จะอธิบายให้เด็ก ๆ ฟังว่าบัลเล่ต์คืออะไร บัลเล่ต์คืออะไร? คลาสสิกและทันสมัย บัลเลต์รัสเซียสมัยใหม่

บัลเล่ต์ (จากภาษาละติน ballo - ฉันเต้นรำ) เป็นศิลปะการแสดงบนเวทีประเภทหนึ่งซึ่งมีการเปิดเผยเนื้อหาในภาพการเต้นรำและดนตรี ผสมผสานดนตรี การออกแบบท่าเต้น การวาดภาพ ศิลปะการแสดงของศิลปินอย่างกลมกลืน วิธีหลักในการแสดงออกในบัลเล่ต์คือการเต้นรำและละครใบ้ ต้นกำเนิดของการเต้นรำบนเวทีประเภทต่างๆ (คลาสสิก, ลักษณะเฉพาะ, พิลึก) เป็นการเต้นรำพื้นบ้าน การแสดงออกแบบท่าเต้นเช่นเดียวกับการแสดงละคร สามารถแบ่งออกเป็นโศกนาฏกรรม คอมเมดี้ เมโลดราม่า พวกมันเป็นแบบหลายองก์หรือหนึ่งองก์ โครงเรื่องหรือไม่มีโครงเรื่อง พวกเขาสามารถเป็นภาพย่อออกแบบท่าเต้นหรือองค์ประกอบคอนเสิร์ต

ตั้งแต่ปรากฏตัวในยุโรปในศตวรรษที่สิบหก บัลเล่ต์ดึงดูดความสนใจจากบุคคลสำคัญของศิลปะการแสดงละครอย่างต่อเนื่อง ดังนั้นนักแสดงตลกชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XVII J. B. Molière แนะนำฉากบัลเล่ต์ในบทละครของเขา ซึ่งเขาเรียกว่าคอเมดี้บัลเลต์

การเต้นรำในละครตลก-บัลเล่ต์ของ Moliere และในโอเปร่าบัลเล่ต์ของ J. B. Lully จัดแสดงโดย Pierre Beauchamp (1636 - c. 1719) ในปี ค.ศ. 1661 เขาเป็นหัวหน้า Royal Academy of Dance ในกรุงปารีส Beauchamp ได้กำหนดท่าเต้นพื้นฐาน 5 ท่า (ท่าเริ่มต้นของขา) ซึ่งเป็นพื้นฐานของเทคนิคการเต้น

ในขั้นต้น การแสดงบัลเล่ต์รวมถึงการเต้นรำและละครใบ้พร้อมกับเสียงร้องและข้อความวรรณกรรม

ในศตวรรษที่สิบแปด การก่อตัวของบัลเล่ต์ในรูปแบบศิลปะอิสระได้รับการอำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมของนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดงในหลายประเทศ Marie Salle นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส (ค.ศ. 1707-1756) ได้เปลี่ยนเสื้อผ้าที่หนักและเทอะทะของนักเต้นด้วยชุดเดรสสีอ่อนที่ไม่จำกัดการเคลื่อนไหว จอห์น วีเวอร์ นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวอังกฤษ (ค.ศ. 1673-1760) ซึ่งเป็นนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวอังกฤษ ได้เริ่มจัดการแสดงบัลเลต์ก่อนจะเลิกร้องเพลงและท่องบท นักออกแบบท่าเต้นชาวออสเตรีย Franz Hilferding (1710-1768) ได้นำเสนอภาพชีวิตพื้นบ้านที่แท้จริง ตัวละครที่แท้จริง เผยให้เห็นความรู้สึกและความหมายของการกระทำโดยใช้บัลเล่ต์ตามความเป็นจริง นักเต้นชาวฝรั่งเศส Louis Dupré (1697-1774) และ Marie Camargo (1710-1770) ได้ปรับปรุงเทคนิคการเต้นของพวกเขา Marie Camargo มีอิสระในการเคลื่อนไหวมากขึ้นโดยย่อกระโปรงและส้นรองเท้าให้สั้นลง

การมีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาบัลเล่ต์เกิดขึ้นโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jean Georges Nover (1727-1810) ในบัลเล่ต์ของเขา Psyche and Cupid, The Death of Hercules, Medea และ Jason, Iphigenia ใน Tauris และคนอื่น ๆ เขาทำหน้าที่เป็นผู้กำกับที่มีนวัตกรรม เขาสร้างการแสดงที่แตกต่างกันในตรรกะของการพัฒนาที่น่าทึ่ง พื้นฐานของการผลิตของเขาคือการแสดงโขนละครใบ้ เขาให้ความสนใจกับดนตรีเป็นอย่างมาก โดยเชื่อว่า "ควรเป็นรายการประเภทหนึ่งที่กำหนดและกำหนดการเคลื่อนไหวและเกมของนักเต้นแต่ละคน" โนเวอร์สนับสนุนความเป็นธรรมชาติของความรู้สึกและความจริงของตัวละครบัลเล่ต์โดยละทิ้งหน้ากากแบบดั้งเดิมที่ปิดใบหน้าของนักแสดง ในทางทฤษฎี เขายืนยันประสบการณ์เชิงนวัตกรรมของเขาในฐานะผู้กำกับการแสดงในหนังสือ Letters on Dance and Ballets (ค.ศ. 1759) โดยอิงจากสุนทรียศาสตร์ของนักปรัชญาสารานุกรมแห่งการตรัสรู้

นักเรียนและผู้ติดตามของ Nover เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีความสามารถมากมาย รวมถึง Jean Dauberval (1742-1806) ผู้เขียนบัลเล่ต์ Vain Precaution ซึ่งยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้ Charles Louis Didelot (1767-1837) ซึ่งทำงานในรัสเซียมาเป็นเวลานานและมีส่วนในการส่งเสริมบัลเล่ต์รัสเซียให้เป็นหนึ่งในสถานที่แรกในยุโรป

ในศตวรรษที่ 19 โรงละครบัลเลต์ได้สัมผัสกับความคิดสร้างสรรค์ทั้งขึ้นและลงและจางหายไปอย่างมาก ในปี ค.ศ. 1832 นักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Filippo Taglioni (1777-1871) ได้แสดงบัลเลต์ La Sylphide (ดนตรีโดย J. Schneitzhofer) ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคของศิลปะการเต้นแนวโรแมนติก เนื้อเรื่องของการแสดงที่โรแมนติกบอกว่าในความปรารถนานิรันดร์ของเขาเพื่อความงามเพื่อคุณค่าทางจิตวิญญาณสูงบุคคลนั้นขัดแย้งกับความเป็นจริงรอบตัวเขาและในโลกแห่งความฝันที่ลวงตาเท่านั้นเขาสามารถค้นหาความฝันในอุดมคติพบความสุข . ตากลิโอนี ซึ่งพัฒนาแนวเพลงแนวโรแมนติก แทรกบทสนทนาการเต้นอย่างละเอียดของตัวละครลงในโครงสร้างอันน่าทึ่งของบัลเล่ต์ ซึ่งแสดงความรู้สึกและความสัมพันธ์ของพวกเขา ในการแสดงของเขา คณะบัลเล่ต์ได้พัฒนาและเสริมส่วนโซโลของตัวละครหลักซึ่งเล่นโดยลูกสาวของเขา Maria Taglioni (1804-1884) ศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจจากนักบัลเล่ต์ที่มีพรสวรรค์คนนี้ได้เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของบัลเล่ต์ ครั้งแรกที่เธอแนะนำการเต้นปวงต์ (บนปลายนิ้ว) ซึ่งเพิ่มความชัดเจนของศิลปะบัลเล่ต์

ผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jules Joseph Perrault (1810-1892) เป็นตัวเป็นตนอีกทิศทางหนึ่งของแนวโรแมนติกของบัลเล่ต์ - น่าทึ่ง วีรบุรุษของเขาในการต่อสู้ที่ดื้อรั้นปกป้องสิทธิ์ในความรัก อิสรภาพ ความสุข แปร์โรลต์มักจะจัดแสดงผลงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง เช่น V. Hugo, G. Heine, J.V. Goethe เขาได้พัฒนาตอนละครใบ้อย่างรอบคอบ โดยเชื่อมโยงกับการเต้นรำแบบออร์แกนิก และพยายามทำให้ฉากฝูงชนมีชีวิตชีวาและมีอารมณ์ บัลเลต์ Giselle ของ Perro (ดนตรีโดย A. Adam แสดงร่วมกับนักออกแบบท่าเต้น Jean Coralli, (1779-1854) และ "Esmeralda" (ดนตรีโดย C. Pugna) ยังคงประดับประดาละครของบริษัทบัลเล่ต์หลายแห่ง นักแสดงคนแรกของ Giselle คือ Carlotta Grisi (1819 -1899)

ศิลปะของนักบัลเล่ต์ชาวออสเตรียที่โดดเด่น Fanny Elsler (1810-1884) เกี่ยวข้องกับบัลเล่ต์แสนโรแมนติก

บทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์โรแมนติกเล่นโดยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวเดนมาร์ก August Bournonville (1805-1879) ซึ่งแสดงมากกว่า 50 การแสดงกับ Royal Ballet Company ในโคเปนเฮเกน

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ XIX ปรากฏการณ์วิกฤตถูกเปิดเผยในศิลปะบัลเลต์ยุโรปตะวันตก ชนชั้นนายทุนเข้าสู่เวทีชีวิตทางสังคมและการเมืองในประเทศแถบยุโรปตะวันตก รสนิยมของเธอกลายเป็นตัวชี้ขาดในงานศิลปะ และบัลเลต์แสนโรแมนติกที่มีเนื้อหาลึกซึ้งก็ถูกแทนที่ด้วยแว่นตาที่โอ่อ่าและไม่มีความหมาย คณะบัลเล่ต์สลายตัว ระยะเวลาเสื่อมถอยยืดเยื้อเข้ามา การฟื้นคืนชีพของศิลปะบัลเล่ต์เกี่ยวข้องกับการแสดงในยุโรปตะวันตกโดยศิลปินรัสเซีย - Anna Pavlova, Mikhail Fokine, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Serge Lifar และอื่น ๆ การแสดงเหล่านี้ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากและถูกเรียกว่า Russian Seasons จัดขึ้นตั้งแต่ปี 1907 โดยนักแสดงละครเวที S. P. Diaghilev บัลเลต์รัสเซีย Diaghilev ก่อให้เกิดบริษัทบัลเลต์ใหม่ที่ปรับปรุงรูปแบบการเต้นคลาสสิกแบบดั้งเดิม

