ประเภทของดนตรีคืออะไร? คุณสมบัติของดนตรีประเภทต่างๆ ประเภทและประเภทของงานดนตรี

ตลกเสียดสีและโศกนาฏกรรมเป็นประเภท อาจารย์แปดสิบแปด - ปิตุภูมิ คุณตายแล้ว! โคลงกลอนพื้นบ้านเหน็บแนมเกี่ยวกับรัฐสภาเยอรมันแฟรงค์เฟิร์ตปี 1849

ประเภท, ประเภท, ประเภท, ประเภทย่อย... ดูในห้องสมุดอินเทอร์เน็ตใด ๆ มักจะมีการนำเสนอนวนิยายชุดเดียวกันทุกที่แบ่งออกเป็นกลุ่ม: Prose Action, ระทึกขวัญ, เรื่องราวนักสืบ (บางครั้งในกลุ่มบางครั้งแยกกลุ่ม), Horror Erotic Romance ศาสตร์

อย่างที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่านอกจากคำว่า "ร้อยแก้ว" "กวีนิพนธ์" "มหัศจรรย์" และอื่นๆ แล้ว ยังมีคำที่เข้าใจได้ง่ายเช่น "ตลก" "โศกนาฏกรรม" "ละคร" ทำไมล่ะ ดูเหมือน? ไม่ชัดเจนตั้งแต่เริ่มต้น? ตั้งแต่ม้านั่งของโรงเรียนพวกนี้ก็ติดหู

ประเภทการค้าและไม่ใช่เชิงพาณิชย์ในวรรณคดีสมัยใหม่ หากคุณไม่ใช่ graphomaniac แต่เป็นนักเขียนและเขียนว่า "ไม่มีอะไรมากสำหรับตัวคุณเอง" ผลงานของคุณจะน่าสนใจสำหรับผู้จัดพิมพ์ อาจมีสาเหตุหลายประการ :? อย่างแรก กวีนิพนธ์ ละคร ไดอารี่ บันทึกย่อ

เราเตือนคุณทันทีว่าเป็นเรื่องยากมากที่จะตอบคำถามว่าเพลงประเภทใดอยู่ในบทความเดียว ตลอดประวัติศาสตร์ของดนตรี แนวเพลงมากมายได้สะสมจนไม่สามารถวัดได้ด้วยปทัฏฐาน: ร้องประสานเสียง, โรแมนติก, คันทาทา, วอลทซ์, ซิมโฟนี, บัลเล่ต์, โอเปร่า, โหมโรง ฯลฯ

เป็นเวลากว่าสิบปีแล้วที่นักดนตรี "หอกหัก" ที่พยายามจัดประเภทแนวดนตรี (โดยธรรมชาติของเนื้อหา ตามหน้าที่ เป็นต้น) แต่ก่อนที่จะพูดถึงการจัดประเภท เรามาทำความเข้าใจแนวความคิดของประเภทกันก่อนดีกว่า

ประเภทดนตรีคืออะไร?

ประเภทเป็นรูปแบบหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับเพลงที่เฉพาะเจาะจง มีเงื่อนไขบางประการในการดำเนินการ วัตถุประสงค์ รูปแบบ และลักษณะของเนื้อหา ดังนั้นเป้าหมายของเพลงกล่อมเด็กคือการทำให้ทารกสงบ ดังนั้นเสียงสูงต่ำที่ "ไหว" และจังหวะที่เป็นลักษณะเฉพาะจึงเป็นเรื่องปกติสำหรับมัน c - วิธีการแสดงดนตรีทั้งหมดได้รับการปรับให้เข้ากับขั้นตอนที่ชัดเจน

ประเภทของดนตรีคืออะไร: การจำแนกประเภท

การจำแนกประเภทที่ง่ายที่สุดนั้นเป็นไปตามวิธีการแสดง เหล่านี้เป็นสองกลุ่มใหญ่:

• เครื่องดนตรี (march, waltz, etude, sonata, ความทรงจำ, ซิมโฟนี)
• แนวเสียง (เพลง, เพลง, โรแมนติก, คันตา, โอเปร่า, ละครเพลง)

ประเภทของประเภทอื่นที่เกี่ยวข้องกับการตั้งค่าของการแสดง มันเป็นของ A. Sohor นักวิทยาศาสตร์ที่อ้างว่าแนวดนตรีคือ:

• พิธีกรรมและศาสนา (สดุดี, มวล, บังสุกุล) - มีลักษณะเป็นภาพทั่วไป, การครอบงำของหลักการร้องประสานเสียงและอารมณ์เดียวกันในหมู่ผู้ฟังส่วนใหญ่
• มวลครัวเรือน (ความหลากหลายของเพลง, การเดินขบวนและการเต้นรำ: polka, waltz, ragtime, ballad, anthem) - พวกเขาโดดเด่นด้วยรูปแบบที่เรียบง่ายและน้ำเสียงที่คุ้นเคย
• ประเภทคอนเสิร์ต (oratorio, sonata, quartet, symphony) - การแสดงลักษณะเฉพาะในคอนเสิร์ตฮอลล์, โทนโคลงสั้น ๆ เป็นการแสดงออกของผู้เขียน;
• ประเภทละคร (ดนตรี, โอเปร่า, บัลเล่ต์) - ต้องการการกระทำ, โครงเรื่องและฉาก

นอกจากนี้ ประเภทตัวเองยังสามารถแบ่งออกเป็นประเภทอื่นๆ ดังนั้น Opera-seria ("serious" opera) และ opera-buffa (comic) ก็เป็นแนวเพลงเช่นกัน ในเวลาเดียวกัน ยังมีอีกหลายสายพันธุ์ที่สร้างแนวเพลงใหม่ๆ (โอเปร่า โอเปร่า โอเปร่า โอเปร่า ฯลฯ)

ชื่อประเภท

เราสามารถเขียนหนังสือทั้งเล่มเกี่ยวกับชื่อแนวเพลงและลักษณะที่ปรากฏ ชื่อสามารถบอกเกี่ยวกับประวัติของประเภท: ตัวอย่างเช่นการเต้นรำเป็นหนี้ชื่อ "kryzhachok" เนื่องจากนักเต้นอยู่ในไม้กางเขน (จาก "kryzh" เบลารุส - ไม้กางเขน) น็อคเทิร์น ("กลางคืน" - แปลจากภาษาฝรั่งเศส) แสดงตอนกลางคืนในที่โล่ง ชื่อบางชื่อมาจากชื่อของเครื่องดนตรี (ประโคม มูเซตต์) อื่น ๆ จากเพลง (Marseillaise, Kamarinskaya)

ดนตรีมักจะได้รับชื่อประเภทหนึ่งเมื่อถูกถ่ายโอนไปยังสภาพแวดล้อมอื่น: ตัวอย่างเช่น การเต้นรำพื้นบ้าน - สู่บัลเล่ต์ แต่มันก็เกิดขึ้นในทางกลับกัน: ผู้แต่งใช้ธีม "ฤดูกาล" และเขียนงาน จากนั้นธีมนี้จะกลายเป็นประเภทที่มีรูปแบบเฉพาะ (4 ฤดูกาลเป็น 4 ส่วน) และลักษณะของเนื้อหา

แทนที่จะได้ข้อสรุป

เมื่อพูดถึงประเภทของดนตรี เราไม่สามารถพลาดที่จะพูดถึงข้อผิดพลาดทั่วไปได้ นี่เป็นความสับสนในแง่ของเมื่อเรียกว่าประเภทคลาสสิก ร็อค แจ๊ส ฮิปฮอป สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าแนวเพลงนั้นเป็นแบบแผนบนพื้นฐานของการสร้างผลงานและสไตล์ค่อนข้างบ่งบอกถึงคุณสมบัติของภาษาดนตรีของการสร้างสรรค์

รวบรวมโดย:

Solomonova N.A.

ในวรรณคดีดนตรี นักวิทยาศาสตร์หันไปพัฒนาแนวความคิด เช่น สไตล์และประเภทที่ไม่ค่อยบ่อยนัก เช่น ในการวิจารณ์วรรณกรรม ซึ่งนักวิจัยหลายคนชี้ให้เห็นซ้ำแล้วซ้ำเล่า สถานการณ์นี้เองที่กระตุ้นให้เราหันมาเขียนบทคัดย่อนี้

แนวคิดของรูปแบบสะท้อนถึงความสัมพันธ์ทางวิภาษระหว่างเนื้อหาและรูปแบบของงาน ความธรรมดาของสภาพทางประวัติศาสตร์ โลกทัศน์ของศิลปิน และวิธีการสร้างสรรค์

แนวคิดของ "สไตล์" เกิดขึ้นในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 และมีหลายแง่มุม:

ลักษณะเฉพาะของงานของนักแต่งเพลงโดยเฉพาะ

ลักษณะทั่วไปของการเขียนโดยกลุ่มนักประพันธ์เพลง (แบบโรงเรียน);

คุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงในประเทศเดียว (แบบประจำชาติ);

คุณสมบัติของงานที่รวมอยู่ในกลุ่มประเภทใด ๆ - รูปแบบของประเภท (แนวคิดนี้แนะนำโดย A.N. Sohor ในงานของเขา "ธรรมชาติที่สวยงามของแนวเพลง")

แนวความคิดของ "สไตล์" ใช้กันอย่างแพร่หลายในความสัมพันธ์กับอุปกรณ์การแสดง (เช่น สไตล์เสียงร้องของ Mussorgsky สไตล์เปียโนของโชแปง สไตล์ออร์เคสตราของ Wagner เป็นต้น) นักดนตรีและวาทยากรยังมีส่วนร่วมในการตีความที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของตนเองกับสไตล์ของงานที่กำลังดำเนินการ และเรายังสามารถรับรู้ถึงนักแสดงที่มีพรสวรรค์และยอดเยี่ยมโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการตีความที่เป็นเอกลักษณ์ของพวกเขา โดยธรรมชาติของเสียงของงาน เหล่านี้เป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมเช่น Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, ผู้ควบคุมวง Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan และอื่น ๆ

