างแกะสลัก ช่างทอง; โรงละครก่อน ช่างเครื่องเป็นช่างซ่อมนาฬิกา ภาพจำลองโบราณ การแกะสลัก และภาพวาด ให้แนวคิดเกี่ยวกับประเภทและเทคนิคต่างๆ ของการแสดงละครลึกลับ ในอังกฤษ การแสดงบนรถกระเช้า ซึ่งเป็นบูธสองชั้นแบบเคลื่อนย้ายได้บนเกวียน เป็นที่แพร่หลายมากที่สุด ชั้นบนมีการแสดงและชั้นล่างเป็นห้องแต่งตัวสำหรับนักแสดง การจัดเรียงแท่นเวทีแบบวงกลมหรือวงแหวนดังกล่าวทำให้สามารถใช้อัฒจันทร์ที่อนุรักษ์ไว้ตั้งแต่ยุคโบราณเพื่อสร้างความลึกลับ การตกแต่งประเภทที่สามของความลึกลับคือสิ่งที่เรียกว่าระบบศาลา (การแสดงลึกลับในศตวรรษที่ 16 ในเมืองลูเซิร์น สวิตเซอร์แลนด์ และโดเนาเอส์ชินเกน เยอรมนี) - บ้านเปิดที่กระจัดกระจายไปทั่วจัตุรัส ซึ่งการกระทำของตอนลึกลับเผยออกมา ในโรงละครของโรงเรียนในศตวรรษที่ 16 เป็นครั้งแรกที่มีการจัดสถานที่ดำเนินการไม่ตามแนวเดียว แต่ขนานกับสามด้านของเวที
พื้นฐานลัทธิของการแสดงละครของเอเชียกำหนดการปกครองเป็นเวลาหลายศตวรรษของการออกแบบตามเงื่อนไขของเวทีเมื่อรายละเอียดเชิงสัญลักษณ์ส่วนบุคคลกำหนดสถานที่ดำเนินการ การขาดทิวทัศน์เกิดขึ้นจากการปรากฏตัวในบางกรณีของพื้นหลังตกแต่ง ความสมบูรณ์และความหลากหลายของเครื่องแต่งกาย หน้ากากสำหรับแต่งหน้า ซึ่งสีที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ในโรงละครดนตรีศักดินา - ชนชั้นสูงของหน้ากากที่มีรูปร่างในญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 มีการสร้างการตกแต่งตามบัญญัติประเภท: บนผนังด้านหลังของเวทีกับพื้นหลังสีทองนามธรรมต้นสนถูกวาด - สัญลักษณ์ของ อายุยืนยาว; ด้านหน้าราวบันไดของสะพานที่มีหลังคาซึ่งตั้งอยู่ที่ด้านหลังของไซต์ทางด้านซ้ายและมีไว้สำหรับนักแสดงและนักดนตรีที่จะเข้าสู่เวทีโดยมีการวางรูปต้นสนเล็ก ๆ สามต้น
เมื่ออายุ 15 - ขอ ศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี อาคารโรงละครและเวทีรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น ศิลปินและสถาปนิกที่ใหญ่ที่สุดมีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดงละคร - Leonardo da Vinci, Raphael, A. Mantegna, F. Brunelleschi และอื่น ๆ ในกรุงโรม - B. Peruzzi ทิวทัศน์ที่แสดงภาพของถนนที่ทอดยาวไปสู่ส่วนลึก ถูกวาดบนผ้าใบที่ทอดยาวเหนือกรอบภาพ และประกอบด้วยฉากหลังและแผนผังด้านข้างสามด้านในแต่ละด้านของเวที ทิวทัศน์บางส่วนทำจากไม้ (หลังคาบ้าน ระเบียง ราวบันได ฯลฯ) การหดตัวของเปอร์สเปคทีฟที่จำเป็นทำได้โดยใช้การยกเพลทที่สูงชัน แทนที่จะแสดงฉากพร้อมกันบนเวทีเรอเนซองส์ ฉากหนึ่งที่ธรรมดาและไม่เปลี่ยนแปลงได้ถูกทำซ้ำสำหรับการแสดงบางประเภท สถาปนิกและมัณฑนากรชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด S. Serlio ได้พัฒนาทิวทัศน์ 3 ประเภท ได้แก่ วัด พระราชวัง ซุ้มประตู - สำหรับโศกนาฏกรรม จัตุรัสกลางเมืองพร้อมบ้านส่วนตัว ร้านค้า โรงแรม - สำหรับคอเมดี้ ภูมิทัศน์ป่าไม้ - สำหรับพระ
ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพิจารณาเวทีและหอประชุมโดยรวม สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการสร้างโรงละคร Olimpico ในเมือง Vicenza ซึ่งสร้างขึ้นตามการออกแบบของ A. Palladio ในปี ค.ศ. 1584 ในหอคอย V. Scamozzi นี้ได้สร้างเครื่องตกแต่งถาวรอันงดงามซึ่งแสดงถึง "เมืองในอุดมคติ" และมีไว้สำหรับการแสดงละครโศกนาฏกรรม
ชนชั้นสูงของโรงละครในช่วงวิกฤตของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีทำให้เกิดความโดดเด่นในด้านการแสดงละครภายนอก การตกแต่งนูนของ S. Serlio ถูกแทนที่ด้วยการตกแต่งที่งดงามในสไตล์บาร็อค ตัวละครที่มีเสน่ห์ของโอเปร่าในศาลและการแสดงบัลเล่ต์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และ 17 นำไปสู่การใช้กลไกการแสดงละครอย่างกว้างขวาง การประดิษฐ์ telarii ปริซึมหมุนสามหน้าปกคลุมด้วยผ้าใบทาสี ประกอบกับศิลปิน Buontalenti ทำให้สามารถเปลี่ยนทิวทัศน์ต่อหน้าสาธารณชนได้ คำอธิบายการจัดวางฉากเปอร์สเป็คทีฟที่เคลื่อนไหวนั้นพบได้ในงานเขียนของสถาปนิกชาวเยอรมัน I. Furtenbach ผู้ซึ่งทำงานในอิตาลีและเป็นผู้ปลูกเทคนิคของโรงละครอิตาลีในเยอรมนี ตลอดจนในบทความเรื่อง “On the Art of ขั้นตอนการสร้างและเครื่องจักร” (1638) โดยสถาปนิก N. Sabbatini การปรับปรุงเทคนิคการวาดภาพเปอร์สเปคทีฟทำให้นักตกแต่งสามารถสร้างความประทับใจในเชิงลึกโดยไม่ต้องเพิ่มความสูงชันของแท็บเล็ต นักแสดงสามารถใช้พื้นที่บนเวทีได้อย่างเต็มที่ แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 17 ฉากหลังเวทีที่คิดค้นโดย G. Aleotti ปรากฏขึ้น อุปกรณ์ทางเทคนิคสำหรับเที่ยวบิน ระบบฟักไข่ ประตูพอร์ทัลด้านข้าง และซุ้มประตูพอร์ทัลถูกนำมาใช้ ทั้งหมดนี้นำไปสู่การสร้างฉากกล่อง
ระบบฉากหลังของอิตาลีแพร่หลายไปในทุกประเทศในยุโรป อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 17 ในโรงละครในราชสำนักเวียนนา ฉากหลังเวทีแบบบาโรกได้รับการแนะนำโดยสถาปนิกโรงละครชาวอิตาลี L. Burnacini ในฝรั่งเศส สถาปนิกโรงละครชื่อดังชาวอิตาลี มัณฑนากร และช่างเครื่อง G. Torelli ได้นำความสำเร็จของฉากหลังเวทีที่มีแนวโน้มดีมาใช้ในการผลิตโอเปร่าของศาล และประเภทบัลเล่ต์ โรงละครสเปนซึ่งยังคงได้รับการอนุรักษ์ไว้ในศตวรรษที่ 16 ฉากยุติธรรมดั้งเดิมดูดซึมระบบอิตาลีผ่านอิตาลีบาง K. Lotti ซึ่งทำงานในโรงละครศาลสเปน (1631) โรงละครสาธารณะในเมืองลอนดอนยังคงรักษาเวทีตามเงื่อนไขของยุคเชคสเปียร์มาเป็นเวลานาน โดยแบ่งออกเป็นขั้นตอนบน ล่าง และหลัง โดยมีรูปลักษณ์ที่ยื่นออกมาในหอประชุมและการตกแต่งเพียงเล็กน้อย เวทีของโรงละครอังกฤษทำให้สามารถเปลี่ยนสถานที่ดำเนินการตามลำดับได้อย่างรวดเร็ว การตกแต่งมุมมองของประเภทอิตาลีเปิดตัวในอังกฤษในไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ 17 สถาปนิกโรงละคร I. Jones ในการผลิตการแสดงของศาล ในรัสเซีย ฉากเปอร์สเปคทีฟหลังเวทีถูกใช้ในปี 1672 ในการแสดงที่ศาลของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช
ในยุคคลาสสิก บทละครซึ่งเรียกร้องความสามัคคีของสถานที่และเวลา ได้อนุมัติทัศนียภาพที่ถาวรและไม่อาจลบล้างได้ ปราศจากลักษณะทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรม (ห้องบัลลังก์หรือส่วนหน้าของพระราชวังสำหรับโศกนาฏกรรม จัตุรัสกลางเมือง หรือห้อง เพื่อความตลกขบขัน) เอฟเฟกต์การตกแต่งและการแสดงละครที่หลากหลายได้กระจุกตัวในศตวรรษที่ 17 ภายในประเภทโอเปร่าและบัลเลต์ การแสดงละครมีความโดดเด่นด้วยการออกแบบที่เข้มงวดและตระหนี่ ในโรงภาพยนตร์ของฝรั่งเศสและอังกฤษ การปรากฏตัวของผู้ชมที่เป็นชนชั้นสูงบนเวที ซึ่งอยู่ด้านข้างของหอดูดาว ได้จำกัดความเป็นไปได้ของการแสดงฉากสำหรับการแสดง การพัฒนาโอเปร่าต่อไปนำไปสู่การปฏิรูปโรงละครโอเปร่า การปฏิเสธความสมมาตร การแนะนำมุมมองเชิงมุมช่วยสร้างภาพลวงตาที่มีความลึกมากของฉากด้วยการวาดภาพ ไดนามิกและการแสดงออกทางอารมณ์ของทิวทัศน์ทำได้โดยการเล่นของ chiaroscuro ความหลากหลายในจังหวะในการพัฒนาลวดลายทางสถาปัตยกรรม (enfilades ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของห้องโถงแบบบาโรกที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับปูนปั้นโดยมีแถวของคอลัมน์บันไดโค้งรูปปั้น) ซ้ำแล้วซ้ำอีก ช่วยสร้างความประทับใจในความยิ่งใหญ่ของโครงสร้างสถาปัตยกรรม
ความรุนแรงของการต่อสู้ทางอุดมการณ์ในการตรัสรู้พบการแสดงออกในการต่อสู้ของรูปแบบต่างๆและในศิลปะการตกแต่ง ควบคู่ไปกับการเพิ่มความเข้มข้นของความงดงามตระการตาของทัศนียภาพแบบบาโรกและลักษณะของทัศนียภาพที่แสดงในสไตล์โรโคโค ลักษณะเฉพาะของทิศทางศักดินา-ชนชั้นสูง ในศิลปะการตกแต่งในยุคนี้มีการต่อสู้เพื่อการปฏิรูปโรงละครเพื่อการปลดปล่อย จากความงดงามที่เป็นนามธรรมของศิลปะในราชสำนักเพื่อการระบุลักษณะประจำชาติและประวัติศาสตร์ของสถานที่ได้แม่นยำยิ่งขึ้น การกระทำ ในการต่อสู้ครั้งนี้ โรงละครเพื่อการศึกษาได้หันไปใช้ภาพวีรกรรมของสมัยโบราณ ซึ่งแสดงออกถึงการสร้างสรรค์ทิวทัศน์ในสไตล์คลาสสิก ทิศทางนี้ได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในฝรั่งเศสในผลงานของนักตกแต่ง J. Servandoni, G. Dumont, P.A. Brunetti ผู้สร้างอาคารสถาปัตยกรรมโบราณบนเวที ในปี ค.ศ. 1759 วอลแตร์ประสบความสำเร็จในการขับไล่ผู้ชมออกจากเวที ทำให้มีพื้นที่ว่างเพิ่มเติมสำหรับทิวทัศน์ ในอิตาลี การเปลี่ยนจากบาโรกไปสู่ความคลาสสิกพบการแสดงออกในผลงานของ G. Piranesi
การพัฒนาอย่างเข้มข้นของโรงละครในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 นำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการตกแต่งของรัสเซียซึ่งใช้ความสำเร็จทั้งหมดของการวาดภาพโรงละครสมัยใหม่ ในยุค 40 ศตวรรษที่ 18 ศิลปินต่างชาติรายใหญ่มีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดง - K. Bibbiena, P. และ F. Gradipzi และคนอื่น ๆ ซึ่งสถานที่ที่โดดเด่นนั้นเป็นของผู้ติดตามที่มีพรสวรรค์ของ Bibbiena J. Valeriani ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 18 นักตกแต่งชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์มาก่อนซึ่งส่วนใหญ่เป็นข้ารับใช้: I. Vishnyakov, พี่น้อง Volsky, I. Firsov, S. Kalinin, G. Mukhin, K. Funtusov และคนอื่น ๆ ที่ทำงานในศาลและโรงละครเสิร์ฟ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1792 พี. กอนซาโก นักออกแบบและสถาปนิกโรงละครที่โดดเด่นทำงานในรัสเซีย ในงานของเขาซึ่งเชื่อมโยงกับลัทธิคลาสสิกของการตรัสรู้ความเข้มงวดและความกลมกลืนของรูปแบบสถาปัตยกรรมสร้างความประทับใจให้กับความยิ่งใหญ่และความยิ่งใหญ่ผสมผสานกับภาพลวงตาที่สมบูรณ์ของความเป็นจริง
ปลายศตวรรษที่ 18 ในโรงละครยุโรปที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาละครชนชั้นนายทุน ทิวทัศน์ของศาลาปรากฏขึ้น (ห้องปิดที่มีสามผนังและเพดาน) วิกฤตอุดมการณ์ศักดินาในศตวรรษที่ 17-18 พบภาพสะท้อนในศิลปะการตกแต่งของประเทศแถบเอเชียทำให้เกิดนวัตกรรมมากมาย ญี่ปุ่นในคริสต์ศตวรรษที่ 18 อาคารต่างๆ ถูกสร้างขึ้นสำหรับโรงละครคาบูกิ เวทีมีฉากที่ยื่นออกมาอย่างแรงกล้าแก่ผู้ชมและม่านเลื่อนในแนวนอน จากด้านขวาและด้านซ้ายของเวทีไปจนถึงผนังด้านหลังของหอประชุมมีชานชาลา ("ฮานามิจิ" ซึ่งเป็นถนนแห่งดอกไม้อย่างแท้จริง) ซึ่งการแสดงก็ถูกเปิดเผยเช่นกัน (ต่อมาแพลตฟอร์มด้านขวาถูกยกเลิก ในยุคของเรา เฉพาะชานชาลาด้านซ้ายเท่านั้นที่ยังคงอยู่ในโรงภาพยนตร์คาบูกิ) โรงละครคาบูกิใช้ทิวทัศน์สามมิติ (สวน อาคารบ้านเรือน ฯลฯ) เพื่อแสดงลักษณะเฉพาะของฉาก ในปี ค.ศ. 1758 มีการใช้เวทีหมุนเป็นครั้งแรกซึ่งผลัดกันทำด้วยมือ ประเพณีในยุคกลางได้รับการอนุรักษ์ไว้ตามโรงละครหลายแห่งในจีน อินเดีย อินโดนีเซีย และประเทศอื่นๆ ซึ่งแทบไม่มีทิวทัศน์เลย และการตกแต่งก็จำกัดแค่เครื่องแต่งกาย หน้ากาก และการแต่งหน้าเท่านั้น
PAGE_BREAK--
การปฏิวัติของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศสในปลายศตวรรษที่ 18 มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะของโรงละคร การขยายตัวของหัวข้อการละครทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในศิลปะการตกแต่ง ในการผลิตละครประโลมโลกและละครใบ้บนเวทีของ "โรงละครแห่งถนนสายสำคัญ" ของปารีส ความสนใจเป็นพิเศษในการออกแบบ; ทักษะขั้นสูงของวิศวกรโรงละครทำให้สามารถแสดงผลต่างๆ ได้ (เรืออับปาง ภูเขาไฟระเบิด ฉากพายุฝนฟ้าคะนอง ฯลฯ) ในศิลปะการตกแต่งในสมัยนั้น วัตถุที่เรียกว่า pratikables (รายละเอียดการออกแบบสามมิติที่แสดงภาพหิน สะพาน เนินเขา ฯลฯ) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลาย ในไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ 19 ภาพพาโนรามาที่งดงาม ภาพสามมิติ หรือนีโอรามา รวมกับนวัตกรรมแสงบนเวที เริ่มแพร่หลาย (ก๊าซถูกนำมาใช้ในโรงภาพยนตร์ในปี ค.ศ. 1920) โครงการที่กว้างขวางสำหรับการปฏิรูปการออกแบบการแสดงละครได้รับการเสนอชื่อโดยแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสซึ่งกำหนดภารกิจของการกำหนดลักษณะฉากที่เป็นรูปธรรมในอดีต นักเขียนบทละครโรแมนติกมีส่วนร่วมโดยตรงในการผลิตละครของพวกเขาโดยให้ข้อคิดเห็นที่มีความยาวและภาพร่างของพวกเขาเอง การแสดงถูกสร้างขึ้นด้วยฉากที่ซับซ้อนและเครื่องแต่งกายที่งดงาม โดยพยายามผสมผสานในการผลิตโอเปร่าและละครหลายเรื่องบนพล็อตเรื่องประวัติศาสตร์ที่แม่นยำของสีของสถานที่และเวลาด้วยความสวยงดงามตระการตา ความซับซ้อนของเทคนิคการแสดงละครทำให้เกิดการใช้ม่านบ่อยครั้งระหว่างการแสดง ในปี ค.ศ. 1849 เอฟเฟกต์แสงไฟฟ้าถูกนำมาใช้เป็นครั้งแรกบนเวที Paris Opera ในการผลิต The Prophet ของ Meyerbeer
ในรัสเซียในยุค 30-70 ศตวรรษที่ 19 มัณฑนากรที่สำคัญของทิศทางที่โรแมนติกคือ A. Roller ปรมาจารย์ด้านการแสดงละครที่โดดเด่น เทคนิคขั้นสูงของเอฟเฟกต์ฉากที่พัฒนาโดยเขาได้รับการพัฒนาโดยนักตกแต่งเช่น K.F. วาลท์ส เอเอฟ Geltser และอื่น ๆ เทรนด์ใหม่ในการตกแต่งครึ่งปีหลัง ศตวรรษที่ 19 ได้รับการยืนยันภายใต้อิทธิพลของละครรัสเซียคลาสสิกที่สมจริงและศิลปะการแสดง การต่อสู้กับกิจวัตรทางวิชาการเริ่มต้นโดยมัณฑนากร M.A. Shishkov และ M.I. โบชารอฟ ในปี 1867 ในละครเรื่อง "The Death of Ivan the Terrible" โดย A.K. Tolstoy (โรงละคร Alexander) Shishkov เป็นครั้งแรกที่ประสบความสำเร็จในการแสดงชีวิตของ Pre-Petrine Russia บนเวทีด้วยความเป็นรูปธรรมและความแม่นยำทางประวัติศาสตร์ ตรงกันข้ามกับโบราณคดีที่ค่อนข้างแห้งแล้งของ Shishkov Bocharov ได้นำความรู้สึกที่แท้จริงและอารมณ์ของธรรมชาติรัสเซียมาสู่ทิวทัศน์ของเขาโดยคาดว่าจะมาถึงงานของจิตรกรตัวจริงบนเวทีพร้อมกับงานของเขา แต่การค้นหาที่ก้าวหน้าของนักตกแต่งโรงละครของรัฐถูกขัดขวางโดยการจัดแต่ง การทำให้เป็นอุดมคติของการแสดงบนเวที ความเชี่ยวชาญเฉพาะทางแคบๆ ของศิลปิน แบ่งออกเป็น "ภูมิทัศน์" "สถาปัตยกรรม" "เครื่องแต่งกาย" ฯลฯ ในการแสดงละครในรูปแบบร่วมสมัย ตามปกติแล้ว จะใช้ฉากสำเร็จรูปหรือ "ตามหน้าที่" ("ห้องคนจน" หรือ "รวย", "ป่า", "วิวชนบท" เป็นต้น) ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 การประชุมเชิงปฏิบัติการการตกแต่งขนาดใหญ่ถูกสร้างขึ้นเพื่อให้บริการโรงละครยุโรปหลายแห่ง (การประชุมเชิงปฏิบัติการของ Filastr และ C. Cambon, A. Roubaud และ F. Chaperon ในฝรั่งเศส, Lutke-Meyer ในเยอรมนี ฯลฯ ) ในช่วงเวลานี้การตกแต่งสไตล์ที่เทอะทะ เป็นทางการ ผสมผสานซึ่งศิลปะและจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ถูกแทนที่ด้วยงานหัตถกรรมกลายเป็นที่แพร่หลาย เกี่ยวกับการพัฒนามัณฑนศิลป์ในยุค 70-80 กิจกรรมของโรงละคร Meiningen มีผลกระทบอย่างมาก ซึ่งการทัวร์ในยุโรปได้แสดงให้เห็นถึงความสมบูรณ์ของการตัดสินใจในการแสดงของผู้กำกับ วัฒนธรรมการผลิตที่สูง ความแม่นยำทางประวัติศาสตร์ของฉาก เครื่องแต่งกาย และเครื่องประดับ ชาวไมนิงเงนได้ออกแบบการแสดงแต่ละอย่างให้มีลักษณะเฉพาะตัว โดยพยายามทำลายมาตรฐานของศาลาและทิวทัศน์ภูมิทัศน์ ซึ่งเป็นประเพณีของระบบซุ้มประตูสไตล์อิตาลี พวกเขาใช้ความหลากหลายของการบรรเทาแท็บเล็ต เติมพื้นที่เวทีด้วยรูปแบบสถาปัตยกรรมต่าง ๆ พวกเขาใช้ pratikables มากมายในรูปแบบของแพลตฟอร์มต่าง ๆ บันได เสาสามมิติ หิน และเนินเขา ด้านภาพของโปรดักชั่น Meiningen (การออกแบบซึ่ง
ส่วนใหญ่เป็นของ Duke George II) อิทธิพลของโรงเรียนจิตรกรรมประวัติศาสตร์เยอรมัน - P. Cornelius, W. Kaulbach, K. Piloty - ได้รับผลกระทบอย่างชัดเจน อย่างไรก็ตาม ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์และความเป็นไปได้ "ความถูกต้อง" ของอุปกรณ์เสริมในบางครั้งได้รับความสำคัญแบบพอเพียงในการแสดงของ Meiningeners
E. Zola แสดงในช่วงปลายยุค 70 ด้วยการวิพากษ์วิจารณ์ของนามธรรมคลาสสิก โรแมนติกในอุดมคติ และทัศนียภาพที่มีเสน่ห์ตระการตา เขาต้องการภาพบนเวทีของชีวิตสมัยใหม่ "การจำลองสภาพแวดล้อมทางสังคมที่ถูกต้อง" โดยใช้ทิวทัศน์ซึ่งเขาเปรียบเทียบกับคำอธิบายในนวนิยาย โรงละคร Symbolist ซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษ 90 ภายใต้สโลแกนของการประท้วงต่อกิจวัตรการแสดงละครและลัทธินิยมนิยมได้ดำเนินการต่อสู้กับศิลปะที่สมจริง ศิลปินของค่ายสมัยใหม่ M. Denis, P. Serusier, A. Toulouse-Lautrec, E. Vuillard, E. Munch และคนอื่น ๆ รวมตัวกันรอบโรงละครศิลปะของ P. Faure และโรงละคร "Creativity" ของ Lunier-Poe; พวกเขาสร้างฉากที่เรียบง่ายและเก๋ไก๋ ความสับสนของอิมเพรสชั่นนิสม์ ลัทธิดึกดำบรรพ์ที่เน้นย้ำและสัญลักษณ์ ซึ่งทำให้โรงภาพยนตร์ห่างไกลจากการพรรณนาถึงชีวิตที่สมจริง
วัฒนธรรมรัสเซียเติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 โรงละครและมัณฑนศิลป์ ในรัสเซียในยุค 80-90 ศิลปินขาตั้งที่ใหญ่ที่สุดมีส่วนร่วมในการทำงานในโรงละคร - V.D. Polenov, V.M. Vasnetsov และ A.M. Vasnetsov, I.I. Levitan, K.A. Korovin, V.A. เซรอฟ, มศว. วรูเบล ทำงานตั้งแต่ปี พ.ศ. 2428 ในมอสโกส่วนตัวของรัสเซียโอเปร่า S.I. Mamontov พวกเขาแนะนำเทคนิคการจัดองค์ประกอบของการวาดภาพเสมือนจริงสมัยใหม่ในทิวทัศน์ ยืนยันหลักการของการตีความแบบองค์รวมของการแสดง ในการผลิตโอเปร่าโดย Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky ศิลปินเหล่านี้ได้ถ่ายทอดความคิดริเริ่มของประวัติศาสตร์รัสเซีย การแต่งบทเพลงแห่งจิตวิญญาณของภูมิทัศน์รัสเซีย เสน่ห์และบทกวีของภาพในเทพนิยาย
การอยู่ใต้บังคับบัญชาของหลักการออกแบบเวทีกับข้อกำหนดของทิศทางของเวทีที่เหมือนจริงได้เกิดขึ้นครั้งแรกในปลายศตวรรษที่ 19 และ 20 ในการปฏิบัติของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ แทนที่จะเป็นฉากดั้งเดิม ศาลา และฉาก "สำเร็จรูป" ที่พบได้ทั่วไปในโรงละครของจักรวรรดิ การแสดงแต่ละครั้งของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์กลับมีการออกแบบพิเศษที่สอดคล้องกับความตั้งใจของผู้กำกับ การขยายความเป็นไปได้ในการวางแผน (การประมวลผลระนาบพื้นแสดงมุมที่ผิดปกติของอาคารพักอาศัย) ความปรารถนาที่จะสร้างความประทับใจให้กับสภาพแวดล้อม "ที่อาศัยอยู่ใน" บรรยากาศทางจิตวิทยาของการกระทำแสดงถึงศิลปะการตกแต่งของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์
มัณฑนากร Art Theatre V.A. Simov เป็นไปตาม K.S. Stanislavsky "ผู้ก่อตั้งศิลปินบนเวทีรูปแบบใหม่" โดดเด่นด้วยความรู้สึกของความเป็นจริงของชีวิตและเชื่อมโยงงานของพวกเขากับการกำกับอย่างแยกไม่ออก การปฏิรูปศิลปะการตกแต่งที่สมจริงที่ดำเนินการโดยมอสโกอาร์ตเธียเตอร์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะการละครโลก บทบาทสำคัญในการปรับปรุงอุปกรณ์ทางเทคนิคของเวทีและในการเพิ่มคุณค่าความเป็นไปได้ของศิลปะการตกแต่งนั้นเล่นโดยใช้เวทีหมุนซึ่งถูกใช้ครั้งแรกในโรงละครยุโรปโดย K. Lautenschläger เมื่อแสดงละคร Don Giovanni ของ Mozart (1896) , Residenz Theatre, มิวนิก).
ในปี 1900 ศิลปินกลุ่ม World of Art - A.N. เบนัวส์, L.S. บักสท์, เอ็ม.วี. Dobuzhinsky, N.K. Roerich, อี.อี. แลนเซเร่, อ.ย. บิลิบินและอื่น ๆ ลักษณะย้อนหลังและลักษณะเฉพาะของศิลปินเหล่านี้ จำกัด ความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา แต่วัฒนธรรมและทักษะที่สูงของพวกเขามุ่งมั่นเพื่อความสมบูรณ์ของแนวความคิดทางศิลปะโดยรวมของการแสดงมีบทบาทเชิงบวกในการปฏิรูปศิลปะการตกแต่งโอเปร่าและบัลเล่ต์ไม่เพียง ในรัสเซียแต่ยังต่างประเทศ ทัวร์ชมโอเปร่าและบัลเลต์รัสเซียซึ่งเริ่มขึ้นในปารีสในปี 2451 และมีการทำซ้ำในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แสดงให้เห็นถึงวัฒนธรรมภาพระดับสูงของทัศนียภาพ ความสามารถของศิลปินในการถ่ายทอดสไตล์และลักษณะของศิลปะในยุคต่างๆ กิจกรรมของ Benois, Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, Roerich ยังเกี่ยวข้องกับมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ซึ่งลักษณะความงามของศิลปินเหล่านี้ส่วนใหญ่ด้อยกว่าข้อกำหนดของทิศทางที่สมจริงของ K.S. Stanislavsky และ V.I. เนมิโรวิช-ดานเชนโก้ นักตกแต่งชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด K.A. Korovin และ A.Ya. Golovin ที่ทำงานตั้งแต่เริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ในโรงละครของจักรวรรดิได้ทำการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในศิลปะการตกแต่งของเวทีรัฐ ลักษณะการเขียนที่เสรีของ Korovin ความรู้สึกของธรรมชาติที่มีชีวิตที่มีอยู่ในภาพบนเวทีของเขาความสมบูรณ์ของโทนสีที่รวมทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายของตัวละครได้รับผลกระทบอย่างชัดเจนที่สุดต่อการออกแบบโอเปร่าและบัลเล่ต์ของรัสเซีย - Sadko, The Golden Cockerel ; The Little Humpbacked Horse โดย Ts. Pugni และคนอื่น ๆ การตกแต่งในพิธีการวาดรูปแบบที่ชัดเจนความกล้าหาญของการผสมสีความกลมกลืนทั่วไปและความสมบูรณ์ของการแก้ปัญหาทำให้ภาพวาดของ Golovin แตกต่างออกไป แม้จะมีอิทธิพลของความทันสมัยในผลงานของศิลปินจำนวนหนึ่ง แต่งานของเขามีพื้นฐานมาจากทักษะที่สมจริงที่ยอดเยี่ยมโดยอิงจากการศึกษาชีวิตอย่างลึกซึ้ง ต่างจาก Korovin ตรงที่ Golovin เน้นย้ำถึงลักษณะการแสดงละครของการออกแบบเวทีในภาพวาดและทิวทัศน์เสมอ ส่วนประกอบแต่ละส่วน เขาใช้เฟรมพอร์ทัลที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับ ผ้าม่าน appliqued และทาสีที่หลากหลาย proscenium ฯลฯ ในปี 1908-17 Golovin ได้สร้างเครื่องตกแต่งสำหรับการแสดงจำนวนหนึ่งโพสต์ วศ.บ. Meyerhold (รวมถึง "Don Giovanni" โดย Moliere, "Masquerade")
