การพัฒนาการคิดเชิงเปรียบเทียบในนักดนตรี การวิจัยขั้นพื้นฐาน ดนตรีและทัศนศิลป์

MBUDO Vyazemskaya Children's Art School ตั้งชื่อตาม A.S. Dargomyzhsky

งานระเบียบวิธี

ในหัวข้อ: "การพัฒนาความคิดเชิงเปรียบเทียบทางดนตรี"

จัดทำโดยอาจารย์

ตั้งชื่อตาม A.S. Dargomyzhsky

Kurnosova E. A.

2016

1. ทำอย่างไรให้น่าสนใจ ดึงดูดใจเด็กด้วยเสียงเพลง

2. การเชื่อมโยงโลกแห่งศิลปะกับโลกส่วนตัวของเด็ก

3. ความรู้ทางดนตรี

4. ดนตรีและวรรณคดี.

5. ดนตรีและทัศนศิลป์

6. บทสรุป

7. วรรณกรรม

น่าสนใจอย่างไร สะกดใจเด็กด้วยเสียงเพลง

เป้าหมายหลักของการศึกษาประถมศึกษาด้านดนตรีสมัยใหม่คือการศึกษาด้านศีลธรรมและความงามและการพัฒนาบุคลิกภาพของเด็ก การฝึกอบรมทุกรูปแบบกับเขาควรมุ่งเป้าไปที่การพัฒนาทางจิตวิญญาณของเขา และเหนือสิ่งอื่นใด ให้การศึกษาเขาในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ มันเป็นอายุของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าซึ่งการรับรู้ทางอารมณ์และทางประสาทสัมผัสของความเป็นจริงมีชัยซึ่งเป็นสิ่งที่ดีที่สุดในการศึกษาด้านศีลธรรมและความงาม

การสอนดนตรีเบื้องต้นให้กับเด็กๆ มีวัตถุประสงค์เพื่อพัฒนาข้อมูลดนตรีของเด็ก ในเวลานี้ความสำเร็จของการศึกษาต่อถูกกำหนดไว้ล่วงหน้า ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับความต้องการและความสนใจของเด็กในชั้นเรียน หากเราวิเคราะห์เส้นทางของการพัฒนาข้อมูลดนตรีในเด็ก เราจะเชื่อว่าความสนใจในเสียงนั้นอยู่ที่พื้นฐาน แต่ดอกเบี้ยไม่ได้เกิดจากการผสมผสานของเสียงโดยพลการใดๆ การรวมกันนี้ควรทำให้เกิดประสบการณ์ทางอารมณ์หรือการแสดงโดยนัยที่สร้างอารมณ์เฉพาะในเด็ก การหาโทนเสียงที่เหมาะสม การสร้างบรรยากาศที่เหมาะสมคือกุญแจสู่บทเรียนที่ประสบความสำเร็จ พูดคุยและให้เหตุผลกับนักเรียนอย่างเท่าเทียมกัน แต่อย่าลืมว่าเด็กมีความคิดเห็นของตนเอง ประสบการณ์ร่วมกันของดนตรีเป็นการติดต่อที่สำคัญที่สุด ซึ่งมักจะเป็นตัวชี้ขาดความสำเร็จ ด้วยการดึงเธรดที่มองไม่เห็นเหล่านี้และสตริงการตอบสนองที่กระตุ้นในตัวนักเรียน เราสร้างเงื่อนไขสำหรับความประทับใจทางดนตรีที่สดใส

การเรียนรู้กับนักเรียนเป็นกระบวนการที่สร้างสรรค์ ทุกสิ่งที่เราต้องการสอนไม่ควรถูกกำหนด แต่ร่วมกันราวกับว่าค้นพบใหม่รวมถึงเด็กที่ทำงานอย่างแข็งขัน - นี่คืองานหลักของวิธีการค้นหาปัญหา

เมื่อใช้วิธีนี้อย่างชำนาญ คุณสามารถทำให้งานพื้นฐานที่น่าสนใจและน่าตื่นเต้นที่สุดได้ บางครั้งเราประเมินความสามารถของเด็กในการคิดและทำความเข้าใจต่ำเกินไป และต้องการเลียนแบบเขา ตกอยู่ในน้ำเสียงดั้งเดิมและเป็นเท็จ เด็กรู้สึกได้ทันที - มันขับไล่พวกเขา และจากนั้นก็ไม่มีประโยชน์ที่จะพยายามกระตุ้นให้เด็กสนใจสิ่งที่คุณเสนอเนื่องจากความสนใจของเขาถูกดูดซับด้วยน้ำเสียงที่ผิดและปิดการรับรู้ถึงสิ่งอื่น

สิ่งสำคัญคือต้องปลูกฝังความมั่นใจในครูในตัวเด็ก จากนี้ไปอำนาจของครูเริ่มต้นขึ้นซึ่งจำเป็นสำหรับการทำงานกับเด็กต่อไป

จากบทเรียนแรกคุณต้องอธิบายให้เด็กฟังว่าดนตรีเป็นภาษา ลองนึกภาพเด็กไปโรงเรียน ไม่รู้ตัวอักษร ไม่รู้ว่าจะเขียนอย่างไร และพวกเขาบอกเขาว่า: "เขียนเรียงความในหัวข้อที่กำหนดภายในพรุ่งนี้" เด็กมีความกลัวในสายตาของเขา - "ฉันทำอะไรไม่ได้เลย" เขามาเรียนดนตรีโดยไม่รู้อะไรเลย และมันก็เริ่มต้นขึ้น - การได้ยิน จังหวะ ความจำ และอื่นๆ อีกมากมาย "สวยงาม" (หมายเหตุ!). และเขาต้องการที่จะเล่นตอนนี้ ที่นี่จำเป็นต้องสร้างเงื่อนไขเพื่อให้เขาต้องการเรียนรู้คำศัพท์เชิงทฤษฎีเพื่อที่เขาต้องการพัฒนาทักษะที่จำเป็นในการใช้เครื่องมือนี้เพื่อให้เขาได้ยินคุณ ท้ายที่สุดการได้ยินคือความสามารถในการได้ยินและเข้าใจ

ในบทเรียนแรก คุณต้องวางเด็กไว้ข้างหลังเครื่องดนตรีอย่างแน่นอน ให้พวกเขาสัมผัสปุ่มและอธิบายว่าปุ่มหีบเพลงหีบเพลงนั้นคล้ายกับร่างกายมนุษย์อย่างไร ขนมีน้ำหนักเบา การเคลื่อนไหวของขนคือการหายใจของบุคคลและเสียงปุ่มของมือขวาเป็นเสียงที่ไพเราะและไพเราะ

วิธีที่เป็นธรรมชาติที่สุดในการแนะนำนักเรียนให้เข้าสู่โลกแห่งภาพทางดนตรีคืออะไร? วิธีแก้ปัญหาที่มีประสิทธิภาพมากที่สุดสำหรับปัญหานี้ขึ้นอยู่กับหลักการของการเข้าเล่นดนตรีอย่างสนุกสนาน ประกอบด้วยการสร้างสถานการณ์ที่ต้องใช้การกลับชาติมาเกิดจากเด็กซึ่งเป็นผลงานแฟนตาซี ตัวอย่างเช่น คุณสามารถเริ่มต้นด้วยละครใบ้ กิจกรรมนี้มีประโยชน์และน่าสนใจสำหรับเด็กทุกวัยโดยเฉพาะผู้ที่มีจินตนาการไม่ดี เนื่องจากดนตรีเป็นศิลปะที่มีจังหวะเป็นสากล จึงเป็นไปไม่ได้ที่จะได้ผลลัพธ์ที่ต้องการนอกภาพ กล่าวคือ เป็นการถ่ายทอดลักษณะของดนตรีที่ตีความ ตั้งแต่วันแรก แบบฝึกหัดและการเล่นที่เกี่ยวข้องกับภาพเฉพาะควรปรากฏในละครของเด็ก การเขียนโปรแกรมและอุปมาอุปไมยที่เป็นรูปธรรมเป็นคุณลักษณะเฉพาะของบทละครเด็ก ปรากฏแม้ในกรณีที่ไม่ได้ระบุโปรแกรมไว้

เพื่อให้เห็นภาพการรับรู้ที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรี คุณสามารถแสดงนิทานดนตรี "Gingerbread Man", "Teremok" ในการแก้ภาพให้เกี่ยวข้องกับเด็ก ใช้ท่วงท่า ท่วงทำนอง การแสดงลีลาที่หลากหลาย ฯลฯ - นักเรียนทำความคุ้นเคยกับแนวคิดของ "โหมด", "มิเตอร์", "จังหวะ", "ระดับเสียง" เพื่อบอกข้อมูลใหม่ๆ ให้กับลูกด้วยการเล่นเครื่องดนตรี ตัวอย่างเช่น แสดง kolobok โดยการเล่น arpeggios ในวิชาเอกและวิชารอง ถามเด็กๆ ว่าชอบขนมปังชิ้นไหนมากที่สุด โดยปกติพวกเขาจะเลือก kolobok ที่สำคัญ กล่าวคือเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์ร่วมกัน ทุกอย่างขึ้นอยู่กับจินตนาการของครู

การทำงานกับภาพศิลปะควรเริ่มจากขั้นตอนแรกของดนตรี เมื่อสอนโน้ตดนตรีให้เด็กเป็นครั้งแรก ครูต้องวาดโครงร่างของทำนองเพลงจากป้ายที่นักเรียนเพิ่งเรียนรู้ ถ้าเป็นไปได้คุ้นเคยแล้ว (สะดวกกว่าที่จะประสานเสียงที่ได้ยินกับสิ่งที่มองเห็นได้ - หูด้วยตา) และสอนให้เขาทำซ้ำทำนองนี้บนเครื่องดนตรี

หากเด็กสามารถทำซ้ำท่วงทำนองใด ๆ ได้แล้ว ก็จำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าการแสดงนี้เป็นการแสดงอารมณ์ เพื่อให้ลักษณะของการแสดงสอดคล้องกับธรรมชาติของท่วงทำนองที่กำหนด ในการทำเช่นนี้ขอแนะนำให้ใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านซึ่งการเริ่มต้นทางอารมณ์และบทกวีนั้นดูสดใสกว่าการแต่งเพลงที่ดีที่สุดสำหรับเด็ก โดยเร็วที่สุด คุณต้องให้เด็กเล่นท่วงทำนองเศร้าอย่างเศร้า ท่วงทำนองร่าเริง - สนุกสนาน ท่วงทำนองเคร่งขรึม - เคร่งขรึม ฯลฯ เขาจะนำความตั้งใจทางศิลปะและดนตรีของเขามาสู่ความชัดเจน