ในบรรดาการศึกษาที่มีชื่อเสียงที่สุดที่อุทิศให้กับปัญหาของสไตล์ดนตรีในหลอดเลือดดำนี้ควรกล่าวถึงงานต่อไปนี้: "เบโธเฟนและรูปแบบทั้งสามของเขา" โดย A.N. Tarakanova "ปัญหาของรูปแบบของ I. Brahms" โดย E.M. Tsareva หรือ “หลักการทางศิลปะของรูปแบบดนตรี” โดย S.S. การตระหนักรู้ในตนเองของยุคและการฝึกฝนดนตรี "L.V. Kirillina" การศึกษาเกี่ยวกับโชแปง "โดย L.A. Mazel ซึ่งเขาตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่าการวิเคราะห์งานเฉพาะนั้นเป็นไปไม่ได้โดยไม่คำนึงถึงรูปแบบทางประวัติศาสตร์ทั่วไปของรูปแบบนี้และการเปิดเผย เนื้อหาของงานเป็นไปไม่ได้หากไม่มีความคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับความหมายที่แสดงออกของเทคนิคที่เป็นทางการบางอย่างในรูปแบบนี้ การวิเคราะห์อย่างละเอียดถี่ถ้วนของงานดนตรีที่อ้างว่าไร้ที่ติทางวิทยาศาสตร์ ควรจะมีความคุ้นเคยอย่างลึกซึ้งและครอบคลุมเกี่ยวกับรูปแบบนี้ ที่มาและความหมายทางประวัติศาสตร์ เนื้อหา และเทคนิคที่เป็นทางการ

นักวิชาการเสนอคำจำกัดความจำนวนหนึ่ง

สไตล์ดนตรีเป็นระบบของการคิดเชิงศิลปะ แนวความคิดเชิงอุดมคติและศิลปะ รูปภาพ และวิธีการนำไปใช้ซึ่งเกิดขึ้นบนดินทางสังคมและประวัติศาสตร์ (แอล.เอ. มาเซล)

สไตล์ดนตรีเป็นคำศัพท์ในประวัติศาสตร์ศิลปะที่แสดงลักษณะของระบบวิธีการแสดงออกซึ่งทำหน้าที่รวบรวมเนื้อหาเชิงอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างอย่างใดอย่างหนึ่ง (E.M. Tsareva)

สไตล์เป็นทรัพย์สิน (ตัวละคร) หรือคุณสมบัติหลักที่สามารถแยกแยะงานของนักแต่งเพลงคนหนึ่งจากอีกคนหนึ่งหรืองานในยุคประวัติศาสตร์หนึ่ง ... จากอีกคนหนึ่ง (B.V. Asafiev)

สไตล์เป็นคุณสมบัติพิเศษหรือดีกว่าที่จะพูดคุณภาพของปรากฏการณ์ทางดนตรี มันมีงานหรือประสิทธิภาพ, รุ่น, การตัดสินใจทางวิศวกรรมที่ดีหรือแม้กระทั่งคำอธิบายของงาน แต่เมื่ออยู่ในที่หนึ่ง, อีก, สาม, ฯลฯ บุคลิกของนักแต่งเพลง นักแสดง ล่ามที่อยู่เบื้องหลังดนตรีนั้นสัมผัสและรับรู้ได้โดยตรง

สไตล์ดนตรีเป็นคุณภาพที่โดดเด่นของการสร้างสรรค์ดนตรีที่เป็นส่วนหนึ่งของชุมชนทางพันธุกรรมโดยเฉพาะ (มรดกของนักแต่งเพลง โรงเรียน ทิศทาง ยุค ผู้คน ฯลฯ) ซึ่งช่วยให้คุณสัมผัส รับรู้ กำหนดกำเนิดและการแสดงได้โดยตรง ตัวมันเองในจำนวนทั้งหมดโดยไม่มีข้อยกเว้น คุณสมบัติของดนตรีที่รับรู้ รวมกันเป็นหนึ่งเดียวในระบบที่สมบูรณ์รอบ ๆ ความซับซ้อนของคุณลักษณะเฉพาะที่โดดเด่น (อี.วี. นาไซกินสกี้).

ตามที่นักวิทยาศาสตร์ระบุว่าโวหารและคุณลักษณะของดนตรีมีความโดดเด่นและสามารถนำมาประกอบกับคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ได้

รูปแบบงานของนักแต่งเพลงแต่ละคนนั้นน่าสนใจที่สุดสำหรับนักวิจัย “ สไตล์ในดนตรีเช่นเดียวกับในรูปแบบศิลปะอื่น ๆ เป็นการแสดงลักษณะของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างดนตรีหรือตีความมัน” (E.V. Nazaykinsky) นักวิทยาศาสตร์ให้ความสนใจอย่างจริงจังกับวิวัฒนาการของสไตล์ผู้แต่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Beethoven ทั้งสามรูปแบบที่ดึงดูดความสนใจของ Serov ได้ระบุไว้ข้างต้น นักวิจัยศึกษารูปแบบของ Scriabin ในระยะแรก เป็นผู้ใหญ่ และปลายๆ อย่างรอบคอบ

“ ผลกระทบของความแน่นอนโวหาร” (E. Nazaikinsky) ให้ความหมายและคุณสมบัติของดนตรีที่สดใสที่สุดในแง่ของสไตล์ซึ่งมีความโดดเด่นและสามารถนำมาประกอบกับลักษณะเฉพาะของสไตล์ ตามที่พวกเขากล่าว ผู้ฟังจะรับรู้ถึงความเกี่ยวข้องของโวหารของงานนี้หรืองานนั้น ลายมือของนักแต่งเพลง สไตล์การแสดงของล่ามนี้หรือล่ามนั้น ตัวอย่างเช่นลักษณะการเลี้ยวแบบฮาร์โมนิกของ Grieg คือการเปลี่ยนโทนเสียงเบื้องต้นไม่ใช่ยาชูกำลัง แต่เป็นระดับที่ห้าของโหมด (เปียโนคอนแชร์โต้ที่มี oschestre - คอร์ดเบื้องต้น "Solveig Song" ที่มีชื่อเสียงจากชุด Peer Gynt หรือการเลื่อนจากมากไปน้อยไปที่ขั้นตอนที่ห้าผ่านขั้นตอนที่หก (เนื้อเพลง "Waltz" ในผู้เยาว์) หรือ "ความสามัคคี Rakhmaninov" ที่มีชื่อเสียง - คอร์ดที่เกิดขึ้นในขั้นที่สี่, หก, เจ็ดและขั้นที่สามด้วย ความละเอียดของยาชูกำลังในตำแหน่งที่สามไพเราะ (วลีเริ่มต้นของความรักที่โด่งดังของเขา "โอ้อย่าเศร้า!" - มีตัวอย่างมากมายพวกเขาสามารถดำเนินต่อไปได้ไม่รู้จบ

คุณลักษณะที่สำคัญมากของสไตล์คือการตรึงและการแสดงออกของเนื้อหาบางอย่างตามที่ E.V. Nazaikinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov ชี้ให้เห็น

ลักษณะเฉพาะของรูปแบบแห่งชาติสามารถเห็นได้เบื้องต้นในวิธีที่ต้นกำเนิดของคติชนวิทยาและงานของนักประพันธ์เพลงมืออาชีพมีความสัมพันธ์กันภายในกรอบของรูปแบบแห่งชาติ ตามที่ E.V.Nazaikinsky ตั้งข้อสังเกตไว้อย่างถูกต้องทั้งวัสดุพื้นบ้านและหลักการของดนตรีพื้นบ้านและองค์ประกอบเฉพาะสามารถทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของความคิดริเริ่มของรูปแบบแห่งชาติทั่วไป การวัดและธรรมชาติของการตระหนักรู้เกี่ยวกับการเป็นของชาติใดประเทศหนึ่ง รวมถึงการสะท้อนของความคิดสร้างสรรค์ ส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมพื้นเมืองกับวัฒนธรรมต่างประเทศและองค์ประกอบของพวกเขา ในสิ่งที่ประเทศและวัฒนธรรมอื่น ๆ สัมผัส . แม้แต่รูปแบบเฉพาะตัวที่แข็งแกร่งและสว่างที่สุดในกระบวนการของการก่อตัวและการพัฒนาก็ถูกสื่อกลางโดยรูปแบบของโรงเรียน ยุคสมัย วัฒนธรรม ผู้คน ฉันจำคำพูดที่น่าทึ่งของ V. G. Belinsky ได้ - "ถ้ากระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมของคนคนหนึ่งผ่านการยืมจากคนอื่น แต่ก็ยังเกิดขึ้นในระดับประเทศไม่เช่นนั้นก็ไม่มีความคืบหน้า"

การวิเคราะห์ภาษาดนตรีของงานเฉพาะ - คุณสมบัติของท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะ, รูปแบบ, เนื้อสัมผัส - เป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการกำหนดลักษณะเฉพาะของสไตล์