การเสริมความแข็งแกร่งของกระแสต่อต้านความเป็นจริงในงานศิลปะของชนชั้นนายทุนในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และจุดเริ่มต้น 20 ศตวรรษ การปฏิเสธที่จะเปิดเผยแนวคิดทางสังคมส่งผลเสียต่อการพัฒนาศิลปะการตกแต่งที่เหมือนจริงในตะวันตก ตัวแทนของกระแสน้ำที่เสื่อมโทรมประกาศว่า "ความธรรมดา" เป็นหลักการสำคัญของศิลปะ A. Appiah (สวิตเซอร์แลนด์) และ G. Craig (อังกฤษ) ต่อสู้กับความสมจริงอย่างต่อเนื่อง นำเสนอแนวคิดในการสร้าง "โรงละครเชิงปรัชญา" โดยแสดงภาพโลกแห่งความคิดที่ "มองไม่เห็น" ด้วยความช่วยเหลือของทิวทัศน์ที่เป็นนามธรรมเหนือกาลเวลา (ลูกบาศก์ ฉากกั้น ชานชาลา บันได ฯลฯ) โดยการเปลี่ยนแสงที่พวกเขาได้รับ การเล่นของรูปแบบอวกาศที่ยิ่งใหญ่ แนวทางปฏิบัติของเครกในฐานะผู้กำกับและศิลปินจำกัดอยู่เพียงไม่กี่งาน แต่ทฤษฎีของเขามีอิทธิพลต่องานของผู้ออกแบบโรงละครและผู้กำกับหลายคนในหลายประเทศในเวลาต่อมา หลักการของโรงละคร Symbolist สะท้อนให้เห็นในผลงานของนักเขียนบทละคร จิตรกร และศิลปินชาวโปแลนด์ S. Wyspiansky ผู้พยายามสร้างการแสดงตามเงื่อนไขที่ยิ่งใหญ่ อย่างไรก็ตามการนำศิลปะพื้นบ้านรูปแบบแห่งชาติไปใช้ในโครงการทิวทัศน์และเวทีเชิงพื้นที่ทำให้งานของ Wyspiansky เป็นอิสระจากสิ่งที่เป็นนามธรรมที่เย็นชาทำให้เป็นจริงมากขึ้น ผู้จัดงานมิวนิกอาร์ตเธียเตอร์ G. Fuchs ร่วมกับศิลปิน F. Erler เสนอโครงการ "ฉากโล่งใจ" (นั่นคือฉากที่เกือบจะไร้ความลึก) ซึ่งร่างของนักแสดงตั้งอยู่บนเครื่องบินในรูปแบบของการบรรเทาทุกข์ ผู้กำกับเอ็ม. ไรน์ฮาร์ด (เยอรมนี) ใช้เทคนิคการออกแบบที่หลากหลายในโรงภาพยนตร์ที่เขากำกับ: ตั้งแต่การออกแบบอย่างพิถีพิถัน ทิวทัศน์ที่งดงามราวภาพลวงตาและสามมิติที่เกี่ยวข้องกับการใช้เวทีหมุนวน ไปจนถึงการติดตั้งแบบไม่มีเงื่อนไขทั่วไป จากแบบเรียบง่ายมีสไตล์ การตกแต่ง "ในผ้า" ไปจนถึงแว่นสายตาที่ยิ่งใหญ่ในเวทีละครสัตว์ซึ่งเน้นที่ประสิทธิภาพของเวทีภายนอกอย่างหมดจดมากขึ้นเรื่อย ๆ ศิลปิน E. Stern, E. Orlik, E. Munch, E. Schütte, O. Messel, ประติมากร M. Kruse และคนอื่นๆ ทำงานร่วมกับ Reinhardt
ในช่วงปลายทศวรรษที่ 10 และ 20 ศตวรรษที่ 20 Expressionism ซึ่งเริ่มแรกพัฒนาขึ้นในเยอรมนี แต่ยังครอบคลุมศิลปะของประเทศอื่น ๆ อย่างกว้างขวางได้รับความสำคัญเด่น แนวโน้ม Expressionist นำไปสู่ความขัดแย้งที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นในศิลปะการตกแต่ง ไปสู่แผนผัง การออกจากความสมจริง ศิลปินพยายามสร้างโลกของวิสัยทัศน์ส่วนตัวบนเวทีโดยใช้ "การเลื่อน" และ "มุมเอียง" ของเครื่องบิน ในเวลาเดียวกัน การแสดงแนวแสดงออกบางอย่างมีแนวการต่อต้านจักรวรรดินิยมที่เด่นชัด และฉากในนั้นก็ได้ลักษณะพิเศษของสังคมพิลึกพิลั่น ศิลปะการตกแต่งในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลของศิลปินในการทดลองทางเทคนิค ความปรารถนาที่จะทำลายกล่องเวที การเปิดโปงเวที และเทคนิคของเทคนิคการแสดงละคร กระแสทางการ - คอนสตรัคติวิสต์, คิวบิสม์, ลัทธิอนาคต - นำศิลปะการตกแต่งไปสู่เส้นทางของเทคนิคแบบพอเพียง ศิลปินของแนวโน้มเหล่านี้ทำซ้ำบนเวทีรูปทรงเรขาคณิตเครื่องบินและปริมาตรที่ "บริสุทธิ์" การผสมผสานที่เป็นนามธรรมของชิ้นส่วนของกลไกพยายามที่จะถ่ายทอด "ไดนามิก" "จังหวะและจังหวะ" ของเมืองอุตสาหกรรมสมัยใหม่พยายามสร้าง สร้างภาพลวงตาของการทำงานของเครื่องจักรจริง (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - Italy, F. Leger - France, ฯลฯ )
ในศิลปะการตกแต่งของยุโรปตะวันตกและอเมริกา ser. ศตวรรษที่ 20 ไม่มีกระแสศิลปะและโรงเรียนที่เฉพาะเจาะจง: ศิลปินพยายามพัฒนาลักษณะที่กว้างขวางที่ช่วยให้พวกเขาสามารถนำไปใช้กับสไตล์และเทคนิคต่างๆ อย่างไรก็ตาม ในหลายกรณี ศิลปินผู้ออกแบบการแสดงไม่ได้สื่อถึงเนื้อหาเชิงอุดมคติของละครมากนัก ตัวละคร ลักษณะทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรม แต่มุ่งมั่นที่จะสร้างงานศิลปะการตกแต่งที่เป็นอิสระบนผืนผ้าใบซึ่งก็คือ “ ผลไม้แห่งจินตนาการเสรี” ของศิลปิน ดังนั้นความเด็ดขาด การออกแบบนามธรรม แตกสลายกับความเป็นจริงในการแสดงมากมาย สิ่งนี้ตรงกันข้ามกับการปฏิบัติของผู้กำกับที่ก้าวหน้าและผลงานของศิลปินที่พยายามรักษาและพัฒนาศิลปะการตกแต่งที่สมจริง โดยอาศัยความคลาสสิก ละครสมัยใหม่ที่ก้าวหน้า และประเพณีพื้นบ้าน
ตั้งแต่ยุค 10 ศตวรรษที่ 20 ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะขาตั้งมีส่วนร่วมมากขึ้นในการทำงานในโรงละคร และความสนใจในศิลปะการตกแต่งเนื่องจากกิจกรรมทางศิลปะเชิงสร้างสรรค์ประเภทหนึ่งเติบโตขึ้นอย่างมาก ตั้งแต่ยุค 30 จำนวนศิลปินมืออาชีพที่มีคุณสมบัติเหมาะสมที่รู้จักเทคนิคการแสดงละครเป็นอย่างดีเพิ่มขึ้น เทคโนโลยีการแสดงบนเวทีได้รับการเสริมแต่งด้วยวิธีการที่หลากหลาย ใช้วัสดุสังเคราะห์ใหม่ สีเรืองแสง การฉายภาพและฟิล์ม ฯลฯ จากการปรับปรุงทางเทคนิคต่างๆ ในยุค 50 ศตวรรษที่ 20 สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการใช้ไซโคลรามาในโรงละคร (การฉายภาพจากเครื่องฉายภาพยนตร์หลายเครื่องไปยังหน้าจอครึ่งวงกลมที่กว้าง) การพัฒนาเอฟเฟกต์แสงที่ซับซ้อน ฯลฯ
ในยุค 30 ในแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของโรงละครโซเวียต หลักการของสัจนิยมสังคมนิยมได้รับการยืนยันและพัฒนา หลักการที่สำคัญที่สุดและกำหนดของศิลปะการตกแต่งคือความต้องการของความจริงของชีวิต ความเป็นรูปธรรมทางประวัติศาสตร์ ความสามารถในการสะท้อนลักษณะทั่วไปของความเป็นจริง หลักการเชิงปริมาตรของทัศนียภาพซึ่งครอบงำการแสดงมากมายในช่วงทศวรรษที่ 1920 ได้รับการเสริมด้วยการใช้ภาพวาดอย่างกว้างขวาง
ความต่อเนื่อง
--PAGE_BREAK--
2. วิธีการหลักในการแสดงออกของศิลปะการละคร:
การตกแต่ง
ทิวทัศน์ (จาก lat. decoro - ฉันตกแต่ง) - การออกแบบเวทีสร้างสภาพแวดล้อมทางวัตถุที่นักแสดงทำขึ้นใหม่ ทิวทัศน์ "แสดงถึงภาพศิลปะของฉากแอ็กชันและในขณะเดียวกันก็เป็นแพลตฟอร์ม ซึ่งแสดงถึงโอกาสอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการแสดงแอ็กชันบนเวที" ทิวทัศน์ถูกสร้างขึ้นโดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายที่ใช้ในโรงละครสมัยใหม่ - ภาพวาด กราฟิก สถาปัตยกรรม ศิลปะในการวางแผนฉาก พื้นผิวพิเศษของทิวทัศน์ การจัดแสง เทคโนโลยีบนเวที การฉายภาพ โรงภาพยนตร์ ฯลฯ ทิวทัศน์หลัก ระบบ:
1) โยกมือถือ
2) ยกคันโยก,
3) ศาลา
4) ปริมาตร
5) การฉายภาพ
การเกิดขึ้น การพัฒนาของแต่ละระบบของทิวทัศน์และการแทนที่โดยระบบอื่นถูกกำหนดโดยข้อกำหนดเฉพาะของบทละคร สุนทรียศาสตร์ในการแสดงละคร ซึ่งสอดคล้องกับประวัติศาสตร์ของยุคนั้น ตลอดจนการเติบโตของวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี
ตกแต่งมือถือแบบเลื่อน หลังเวที - บางส่วนของฉากที่อยู่ด้านข้างของเวทีในระยะทางที่แน่นอนทีละส่วน (จากพอร์ทัลลึกเข้าไปในเวที) และออกแบบมาเพื่อปิดพื้นที่ด้านหลังเวทีจากผู้ชม ปีกนั้นนิ่ม บานพับหรือแข็งบนโครง บางครั้งพวกเขาก็มีโครงร่างที่วาดเป็นรูปโปรไฟล์ทางสถาปัตยกรรม โครงร่างของลำต้นของต้นไม้ ใบไม้ การเปลี่ยนแปลงของปีกแข็งได้ดำเนินการโดยใช้ปีกพิเศษ - เฟรมบนล้อซึ่งอยู่ในแผนแต่ละขั้น (ศตวรรษที่ 18 และ 19) ขนานกับทางลาด เฟรมเหล่านี้เคลื่อนไปตามทางเดินที่แกะสลักเป็นพิเศษในกระดานบนเวทีตามรางที่วางอยู่บนพื้นของช่องแรก ในโรงละครแห่งแรกของพระราชวัง ทิวทัศน์ประกอบด้วยฉากหลัง ปีกและเพดานโค้งขึ้นและตกลงไปพร้อม ๆ กับการเปลี่ยนฉาก เมฆ, กิ่งไม้ที่มีใบไม้, ส่วนของ plafonds ฯลฯ ถูกเขียนบน padugs ระบบเวทีของทิวทัศน์ในโรงละครศาลใน Drottningholm และในโรงละครของที่ดินเดิมใกล้กับมอสโกปรินซ์ เอ็นบี Yusupov ใน "Arkhangelsk"
การตกแต่งแบบยกโค้งมีต้นกำเนิดในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 และใช้กันอย่างแพร่หลายในโรงละครสาธารณะที่มีตะแกรงสูง ทิวทัศน์ประเภทนี้เป็นผืนผ้าใบที่เย็บเป็นรูปโค้งที่มีลำต้นของต้นไม้ กิ่งก้านที่มีใบไม้ รายละเอียดทางสถาปัตยกรรม (สังเกตกฎของมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ) ทาสี (ตามขอบและด้านบน) ซุ้มเวทีเหล่านี้แขวนได้มากถึง 75 อันบนเวที ฉากหลังเป็นฉากหลังหรือเส้นขอบฟ้าที่ทาสี การตกแต่งซุ้มเวทีที่หลากหลายคือการตกแต่งแบบฉลุ (ทาสีซุ้มเวที "ป่า" หรือ "สถาปัตยกรรม" ที่ติดกาวบนตาข่ายพิเศษหรือติดบน tulle) ในปัจจุบัน การประดับตกแต่งซุ้มเวทีส่วนใหญ่ใช้ในการผลิตโอเปร่าและบัลเลต์
การตกแต่งศาลาใช้ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2337 นักแสดงและผู้กำกับ F.L. ชโรเดอร์. การตกแต่งศาลาแสดงพื้นที่ปิดล้อมและประกอบด้วยผนังกรอบที่คลุมด้วยผ้าใบและทาสีให้เข้ากับลวดลายของวอลล์เปเปอร์ กระดานและกระเบื้อง ผนังอาจเป็น "คนหูหนวก" หรือมีช่วงสำหรับหน้าต่างและประตู ผนังเชื่อมต่อกันด้วยความช่วยเหลือของเชือก - ทับซ้อนกันและติดกับพื้นเวทีด้วยความลาดชัน ความกว้างของผนังศาลาในโรงละครสมัยใหม่ไม่เกิน 2.2 ม. (มิฉะนั้น เมื่อขนส่งทัศนียภาพ กำแพงจะไม่ผ่านประตูรถบรรทุก) ด้านหลังหน้าต่างและประตูของทัศนียภาพของศาลามักจะวางกระดานหลัง (ส่วนของการตกแต่งที่แขวนอยู่บนเฟรม) ซึ่งแสดงภาพทิวทัศน์หรือลวดลายทางสถาปัตยกรรมที่สอดคล้องกัน การตกแต่งศาลามีเพดานซึ่งโดยส่วนใหญ่แล้วจะห้อยลงมาจากตะแกรง
ในโรงละครแห่งยุคปัจจุบัน ฉากสามมิติปรากฏขึ้นครั้งแรกในการแสดงของโรงละคร Meiningen ในปี 1870 ในโรงละครแห่งนี้พร้อมกับผนังเรียบ เริ่มใช้รายละเอียดสามมิติ: เครื่องตรงและเอียง - ทางลาด บันไดและ โครงสร้างอื่นๆ สำหรับวาดภาพระเบียง เนินเขา กำแพงป้อมปราการ การออกแบบเครื่องมือกลมักถูกปิดบังด้วยผืนผ้าใบที่งดงามหรือภาพนูนต่ำนูนสูงปลอม (หิน รากไม้ หญ้า) ในการเปลี่ยนบางส่วนของฉากสามมิติ จะใช้แท่นกลิ้งบนลูกกลิ้ง (furkas) เครื่องเล่นแผ่นเสียงและอุปกรณ์เวทีประเภทอื่น ๆ ฉากที่มีปริมาตรทำให้ผู้กำกับสามารถสร้างฉากในฉากบนระนาบที่ "พัง" ได้ เพื่อค้นหาวิธีแก้ปัญหาเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ซึ่งต้องขอบคุณความเป็นไปได้ในการแสดงออกของศิลปะการละครที่ขยายออกไปอย่างไม่ธรรมดา
เครื่องฉายภาพถูกใช้ครั้งแรกในปี 1908 ในนิวยอร์ก ขึ้นอยู่กับการฉายภาพ (บนหน้าจอ) ของภาพสีและขาวดำที่วาดบนแผ่นใส การฉายภาพจะดำเนินการโดยใช้เครื่องฉายภาพยนตร์ ฉากหลังขอบฟ้าผนังพื้นสามารถใช้เป็นฉากกั้นได้ มีการฉายภาพด้านหน้า (โปรเจ็กเตอร์อยู่ด้านหน้าหน้าจอ) และการฉายภาพแบบส่งสัญญาณ (โปรเจ็กเตอร์อยู่ด้านหลังหน้าจอ) การฉายภาพอาจเป็นภาพนิ่ง (สถาปัตยกรรม ทิวทัศน์ และลวดลายอื่นๆ) และแบบไดนามิก (การเคลื่อนที่ของเมฆ ฝน หิมะ) ในโรงละครสมัยใหม่ซึ่งมีวัสดุหน้าจอและอุปกรณ์ฉายภาพใหม่ ฉากฉายภาพถูกใช้อย่างแพร่หลาย ความง่ายในการผลิตและการใช้งาน ความง่ายและความรวดเร็วในการเปลี่ยนฉาก ความทนทาน และความเป็นไปได้ที่จะบรรลุถึงคุณภาพทางศิลปะระดับสูงทำให้การตกแต่งการฉายภาพเป็นหนึ่งในประเภททิวทัศน์ที่มีแนวโน้มสำหรับโรงละครสมัยใหม่
ชุดละคร