ความเชื่อมโยงของโลกแห่งศิลปะกับโลกส่วนตัวของเด็ก

จำได้แค่ในเพลงที่เข้าใจและรู้สึกได้เท่านั้น ดังนั้นจึงเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะแสดงให้นักเรียนเห็นถึงความเชื่อมโยงระหว่างโลกแห่งศิลปะกับโลกส่วนตัวของเขา โดยแนะนำให้เด็กรู้จักดนตรีจากเนื้อหาที่สำคัญสำหรับเขาเป็นการส่วนตัว

ครูไม่ควรกำหนดให้นักเรียนมีการโต้ตอบของโปรแกรมที่ชัดเจนซึ่งช่วยลดจินตนาการของเด็ก ๆ ความคิดริเริ่มของเด็กตื่นขึ้นอย่างแม่นยำด้วยภาพและการเปรียบเทียบที่เขาพบในการทำงานร่วมกับครู

จะเกิดอะไรขึ้นถ้าเด็กไม่เล่นบทละคร แต่เป็นงานศิลปะที่แท้จริง? ประการแรก สภาวะทางอารมณ์ของเขาจะแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ยกระดับขึ้นเมื่อเทียบกับสิ่งที่เกิดขึ้นเมื่อเรียนรู้การไตร่ตรองแบบแห้ง ประการที่สอง มันจะง่ายกว่ามากที่จะสร้างแรงบันดาลใจให้เขา (เพราะความเข้าใจของเขาเองจะนำไปสู่ข้อเสนอแนะนี้) ด้วยเสียงอะไร จังหวะใด ความแตกต่างอะไร และด้วยเหตุนี้ เทคนิคที่ "ขี้เล่น" จึงจำเป็นต้องทำ ที่ได้รับมอบหมายให้ทำงานให้ชัดเจน มีความหมาย และแสดงออก นั่นคือ เพียงพอกับเนื้อหา งานนี้ซึ่งเป็นผลงานของเด็กในด้านดนตรี ศิลปะ และกวีนิพนธ์ จะอยู่ในรูปของตัวอ่อนซึ่งเป็นงานที่บ่งบอกถึงอาชีพของนักแสดง-ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่

บทบาทสำคัญในการพัฒนาความคิดเชิงดนตรีคือการฟังรายการเพลง ซึ่งรวมถึงระบบคำถามและงานที่ช่วยให้เด็กเปิดเผยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของศิลปะดนตรี อันที่จริงควรเป็นบทสนทนาและให้ตัวเลือกแก่เด็ก ๆ สำหรับการอ่านองค์ประกอบทางดนตรีอย่างสร้างสรรค์ คำถามสามารถแสดงออกได้ผ่านการเปรียบเทียบการประพันธ์ดนตรีระหว่างกัน และโดยการเปรียบเทียบผลงานดนตรีของงานศิลปะประเภทอื่น ทิศทางของคำถามมีความสำคัญ: จำเป็นที่เขาจะดึงความสนใจของเด็กไม่ให้คำนวณวิธีการแสดงออกของแต่ละบุคคล (ดัง, เงียบ, ช้า, เร็ว) แต่เพื่อเปลี่ยนเขาไปสู่โลกภายในของเขายิ่งกว่านั้น ความรู้สึกมีสติและไม่รู้สึกตัว ปฏิกิริยา ความประทับใจที่แสดงออก ในจิตวิญญาณของเขาภายใต้อิทธิพลของดนตรี

เป็นสิ่งสำคัญที่ไม่เพียงแต่จะถามคำถามกับเด็กเท่านั้น แต่ยังต้องฟังคำตอบด้วย ซึ่งมักจะเป็นต้นฉบับและไม่ใช่แบบแผน เพราะไม่มีอะไรจะสมบูรณ์ไปกว่าคำพูดของเด็ก และให้มีบางครั้งที่ไม่สอดคล้องกันและการพูดน้อยในนั้น แต่ในทางกลับกัน มันจะมีความเป็นตัวของตัวเอง สีส่วนบุคคล - นี่คือสิ่งที่ครูควรได้ยินและชื่นชม

เฉพาะเมื่อเด็กรู้สึกและตระหนักถึงธรรมชาติของดนตรี แสดงออกในกิจกรรมสร้างสรรค์ ทักษะและความสามารถที่ได้รับจะเป็นประโยชน์ต่อการพัฒนาดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ขึ้นอยู่กับความประทับใจทางดนตรีที่สดใส การฟังเพลง เด็กมักจะได้ยินไม่เพียงแต่สิ่งที่อยู่ในนั้น สิ่งที่อยู่ในนั้นโดยนักแต่งเพลง (และแน่นอน นักแสดง) แต่ยังรวมถึงสิ่งที่เกิดภายใต้อิทธิพลของมันในจิตวิญญาณของเขา ในใจของเขาด้วย นั่นคือสิ่งที่สร้างจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของตัวเองอยู่แล้ว ดังนั้น งานที่ฟังแล้วทำให้เกิดการหลอมรวมที่ซับซ้อนของเนื้อหาวัตถุประสงค์ของดนตรีและการรับรู้เชิงอัตนัย ความคิดสร้างสรรค์ของผู้ฟังผสมผสานกับความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดง! ตามกฎแล้วจินตนาการของเด็ก ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวัยประถมนั้นสดใสมีชีวิตชีวาและพวกเขาฟัง "ดนตรีประกอบ" อย่างมีความสุข

สำหรับพัฒนาการทางศิลปะและอุปมาอุปไมยของเด็ก การทำงานอันเป็นผลมาจากความคิดสร้างสรรค์ของตนเองนั้นมีค่ามากกว่า จากนั้นเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีทั้งองค์กรและลำดับของโครงสร้างดนตรีจะกลายเป็น "ประสบการณ์" ซึ่งเด็ก ๆ เลือกเอง

น้ำเสียงที่เด็กพบในกระบวนการสร้างสรรค์ไม่ควร "ปรับแต่ง" ให้ใกล้เคียงกับต้นฉบับของผู้เขียนมากที่สุด มันเป็นสิ่งสำคัญที่จะเข้าสู่อารมณ์ในขอบเขตของอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน จากนั้น เมื่อเทียบกับภูมิหลังของสิ่งที่เด็กๆ อาศัยอยู่ ซึ่งสร้างขึ้นด้วยตัวเอง ต้นฉบับของผู้แต่งกลายเป็นหนึ่งในความเป็นไปได้ในการรวบรวมเนื้อหาชีวิตอย่างใดอย่างหนึ่งที่แสดงไว้ในจินตภาพดนตรีนี้

จากตำแหน่งเหล่านี้จำเป็นต้องให้ความสนใจอย่างมากกับคำศัพท์เกี่ยวกับดนตรีมันควรจะสดใสเป็นรูปเป็นร่าง แต่แม่นยำและละเอียดอ่อนอย่างยิ่งเพื่อไม่ให้เด็กตีความงานของเขาอย่างชำนาญ จินตนาการ จินตนาการสร้างสรรค์ของเขาต่อดนตรี ไม่ใช่จากมัน .

ความรู้ทางดนตรี

นอกจากโน้ตดนตรีเบื้องต้นแล้ว ยังมีบางสิ่งที่สำคัญกว่า นั่นคือความรู้ทางดนตรี โดยพื้นฐานแล้ว การรู้หนังสือทางดนตรีคือวัฒนธรรมดนตรี ซึ่งระดับนี้ไม่ได้ขึ้นอยู่กับระดับการดูดซึมของโน้ตดนตรีโดยตรง การรู้หนังสือทางดนตรีคือความสามารถในการรับรู้ดนตรีว่าเป็นศิลปะที่มีชีวิต เป็นศิลปะเชิงเปรียบเทียบ เกิดจากชีวิตและเชื่อมโยงกับชีวิตอย่างแยกไม่ออก นี่คือความสามารถในการกำหนดธรรมชาติของดนตรีด้วยหูและสัมผัสถึงความเชื่อมโยงภายในระหว่างธรรมชาติของดนตรีกับธรรมชาติของการแสดง ศิลปะประเภทใดก็ตามที่คิดอยู่ในภาพ และภาพนั้นเป็นส่วนสำคัญในธรรมชาติทางศิลปะของมัน และในภาพศิลปะใด ๆ เช่นเดียวกับในหยดน้ำ โลกทั้งใบก็สะท้อนออกมา ดนตรีมีกฎของจังหวะ ความกลมกลืน รูปแบบ ฯลฯ ของตัวเอง การเรียนรู้กฎเหล่านี้ นักเรียนมักจะเปลี่ยนจากเรื่องเฉพาะไปหาเรื่องทั่วไป จำเป็นต้องสร้างกระบวนการศึกษาไม่ใช่จากเฉพาะเจาะจงถึงส่วนรวม แต่ในทางกลับกัน จินตภาพมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งต่อความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของเด็กในระยะแรก เมื่อเด็กพัฒนาทักษะพื้นฐานของการแสดง เช่น การนั่ง การวางมือ การผลิตเสียง โดยการเปิดเผยภาพนี้หรือภาพนั้นที่นักเรียนสามารถบรรลุการดำเนินการจังหวะที่ถูกต้องโดยการสัมผัสแป้นพิมพ์ดังนั้นในการสอนเด็กจึงจำเป็นต้องมีสื่อการศึกษาซึ่งงานด้านเทคนิคจะถูกรวมเข้ากับภาพ เครื่องมือดังกล่าวให้ผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมในการได้รับทักษะทางเทคนิคที่จำเป็นสำหรับนักเรียน

สำหรับความรู้เชิงปฏิบัติของนักดนตรีรุ่นเยาว์ในด้านเทคนิค บทบาทของจังหวะ เสียงต่ำ โหมด ฯลฯ ก็ยังเป็นการยากที่จะประเมินค่าความสำคัญของภาพทางศิลปะให้สูงไป ยกตัวอย่างง่ายๆ เช่น "หัวรถจักร" เด็กจะได้รับแนวคิดหลายอย่างพร้อมกัน: ระยะเวลาของโน้ต, หยุดชั่วคราว, ความสัมพันธ์ของพวกเขา เขาคุ้นเคยกับน้ำเสียงที่เป็นภาพในดนตรี ในขณะเดียวกันก็ให้แนวคิดของดนตรีในฐานะศิลปะชั่วคราว ตรงกันข้ามกับศิลปะประเภทอื่นที่ควรวาดเส้นขนานกัน ส่วนที่มีเนื้อหาของโปรแกรมมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการได้ยินแบบเสียงต่ำ อุปมา ความสัมพันธ์ของภาพมีส่วนช่วยในการพัฒนาจินตนาการทางการได้ยิน

หากต้องการเล่นอย่างโจ่งแจ้ง คุณต้องใช้ถ้อยคำให้ถูกต้อง วลีดนตรีสามารถเล่นได้อย่างชัดเจนบนเครื่องดนตรีหากตรงตามเงื่อนไขพื้นฐานอย่างน้อยสามข้อ1. เมื่อนักแสดงตระหนักถึงโครงสร้างของวลี (แบ่งเป็นแรงจูงใจ) การเปลี่ยนแปลง (จุดเริ่มต้น เพิ่มขึ้น จุดสุดยอด การเสื่อม) โดยไม่คำนึงถึงเครื่องมือ 2) เป็นเจ้าของเครื่องมืออย่างเพียงพอที่จะบรรลุถึงเจตนารมณ์ทางศิลปะของเขา 3) รู้วิธีฟังตัวเอง การแสดงของเขา ราวกับว่ามาจากภายนอก และแก้ไขข้อบกพร่องที่สังเกตเห็น ข้อมูลเฉพาะนี้จำเป็นสำหรับนักแสดงทุกคน นักเรียนจะต้องกำหนด (ในตอนแรกด้วยความช่วยเหลือของครู) รูปแบบขององค์ประกอบที่เขากำลังเรียนรู้รู้โทนของการเล่นอย่างแน่นหนาจำนวนและชื่อของสัญญาณที่คีย์ ฯลฯ

ดนตรีและวรรณคดี.