ในวรรณคดีดนตรี ทฤษฎีต่างๆ ได้พัฒนาขึ้นเพื่ออธิบายขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ของแต่ละบุคคลในการก่อตัวของรูปแบบต่างๆ - บาร็อค โรโกโก คลาสสิก แนวโรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ การแสดงออก ฯลฯ เนื้อหาของการศึกษาเหล่านี้เผยให้เห็นถึงหลักการพื้นฐานชั้นนำที่รวมงานดนตรีเข้าด้วยกัน ภายในยุคประวัติศาสตร์หนึ่งที่สร้างขึ้นในประเทศต่าง ๆ โรงเรียนระดับชาติที่แตกต่างกัน ฯลฯ ซึ่งให้แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของเวทีประวัติศาสตร์บางช่วง ภาษาดนตรี และยุคโดยรวม ในหนังสือที่รู้จักกันดีของเขาเรื่อง “The Chronicle of My Life” I.F. Stravinsky เขียนว่า: “หลักคำสอนใด ๆ ที่จำเป็นต้องใช้วิธีการแสดงออกพิเศษและด้วยเหตุนี้ เทคนิคพิเศษ; ท้ายที่สุด มันเป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงเทคนิคในงานศิลปะที่จะไม่เป็นไปตามระบบความงามบางอย่าง

แต่ละสไตล์มีคุณสมบัติพิเศษของตัวเอง ดังนั้น บาโรกจึงมีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ รวมถึงรูปแบบวัฏจักรขนาดใหญ่ ความแตกต่างหลายแง่มุม และการเปรียบเทียบหลักการโพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิกในการเขียนดนตรี ชุดนาฏศิลป์บาโรกตามที่ระบุไว้โดย A.Yu. Kudryashov โดยทั่วไปแสดงถึงการเคลื่อนไหวพร้อมกันในสองรูปแบบ - เป็นศูนย์รวมของอารมณ์หลักสี่ประการของมนุษย์และเป็นขั้นตอนในการไหลของความคิดของมนุษย์ (เศร้าโศก - "วิทยานิพนธ์" เจ้าอารมณ์ตีระฆัง - "การพัฒนาวิทยานิพนธ์", sarabande วางเฉย - "ต่อต้านวิทยานิพนธ์", จิ๊กร่าเริง - "การหักล้างวิทยานิพนธ์" เพื่อให้ผู้ฟังประหลาดใจผู้ชมทำให้เขาประหลาดใจทำให้เขากลายเป็นเป้าหมายของศิลปะ ของศตวรรษที่ 11

ดังที่ O. Zakharova ตั้งข้อสังเกต การแสดงในที่สาธารณะของศิลปินเดี่ยวเริ่มมีบทบาทสำคัญ การจัดสรรของพวกเขาไปยังสถานที่แรกที่เปิดเผยต่อสาธารณชนในขณะที่คณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีซึ่งก่อนหน้านี้อยู่ต่อหน้าต่อตาของผู้ชมโดยตรงคือ ย้ายไปที่พื้นหลัง

ในยุคบาโรก ประเภทของโอเปร่ากำลังพัฒนาอย่างรวดเร็ว และในขณะที่ V. Martynov ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้อง โอเปร่าได้กลายเป็นวิถีแห่งการดำรงอยู่ของดนตรี แก่นสารของมัน ... และเมื่อนักประพันธ์เพลงบาโรกเขียนมวลชนและโมเต็ต ฝูงและโมเต็ตของพวกเขาคือ โอเปร่าเดียวกันหรือเศษของโอเปร่าโดยมีความแตกต่างเพียงอย่างเดียวคืออิงตามตำราศักดิ์สิทธิ์ซึ่งกลายเป็นเป้าหมายของ "การแสดงดนตรี"

แก่นของดนตรีบาโรกคือผลกระทบ ที่เข้าใจในยุคนั้นว่าเป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกที่มีแนวคิดเรื่องนิรันดร์กาล “จุดประสงค์ของดนตรีคือเพื่อให้เรามีความสุขและกระตุ้นความรู้สึกต่างๆ ในตัวเรา” R. Descartes เขียนไว้ในบทความเรื่อง “Compendium of Music” การจำแนกประเภทของผลกระทบทำโดย A. Kircher - ความรัก, ความเศร้า, ความกล้าหาญ, ความสุข, ความพอประมาณ, ความโกรธ, ความยิ่งใหญ่, ความศักดิ์สิทธิ์, จากนั้น - โดย I. Walter - ความรัก, ความทุกข์, ความสุข, ความโกรธ, ความเห็นอกเห็นใจ, ความกลัว, ความร่าเริง, ความประหลาดใจ

นักประพันธ์เพลงแห่งยุคบาโรกให้ความสนใจอย่างมากกับการออกเสียงคำในภาษาพื้นเมืองตามกฎหมายของ r และ tor และ k และ ตามคำกล่าวของ Y. Lotman “วาทศาสตร์ของข้อความแบบบาโรกมีลักษณะเฉพาะด้วยการปะทะกันภายในพื้นที่ทั้งหมดซึ่งทำเครื่องหมายด้วยการวัดแบบกึ่งสัญชาตญาณที่แตกต่างกัน ในการปะทะกันของภาษา หนึ่งในนั้นมักจะปรากฏเป็น "ธรรมชาติ" (ไม่ใช่ภาษา) อย่างสม่ำเสมอ และอีกส่วนหนึ่งมักปรากฏเป็นเทียมอย่างเด่นชัด

ต่อไปนี้คือบุคคลที่มีชื่อเสียงด้านดนตรีและวาทศิลป์ในศิลปะบาโรก:

การเคลื่อนไหวของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์, การฟื้นคืนพระชนม์);

การเคลื่อนไหวลงของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของความบาปหรือการเปลี่ยนไปสู่ ​​"โลกเบื้องล่าง");

การเคลื่อนไหวเป็นวงกลมของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของ "ลมกรดในนรก" (Dante) หรือในทางตรงกันข้ามการตรัสรู้ของพระเจ้า);

ทำนองขึ้นหรือลงเหมือนสเกลของทำนองอย่างรวดเร็ว (เป็นสัญลักษณ์ของแรงบันดาลใจในด้านหนึ่งหรือความโกรธในอีกด้านหนึ่ง);

การเคลื่อนไหวของท่วงทำนองตามช่วงสีที่แคบ (เป็นสัญลักษณ์ของความสยองขวัญความชั่วร้าย);

ความคืบหน้าของท่วงทำนองสำหรับช่วงสีที่กว้าง ช่วงเวลาที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง หรือหยุดในทุกเสียง (เป็นสัญลักษณ์แห่งความตาย)

สไตล์โรโกโกมีลักษณะเฉพาะด้วยโลกแห่งภาพที่เปราะบาง สง่างาม หรือเชอโซของตัวละครซาลอนที่กล้าหาญ และภาษาดนตรีประกอบด้วยรูปแบบที่ไพเราะ เมลิสสา และความโปร่งใสของพื้นผิว นักแต่งเพลงพยายามที่จะรวบรวมอารมณ์ที่ไม่สงบ แต่การพัฒนาของพวกเขาไม่ได้ส่งผลกระทบอย่างสงบ แต่เป็นความรู้สึกที่มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วในความตึงเครียดและการปลดปล่อย สำหรับพวกเขา คำพูดที่ชัดเจนของการแสดงออกของความคิดทางดนตรีกลายเป็นนิสัย รูปภาพนิ่งที่ไม่สั่นคลอนทำให้เกิดความแปรปรวน ความสงบในการเคลื่อนไหว

สไตล์คลาสสิก - ตามที่นักวิชาการ D. Likhachev เป็นหนึ่งใน "รูปแบบที่ยอดเยี่ยมของยุค" ที่เป็นไปได้ ในด้านสุนทรียศาสตร์ของสไตล์คลาสสิก สิ่งสำคัญคือต้องเน้นถึงความสมดุลที่ปรับอย่างระมัดระวังของประสาทสัมผัสโดยตรง เหตุผลเชิงตรรกะ และเชิงอุดมคติที่ล้ำเลิศ ซึ่งฝังอยู่ในผลงาน ความสำนึกในตนเองแบบคลาสสิกของศิลปิน การเอาชนะ "พลังของ พลังมืด" และเปลี่ยนเป็น "แสงงามตระการตา" (E. Kurt) ดังนั้นจึงสอดคล้องกับตัวอย่างคลาสสิกของศิลปะในอดีตก่อนอื่น - โบราณการกระตุ้นความสนใจซึ่งเป็นหนึ่งในสัญญาณบ่งชี้ ของการก่อตัวของคลาสสิกใด ๆ (A.Yu. Kudryashov) สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในยุคของคลาสสิกคือการก่อตัวของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนีสี่ขบวน อ้างอิงจากส M.G. Aranovsky เขาให้คำจำกัดความความหมายของสี่ hypostases หลักของบุคลิกภาพของมนุษย์: Active Man, Thinking Man, Playing Man, Public Man โครงสร้างสี่ส่วนดังที่ N. Zhirmunskaya เขียนไว้ทำหน้าที่เป็นแบบจำลองสากลของโลก - เชิงพื้นที่และเวลาสังเคราะห์มหภาค - จักรวาล - และพิภพเล็ก - มนุษย์ “การหักเหแบบต่างๆ ของโมเดลนี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยการเชื่อมต่อเชิงสัญลักษณ์และเชิงสัญลักษณ์ บางครั้งแปลเป็นภาษาของภาพและโครงเรื่องในตำนานที่คุ้นเคย: องค์ประกอบต่างๆ สะท้อนถึงฤดูกาล วัน ช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์ ประเทศต่างๆ ในโลก (เช่น ฤดูหนาว) - กลางคืน - แก่ - เหนือ - ดิน ฯลฯ ) ป.)"