ในศตวรรษที่ XX บัลเล่ต์ประสบความสำเร็จในการพัฒนาในหลายประเทศทั่วโลก นักบัลเล่ต์ชาวตะวันตกที่โดดเด่น ได้แก่ Ninette de Valois, Frederic Ashton, Margot Fontaine (บริเตนใหญ่), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux (ฝรั่งเศส), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey (สหรัฐอเมริกา) และอื่น ๆ อีกมากมาย

ประเทศสังคมนิยมมีส่วนสนับสนุนในการพัฒนาบัลเล่ต์ (ดู โรงละครของประเทศในชุมชนสังคมนิยม) ดังนั้นศิลปะของคณะบัลเล่ต์ของนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นที่มีความสามารถ Alicia Alonso ซึ่งก่อตั้งขึ้นในคิวบาในปี 2491 จึงเป็นที่รู้จักกันดี ในปีพ. ศ. 2502 คณะนี้ได้รับการตั้งชื่อว่าบัลเล่ต์แห่งชาติของคิวบา

ในรัสเซียการพัฒนาศิลปะบัลเล่ต์เป็นไปในทางของตัวเอง นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรกคือ Ivan Ivanovich Valberkh (Lesogorov) (1766-1819) ซึ่งงานครอบคลุมทั้งประเด็นวรรณกรรมและเหตุการณ์ในชีวิตสมัยใหม่โดยเฉพาะสงครามรักชาติปี 1812 ต้องขอบคุณ Valberkh การแสดงระดับชาติแบบเดิมก่อตั้งขึ้นเมื่อ เวทีรัสเซีย - ความหลากหลายที่วาดภาพชีวิตพื้นบ้าน

การก่อตัวของบัลเล่ต์รัสเซียได้รับการอำนวยความสะดวกโดยงานของ Charles Louis Didelot ในบรรดานักเรียนของเขาคือนักออกแบบท่าเต้น Adam Glushkovsky (1793-1870), ballerinas Avdotya Istomina (1799-1848) และ Ekaterina Teleshova (1807-1857) ร้องโดย A. S. Pushkin และ A. S. Griboyedov Didlo เสริมคุณค่าละครของโรงละครบัลเล่ต์รัสเซียด้วยการแสดงที่เขาประณามการปกครองแบบเผด็จการและเปิดเผยคุณสมบัติทางศีลธรรมอันสูงส่งของคนธรรมดา เขาวางรากฐานสำหรับบัลเล่ต์พุชกินโดยการแสดงละครนักโทษแห่งคอเคซัสหรือเงาของเจ้าสาวในปี พ.ศ. 2366 (ตามบทกวีของพุชกิน)

ตัวแทนที่โดดเด่นของบัลเล่ต์โรแมนติกของรัสเซียคือนักบัลเล่ต์ Ekaterina Sankovskaya (1816-1878) ซึ่งงานศิลปะได้รับการยกย่องอย่างสูงจาก V. G. Belinsky และ A. I. Herzen

โรงละครบัลเลต์รัสเซียได้สร้างสรรค์การค้นพบบัลเลต์ตะวันตกและการแสดงที่สอดคล้องกับประเพณีประจำชาติอย่างสร้างสรรค์ ดังนั้นบนเวทีรัสเซีย เรื่องราวซาบซึ้งของ Giselle จึงกลายเป็นบทกวีเกี่ยวกับความรู้สึกเสียสละอันสูงส่งที่เอาชนะความชั่วร้าย ความมืด และความตาย และนี่เป็นข้อดีอย่างมากสำหรับนักแสดงคนแรกของ Giselle ในโรงละครรัสเซีย Elena Andreyanova (1819-1857)

Marius Petipa ซึ่งมาถึงรัสเซียในปี พ.ศ. 2390 ได้แสดงบัลเลต์มากกว่า 60 ชิ้นบนเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในการผลิตบัลเล่ต์ของเขา L. Minkus "Don Quixote", "Sleeping Beauty" ของ P. I. Tchaikovsky และ "Swan Lake" (แสดงร่วมกับ L. I. Ivanov), "Raymonda" ของ A. K. Glazunov และคนอื่น ๆ ได้เปิดเผยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของโรงเรียนรัสเซียอย่างเต็มที่ ของนาฏศิลป์คลาสสิกซึ่งมีลักษณะเป็นศูนย์รวมของเนื้อหาของการแสดงบัลเล่ต์ในรูปแบบวิชาการที่สมบูรณ์แบบ นักเต้นชาวรัสเซียผู้มีพรสวรรค์ - Elena Andreyanova, Pavel Gerdt, Matilda Kshesinskaya, Nikolai และ Sergey Legaty, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Mikhail Fokin - แสดงในการแสดงของ Petipa...

ในเวลาเดียวกันกับ M. Petipa ที่โรงละคร Mariinsky แห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ปัจจุบันคือโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราดที่ตั้งชื่อตาม S. M. Kirov) นักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยม Lev Ivanovich Ivanov (1834-1901) ทำงานเกี่ยวกับการแสดงบัลเล่ต์ ผลงานของเขา ได้แก่ การเต้นรำ Polovtsian ในโอเปร่า Prince Igor ของ A. P. Borodin, บัลเลต์ของ P. I. Tchaikovsky เรื่อง The Nutcracker และ Swan Lake (ร่วมกับ M. I. Petipa) และแต่ละคนก็เป็นพยานถึงต้นแบบการออกแบบท่าเต้นของการประพันธ์เพลงที่เข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับความปรารถนาที่จะแสดงออก เนื้อหาการแสดงในรูปพลาสติกที่สมบูรณ์แบบ

ปลายศตวรรษที่ 19 - นี่คือเวลาของการปฏิรูปนวัตกรรมเพลงบัลเลต์ของ P. I. Tchaikovsky ซึ่งต่อมาได้รับการสนับสนุนและพัฒนาโดยนักประพันธ์เพลงอื่น - A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev ไชคอฟสกีเชื่อว่าการแสดงบัลเล่ต์ควรสร้างขึ้นตามกฎของละครเพลง แสดงอารมณ์และประสบการณ์ที่ซับซ้อนที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ ยืนยันความประเสริฐและธรรมชาติของความรู้สึกกวี

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เมื่อโรงละครบัลเล่ต์ตะวันตกกำลังผ่านช่วงวิกฤต ในทางกลับกัน ศิลปะบัลเล่ต์กำลังประสบกับความคิดสร้างสรรค์ที่เพิ่มขึ้น คณะบัลเล่ต์ของโรงละคร Mariinsky และ Bolshoi ประสบความสำเร็จในการดำเนินงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่โรงละคร Mariinsky นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น Mikhail Mikhailovich Fokin (1880-1942) ดำเนินการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ในรูปแบบของบัลเล่ต์หนึ่งองก์ในสองทิศทาง: เขาพัฒนาหลักการของการแสดงบัลเล่ต์ตามดนตรีไพเราะ ( Chopiniana กับดนตรีของ F. Chopin) และในขณะเดียวกันก็พัฒนารูปแบบที่เรียกว่าพล็อตเรื่องบัลเล่ต์ด้วยการตีความเหตุการณ์ที่เชื่อถือได้ซึ่งแสดงถึงความรู้สึกและตัวละครของตัวละครความสัมพันธ์ของพวกเขา ("Egyptian Nights" โดย A. S. Arensky, “ Petrushka” โดย I. F. Stravinsky ฯลฯ ) ในมอสโกที่โรงละครบอลชอย Alexander Alekseevich Gorsky (1871-1924) แสดงผลงานของเขา มันเป็นช่วงเวลาของการก่อตัวของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์นำโดย K. S. Stanislavsky และ Vl I. Nemirovich-Danchenko การค้นหานักประดิษฐ์ในศิลปะการละครดำเนินไปและจับหนุ่ม Gorsky และในการแสดง Don Quixote ของ Minkus, Salambo by Arends และคนอื่นๆ เขาพยายามที่จะนำหลักการของปรมาจารย์ที่โดดเด่นของโรงละครมาใช้ในการแสดงบัลเลต์ ผลงานของกอร์สกีมีความโดดเด่นในด้านความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ ความแม่นยำของการพัฒนาที่น่าทึ่ง และคุณลักษณะที่พัฒนาอย่างระมัดระวังของตัวละคร

ศิลปินที่โดดเด่นเช่น Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky แสดงในการแสดงบัลเล่ต์ของ Fokine, Ekaterina Geltser, Mikhail Mordkin, Vasily Tikhomirov และคนอื่น ๆ แสดงในผลงานของ Gorsky

หลังจากการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม ปรากฏการณ์ที่สดใสและเป็นต้นฉบับได้พัฒนาขึ้นในงานศิลปะของสหภาพโซเวียต - โรงละครบัลเลต์ข้ามชาติ พัฒนาขึ้นจากโรงเรียนนาฏศิลป์คลาสสิกของรัสเซีย ด้วยความช่วยเหลือของผู้เชี่ยวชาญที่มีความสามารถจากมอสโกและเลนินกราดที่เข้าใจถึงความสำเร็จของโรงเรียนบัลเลต์รัสเซีย เชี่ยวชาญด้านละคร ร่างของฉากออกแบบท่าเต้นระดับชาติสร้างอาคารดั้งเดิมของโรงละครบนพื้นฐานนี้ สร้างสรรค์โดยใช้ลักษณะประจำชาติและประเพณีของศิลปะ เริ่มตั้งแต่ยุค 20 คณะออกแบบท่าเต้นมืออาชีพกำลังก่อตัวขึ้นทั่วประเทศโซเวียต โรงละครบัลเลต์แห่งชาติได้เติมเต็มประสบการณ์สร้างสรรค์ของกันและกัน รวมถึงประสบการณ์บัลเล่ต์รัสเซีย บัลเล่ต์โดย K. F. Dankevich, A. M. Balanchivadze, K. A. Karaev, A. P. Skulte, S. A. Balasanyan, F. Z. Yarullin และนักประพันธ์เพลงระดับชาติอื่น ๆ ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง

ในบรรดานักออกแบบท่าเต้นชาวโซเวียตที่โดดเด่นซึ่งมีส่วนในการพัฒนาบัลเล่ต์โซเวียต ได้แก่ Fyodor Vasilyevich Lopukhov (1886-1973) และ Kasyan Yaroslavich Goleizovsky (1892-1970)