วรรณกรรมและดนตรี คำพูดและดนตรีเป็นจุดเริ่มต้นที่ดีสองประการ สององค์ประกอบของศิลปะ เป็นเวลาหลายศตวรรษที่พวกเขามีปฏิสัมพันธ์กันอย่างต่อเนื่อง มักจะโต้เถียงและต่อสู้กัน มักจะบรรลุข้อตกลงและความเข้าใจซึ่งกันและกัน บางครั้งการปะทะกันและการปรองดองทำให้เกิดผลงานชิ้นเอก - เพลงรักและโอเปร่า ข้อความบทกวีสามารถให้เสียงใหม่แก่ดนตรี เขาเพิ่มคุณค่าด้วยความหมาย เฉดสีของความรู้สึก timbres ที่มีสีสัน ในอดีตอันไกลโพ้น วรรณกรรมและดนตรีประกอบเป็นหนึ่งเดียว

การคิดเชิงจินตนาการของเด็กหรือระดับการพัฒนานั้นส่งผลกระทบอย่างมากต่อความสำเร็จในการสอนดนตรี ท้ายที่สุด รูปภาพมักแสดงอารมณ์ และอารมณ์เป็นเนื้อหาหลักของเพลงแทบทุกประเภท

และสำหรับสิ่งนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ครั้งแรกที่เขาได้ยินภาพเหล่านี้ในเพลง แต่เด็กในวัยที่พวกเขาเริ่มเรียนดนตรียังไม่ได้พัฒนาความคิดเชิงนามธรรม ดังนั้นการฟังเพลงไม่ได้ทำให้พวกเขานึกถึงภาพชุดที่เชื่อมโยงกันซึ่งใกล้เคียงกับที่พวกเขาคุ้นเคยกันดีอยู่แล้วตั้งแต่ช่วงวัยเด็ก

ในเรื่องนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่จะต้องผลักดันให้เด็กสร้างสะพานเชื่อมระหว่างเนื้อหาทางอารมณ์ของเพลงที่เขาเล่นกับภาพ อารมณ์ ความประทับใจที่เขาได้รับจากประสบการณ์ชีวิตและจากการสัมผัสกับศิลปะอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องอย่างมีสติ

วรรณคดีเป็นหนึ่งในศิลปะที่เกี่ยวข้องและใกล้เคียงกับดนตรีมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการท่องวรรณกรรมและกวีนิพนธ์ มีคำศัพท์ในเพลง: "ประโยค", "วลี" นอกจากนี้เรายังใช้แนวคิด: "เครื่องหมายวรรคตอน", "caesuras" แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดในการรวมดนตรีเข้ากับคำพูดที่แสดงออกและนั่นคือหนึ่งในพื้นฐานหลักของการแสดงดนตรีที่แสดงออกถึงอารมณ์คือเสียงสูงต่ำ

ความหมายของงานวรรณกรรมแสดงเป็นคำพูด เด็กจึงเข้าใจเนื้อหาของข้อความได้ง่าย ในดนตรี เนื้อหานี้แสดงออกอย่างเป็นนามธรรมมากขึ้น มันถูกซ่อนอยู่หลังสัญลักษณ์ที่มีเสียง และเพื่อที่จะเข้าใจความหมาย คุณจำเป็นต้องรู้การถอดรหัสของสัญลักษณ์เหล่านี้

น้ำเสียงที่แสดงออกถึงอารมณ์เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักที่สื่อถึงบริบททางอารมณ์ในดนตรี สัญลักษณ์น้ำเสียงเหล่านี้มาจากไหนและเหตุใดจึงเหมือนกันมากหรือน้อยสำหรับทุกคน (ซึ่งทำให้ภาษาดนตรีสากล) เหตุผลก็เพราะว่ามาจากภาษาพูดของเรา แม่นยำกว่า จากน้ำเสียงที่มากับ แสดงออกคำพูด. ดังนั้น เพื่อให้เด็กเรียนรู้ที่จะฟังเสียงสูงต่ำเหล่านี้ในดนตรี เราต้องสอนเขาให้ได้ยินโดยใช้คำพูดธรรมดาของมนุษย์ก่อน

เนื่องจากดนตรีเป็นภาษาของอารมณ์ ดังนั้น คำพูดที่ "เอาน้ำเสียงออก" คัดลอก จึงต้องเป็นอารมณ์ ดังนั้น เพื่อให้การเล่นของนักดนตรีแสดงออก เขาต้องเรียนรู้การบรรยายที่แสดงออกทางอารมณ์

หากเด็กรู้วิธีออกเสียงคำตามอารมณ์ ด้วยน้ำเสียงที่แสดงออก ก็จะง่ายกว่ามากที่จะนำน้ำเสียงนี้ไปใช้กับดนตรี และความหมายของดนตรีจะยิ่งใกล้ชิดและชัดเจนขึ้นมาก

นิทานพื้นบ้านหลายเรื่องรวมถึงการร้องเพลงของตัวละคร (เช่นนิทานพื้นบ้านรัสเซีย "Teremok", "Kolobok", "Cat, Rooster and Fox" เป็นต้น)

ฮีโร่ในเทพนิยายแต่ละคนมีภาพลักษณ์ทางดนตรีของตัวเอง ซึ่งประกอบด้วยจังหวะ ระดับเสียง จังหวะที่กำหนดตัวละครของเขา

ดนตรีและทัศนศิลป์.

เรามักหันไปใช้ทัศนศิลป์ สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อทำงานกับผลิตภัณฑ์ซอฟต์แวร์

การศึกษาโปรแกรมเพลงในพื้นที่กว้างใหญ่เราพบว่าไม่เพียง แต่เพลงและนิทานบทกวีและเพลงบัลลาดเท่านั้นไม่เพียง แต่ชื่อที่ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวรรณกรรมเช่น "Scheherazade" โดย N. Rimsky-Korsakov " Peer Gynt" โดย E. Grieg หรือ "Snowstorm" โดย G. Sviridov ในดนตรีปรากฏว่าภาพวาดไพเราะจิตรกรรมฝาผนังและภาพพิมพ์มีมานานแล้ว ชื่อของผลงานดนตรีสะท้อนให้เห็นถึงภาพที่สร้างแรงบันดาลใจ - "ป่า" และ "ทะเล", "เมฆ" และ "หมอก" เช่นเดียวกับ "Bogatyr Gates ใน Kyiv", "Old Castle", "Roman Fountains"

ดนตรีกับทัศนศิลป์เชื่อมโยงกันอย่างไร? ประการแรก - ไดนามิก การกระจายของระดับเสียง ระดับเหล่านี้ได้รับชื่อของเฉดสีหรือความแตกต่างในดนตรี - และนี่คือคำจำกัดความจากสาขาการวาดภาพ! ความเปรียบต่างของสีในการวาดภาพเปรียบได้กับความเปรียบต่างของโหมดหลักและโหมดรองในดนตรี ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ ความเปรียบต่างของรีจิสเตอร์ทำให้เกิดเสียงที่เข้มขึ้นและเบาลง

ธรรมชาติในงานศิลปะนั้นสร้างจิตวิญญาณขึ้นมา มันเป็นเรื่องที่น่าเศร้าและสนุกสนาน ครุ่นคิด และน่าเกรงขาม เธอคือสิ่งที่คนเห็นเธอ ธีมของธรรมชาติดึงดูดนักดนตรีมาช้านาน ธรรมชาติให้เสียงดนตรีและเสียงทุ้มที่ได้ยินในการร้องเพลงของนก เสียงพึมพำของลำธาร ในเสียงพายุฝนฟ้าคะนอง

ภูมิทัศน์ในดนตรีสามารถเปรียบได้กับภูมิทัศน์ในงานศิลปะ - ความหลากหลายของภาพธรรมชาติที่ผู้แต่งหันไปหา

ไม่เพียงแต่ฤดูกาล แต่ยังรวมถึงช่วงเวลาของวันด้วย ฝนและหิมะ องค์ประกอบของป่าและทะเล ทุ่งหญ้าและทุ่งนา โลกและท้องฟ้า ทุกสิ่งล้วนแสดงออกถึงเสียงของมัน ซึ่งบางครั้งก็น่าทึ่งอย่างแท้จริงด้วยความแม่นยำของภาพและพลังของผลกระทบต่อผู้ฟัง .

การทำงานกับนักเรียนในโครงการ เราหันไปใช้การรับรู้ทางสายตาของภาพที่กำลังดำเนินการ

บทสรุป.

