วัฒนธรรมแจ๊ส แจ๊ส - ประวัติความเป็นมา แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ. สไตรด์

ตลอดประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส ทิศทางดนตรีนี้ต้องผ่านการเปลี่ยนแปลงจำนวนมาก บางครั้งก็น่าพอใจ บางครั้งก็ยากและคาดไม่ถึง แต่ถึงกระนั้น มีนักดนตรีในตำนานจำนวนหนึ่งทั้งในรัสเซียและต่างประเทศ ที่ได้มีส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อแนวทางเชิงบวกของประวัติศาสตร์ของเพลงนี้ พวกเขาคือผู้สร้างวงออร์เคสตราแจ๊สที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง

ในปี 1932 นักดนตรีและวาทยกรชาวรัสเซียผู้โด่งดัง Alexander Tsfasman ได้รวมกลุ่มดนตรี "Moscow Guys" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็น "Jazz Orchestra of Alexander Tsfasman" นักดนตรีปรากฏตัวในร้านอาหารยอดนิยมและมีชื่อเสียงในขณะนั้น "Savoy" ไปทัวร์ทั่วประเทศ 4 ปีหลังจากการสร้างพวกเขาเข้าร่วมใน "Jazz Evenings" ของเมืองหลวง

นอกเหนือจากการทำงานในฐานะหัวหน้าวงออเคสตราที่ประสบความสำเร็จแล้ว Alexander Tsfasman ยังจัดคอนเสิร์ตเดี่ยว และอย่างที่คุณทราบ เขาเป็นนักเปียโนที่เก่งกาจ

นักดนตรีที่มีชื่อเสียงเช่น Ivan Kozlovsky, Igor Gladkov, Mikhail Frumkin, Sergei Lemeshev, Valentin Berlinsky, Emil Geigner, Pavel และ Mikhail Mikhailov, Vladimir Bunchikov, Claudia Shulzhenko, Nadezhda Kazantseva, Alexander Rivchun, Mark Bernes แสดงร่วมกับวงออเคสตราบนเวทีเดียวกัน

ในช่วงสงคราม วงดนตรีที่สนับสนุนกองทหารโซเวียตได้จัดคอนเสิร์ตในหลายด้าน ในแง่ของประวัติศาสตร์ดนตรี Tsfasman เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่นำวงสวิงมาสู่สหภาพโซเวียต

ในช่วงฤดูหนาวปี 2499 งานกาล่าคอนเสิร์ตจัดขึ้นที่ Column Hall of the House of the Unions เพื่อเป็นเกียรติแก่การครบรอบ 50 ปีของ Tsfasman ซึ่งวงออร์เคสตราแสดงผลงานได้ดีที่สุด นักดนตรีชื่อดังถึงแก่กรรมในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2514 ที่กรุงมอสโก ผู้ควบคุมวงได้ทิ้งร่องรอยไว้อย่างชัดเจนในประวัติศาสตร์ของวงแจ๊สออร์เคสตราของโซเวียต

ในปี 1934 วงออร์เคสตราแจ๊สในตำนานก็ปรากฏตัวขึ้น นักดนตรีซึ่งอยู่ในเซี่ยงไฮ้ในตอนนั้น เริ่มออกทัวร์ในประเทศ และอีกไม่กี่ปีต่อมา ศิลปินดังรายนี้ก็ได้รับการขนานนามว่าเป็น "ราชาแห่งดนตรีแจ๊สแห่งตะวันออกไกล"

ในปีพ.ศ. 2480 วงออเคสตราได้รวมนักดนตรีไปแล้ว 11 คน และละครของทั้งมวลก็ขยายตัวขึ้นด้วยการแสดงเพลงรัสเซียในการจัดแจ๊ซ