ศิลปะบัลเล่ต์ของสหภาพโซเวียตมีความโดดเด่นด้วยความลึกและความคลุมเครือของเนื้อหาเฉพาะเรื่องของการแสดง ปรมาจารย์โซเวียตได้พัฒนาและเสริมสร้างประเพณีศิลปะนาฏศิลป์รัสเซียโดยเน้นไปที่งานวรรณกรรมคลาสสิกและสมัยใหม่ - Lope de Vega, Shakespeare, Balzac, Pushkin, Lermontov, Gogol, Dostoevsky, Leo Tolstoy, Chekhov, Kuprin, Green, Bulgakov, Aitmatov .. ปัญหาทางอุดมการณ์ - ปรัชญาและศีลธรรมขนาดใหญ่ที่เกิดขึ้นในผลงานที่ดีที่สุดของวรรณคดีโลกร่างของบัลเล่ต์โซเวียตพยายามที่จะรวบรวมบนเวทีโดยใช้ศิลปะของพวกเขา ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลง B. V. Asafiev และนักออกแบบท่าเต้น R. V. Zakharov ในบัลเล่ต์ The Fountain of Bakhchisarai เน้นย้ำแนวคิดหลักของบทกวีของ Pushkin ที่มีชื่อเดียวกัน ซึ่งครั้งหนึ่งเคยสร้างโดย V. G. Belinsky: "การเกิดใหม่" ของวิญญาณป่าผ่านที่สูง ความรู้สึกรัก” . Rostislav Vladimirovich Zakharov (1907-1984) ตั้งเป้าหมายในการแสดงบัลเล่ต์เพื่อทำให้ศิลปะการเต้นเป็นวิธีการแสดงความคิดและความรู้สึกลึก ๆ ที่มีอยู่ในงานของพุชกิน

ความสนใจอย่างมากในการแสดงชีวิตภายในของบุคคลเป็นหนึ่งในลักษณะเด่นที่สำคัญของโรงละครบัลเล่ต์โซเวียต และไม่ว่าการแสดงจะเป็นของประเภทใด - สู่นวนิยายบัลเลต์ประวัติศาสตร์พื้นบ้าน ("The Flames of Paris" นักแต่งเพลง B.V. Asafiev นักออกแบบท่าเต้น V.I. Vainonen) โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ ("Laurencia", A.A. Kerin และ V. M. Chabukiani), ปรัชญา และละครจิตวิทยา (“Romeo and Juliet”, S. S. Prokofiev และ L. M. Lavrovsky), ท่าเต้นตลก (“The Young Lady-Peasant Woman”, B. V. Asafiev และ R. V. Zakharov; "Mirandolina", S. N. Vasilenko และ V. I. Vainonen), บัลเล่ต์ - นิทานบัลเล่ต์ในตำนาน ("Stone Flower", S. S. Prokofiev และ Yu. N. Grigorovich; "Icarus", S. M. Slonimsky และ V. V. Vasiliev) ผู้เขียนได้แก้ไขงานหลักเสมอ - เพื่อนำเสนออย่างเต็มที่ต่อผู้ชม ในความอุดมสมบูรณ์ของความคิดและความรู้สึกของเขาเพื่อแสดงเส้นทางการสร้างตัวละครของเขาด้วยภาพพลาสติกการบรรลุหลักการทางศีลธรรมอันสูงส่งของเขา

จุดเริ่มต้นของแนวทางนี้ในการแสดงภาพฮีโร่ในการแสดงท่าเต้นถูกวางโดยบัลเล่ต์โซเวียตคนแรก - The Red Poppy โดย R. M. Glier ซึ่งจัดแสดงที่โรงละคร Bolshoi ในปี 1927 เนื่องในโอกาสครบรอบ 10 ปีของเดือนตุลาคม Ekaterina Vasilievna Geltser (1876-1962) สร้างภาพลักษณ์ของนางเอกสมัยใหม่บนเวทีบัลเล่ต์ - นักเต้นชาวจีน Tao Hoa ถ่ายทอดการเกิดใหม่ทางจิตวิญญาณของเธออย่างละเอียดภายใต้อิทธิพลของความคิดในเดือนตุลาคม ความคิดเหล่านี้รวมอยู่ในบัลเล่ต์โดยลูกเรือของเรือโซเวียตซึ่งมีภาพลักษณ์ที่กล้าหาญและน่าสมเพชโดยทั่วไปในองค์ประกอบพื้นบ้านขนาดใหญ่ของการเต้นรำ Yablochko ดังนั้นใน The Red Poppy คุณลักษณะอื่นของบัลเล่ต์โซเวียตจึงถูกกำหนด - การตีความธีมที่กล้าหาญเป็นหนึ่งในสิ่งที่สำคัญที่สุด ชุดรูปแบบนี้ได้รับการพัฒนาและเสริมแต่งในองค์ประกอบเช่น "Flames of Paris", "Laurencia" ที่มีชื่อว่า "Flames of Paris" และอื่น ๆ นักแสดงนำ

ในช่วงปลายยุค 60 การทำงานในธีมวีรบุรุษได้รับแรงผลักดันใหม่จากการผลิตเชิงนวัตกรรมโดย Yuri Nikolayevich Grigorovich (b. 1927) ของบัลเล่ต์ Spartacus ของ AI Khachaturian ที่โรงละคร Bolshoi ความเข้าใจที่คลุมเครือและลึกซึ้งของนักออกแบบท่าเต้นเกี่ยวกับแก่นแท้ที่เป็นรูปเป็นร่างของการเต้นรำคลาสสิกช่วยให้เขาสร้างผืนผ้าใบบนเวทีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเหตุการณ์ในประวัติศาสตร์โบราณถูกเข้าใจในเชิงปรัชญาจากมุมมองของความเป็นจริงในปัจจุบันที่แข็งแกร่งและตัวละครที่สำคัญถูกเปิดเผยในการผสมผสานที่ซับซ้อนของความสัมพันธ์ของมนุษย์ การกระทำ กิเลสตัณหา และวงกลมปรากฏให้เห็นในการปะทะกันและความขัดแย้ง ปัญหาทางอุดมการณ์และศีลธรรมที่สำคัญสำหรับยุคสมัยของเรา

การเสริมแต่งของโรงละครบัลเล่ต์ด้วยน้ำเสียงที่ทันสมัย ​​การพรรณนาตัวละครในเชิงลึกมีอยู่ในผลงานสร้างสรรค์ทั้งหมดของ Yu Prokofiev, "The Legend of Love" โดย A. D. Melikov, "Angara" โดย A. Ya. Eshpay, "The ยุคทอง" สู่ดนตรีโดย ดี.ดี. โชสตาโควิช)

น้ำเสียงสมัยใหม่เป็นลักษณะเฉพาะของการผลิตบัลเลต์โซเวียต (The Inspector General, The Knight in the Panther's Skin, The Battleship Potemkin) ที่แสดงโดย O. M. Vinogradov หัวหน้านักออกแบบท่าเต้นของ Leningrad Opera and Ballet Theatre ตั้งชื่อตาม S. M. Kirov งานบัลเล่ต์ที่น่าสนใจถือกำเนิดขึ้น บนเวทีและเมืองอื่น ๆ ในประเทศของเรา

ทักษะอันน่าทึ่งของนักเต้นบัลเลต์โซเวียตเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก

Ballerina Marina Semenova แสดงให้เห็นถึงความสมบูรณ์และความงดงามของการเต้นรำแบบคลาสสิก เธอสร้างภาพของวีรสตรีผู้หยิ่งทะนงและกบฏในบัลเลต์ "Swan Lake" โดย P. I. Tchaikovsky, "Raymond" โดย A. K. Glazunov, "The Flames of Paris" โดย B. V. Asafiev

ศิลปะอันเป็นเอกลักษณ์ของ Galina Ulanova รวบรวมคุณลักษณะที่ดีที่สุดของบัลเล่ต์รัสเซีย - การแสดงออก ความลึก จิตวิญญาณ ความสมบูรณ์แบบคลาสสิกของการแสดง ภาพที่ไม่อาจลืมได้คือภาพที่เธอสร้างขึ้นบนเวทีของแมรี่ (“The Fountain of Bakhchisaray” โดย Asafiev), Giselle (“Giselle” โดย A. Adam), Cinderella (“ Cinderella” โดย S. S. Prokofiev), Juliet (“Romeo and Juliet” โดย Prokofiev) เป็นต้น

ศิลปะของ Natalia Dudinskaya โดดเด่นด้วยความลึกทางจิตวิทยาและการแสดงออกทางอารมณ์ เธอเป็นนักแสดงคนแรกในบทบาทหลักในบัลเล่ต์โซเวียตหลายเรื่อง

ลักษณะเด่นของพรสวรรค์ของ Olga Lepeshinskaya คือการมองโลกในแง่ดีและอารมณ์ซึ่งแสดงออกด้วยพลังพิเศษในบัลเล่ต์ Don Quixote โดย L. Minkus, The Flames of Paris โดย Asafiev, Cinderella โดย Prokofiev และอื่น ๆ

Maya Plisetskaya ผสมผสานประเพณีของโรงเรียนออกแบบท่าเต้นของรัสเซียเข้ากับแรงบันดาลใจด้านนวัตกรรมของบัลเล่ต์โซเวียต ความมีคุณธรรมของนักบัลเล่ต์ถูกจับได้ในหลายๆ ส่วนที่เธอทำในการแสดงบัลเลต์คลาสสิกและสมัยใหม่ บทบาทที่ดีที่สุดของเธอ ได้แก่ Odette และ Odile ใน Swan Lake ของ Tchaikovsky, Carmen ในชุด Carmen Suite ของ Bizet - Shchedrina, Anna Karenina ในบัลเล่ต์ชื่อเดียวกันโดย R. K. Shchedrin และคนอื่นๆ

การเต้นรำของ Raisa Struchkova เต็มไปด้วยความสง่างามและความสง่างามที่ไม่เหมือนใคร ความสามารถทางศิลปะของเธอแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในบทบาทของแมรี่ จูเลียต ซินเดอเรลล่า ในละครคอนเสิร์ตที่กว้างขวาง

ทักษะการแสดงของ Irina Kolpakova โดดเด่นด้วยการแสดงออกแบบคลาสสิกและความสวยงามของรูปแบบ ศิลปะของ Marina Kondratieva ดึงดูดด้วยจิตวิญญาณและบทเพลงที่ลึกซึ้ง

Asaf Messerer เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในบัลเล่ต์คลาสสิก

การเต้นรำชายโคลงสั้น ๆ ในศิลปะบัลเล่ต์โซเวียตพบศูนย์รวมที่โดดเด่นที่สุดในผลงานของ Konstantin Sergeev ในส่วนของ Vatslav (น้ำพุแห่ง Bakhchisarai ของ Asafiev), Romeo (Prokofiev's Romeo and Juliet) ฯลฯ เขาแสดงบัลเล่ต์จำนวนหนึ่ง - Prokofiev's ซินเดอเรลล่า "เส้นทางสายฟ้า" โดย Karaev...