ครู-นักดนตรีทุกคนต้องเผชิญกับงานที่ยาก: เพื่อพัฒนาทักษะการเล่นคุณภาพสูงและความสมบูรณ์ของศูนย์รวมของแนวคิดทางศิลปะของนักเรียน กุญแจดอกหนึ่งที่นำไปสู่ความสมบูรณ์ของการสอนคือการติดต่ออย่างใกล้ชิดระหว่างครูกับนักเรียน ความเข้าใจซึ่งกันและกันของพวกเขาขึ้นอยู่กับความสนใจเชิงสร้างสรรค์ในความรู้ด้านดนตรี ความสนใจควรได้รับการดูแลอย่างต่อเนื่องโดยการขยายรายการเพลงเพื่อการศึกษาและการสอน ด้วยผลงานที่ซับซ้อนมากขึ้นในแง่ของประเภท โวหาร และเนื้อสัมผัส การวิเคราะห์วิธีการศึกษาผลงานและการสอนอย่างละเอียดถี่ถ้วนเผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของการพัฒนาโดยนักเรียน

วรรณกรรม:

1. Alekseev A. วิธีการสอนเล่นเปียโน ดนตรี, ม. 1991

2. Kryukova V. การสอนดนตรี มิวสิค, ม., 1989

3. Feinberg S. Pianism เป็นศิลปะ ฟีนิกซ์. 2546.

4. A. Soboleva, A. Potanina "วางดนตรีในบ้าน" มอสโก 2548

ในทางจิตวิทยา มีการกำหนดตำแหน่งว่าการคิดเชิงศิลปะคือการคิดในภาพตามแนวคิดเฉพาะ ในจิตวิทยาดนตรีสมัยใหม่ ภาพลักษณ์ทางศิลปะของงานดนตรีถือเป็นความสามัคคีของหลักการสามประการ - วัสดุ จิตวิญญาณ และตรรกะ

พื้นฐานของวัสดุของงานดนตรีปรากฏในรูปแบบของลักษณะทางเสียงของเรื่องเสียง ซึ่งสามารถวิเคราะห์ในแง่ของพารามิเตอร์ต่างๆ เช่น ท่วงทำนอง ความกลมกลืน จังหวะของมิเตอร์ ไดนามิก เสียงต่ำ รีจิสเตอร์ พื้นผิว แต่ลักษณะภายนอกทั้งหมดเหล่านี้ของงานไม่สามารถก่อให้เกิดปรากฏการณ์ของภาพศิลปะได้ด้วยตัวเอง ภาพดังกล่าวสามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในจิตใจของผู้ฟังและนักแสดงเท่านั้น เมื่อเขาเชื่อมโยงจินตนาการของเขาและความตั้งใจกับพารามิเตอร์ทางเสียงเหล่านี้ของงาน ระบายสีผ้าที่มีเสียงด้วยความช่วยเหลือจากความรู้สึกและอารมณ์ของเขาเอง ดังนั้นข้อความดนตรีและพารามิเตอร์ทางเสียงของงานดนตรีจึงเป็นพื้นฐานของเนื้อหา พื้นฐานทางวัตถุของงานดนตรี ผ้าดนตรีถูกสร้างขึ้นตามกฎของตรรกะทางดนตรี วิธีการหลักของการแสดงออกทางดนตรี - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, เมโทรริท, ไดนามิก, พื้นผิว - เป็นวิธีการเชื่อมต่อ, การทำให้โทนเสียงดนตรีโดยทั่วไปซึ่งในดนตรีตามคำจำกัดความของ B.V. Asafiev เป็นพาหะหลักของการแสดงออกของความหมาย

พื้นฐานทางจิตวิญญาณคือ อารมณ์ ความสัมพันธ์ นิมิตเชิงเปรียบเทียบต่างๆ ที่สร้างภาพลักษณ์ทางดนตรี

พื้นฐานทางตรรกะคือการจัดระเบียบอย่างเป็นทางการของงานดนตรี จากมุมมองของโครงสร้างฮาร์มอนิกและลำดับของชิ้นส่วน ซึ่งเป็นองค์ประกอบเชิงตรรกะของภาพดนตรี น้ำเสียงที่อยู่ภายใต้กฎแห่งการคิดทางดนตรี กลายเป็นหมวดสุนทรียะในงานดนตรีที่รวมเอาหลักการทางอารมณ์และเหตุผลเข้าไว้ด้วยกัน ประสบการณ์ของสาระสำคัญที่แสดงออกของภาพศิลปะดนตรี ความเข้าใจในหลักการของการสร้างวัสดุของผ้าเสียง ความสามารถในการรวบรวมความสามัคคีนี้ในการกระทำของความคิดสร้างสรรค์ - การแต่งหรือตีความดนตรี - นี่คือสิ่งที่ความคิดทางดนตรีกำลังดำเนินการอยู่

เมื่อมีความเข้าใจในหลักการเหล่านี้ทั้งหมดของภาพทางดนตรีในจิตใจของทั้งผู้แต่ง ผู้แสดง และผู้ฟัง เราจะพูดถึงการมีอยู่ของความคิดทางดนตรีอย่างแท้จริงเท่านั้น

นอกจากการปรากฏตัวในภาพดนตรีของหลักการสามข้อที่กล่าวถึงข้างต้นแล้ว - ความรู้สึก สสารเสียง และการจัดระเบียบเชิงตรรกะ - มีองค์ประกอบที่สำคัญอีกประการของภาพดนตรี - เจตจำนงของนักแสดงที่เชื่อมโยงความรู้สึกของเขากับชั้นอะคูสติกของ ผลงานดนตรีและถ่ายทอดให้ผู้ฟังได้สัมผัสถึงความสมบูรณ์แบบของเสียงที่สมบูรณ์แบบที่สุด มันเกิดขึ้นที่นักดนตรีรู้สึกและเข้าใจเนื้อหาของเพลงอย่างละเอียด แต่ในการแสดงของเขาเองด้วยเหตุผลหลายประการ (ขาดความพร้อมทางเทคนิค, ความตื่นเต้น ... ) การแสดงที่แท้จริงนั้นมีคุณค่าทางศิลปะเพียงเล็กน้อย . และมันเป็นกระบวนการโดยสมัครใจที่รับผิดชอบในการเอาชนะความยากลำบากในการบรรลุเป้าหมายซึ่งกลายเป็นปัจจัยชี้ขาดในการดำเนินการตามสิ่งที่คิดและมีประสบการณ์ในกระบวนการเตรียมการที่บ้าน

สำหรับการพัฒนาและการพัฒนาตนเองของนักดนตรี ตามสิ่งที่ได้กล่าวไปแล้ว เป็นสิ่งสำคัญมากที่จะต้องเข้าใจและจัดระเบียบทุกด้านของกระบวนการสร้างสรรค์ทางดนตรีอย่างเหมาะสม ตั้งแต่แนวคิดไปจนถึงการเรียบเรียงที่เป็นรูปธรรมในองค์ประกอบหรือการแสดง ดังนั้นความคิดของนักดนตรีจึงเน้นไปที่กิจกรรมต่อไปนี้เป็นหลัก:

• - การคิดผ่านโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน - ความสัมพันธ์ที่เป็นไปได้ อารมณ์และความคิดเบื้องหลังพวกเขา
• - คิดเกี่ยวกับวัสดุของงาน - ตรรกะของการพัฒนาความคิดในการสร้างฮาร์มอนิก, คุณสมบัติของท่วงทำนอง, จังหวะ, เนื้อสัมผัส, ไดนามิก, agogics, การสร้าง
• - ค้นหาวิธีการ วิธีการ และวิธีการที่สมบูรณ์แบบที่สุดในการแปลความคิดและความรู้สึกบนเครื่องดนตรีหรือบนกระดาษเพลง

“ ฉันประสบความสำเร็จในสิ่งที่ฉันต้องการ” - นี่คือจุดสุดท้ายของการคิดทางดนตรีในกระบวนการแสดงและแต่งเพลง” G.G. Neuhaus กล่าว

ความขยันหมั่นเพียรอย่างมืออาชีพ ในการศึกษาดนตรีสมัยใหม่มักมีการฝึกความสามารถในการเล่นอย่างมืออาชีพของนักเรียนซึ่งการเติมเต็มความรู้ในลักษณะทางทฤษฎีนั้นช้า ความขาดแคลนความรู้ด้านดนตรีของนักดนตรีทำให้สามารถพูดถึง "ความเป็นมืออาชีพ" ที่ฉาวโฉ่ของนักดนตรีบรรเลงที่ไม่รู้อะไรเลยที่อยู่นอกเหนือวงแคบของความเชี่ยวชาญโดยตรงของพวกเขา ความจำเป็นในการเรียนรู้ผลงานหลายๆ อย่างในปีการศึกษาตามโปรแกรมที่กำหนด ทำให้ไม่ต้องเสียเวลาสำหรับกิจกรรมประเภทต่าง ๆ ที่จำเป็นสำหรับนักดนตรี เช่น การคัดเลือกโดยการใช้หู การเคลื่อนย้าย การอ่านด้วยสายตา การเล่นเป็นหมู่คณะ

จากที่กล่าวมาข้างต้น สามารถระบุสถานการณ์จำนวนหนึ่งที่ขัดขวางการพัฒนาความคิดทางดนตรีในกระบวนการศึกษา:

• 1. นักเรียนการแสดงดนตรีในการฝึกฝนประจำวันของพวกเขาต้องรับมือกับผลงานจำนวนจำกัด ฝึกฝนทักษะทางการศึกษาและการสอนขั้นต่ำ
• 2. บทเรียนในชั้นเรียนการแสดงซึ่งกลายเป็นการฝึกทักษะการเล่นแบบมืออาชีพนั้นมักจะหมดลงในเนื้อหา - การเติมเต็มความรู้ในลักษณะเชิงทฤษฎีและลักษณะทั่วไปเกิดขึ้นช้าและไม่ได้ผลในหมู่นักเรียนที่ใช้เครื่องมือ ด้านความรู้ความเข้าใจของการเรียนรู้คือ ต่ำ.
• 3. การสอนในหลายกรณีมีลักษณะเป็นเผด็จการอย่างชัดเจน โดยชี้นำนักเรียนให้ปฏิบัติตามแบบจำลองการตีความที่กำหนดโดยครู โดยไม่พัฒนาความเป็นอิสระ กิจกรรม และความคิดสร้างสรรค์ที่เพียงพอ
• 4. ทักษะและความสามารถที่เกิดขึ้นในกระบวนการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีนั้นถูกจำกัด กว้างไม่เพียงพอและเป็นสากล (นักเรียนแสดงให้เห็นว่าไม่สามารถก้าวข้ามวงแคบของบทละครที่ทำร่วมกับครูในกิจกรรมการเล่นเชิงปฏิบัติ)

การขยายขอบเขตทางดนตรีและความรู้ทางปัญญาทั่วไปควรเป็นปัญหาอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีรุ่นใหม่ เพราะสิ่งนี้จะช่วยเพิ่มความสามารถทางวิชาชีพของเขา

เพื่อพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการรับรู้ดนตรี ขอแนะนำ:

• - เพื่อระบุธัญพืชที่เป็นส่วนประกอบหลักในการทำงาน
• - กำหนดทิศทางโวหารของงานดนตรีด้วยหู
• - เพื่อระบุคุณลักษณะของสไตล์การแสดงเมื่อนักดนตรีต่างตีความงานเดียวกัน
• - ระบุลำดับฮาร์มอนิกด้วยหู
• - เพื่อคัดเลือกงานวรรณกรรมและจิตรกรรมสำหรับองค์ประกอบทางดนตรีตามโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง

ในการพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการดำเนินการ คุณควร:

• - เพื่อเปรียบเทียบแผนการแสดงผลงานดนตรีในรุ่นต่างๆ
• - เพื่อค้นหาน้ำเสียงและฐานที่มั่นชั้นนำในบทเพลงซึ่งพัฒนาความคิดทางดนตรี
• - จัดทำแผนการแสดงหลายรายการสำหรับเพลงชิ้นเดียวกัน
• - ดำเนินการกับออร์เคสตร้าจินตภาพต่างๆ

ขึ้นอยู่กับประเภทของกิจกรรมเฉพาะในการคิดทางดนตรี การเริ่มต้นที่เป็นรูปเป็นร่างสามารถเหนือกว่าได้ ซึ่งเราสามารถสังเกตได้เมื่อรับรู้ดนตรีหรือกิจกรรมที่มองเห็นได้ เมื่อมันเกิดขึ้นในขณะที่เล่นเครื่องดนตรีหรือนามธรรม- เช่นเดียวกับประสบการณ์ชีวิตของผู้ฟัง

ในกิจกรรมทั้งหมดเหล่านี้ - การสร้างดนตรี, การแสดง, การรับรู้ - จำเป็นต้องมีภาพแห่งจินตนาการโดยปราศจากงานที่ไม่มีกิจกรรมทางดนตรีที่เต็มเปี่ยม เมื่อสร้างผลงานเพลง ผู้แต่งจะทำงานด้วยเสียงในจินตนาการ คิดผ่านตรรกะของการใช้งาน เลือกเสียงสูงต่ำที่ถ่ายทอดความรู้สึกและความคิดได้ดีที่สุดในขณะที่สร้างดนตรี เมื่อนักแสดงเริ่มทำงานกับข้อความที่ผู้แต่งให้ไว้ วิธีการหลักในการถ่ายทอดภาพดนตรีคือทักษะทางเทคนิคของเขา ด้วยความช่วยเหลือซึ่งเขาพบจังหวะที่จำเป็น จังหวะ พลวัต อะโกจิกส์ เสียงต่ำ ความสำเร็จของการแสดงมักจะเกี่ยวข้องกับความรู้สึกของนักแสดงและเข้าใจภาพลักษณ์ของเพลงนั้นๆ ได้ดีเพียงใด ผู้ฟังจะสามารถเข้าใจสิ่งที่ผู้แต่งและนักแสดงต้องการแสดง หากในการแสดงภายในของเขา เสียงเพลงสามารถกระตุ้นสถานการณ์ในชีวิต ภาพ และความสัมพันธ์ที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณของงานดนตรี บ่อยครั้งผู้ที่มีประสบการณ์ชีวิตที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น ผู้มีประสบการณ์และเห็นมามาก แม้จะไม่มีประสบการณ์ทางดนตรีเป็นพิเศษ ตอบสนองต่อดนตรีได้ลึกซึ้งกว่าผู้ฝึกดนตรีแต่ผู้มีประสบการณ์เพียงเล็กน้อย

การเชื่อมโยงจินตนาการทางดนตรีกับประสบการณ์ชีวิตของผู้ฟัง

ขึ้นอยู่กับประสบการณ์ชีวิตของพวกเขา คนสองคนที่ฟังเพลงชิ้นเดียวกันสามารถเข้าใจและประเมินมันในรูปแบบที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง เห็นภาพที่แตกต่างกันในนั้น คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้ของการรับรู้ของดนตรี การแสดง และการสร้างสรรค์นั้นเกิดจากจินตนาการ ซึ่งเหมือนกับลายนิ้วมือที่ไม่เคยเหมือนกันแม้แต่กับคนสองคน กิจกรรมของจินตนาการทางดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดที่สุดกับการแสดงแทนดนตรีและการได้ยิน เช่น ความสามารถในการฟังเพลงโดยไม่ต้องพึ่งเสียงจริง การแสดงแทนเหล่านี้พัฒนาบนพื้นฐานของการรับรู้ของดนตรี ซึ่งทำให้หูมีความรู้สึกสดของเสียงเพลงโดยตรง อย่างไรก็ตาม กิจกรรมของจินตนาการทางดนตรีไม่ควรจบลงที่การทำงานของหูชั้นใน B.M. Teplov ชี้ให้เห็นอย่างถูกต้อง โดยกล่าวว่าการแสดงแทนการได้ยินแทบจะไม่เคยเป็นการได้ยินเลย และต้องรวมถึงภาพ การเคลื่อนไหว และช่วงเวลาอื่นๆ

แทบไม่มีความจำเป็นเลยที่จะต้องพยายามแปลภาษาของภาพดนตรีให้เป็นความหมายเชิงแนวคิดที่แสดงออกมาเป็นคำพูดโดยสมบูรณ์ คำกล่าวของ PI Tchaikovsky เกี่ยวกับ Symphony ที่สี่ของเขาเป็นที่ทราบกันดีว่า "A symphony" P.I. Tchaikovsky เชื่อ "ควรแสดงสิ่งที่ไม่มีคำพูด แต่สิ่งที่ขอจากจิตวิญญาณและสิ่งที่ต้องการแสดง" อย่างไรก็ตาม การศึกษาสถานการณ์ที่นักแต่งเพลงสร้างผลงาน โลกทัศน์ของเขาเอง และโลกทัศน์ของยุคที่เขาอาศัยอยู่ มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของแนวความคิดทางศิลปะในการแสดงผลงานดนตรี เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าซอฟต์แวร์ใช้งานได้เช่น ที่ผู้แต่งให้ชื่อหรือที่นำหน้าด้วยคำอธิบายของผู้เขียนพิเศษจะกลายเป็นที่เข้าใจได้ง่ายขึ้น ในกรณีนี้ นักแต่งเพลงจะร่างทิศทางที่จินตนาการของนักแสดงและผู้ฟังจะเคลื่อนไหวเมื่อพวกเขาคุ้นเคยกับดนตรีของเขา

ที่โรงเรียนไอ.พี. Pavlova แบ่งผู้คนออกเป็นประเภทศิลปะและจิตใจขึ้นอยู่กับว่าระบบสัญญาณใดที่บุคคลต้องพึ่งพาในกิจกรรมของเขา เมื่ออาศัยระบบสัญญาณแรกซึ่งทำงานด้วยแนวคิดเฉพาะเป็นหลัก ในขณะที่กล่าวถึงความรู้สึกโดยตรงนั้น เราพูดถึงประเภทศิลปะ เมื่ออาศัยระบบสัญญาณที่สองที่ควบคุมพฤติกรรมด้วยความช่วยเหลือของคำพูด คนหนึ่งพูดถึงประเภทจิต

เมื่อทำงานกับเด็กประเภทศิลปะ ครูไม่จำเป็นต้องใช้คำพูดมากเพราะในกรณีนี้นักเรียนจะเข้าใจเนื้อหาของงานโดยสัญชาตญาณโดยเน้นที่ธรรมชาติของท่วงทำนองความกลมกลืนจังหวะและวิธีการอื่น ๆ ของการแสดงออกทางดนตรี เป็นเรื่องเกี่ยวกับนักเรียนที่ G.G. Neuhaus กล่าวว่าพวกเขาไม่ต้องการคำอธิบายเพิ่มเติมด้วยวาจา

เมื่อทำงานกับนักเรียนประเภทการคิด แรงผลักดันภายนอกจากครูกลายเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับความเข้าใจในงานดนตรีของพวกเขา ซึ่งด้วยความช่วยเหลือของการเปรียบเทียบต่างๆ อุปมา ความสัมพันธ์เชิงเปรียบเทียบ กระตุ้นจินตนาการของนักเรียนและกระตุ้น ในตัวเขา ประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ใกล้เคียงกับโครงสร้างทางอารมณ์ของงานที่กำลังศึกษาอยู่ .

เด็กหรือระดับการพัฒนาของเขาส่งผลกระทบอย่างมากต่อความสำเร็จในการสอนดนตรี ท้ายที่สุด รูปภาพมักแสดงอารมณ์ และอารมณ์เป็นเนื้อหาหลักของเพลงแทบทุกประเภท

น่าเสียดายที่เกมของเด็กไม่ค่อยน่าสนใจในแง่ของอารมณ์และการเปรียบเทียบ โดยส่วนใหญ่คุณจะได้ยินเสียงที่แหบแห้งและเป็นวิชาการ ถ้านี่เป็นเสียงที่ผู้แต่งตั้งใจไว้ จะดียิ่งขึ้นไปอีกหากมีการคำนวณระยะเวลาของบันทึกย่ออย่างถูกต้อง

และถ้าจังหวะนั้นใกล้เคียงกับปัจจุบัน คุณยังต้องการอะไรอีก? งานทั้งหมดจะได้รับการแก้ไข นั่นเป็นเพียงการฟังเกมดังกล่าวที่น่าเบื่ออย่างไม่น่าเชื่อ บางครั้งคุณคิดว่า: “จะดีกว่าถ้ามีบางอย่างผิดปกติ แต่มีปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่มีชีวิตชีวา”

แต่เพื่อให้ปฏิกิริยานี้ปรากฏขึ้น เด็กต้องการความสนใจอย่างจริงใจมากในสิ่งที่เขาทำที่เปียโน ในเรื่องนี้ ภารกิจหลักคือการบรรลุปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่สดใสต่อดนตรี ปฏิกิริยาดังกล่าวที่เด็กเพียงแค่ "ระเบิด" ด้วยความกระวนกระวายใจที่จะบอกด้วยเสียงเกี่ยวกับภาพที่สดใสทั้งหมดที่อยู่ในเพลง

และสำหรับสิ่งนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่ครั้งแรกที่เขาได้ยินภาพเหล่านี้ในเพลง แต่เด็กในวัยที่พวกเขาเริ่มเรียนดนตรียังไม่ได้พัฒนาความคิดเชิงนามธรรม ดังนั้นการฟังเพลงไม่ได้ทำให้พวกเขานึกถึงภาพชุดที่เชื่อมโยงกันซึ่งใกล้เคียงกับที่พวกเขาคุ้นเคยกันดีอยู่แล้วตั้งแต่ช่วงวัยเด็ก

ในเรื่องนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งที่จะต้องผลักดันให้เด็กสร้างสะพานเชื่อมระหว่างเนื้อหาทางอารมณ์ของเพลงที่เขาเล่นกับภาพ อารมณ์ ความประทับใจที่เขาได้รับจากประสบการณ์ชีวิตและจากการสัมผัสกับศิลปะอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องอย่างมีสติ

วรรณคดีเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะที่เกี่ยวข้องและใกล้เคียงกับดนตรีมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการท่องวรรณกรรมและกวีนิพนธ์

มีคำศัพท์ในเพลง: "ประโยค", "วลี" นอกจากนี้เรายังใช้แนวคิด: "เครื่องหมายวรรคตอน", "caesuras" แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดในการรวมดนตรีเข้ากับคำพูดที่แสดงออกและนั่นคือหนึ่งในพื้นฐานหลักของการแสดงดนตรีที่แสดงออกถึงอารมณ์คือเสียงสูงต่ำ