กลุ่มของตัวเลขเชิงความหมายทั้งหมดที่มีความหมายแบบ Masonic ปรากฏขึ้นซึ่ง E. Chigareva เปิดเผยในผลงานของ Mozart“ Melody and me: การขึ้นสู่อันดับที่หกคือความหวังความรักความสุข การกักขัง, บันทึกย่อคู่ - พันธบัตรของภราดรภาพ; grupto - ความสุขของอิฐ; จังหวะ: จังหวะประ, ... เน้นคอร์ด staccato ตามด้วยการหยุดชั่วคราว - ความกล้าหาญและความมุ่งมั่น; ความสามัคคี: สามคู่ขนาน, คอร์ดที่หกและหก - ความสามัคคีความรักและความสามัคคี คอร์ด "กิริยา" (บันไดข้าง - VI ฯลฯ ) - ความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา chromatisms, คอร์ดที่เจ็ดลดลง, ความไม่ลงรอยกัน - ความมืด, ไสยศาสตร์, รัศมีและความบาดหมางกัน

ความซับซ้อนของเนื้อหาศูนย์กลางของโลกศิลปะของเบโธเฟนคือความงามและความสมดุลของรูปแบบการจัดระเบียบอย่างเคร่งครัดของวาทศิลป์ทางดนตรีและวาทศิลป์ความคิดที่มีจริยธรรมสูงบทบาทที่ยิ่งใหญ่ของสิ่งที่ตรงกันข้าม - ทั้งในระดับไวยากรณ์ดนตรีและในระดับของรูปแบบ .

แนวโรแมนติกเป็นสไตล์ที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 19 Yu.Gabai หนึ่งในนักวิจัยด้านดนตรีแนวโรแมนติก ระบุวิธีการตีความแนวโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 สามวิธี: ตรงกันข้ามกับวิธีคลาสสิก หมายถึงศิลปะคริสเตียน ประการที่สอง มีความเกี่ยวข้องกับประเพณีภาษาโรมานซ์ กล่าวคือ นวนิยายกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสโบราณ ประการที่สาม กำหนดบทประพันธ์บทกวีอย่างแท้จริง สิ่งที่ทำให้กวีนิพนธ์ที่ยิ่งใหญ่มีชีวิตอยู่เสมอ (ในกรณีหลัง ความโรแมนติก การมองประวัติศาสตร์เป็นกระจกสะท้อนของ อุดมคติของพวกเขาพบพวกเขาและเชคสเปียร์และเซร์บันเตสและดันเต้และโฮเมอร์และคาลเดอรอน)

ในภาษาดนตรี นักวิจัยสังเกตเห็นการเพิ่มขึ้นของบทบาทที่แสดงออกและมีสีสันของความกลมกลืน ทำนองแบบสังเคราะห์ การใช้รูปแบบอิสระ ความปรารถนาผ่านการพัฒนา รูปแบบใหม่ของเปียโนและเท็กซ์เจอร์ของวงออร์เคสตรา ความคิดของโนวาลิสเรื่องร้อยแก้วที่โรแมนติก เปลี่ยนแปลงอย่างมาก อัศจรรย์ ด้วยผลัดพิเศษ กระโดดอย่างรวดเร็ว สามารถคาดการณ์ถึงดนตรีได้ วิธีที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกทางดนตรีของแนวคิดเรื่องการก่อตัวและการเปลี่ยนแปลงซึ่งเป็นสากลสำหรับแนวโรแมนติกคือการร้องเพลงที่เพิ่มขึ้น, เพลง, cantilena, นำเสนอใน Schubert, Chopin, Brahms, Wagner เป็นต้น

การเขียนโปรแกรมเป็นปรากฏการณ์ของการคิดทางดนตรี

ยุคโรแมนติกนำมาซึ่งวิธีพิเศษในการแสดงออกทางดนตรี เราควรคำนึงถึงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างเพลงที่เป็นโปรแกรมและเพลงที่ไม่ใช่โปรแกรม เนื่องจากตามคำกล่าวของโชแปง "ไม่มีดนตรีจริงที่ไม่มีความหมายที่ซ่อนอยู่" และโหมโรงของโชแปง - ตามคำกล่าวของนักเรียน - เป็นคำสารภาพของผู้สร้าง Sonata ใน B-flat minor ที่มี "การเดินขบวนศพ" ที่มีชื่อเสียงตาม Schumann "ไม่ใช่ดนตรี แต่เป็นสิ่งที่มีวิญญาณที่น่าสะพรึงกลัว" ตาม A. Rubinstein - "ลมที่พัดในเวลากลางคืนเหนือโลงศพใน สุสาน” ...

ในดนตรีของศตวรรษที่ 20 เราสังเกตเทคนิคการแต่งเพลงที่หลากหลายเป็นพิเศษ: โทนเสียงที่ไม่ธรรมดา, โซโนริสติกที่ไม่แตกต่างกันในระดับเสียง, เอฟเฟกต์เสียงต่ำ, aleatorics เช่นเดียวกับระบบสิบสองโทน, neomodality, ความต่อเนื่อง, ความต่อเนื่อง การเปิดกว้างขององค์ประกอบแต่ละส่วนของดนตรีของศตวรรษที่ 20 เป็นจุดเด่นของวัฒนธรรมสมัยใหม่โดยรวมตามที่นักวัฒนธรรมชาวฝรั่งเศส A. Mol กล่าวอย่างถูกต้องว่า: "วัฒนธรรมสมัยใหม่คือโมเสก ... แนวคิดทั่วไปอย่างแท้จริง แต่อยู่บน อีกทางหนึ่งมีหลายแนวคิดที่มีน้ำหนักมาก

ในดนตรี แนวเพลงร้อง-เพลง-cantilena ถูกทำลาย วิธีอื่นในการแสดงออกทางดนตรีก็ได้รับการปลดปล่อยเช่นกัน (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern, ฯลฯ ) และลักษณะการแสดงที่ผิดปกติปรากฏว่าร่วมสมัยที่น่าตกใจเช่น , ในการเล่นโดย G. Cowell " Harmonic adventures” - การใช้คลัสเตอร์ (คอร์ดประกอบด้วยวินาที), เทคนิคการแยกเปียโนด้วยกำปั้น, ฝ่ามือหรือปลายแขนทั้งหมด ...

แนวความคิดสมัยใหม่ปรากฏในดนตรี มาจากการวาดภาพและศิลปะอื่นๆ ดังนั้นที่ต้นกำเนิดของปรากฏการณ์เช่น bruit และ tizm หรือศิลปะแห่งเสียง (จากคำภาษาฝรั่งเศส bruit - noise) เป็นจิตรกรชาวอิตาลี Luigi Russolo ซึ่งในแถลงการณ์ของเขา "The Art of Noises" เขียนว่า "ศิลปะดนตรี แสวงหาการผสมผสานของเสียงที่ไม่ลงรอยกัน แปลกประหลาดที่สุด และรุนแรงที่สุด... เราจะสนุกไปกับการจัดประตูร้านที่ลั่นดังเอี๊ยดบนบล็อก เสียงอึกทึกของฝูงชน เสียงต่างๆ ของสถานีรถไฟ โรงตีเหล็ก โรงสีหมุน โรงพิมพ์ โรงผลิตไฟฟ้า และ รถไฟใต้ดิน… เราไม่ควรลืมเสียงใหม่อย่างสมบูรณ์ของสงครามสมัยใหม่… เปลี่ยนให้เป็นเพลงและควบคุมพวกเขาอย่างกลมกลืนและเป็นจังหวะ”

แนวโน้มสมัยใหม่อีกอย่างหนึ่งคือใช่และ sm สาระสำคัญสมัยใหม่ของ Dadaism สามารถติดตามได้ในคำแถลงของศิลปิน G. Gross: วงกลมที่ลอยอยู่เหนือห้องเรียนและเป็นมนุษย์ต่างดาวต่อความรับผิดชอบและการมีส่วนร่วมในชีวิตประจำวัน การมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการทำงานของสโมสรเบอร์ลิน "ดาด้า" ถูกนำโดยนักแต่งเพลงและศิลปินซึ่งเป็นชาวรัสเซีย Efim Golyshev หนึ่งในตัวแทนของวิธีการสิบสองโทนขององค์ประกอบในศตวรรษที่ยี่สิบ ในบรรดาผลงานเพลงและละครเวทีของเขา ได้แก่ "ดาด้าเต้นรำสวมหน้ากาก", "พัฟฟิ่งซ้อมรบ", "ยาง" สำหรับกลองสองลำ เขย่าแล้วมีเสียงสิบครั้ง ผู้หญิงสิบคน และบุรุษไปรษณีย์หนึ่งคน มีผลงานในเมืองโดย Honegger (Pacific-231), Prokofiev (บัลเล่ต์ Steel Jump), Mosolov (ตอน Symphonic "The Factory. Music of Machines" จากบัลเล่ต์ "Steel"), Varese ("Ionization" สำหรับเครื่องเคาะจังหวะสี่สิบเอ็ดเครื่อง และไซเรนสองตัว) - นอกจากนี้ แนวโน้มเหล่านี้ถูกหักเหไปในทิศทางของเปรี้ยวจี๊ดทางดนตรีหลังสงคราม สิ่งเหล่านี้คือดนตรีที่เป็นรูปธรรมและอิเล็กทรอนิกส์ เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นทั้งมวลและโรงละครบรรเลง โซโนริสติกส์ กระบวนการมัลติมีเดีย (ผลงานโดย P. Schaeffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage เป็นต้น )

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 เงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของ neo-classicism ซึ่งตาม L. Raben นั้นเป็นสากลมากที่สุดของระบบดนตรีใหม่ของศตวรรษที่ 20