จุดเริ่มต้นที่กล้าหาญมีอยู่ในศิลปะของ Alexei Ermolaev (2453-2518) นักแสดงในบทบาทของ Philip ("The Flames of Paris"), Tybalt ("Romeo and Juliet") เป็นต้น

หนึ่งในบุคคลที่ฉลาดที่สุดในศิลปะบัลเล่ต์ของสหภาพโซเวียตคือ Vakhtang Chabukiani เขาอยู่ในองค์ประกอบของการเต้นรำ เป็นแรงบันดาลใจ ในการผลิต The Heart of the Mountains โดย A. M. Balanchivadze, Otello โดย A. D. Machavariani และการแสดงอารมณ์ของส่วนหลักในบัลเล่ต์เหล่านี้ Chabukiani ยืนยันชัยชนะของการเต้นรำชายผู้กล้าหาญ

เมื่อ Ekaterina Maksimova รับบทเป็น Kitri ใน Don Quixote การเต้นอันยอดเยี่ยมของเธอแสดงถึงบุคลิกของสาวสเปนเจ้าอารมณ์ และในบัลเล่ต์ "Spartacus" โดย A. I. Khachaturian เธอสร้างภาพลักษณ์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ผู้หญิงที่อ่อนโยนทุ่มเทและอกหัก

Vladimir Vasiliev ผสมผสานความสามารถพิเศษที่เข้าใจยากและทักษะการแสดงที่ดีที่สุดในงานของเขา งดงามคือ Spartacus ผู้กล้าหาญของเขา Icarus ผู้กล้าหาญในบัลเล่ต์ชื่อเดียวกันโดย S. M. Slonimsky ซึ่งกิจกรรมของ V. Vasiliev ในฐานะนักออกแบบท่าเต้นเริ่มต้นขึ้น

Natalya Bessmertnova ถูกเรียกว่า "นักบัลเล่ต์โรแมนติกของโซเวียต" สำหรับการแสดงที่ได้รับแรงบันดาลใจจากส่วนต่างๆ ของละครคลาสสิกและสมัยใหม่

Nina Timofeeva, Lyudmila Semenyaka, Gabriela Komleva, Mikhail Lavrovsky, Maris Liepa, Nikolai Fadeechev และศิลปินอื่น ๆ อีกมากมายยกย่องโรงเรียนบัลเล่ต์โซเวียตทั่วโลก

Nadezhda Pavlova นักเรียนของ Perm Choreographic School ได้รับรางวัลสูงสุดในการแข่งขันบัลเล่ต์นานาชาติครั้งที่สองในมอสโก ผู้ชมยินดีต้อนรับนักบัลเล่ต์คนนี้ซึ่งกลายเป็นศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอย

นักบัลเล่ต์ทาจิกิสถาน Malika Sabirova (2485-2525) เป็นตัวเป็นตนในรูปแบบของความรักและความจงรักภักดีในงานของเธอ บทบาทที่ดีที่สุดของเธอ ได้แก่ บทบาทในบัลเล่ต์ Giselle, Don Quixote, Leyli และ Majnun

พรสวรรค์ของ Elena Gvaramadze และ Vera Tsignadze เฟื่องฟูในจอร์เจียที่มีแดดจ้า นักบัลเล่ต์ชาวคีร์กีซสถาน Bubusara Beishenalieva (2469-2516) ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนในศิลปะของโรงละครบัลเล่ต์โซเวียต นักเต้นบัลเล่ต์ Larisa Sakhyanova ทำให้ผู้ชมของเธอพอใจกับการแสดงออกของการเต้นรำ ตัวแทนที่โดดเด่นของบัลเล่ต์ข้ามชาติของสหภาพโซเวียตคือนักเต้นชาวยูเครน Elena Potapova และ Valentina Kalinovskaya นักบัลเล่ต์ชาวอุซเบก Galia Izmailova และ Bernara Karieva ได้รวมเอาตัวละครของผู้หญิงที่ได้รับอิสรภาพแห่งสหภาพโซเวียตตะวันออกในการเต้นรำของพวกเขา ชื่อของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวเบลารุส Lidia Ryazhenova, Lyudmila Brzhozovsky, Yuri Troyan, นักบัลเล่ต์ชาวอาเซอร์ไบจัน Gamar Almaszade, นักเต้นอาร์เมเนีย Vilen Galstyan และอื่น ๆ อีกมากมายเป็นที่รู้จัก

ผู้ชมจากทุกทวีปปรบมือให้บัลเลต์โซเวียตอย่างกระตือรือร้น ศิลปินโซเวียตที่โดดเด่นและกลุ่มบัลเล่ต์ทั้งหมดของโรงละครมอสโกบอลชอยและโรงละครดนตรีตั้งชื่อตาม K. S. Stanislavsky และ Vl. I. Nemirovich-Danchenko โรงละคร Leningrad ที่ตั้งชื่อตาม S. M. Kirov โรงละคร Kyiv ที่ตั้งชื่อตาม T. G. Shevchenko และโรงละครโซเวียตอื่นๆ เดินทางไปต่างประเทศอย่างประสบความสำเร็จ โดยชื่นชมงานศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้เสมอ

ในประเทศของเรา มีการสร้างคณะออกแบบท่าเต้นอิสระใหม่ - โรงละครบัลเลต์, บัลเล่ต์คลาสสิกตระการตา, แชมเบอร์บัลเล่ต์, ละครพลาสติก สิ่งนี้ช่วยในการระบุพรสวรรค์ใหม่และช่วยให้พวกเขามาสู่งานศิลปะ

ชนิดของศิลปะการแสดง ความเฉพาะเจาะจงของบัลเล่ต์คือการถ่ายโอนเนื้อหาด้วยการเต้น ในรูปแบบดนตรีและการออกแบบท่าเต้น ตามกฎแล้ว ดนตรีประกอบขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงโดยเฉพาะสำหรับบัลเล่ต์ที่กำหนดโดยอิงจากบทวรรณกรรม (บท)

บัลเล่ต์ยุโรปซึ่งมีบ้านเกิดคืออิตาลีเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในที่สุดก็ก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 18

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์กลายเป็นเรื่องปกติตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 ด้วยการเรียนรู้ประสบการณ์ของนักออกแบบท่าเต้นต่างชาติ ศึกษาวัฒนธรรมการเต้นรำพื้นบ้าน ศิลปินชาวรัสเซียจึงค่อยๆ สร้างรูปแบบการแสดงดั้งเดิม ซึ่งเป็นโรงเรียนสอนเต้นดั้งเดิม ซึ่งในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จุดสุดยอดของศิลปะในศตวรรษที่ 19 นี้คือผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซีย M. Petipa และ L. Ivanov ผู้สร้างรูปแบบของบัลเล่ต์วิชาการ ("Swan Lake", "The Nutcracker", "Sleeping Beauty")

คำจำกัดความที่ดี

คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓

บัลเล่ต์

fr.-ballet จากภาษาละตินตอนปลาย ballo-dancing) - ประเภทของโรงละครดนตรี ความจำเพาะของ บี คือ การถ่ายทอดเนื้อหาโดยการเต้น ในรูปดนตรีและการออกแบบท่าเต้น (ท่าเต้น) B. - ศิลปะสังเคราะห์: เนื้อหา ควบคู่ไปกับการเต้นรำ ถูกกำหนดโดยสคริปต์ ดนตรี และวิธีการแสดงออกทางการแสดงละคร (การออกแบบ การกำกับ การแสดง) บางครั้งอาจรวมถึงเสียงร้อง - ทั้งแบบตัวเลขอิสระ และแบบเสริมหรือเฉพาะทางดนตรีเท่านั้น อันเป็นผลมาจากการมีปฏิสัมพันธ์กับภาพยนตร์ แนวใหม่กำลังถือกำเนิดขึ้น - บัลเลต์ภาพยนตร์ ลักษณะของ B. เป็นสองเท่า: ในอีกด้านหนึ่ง มันดึงดูดเข้าหาดนตรีและวิธีการแสดงออกที่สอดคล้องกัน ในทางกลับกัน มันพัฒนาเป็นศิลปะการละคร ประวัติของ ข. รู้จักช่วงเวลาที่ก.ล. จากจุดเริ่มต้นสองจุด มันกลายเป็นจุดเริ่มต้น โดยกำหนดความคิดริเริ่มของการแสดงที่สร้างขึ้นในเวลานั้นและประเภทของพวกเขา: จากซิมโฟนีเต้นรำไปจนถึงท่าเต้น ตามกฎแล้วเพลงแต่งโดยนักแต่งเพลงโดยเฉพาะสำหรับ B. บนพื้นฐานของสคริปต์วรรณกรรมซึ่งมักจะถูกเลือกจากงานสำเร็จรูป ในแบบยุโรปดั้งเดิม วัฒนธรรม B. ควบคู่ไปกับการเต้นรำแบบคลาสสิกและแบบพื้นบ้าน, ละครใบ้สามารถใช้ได้. ในศตวรรษที่ XX เนื้อหาในการสร้างภาพออกแบบท่าเต้นยังเป็น "การเต้นรำฟรี" การเต้นรำ "สมัยใหม่" การเต้นประเภทอื่นหรือองค์ประกอบของพวกเขาร่วมกับการเต้นคลาสสิก ยุโรป B. ซึ่งมีบ้านเกิดคืออิตาลีเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ต่อมาปรากฏในอังกฤษ ออสเตรีย ฝรั่งเศส ในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในศตวรรษที่ 18 ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์กลายเป็นเรื่องปกติตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 1930 ศตวรรษที่ 18 การเรียนรู้ประสบการณ์นักออกแบบท่าเต้นต่างประเทศ ศึกษาวัฒนธรรมการออกแบบท่าเต้นพื้นบ้าน มาตุภูมิ ปรมาจารย์การเต้นค่อยๆสร้างรูปแบบการแสดงดั้งเดิมขึ้นมารัสเซีย โรงเรียนนาฏศิลป์แห่งชาติ ซึ่งในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จุดสุดยอดของโรงละครบัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ XIX เป็นความคิดสร้างสรรค์ของรัสเซีย นักออกแบบท่าเต้น M. I. Petipa และ L. I. Ivanov ผู้สร้างสไตล์บัลเล่ต์เชิงวิชาการ (Swan Lake, Sleeping Beauty, Raymonda, The Nutcracker) รูปแบบไพเราะที่ซับซ้อนของการเต้นรำคลาสสิกปรากฏขึ้นและ B. ได้พบกับดนตรีของนักประพันธ์ไพเราะ P. I. Tchaikovsky และ A. K. Glazunov ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX B. เข้าสู่คลังของรัสเซียประจำชาติ วัฒนธรรม ในขณะที่โรงละครบัลเล่ต์ทางตะวันตกทรุดโทรม เสื่อมโทรมลงในการแสดงความบันเทิง ทัวร์ต่างประเทศ rus. B. ในเวลานั้น (ฤดูกาลในปารีสของ S. P. Diaghilev) โดยพื้นฐานแล้วการค้นพบศิลปะประเภทนี้สำหรับผู้ชมชาวตะวันตกกลับเป็นแรงผลักดันให้เกิดการฟื้นตัวของ B. ในหลาย ๆ ประเทศ. โซเวียต B. สืบทอดสิ่งที่ดีที่สุดจากรัสเซีย B. พัฒนาความสำเร็จของเขาเสนอหลักการทางอุดมการณ์และสุนทรียะใหม่ ขึ้นอยู่กับภาษารัสเซีย B. เกิดในชาติ B. ของสาธารณรัฐสหภาพ ร่วมกับเขาสร้างศิลปะบัลเลต์โซเวียตข้ามชาติ

ประวัติของบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ XV-XVI) ในอิตาลี มันเกิดขึ้นจากการแสดงอันเคร่งขรึมที่จัดโดยคนใช้ของพวกเขาสำหรับขุนนาง: นักดนตรีและนักเต้นที่ศาล ในเวลานั้นบัลเล่ต์เป็นเหมือนชายหนุ่มที่ไม่มีประสบการณ์อายุสิบแปด: เงอะงะ แต่มีไฟในดวงตาของเขา มันพัฒนาเร็วมาก เช่นเดียวกับชายหนุ่มคนเดิมที่ได้รับอนุญาตให้เข้าไปในห้องทำงานครั้งแรกและเรียกผู้ฝึกหัด
ในเวลานั้นแฟชั่นบัลเล่ต์แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: เครื่องแต่งกายที่สอดคล้องกับเวลานั้นไม่มีรองเท้า tutus และ pointe และผู้ชมมีโอกาสเข้าร่วมเมื่อสิ้นสุดการแสดง

Catherine de Medici กลายเป็นบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาบัลเล่ต์ จากอิตาลี เธอนำศิลปะนี้มาสู่ฝรั่งเศส จัดสเปกตาคูลีสำหรับแขกรับเชิญ ตัวอย่างเช่น เอกอัครราชทูตจากโปแลนด์สามารถเห็นการผลิตที่ยิ่งใหญ่ที่เรียกว่า Le Ballet des Polonais
เป็นที่เชื่อกันว่างานชิ้นเอก Ballet Comique de la Reine นั้นใกล้เคียงกับบัลเล่ต์สมัยใหม่อย่างแท้จริง ซึ่งทำให้ผู้ชมต้องระทึกใจนานกว่าห้าชั่วโมง ถูกวางในปี ค.ศ. 1581

ศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาบัลเล่ต์ แยกจากการเต้นรำแบบเรียบง่ายกลายเป็นงานศิลปะอิสระซึ่งได้รับการสนับสนุนจาก Louis XIV อย่างหลงใหล สำหรับเขา Mazarin สั่งให้นักออกแบบท่าเต้นจากอิตาลีซึ่งแสดงบัลเล่ต์โดยมีส่วนร่วมของกษัตริย์
ในปี ค.ศ. 1661 หลุยส์ได้ก่อตั้งสถาบันนาฏศิลป์แห่งแรกขึ้น ซึ่งสอนบัลเล่ต์ M. Lully นักออกแบบท่าเต้นคนแรกของ Louis XIV เข้าควบคุมโรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในมือของเขาเอง ภายใต้การนำของเขา Academy of Dances ได้ปรับปรุงและกำหนดโทนเสียงให้กับโลกบัลเล่ต์ทั้งหมด เขาทำทุกอย่างเท่าที่ทำได้เพื่อเปลี่ยนบัลเล่ต์จากเด็กหนุ่มและไม่มีประสบการณ์ด้วยไฟในดวงตาของเขาให้กลายเป็นชายหนุ่มรูปงามที่เป็นที่รู้จักและเคารพในทุกที่ ในปี ค.ศ. 1672 ด้วยการสนับสนุนของเขา สถาบันสอนเต้นได้ก่อตั้งขึ้น ซึ่งเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในชื่อ Paris Opera Ballet Pierre Beauchamp นักออกแบบท่าเต้นในราชสำนักอีกคนหนึ่งของ Louis XIV ทำงานเกี่ยวกับคำศัพท์ของการเต้นรำ
1681 เป็นอีกปีที่สำคัญในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ เป็นครั้งแรกที่สาวๆ ได้เข้าร่วมในการผลิต Mr. Lully 4 สาวงามบุกเข้าสู่โลกแห่งการเต้นรำและปูทางไปสู่ส่วนที่เหลือ จากช่วงเวลาที่น่าจดจำนี้ สาวๆ เริ่มมีส่วนร่วมในบัลเล่ต์

ในศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ยังคงครองใจคนรักการเต้นรำทั่วโลกอย่างต่อเนื่อง การผลิตจำนวนมาก รูปแบบใหม่ของการแสดง "ฉัน" บนเวที ชื่อเสียงอยู่ไกลจากการอยู่ในวงแคบศาล ศิลปะบัลเล่ต์ก็มาถึงรัสเซียเช่นกัน
ในปี ค.ศ. 1783 แคทเธอรีนที่ 2 ได้สร้างโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์อิมพีเรียลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและโรงละครบอลชอยคาเมนนี่ในมอสโกและโรงเรียนบัลเลต์อิมพีเรียลเปิดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ยิ่งช่วงกลางศตวรรษใกล้เข้ามา ศิลปะของบัลเล่ต์ก็ยิ่งสว่างขึ้นเท่านั้น ยุโรปรู้สึกทึ่งในตัวเขา บุคคลระดับสูงส่วนใหญ่สนใจบัลเล่ต์ โรงเรียนบัลเล่ต์เปิดทุกที่ แฟชั่นบัลเล่ต์ก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน สาวๆ ถอดหน้ากากออก สไตล์เสื้อผ้าก็เปลี่ยนไป ตอนนี้นักเต้นแต่งตัวด้วยเสื้อผ้าบางเบาทำให้พวกเขาสามารถทำสิ่งที่เป็นไปไม่ได้ก่อนหน้านี้

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ทฤษฎีบัลเล่ต์กำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ในปี ค.ศ. 1820 คาร์โล บลาซิสได้เขียน "บทความเบื้องต้นเกี่ยวกับทฤษฎีและการปฏิบัติของศิลปะการเต้นรำ" การเปลี่ยนจากปริมาณเป็นคุณภาพเริ่มต้นขึ้น โดยให้ความสำคัญกับรายละเอียดมากขึ้นเรื่อยๆ
และที่สำคัญที่สุด สิ่งที่ต้นศตวรรษที่ 19 นำมาสู่บัลเล่ต์คือการเต้นที่ปลายนิ้ว นวัตกรรมถูกรับรู้ด้วยปังและนักออกแบบท่าเต้นส่วนใหญ่หยิบขึ้นมา
โดยทั่วไปแล้ว กว่าร้อยปีที่ผ่านมาได้มอบศิลปะบัลเล่ต์มากมาย บัลเล่ต์กลายเป็นการเต้นรำที่เบาและโปร่งสบายอย่างผิดปกติเช่นลมฤดูร้อนซึ่งเกิดในแสงแดดที่ขึ้น ทฤษฎีและการปฏิบัติจับมือกัน: ผลงานทางวิทยาศาสตร์จำนวนมากได้รับการตีพิมพ์ซึ่งยังคงใช้ในการสอนบัลเล่ต์

ศตวรรษที่ยี่สิบผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์ของบัลเล่ต์รัสเซีย ในยุโรปและอเมริกา เมื่อต้นศตวรรษ ความสนใจในบัลเล่ต์เริ่มลดลง แต่หลังจากการมาถึงของปรมาจารย์จากรัสเซีย ความรักในศิลปะบัลเล่ต์ก็กลับมารุ่งเรืองอีกครั้ง นักแสดงชาวรัสเซียจัดทัวร์ระยะยาวทำให้ทุกคนมีโอกาสสนุกกับทักษะของพวกเขา
การปฏิวัติในปี 2460 ไม่สามารถป้องกันการพัฒนาบัลเล่ต์ได้ อย่างไรก็ตาม บัลเล่ต์ตูตูที่เราคุ้นเคยก็ปรากฏตัวขึ้นในเวลาเดียวกัน และการแสดงก็ลึกซึ้งยิ่งขึ้น
ในศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ไม่เพียงแต่สำหรับขุนนางและบ้านชั้นสูงเท่านั้น บัลเล่ต์กลายเป็นสมบัติของสาธารณชนทั่วไป

ในสมัยของเรา บัลเลต์ยังคงเป็นศิลปะเวทมนตร์แบบเดิม ซึ่งด้วยความช่วยเหลือของการเต้นรำ พวกเขาสามารถบอกเล่าอารมณ์ทั้งหมดของมนุษย์ได้ มันยังคงพัฒนาและเติบโต เปลี่ยนแปลงไปพร้อมกับโลกและไม่สูญเสียความเกี่ยวข้อง

บัลเลต์เป็นศิลปะชนิดหนึ่งที่แนวคิดของผู้สร้างถูกรวบรวมโดยวิธีการออกแบบท่าเต้น การแสดงบัลเล่ต์มีโครงเรื่อง ธีม แนวคิด เนื้อหาที่น่าทึ่ง และบท เฉพาะในกรณีที่หายากเท่านั้นที่จะมีการแสดงบัลเลต์แบบไม่มีพล็อต ในส่วนอื่น ๆ นักเต้นจะต้องถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร โครงเรื่อง และการกระทำด้วยวิธีการออกแบบท่าเต้น

นักเต้นบัลเล่ต์เป็นนักแสดงที่สื่อถึงความสัมพันธ์ของตัวละคร การสื่อสารระหว่างกัน สาระสำคัญของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยความช่วยเหลือของการเต้น

จาก "จิเซลล์" ถึง "สปาตาคัส" บัลเล่ต์เป็นสิ่งที่ต้องดู

“จีเซล”

ประวัติ: รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 28 มิถุนายน พ.ศ. 2384 ในปารีส ประชาชนชาวรัสเซียได้เห็นการผลิตภายในกำแพงของโรงละครบอลชอยเพียงสองปีต่อมา ตั้งแต่นั้นมา Giselle ก็ไม่เคยออกจากเวทีรัสเซียมาเป็นเวลานาน นักเต้นระดับแรกส่องประกายในรูปของตัวละครหลัก: Pavlova, Spesivtseva, Ulanova, Bessmertnova, Maksimova และอื่น ๆ