ความหมายของงานวรรณกรรมแสดงเป็นคำพูด เด็กจึงเข้าใจเนื้อหาของข้อความได้ง่าย ในดนตรี เนื้อหานี้แสดงออกอย่างเป็นนามธรรมมากขึ้น มันถูกซ่อนอยู่หลังสัญลักษณ์ที่มีเสียง และเพื่อที่จะเข้าใจความหมาย คุณจำเป็นต้องรู้การถอดรหัสของสัญลักษณ์เหล่านี้

น้ำเสียงที่แสดงออกถึงอารมณ์เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักที่สื่อถึงบริบททางอารมณ์ในดนตรี สัญลักษณ์น้ำเสียงเหล่านี้มาจากไหนและเหตุใดจึงเหมือนกันมากหรือน้อยสำหรับทุกคน (ซึ่งทำให้ภาษาดนตรีสากล)

เหตุผลก็เพราะว่ามาจากภาษาพูดของเรา แม่นยำกว่า จากน้ำเสียงที่มากับ แสดงออกคำพูด. ดังนั้น เพื่อให้เด็กเรียนรู้ที่จะฟังเสียงสูงต่ำเหล่านี้ในดนตรี เราต้องสอนเขาให้ได้ยินโดยใช้คำพูดธรรมดาของมนุษย์ก่อน

เนื่องจากดนตรีเป็นภาษาของอารมณ์ ดังนั้น คำพูดที่ "เอาน้ำเสียงออก" คัดลอก จึงต้องเป็นอารมณ์ ดังนั้น เพื่อให้การเล่นของนักดนตรีแสดงออก เขาต้องเรียนรู้การบรรยายที่แสดงออกทางอารมณ์

แน่นอนที่โรงเรียนขอให้ทุกคนจดจำบทกวีมีงานสำหรับการอ่านข้อความร้อยแก้วที่แสดงออก แต่ครูจะพยายามหรือไม่? แม่นยำกว่านี้เขาจะสามารถใช้ทักษะนี้กับเด็กแต่ละคนได้หรือไม่? ท้ายที่สุด อาจต้องใช้เวลามากในการแก้ไขน้ำเสียงที่ไม่ถูกต้อง “ผิด” หรือแม้แต่เพียงแค่น้ำเสียงที่โศกเศร้า

ไม่มีใครจะรบกวนเด็กแต่ละคนเมื่อมีเด็กมากกว่าหนึ่งโหลในชั้นเรียน ทำได้เฉพาะคุณแม่ที่สนใจให้ลูกได้รับการศึกษาที่ดีและ

ในกรณีนี้ เรากำลังพูดถึง "เท่านั้น" เกี่ยวกับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ซึ่งจำเป็นสำหรับกิจกรรมของมนุษย์ทุกประเภทและหายากมาก (อย่างแม่นยำเพราะไม่ได้รับการพัฒนาในวัยเด็ก)!

และในขณะเดียวกันศิลปะและความคล่องแคล่วในการพูดก็พัฒนาขึ้น - คุณสมบัติที่จำเป็นสำหรับการปรับตัวในสังคมใด ๆ ! แต่นี่เป็นเพียงถ้าคุณไม่เรียนรู้ข้อความกับลูกของคุณ แต่สอนน้ำเสียงที่แสดงออกถึงเขา

และครูสอนดนตรีจะพบว่าจะทำอย่างไรกับทักษะนี้ในบทเรียน ในชั้นประถมศึกษา บทย่อยทางวาจา ("ข้อความย่อย") ถูกประดิษฐ์ขึ้นสำหรับแต่ละทำนอง

หากเด็กรู้วิธีออกเสียงคำตามอารมณ์ ด้วยน้ำเสียงที่แสดงออก ก็จะง่ายกว่ามากที่จะนำน้ำเสียงนี้ไปใช้กับดนตรี และความหมายของดนตรีจะยิ่งใกล้ชิดและชัดเจนขึ้นมาก

การคิดเชิงดนตรีเป็นรูปเป็นร่างเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการรับรู้หรือการทำซ้ำเนื้อหาทางศิลปะของงานดนตรี โดดเด่นด้วยความจริงที่ว่ามันขึ้นอยู่กับวัสดุที่เป็นรูปเป็นร่าง ภาพดนตรีเป็นลำดับเสียงที่มีความหมายในระดับชาติ โดยมีเนื้อหาเป็นความรู้สึก อารมณ์ และประสบการณ์ของบุคคล
เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าเนื้อหาทางศิลปะของงานดนตรีนั้นแสดงออกผ่านท่วงทำนอง จังหวะ จังหวะ พลวัต ฯลฯ ซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นภาษาเฉพาะของดนตรี การพัฒนาการคิดเชิงเปรียบเทียบทางดนตรีจึงสันนิษฐานว่า ประการแรก ความเข้าใจในภาษาของดนตรีและการตระหนักรู้ในข้อเท็จจริงที่ว่าดนตรีไม่ได้พรรณนาถึงโลกที่มองเห็นได้ แต่เป็นการแสดงถึงทัศนคติทางความรู้สึกของบุคคลเป็นหลัก โลกนี้. และอุปมาอุปมัยถูกจำกัดด้วยการสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ (เช่น เสียงนกร้อง) ความเชื่อมโยงระหว่างประสาทสัมผัสทางหูและการมองเห็น การสัมพันธ์กัน (เสียงนกร้องเป็นภาพของป่า เสียงสูงเป็นแสง เบา บาง เสียงต่ำมืด หนัก และหนา) .

ลักษณะเฉพาะของดนตรีคือไม่มีการสร้างภาพข้อมูลตามวัตถุประสงค์ ความรู้สึกเดียวกันและด้วยเหตุนี้น้ำเสียงของการแสดงออกจึงอาจเกิดจากสถานการณ์ ปรากฏการณ์ หรือวัตถุที่แตกต่างกัน ดังนั้นการรับรู้ภาพดนตรีจึงทำให้เกิดปัญหาบางอย่าง ดังนั้น วิธีหลักวิธีหนึ่งในการพัฒนาความเข้าใจเกี่ยวกับความหมายที่สื่อถึงความหมายโดยนัยของดนตรีคือวิธีการทำให้ภาพเป็นชิ้นเป็นชิ้นโดยการวิเคราะห์ลูกโซ่ที่ต่อเนื่องกัน: การแสดงภาพที่เป็นรูปธรรม (เช่น ฉากเต้นรำ) ความรู้สึกที่เกิดจากภาพวัตถุประสงค์นี้ , หมายถึงการแสดงดนตรีของความรู้สึกเหล่านี้.

เนื้อหาของการแสดงที่เป็นรูปเป็นร่างทางดนตรีได้รับแจ้งก่อนอื่นตามประเภทของการเล่นรูปแบบชื่อเพลง - โดยข้อความ ฯลฯ และวิธีการในการแสดงออกมักจะถูกกำหนดโดยผู้เขียน งานดนตรี ดังนั้น คำถามทั้งหมดคือการค้นหากับนักเรียนว่าภาพวัตถุที่นำเสนอกระตุ้นความรู้สึกอย่างไร และเพื่อบอกให้เขาทราบว่าความรู้สึกที่ปรากฏนั้นสะท้อนให้เห็นในดนตรีชิ้นนี้อย่างไร
ในกระบวนการวิเคราะห์ห่วงโซ่นี้ จำเป็นต้องหลีกเลี่ยงการคิดมากเกินไปของนักเรียนด้วยรายละเอียดที่มากเกินไปของภาพวัตถุประสงค์และพยายามให้มีลักษณะทั่วไปน้อยที่สุด จุดประสงค์ของการวิเคราะห์คือเพื่อค้นหาว่าสภาวะทางอารมณ์ (อารมณ์) หรือลักษณะทางอารมณ์ของบุคคลใดทำให้เกิดภาพลักษณ์ที่เป็นรูปธรรม กล่าวคือ ความปิติ ความสนุกสนาน ความร่าเริง ความอ่อนโยน ความท้อแท้ ความเศร้า หรือ - ความรอบคอบ, ความมุ่งมั่น, พลังงาน, ความยับยั้งชั่งใจ, ความเพียร, การขาดเจตจำนง, ความจริงจัง, ฯลฯ หลังจากนั้นจะมีการวิเคราะห์วิธีการแสดงออกทางดนตรีของลักษณะเฉพาะของอารมณ์หรือคุณภาพโดยเจตนา: โหมด, จังหวะ, ไดนามิก, การโจมตีด้วยเสียง (ยากหรือ อ่อน) และอื่นๆ
ความหมายหลักในการแสดงออกคือทำนอง - ลักษณะของภาษา, การจัดจังหวะ, แบ่งออกเป็นลวดลาย, วลี, ช่วงเวลา, ฯลฯ ซึ่งรับรู้คล้ายกับคำพูดซึ่งไม่เพียงส่งผลกระทบต่อเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความหมายด้วย สถานการณ์นี้มีความสำคัญมากสำหรับการพัฒนาการคิดเชิงดนตรีโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเปรียบเทียบความหมายเชิงลึกของท่วงทำนองของสุนทรพจน์ที่เปี่ยมด้วยอารมณ์ อันที่จริงเมื่อเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่นหีบเพลงปุ่มนักเรียนมีประสบการณ์ชีวิตอยู่แล้ว: เขาสามารถแยกแยะสถานะทางอารมณ์ของผู้คนรอบตัวเขาแยกแยะคุณสมบัติทางอารมณ์ของพวกเขาสามารถรับรู้และทำซ้ำคำพูดที่อุดมไปด้วยอารมณ์และยัง มีประสบการณ์ทางดนตรีบ้าง ทั้งหมดนี้เป็นข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นและมีเหตุผลสำหรับการพัฒนาที่ประสบความสำเร็จในการทำความเข้าใจความหมายสากลของทำนองเพลง และด้วยเหตุนี้ การพัฒนาการคิดเชิงเปรียบเทียบทางดนตรี ประเด็นทั้งหมดคือการใช้ประสบการณ์นี้อย่างชำนาญ โดยใช้มันเป็นความรู้และทักษะที่ได้มาก่อนหน้านี้

ความเฉพาะเจาะจงความคิดริเริ่มของการคิดทางดนตรีขึ้นอยู่กับระดับของการพัฒนาความสามารถทางดนตรีตลอดจนเงื่อนไขของสภาพแวดล้อมทางดนตรีที่บุคคลนั้นอาศัยอยู่และถูกเลี้ยงดูมา