แนวเพลงก็มีแนวโน้มหลากหลายเช่นกัน P o l และ s t และ -

l และ s t และ k a - การผสมผสานที่ใส่ใจในงานเดียวของคุณสมบัติโวหารต่างๆ “คำจำกัดความของ polystylistics หมายถึงการผสมผสานโดยเจตนาของปรากฏการณ์โวหารต่าง ๆ ในงานเดียว ความหลากหลายทางโวหารที่เกิดจากการใช้เทคนิคจำนวนหนึ่ง (กรณีพิเศษอย่างหนึ่งคือการจับแพะชนแกะ)” - (Musical Encyclopedia, v.Z, p.338) หนึ่งในกรณีที่น่าสนใจของการใช้โพลีสไตลิสติกแนวตั้งพบได้ใน "Serenade" ของ A. Schnittke สำหรับเครื่องดนตรีห้าชิ้น: ในอันดับที่ 17 ของคะแนน แรงจูงใจของ Violin Concerto ของ Tchaikovsky และจุดเริ่มต้นของส่วนหลักของเสียงเปียโนคอนแชร์โต้ตัวแรกของเขาที่ ในเวลาเดียวกัน และหมายเลข 19 รวมเพลงของ Shemakhan Queen จาก The Golden Cockerel » Rimsky-Korsakov คอร์ดเบื้องต้นของ Pathétique Sonata ของ Beethoven และข้อความจาก Bach's Chaconne สำหรับไวโอลินเดี่ยว

แนวดนตรีคือประเภทและประเภทของงานดนตรีที่มีการพัฒนาในอดีตที่เกี่ยวข้องกับฟังก์ชันบางอย่างของดนตรี จุดประสงค์ในชีวิต เงื่อนไขสำหรับการแสดงและการรับรู้ Ye. หน้าที่ทางศิลปะให้คำจำกัดความมากมาย) b) เงื่อนไขและวิธีการปฏิบัติ c) ลักษณะของเนื้อหาและรูปแบบของการดำเนินการ ประเภทคือโครงสร้างที่มีหลายองค์ประกอบ พันธุกรรมสะสม (อาจถึงกับเรียกว่ายีน) ซึ่งเป็นเมทริกซ์ชนิดหนึ่งตามซึ่งสิ่งนี้หรือศิลปะทั้งหมดถูกสร้างขึ้น หากรูปแบบคำอ้างถึงแหล่งที่มาของเราถึงผู้ที่ให้กำเนิดการสร้างสรรค์ดังนั้นประเภทคำหมายถึงรูปแบบทางพันธุกรรมที่งานเกิดขึ้นเกิดและสร้างขึ้น ประเภทเป็นโครงการทั่วไปแบบองค์รวม แบบจำลอง เมทริกซ์ แคนนอน ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรีที่เฉพาะเจาะจง

ในงานของ T.V. Popova มีเกณฑ์สองข้อเป็นพื้นฐานสำหรับการจำแนกประเภท: เงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของดนตรีและคุณสมบัติของการแสดง V.A. Zuckerman ระบุประเภทหลักสามกลุ่ม: ประเภทโคลงสั้น ๆ ประเภทการเล่าเรื่องและมหากาพย์และประเภทยนต์ที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว A.N. Sohor ใช้เงื่อนไขของการดำรงอยู่สภาพแวดล้อมของประสิทธิภาพเป็นเกณฑ์หลัก นักวิทยาศาสตร์แยกแยะประเภทหลักสี่กลุ่ม: ประเภทลัทธิหรือพิธีกรรม, ประเภทมวลชน, ประเภทคอนเสิร์ต, ประเภทละคร การจัดระบบของแนวเพลงที่สร้างโดย O.V. Sokolov ขึ้นอยู่กับการเชื่อมต่อของดนตรีกับศิลปะอื่น ๆ หรือส่วนประกอบที่ไม่ใช่ดนตรีตลอดจนฟังก์ชันของมัน มันเป็นดนตรีบริสุทธิ์ เพลงโต้ตอบ เพลงประยุกต์ เพลงโต้ตอบประยุกต์

T.V. Popova จัดประเภทหลักของดนตรีคลาสสิกดังนี้:

ประเภทเสียงร้อง (เพลง, เพลงชาติ, นักร้องประสานเสียง, บทบรรยาย, โรแมนติก, บัลลาด, อาเรีย, arietta, arioso, cavatina, ร้อง, ทั้งมวล);

เพลงแดนซ์. ชุดเต้นรำเก่า

แนวเพลงบรรเลง (โหมโรง, การประดิษฐ์, etude, toccata, ทันควัน, ช่วงเวลาดนตรี, น็อคเทิร์น, บาร์คารอล, เซเรเนด, scherzo, hummoresque, capriccio, แรพโซดี, เพลงบัลลาด, นวนิยาย);

ดนตรีไพเราะและแชมเบอร์;

วงจรโซนาตา - ซิมโฟนี, คอนแชร์โต้, ชุดไพเราะของศตวรรษที่ 19 - 20;

ประเภทการเคลื่อนไหวเดียว (ไม่หมุนเวียน) ของศตวรรษที่ 19-20 (ทาบทาม, แฟนตาซี, บทกวีไพเราะ, ภาพไพเราะ, โซนาตาการเคลื่อนไหวเดียว;

งานดนตรีและละคร. โอเปร่าและบัลเล่ต์

Cantata, oratorio, บังสุกุล

วรรณกรรม

หลัก

1. Bonfeld M. Sh. การวิเคราะห์งานดนตรี โครงสร้างของดนตรีวรรณยุกต์:

เวลา 14.00 น. วลาดอส 2546

2. Bonfeld M. Sh. ดนตรีวิทยาเบื้องต้น ม.: วลาดอส, 2001.

3. Berezovchuk L. แนวดนตรีเป็นระบบการทำงาน: ด้านจิตวิทยาและสัญญะ // แง่มุมของดนตรีเชิงทฤษฎี. ปัญหาของดนตรีวิทยา ฉบับที่ 2 ล., 1989. S.95-122.

4. Gusev V. สุนทรียศาสตร์ของคติชนวิทยา ล., 1967.

5. Kazantseva L.P. พื้นฐานของทฤษฎีเนื้อหาดนตรี: ตำราเรียน เงินช่วยเหลือสำหรับนักศึกษามหาวิทยาลัยดนตรี แอสตราคาน, 2001.

6. Kazantseva L.P. Polystylists ในดนตรี: การบรรยายในหลักสูตร "การวิเคราะห์ผลงานดนตรี" คาซาน, 1991.

7. Kolovsky O. P. การวิเคราะห์งานแกนนำ: ตำราเรียน คู่มือสำหรับนักศึกษามหาวิทยาลัยดนตรี / O. P. Kolovsky [และอื่น ๆ ] L.: ดนตรี, 1988.

8. Konen V.D. ชั้นที่สาม: แนวเพลงใหม่ในยุคศตวรรษที่ยี่สิบ ม., 1994.

9. Mazel L. , Zukkerman V. การวิเคราะห์งานดนตรี: ตำราเรียน เบี้ยเลี้ยง. ม.: ดนตรี, 1967.

10. พจนานุกรมดนตรีสารานุกรม ม., 1998.

11. Nazaikinsky E. V. สไตล์และแนวเพลง: ตำราเรียน เบี้ยเลี้ยงสำหรับนักศึกษาสถาบันอุดมศึกษา ม.: วลาดอส, 2546.

12. โปโปวาทีวี แนวเพลงและรูปแบบ ฉบับที่ 2 ม., 2497.

13. Reutersstein M. พื้นฐานของการวิเคราะห์ดนตรี: ตำราเรียน ม.: วลาดอส, 2001.

14. Ruchevskaya E. A. รูปแบบดนตรีคลาสสิก เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นักแต่งเพลง, 1998.

15. Sokolov A. S. บทนำสู่องค์ประกอบทางดนตรีของศตวรรษที่ยี่สิบ: ตำราเรียน เบี้ยเลี้ยงสำหรับมหาวิทยาลัย ม.: วลาดอส, 2004.

16. Sokolov O.V. สู่ปัญหาการจำแนกประเภทดนตรี // ปัญหาดนตรีแห่งศตวรรษที่ XX กอร์กี, 1977.

17. Tyulin Yu. N. รูปแบบดนตรี: ตำราเรียน. เบี้ยเลี้ยง / Yu. N. Tyulin [และอื่น ๆ ] ล.: ดนตรี 2517

18. Kholopova VN รูปแบบของงานดนตรี เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Lan, 2001.

เพิ่มเติม

1. Alexandrova L. V. ระเบียบและสมมาตรในศิลปะดนตรี: ด้านตรรกะและประวัติศาสตร์ โนโวซีบีสค์, 1996.

2. Grigorieva GV การวิเคราะห์งานดนตรี Rondo ในเพลงของศตวรรษที่ยี่สิบ ม.: ดนตรี, 1995.

4. Kazantseva L.P. การวิเคราะห์เนื้อหาดนตรี: วิธีการ เบี้ยเลี้ยง. แอสตราคาน, 2002.

5. Krapivina I. V. ปัญหาในการสร้างความเรียบง่ายทางดนตรี โนโวซีบีสค์, 2003.

6. Kudryashov A.Yu ทฤษฎีเนื้อหาดนตรี ม., 2549.

7. Mazel L. รูปแบบอิสระของ F. Chopin ม.: ดนตรี, 2515.

8. สารานุกรมดนตรี ม., 1974–1979. ต. 1–6

9. Ovsyankina G. P. วัฏจักรเปียโนในดนตรีรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ: โรงเรียนของ D. D. Shostakovich เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นักแต่งเพลง 2546

10. Zuckerman V. การวิเคราะห์งานดนตรี แบบฟอร์มการเปลี่ยนแปลง: หนังสือเรียน. สำหรับสตั๊ด นักดนตรี อ๊อต ดนตรี มหาวิทยาลัย ม.: ดนตรี, 2530.