เรื่องย่อ: เรื่องราวความรักครั้งแรกและการทรยศที่โหดร้าย ขุนนางอัลเบิร์ตที่ปลอมตัวเป็นชาวนาล่อลวงเด็กสาวในหมู่บ้านที่ไม่สงสัย แต่การหลอกลวงนั้นถูกเปิดเผยอย่างรวดเร็ว เมื่อจิเซลล์รู้ว่าคนรักของเธอมีเจ้าสาวจากสังคมชั้นสูงแล้ว เธอก็คลั่งไคล้และตายไป
ในตอนกลางคืน อัลเบิร์ตมาที่หลุมศพของหญิงสาว ซึ่งเขาเกือบจะตายด้วยน้ำมือของรถจี๊ป - เจ้าสาวที่เสียชีวิตก่อนงานแต่งงาน Giselle ที่ช่วยชายหนุ่ม

"ทะเลสาบสวอน"

ประวัติ: บัลเล่ต์เพลงของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky ไม่ได้ตกหลุมรักสาธารณชนในทันที การเปิดตัวจบลงด้วยความล้มเหลวอย่างสมบูรณ์ ผู้ชมชื่นชม "Swan Lake" หลังจากที่ออกแบบท่าเต้นดั้งเดิมโดยนักออกแบบท่าเต้น Lev Ivanov และ Marius Petipa เวอร์ชันใหม่ของการผลิตถูกแสดงต่อสาธารณชนในปี 1895 บนเวทีของโรงละคร Mariinsky ในสมัยโซเวียต มันคือ "Swan Lake" ที่กลายมาเป็นจุดเด่นของประเทศ บัลเล่ต์แสดงให้แขกผู้มีเกียรติทุกคนมาเยี่ยมชมมอสโก

เรื่องย่อ: การผลิตมีพื้นฐานมาจากตำนานของเจ้าหญิงโอเด็ตต์ ซึ่งกลายเป็นหงส์โดยพ่อมดผู้ชั่วร้ายรอธบาร์ต คนที่รักเธออย่างจริงใจและสาบานว่าจะจงรักภักดีสามารถช่วยหญิงสาวได้ เจ้าชายซิกฟรีดให้คำมั่นสัญญาดังกล่าว แต่ทำลายมันระหว่างที่ลูกบอลเมื่อ Odile ปรากฏบนนั้นเหมือนน้ำสองหยดที่คล้ายกับโอเด็ตต์ สำหรับหงส์สาว สิ่งนี้มีความหมายเพียงสิ่งเดียวเท่านั้น - เธอจะไม่มีวันหวนคืนสู่ชีวิตเดิมอีกต่อไป

"โรมิโอและจูเลียต"

ประวัติ: เพลงสำหรับบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงระดับโลกเขียนโดย Sergei Prokofiev ในปี 1935 แต่ผู้ชมได้เห็นการผลิตเองในอีกสามปีต่อมาและไม่ใช่ในมอสโกหรือเลนินกราด แต่ในสาธารณรัฐเช็กในเมืองเบอร์โน โศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์แสดงเฉพาะในสหภาพโซเวียตในปี พ.ศ. 2483 เท่านั้น จากนั้น Ulanova ในตำนานก็ฉายแววในบทบาทนำ อีกอย่าง แดนเซอร์ (เหมือนคนอื่นๆ อีกหลายคน) ไม่เข้าใจเพลงของเกจิ หลังจากรอบปฐมทัศน์ เธอได้ดื่มอวยพรอย่างสนุกสนาน: "ไม่มีเรื่องราวที่น่าเศร้าในโลกนี้ไปกว่าเพลงบัลเลต์ของ Prokofiev"

เรื่องย่อ: บัลเล่ต์สอดคล้องกับการตีความของเช็คสเปียร์อย่างสมบูรณ์และสมบูรณ์ - คู่รักจากครอบครัวที่ทะเลาะกันจะแต่งงานอย่างลับๆจากญาติของพวกเขา แต่เสียชีวิตด้วยอุบัติเหตุที่น่าเศร้า

"ลา บายาแดร์"

ประวัติ: La Bayadère เป็นหนึ่งในบัลเลต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเวทีจักรวรรดิรัสเซีย การผลิตถูกนำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2420 บนเวทีโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบอลชอย และในปี 1904 นักออกแบบท่าเต้น Alexander Gorsky ได้ย้ายเธอไปที่เมืองหลวง เมื่อเวลาผ่านไป "La Bayadère" ได้รับการเปลี่ยนแปลงมากมาย มีเพียงฉาก "Shadow" ที่แสดงโดยคณะบัลเล่ต์เท่านั้นที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง เธอได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นการตกแต่งที่แท้จริงของการผลิตทั้งหมดและเป็นความสำเร็จที่แท้จริงของนักออกแบบท่าเต้น Petipa

เรื่องย่อ: ความรักแตกออกระหว่างโซโลร์และนักบัลเล่ต์ (นักเต้น) นิกิยา อย่างไรก็ตามหญิงสาวไม่เพียงชอบคนที่เธอเลือกเท่านั้น แต่ยังชอบพราหมณ์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งได้รับการปฏิเสธจากความงามก็ตัดสินใจที่จะแก้แค้นเธอ ราชา Dugmanta ต้องการการตายของ Bayadère เพราะเขาฝันที่จะแต่งงานกับลูกสาวของเขากับ Solor อันเป็นผลมาจากการสมรู้ร่วมคิดหญิงสาวเสียชีวิตจากการถูกงูกัดซึ่งศัตรูของเธอซ่อนตัวอยู่ในช่อดอกไม้
ส่วนที่แข็งแกร่งที่สุดของ "La Bayadère" คือฉาก "Shadow" เมื่อโซโลหลับไป เขาเห็นภาพที่น่าเหลือเชื่อ: การเต้นรำของเงาของวิญญาณที่ตายแล้วลงมาเป็นแนวยาวตามแนวหุบเขาท่ามกลางเทือกเขาหิมาลัย ในหมู่พวกเขาคือนิกิยะที่เรียกเขามาหาเธอ

"สปาตาคัส"

ประวัติ: รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 27 ธันวาคม 2499 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในปี 2501 - ในมอสโก บางทีนักแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดของชิ้นส่วนชายหลักในยุคโซเวียตสามารถเรียกได้ว่า Vladimir Vasiliev และ Maris Liepa วัสดุทางประวัติศาสตร์และนิยายต่าง ๆ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับสคริปต์

เรื่องย่อ: ในบัลเล่ต์นี้ เส้นความรักจางหายไปในพื้นหลังกับพื้นหลังของการเผชิญหน้าระหว่างสองตัวละครหลัก Spartacus และ Crassus
Spartacus ก่อการจลาจลในหมู่นักสู้ เขาสามารถเอาชนะได้ แต่ Crassus ไม่ต้องการยอมแพ้และเริ่มแคมเปญใหม่เพื่อต่อสู้กับศัตรูของเขา คราวนี้โชคเข้าข้างเขา Spartacus ต่อสู้จนถึงที่สุด แต่ตายในการต่อสู้ที่ไม่เท่ากัน พันธมิตรส่วนใหญ่ของเขาแค่ไล่ออกและปฏิเสธที่จะขับไล่ศัตรู

บัลเล่ต์ (บัลเล่ต์ฝรั่งเศสจากละติน ballo - I dance) เป็นศิลปะการแสดงบนเวทีประเภทหนึ่งซึ่งหมายถึงดนตรีและการเต้นรำซึ่งเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก

บ่อยครั้งที่บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากโครงเรื่อง การออกแบบที่น่าทึ่ง บท แต่ก็มีบัลเล่ต์ที่ไม่มีโครงเรื่องด้วย การเต้นรำประเภทหลักในบัลเล่ต์คือการเต้นรำแบบคลาสสิกและการเต้นของตัวละคร บทบาทสำคัญที่นี่เล่นโดยละครใบ้ด้วยความช่วยเหลือที่นักแสดงถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร "การสนทนา" ของพวกเขาในหมู่พวกเขาเองสาระสำคัญของสิ่งที่เกิดขึ้น องค์ประกอบของยิมนาสติกและกายกรรมยังใช้กันอย่างแพร่หลายในบัลเล่ต์สมัยใหม่

กำเนิดบัลเล่ต์

บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่สิบหก) ในตอนแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวหรืออารมณ์เดียวตอนในการแสดงดนตรีโอเปร่า บัลเลต์ที่ยืมมาจากอิตาลีในฝรั่งเศสจึงรุ่งเรืองเฟื่องฟูราวกับเป็นการแสดงอันวิจิตรตระการตา พื้นฐานทางดนตรีของบัลเลต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและในราชสำนัก ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของห้องชุดแบบเก่า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ประเภทของการแสดงละครใหม่ปรากฏขึ้น เช่น บัลเลต์ตลก โอเปร่าบัลเลต์ ซึ่งเป็นสถานที่สำคัญสำหรับดนตรีบัลเลต์และพยายามทำให้เป็นละคร แต่บัลเลต์กลายเป็นศิลปะการแสดงบนเวทีอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ต้องขอบคุณการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส เจ.เจ. โนเวอร์ ตามสุนทรียศาสตร์ของนักปราชญ์ชาวฝรั่งเศส เขาได้สร้างการแสดงที่มีการเปิดเผยเนื้อหาในภาพพลาสติกที่แสดงออกอย่างน่าทึ่ง และอนุมัติบทบาทเชิงรุกของดนตรีว่าเป็น "โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น"

การพัฒนาต่อไปของบัลเล่ต์

การพัฒนาต่อไปและความเจริญรุ่งเรืองของบัลเล่ต์ตกอยู่ในยุคของความโรแมนติก

ชุดบัลเล่ต์สมัยใหม่ (เครื่องแต่งกายของนางฟ้า Dragee จากละคร "The Nutcracker")

ย้อนกลับไปในยุค 30 ของศตวรรษที่สิบแปด นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรงของเธอ (ตูตู) และส้นเท้าที่ถูกทอดทิ้ง ซึ่งทำให้เธอสวมรองเท้าแตะในการเต้นของเธอได้ ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด ชุดบัลเล่ต์มีน้ำหนักเบาและเป็นอิสระมากขึ้นซึ่งส่วนใหญ่มีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว นักแสดงพยายามทำให้การเต้นโปร่งสบายขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni

การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องมีการพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ The Creations of Prometheus (1801) ได้ทำความพยายามครั้งแรกในการประสานบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกเกิดขึ้นในบัลเล่ต์ของ Adam Giselle (1841) และ Le Corsaire (1856) บัลเลต์ของเดลิเบส คอปเปเลีย (1870) และซิลเวีย (1876) ถือเป็นบัลเลต์ไพเราะชุดแรก ในเวลาเดียวกัน แนวทางที่ง่ายขึ้นสำหรับดนตรีบัลเลต์ก็ถูกร่างไว้ด้วย (ในบัลเลต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo เป็นต้น) เป็นเพลงไพเราะ ชัดเจนในจังหวะ ทำหน้าที่เป็นเพียงการบรรเลงประกอบการเต้น .