ให้เราสังเกตความแตกต่างเหล่านี้โดยเฉพาะระหว่างวัฒนธรรมดนตรีตะวันออกและตะวันตก

ดนตรีตะวันออกมีลักษณะเฉพาะด้วยการคิดแบบโมโนดิก: การพัฒนาความคิดทางดนตรีในแนวนอนโดยใช้ความโน้มเอียงของกิริยาหลายแบบ/เกินแปดสิบ/, สี่โทน, หนึ่งแปดโทน, หมุนท่วงทำนองไพเราะ, ความสมบูรณ์ของโครงสร้างจังหวะ, อัตราส่วนเสียงที่ไม่แปรผัน, ท่วงทำนองและความหลากหลายทางท่วงทำนอง

วัฒนธรรมดนตรียุโรปมีลักษณะการคิดแบบ homophonic-harmonic: การพัฒนาความคิดทางดนตรีตามแนวดิ่งที่เกี่ยวข้องกับตรรกะของการเคลื่อนไหวของลำดับฮาร์มอนิกและการพัฒนาบนพื้นฐานของแนวเพลงประสานเสียงและวงดนตรี

ความคิดทางดนตรีได้รับการศึกษามาตั้งแต่สมัยโบราณ ดังนั้นระบบความสัมพันธ์ของโทนเสียงดนตรีที่ค้นพบโดยพีทาโกรัสในระหว่างการทดลองของเขากับโมโนคอร์ด จึงกล่าวได้ว่าได้วางรากฐานสำหรับการพัฒนาศาสตร์แห่งการคิดทางดนตรี

2. ประเภทของความคิด ลักษณะเฉพาะของความคิด

ในศิลปะของดนตรี ความคิดที่มองเห็นได้จริง สามารถนำมาประกอบกับกิจกรรมของนักแสดง, ครู, นักการศึกษา.

การคิดแบบเห็นภาพเป็นรูปเป็นร่างเกี่ยวข้องกับเฉพาะ การรับรู้ของผู้ฟัง

นามธรรม / ทฤษฎี, นามธรรม - ตรรกะ / การคิดเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักแต่งเพลงนักดนตรี ในการเชื่อมต่อกับลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรี การคิดอีกประเภทหนึ่งสามารถแยกแยะได้ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของกิจกรรมทางดนตรีทุกประเภท - นี่คือความคิดสร้างสรรค์

การคิดทางดนตรีทุกประเภทเหล่านี้มีลักษณะทางสังคมและประวัติศาสตร์ด้วย เช่น อยู่ในยุคประวัติศาสตร์บางอย่าง นี่คือลักษณะที่ปรากฏของยุคสมัยต่างๆ: รูปแบบของโพลีโฟนิสต์โบราณ, รูปแบบของคลาสสิกเวียนนา, แนวโรแมนติก, อิมเพรสชั่นนิสม์ ฯลฯ เราสามารถสังเกตการคิดทางดนตรีในเชิงสร้างสรรค์ที่มีลักษณะเฉพาะตัวมากขึ้น ในลักษณะของการแสดงความคิดทางดนตรี ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักแต่งเพลงหรือนักแสดงโดยเฉพาะศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคน แม้ว่าเขาจะกระทำตามแนวทางโวหารที่เสนอโดยสังคม ก็มีบุคลิกลักษณะเฉพาะ/บุคลิก/

การคิดทางดนตรีเกี่ยวข้องโดยตรงกับการเกิดภาพศิลปะในจิตวิทยาดนตรีสมัยใหม่ ภาพลักษณ์ทางศิลปะของงานดนตรีถือเป็นความสามัคคีของหลักการสามประการ - วัสดุ จิตวิญญาณ และตรรกะ องค์ประกอบของวัสดุประกอบด้วย:

- ข้อความดนตรี

พารามิเตอร์ทางเสียง

เมโลดี้

ความสามัคคี

จังหวะ,

พลวัต

ลงทะเบียน,

ใบแจ้งหนี้;

สู่จุดเริ่มต้นฝ่ายวิญญาณ:

- ความรู้สึก

สมาคม

การแสดงออก,

ความรู้สึก;

สู่จุดเริ่มต้นตรรกะ:

เมื่อมีความเข้าใจในหลักการเหล่านี้ทั้งหมดของภาพดนตรีในจิตใจของผู้แต่ง ผู้แสดง ผู้ฟัง เท่านั้นจึงจะพูดถึงการมีอยู่ของความคิดทางดนตรีอย่างแท้จริงได้

ในกิจกรรมทางดนตรี การคิดมุ่งเน้นไปที่ประเด็นต่อไปนี้เป็นหลัก:

การคิดผ่านโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน - ความสัมพันธ์ที่เป็นไปได้ อารมณ์และความคิดที่อยู่เหนือพวกเขา

คิดเกี่ยวกับโครงสร้างดนตรีของงาน - ตรรกะของการพัฒนาความคิดในโครงสร้างฮาร์มอนิก, คุณสมบัติของท่วงทำนอง, จังหวะ, เนื้อสัมผัส, พลวัต, agogics, การสร้าง;

ค้นหาวิธีการ วิธีการ และวิธีการที่สมบูรณ์แบบที่สุดในการสร้างความคิดและความรู้สึกบนเครื่องดนตรีหรือบนกระดาษเพลง

นักดนตรี-ครูหลายคนกล่าวว่าการศึกษาดนตรีสมัยใหม่มักถูกครอบงำด้วยการฝึกความสามารถในการเล่นอย่างมืออาชีพของนักเรียน ซึ่งการเติมเต็มความรู้เกี่ยวกับธรรมชาติที่สมบูรณ์และมีคุณค่าทางทฤษฎีนั้นช้า

บทสรุป:การขยายตัวของมุมมองทางดนตรีและทางปัญญาทั่วไปซึ่งมีส่วนสนับสนุนการพัฒนาความคิดทางดนตรีอย่างแข็งขันควรเป็นปัญหาอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีรุ่นเยาว์เพราะสิ่งนี้จะเพิ่มความสามารถทางอาชีพของเขา

3. ตรรกะของการพัฒนาความคิดทางดนตรี

ในรูปแบบทั่วไปที่สุด การพัฒนาตรรกะของความคิดทางดนตรีประกอบด้วย ตามสูตรที่รู้จักกันดีของ B.V. Asafiev - แรงกระตุ้นเริ่มต้น การเคลื่อนไหว และความสมบูรณ์

แรงผลักดันเริ่มต้นจะได้รับในการนำเสนอครั้งแรกของหัวข้อหรือสองหัวข้อซึ่งเรียกว่าคำอธิบายหรือคำอธิบาย

หลังจากการอธิบาย การพัฒนาความคิดทางดนตรีเริ่มต้นขึ้น และหนึ่งในตัวอย่างง่ายๆ ที่ใช้ในที่นี้คือ การทำซ้ำและการเปรียบเทียบ

อีกตัวอย่างหนึ่งของการพัฒนาความคิดทางดนตรีคือ หลักการของการแปรผันและการสลับกัน

การส่งเสริม- นี่คือการเปรียบเทียบประเภทหนึ่งซึ่งแต่ละส่วนที่อยู่ติดกันจะรักษาองค์ประกอบของส่วนก่อนหน้าและแนบความต่อเนื่องใหม่ตามสูตร ab-bc-cd

การบีบอัดแบบโปรเกรสซีฟ- นี่คือเมื่อไดนามิกเพิ่มขึ้น, จังหวะเร็วขึ้น, การเปลี่ยนแปลงความสามัคคีบ่อยครั้งมากขึ้นในตอนท้ายของส่วนหนึ่งหรือทั้งงาน

ค่าตอบแทน- เมื่อส่วนหนึ่งของงานชดเชย ให้สมดุลกับอีกส่วนหนึ่งในตัวละคร จังหวะ และไดนามิก

4. การพัฒนาความคิดทางดนตรี

ตามแนวคิดการสอนทั่วไปของครูที่มีชื่อเสียง M.I. Makhmutovaสำหรับการพัฒนาทักษะการคิดของนักเรียน การใช้สถานการณ์ปัญหาเป็นสิ่งสำคัญ PS สามารถสร้างแบบจำลองผ่าน:

นักศึกษาชนกับปรากฏการณ์ชีวิต ข้อเท็จจริงที่ต้องการคำอธิบายเชิงทฤษฎี

องค์กรของการทำงานจริง

นำเสนอปรากฏการณ์ชีวิตแก่นักเรียนที่ขัดแย้งกับความคิดทางโลกก่อนหน้านี้เกี่ยวกับปรากฏการณ์เหล่านี้

การกำหนดสมมติฐาน

ส่งเสริมให้นักเรียนเปรียบเทียบ เปรียบเทียบ และเปรียบเทียบความรู้ของตน

ส่งเสริมให้นักเรียนสรุปข้อเท็จจริงใหม่เบื้องต้น

งานวิจัย.

ส่วนงานด้านดนตรีศึกษา สามารถกำหนดสถานการณ์ปัญหาได้ดังนี้

เพื่อพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการรับรู้ดนตรี ขอแนะนำ:

เผยธัญพืชหลักในการทำงาน

กำหนดทิศทางโวหารของงานดนตรีด้วยหู

ค้นหาเพลงโดยนักแต่งเพลงบางคน

เปิดเผยคุณสมบัติของสไตล์การแสดง

ระบุลำดับฮาร์มอนิกด้วยหู

จับคู่รสชาติ กลิ่น สี วรรณกรรม ภาพวาด ฯลฯ ให้เข้ากับดนตรี

ในการพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการดำเนินการ คุณควร:

เปรียบเทียบแผนประสิทธิภาพของรุ่นต่างๆ

ค้นหาน้ำเสียงและฐานที่มั่นชั้นนำซึ่งความคิดทางดนตรีพัฒนา

จัดทำแผนการปฏิบัติงานหลายแผนสำหรับการทำงาน

ทำงานกับการประสานจินตภาพต่างๆ

ดำเนินการงานในสีจินตภาพที่แตกต่างกัน

เพื่อพัฒนาทักษะการคิดในกระบวนการแต่งเพลง:

พัฒนาลำดับฮาร์มอนิกอย่างไพเราะตามเสียงเบสทั่วไป, เบอร์ดอน, ออสตินาโตเป็นจังหวะ;

รับเพลงที่คุ้นเคยด้วยหู

ปรับแต่งชิ้นส่วนของโทนสีและธรรมชาติสำหรับสภาวะทางอารมณ์ที่กำหนดหรือภาพลักษณ์ทางศิลปะ

รูปแบบของคำพูด บทสนทนาในชีวิตประจำวันในเนื้อหาดนตรี

การด้นสดสำหรับยุคสมัย สไตล์ ตัวละครต่างๆ

โวหาร ความหลากหลายของงานประเภทเดียวกัน

5. ข้อกำหนดเบื้องต้นเกี่ยวกับการสอนสำหรับการพัฒนาความคิดทางดนตรีในเด็กนักเรียนวัยรุ่น (ในแง่ของการเรียนดนตรี)

การคิดทางดนตรีเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรมดนตรี ดังนั้นระดับของการพัฒนาจึงเป็นตัวกำหนดวัฒนธรรมดนตรีและนักเรียนวัยรุ่นเป็นส่วนใหญ่ งานที่เสนอโดยโปรแกรมเพลง:

ใช้ดนตรีในการพัฒนาวัฒนธรรมทางอารมณ์ของนักเรียน

เพื่อสร้างความสามารถในการรับรู้ผลงานดนตรีอย่างมีสติ

คิดอย่างสร้างสรรค์เกี่ยวกับเนื้อหาของพวกเขา

เพื่อโน้มน้าวใจเรื่องผ่านดนตรี

พัฒนาทักษะการแสดงของนักเรียน

ด้วยเหตุนี้ ข้อกำหนดต่างๆ จึงถูกกำหนดขึ้นสำหรับการเรียนดนตรี (ในโรงเรียนการศึกษาทั่วไป ในโรงเรียนดนตรี ฯลฯ) ซึ่งควรเป็นแบบองค์รวม โดยมุ่งเป้าไปที่การสื่อสารที่มีความหมายทางอารมณ์ของนักเรียนด้วยดนตรี

การรับรู้ผลงานดนตรีของนักเรียนวัยรุ่นประกอบด้วย:

- การรับรู้ถึงการสังเกต ประสบการณ์ทางอารมณ์

- ชี้แจงระดับของการปฏิบัติตามเนื้อหาของงานดนตรีเช่น ความเข้าใจ การประเมินบนพื้นฐานของการซึมซับระบบความรู้และแนวคิดบางอย่างเกี่ยวกับดนตรีในฐานะศิลปะ

จากการวิเคราะห์รายการดนตรี โดยคำนึงถึงลักษณะทางจิตวิทยาและการสอนของกิจกรรมดนตรีของเด็กนักเรียนวัยรุ่น ปัจจัยหลายประการสามารถระบุได้ว่าในทางใดทางหนึ่งจะกำหนดระดับของการพัฒนาทักษะการคิดทางดนตรีของพวกเขา

1. ปัจจัยทางจิตวิทยาและการสอน:

ความสามารถตามธรรมชาติ (การตอบสนองทางอารมณ์ต่อดนตรี ความสามารถทางประสาทสัมผัส: ไพเราะ ฮาร์โมนิก และหูดนตรีประเภทอื่นๆ ความรู้สึกของจังหวะดนตรี ทำให้นักเรียนสามารถมีส่วนร่วมในกิจกรรมทางดนตรีได้สำเร็จ

คุณสมบัติส่วนบุคคลของเด็กที่เอื้อต่อการระบุคุณภาพของทรงกลมอารมณ์และ volitional ของเขา (ความสามารถในการมีสมาธิทักษะของการคิดเชิงตรรกะและนามธรรมการเปิดกว้างการสร้างความประทับใจการพัฒนาความคิดจินตนาการความทรงจำทางดนตรี);

คุณสมบัติของแรงจูงใจของกิจกรรมดนตรี (ความพึงพอใจกับการสื่อสารกับดนตรี, การระบุความสนใจทางดนตรี, ความต้องการ);

2. ปัจจัยการวิเคราะห์และเทคโนโลยี:

นักเรียนมีความรู้ทางดนตรีทฤษฎีและประวัติศาสตร์จำนวนหนึ่งทักษะในการทำความเข้าใจคุณลักษณะของภาษาดนตรีความสามารถในการทำงานกับพวกเขาในกระบวนการกิจกรรมดนตรี

3. ปัจจัยด้านศิลปะและความงาม:

การมีอยู่ของประสบการณ์ทางศิลปะบางอย่าง ระดับของการพัฒนาด้านสุนทรียศาสตร์ การก่อตัวของรสนิยมทางดนตรีที่เพียงพอ ความสามารถในการวิเคราะห์และประเมินผลงานดนตรีจากมุมมองของคุณค่าและความสำคัญทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์

การปรากฏตัวขององค์ประกอบบางอย่างของการคิดทางดนตรีในนักเรียนวัยรุ่นสามารถกำหนดระดับของการก่อตัวของมันได้โดยใช้เกณฑ์ต่อไปนี้ในกระบวนการของกิจกรรมการสอนการวิจัย

1. ลักษณะขององค์ประกอบการสืบพันธุ์ของความคิดทางดนตรี:

ความสนใจในกิจกรรมดนตรี

ความรู้เฉพาะขององค์ประกอบของภาษาดนตรี ความสามารถในการแสดงออก ความสามารถในการทำงานด้วยความรู้ทางดนตรีในกระบวนการรับรู้และการแสดงดนตรี (ตามที่ครูสอน)

2. ลักษณะขององค์ประกอบการสืบพันธุ์และการผลิตของความคิดทางดนตรี:

ความสนใจในการแสดงผลงานเพลงพื้นบ้านและคลาสสิกของประเภทเพลง

ความสามารถในการรับรู้และตีความภาพทางศิลปะของเพลงอย่างเพียงพอ

ความสามารถในการสร้างแผนของคุณเองสำหรับการดำเนินการ การจัดการ

ความสามารถในการประเมินการแสดงเพลงของตนเองอย่างเป็นกลาง

ความสามารถในการวิเคราะห์งานดนตรีแบบองค์รวมจากมุมมองของบทละคร ประเภทและลักษณะเฉพาะ คุณค่าทางศิลปะและสุนทรียภาพ

3. ลักษณะขององค์ประกอบการผลิตของการคิดทางดนตรี:

ความต้องการความคิดสร้างสรรค์ในกิจกรรมดนตรีประเภทต่างๆ

การพัฒนาระบบการแสดงดนตรีและการได้ยิน ความสามารถในการนำไปใช้ในกิจกรรมทางดนตรีเชิงปฏิบัติ

ความสามารถพิเศษทางศิลปะ (ทัศนศิลป์-อุปมาอุปไมย ฯลฯ );

ความสามารถในการทำงานโดยใช้ภาษาดนตรี (คำพูด) ในกระบวนการสร้างตัวอย่างดนตรีของตนเอง

วรรณกรรม

1. Belyaeva-Instance S.N. เกี่ยวกับจิตวิทยาการรับรู้ทางดนตรี - ม.: สำนักพิมพ์ bookman รัสเซีย 2466 - 115 หน้า

2. Berkhin NB ปัญหาทั่วไปของจิตวิทยาศิลปะ - ม.: ความรู้, 2524. - 64 น. - (ใหม่ในชีวิต วิทยาศาสตร์ เทคโนโลยี ซีรีส์ "สุนทรียศาสตร์" ลำดับที่ 10)

3. Bludova V.V. การรับรู้และคุณสมบัติของการรับรู้งานศิลปะสองประเภท // ปัญหาด้านจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ - ล., 1975. - ฉบับ. 2. - ส. 147-154.

4. Vilyunas V.K. จิตวิทยาปรากฏการณ์ทางอารมณ์ / เอ็ด. โอ.วี. อฟชินนิโคว่า - M.: สำนักพิมพ์แห่งมอสโก อุนตา, 2519. - 142 น.

5. วิตต์ เอ็น.วี. เกี่ยวกับอารมณ์และการแสดงออก // คำถามเกี่ยวกับจิตวิทยา - 2507 - ลำดับที่ 3 - ส. 140-154.

6. Vojvodina L.P. , Shevchenko O.O. การสอนทบทวนการก่อตัวของความคิดทางดนตรีในหมู่เด็กนักเรียนอายุน้อย // แถลงการณ์ของ Luhansk State Pedagogical University ที่ได้รับการตั้งชื่อตาม T. Shevchenko วารสารวิทยาศาสตร์หมายเลข 8 (18) (ตามวัสดุของการประชุมทางวิทยาศาสตร์และระเบียบวิธีทั้งหมดของยูเครน "วัฒนธรรมศิลปะในระบบอุดมศึกษา" 20-23 มกราคม 2542) - Lugansk, 1999. - S. 97-98.

7. Galperin P.Ya. จิตวิทยาการคิดและหลักคำสอนของการก่อตัวของการกระทำทางจิตเป็นระยะ // การศึกษาการคิดในจิตวิทยาของสหภาพโซเวียต - M. , 1966

8. Golovinsky G. เกี่ยวกับความแปรปรวนของการรับรู้ของภาพดนตรี // การรับรู้ของดนตรี - ม., 1980. - ส.

9. Dneprov V.D. เกี่ยวกับอารมณ์ทางดนตรี: ภาพสะท้อนสุนทรียศาสตร์ // วิกฤตวัฒนธรรมและดนตรีของชนชั้นกลาง. - ล., 2515 - ฉบับ. 5. - ส. 99-174.

10. Kechkhuashvili G.N. ว่าด้วยบทบาทของเจตคติในการประเมินผลงานดนตรี // คำถามทางจิตวิทยา. - พ.ศ. 2518 - ลำดับที่ 5 - ส. 63-70.

11. Kostyuk A.G. ทฤษฎีการรับรู้ทางดนตรีและปัญหาของความเป็นจริงทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ของดนตรี // ดนตรีศิลปะของสังคมสังคมนิยม: ปัญหาการเพิ่มพูนจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล - เคียฟ, 1982. - ส. 18-20.

12. Medushevsky V.V. วิธีการจัดเรียงสื่อทางศิลปะของดนตรี // บทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ - ม., 2520. - ฉบับ. 4. - ส. 79-113.

13. Medushevsky V.V. เกี่ยวกับระเบียบและวิธีการของอิทธิพลทางศิลปะของดนตรี - ม.: ดนตรี, 2519. - 354 น.

14. Medushevsky V.V. ว่าด้วยเนื้อหาของแนวคิด "การรับรู้ที่เพียงพอ" // การรับรู้ของดนตรี นั่ง. บทความ / คอมพ์ วี. มักซิมอฟ. - ม., 1980. - ส. 178-194.

15. Nazaikinsky E.V. เกี่ยวกับจิตวิทยาการรับรู้ทางดนตรี - ม.: ดนตรี, 2515 - 383 น.: นรก และหมายเหตุ ป่วย.

16. Sokolov O.V. ว่าด้วยหลักการคิดเชิงโครงสร้างทางดนตรี // ปัญหาการคิดทางดนตรี. นั่ง. บทความ - ม., 1974.

17. Teplov B.M. จิตวิทยาของความสามารถทางดนตรี - ม., 2490.

18. Yuzbashan Yu.A. , Weiss P.F. พัฒนาการทางความคิดทางดนตรีของน้องๆ ม.ต้น ม., 1983.