ชุดการแสดงละคร (จากเครื่องแต่งกายของอิตาลี ที่สั่งทำขึ้นเองจริง ๆ) - เสื้อผ้า รองเท้า หมวก เครื่องประดับ และสิ่งของอื่น ๆ ที่นักแสดงใช้เพื่อกำหนดลักษณะของภาพบนเวทีที่เขาสร้างขึ้น ส่วนเสริมที่จำเป็นสำหรับเครื่องแต่งกายคือการแต่งหน้าและผม เครื่องแต่งกายช่วยให้นักแสดงค้นหาลักษณะของตัวละคร, เปิดเผยโลกภายในของฮีโร่บนเวที, กำหนดลักษณะทางประวัติศาสตร์, เศรษฐกิจสังคมและชาติของสภาพแวดล้อมที่เกิดขึ้น, สร้าง (ร่วมกับองค์ประกอบการออกแบบอื่น ๆ ) ภาพลักษณ์ของการแสดง สีของเครื่องแต่งกายควรสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับโทนสีโดยรวมของการแสดง เครื่องแต่งกายเป็นพื้นที่ทั้งหมดของความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินโรงละครซึ่งรวบรวมโลกแห่งภาพขนาดมหึมาในชุด - สังคมอย่างรวดเร็วเหน็บแนมพิสดารโศกนาฏกรรม
กระบวนการสร้างเครื่องแต่งกายตั้งแต่การสเก็ตช์ไปจนถึงการแสดงบนเวทีประกอบด้วยหลายขั้นตอน:
1) การเลือกใช้วัสดุที่จะทำชุดสูท
2) การเลือกตัวอย่างสำหรับวัสดุทำสี
3) ค้นหาบรรทัด: ทำตลับหมึกจากวัสดุอื่น ๆ และสักวัสดุบนหุ่น (หรือบนนักแสดง);
4) ตรวจสอบเครื่องแต่งกายบนเวทีด้วยแสงที่แตกต่างกัน
5) "การชำระบัญชี" ของเครื่องแต่งกายโดยนักแสดง
ประวัติความเป็นมาของเครื่องแต่งกายมีขึ้นในสังคมดึกดำบรรพ์ ในเกมและพิธีกรรมที่ชายโบราณตอบสนองต่อเหตุการณ์ต่าง ๆ ในชีวิตของเขา ทรงผม การแต่งหน้า เครื่องแต่งกายพิธีกรรมมีความสำคัญมาก คนดึกดำบรรพ์ลงทุนในนิยายและรสนิยมแปลก ๆ มากมาย บางครั้งเครื่องแต่งกายเหล่านี้ก็ยอดเยี่ยม บางครั้งก็ดูเหมือนสัตว์ นก หรือสัตว์ร้าย ตั้งแต่สมัยโบราณ มีการแต่งกายในโรงละครคลาสสิกของตะวันออก ในประเทศจีน อินเดีย ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ เครื่องแต่งกายเป็นแบบมีเงื่อนไขและเป็นสัญลักษณ์ ตัวอย่างเช่น ในโรงละครจีน ชุดสีเหลืองหมายถึงของราชวงศ์ นักแสดงในบทบาทของข้าราชการและขุนนางศักดินาจะแต่งกายด้วยชุดสีดำและสีเขียว ในละครคลาสสิกของจีน ธงด้านหลังนักรบระบุจำนวนทหารของเขา ผ้าพันคอสีดำบนใบหน้าเป็นสัญลักษณ์ของความตายของตัวละครบนเวที ความสว่าง ความสมบูรณ์ของสี ความวิจิตรงดงามของวัสดุทำให้เครื่องแต่งกายในโรงละครตะวันออกเป็นหนึ่งในเครื่องตกแต่งหลักของการแสดง ตามกฎแล้ว เครื่องแต่งกายถูกสร้างขึ้นสำหรับการแสดงบางอย่าง นักแสดงคนนี้หรือนักแสดงคนนั้น นอกจากนี้ยังมีชุดเครื่องแต่งกายที่ถูกกำหนดโดยประเพณี ซึ่งใช้โดยคณะละครสัตว์ทั้งหมด โดยไม่คำนึงถึงละคร เครื่องแต่งกายในโรงละครยุโรปปรากฏตัวครั้งแรกในกรีกโบราณ โดยทั่วไปเขาทำซ้ำเครื่องแต่งกายประจำวันของชาวกรีกโบราณ แต่มีการแนะนำรายละเอียดเงื่อนไขต่าง ๆ เข้าไปช่วยให้ผู้ชมไม่เพียง แต่เข้าใจ แต่ยังเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้ดีขึ้น (อาคารโรงละครมีขนาดใหญ่มาก) ชุดแต่ละชุดมีสีพิเศษ (เช่น ชุดของกษัตริย์เป็นสีม่วงหรือสีเหลืองสีเหลือง) นักแสดงสวมหน้ากากที่มองเห็นได้ชัดเจนจากระยะไกล และรองเท้าบนอัฒจันทร์สูง - ผ้าคลุมไหล่ ในยุคของศักดินา ศิลปะของโรงละครยังคงดำเนินอยู่ในการแสดงที่ร่าเริง เฉพาะเรื่อง และมีไหวพริบโดยนักแสดงฮิสทรีโอนิกที่เดินทางท่องเที่ยว เครื่องแต่งกายของ histriions (เช่นเดียวกับตัวตลกของรัสเซีย) ใกล้เคียงกับเครื่องแต่งกายสมัยใหม่ของคนจนในเมือง แต่ตกแต่งด้วยแพทช์ที่สดใสและรายละเอียดการ์ตูน จากการแสดงของโรงละครทางศาสนาที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ ละครลึกลับประสบความสำเร็จมากที่สุด ขบวนของมัมมี่ในชุดและการแต่งหน้าต่างๆ (ตัวละครที่ยอดเยี่ยมของเทพนิยายและตำนาน สัตว์ทุกชนิด) ก่อนการแสดงของความลึกลับนั้นโดดเด่นด้วยสีสดใส ข้อกำหนดหลักสำหรับเครื่องแต่งกายในละครลึกลับคือความมั่งคั่งและความสง่างาม (โดยไม่คำนึงถึงบทบาทที่เล่น) เครื่องแต่งกายเป็นแบบแผน: นักบุญสวมชุดสีขาว พระคริสต์ทรงมีผมปิดทอง เหล่ามารอยู่ในเครื่องแต่งกายที่งดงามราวภาพวาด เครื่องแต่งกายของนักแสดงละครเชิงเปรียบเทียบเชิงแนะนำ-เชิงเปรียบเทียบนั้นสุภาพกว่ามาก ในประเภทละครยุคกลางที่มีชีวิตชีวาและก้าวหน้าที่สุด - เรื่องตลกซึ่งมีการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเฉียบขาดของสังคมศักดินา เครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าที่มีลักษณะเฉพาะของการ์ตูนล้อเลียนสมัยใหม่ปรากฏขึ้น ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานักแสดงตลกเดลอาร์เตโดยใช้เครื่องแต่งกายทำให้วีรบุรุษของพวกเขามีไหวพริบและมีจุดมุ่งหมายดี: ลักษณะทั่วไปของนักวิชาการนักวิชาการคนรับใช้ที่ซุกซนถูกกล่าวถึงในเครื่องแต่งกาย ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 ในโรงภาพยนตร์ภาษาสเปนและอังกฤษ นักแสดงได้แสดงเครื่องแต่งกายที่ใกล้เคียงกับเครื่องแต่งกายของชนชั้นสูงที่ทันสมัย หรือ (หากจำเป็นต้องแสดงบทบาทนั้น) ในชุดเครื่องแต่งกายพื้นบ้านตัวตลก ในโรงละครฝรั่งเศส เครื่องแต่งกายเป็นไปตามประเพณีของละครยุคกลาง
แนวโน้มที่สมจริงในด้านเครื่องแต่งกายปรากฏใน Moliere ซึ่งเมื่อแสดงละครที่อุทิศให้กับชีวิตสมัยใหม่ใช้เครื่องแต่งกายสมัยใหม่ของผู้คนในชั้นเรียนที่แตกต่างกัน ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ในอังกฤษ นักแสดงดี. การ์ริกพยายามที่จะปลดปล่อยเครื่องแต่งกายจากการเสแสร้งและสไตล์ที่ไม่มีความหมาย เขาแนะนำเครื่องแต่งกายที่เข้ากับบทบาทที่เล่นเพื่อช่วยเปิดเผยตัวละครของฮีโร่ ในอิตาลีในคริสต์ศตวรรษที่ 18 นักแสดงตลก C. Goldoni ค่อยๆเปลี่ยนหน้ากากทั่วไปของตลกเดลอาร์เตในละครของเขาด้วยภาพของคนจริงในขณะเดียวกันก็รักษาเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าที่เหมาะสม ในฝรั่งเศส วอลแตร์ต่อสู้เพื่อความถูกต้องทางประวัติศาสตร์และชาติพันธุ์วิทยาของเครื่องแต่งกายบนเวที โดยได้รับการสนับสนุนจากนักแสดงสาวแคลรอง เธอเป็นผู้นำการต่อสู้กับอนุสัญญาของเครื่องแต่งกายของวีรสตรีที่น่าเศร้ากับ fizhma วิกผมผงเครื่องประดับล้ำค่า สาเหตุของการปฏิรูปเครื่องแต่งกายในโศกนาฏกรรมยังดำเนินต่อไปโดยนักแสดงชาวฝรั่งเศส A. Lequin ผู้ดัดแปลงเครื่องแต่งกาย "โรมัน" ที่เก๋ไก๋ ละทิ้งอุโมงค์แบบดั้งเดิม และนำเครื่องแต่งกายแบบตะวันออกมาไว้บนเวที เครื่องแต่งกายสำหรับ Leken เป็นวิธีการแสดงลักษณะทางจิตวิทยาของภาพ อิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาเครื่องแต่งกายในชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 แสดงผลกิจกรรมไป โรงละคร Meiningen การแสดงที่โดดเด่นด้วยวัฒนธรรมการแสดงละครสูง ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของเครื่องแต่งกาย อย่างไรก็ตามความถูกต้องของเครื่องแต่งกายได้รับความสำคัญในตัวเองในหมู่คน Meiningen E. Zola ต้องการการจำลองสภาพแวดล้อมทางสังคมที่ถูกต้องบนเวที ตัวเลขการแสดงละครที่ใหญ่ที่สุดของจุดเริ่มต้นปรารถนาเหมือนกัน ศตวรรษที่ 20 - A. Antoine (ฝรั่งเศส), O. Brahm (เยอรมนี) ผู้มีส่วนร่วมในการออกแบบการแสดง ดึงดูดศิลปินหลักให้ทำงานในโรงภาพยนตร์ของพวกเขา โรงละครสัญลักษณ์ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 90 ในฝรั่งเศสภายใต้สโลแกนของการประท้วงต่อต้านการแสดงละครและลัทธินิยมนิยมได้ดำเนินการต่อสู้กับศิลปะที่สมจริง ศิลปินสมัยใหม่ได้สร้างฉากและเครื่องแต่งกายที่ดูเรียบง่ายและมีสไตล์ นำโรงละครออกจากการพรรณนาถึงชีวิตที่สมจริง ชุดรัสเซียชุดแรกถูกสร้างขึ้นโดยตัวตลก เครื่องแต่งกายของพวกเขาทำซ้ำเสื้อผ้าของชนชั้นล่างและชาวนาในเมือง (caftans, เสื้อเชิ้ต, กางเกงธรรมดา, รองเท้าพนัน) และตกแต่งด้วยผ้าคาดเอวหลากสี, แพทช์, หมวกปักสีสดใส ในตอนต้นของ ศตวรรษที่ 16 ในโรงละครของโบสถ์นักแสดงในบทบาทของเยาวชนสวมชุดสีขาว (สวมมงกุฎด้วยไม้กางเขนบนหัว) นักแสดงที่วาดภาพชาวเคลเดีย - สวมหมวกและหมวกสั้น เครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมยังถูกนำมาใช้ในการแสดงของโรงละครของโรงเรียน อักขระเชิงเปรียบเทียบมีตราสัญลักษณ์ของตนเอง: ศรัทธาปรากฏขึ้นพร้อมกับไม้กางเขน, ความหวังพร้อมสมอ, ดาวอังคารด้วยดาบ เครื่องแต่งกายของกษัตริย์ได้รับการเสริมด้วยคุณลักษณะที่จำเป็นของศักดิ์ศรีของกษัตริย์ หลักการเดียวกันนี้ทำให้การแสดงของโรงละครมืออาชีพแห่งแรกในรัสเซียโดดเด่นขึ้นในศตวรรษที่ 17 ซึ่งก่อตั้งขึ้นที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชการแสดงของโรงละครในศาลของ Princess Natalia Alekseevna และจักรพรรดินี Praskovya Feodorovna การพัฒนาความคลาสสิคในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มาพร้อมกับการรักษาอนุสัญญาทั้งหมดของทิศทางนี้ในชุด นักแสดงแสดงในชุดที่เป็นส่วนผสมของเครื่องแต่งกายที่ทันสมัยทันสมัยกับองค์ประกอบของเครื่องแต่งกายโบราณ (คล้ายกับชุด "โรมัน" ในตะวันตก) นักแสดงในบทบาทของขุนนางหรือราชาผู้สูงศักดิ์สวมเครื่องแต่งกายตามเงื่อนไขที่หรูหรา แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 19 ในการแสดงจากชีวิตสมัยใหม่มีการใช้เครื่องแต่งกายที่ทันสมัย
เครื่องแต่งกายในละครประวัติศาสตร์ยังห่างไกลจากความถูกต้องทางประวัติศาสตร์
อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 19 ในการแสดงของโรงละคร Alexandrinsky และโรงละคร Maly มีความปรารถนาในความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ในชุด ในช่วงปลายศตวรรษ มอสโกอาร์ตเธียเตอร์ประสบความสำเร็จอย่างมากในด้านนี้ นักปฏิรูปโรงละครผู้ยิ่งใหญ่ Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko ร่วมกับศิลปินที่ทำงานที่ Moscow Art Theatre ได้บรรลุการติดต่อที่แน่นอนของเครื่องแต่งกายกับยุคและสภาพแวดล้อมที่ปรากฎในละครกับตัวละครของฮีโร่บนเวที ในโรงละครศิลปะ เครื่องแต่งกายมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการสร้างภาพลักษณ์บนเวที ในโรงภาพยนตร์รัสเซียหลายแห่งในช่วงต้น ศตวรรษที่ 20 เครื่องแต่งกายกลายเป็นงานศิลปะอย่างแท้จริง แสดงเจตนารมณ์ของผู้แต่ง ผู้กำกับ นักแสดง
ความต่อเนื่อง
--PAGE_BREAK--
2.3 การออกแบบเสียงรบกวน
การออกแบบเสียงรบกวน - การทำซ้ำบนเวทีของเสียงของชีวิตโดยรอบ ร่วมกับทิวทัศน์ อุปกรณ์ประกอบฉาก และการจัดแสง การออกแบบเสียงรบกวนประกอบขึ้นเป็นพื้นหลังที่ช่วยให้นักแสดงและผู้ชมรู้สึกในสภาพแวดล้อมที่สอดคล้องกับการกระทำของละคร สร้างอารมณ์ที่เหมาะสม ส่งผลต่อจังหวะและจังหวะของการแสดง การแสดงประทัด กระสุนปืน เสียงดังก้องของแผ่นเหล็ก เสียงกระทบกันและเสียงอาวุธหลังเวที มาพร้อมกับการแสดงในช่วงต้นศตวรรษที่ 16-18 การปรากฏตัวของอุปกรณ์เสียงในอุปกรณ์ของอาคารโรงละครรัสเซียบ่งชี้ว่าการออกแบบเสียงในรัสเซียนั้นถูกใช้ไปแล้วตรงกลาง ศตวรรษที่ 18