บัลเล่ต์แทรกซึมเข้าไปในรัสเซียและเริ่มแพร่กระจายแม้ภายใต้ Peter I ในตอนแรก ศตวรรษที่ 18 ในปี ค.ศ. 1738 ตามคำร้องขอของอาจารย์สอนเต้นชาวฝรั่งเศส Jean-Baptiste Lande โรงเรียนสอนเต้นบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียได้เปิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ปัจจุบันคือ Academy of Russian Ballet ตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova)

ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นในปี ค.ศ. 1738 ต้องขอบคุณคำร้องของ Mr. Lande ที่โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียปรากฏตัวขึ้น - สถาบันการเต้นรำแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งตั้งชื่อตาม Agrippina Yakovlevna Vaganova ซึ่งปัจจุบันเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ผู้ปกครองบัลลังก์รัสเซียใส่ใจในการพัฒนาศิลปะการเต้นมาโดยตลอด Mikhail Fedorovich เป็นซาร์คนแรกของรัสเซียที่แนะนำตำแหน่งใหม่ของนักเต้นให้กับเจ้าหน้าที่ในศาลของเขา พวกเขากลายเป็น Ivan Lodygin เขาต้องไม่เพียงแต่เต้นด้วยตัวเองเท่านั้น แต่ยังต้องสอนงานฝีมือนี้ให้กับผู้อื่นด้วย เยาวชนยี่สิบเก้าคนถูกจัดให้อยู่ในความดูแลของเขา โรงละครแห่งแรกปรากฏขึ้นภายใต้ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช จากนั้นก็เป็นธรรมเนียมที่จะต้องแสดงระบำบนเวทีระหว่างการแสดงละครซึ่งเรียกว่าบัลเลต์ ต่อมาโดยพระราชกฤษฎีกาพิเศษของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช การเต้นรำกลายเป็นส่วนสำคัญของมารยาทในราชสำนัก ในยุค 30 ของศตวรรษที่สิบแปด เยาวชนของชนชั้นสูงจำเป็นต้องเรียนเต้นรำ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กการเต้นรำบอลรูมกลายเป็นระเบียบวินัยบังคับในคณะนักเรียนนายร้อยผู้ดี ด้วยการเปิดโรงละครฤดูร้อนใน Summer Garden โรงละครฤดูหนาวที่ปีกของ Winter Palace นักเรียนนายร้อยเริ่มมีส่วนร่วมในการเต้นรำบัลเล่ต์ ครูสอนเต้นรำในอาคารคือ Jean-Baptiste Landet เขาทราบดีว่าพวกขุนนางจะไม่อุทิศตนเพื่อบัลเล่ต์ในอนาคต แม้ว่าพวกเขาจะเต้นบัลเล่ต์พร้อมกับมืออาชีพ Lande ไม่เหมือนใครเห็นความต้องการโรงละครบัลเล่ต์รัสเซีย ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1737 เขายื่นคำร้องซึ่งเขาสามารถพิสูจน์ความจำเป็นในการสร้างโรงเรียนพิเศษแห่งใหม่ซึ่งเด็กหญิงและเด็กชายจากแหล่งกำเนิดเรียบง่ายจะศึกษาศิลปะการออกแบบท่าเต้น ในไม่ช้าก็ได้รับอนุญาตดังกล่าว เด็กหญิงสิบสองคนและชายหนุ่มรูปร่างดีสิบสองคนได้รับการคัดเลือกจากคนรับใช้ในวัง ซึ่งแลนด์เริ่มสอน งานประจำวันนำมาซึ่งผลลัพธ์ ผู้ชมพอใจกับสิ่งที่พวกเขาเห็น ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1743 อดีตนักเรียนของ Lande เริ่มได้รับเงินเดือนเป็นนักเต้นบัลเลต์ โรงเรียนจัดการอย่างรวดเร็วเพื่อให้นักเต้นบัลเลต์คณะละครเวทีรัสเซียยอดเยี่ยมและศิลปินเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม ชื่อของนักเรียนที่ดีที่สุดของชุดแรกยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov

เอกลักษณ์ประจำชาติของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ด้วยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Ch.-L. ดิดโล Didlo เสริมบทบาทของคณะบัลเล่ต์ ความเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ เป็นการเน้นย้ำถึงความสำคัญของการเต้นของผู้หญิง

การปฏิวัติวงการดนตรีบัลเลต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดยไชคอฟสกี ผู้นำเสนอการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่อง เนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างที่ลึกซึ้ง และการแสดงออกอย่างน่าทึ่ง เพลงบัลเลต์ของเขา Swan Lake (1877), The Sleeping Beauty (1890), The Nutcracker (1892) พร้อมกับดนตรีไพเราะได้รับความสามารถในการเปิดเผยเส้นทางภายในของการกระทำเพื่อรวบรวมตัวละครของตัวละครในการโต้ตอบ ,การพัฒนา,การต่อสู้. ในการออกแบบท่าเต้น นวัตกรรมของ Tchaikovsky ถูกรวบรวมโดยนักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa และ L.I. Ivanov ผู้ริเริ่มการประสานเสียงของการเต้น ประเพณีการประสานเสียงดนตรีบัลเลต์ยังคงดำเนินต่อไปโดย Glazunov ในบัลเล่ต์ Raymonda (1898), The Young Maid (1900) และ The Seasons (1900)

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการค้นหาเชิงนวัตกรรม ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบแผนและแบบแผนของบัลเลต์วิชาการของศตวรรษที่ 19 ในบัลเล่ต์ของเขานักออกแบบท่าเต้นของโรงละคร Bolshoi A. A. Gorsky พยายามที่จะบรรลุการพัฒนาอย่างต่อเนื่องของการแสดงละครความถูกต้องทางประวัติศาสตร์พยายามเสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ในฐานะตัวละครจำนวนมากเพื่อเอาชนะการแยกละครใบ้และการเต้นรำ M. M. Fokin มีส่วนสำคัญในศิลปะบัลเลต์รัสเซียด้วยการขยายขอบเขตความคิดและภาพในบัลเล่ต์อย่างมีนัยสำคัญ เสริมด้วยรูปแบบและรูปแบบใหม่ การแสดงของเขาในบัลเล่ต์ "Russian Seasons" "Chopiniana", "Petrushka", "The Firebird" และคนอื่น ๆ สร้างชื่อเสียงให้กับบัลเล่ต์รัสเซียในต่างประเทศ หุ่นจำลอง “The Dying Swan” (1907) ที่สร้างขึ้นโดย Fokin สำหรับ Anna Pavlova มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ในปี พ.ศ. 2454-2556 คณะบัลเล่ต์รัสเซียแห่ง Diaghilev ได้ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของฤดูกาลของรัสเซีย หลังจากออกจากคณะของ Fokine แล้ว Vaslav Nijinsky ก็กลายเป็นนักออกแบบท่าเต้น ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือบัลเล่ต์ The Rite of Spring สู่เพลงของ Stravinsky

การเต้นรำสมัยใหม่

การเต้นรำสมัยใหม่เป็นแนวทางในศิลปะการเต้นที่ปรากฏในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการจากไปจากบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น

จากบัลเล่ต์ การแสดงฟรีแดนซ์ถูกไล่ออก ผู้สร้างสนใจไม่มากในเทคนิคการเต้นใหม่หรือการออกแบบท่าเต้น แต่ในการเต้นรำเป็นปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ ขบวนการนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (อิซาดอรา ดันแคนถือเป็นบรรพบุรุษของมัน) ทำหน้าที่เป็นแหล่งกำเนิดของการเต้นรำสมัยใหม่หลายทิศทางและเป็นแรงผลักดันให้การปฏิรูปบัลเล่ต์เอง

ศิลปะที่สวยงามที่สุด บัลเล่ต์บอกเล่าเรื่องราวของความรักและความตายในภาษาที่ทุกคนบนโลกเข้าใจ ค่านิยมที่ยั่งยืน การก่ออาชญากรรมซ้ำแล้วซ้ำเล่า และปาฏิหาริย์แห่งศรัทธา คำปฏิญาณ และหน้าที่ แสดงออกในการเต้นรำ พระคัมภีร์กล่าว “ในตอนแรกมีพระคำ” แต่ Maya Plisetskaya คัดค้าน: “ในตอนแรกมีท่าทาง!” ศิลปะแห่งการเคลื่อนไหวอย่างเงียบ ๆ ไม่ต้องการภาษาและการแปลของมนุษย์ ความงามของร่างกายที่เคลื่อนไหว ร่างกายเป็นเครื่องมือในการสร้างงานศิลปะ ตอนนี้ตัวเองทำหน้าที่เป็น "แผนงาน" สำหรับการเต้นที่ไม่มีโครงเรื่อง บัลเล่ต์เป็นไปไม่ได้หากไม่มีเทคนิคการเต้นแบบคลาสสิก ปราศจากธรรมชาติของร่างกาย ปราศจากการเสียสละและความรักที่ไม่มีเงื่อนไข ปราศจากเหงื่อและเลือด และถึงกระนั้นบัลเล่ต์ก็เป็นการเคลื่อนไหวที่สมบูรณ์แบบที่ทำให้คุณลืมทุกสิ่งเล็กน้อยและทางโลก

ประวัติโดยย่อของบัลเล่ต์รัสเซีย

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในรัสเซียเกิดขึ้นที่ Shrovetide เมื่อวันที่ 17 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1672 ที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชใน Preobrazhensky ก่อนเริ่มการแสดงนักแสดงที่วาดภาพออร์ฟัสขึ้นมาบนเวทีและร้องเพลงคู่ภาษาเยอรมันแปลเป็นซาร์โดยนักแปลซึ่งคุณสมบัติที่สวยงามของจิตวิญญาณของอเล็กซี่มิคาอิโลวิชได้รับการยกย่อง ในเวลานี้ทั้งสองด้านของออร์ฟัสมีปิรามิดสองแห่งที่ตกแต่งด้วยแบนเนอร์และส่องสว่างด้วยแสงหลากสีซึ่งหลังจากเพลงของออร์ฟัสเริ่มเต้นรำ ภายใต้ Peter I การเต้นรำปรากฏในรัสเซียในความหมายสมัยใหม่ของคำ: minuets การเต้นรำของประเทศ ฯลฯ เขาออกกฤษฎีกาตามที่การเต้นรำกลายเป็นส่วนหลักของมารยาทในศาลและเยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนรู้การเต้น . ในปี ค.ศ. 1731 กองทหารบกได้เปิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งถูกกำหนดให้เป็นแหล่งกำเนิดของบัลเล่ต์รัสเซีย เนื่องจากผู้สำเร็จการศึกษาจากคณะในอนาคตต้องดำรงตำแหน่งระดับสูงในรัฐบาลและต้องการความรู้เกี่ยวกับมารยาททางโลก จึงได้มอบสถานที่สำคัญในการศึกษาศิลปกรรม รวมทั้งการเต้นรำบอลรูมในคณะ เมื่อวันที่ 4 พฤษภาคม ค.ศ. 1738 อาจารย์สอนนาฏศิลป์ชาวฝรั่งเศส Jean-Baptiste Lande ได้เปิดโรงเรียนสอนเต้นบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซีย - "โรงเรียนสอนนาฏศิลป์ในหลวงของเธอ" (ปัจจุบันคือ Academy of Russian Ballet ตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova)