ADAGIO- 1) ก้าวช้า; 2) ชื่อเรื่องของงานหรือส่วนหนึ่งขององค์ประกอบที่เป็นวัฏจักรในจังหวะ adagio; 3) โซโลหรือเต้นคู่ช้าในบัลเล่ต์คลาสสิก
อุปกรณ์เสริม- ดนตรีประกอบของศิลปินเดี่ยว วงดนตรี วงออเคสตรา หรือคณะนักร้องประสานเสียง
คอร์ด- การรวมกันของเสียงหลาย ๆ (อย่างน้อย 3) ที่มีความสูงต่างกันซึ่งถือเป็นความสามัคคีที่ดี เสียงในคอร์ดถูกจัดเรียงเป็นสามส่วน
สำเนียง- การแยกเสียงใดเสียงหนึ่งที่แรงกว่าและกระทบกระเทือนกว่าเสียงอื่น
อัลเลโกร- 1) ก้าวที่สอดคล้องกับขั้นตอนที่เร็วมาก; 2) ชื่อของชิ้นส่วนหรือส่วนของวงจรโซนาตาในจังหวะอัลเลโกร
อัลเลเกรตโต- 1) จังหวะช้ากว่าอัลเลโกร แต่เร็วกว่าโมเดอราโต 2) ชื่อเรื่องของบทละครหรือส่วนหนึ่งของงานในจังหวะอัลเลเกรตโต
การเปลี่ยนแปลง- การเพิ่มและลดระดับของมาตราส่วนกิริยาโดยไม่ต้องเปลี่ยนชื่อ อุบัติเหตุ - คม, แบน, คมสองเท่า, แบนสองเท่า; สัญญาณของการยกเลิกคือ bekar
อันดันเต้- 1) ก้าวปานกลางซึ่งสอดคล้องกับขั้นตอนที่สงบ 2) ชื่อเรื่องของงานและส่วนหนึ่งของวงจรโซนาตาในจังหวะอันดันเต้
อันดันติโน- 1) ก้าวมีชีวิตชีวากว่าอันดันเต้; 2) ชื่อเรื่องของงานหรือส่วนหนึ่งของวงจรโซนาตาในจังหวะอันอันติโน
ENSEMBLE- กลุ่มนักแสดงที่ทำหน้าที่เป็นกลุ่มศิลปะกลุ่มเดียว
การจัดเตรียม- การประมวลผลเพลงเพื่อการแสดงบนเครื่องดนตรีอื่นหรือองค์ประกอบอื่น ๆ ของเครื่องดนตรีเสียง
ARPEGGIO- การแสดงของเสียงตามลำดับ มักจะเริ่มต้นด้วยโทนเสียงที่ต่ำลง
เบส- 1) เสียงผู้ชายต่ำสุด; 2) เครื่องดนตรีของรีจิสเตอร์ต่ำ (ทูบา, ดับเบิลเบส); 3) เสียงล่างของคอร์ด
เบลแคนโต- สไตล์เสียงร้องที่เกิดขึ้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยความสวยงามและความง่ายของเสียง ความสมบูรณ์แบบของ cantilena ความมีคุณธรรมของ coloratura
รูปแบบต่างๆ- บทเพลงที่มีการแสดงธีมหลายครั้งโดยมีการเปลี่ยนแปลงเนื้อสัมผัส โทนเสียง เมโลดี้ ฯลฯ
อัจฉริยะ- นักแสดงที่คล่องแคล่วในน้ำเสียงหรือศิลปะในการเล่นเครื่องดนตรี
โวคาไลซิส- เพลงสำหรับร้องเพลงโดยไม่มีเสียงสระ มักจะเป็นการออกกำลังกายเพื่อพัฒนาเทคนิคการร้อง เสียงร้องสำหรับการแสดงคอนเสิร์ตเป็นที่รู้จัก
VOCAL MUSIC - ใช้ได้กับหนึ่งเสียง หลายเสียงหรือหลายเสียง (มีหรือไม่มีเครื่องดนตรีประกอบ) โดยมีข้อยกเว้นบางประการที่เกี่ยวข้องกับข้อความบทกวี
ความสูงเสียง - คุณภาพของเสียงที่กำหนดโดยบุคคลและเกี่ยวข้องกับความถี่เป็นหลัก
แกมม่า- การต่อเนื่องของเสียงทั้งหมดของโหมด ซึ่งกำหนดจากโทนเสียงหลักในลำดับจากน้อยไปมากหรือจากมากไปน้อย มีระดับเสียงของอ็อกเทฟ สามารถต่อเป็นเลอะเลือนข้างเคียงได้
ความสามัคคี- วิธีการแสดงดนตรีโดยอาศัยการผสมผสานของโทนเสียงเข้ากับพยัญชนะบนการเชื่อมต่อของพยัญชนะในการเคลื่อนไหวตามลำดับ มันถูกสร้างขึ้นตามกฎของโหมดในเพลงโพลีโฟนิก องค์ประกอบของความสามัคคีคือจังหวะและการมอดูเลต หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีเป็นหนึ่งในส่วนหลักของทฤษฎีดนตรี
VOICE- ชุดเสียงที่มีความสูง ความแรง และเสียงต่ำ อันเป็นผลมาจากการสั่นของสายเสียงที่ยืดหยุ่นได้
แนว- ระดับเสียง (ช่วงระหว่างเสียงต่ำสุดและสูงสุด) ของเสียงร้อง เครื่องดนตรี
ไดนามิกส์- ความแตกต่างของระดับความแรงของเสียง ความดัง และการเปลี่ยนแปลง
การดำเนิน- การจัดการกลุ่มดนตรีและการแสดงระหว่างการเรียนรู้และการแสดงดนตรีในที่สาธารณะ ดำเนินการโดยผู้ควบคุมวง (หัวหน้าวง นักร้องประสานเสียง) โดยใช้ท่าทางพิเศษและการแสดงออกทางสีหน้า
เสียงแหลม- 1) รูปแบบของการร้องเพลงสองส่วนในยุคกลาง; 2) เสียงเด็กสูง (เด็กผู้ชาย) รวมถึงส่วนที่เขาแสดงในคณะนักร้องประสานเสียงหรือนักร้อง
ความไม่ลงรอยกัน- โทนเสียงต่างๆ ที่ไม่ผสมและตึงเครียดพร้อมๆ กัน
ระยะเวลา- เวลาที่ใช้เสียงหรือหยุดชั่วคราว
ที่เด่น- หนึ่งในหน้าที่ของวรรณยุกต์ในเมเจอร์และไมเนอร์ซึ่งมีแรงดึงดูดอย่างมากต่อยาชูกำลัง
ลม INSTRUMENTS - กลุ่มเครื่องดนตรีที่มีแหล่งกำเนิดเสียงคือการสั่นสะเทือนของคอลัมน์อากาศในกระบอกสูบ (หลอด)
ประเภท- หน่วยที่จัดตั้งขึ้นในอดีตประเภทของงานในความสามัคคีของรูปแบบและเนื้อหา พวกเขาแตกต่างกันในวิธีการแสดง (เสียงร้อง เสียงร้อง เดี่ยว) วัตถุประสงค์ (ประยุกต์ ฯลฯ) เนื้อหา (โคลงสั้น ๆ มหากาพย์ ละคร) สถานที่และเงื่อนไขของการแสดง (ละคร คอนเสิร์ต แชมเบอร์ เพลงภาพยนตร์ ฯลฯ .)
ซาเปฟ- ส่วนเบื้องต้นของเพลงประสานเสียงหรือมหากาพย์
เสียง- โดดเด่นด้วยระดับเสียงและความดัง
การเลียนแบบ- ในงานดนตรีแบบโพลีโฟนิก การทำซ้ำที่แน่นอนหรือแก้ไขในเสียงใด ๆ ของท่วงทำนองที่ก่อนหน้านี้ฟังในเสียงอื่น
ปฏิภาณโวหาร- การแต่งเพลงระหว่างการแสดงโดยไม่ต้องเตรียมการ
เครื่องมือดนตรี - มีไว้สำหรับการแสดงบนเครื่องดนตรี: เดี่ยว, ทั้งมวล, วงออเคสตรา
INSTRUMENTATION- การนำเสนอดนตรีในรูปแบบของบทเพลงสำหรับแชมเบอร์ทั้งมวลหรือวงออเคสตรา
INTERVAL- อัตราส่วนความสูงสองเสียง มันเกิดขึ้นไพเราะ (เสียงจะถูกนำมาสลับกัน) และฮาร์มอนิก (เสียงจะถูกนำมาพร้อมกัน)
การแนะนำ- 1) บทนำสั้นๆ เกี่ยวกับส่วนแรกหรือตอนจบของเพลงบรรเลงแบบวนซ้ำ 2) การทาบทามสั้น ๆ ของโอเปร่าหรือบัลเลต์ บทนำเกี่ยวกับการกระทำที่แยกจากกันของโอเปร่า 3) คณะนักร้องประสานเสียงหรือกลุ่มแกนนำตามการทาบทามและเปิดการแสดงโอเปร่า
จังหวะ- 1) เทิร์นฮาร์มอนิกหรือไพเราะทำให้โครงสร้างดนตรีสมบูรณ์และมีความสมบูรณ์ไม่มากก็น้อย 2) ตอนเดี่ยวอัจฉริยะในคอนแชร์โต้บรรเลง
ห้องเพลง - เพลงบรรเลงหรือเสียงร้องสำหรับนักแสดงกลุ่มเล็ก
ส้อม- อุปกรณ์พิเศษที่ส่งเสียงความถี่ที่แน่นอน เสียงนี้ใช้เป็นมาตรฐานในการปรับแต่งเครื่องดนตรีและการร้องเพลง
CLAVIERE- 1) ชื่อทั่วไปของเครื่องสายคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 17-18 2) คำย่อของคำว่า klaviraustsug - การจัดเรียงโน้ตโอเปร่า oratorio ฯลฯ สำหรับการร้องเพลงด้วยเปียโนเช่นเดียวกับเปียโนหนึ่งตัว
ลูกคอ- บทร้องที่เร็ว ยากในทางเทคนิค เก่งกาจ
องค์ประกอบ- 1) การก่อสร้างงาน; 2) ชื่อผลงาน; 3) แต่งเพลง; 4) วิชาในสถาบันการศึกษาดนตรี
CONSONANCE- การเปล่งเสียงต่อเนื่องกันอย่างต่อเนื่องของโทนเสียงต่างๆ ซึ่งเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของความสามัคคี
คอนทรัลโต- เสียงผู้หญิงต่ำ
CULMINATION- ช่วงเวลาแห่งความตึงเครียดสูงสุดในการก่อสร้างดนตรี ส่วนหนึ่งของงานดนตรี งานทั้งหมด
LAD- หมวดหมู่ความงามที่สำคัญที่สุดของดนตรี: ระบบการเชื่อมต่อระดับเสียงที่รวมเป็นหนึ่งเดียวโดยเสียงกลาง (ความสอดคล้อง) ความสัมพันธ์ของเสียง
ประเด็นสำคัญ- การหมุนเวียนทางดนตรีที่ทำซ้ำในงานที่เป็นลักษณะหรือสัญลักษณ์ของตัวละคร, วัตถุ, ปรากฏการณ์, ความคิด, อารมณ์
LIBRETTO- ข้อความวรรณกรรมซึ่งใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างสรรค์งานดนตรีใด ๆ
เมโลดี้- การแสดงความคิดทางดนตรีแบบโมโนโฟนิกซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของดนตรี ชุดของเสียงที่จัดเป็นกิริยาช่วยเป็นกิริยาช่วยและเป็นจังหวะ ทำให้เกิดโครงสร้างบางอย่าง
เมตร- ลำดับการสลับของจังหวะที่แรงและอ่อน ระบบการจัดจังหวะ
เครื่องเมตรอนอม- เครื่องมือที่ช่วยกำหนดจังหวะการทำงานที่ถูกต้อง
เมซโซ่ โซปราโน- เสียงผู้หญิง ตรงกลางระหว่างโซปราโนกับคอนทราลโต
โพลีโฟนี- คลังเพลงที่ผสมผสานเสียงหลายเสียงพร้อมกัน
MODERATO- จังหวะปานกลาง เฉลี่ยระหว่าง andantino และ allegretto
MODULATION- เปลี่ยนเป็นโทนใหม่
ดนตรีแบบฟอร์ม - 1) ความซับซ้อนของความหมายในการแสดงออกซึ่งรวบรวมเนื้อหาเชิงอุดมคติและศิลปะบางอย่างไว้ในงานดนตรี
จดหมายแจ้ง- ระบบป้ายกราฟิกสำหรับบันทึกเพลงเช่นเดียวกับการบันทึกของตัวเอง ในการเขียนดนตรีสมัยใหม่ มีการใช้ไม้เท้าดนตรี 5 บรรทัด, โน้ต (สัญลักษณ์แทนเสียง), คีย์ (กำหนดความสูงของโน้ต) เป็นต้น
OVERTONS- โอเวอร์โทน (โทนบางส่วน) ให้เสียงสูงหรืออ่อนกว่าโทนหลัก ผสานเข้ากับมัน การมีอยู่และความแข็งแกร่งของแต่ละคนเป็นตัวกำหนดเสียงต่ำ
การจัดวงดนตรี- การเรียบเรียงเพลงสำหรับวงออเคสตรา
เครื่องประดับ- วิธีการตกแต่งท่วงทำนองเสียงร้องและบรรเลง การปรุงแต่งที่ไพเราะเล็ก ๆ น้อย ๆ เรียกว่าเมลิสมา
ออสตินาโต- การทำซ้ำจังหวะที่ไพเราะซ้ำ ๆ
คะแนน- โน้ตดนตรีของงานดนตรีโพลีโฟนิกซึ่งเหนือสิ่งอื่นใดฝ่ายของเสียงทั้งหมดจะได้รับในลำดับที่แน่นอน
การส่งมอบ- ส่วนประกอบสำคัญของงานโพลีโฟนิกที่มีจุดประสงค์เพื่อการแสดงด้วยเสียงเดียวหรือกับเครื่องดนตรีบางชนิด รวมทั้งโดยกลุ่มของเสียงและเครื่องดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน
ทางเดิน- การสืบเนื่องของเสียงในการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมักจะทำได้ยาก
หยุด- หยุดเสียงหนึ่ง หลายเสียง หรือทั้งหมดในเพลง เครื่องหมายในโน้ตดนตรีที่บ่งบอกถึงการหยุดพักนี้
พิซซ่า- การรับเสียงของเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับ (หยิก) ให้เสียงที่กระตุก เงียบกว่าเมื่อเล่นกับคันธนู
PLECTRUM(คนกลาง) - อุปกรณ์สำหรับการแยกเสียงบนเครื่องสาย, ดึงเป็นหลัก, เครื่องดนตรี
ภายใต้เสียง- ในเพลงลูกทุ่งเสียงประกอบหลักที่ฟังพร้อมกัน
โหมโรง- ท่อนสั้นๆ และท่อนเกริ่นนำของเพลง
ซอฟต์แวร์ MUSIC - งานดนตรีที่ผู้แต่งจัดรายการด้วยวาจาที่เสริมการรับรู้
รีไพรส์- การทำซ้ำแรงจูงใจของงานดนตรีเช่นเดียวกับสัญลักษณ์ทางดนตรีของการทำซ้ำ
จังหวะ- การสลับเสียงของระยะเวลาและความแรงต่างกัน
ซิมโฟนีส- เปิดเผยแนวความคิดทางศิลปะด้วยความช่วยเหลือของการพัฒนาดนตรีที่สม่ำเสมอและมีจุดมุ่งหมาย รวมถึงการเผชิญหน้าและการเปลี่ยนแปลงของธีมและองค์ประกอบเฉพาะเรื่อง
ซิมโฟนีดนตรี - งานดนตรีที่มีไว้สำหรับการแสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี (งานใหญ่ งานใหญ่ งานชิ้นเล็ก)
เชอร์โซ- 1) ในศตวรรษที่ XV1-XVII การกำหนดผลงานเสียงร้องสำหรับข้อความตลกๆ และบทบรรเลง; 2) ส่วนหนึ่งของห้องชุด; 3) ส่วนหนึ่งของวงจรโซนาต้า - ไพเราะ; 4) จากศตวรรษที่ 19 งานเครื่องมืออิสระใกล้กับ capriccio
ฟังเพลง- ความสามารถของบุคคลในการรับรู้ถึงคุณสมบัติส่วนบุคคลของเสียงดนตรีเพื่อสัมผัสถึงการเชื่อมต่อระหว่างกัน
SOLFEGIO- แบบฝึกหัดเสียงเพื่อพัฒนาทักษะการอ่านหูและดนตรี
โซปราโน- 1) เสียงร้องเพลงสูงสุด (ส่วนใหญ่เป็นเพศหญิงหรือเด็ก) พร้อมการลงทะเบียนเสียงที่พัฒนาแล้ว 2) ส่วนบนของคณะนักร้องประสานเสียง; 3) ตราสารที่มีการลงทะเบียนสูง
STRINGSเครื่องมือ - ตามวิธีการผลิตเสียงพวกเขาจะแบ่งออกเป็นธนู, ถอน, เพอร์คัชชัน, คีย์บอร์ดเคาะ, คีย์บอร์ดที่ดึงออกมา
แทค- รูปแบบเฉพาะและหน่วยของเครื่องวัดดนตรี
หัวข้อ- การก่อสร้างที่เป็นพื้นฐานของงานดนตรีหรือส่วนต่างๆ
TIMBRE- สีของลักษณะเสียงของเสียงหรือเครื่องดนตรี
ก้าว- ความเร็วของหน่วยนับเมตริก เครื่องเมตรอนอมใช้สำหรับการวัดที่แม่นยำ
TEMPERATION- การจัดตำแหน่งอัตราส่วนช่วงเวลาระหว่างขั้นตอนของระบบเสียง
โทนิค- ขั้นตอนหลักของการทำให้ไม่สบายใจ
ถอดความ- เรียบเรียงหรืออิสระ มักจะเก่ง การประมวลผลงานดนตรี
TRILL- เสียงสีรุ้งเกิดจากการทำซ้ำอย่างรวดเร็วของสองเสียงข้างเคียง
OVERTURE- วงดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนการแสดงละคร
กลองเครื่องมือ - เครื่องมือที่มีเมมเบรนหนังหรือทำจากวัสดุที่สามารถทำให้เกิดเสียงได้
UNISON- การเปล่งเสียงดนตรีหลายเสียงพร้อมกันในระดับเสียงเดียวกัน
พื้นผิว- ภาพเสียงเฉพาะของงาน
FALSETTO- หนึ่งในทะเบียนเสียงร้องชาย
เฟอร์มาต้า- หยุดจังหวะตามกฎในตอนท้ายของเพลงหรือระหว่างส่วน แสดงเป็นการเพิ่มระยะเวลาของเสียงหรือหยุดชั่วคราว
สุดท้าย- ส่วนสุดท้ายของเพลงไซเคิล
CHORAL- บทสวดทางศาสนาในภาษาละตินหรือภาษาพื้นเมือง
โครมาติสม์- ระบบช่วงฮาล์ฟโทนของสองประเภท (กรีกโบราณและยุโรปใหม่)
ฟักไข่- วิธีการแยกเสียงบนเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับ ให้เสียงมีลักษณะและสีต่างกัน
การรับสัมผัสเชื้อ- 1) ส่วนเริ่มต้นของแบบฟอร์มโซนาต้าซึ่งกำหนดธีมหลักของงาน 2) ส่วนแรกของความทรงจำ
เวที- ประเภทของศิลปะการแสดงดนตรี