การออกแบบเสียงสมัยใหม่มีความแตกต่างในธรรมชาติของเสียง: เสียงของธรรมชาติ (ลม ฝน ฟ้าร้อง นก); เสียงรบกวนจากการผลิต (โรงงาน, สถานที่ก่อสร้าง); เสียงจากการจราจร (เกวียน, รถไฟ, เครื่องบิน); เสียงการต่อสู้ (ทหารม้า, การยิง, การเคลื่อนไหวของกองกำลัง); เสียงในครัวเรือน (นาฬิกา แก้วกระทบกัน เสียงเอี๊ยดอ๊าด) การออกแบบเสียงรบกวนสามารถเป็นธรรมชาติ, สมจริง, โรแมนติก, น่าอัศจรรย์, นามธรรมเงื่อนไข, พิลึก - ขึ้นอยู่กับสไตล์และการตัดสินใจของการแสดง ออกแบบเสียงโดยนักออกแบบเสียงหรือฝ่ายผลิตของโรงละคร นักแสดงมักจะเป็นสมาชิกของกลุ่มเสียงพิเศษซึ่งรวมถึงนักแสดงด้วย เอฟเฟกต์เสียงที่เรียบง่ายสามารถทำได้โดยการใช้มือบนเวที อุปกรณ์ประกอบฉาก ฯลฯ อุปกรณ์ที่ใช้สำหรับการออกแบบเสียงในโรงละครสมัยใหม่ประกอบด้วยอุปกรณ์มากกว่า 100 ชิ้นที่มีขนาด ความซับซ้อน และวัตถุประสงค์ที่หลากหลาย อุปกรณ์เหล่านี้ช่วยให้คุณรู้สึกถึงพื้นที่ขนาดใหญ่ ด้วยความช่วยเหลือของทัศนมิติเสียง ภาพลวงตาของเสียงของรถไฟหรือเครื่องบินที่กำลังใกล้จะออกเดินทางจะถูกสร้างขึ้น เทคโนโลยีวิทยุสมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งอุปกรณ์สเตอริโอโฟนิก ให้โอกาสที่ดีในการขยายขอบเขตทางศิลปะและคุณภาพของการออกแบบเสียงรบกวน ในขณะเดียวกันก็ทำให้ส่วนนี้ของประสิทธิภาพในองค์กรและทางเทคนิคง่ายขึ้น
2.4 ไฟเวที
การแสดงแสงบนเวทีเป็นหนึ่งในวิธีการทางศิลปะและการผลิตที่สำคัญ แสงช่วยสร้างสถานที่และบรรยากาศของการกระทำ มุมมอง เพื่อสร้างอารมณ์ที่จำเป็น บางครั้งในการแสดงสมัยใหม่ แสงเป็นเพียงวิธีเดียวในการตกแต่ง
การตกแต่งประเภทต่างๆ ต้องใช้เทคนิคการจัดแสงที่เหมาะสม ทิวทัศน์ภาพแบนต้องใช้แสงสม่ำเสมอทั่วไป ซึ่งสร้างขึ้นโดยอุปกรณ์ให้แสงสว่างของแสงทั่วไป (soffits, ทางลาด, อุปกรณ์พกพา) การแสดงที่ประดับประดาด้วยทิวทัศน์อันกว้างใหญ่นั้นต้องใช้แสงในพื้นที่ (โปรเจ็กเตอร์) ซึ่งจะสร้างความแตกต่างของแสง โดยเน้นที่การออกแบบที่กว้างขวาง
เมื่อใช้การตกแต่งแบบผสม ระบบจะนำระบบแสงแบบผสมมาใช้ตามนั้น
อุปกรณ์ให้แสงสว่างสำหรับการแสดงละครทำด้วยมุมกระเจิงแสงที่กว้าง กลาง และแคบ โดยส่วนหลังเรียกว่าสปอตไลท์และทำหน้าที่ให้แสงสว่างในบางส่วนของเวทีและนักแสดง อุปกรณ์ให้แสงสว่างของเวทีโรงละครแบ่งออกเป็นประเภทหลักดังต่อไปนี้ขึ้นอยู่กับสถานที่:
อุปกรณ์ให้แสงสว่างเหนือศีรษะ ซึ่งรวมถึงไฟส่องสว่าง (ไฟสปอร์ตไลท์ สปอตไลท์) ที่แขวนอยู่เหนือส่วนที่ใช้เล่นของเวทีในหลายแถวตามแผน
อุปกรณ์ให้แสงสว่างแนวนอนใช้เพื่อส่องสว่างขอบฟ้าของโรงละคร
อุปกรณ์ไฟส่องสว่างด้านข้าง ซึ่งมักจะรวมถึงอุปกรณ์ประเภทไฟฉายที่ติดตั้งบนพอร์ทัลหลังเวที แกลเลอรีไฟส่องสว่างด้านข้าง
อุปกรณ์ให้แสงสว่างระยะไกลประกอบด้วยไฟสปอร์ตไลท์ที่ติดตั้งภายนอกเวทีในส่วนต่างๆ ของหอประชุม ทางลาดยังใช้กับไฟจากระยะไกล
อุปกรณ์ให้แสงสว่างแบบพกพาประกอบด้วยอุปกรณ์ประเภทต่างๆ ที่ติดตั้งบนเวทีสำหรับการแสดงแต่ละครั้ง (ขึ้นอยู่กับข้อกำหนด)
อุปกรณ์ส่องสว่างและฉายภาพพิเศษต่างๆ โรงละครมักใช้อุปกรณ์ให้แสงสว่างเพื่อวัตถุประสงค์พิเศษที่หลากหลาย (โคมไฟระย้าตกแต่ง เชิงเทียน โคมไฟ เทียน โคมไฟ กองไฟ คบเพลิง) ซึ่งสร้างขึ้นตามภาพร่างของศิลปินผู้ออกแบบการแสดง
เพื่อวัตถุประสงค์ทางศิลปะ (การจำลองแบบของธรรมชาติจริงบนเวที) ระบบแสงสีใช้สำหรับเวทีซึ่งประกอบด้วยฟิลเตอร์แสงสีต่างๆ ฟิลเตอร์แสงอาจเป็นแก้วหรือฟิล์มก็ได้ การเปลี่ยนสีของการแสดงจะดำเนินการ: ก) โดยการเปลี่ยนทีละน้อยจากอุปกรณ์ให้แสงสว่างที่มีตัวกรองแสงสีหนึ่งไปยังอุปกรณ์ที่มีสีอื่น b) การเพิ่มสีสันของอุปกรณ์ปฏิบัติการหลายอย่างพร้อมกัน c) การเปลี่ยนแผ่นกรองแสงในอุปกรณ์ให้แสงสว่าง การฉายแสงมีความสำคัญอย่างยิ่งในการออกแบบการแสดง มันสร้างเอฟเฟกต์การฉายภาพแบบไดนามิกต่างๆ (เมฆ คลื่น ฝน หิมะตก ไฟ การระเบิด แสงวาบ นกบิน เครื่องบิน เรือใบ) หรือภาพนิ่งที่แทนที่รายละเอียดที่งดงามของการตกแต่ง (ทิวทัศน์การฉายแสง) การใช้การฉายแสงช่วยขยายบทบาทของแสงในการแสดงอย่างมากและเพิ่มพูนความเป็นไปได้ทางศิลปะ บางครั้งใช้การฉายภาพยนตร์ แสงสามารถเป็นองค์ประกอบทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมของการแสดงได้ก็ต่อเมื่อมีระบบควบคุมแบบรวมศูนย์ที่ยืดหยุ่น เพื่อจุดประสงค์นี้ แหล่งจ่ายไฟของอุปกรณ์ให้แสงสว่างทั้งหมดในฉากจะถูกแบ่งออกเป็นเส้นที่เกี่ยวข้องกับอุปกรณ์หรืออุปกรณ์ให้แสงสว่างแต่ละอย่าง และสีของฟิลเตอร์แสงที่ติดตั้งแต่ละสี มีมากถึง 200-300 เส้นบนเวทีที่ทันสมัย ในการควบคุมแสง จำเป็นต้องเปิด ปิด และเปลี่ยนฟลักซ์การส่องสว่าง ทั้งในสายแต่ละเส้นและแบบผสมกัน เพื่อจุดประสงค์นี้มีการติดตั้งที่ควบคุมแสงซึ่งเป็นองค์ประกอบที่จำเป็นของอุปกรณ์บนเวที การควบคุมฟลักซ์การส่องสว่างของหลอดไฟเกิดขึ้นด้วยความช่วยเหลือของหม้อแปลงไฟฟ้าอัตโนมัติ, ไทราตรอน, แอมพลิฟายเออร์แม่เหล็กหรืออุปกรณ์เซมิคอนดักเตอร์ที่เปลี่ยนกระแสหรือแรงดันในวงจรไฟส่องสว่าง ในการควบคุมวงจรไฟส่องสว่างบนเวทีจำนวนมาก มีอุปกรณ์เชิงกลที่ซับซ้อน ซึ่งมักเรียกว่าตัวควบคุมโรงละคร ที่แพร่หลายที่สุดคือตัวควบคุมไฟฟ้าพร้อมตัวแปลงอัตโนมัติหรือเครื่องขยายสัญญาณแม่เหล็ก ในปัจจุบัน ตัวควบคุมหลายโปรแกรมไฟฟ้ากำลังเป็นที่แพร่หลาย ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขาถึงความยืดหยุ่นพิเศษในการจัดการการส่องสว่างของเวที หลักการพื้นฐานของระบบดังกล่าวคือ ชุดควบคุมอนุญาตให้มีชุดแสงผสมเบื้องต้นสำหรับฉากหรือช่วงเวลาของการแสดงจำนวนหนึ่ง กับการสร้างซ้ำบนเวทีในลำดับใดก็ได้และทุกจังหวะ นี่เป็นสิ่งสำคัญโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อให้แสงสว่างแก่การแสดงหลายภาพที่ทันสมัยที่ซับซ้อนด้วยไดนามิกของแสงขนาดใหญ่และหลังจากการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว
เอฟเฟกต์บนเวที
เอฟเฟกต์บนเวที (จาก lat. effectus - ประสิทธิภาพ) - ภาพลวงตาของเที่ยวบิน, การว่ายน้ำ, น้ำท่วม, ไฟไหม้, การระเบิด, สร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์พิเศษและอุปกรณ์ติดตั้ง เอฟเฟกต์บนเวทีถูกใช้ไปแล้วในโรงละครโบราณ ในยุคของจักรวรรดิโรมัน การแสดงละครใบ้จะนำเสนอเอฟเฟกต์บนเวทีที่แยกจากกัน การแสดงทางศาสนาของศตวรรษที่ 14-16 เต็มไปด้วยผลกระทบ ตัวอย่างเช่น เมื่อแสดงฉากลึกลับ "ปรมาจารย์แห่งปาฏิหาริย์" พิเศษมีส่วนเกี่ยวข้องในการจัดการแสดงละครมากมาย ในศาลและโรงละครสาธารณะของศตวรรษที่ 16-17 ประเภทของการแสดงที่ยอดเยี่ยมถูกสร้างขึ้นด้วยเอฟเฟกต์บนเวทีที่หลากหลายตามการใช้กลไกการแสดงละคร ทักษะของช่างเครื่องและมัณฑนากร ผู้สร้าง apotheoses การบิน และการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท มาก่อนในการแสดงเหล่านี้ ประเพณีของการแสดงอันตระการตาดังกล่าวได้รับการฟื้นคืนชีพซ้ำแล้วซ้ำเล่าในการปฏิบัติของโรงละครแห่งศตวรรษต่อมา
ในโรงละครสมัยใหม่ เอฟเฟกต์บนเวทีแบ่งออกเป็นเสียง แสง (การฉายแสง) และกลไก ด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์เสียง (เสียงรบกวน) เสียงของชีวิตโดยรอบจึงถูกสร้างขึ้นใหม่บนเวที - เสียงของธรรมชาติ (ลม ฝน ฟ้าร้อง เสียงนกร้อง) เสียงการผลิต (โรงงาน สถานที่ก่อสร้าง ฯลฯ ) เสียงการจราจร (รถไฟ, เครื่องบิน), เสียงการต่อสู้ (การเคลื่อนไหวของทหารม้า, การยิง), เสียงในชีวิตประจำวัน (นาฬิกา, เสียงกระทบกระจก, เสียงแหลม)
เอฟเฟกต์แสงรวมถึง:
1) เลียนแบบแสงธรรมชาติทุกประเภท (กลางวัน ตอนเช้า กลางคืน แสงที่สังเกตได้ในช่วงปรากฏการณ์ทางธรรมชาติต่างๆ - พระอาทิตย์ขึ้นและพระอาทิตย์ตก ท้องฟ้าแจ่มใสและมีเมฆมาก พายุฝนฟ้าคะนอง ฯลฯ );
2) สร้างภาพลวงตาของฝนที่ตกลงมา, เมฆที่เคลื่อนตัว, เปลวไฟที่ลุกโชติช่วง, ใบไม้ที่ร่วงหล่น, น้ำไหล ฯลฯ
เพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ของกลุ่มที่ 1 พวกเขามักจะใช้ระบบแสงสามสี - ขาว, แดง, น้ำเงินซึ่งให้โทนเสียงเกือบทุกชนิดพร้อมการเปลี่ยนที่จำเป็นทั้งหมด จานสีที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้นและยืดหยุ่นมากขึ้น (ด้วยความแตกต่างของเฉดสีต่างๆ) มีให้โดยการรวมกันของสี่สี (เหลือง, แดง, น้ำเงิน, เขียว) ซึ่งสอดคล้องกับองค์ประกอบสเปกตรัมหลักของแสงสีขาว วิธีการรับเอฟเฟกต์แสงของกลุ่มที่ 2 ส่วนใหญ่จะลดการใช้การฉายแสง โดยธรรมชาติของการแสดงผลที่ผู้ชมได้รับ เอฟเฟกต์แสงจะถูกแบ่งออกเป็นแบบคงที่ (คงที่) และไดนามิก
ประเภทของเอฟเฟกต์แสงนิ่ง
ซาร์นิทซา - ให้โดยแฟลชชั่วขณะของอาร์คโวลตาอิกที่ผลิตด้วยตนเองหรือโดยอัตโนมัติ ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา หน่วยแฟลชอิเล็กทรอนิกส์ความเข้มสูงเป็นที่แพร่หลาย
ดวงดาว - จำลองโดยใช้หลอดไฟจำนวนมากจากไฟฉาย ทาสีด้วยสีต่างๆ และมีความเข้มของการเรืองแสงต่างกัน หลอดไฟและแหล่งจ่ายไฟฟ้าติดตั้งอยู่บนตาข่ายทาสีดำซึ่งห้อยลงมาจากราวของแถบรั้ว
ดวงจันทร์ - สร้างขึ้นโดยการฉายภาพแสงที่เหมาะสมไปยังขอบฟ้า เช่นเดียวกับการใช้แบบจำลองที่ยกขึ้นเลียนแบบดวงจันทร์
สายฟ้า - ช่องซิกแซกแคบ ๆ ถูกตัดผ่านที่ด้านหลังหรือแบบพาโนรามา ปกคลุมด้วยวัสดุโปร่งแสงซึ่งปลอมตัวเป็นพื้นหลังทั่วไป ช่องว่างในเวลาที่เหมาะสมนี้ส่องสว่างจากด้านหลังด้วยหลอดไฟหรือไฟฉายอันทรงพลัง แสงซิกแซกอย่างกะทันหันทำให้เกิดภาพลวงตาที่ต้องการ นอกจากนี้ยังสามารถรับผลกระทบของฟ้าผ่าได้โดยใช้แบบจำลองฟ้าผ่าที่ทำขึ้นเป็นพิเศษ ซึ่งติดตั้งตัวสะท้อนแสงและอุปกรณ์ให้แสงสว่าง
รุ้ง - สร้างขึ้นโดยการฉายลำแสงแคบของสปอตไลท์ส่วนโค้ง ครั้งแรกผ่านปริซึมออปติคัล (ซึ่งสลายแสงสีขาวเป็นสีสเปกตรัมคอมโพสิต) จากนั้นผ่าน "หน้ากาก" ที่โปร่งใสด้วยร่องโค้ง (หลังกำหนดธรรมชาติ ของภาพที่ฉาย)
หมอก - ทำได้โดยการใช้โคมเลนส์โคมทรงพลังจำนวนมากที่มีหัวฉีดแคบๆ คล้ายรอยผ่า ซึ่งติดตั้งที่ทางออกของโคมและให้การกระจายแสงระนาบรูปพัดกว้าง เอฟเฟกต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในภาพของหมอกที่กำลังคืบคลานสามารถทำได้โดยการส่งไอน้ำร้อนผ่านอุปกรณ์ซึ่งมีน้ำแข็งแห้งที่เรียกว่า
ประเภทของเอฟเฟกต์แสงไดนามิก
การระเบิดที่ลุกเป็นไฟ การปะทุของภูเขาไฟ - ได้มาจากความช่วยเหลือของชั้นบาง ๆ ของน้ำที่ล้อมรอบระหว่างผนังกระจกคู่ขนานกันของภาชนะประเภทพิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำแคบ ๆ ขนาดเล็กที่มีหยดวานิชสีแดงหรือสีดำหยดลงบนปิเปตธรรมดา หยดหนักตกลงไปในน้ำขณะค่อย ๆ จมลงสู่ก้นบึ้งกระจายไปทั่วทุกทิศทุกทางกินเนื้อที่มากขึ้นและฉายบนหน้าจอคว่ำ (เช่นจากล่างขึ้นบน) สร้างธรรมชาติของปรากฏการณ์ที่ต้องการ . ภาพมายาของเอฟเฟกต์เหล่านี้ได้รับการปรับปรุงโดยพื้นหลังการตกแต่งที่ทำออกมาอย่างดี (ภาพปล่องภูเขาไฟ โครงกระดูกของอาคารที่กำลังลุกไหม้ ภาพเงาของปืนใหญ่ ฯลฯ)
คลื่น - ดำเนินการโดยใช้การฉายภาพด้วยอุปกรณ์พิเศษ (chromotropes) หรือแผ่นใสคู่ขนานซึ่งเคลื่อนที่ไปในทิศทางตรงกันข้ามกันไม่ว่าจะขึ้นหรือลง ตัวอย่างของการจัดเรียงคลื่นที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดด้วยวิธีการทางกล: จำนวนเพลาข้อเหวี่ยงที่ต้องการจะอยู่ที่ด้านขวาและด้านซ้ายของเวที ระหว่างก้านสูบของเพลาจากด้านหนึ่งของเวทีไปยังอีกด้านหนึ่ง สายเคเบิลถูกยืดด้วยแผง applique - ที่งดงามราวภาพวาดที่วาดภาพทะเล “เมื่อเพลาข้อเหวี่ยงหมุน แผงบางอันจะยกขึ้น บางอันก็ลงไปทับซ้อนกัน