ในห้องที่มีอุปกรณ์ครบครันของพระราชวังฤดูหนาว Lande เริ่มฝึกเด็กชายและเด็กหญิงชาวรัสเซีย 12 คน คัดเลือกนักเรียนจากเด็กที่มีถิ่นกำเนิดธรรมดา การศึกษาที่โรงเรียนฟรี นักเรียนได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่ บัลเลต์ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในรัสเซียในรัชสมัยของเอลิซาเบธ เปตรอฟนา ในบรรดานักเรียนนายร้อยของ Land Corps Nikita Beketov เก่งในการเต้น นอกจากนี้ Beketov ซึ่งต่อมากลายเป็นคนโปรดของเอลิซาเบ ธ ได้รับความโปรดปรานเป็นพิเศษจากจักรพรรดินีผู้ซึ่งแต่งตัวให้ชายหนุ่มซึ่งแสดงบทบาทหญิงได้อย่างสมบูรณ์แบบ ในปี ค.ศ. 1742 คณะบัลเล่ต์ชุดแรกถูกสร้างขึ้นจากนักเรียนของโรงเรียน Lande และในปี ค.ศ. 1743 ก็เริ่มมีการชำระค่าธรรมเนียมให้กับผู้เข้าร่วม เมื่อวันที่ 1 สิงหาคม ค.ศ. 1759 ในวันออกพระนามของจักรพรรดินีและเนื่องในโอกาสแห่งชัยชนะเหนือกองทหารปรัสเซียนที่แฟรงก์เฟิร์ต ละครบัลเลต์เรื่อง "ที่ลี้ภัยแห่งคุณธรรม" ได้รับการจัดฉากอย่างเคร่งขรึม ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก

ในช่วงรัชสมัยของ Catherine II บัลเล่ต์ในรัสเซียได้รับความนิยมมากยิ่งขึ้นและพัฒนาต่อไป เนื่องในโอกาสพิธีราชาภิเษกของเธอในพระราชวังมอสโก บัลเลต์ที่งดงาม "Joyful Return to the Arcadian Shepherds and Shepherds of the Goddess of Spring" ได้รับมอบซึ่งขุนนางผู้สูงศักดิ์ที่สุดเข้าร่วม เป็นที่ทราบกันว่าทายาทแห่งบัลลังก์ Pavel Petrovich มักเต้นในการแสดงบัลเล่ต์ในโรงละครในศาล จากยุคของ Catherine II ประเพณีบัลเล่ต์ของข้ารับใช้ปรากฏในรัสเซียเมื่อเจ้าของที่ดินเริ่มเร่ร่อนที่ประกอบขึ้นจากข้าแผ่นดิน จากบัลเล่ต์เหล่านี้บัลเล่ต์ของเจ้าของที่ดิน Nashchokin มีชื่อเสียงมากที่สุด

ในปี ค.ศ. 1766 นักออกแบบท่าเต้นและนักแต่งเพลง Gasparo Angiolini ซึ่งออกจากเวียนนาได้เพิ่มรสชาติของรัสเซียให้กับการแสดงบัลเล่ต์ - เขาแนะนำท่วงทำนองของรัสเซียในการแสดงบัลเล่ต์ซึ่งทำให้ทุกคนประหลาดใจและได้รับการยกย่องจากตัวเองในระดับสากล ในตอนต้นของรัชสมัยของพระเจ้าปอลที่ 1 บัลเลต์ยังอยู่ในสมัยนิยม ที่น่าสนใจภายใต้ Paul I มีการออกกฎพิเศษสำหรับบัลเล่ต์ - ได้รับคำสั่งว่าไม่ควรมีชายคนเดียวบนเวทีในระหว่างการแสดงบทบาทของผู้ชายถูกเต้นรำโดย Evgenia Kolosova และ Nastasya Berilova

สิ่งนี้ดำเนินต่อไปจนกระทั่งออกุสต์ปัวโรต์มาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในรัชสมัยของพระเจ้าอเล็กซานเดอร์ที่ 1 บัลเลต์รัสเซียยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่อง บัลเล่ต์รัสเซียประสบความสำเร็จในเวลานี้อย่างแรกเลยคือคาร์ล Didelot นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่ได้รับเชิญซึ่งมาถึงรัสเซียในปี พ.ศ. 2344 ภายใต้การนำของเขา นักเต้นและนักเต้นเช่น Maria Danilova Evdokia Istomina เริ่มเปล่งประกายในบัลเล่ต์รัสเซีย ในเวลานี้บัลเล่ต์ในรัสเซียได้รับความนิยมอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน Derzhavin, Pushkin และ Griboedov ร้องเพลงบัลเลต์ของ Didelot และนักเรียนของเขา Istomin และ Teleshova จักรพรรดิชอบการแสดงบัลเล่ต์และแทบไม่เคยพลาดแม้แต่ครั้งเดียว ในปี ค.ศ. 1831 Didelot ออกจากเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเนื่องจากความขัดแย้งกับเจ้าชายกาการินผู้อำนวยการโรงละคร ในไม่ช้าดาวก็เริ่มส่องแสงบนเวทีปีเตอร์สเบิร์ก บัลเลต์ยุโรป Maria Taglioni

เธอเปิดตัวเมื่อวันที่ 6 กันยายน พ.ศ. 2380 ในบัลเล่ต์ La Sylphide และปลุกเร้าความสุขของสาธารณชน ความเบา ความสง่างามที่บริสุทธิ์เช่นนี้ เทคนิคพิเศษและการแสดงออกทางสีหน้าไม่เคยปรากฏแก่นักเต้นคนใดมาก่อน ในปีพ. ศ. 2384 เธอกล่าวคำอำลากับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยเต้นมากกว่า 200 ครั้งในช่วงเวลานี้

ในปี ค.ศ. 1848 แฟนนี เอลส์เลอร์ซึ่งเป็นคู่แข่งของทากลิโอนีซึ่งมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและการแสดงออกทางสีหน้าของเธอได้เดินทางมาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตามเธอไป Carlotta Grisi ได้ไปเยือนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเปิดตัวครั้งแรกในปี 1851 ที่เมือง Giselle และประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยแสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นนักเต้นชั้นหนึ่งและเป็นนักแสดงเลียนแบบที่ยอดเยี่ยม ในเวลานี้ นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa, Joseph Mazilier และคนอื่นๆ ได้แสดงบัลเลต์ที่หรูหรามาโดยตลอด และด้วยการดึงดูดศิลปินที่มีความสามารถ พยายามที่จะนำเสนอการแสดงบัลเลต์ ซึ่งเริ่มเย็นลงด้วยโอเปร่าของอิตาลี ในบรรดานักวิจารณ์บัลเล่ต์ในเวลานั้นคือ Vissarion Belinsky ซึ่งกล่าวถึงบทความเกี่ยวกับ Taglioni, Guerino และ Sankovskaya ในรัชสมัยของ Alexander II ในบัลเล่ต์รัสเซียการส่งเสริมความสามารถในประเทศเริ่มต้นขึ้น นักเต้นและนักเต้นชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์จำนวนหนึ่งขึ้นเวทีบัลเล่ต์ แม้ว่าการแสดงบัลเล่ต์จะช่วยประหยัดค่าใช้จ่ายได้มาก แต่ประสบการณ์ของ Mariyca Petipa ทำให้สามารถแสดงบัลเล่ต์ที่สง่างามได้ด้วยต้นทุนทางการเงินที่ต่ำ ซึ่งความสำเร็จดังกล่าวได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากทัศนียภาพอันยอดเยี่ยมของศิลปิน ในช่วงเวลาของการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียนี้ การเต้นรำมีความสำคัญมากกว่าการปั้นและการแสดงออกทางสีหน้า

ในรัชสมัยของพระเจ้าอเล็กซานเดอร์ที่ 3 โรงละคร Mariinsky ได้มอบบัลเลต์สัปดาห์ละสองครั้ง - ในวันพุธและวันอาทิตย์ ผู้ออกแบบท่าเต้นยังคงเป็น Marius Petipa ในเวลานั้นนักบัลเล่ต์ต่างชาติกำลังเดินทางท่องเที่ยวในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรวมถึง Carlotta Brianza ซึ่งเป็นคนแรกที่แสดงบทบาทของออโรราในบัลเล่ต์ The Sleeping Beauty โดย Pyotr Tchaikovsky นักเต้นชั้นนำคือ Vasily Geltser และ Nikolai Domashev ในศตวรรษที่ XX - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909 ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX ผู้พิทักษ์ประเพณีทางวิชาการคือศิลปิน: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina วากาโนว่า, Olga Spesivtseva. ในการค้นหารูปแบบใหม่ Mikhail Fokin อาศัยวิจิตรศิลป์ร่วมสมัย

อันนา ปาฟโลวา. ขอเชิญร่วมงานเต้นรำ aka เชิญไปที่วาลเซ่

รูปแบบการแสดงบนเวทีที่ชื่นชอบของนักออกแบบท่าเต้นคือบัลเล่ต์การแสดงเดี่ยวที่มีการเคลื่อนไหวต่อเนื่องแบบพูดน้อย พร้อมสีโวหารที่แสดงออกอย่างชัดเจน Mikhail Fokin เป็นเจ้าของบัลเล่ต์: Pavilion of Armida, Chopiniana, Egyptian Nights, Carnival, 1910; "Petrushka", "Polovtsian Dances" ในโอเปร่า "Prince Igor" Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky และ Anna Pavlova มีชื่อเสียงในบัลเล่ต์ของ Fokine การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก "Don Quixote" สำหรับเพลงของ Ludwig Minkus มาถึงโคตรของเขาในเวอร์ชันของ Alexander Gorsky

บัลเลต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

Galina Ulanova ในบัลเล่ต์ "Giselle"

Pas de deux จากบัลเล่ต์ "Swan Lake" โดย Tchaikovsky

บัลเล่ต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ XXI

Pas de deux จากบัลเล่ต์ "Le Corsaire" โดย Adana

Pas de deux จาก Don Quixote โดย Minkus

Pas de deux จากบัลเล่ต์ "La Bayadère" โดย Minkus

Adagio และ pas de deux จากบัลเล่ต์ "Giselle" โดย Adam