ประเภทของผลงานในงานศิลปะบางประเภทเรียกว่าคำภาษาฝรั่งเศสประเภท (ประเภท) - ประเภทประเภท
แนวดนตรีไม่ได้เกิดขึ้นพร้อมกันทั้งหมด ตัวอย่างเช่น โอเปร่าเกิดในอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และบทกวีไพเราะถูกสร้างขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดย Franz Liszt
ในระหว่างการดำรงอยู่ประเภทต่าง ๆ ได้เปลี่ยนไปมาก แต่ทั้งหมดยังคงคุณสมบัติหลักไว้ ดังนั้น โอเปร่าจึงเป็นงานสำหรับโรงละครดนตรีซึ่งมีโครงเรื่อง ตั้งอยู่ในฉากและดำเนินการโดยศิลปิน นักร้อง และวงออเคสตรา คุณไม่สามารถสับสนกับบัลเล่ต์และซิมโฟนี แต่ท้ายที่สุด โอเปร่าก็แตกต่างกันเช่นกัน: ประวัติศาสตร์, วีรบุรุษ, การ์ตูน, โคลงสั้น ๆ พวกเขาทั้งหมดมีลักษณะเฉพาะของตัวเองแม้ว่าจะอยู่ในประเภทโอเปร่าเดียวกันก็ตาม จากนั้น เมื่อเราต้องการชี้แจงว่าเรากำลังพูดถึงโอเปร่าประเภทใด เราอีกครั้ง แต่ในความหมายที่แคบกว่า ให้ใช้คำว่า "ประเภท"
เราพูดว่า: ประเภทของโคลงสั้น ๆ , ประเภทของละครเพลง, ประเภทของมหากาพย์โอเปร่า... ภายในแนวคิดทั่วไป (ประเภท) ของเสียงร้อง เราแยกแยะประเภทของความรัก, เพลง, ฯลฯ.
คำนี้มีความหมายอื่น บางทีคุณอาจเคยได้ยินว่าพวกเขาพูดถึงศิลปินว่าอย่างไร: เขาเป็นจิตรกรประเภท ซึ่งหมายความว่าศิลปินสร้างภาพวาดเกี่ยวกับเรื่องในชีวิตประจำวัน ตัวอย่างเช่นภาพวาดดังกล่าวโดย V. Petrov จากการวาดภาพ คำว่าประเภทในความหมายนี้ส่งผ่านไปยังศิลปะอื่นๆ รวมทั้งดนตรีด้วย ถ้าเรากำลังพูดถึงงานบางอย่าง: มันมีตอนของประเภท หมายความว่าผู้แต่งแนะนำเพลง เต้นรำ หรือเดินขบวนเข้าไป ซิมโฟนี