หิมะ - ทำได้โดยสิ่งที่เรียกว่า "ลูกบอลกระจก" ซึ่งพื้นผิวที่เรียงรายไปด้วยกระจกชิ้นเล็ก ๆ การนำลำแสงที่มีความเข้มข้นสูง (มาจากไฟฉายส่องทางไกลหรือโคมไฟเลนส์ที่ซ่อนอยู่จากที่สาธารณะ) ในมุมที่รู้จักกับพื้นผิวทรงกลมที่มีหลายแง่มุมนี้ และทำให้มันหมุนไปรอบแกนนอน ได้ "กระต่าย" ขนาดเล็กที่สะท้อนออกมาจำนวนนับไม่ถ้วน สร้างความประทับใจให้กับเกล็ดหิมะที่ร่วงหล่น ในกรณีที่การแสดง "หิมะ" ตกลงบนไหล่ของนักแสดงหรือคลุมพื้น จะทำจากกระดาษสีขาวที่ตัดอย่างประณีต ตกลงมาจากถุงพิเศษ (ซึ่งวางอยู่บนสะพาน) "หิมะ" จะค่อยๆ เคลื่อนตัวเป็นวงกลมในลำแสงสปอตไลท์ ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่ต้องการ
ความต่อเนื่อง
--PAGE_BREAK--
เส้นทางของรถไฟดำเนินการโดยใช้กรอบสไลด์ยาวพร้อมรูปภาพที่เกี่ยวข้องซึ่งเคลื่อนที่ในแนวนอนที่ด้านหน้าเลนส์ของหลอดไฟออปติคัล สำหรับการควบคุมการฉายแสงที่ยืดหยุ่นยิ่งขึ้นและนำไปยังส่วนที่ต้องการของทิวทัศน์ ด้านหลังเลนส์ มักติดตั้งกระจกที่เคลื่อนที่ได้ขนาดเล็กบนอุปกรณ์แบบบานพับ เพื่อสะท้อนภาพที่ได้จากตะเกียง
เอฟเฟกต์ทางกลรวมถึงเที่ยวบินประเภทต่างๆ, จุ่ม, โรงสี, ม้าหมุน, เรือ, เรือ เป็นเรื่องปกติที่จะเรียกเที่ยวบินในโรงละครว่าการเคลื่อนไหวแบบไดนามิกของศิลปิน (ที่เรียกว่าเที่ยวบินมาตรฐาน) หรืออุปกรณ์ประกอบฉากเหนือกระดานบนเวที
เที่ยวบินปลอม (ทั้งแนวนอนและแนวทแยง) ดำเนินการโดยการเคลื่อนย้ายสายการบินไปตามถนนเคเบิลโดยใช้สายไฟและสายเคเบิลที่ผูกติดอยู่กับวงแหวนของสายการบิน สายเคเบิลแนวนอนถูกยืดระหว่างห้องทำงานที่อยู่ตรงข้ามเหนือกระจกเวที เส้นทแยงมุมมีความเข้มแข็งระหว่างแกลเลอรีที่ทำงานในระดับตรงข้ามและระดับต่างๆ เมื่อทำการบินในแนวทแยงจากบนลงล่าง พลังงานที่เกิดจากแรงโน้มถ่วงของวัตถุจะถูกใช้ เที่ยวบินในแนวทแยงมุมจากล่างขึ้นบนมักเกิดขึ้นเนื่องจากพลังงานของการตกอย่างอิสระของน้ำหนักถ่วง จะใช้ถุงที่มีทรายและวงแหวนสำหรับสายนำสำหรับถ่วงน้ำหนัก น้ำหนักของกระเป๋าต้องมากกว่าน้ำหนักของเสาและแคร่ น้ำหนักถ่วงผูกติดอยู่กับสายเคเบิล ปลายอีกด้านติดอยู่กับแคร่เครื่องบิน เที่ยวบินสดดำเนินการบนสายเคเบิลหรือถนนที่อยู่นิ่งตลอดจนการใช้โช้คอัพยาง อุปกรณ์การบินบนถนนเคเบิลประกอบด้วยถนนเคเบิลแนวนอนที่ทอดยาวระหว่างด้านตรงข้ามของเวที, แคร่บิน, รอกและไดรฟ์สองอัน (อันหนึ่งสำหรับเคลื่อนย้ายแคร่ไปตามถนน, อีกอันสำหรับยกและลดระดับศิลปิน) . เมื่อทำการบินในแนวนอนจากด้านหนึ่งของเวทีไปยังอีกด้านหนึ่ง แคร่สำหรับเครื่องบินจะถูกติดตั้งไว้ล่วงหน้าเบื้องหลัง หลังจากนั้นบล็อกที่มีสายไฟจะลดลง ด้วยความช่วยเหลือของ carabiners สายเคเบิลจะถูกยึดเข้ากับเข็มขัดนิรภัยแบบพิเศษซึ่งอยู่ใต้ชุดของศิลปิน ที่สัญญาณของผู้กำกับที่นำการแสดง ศิลปินจะขึ้นไปถึงระดับความสูงที่กำหนดและ "บิน" ไปฝั่งตรงข้ามตามคำสั่ง หลังเวทีเขาถูกลดระดับลงไปที่แท็บเล็ตและเป็นอิสระจากสายเคเบิล ด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์การบินบนถนนเคเบิลโดยใช้การทำงานพร้อมกันของไดรฟ์ทั้งสองและอัตราส่วนความเร็วที่ถูกต้องอย่างชำนาญทำให้สามารถบินได้หลากหลายในระนาบขนานกับพอร์ทัลโค้ง - เที่ยวบินในแนวทแยงจาก จากล่างขึ้นบนหรือบนลงล่าง จากด้านหนึ่งของเวทีไปอีกด้านหนึ่ง จากหลังเวทีถึงกลางเวที หรือจากเวทีถึงปีก ฯลฯ
อุปกรณ์การบินที่มีโช้คอัพยางขึ้นอยู่กับหลักการของลูกตุ้มที่แกว่งและลดลงและเพิ่มขึ้นพร้อมกัน ยางกันกระแทกป้องกันการกระตุกและให้เส้นทางการบินที่ราบรื่น อุปกรณ์ดังกล่าวประกอบด้วยตะแกรงสองอัน ดรัมเบี่ยงสองอัน (ติดตั้งอยู่ใต้ตะแกรงทั้งสองด้านของสายเคเบิลสำหรับเครื่องบิน) ถ่วงน้ำหนัก และสายเคเบิลสำหรับเที่ยวบิน ปลายด้านหนึ่งของสายเคเบิลนี้ซึ่งติดอยู่กับส่วนบนของตุ้มน้ำหนักนั้นไปราว ๆ สองช่วงตึกและผ่านกลองที่เบี่ยงเบนลงไปที่ระดับของแท็บเล็ตซึ่งมันถูกผูกไว้กับเข็มขัดของศิลปิน สายดูดซับแรงกระแทกที่มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 14 มม. ผูกติดอยู่กับส่วนล่างของน้ำหนักถ่วง ปลายที่สองติดกับโครงสร้างโลหะของแท็บเล็ตบนเวที เที่ยวบินดำเนินการโดยใช้เชือกสองเส้น (เส้นผ่านศูนย์กลาง 25-40 มม.) หนึ่งในนั้นผูกติดอยู่กับก้นของถ่วงและตกลงบนแท็บเล็ตอย่างอิสระ ส่วนที่สองผูกติดอยู่กับส่วนบนของตัวถ่วงน้ำหนักเพิ่มขึ้นในแนวตั้งไปรอบ ๆ บล็อกเบื้องหลังฉากบนและหย่อนลงบนแท็บเล็ตอย่างอิสระ สำหรับเที่ยวบินข้ามเวทีทั้งหมด (ผ่านเที่ยวบิน) บล็อกการบินแบบตะแกรงจะติดตั้งไว้ที่กึ่งกลางของเวที สำหรับเที่ยวบินระยะสั้น - ใกล้กับอุปกรณ์ขับเคลื่อน สายตาการบินด้วยความช่วยเหลือของอุปกรณ์ที่มีโช้คอัพยางดูเหมือนทะยานอย่างรวดเร็วฟรี ก่อนที่สายตาของผู้ชมการบินจะเปลี่ยนทิศทางไป 180 และในกรณีของการใช้อุปกรณ์การบินหลายเครื่องพร้อมกัน ความประทับใจจะถูกสร้างขึ้นจากการขึ้นและลงอย่างไม่มีที่สิ้นสุดจากด้านหนึ่งของเวทีแล้วจากอีกด้านหนึ่ง . หนึ่งบินผ่านฉากทั้งหมดสอดคล้องกับอีกเที่ยวบินหนึ่งไปยังกลางเวทีและกลับ, บินขึ้น - บินลง, บินไปทางซ้าย - บินไปทางขวา.
เมคอัพ (สิ่งสกปรกฝรั่งเศส จากกริมโมเก่าของอิตาลี - มีรอยย่น) - ศิลปะในการเปลี่ยนรูปลักษณ์ของนักแสดง ใบหน้าที่โดดเด่นของเขา ด้วยความช่วยเหลือของสีแต่งหน้า (การแต่งหน้าที่เรียกว่า) สติ๊กเกอร์พลาสติกและผม วิกผม , ทรงผมและสิ่งอื่น ๆ ตามความต้องการของบทบาทที่เล่น งานของนักแสดงเกี่ยวกับการแต่งหน้ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานของเขาเกี่ยวกับภาพลักษณ์ การแต่งหน้าเป็นหนึ่งในวิธีการสร้างภาพลักษณ์ของนักแสดง มีความเกี่ยวข้องในวิวัฒนาการกับการพัฒนาบทละครและการต่อสู้ของแนวโน้มด้านสุนทรียภาพในงานศิลปะ ธรรมชาติของการแต่งหน้าขึ้นอยู่กับลักษณะทางศิลปะของบทละครและภาพลักษณ์ ขึ้นอยู่กับความตั้งใจของนักแสดง แนวคิดของผู้กำกับ และรูปแบบการแสดง
ในกระบวนการแต่งหน้า การแต่งกายมีความสำคัญ ซึ่งส่งผลต่อตัวละครและโทนสีของการแต่งหน้า ความชัดเจนของการแต่งหน้าส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับการจัดแสงของฉาก ยิ่งสว่าง การแต่งหน้าก็นุ่มนวล และในทางกลับกัน แสงน้อยต้องการการแต่งหน้าที่คมชัดกว่า
ลำดับของการแต่งหน้า: ขั้นแรกให้ใบหน้าเป็นรูปที่มีรายละเอียดบางอย่างของเครื่องแต่งกาย (หมวก ผ้าพันคอ ฯลฯ) จากนั้นจึงติดกาวที่จมูกและเครือเถาอื่น ๆ ใส่วิกหรือทรงผมที่ทำเอง ผม, เคราและหนวดติดกาวและเฉพาะในตอนท้ายเท่านั้นที่แต่งหน้าด้วยสี ศิลปะแห่งการแต่งหน้าขึ้นอยู่กับการศึกษาโดยนักแสดงเกี่ยวกับโครงสร้างใบหน้า กายวิภาคศาสตร์ ตำแหน่งของกล้ามเนื้อ รอยพับ นูน และกดทับ นักแสดงต้องรู้ว่าการเปลี่ยนแปลงใดเกิดขึ้นกับใบหน้าในวัยชรา ตลอดจนลักษณะและโทนสีทั่วไปของใบหน้าที่อ่อนเยาว์ นอกจากการแต่งหน้าตามวัยแล้วในโรงละครโดยเฉพาะในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาการแต่งหน้าที่เรียกว่า "ระดับชาติ" ที่ใช้ในการแสดงที่อุทิศให้กับชีวิตของผู้คนในประเทศตะวันออก (เอเชีย, แอฟริกา) เป็นต้น แพร่หลาย เมื่อทำการแต่งหน้าเหล่านี้จำเป็นต้องคำนึงถึงรูปร่างและโครงสร้างของด้านหน้า ตลอดจนโปรไฟล์แนวนอนและแนวตั้งของตัวแทนของสัญชาติใดสัญชาติหนึ่ง โปรไฟล์แนวนอนถูกกำหนดโดยความคมชัดของส่วนที่ยื่นออกมาของกระดูกโหนกแก้มซึ่งเป็นแนวตั้ง - โดยส่วนที่ยื่นออกมาของกราม ลักษณะสำคัญในการแต่งหน้าประจำชาติคือ รูปร่างของจมูก ความหนาของริมฝีปาก สีของตา รูปร่าง สี และความยาวของผมบนศีรษะ รูปร่างของเครา หนวด ผิวหนัง สี. ในเวลาเดียวกัน ในการแต่งหน้าเหล่านี้ จำเป็นต้องคำนึงถึงข้อมูลส่วนบุคคลของตัวละคร เช่น อายุ สถานะทางสังคม อาชีพ ยุค และอื่นๆ
แหล่งที่มาของความคิดสร้างสรรค์ที่สำคัญที่สุดสำหรับนักแสดงและศิลปินในการกำหนดการแต่งหน้าสำหรับแต่ละบทบาทคือการสังเกตชีวิตโดยรอบการศึกษาลักษณะทั่วไปของรูปลักษณ์ของผู้คนการเชื่อมต่อกับลักษณะและประเภทของบุคคลสภาพภายในของเขาและ เร็วๆ นี้. ศิลปะการแต่งหน้าต้องใช้ความสามารถในการเชี่ยวชาญเทคนิคการแต่งหน้า ความสามารถในการใช้สีแต่งหน้า ผลิตภัณฑ์สำหรับเส้นผม (วิกผม เครา หนวด) เครือเถาขนาดใหญ่ และสติกเกอร์ การแต่งหน้าทำให้สามารถเปลี่ยนใบหน้าของนักแสดงได้ด้วยเทคนิคการถ่ายภาพ โทนสีทั่วไป เงา ไฮไลท์ที่ให้ความรู้สึกหดหู่และนูน จังหวะที่พับบนใบหน้าที่เปลี่ยนรูปร่างและลักษณะของดวงตา คิ้ว ริมฝีปาก สามารถทำให้ใบหน้าของนักแสดงมีบุคลิกที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ทรงผม, วิกผม, การเปลี่ยนรูปลักษณ์ของตัวละคร, กำหนดประวัติศาสตร์, ความผูกพันทางสังคมของเขาและมีความสำคัญในการกำหนดตัวละครของตัวละคร สำหรับการเปลี่ยนแปลงรูปร่างของใบหน้าอย่างรุนแรง ซึ่งไม่สามารถทำได้ด้วยสีเพียงอย่างเดียว จะใช้เครือเถาและสติกเกอร์จำนวนมาก การเปลี่ยนส่วนที่อยู่ประจำของใบหน้าทำได้โดยใช้แผ่นแปะสีแบบมีกาว เพื่อเพิ่มความหนาของแก้ม, คาง, คอ, สติกเกอร์ที่ทำจากสำลี, เสื้อถัก, ผ้ากอซและเครปสีเนื้อ
หน้ากาก (จากภาษาละติน mascus ปลาย, masca - หน้ากาก) - ภาพซ้อนทับพิเศษที่มีภาพบางส่วน (ใบหน้า, ปากกระบอกปืนของสัตว์, หัวของสิ่งมีชีวิตในตำนาน ฯลฯ ) ส่วนใหญ่มักสวมใส่บนใบหน้า หน้ากากทำจากกระดาษ เปเปอร์มาเช่ และวัสดุอื่นๆ การใช้หน้ากากเริ่มขึ้นในสมัยโบราณในพิธีกรรม (เกี่ยวข้องกับกระบวนการทำงาน ลัทธิของสัตว์ การฝังศพ ฯลฯ) ต่อมามีการใช้หน้ากากในโรงละครเป็นองค์ประกอบในการแต่งหน้าของนักแสดง หน้ากากช่วยในการสร้างภาพลักษณ์บนเวทีร่วมกับชุดการแสดงละคร ในโรงละครโบราณ หน้ากากเชื่อมต่อกับวิกและสวมทับศีรษะ เกิดเป็นหมวกที่มีรูสำหรับตาและปาก เพื่อเพิ่มเสียงของนักแสดง หน้ากากหมวกกันน็อคจึงได้รับเครื่องสะท้อนเสียงโลหะจากด้านใน มีหน้ากากแบบคอสตูมที่หน้ากากแยกจากคอสตูมไม่ได้ และมีหน้ากากที่ถือด้วยมือหรือนิ้ว
วรรณกรรม
1. Barkov V.S. , การออกแบบแสงสว่างของการแสดง, M. , 1993. - 70 p.
2. Petrov A.A. การจัดเวทีโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2534 - 126 หน้า
3. Stanislavsky K.S. ชีวิตของฉันในงานศิลปะ Soch., v. 1, M. , 1954, p. 113-125
ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อน มีประสิทธิภาพมากที่สุดและเก่าแก่ที่สุดศิลปะหนึ่ง ศิลปะการละครประกอบด้วยสถาปัตยกรรม ภาพวาดและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลง แต่มักจะเป็นการแสดงละคร) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์ แต่ยังรวมถึงในละครด้วย) ) และวรรณกรรม (ข้อความที่ใช้สร้างการแสดงละคร) และศิลปะการแสดง เป็นต้น จากทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นปัจจัยหลักที่กำหนดโรงละคร ผู้กำกับโซเวียตผู้โด่งดัง A. Tairov เขียนว่า "... ในประวัติศาสตร์ของโรงละครมีช่วงเวลายาวนานที่ไม่มีบทละครเมื่อมันไม่มีฉากใด ๆ แต่ไม่มีช่วงเวลาเดียวที่โรงละครไม่มีนักแสดง ."
นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพลักษณ์บนเวที เพื่อให้แม่นยำยิ่งขึ้น นักแสดงในโรงละครก็เป็นผู้สร้างศิลปินและวัสดุแห่งความคิดสร้างสรรค์และผลลัพธ์ - ภาพลักษณ์ในเวลาเดียวกัน ศิลปะของนักแสดงช่วยให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้าย แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของมันด้วย นักแสดงสร้างภาพลักษณ์จากตัวเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตา นี่อาจเป็นความเฉพาะเจาะจงหลักของเวที ภาพลักษณ์ของละคร และนี่คือที่มาของความเพลิดเพลินทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงกับความอัศจรรย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ
ศิลปะการละครไม่เหมือนศิลปะอื่น ๆ เป็นศิลปะที่มีชีวิต มันเกิดขึ้นเฉพาะในเวลาที่พบกับผู้ชม มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม หากไม่มีการติดต่อนี้ แสดงว่าไม่มีปรากฏการณ์ใดๆ ที่เป็นไปตามกฎความงามของมันเอง
อ่านหนังสือ ยืนอยู่หน้าภาพวาด คนอ่าน คนดูไม่เห็นคนเขียน คนวาด และเฉพาะในโรงละครเท่านั้นที่คนจะสบตากับศิลปินที่สร้างสรรค์พบเขาในขณะที่สร้าง เขาคาดเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจของเขา อาศัยอยู่กับเขาด้วยความผันผวนทั้งหมดของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที
ผู้อ่านเพียงลำพังกับหนังสืออันล้ำค่าสามารถสัมผัสช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ทิ้งผู้ชมไว้ตามลำพัง ทุกอย่างในโรงละครขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานขึ้นมา
ผู้ชมมาที่การแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาไม่สามารถแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้ การระเบิดของเสียงปรบมืออนุมัติ, เสียงหัวเราะร่าเริง, ตึงเครียด, เงียบไม่รบกวน, ถอนหายใจด้วยความโล่งอก, ความขุ่นเคืองเงียบ - การสมรู้ร่วมคิดของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีปรากฏในความหลากหลายที่ร่ำรวยที่สุด บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละครเมื่อการสมรู้ร่วมคิดดังกล่าวการเอาใจใส่ดังกล่าวมีความเข้มข้นสูงสุด...
นั่นแหละความหมาย มายากลศิลปะการละคร ศิลปะที่ได้ยินการเต้นของหัวใจมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจถูกจับไว้อย่างละเอียดอ่อน ซึ่งโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนาถูกปิดล้อมไว้
โรงละครเป็นงานศิลปะที่ทวีคูณ ผู้ชมรับรู้การผลิตละครเวทีไม่ใช่คนเดียว แต่โดยรวมแล้ว "รู้สึกถึงข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งในระดับสูงช่วยเพิ่มความประทับใจการแพร่กระจายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ในขณะเดียวกัน ความประทับใจไม่ได้มาจากนักแสดงคนเดียว แต่มาจากทีมนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองฝั่งของทางลาด พวกเขาอาศัย รู้สึก และกระทำ - ไม่ใช่ปัจเจกบุคคล แต่เป็นผู้คน สังคมของผู้คนที่เชื่อมโยงถึงกันชั่วขณะหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ การกระทำร่วมกัน
โดยมากแล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันยิ่งใหญ่ของโรงละครได้อย่างแม่นยำ ศิลปะซึ่งสร้างขึ้นและรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียนว่า “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ ซึ่งเป็นเวทีฟรีที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดๆ และอธิบายโดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต กฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์ ความรู้สึก."
คนคนหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนความรู้สึกผิดชอบชั่วดีของเขาวิญญาณของเขา - เขารู้จักตัวเองในโรงละครเวลาและชีวิตของเขา โรงละครเปิดต่อหน้าเขา โอกาสอันน่าทึ่งสำหรับความรู้ด้วยตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม
และให้โรงละครโดยธรรมชาติที่สวยงามศิลปะแบบมีเงื่อนไขเช่นเดียวกับศิลปะอื่น ๆ บนเวทีปรากฏขึ้นต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่ความเป็นจริง แต่มีเพียงภาพสะท้อนทางศิลปะเท่านั้น แต่มีมากในการสะท้อน ความจริงถูกมองว่าเป็นชีวิตที่แท้จริงและแท้จริงที่สุด ผู้ชมตระหนักถึงความเป็นจริงที่สูงขึ้นของการมีอยู่ของตัวละครบนเวที เกอเธ่ผู้ยิ่งใหญ่เขียนว่า: “อะไรจะเป็นธรรมชาติไปกว่าชาวเชคสเปียร์!”
ในโรงละคร ในชุมชนที่มีชีวิตชีวาของผู้คนที่มารวมตัวกันเพื่อการแสดงบนเวที ทุกสิ่งเป็นไปได้: เสียงหัวเราะและน้ำตา ความเศร้าโศกและความปิติยินดี ความขุ่นเคืองและความสุขที่รุนแรง ความโศกเศร้าและความสุข การประชดและไม่ไว้วางใจ การดูถูกและความเห็นอกเห็นใจ และการอนุมัติดัง - ในคำเดียว ความร่ำรวยของการแสดงออกทางอารมณ์และความวุ่นวายของจิตวิญญาณมนุษย์
นักแสดงในโรงละคร
ศิลปะการละครมีทั้งความจริงและมีเงื่อนไข จริง - แม้จะมีเงื่อนไข อย่างไรก็ตามและศิลปะใด ๆ รูปแบบศิลปะแตกต่างกันทั้งในระดับความจริงและในระดับของความเป็นธรรมดา อย่างไรก็ตาม หากปราศจากการผสมผสานระหว่างความจริงและตามแบบแผนแล้ว ศิลปะก็ไม่สามารถดำรงอยู่ได้
ลักษณะเฉพาะของกิจกรรมของนักแสดงละครคืออะไร? การแสดงของนักแสดงในโรงละครไม่เพียงแต่ทำให้เขาใกล้ชิดกับความจริงของชีวิตมากขึ้นเท่านั้น แต่ยังนำเขาออกไปจากความเป็นจริงด้วย ตัวอย่างเช่น โรงละครชอบการแสดงความรู้สึกที่ "ดัง" และ "ช่างพูด" “โรงละครไม่ใช่ห้องนั่งเล่น” นักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ บี.เค. โคเกอลิน - ผู้ชมหนึ่งหมื่นห้าพันคนที่รวมตัวกันในหอประชุมไม่สามารถปฏิบัติกับสหายสองหรือสามคนที่คุณนั่งอยู่ข้างเตาผิง ถ้าคุณไม่ขึ้นเสียง ก็จะไม่มีใครได้ยินคำพูดนั้น ถ้าคุณไม่ออกเสียงอย่างชัดเจน คุณจะไม่เข้าใจ
ในขณะเดียวกัน ในความเป็นจริง อารมณ์ของมนุษย์สามารถถูกซ่อนไว้อย่างลึกซึ้ง ความเศร้าโศกสามารถแสดงออกได้ด้วยการสั่นเล็กน้อยของริมฝีปาก การเคลื่อนไหวของกล้ามเนื้อใบหน้า ฯลฯ นักแสดงรู้เรื่องนี้เป็นอย่างดี แต่ในชีวิตการแสดงของเขา เขาต้องคำนึงถึงความจริงทางจิตวิทยาและในชีวิตประจำวันไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึง สภาพของทางลาดด้วยความเป็นไปได้ในการรับรู้ของผู้ชม เพื่อให้คำพูดและความรู้สึกของตัวละครเข้าถึงพวกเขาได้อย่างแม่นยำว่านักแสดงต้องพูดเกินจริงในระดับและรูปแบบการแสดงออกของพวกเขา นี่คือสิ่งที่ศิลปะการละครต้องการ
สำหรับนักแสดงละคร การสื่อสารกับผู้ชมสร้างแรงกระตุ้นเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญ ในระหว่างการแสดง เกลียวที่แข็งแกร่งที่มองไม่เห็นจะถูกยืดออกระหว่างกัน ซึ่งคลื่นของความเห็นอกเห็นใจและความเกลียดชัง ความเห็นอกเห็นใจ ความเข้าใจ และความสุขที่มองไม่เห็นจะถ่ายทอดออกมาในรูปแบบที่น่าอัศจรรย์ สิ่งนี้ควบคุมการแสดงของนักแสดงภายในช่วยให้เขาสร้าง เป็นที่ทราบกันว่าศิลปะแต่ละชิ้นเกี่ยวข้องกับวัสดุบางอย่าง: สำหรับจิตรกรคือสีและผ้าใบ สำหรับประติมากรคือดินเหนียว หินอ่อน ไม้ สำหรับนักแสดง เครื่องมือและวัสดุเพียงอย่างเดียวในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะคือตัวเขาเอง - การเดิน ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า น้ำเสียง และสุดท้ายคือบุคลิกของเขา เพื่อให้ผู้ชมกังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของฮีโร่ทุกเย็นเพื่อเชื่อในตัวเขานักแสดงจึงทำงานหนัก เขาอ่านหนังสือประวัติศาสตร์ทำความคุ้นเคยกับเวลาที่ฮีโร่ของเขาอาศัยอยู่ ท้ายที่สุดแล้ว นักแสดงจำเป็นต้องรู้ทุกอย่างเกี่ยวกับบุคคลที่เขาแสดง นั่นคือใครเป็นใคร เขาต้องการอะไร และทำอะไรเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย เขาสังเกตผู้คนอย่างต่อเนื่องสังเกตลักษณะที่ปรากฏการเคลื่อนไหวพฤติกรรม ทั้งหมดนี้จะเป็นประโยชน์บนเวที ท้ายที่สุดเขาต้องทำหน้าที่แทนตัวละครในละครหรือภาพยนตร์ ใช้ชีวิตของพวกเขา เขาต้องพูดด้วยน้ำเสียงของฮีโร่ของเขา เดินด้วยท่าทางของเขา วันนี้ นักแสดงเล่นร่วมสมัยของเรา ใช้ชีวิตความสุข ความทุกข์ ความกังวล และความสำเร็จของเขา พรุ่งนี้เขาเป็นอัศวินในยุคกลางหรือราชาในเทพนิยาย
อย่างที่ผู้กำกับ K. S. Stanislavsky ได้กล่าวไว้ว่า นักแสดงต้อง "คาดเดาจังหวะชีวิตด้วยประสาทสัมผัสของเขา แสวงหาความจริงเสมอ ดิ้นรนกับความไม่จริง" "นักแสดง - บุคคลสาธารณะ" เขานำผู้ชมให้ความรู้ช่วยให้พวกเขาตระหนักถึงข้อบกพร่องและเริ่มต้นเส้นทางที่ถูกต้อง การแสดงบนเวทีนักแสดงด้นสด รู้บทบาทด้วยใจ ทุกขณะเขาใช้ชีวิตราวกับว่าเป็นครั้งแรกราวกับว่าไม่สงสัยว่าจะเกิดอะไรขึ้นในอีกสักครู่ ที่นี่จำเป็นต้องมีคุณลักษณะพิเศษอีกอย่างหนึ่งของความสามารถในการแสดง - ความฉับไว หากไม่มีการแสดงของนักแสดง เราจะเห็นเพียงการซ้อมเคลื่อนไหวบนเวทีและได้ยินข้อความที่จำได้ นี่คือคุณสมบัติที่ช่วยให้นักแสดงในบทบาทเดียวกันมีความ "แตกต่าง" เล็กน้อย และในแต่ละการแสดงเพื่อสร้างชีวิตภายในของตัวละครดังที่เคยเป็นมา
ดังนั้นเราจึงรู้จักการเล่นด้วยใจทุกครั้งที่ต้องขอบคุณนักแสดงที่มีพรสวรรค์ได้สัมผัสกับเหตุการณ์เหมือนใหม่ การแสดงในโลกแห่งจินตนาการ นักแสดงเชื่อในโลกแห่งความเป็นจริง ความเชื่อในสถานการณ์สมมติเป็นองค์ประกอบสำคัญของการแสดง คล้ายกับศรัทธาที่จริงใจที่เด็กแสดงในเกมของพวกเขา
หนึ่งใน "นักแสดง" ที่สำคัญที่สุดของการแสดงคือผู้ชม ถ้าไม่มีมัน การเล่นบนเวทีก็เป็นแค่การซ้อม นักแสดงต้องการการติดต่อกับผู้ชมไม่น้อยกว่ากับพันธมิตร นั่นคือเหตุผลที่ไม่มีการแสดงสองเรื่องเหมือนกัน นักแสดงสร้างต่อหน้าผู้ชมใหม่ทุกครั้ง ผู้ชมเปลี่ยนไปซึ่งหมายความว่าประสิทธิภาพเปลี่ยนแปลงไปในทางใดทางหนึ่ง แม้ว่างานของนักแสดงจะเรียกว่าเกม แต่ก็เป็นงานหนักซึ่งแม้แต่พรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดก็ไม่ปล่อย และยิ่งงานนี้มากเท่าไหร่ ก็ยิ่งสังเกตเห็นได้น้อยลงเท่านั้นบนเวที และยิ่งได้รับความสุขจากการแสดงของศิลปิน จากการแสดงทั้งหมดมากขึ้นเท่านั้น
บทสรุป
โรงละครคือโรงเรียนแห่งชีวิต นั่นคือสิ่งที่พวกเขาพูดเกี่ยวกับเขาตั้งแต่ศตวรรษจนถึงศตวรรษ พวกเขาพูดได้ทุกที่: ในรัสเซีย ฝรั่งเศส อิตาลี อังกฤษ เยอรมนี สเปน...
โกกอลเรียกโรงละครว่าเป็นแผนกแห่งความเมตตา
Herzen ยอมรับในตัวเขาว่ามีอำนาจสูงสุดในการแก้ปัญหาที่สำคัญ
โลกทั้งใบ จักรวาลทั้งหมด มีความหลากหลายและงดงาม ฉันเห็นในโรงละครเบลินสกี้ เขาเห็นในตัวเขาผู้ปกครองความรู้สึกที่เผด็จการสามารถเขย่าสายวิญญาณทั้งหมดปลุกการเคลื่อนไหวที่แข็งแกร่งในจิตใจและหัวใจและทำให้วิญญาณสดชื่นด้วยความประทับใจอันทรงพลัง เขาเห็นในโรงละครมีเสน่ห์อยู่ยงคงกระพันและมหัศจรรย์สำหรับสังคม
ตามคำบอกเล่าของวอลแตร์ ไม่มีสิ่งใดดึงดูดสายสัมพันธ์แห่งมิตรภาพได้แนบแน่นไปกว่าโรงละคร
ฟรีดริช ชิลเลอร์ นักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่แย้งว่า "โรงละครมีเส้นทางที่พ่ายแพ้ต่อจิตใจและหัวใจ" ของบุคคลมากที่สุด
เซร์บันเตส ผู้สร้างดอนกิโฆเต้ผู้เป็นอมตะ เรียกโรงละครแห่งนี้ว่า "กระจกเงาแห่งชีวิตมนุษย์ แบบอย่างของศีลธรรม ต้นแบบแห่งความจริง"
รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว
1. Abalkin N. เรื่องราวเกี่ยวกับโรงละคร - M. , 1981
2. Bakhtin M. M. คำถามเกี่ยวกับวรรณคดีและสุนทรียศาสตร์ - ม., 1975
3. Kagarlitsky Yu. I. โรงละครสำหรับทุกวัย.- M. , 1987
4. Lessky K. L. 100 โรงภาพยนตร์ที่ยิ่งใหญ่ของโลก - M. , Veche, 2001
6. Nemirovich-Danchenko Vl. I. การเกิดของโรงละคร - ม., 1989
7. Sorochkin B.Yu. ละครระหว่างอดีตและอนาคต - ม., 1989.
8. Stanislavsky K. S. ชีวิตของฉันในงานศิลปะ - ของสะสม. ความเห็น ใน 8 vols. M. , 1954, vol. 1, p. 393-394.
9. Tairov A. Ya หมายเหตุของผู้กำกับ บทความ บทสนทนา สุนทรพจน์ จดหมาย ม., 1970, น. 79.
10. ABC of the theatre: 50 เรื่องสั้นเกี่ยวกับโรงละคร ล.:เดช. พ.ศ. 2529
11. พจนานุกรมสารานุกรมของผู้ชมรุ่นเยาว์ มอสโก: การสอน, 1989.
ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อน มีประสิทธิภาพมากที่สุดและเก่าแก่ที่สุดศิลปะหนึ่ง นอกจากนี้ยังเป็นสารสังเคราะห์ที่ต่างกัน ศิลปะการละครประกอบด้วยสถาปัตยกรรม ภาพวาดและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลง แต่มักจะเป็นการแสดงละคร) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์ แต่ยังรวมถึงในละครด้วย) ) และวรรณกรรม (ข้อความที่ใช้สร้างการแสดงละคร) และศิลปะการแสดง เป็นต้น จากทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นปัจจัยหลักที่กำหนดให้กับโรงละคร ผู้กำกับโซเวียตชื่อดัง A. Tairov เขียนว่า "... ในประวัติศาสตร์ของโรงละครมีช่วงเวลาที่ยาวนานที่ไม่มีละครเมื่อมันไม่มีฉากใด ๆ แต่ไม่มีช่วงเวลาเดียวที่โรงละครขาด นักแสดง."
นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพลักษณ์บนเวที อย่างแม่นยำยิ่งขึ้น นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปิน-ผู้สร้างในเวลาเดียวกัน และวัสดุของความคิดสร้างสรรค์ และผลของมันคือภาพ ศิลปะของนักแสดงช่วยให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้าย แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของมันด้วย นักแสดงสร้างภาพลักษณ์จากตัวเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตา นี่อาจเป็นความเฉพาะเจาะจงหลักของเวที ภาพลักษณ์ของละคร และนี่คือที่มาของความเพลิดเพลินทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงกับความอัศจรรย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ
ศิลปะการละครไม่เหมือนศิลปะอื่น ๆ เป็นศิลปะที่มีชีวิต มันเกิดขึ้นเฉพาะในเวลาที่พบกับผู้ชม มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม ไม่มีการสัมผัสดังกล่าว ซึ่งหมายความว่าไม่มีปรากฏการณ์ใดๆ ที่เป็นไปตามกฎความงามของมันเอง
เป็นการทรมานที่ยิ่งใหญ่สำหรับนักแสดงที่ต้องแสดงหน้าห้องโถงที่ว่างเปล่าโดยไม่มีผู้ชมแม้แต่คนเดียว สถานะดังกล่าวเท่ากับอยู่ในพื้นที่ที่ปิดจากโลกทั้งใบ ในช่วงเวลาของการแสดง วิญญาณของนักแสดงจะมุ่งตรงไปยังผู้ชม เช่นเดียวกับที่วิญญาณของผู้ชมมุ่งตรงไปยังนักแสดง ศิลปะของโรงละครมีชีวิต หายใจ ตื่นเต้น และดึงดูดผู้ชมในช่วงเวลาแห่งความสุขเหล่านั้น เมื่อผ่านสายไฟที่มองไม่เห็นของการส่งสัญญาณไฟฟ้าแรงสูง มีการแลกเปลี่ยนพลังทางจิตวิญญาณสองอย่าง กระตือรือร้นซึ่งกันและกัน - จากนักแสดงสู่ผู้ชม จากผู้ชมสู่นักแสดง
อ่านหนังสือ ยืนอยู่หน้าภาพวาด คนอ่าน คนดูไม่เห็นคนเขียน คนวาด และเฉพาะในโรงละครเท่านั้นที่คนจะสบตากับศิลปินที่สร้างสรรค์พบเขาในขณะที่สร้าง เขาคาดเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจของเขา อาศัยอยู่กับเขาด้วยความผันผวนทั้งหมดของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที
ผู้อ่านเพียงลำพังกับหนังสืออันล้ำค่าสามารถสัมผัสช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ทิ้งผู้ชมไว้ตามลำพัง ทุกอย่างในโรงละครขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานขึ้นมา
ผู้ชมมาที่การแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาไม่สามารถแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้ การระเบิดของเสียงปรบมืออนุมัติ, เสียงหัวเราะร่าเริง, ตึงเครียด, เงียบไม่รบกวน, ถอนหายใจด้วยความโล่งอก, ความขุ่นเคืองเงียบ - การสมรู้ร่วมคิดของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีปรากฏในความหลากหลายที่ร่ำรวยที่สุด บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละครเมื่อการสมรู้ร่วมคิดดังกล่าวการเอาใจใส่ดังกล่าวมีความเข้มข้นสูงสุด...
นี่คือความหมายของศิลปะที่มีชีวิต ศิลปะที่ได้ยินการเต้นของหัวใจมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจถูกจับไว้อย่างละเอียดอ่อน ซึ่งโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนาถูกปิดล้อมไว้
แน่นอนว่าเมื่อเราคิดและพูดถึงนักแสดง เราเข้าใจดีว่าโรงละครมีความสำคัญเพียงใดไม่ใช่แค่นักแสดง แต่เป็นการรวมตัวของนักแสดง ความสามัคคี ปฏิสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ของนักแสดง “โรงละครที่แท้จริง” ชลิอาพินเขียน “ไม่ใช่แค่ความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละคนเท่านั้น แต่ยังเป็นการกระทำร่วมกันที่ต้องการความกลมกลืนอย่างสมบูรณ์ของทุกส่วน”
โรงละครเป็นเหมือนศิลปะส่วนรวมสองเท่า ผู้ชมรับรู้การผลิตละครเวทีไม่ใช่คนเดียว แต่โดยรวมแล้ว "รู้สึกถึงข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งในระดับสูงช่วยเพิ่มความประทับใจการแพร่กระจายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ในขณะเดียวกัน ความประทับใจไม่ได้มาจากนักแสดงคนเดียว แต่มาจากทีมนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม สองข้างทางของทางลาด พวกเขาอาศัย รู้สึก และกระทำ - ไม่ใช่ปัจเจกบุคคล แต่เป็นบุคคล สังคมของผู้คน เกี่ยวพันกันชั่วขณะหนึ่งโดยความสนใจร่วมกัน จุดประสงค์ การกระทำร่วมกัน .
โดยมากแล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันยิ่งใหญ่ของโรงละครได้อย่างแม่นยำ ศิลปะซึ่งสร้างขึ้นและรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียนว่า “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ ซึ่งเป็นเวทีฟรีที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดๆ และอธิบายโดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต กฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์ ความรู้สึก."
คนคนหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนความรู้สึกผิดชอบชั่วดีของเขาวิญญาณของเขา - เขารู้จักตัวเองในโรงละครเวลาและชีวิตของเขา โรงละครเปิดต่อหน้าเขา โอกาสอันน่าทึ่งสำหรับความรู้ด้วยตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม
และให้โรงละครโดยธรรมชาติที่สวยงามศิลปะแบบมีเงื่อนไขเช่นเดียวกับศิลปะอื่น ๆ บนเวทีปรากฏขึ้นต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่ความเป็นจริง แต่มีเพียงภาพสะท้อนทางศิลปะเท่านั้น แต่มีความจริงมากมายในการไตร่ตรองนั้นที่รับรู้ในความสมบูรณ์ทั้งหมดว่าเป็นชีวิตที่แท้จริงและแท้จริงที่สุด ผู้ชมตระหนักถึงความเป็นจริงที่สูงขึ้นของการมีอยู่ของตัวละครบนเวที เกอเธ่ผู้ยิ่งใหญ่เขียนว่า: “อะไรจะเป็นธรรมชาติไปกว่าชาวเชคสเปียร์!”
ในโรงละคร ในชุมชนที่มีชีวิตชีวาของผู้คนที่มารวมตัวกันเพื่อการแสดงบนเวที ทุกสิ่งเป็นไปได้: เสียงหัวเราะและน้ำตา ความเศร้าโศกและความปิติยินดี ความขุ่นเคืองและความสุขที่รุนแรง ความโศกเศร้าและความสุข การประชดและไม่ไว้วางใจ การดูถูกและความเห็นอกเห็นใจ และการอนุมัติดัง - ในคำเดียวความร่ำรวยของการแสดงออกทางอารมณ์และความวุ่นวายของจิตวิญญาณมนุษย์
โรงละคร (กรีก th อี atron - สถานที่สำหรับการแสดง) - รูปแบบศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงผ่านการแสดงบนเวทีที่นักแสดงแสดงต่อหน้าผู้ชม
ศิลปะการแสดงละครเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณแห่งชาติ เป็นกระจกสะท้อนของจิตสำนึกสาธารณะ และชีวิตของผู้คน
ศิลปะการแสดงบนเวทีถือกำเนิดขึ้นในสมัยโบราณและในช่วงเวลาต่างๆ ก็มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างความบันเทิง ให้ความรู้ หรือเทศนา โรงละครมีความเป็นไปได้มาก ดังนั้นศิลปะการละครจึงพยายามที่จะรับใช้กษัตริย์และเจ้าชาย จักรพรรดิและรัฐมนตรี นักปฏิวัติ และนักอนุรักษ์นิยม
แต่ละยุคกำหนดงานของตัวเองในโรงละคร ตัวอย่างเช่น ในยุคกลาง พื้นที่บนเวทีถูกมองว่าเป็นแบบอย่างของจักรวาล ซึ่งจำเป็นต้องเล่น ย้ำความลึกลับของการสร้างสรรค์อีกครั้ง ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโรงละครเริ่มกำหนดงานแก้ไขความชั่วร้ายมากขึ้น ในระหว่างการตรัสรู้ ศิลปะของเวทีได้รับการยกย่องอย่างสูง - เป็น "การชำระศีลธรรม" และส่งเสริมคุณธรรม ในช่วงเวลาของการปกครองแบบเผด็จการและการเซ็นเซอร์ โรงละครไม่เพียงแต่เป็นแท่นพูดเท่านั้น แต่ยังเป็นทริบูนอีกด้วย ในช่วงการปฏิวัติของศตวรรษที่ 20 สโลแกน "ศิลปะคืออาวุธ" ปรากฏขึ้น (เป็นที่นิยมในยุค 20 ของศตวรรษที่ 20) และโรงละครก็เริ่มทำภารกิจอื่น - โฆษณาชวนเชื่อ
ผลงานสุดท้ายของโรงละครเป็นการแสดงที่อิงจากบทละคร
เช่นเดียวกับรูปแบบศิลปะอื่น ๆ โรงละครมีของตัวเอง สัญญาณพิเศษ
1. นี่คือศิลปะ สังเคราะห์: งานละคร (การแสดง) ประกอบด้วย บทละคร ผลงานของผู้กำกับ นักแสดง ศิลปิน และผู้แต่ง (ดนตรีมีบทบาทชี้ขาดในโอเปร่าและบัลเล่ต์) เป็นการผสมผสานการเริ่มต้นที่มีประสิทธิภาพและน่าตื่นตาตื่นใจ และผสมผสานวิธีการแสดงศิลปะอื่นๆ เข้าไว้ด้วยกัน: วรรณกรรม ดนตรี ภาพวาด สถาปัตยกรรม การเต้นรำ ฯลฯ
2. ศิลปะ กลุ่ม. การแสดงเป็นผลจากกิจกรรมของผู้คนมากมาย ไม่เพียงแต่ผู้ที่ปรากฏตัวบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่เย็บเครื่องแต่งกาย ทำอุปกรณ์ประกอบฉาก จุดไฟ พบปะผู้ชมด้วย โรงละครเป็นทั้งความคิดสร้างสรรค์และการผลิต
ดังนั้นจึงสามารถกำหนดได้ว่าโรงละครเป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์และส่วนรวมซึ่งนักแสดงดำเนินการบนเวที
3. โรงละครใช้ ชุดเครื่องมือศิลปะ.
ก) ข้อความ.การแสดงละครขึ้นอยู่กับ ข้อความ. นี่คือบทละครสำหรับการแสดงละคร ในบัลเล่ต์เป็นบทเพลง กระบวนการทำงานเกี่ยวกับการแสดงประกอบด้วยการถ่ายโอนข้อความที่น่าทึ่งไปยังเวที เป็นผลให้คำวรรณกรรมกลายเป็นคำบนเวที
ข) พื้นที่เวทีสิ่งแรกที่ผู้ชมเห็นหลังจากเปิด (ยก) ม่านคือ พื้นที่เวที, ซึ่งประกอบด้วย ทิวทัศน์. บ่งบอกถึงสถานที่ดำเนินการ เวลาประวัติศาสตร์ สะท้อนถึงรสชาติของชาติ ด้วยความช่วยเหลือของโครงสร้างเชิงพื้นที่ แม้แต่อารมณ์ของตัวละครก็สามารถถ่ายทอดได้ (เช่น ในตอนแห่งความทุกข์ทรมานของฮีโร่ ดื่มด่ำกับฉากในความมืดหรือกระชับฉากหลังด้วยสีดำ)
ค) เวทีและหอประชุมตั้งแต่สมัยโบราณ เวทีและหอประชุมได้ถูกสร้างขึ้นสองประเภท: เวทีกล่อง และ เวทีอัฒจันทร์ เวทีกล่องมีไว้สำหรับชั้นและแผงลอยและผู้ชมจะล้อมรอบเวทีอัฒจันทร์จากสามด้าน ปัจจุบันมีการใช้สองประเภทในโลก
ง) อาคารโรงละคร.ตั้งแต่สมัยโบราณ โรงละครถูกสร้างขึ้นบนจัตุรัสกลางเมืองต่างๆ สถาปนิกต้องการให้อาคารมีความสวยงามและดึงดูดความสนใจ เมื่อมาที่โรงละครผู้ชมละทิ้งชีวิตประจำวันราวกับว่าอยู่เหนือความเป็นจริง ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บันไดที่ประดับด้วยกระจกมักจะนำไปสู่ห้องโถง
จ) ดนตรี.เสริมสร้างผลกระทบทางอารมณ์ของการแสดงละครช่วยได้ ดนตรี. บางครั้งก็ฟังดูไม่เฉพาะระหว่างการดำเนินการ แต่ยังรวมถึงช่วงพักครึ่งเพื่อรักษาผลประโยชน์ของสาธารณชน
ฉ) นักแสดงชาย.หน้าหลักของละคร นักแสดงชาย. สร้างภาพศิลปะของตัวละครต่างๆ ผู้ชมเห็นคนตรงหน้าเขากลายเป็นภาพศิลปะอย่างลึกลับ - งานศิลปะชนิดหนึ่ง แน่นอนว่างานศิลปะไม่ใช่ตัวนักแสดง แต่เป็นบทบาทของเขา เธอคือผู้สร้างนักแสดง ซึ่งสร้างขึ้นด้วยเสียง เส้นประสาท และบางสิ่งที่เข้าใจยาก - วิญญาณ จิตวิญญาณ บทสนทนาของนักแสดงไม่ได้เป็นเพียงคำพูดเท่านั้น แต่ยังเป็นการสนทนาเกี่ยวกับท่าทาง ท่าทาง รูปลักษณ์ และการแสดงออกทางสีหน้าด้วย แนวคิดของนักแสดงและศิลปินแตกต่างกัน นักแสดงคืองานฝีมือ อาชีพ คำว่า ศิลปิน (อังกฤษ ศิลปะ - ศิลปะ) หมายถึงไม่ใช่ของอาชีพใดอาชีพหนึ่ง แต่สำหรับศิลปะโดยทั่วไป เน้นย้ำถึงคุณภาพของงานฝีมือ ศิลปินก็คือศิลปิน ไม่ว่าเขาจะเล่นในโรงละครหรือทำงานในสาขาอื่น (ภาพยนตร์)
กรัม) ผู้ผลิตเพื่อให้การกระทำบนเวทีเป็นที่รับรู้โดยรวม จำเป็นต้องจัดระเบียบอย่างรอบคอบและสม่ำเสมอ ทำหน้าที่เหล่านี้ ผู้ผลิตผู้กำกับเป็นผู้จัดงานหลักและหัวหน้าฝ่ายผลิตละคร ร่วมมือกับศิลปิน (ผู้สร้างภาพลักษณ์ของการแสดง) กับผู้แต่ง (ผู้สร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดง ดนตรีและเสียงประกอบ) นักออกแบบท่าเต้น (ผู้สร้างการแสดงออกของพลาสติกในการแสดง) และคนอื่น ๆ. ผู้กำกับ-ผู้อำนวยการ ครู และนักการศึกษาของนักแสดง
ทุกสิ่งที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนบทละคร นักแสดง ศิลปิน นักแต่งเพลง ล้วนอยู่ในกรอบที่เคร่งครัดตามเจตนารมณ์ของผู้กำกับ ซึ่งให้ความสมบูรณ์และครบถ้วนแก่องค์ประกอบที่ต่างกัน