ซิมโฟนีในภาษากรีกหมายถึงพยัญชนะ มันใช้ไม่เพียงเฉพาะในความสัมพันธ์กับวงออเคสตรากับดนตรีเท่านั้น ตัวอย่างเช่น กวีชาวรัสเซียชื่อ Balmont มองเห็น "ซิมโฟนีแห่งสีสันและเสียงดังสนั่น" ในความงามของธรรมชาติในฤดูใบไม้ร่วง ซิมโฟนีในดนตรีเป็นงานที่ยอดเยี่ยมที่เขียนขึ้นสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนี ฟังซิมโฟนีเราไม่รู้ว่าผู้แต่งเศร้าเรื่องอะไร เราเสียใจด้วยตัวเราเอง เราไม่รู้แน่ชัดว่าภาพธรรมชาติใดปรากฏขึ้นต่อหน้าต่อตาเขา ด้วยเสียงเพลง สิ่งที่เราเห็นก็มีชีวิตขึ้นมา
ซิมโฟนีมีหลายส่วน (ฟัง Symphony N6 โดย P.I. Tchaikovsky) นักแต่งเพลงเขียนคอนแชร์โตสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราและเครื่องดนตรีบางประเภท โอเปร่า

Opera เป็นการแสดงที่ตัวละครไม่พูด แต่ร้องเพลง อุปรากรก็เหมือนละคร คือศิลปะการละครประเภทหนึ่ง
ดนตรีเป็นศูนย์กลางของโอเปร่า
เพื่อให้เทพนิยายสามารถขึ้นเวทีได้ มันจึงถูกสร้างใหม่เป็น "ละครโอเปร่า" - บทนี้เขียนขึ้น
นักแสดงถ่ายทอดความคิดทั้งหมดด้วยการร้องเพลง เมื่อตัวละครตัวหนึ่งร้องเพลงบนเวที เราเรียกมันว่า aria หรือ arioso ถ้าคนสองคนร้องเพลง นี่คือเพลงคู่ สาม - สามคน สี่ - สี่
บางครั้งตอนเต้นช่วยเปิดเผยเนื้อหาของงานได้เต็มที่มากขึ้น จากนั้นฉากบัลเล่ต์ก็ปรากฏในโอเปร่า
ด้วยความช่วยเหลือของดนตรีผู้แต่งสร้างในโอเปร่าไม่เพียง แต่ภาพเหมือนของตัวละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปภาพทั้งหมดด้วย
โอเปร่าส่วนใหญ่เริ่มต้นด้วยการทาบทาม คำว่า "ทาบทาม" เป็นภาษาฝรั่งเศส หมายถึงการเปิด วงดนตรีบรรเลงโดยวงออเคสตราก่อนที่ม่านจะเปิด ทาบทามประกอบด้วยท่วงทำนองชั้นนำของโอเปร่า ก่อนที่องก์ 1 และ 2 จะมีเสียง "ช่วงพัก" (การแนะนำดนตรี)
ดังนั้นสิ่งสำคัญในโอเปร่าคือดนตรีเสียงของวงออเคสตราและเสียง แต่โอเปร่าเป็นทั้งละคร การเต้น และการวาดภาพ รวมกันเป็นหนึ่งเดียว นั่นคือเหตุผลที่โอเปร่าสร้างความประทับใจอย่างมากต่อผู้ฟัง ซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีที่จริงจังที่เข้าใจได้มากที่สุด บัลเล่ต์

บัลเล่ต์เป็นศิลปะการแสดงชนิดหนึ่ง การแสดงเนื้อหาที่เป็นตัวเป็นตนในภาพดนตรีและการออกแบบท่าเต้น บนพื้นฐานของแผนการแสดงละครทั่วไป (สถานการณ์จำลอง) บัลเลต์ผสมผสานดนตรี การออกแบบท่าเต้น (การเต้นรำและโขน) และวิจิตรศิลป์ (การตกแต่ง เครื่องแต่งกาย การจัดแสง ฯลฯ) ยุคต่างๆ ทำให้เกิดการทำงานร่วมกันอย่างสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและนักออกแบบท่าเต้น ประเภทของปฏิสัมพันธ์ระหว่างดนตรีและการออกแบบท่าเต้น บางครั้งดนตรีในบัลเล่ต์เป็นเพียงการบรรเลงประกอบเท่านั้น ในบางกรณีการออกแบบท่าเต้นพยายามที่จะเปิดเผยเนื้อหาที่ลึกซึ้งของดนตรี
บัลเลต์ยุโรปสมัยใหม่เกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏขึ้นซึ่งหมายถึงองค์ประกอบที่สื่อถึงการเต้นรำไม่ใช่โครงเรื่อง แต่เป็นคุณสมบัติหรือสถานะของตัวละคร ศิลปะที่เจริญเต็มที่ในรูปแบบอื่นๆ: ขบวนแห่ การสวมหน้ากาก การแข่งขันขี่ม้า มื้ออาหารที่เคร่งขรึม ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 บัลเล่ต์เป็นส่วนหนึ่งของการแสดงที่สร้างขึ้นโดยกวีและศิลปินที่มีชื่อเสียง
ในศตวรรษที่ 16 ประเภทของหน้ากากได้พัฒนาขึ้นในอังกฤษ
ในศตวรรษที่ 18 การแสดงบัลเลต์เริ่มก่อตัวขึ้นในโรงละครแห่งเวียนนา ที่ซึ่งการออกแบบท่าเต้นล้วนพัฒนาบนพื้นฐานของสคริปต์และดนตรี
บัลเล่ต์มีอยู่ในเยอรมนี สวีเดน ฮอลแลนด์ รูปแบบของบัลเล่ต์ที่ยืมมาจากชาวอิตาลีและชาวฝรั่งเศสนั้นเสริมด้วยสีสันประจำชาติ
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 รูปแบบของการแสดงหลายองก์และรูปแบบของดนตรีบัลเลต์ (นาฏยศิลป์ทั่วไปที่เสร็จสิ้นการแสดงหรือการแสดง ขบวนที่ยุติธรรม วอลซ์ โพลก้า ควบ) ตลอดจนโครงสร้างการฟ้อนรำของ ศิลปินเดี่ยว ทรงตัว
เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 สุนทรียศาสตร์ของการเรียนบัลเล่ต์มาถึงจุดสูงสุดในผลงานของปรมาจารย์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ (A.A. Gorsky, M.M. Fokin) ซึ่งผลงานได้รับอิทธิพลจากศิลปะของ A. Duncan นักเต้นชาวอเมริกัน ผู้สนับสนุน ของการเต้นรำฟรี
ในตอนท้ายของปี 1950 บัลเล่ต์ได้แพร่หลายไปในทุกประเทศทั่วโลก