ความยากลำบากในชีวิตทางการเมืองของจีนในขณะนั้นทำให้วงออเคสตราย้ายไปสหภาพโซเวียตในปี 2490 ช่วงหลังสงครามนำความสำเร็จมาสู่นักดนตรีในปี 1955 Oleg Lundstrem และวงออเคสตราของเขาได้บันทึกรายการ แสดงทางวิทยุ และมีชื่อเสียงมากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงอาชีพที่ยาวนาน วงออเคสตราได้แสดงคอนเสิร์ตมากกว่า 10,000 ครั้งในสหภาพโซเวียตและในรัสเซียในปัจจุบัน ในปี 1989 Lundstrem เชิญ Alexander Bryksin เป็นผู้อำนวยการวงออเคสตรา

ในปี 2548 ตัวนำผู้ยิ่งใหญ่ Lundstrem ถึงแก่กรรม ตั้งแต่ปี 2550 ผู้กำกับศิลป์คนใหม่ได้ปรากฏตัวในวงออเคสตรา - Boris Mikhailovich Frumkin รายการคอนเสิร์ตได้รับการปรับปรุง ตอนนี้วงออเคสตรายังคงประสบความสำเร็จในการแสดงในเมืองหลวงและท่องเที่ยวเมืองต่างๆ ของรัสเซีย

ในปี 1971 Anatoly Kroll นักดนตรีชื่อดังได้รวมตัวกันเป็นวงใหญ่ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในผู้ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในสหภาพโซเวียต วงออเคสตราไปเที่ยวยุโรปทำงานร่วมกับ Yuri Antonov, Larisa Dolina, Evgeny Martynov, Leonid Serebrennikov Anatoly Kroll ยกเลิกวงดนตรีในปี 1991 และย้ายไปที่โรงละครของสหภาพแรงงานโรงละครแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย

Kroll เริ่มทำงานเป็นนักแต่งเพลงกับ ISS Big Band (ตั้งชื่อตาม International Commerce Union) ทีมงานได้รับคำชมมากมายจากนักวิจารณ์และความรักอันยิ่งใหญ่จากผู้ฟังชาวรัสเซีย นักดนตรีเดินทางไปต่างประเทศกับคอนเสิร์ตเป็นจำนวนมาก เช่น ฝรั่งเศส สวิตเซอร์แลนด์

จนถึงทุกวันนี้ Anatoly Kroll วาทยกรผู้ยิ่งใหญ่ยังคงเป็นหัวหน้าวงออเคสตรา

หนึ่งในวงออร์เคสตราแจ๊สที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนักเป่าแตรในตำนานปรากฏตัวในปี 2480 เริ่มแรกวงดนตรีใหญ่ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2478-2479 นักดนตรีได้เซ็นสัญญากับสตูดิโอบันทึกเสียง Brunswick Recordsแต่สถานการณ์ทางการเงินของทีมยังยากอยู่ ในปี พ.ศ. 2481 เป็น ได้ก่อตั้งวงออเคสตราขึ้นใหม่และวง Glenn Miller Orchestra เริ่มพัฒนาและได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ต้องขอบคุณความต้องการที่เพิ่มขึ้นของ Miller สำหรับความเป็นมืออาชีพและการทำงานหนัก เขาจึงสร้างสไตล์ของตัวเองซึ่งแตกต่างจากคนอื่นๆ

เมื่อวันที่ 4 เมษายน พ.ศ. 2482 มิลเลอร์และวงดนตรีของเขาได้บันทึก Moonlight Serenade และการแต่งเพลง Tuxedo Junction ซึ่งบันทึกเมื่อวันที่ 5 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2483 ขายได้ 115,000 เล่มในสัปดาห์แรก และทำให้วงออเคสตราขึ้นสู่อันดับ 7 ในขบวนพาเหรดเพลงฮิตระดับประเทศในปีเดียวกัน

ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2485 เนื่องจากสถานการณ์ทางการเมือง Glenn Miller ออกจากกองทัพ การแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งกัปตันเป็นแรงบันดาลใจให้เขาโน้มน้าวเจ้าหน้าที่กองทัพให้ปรับปรุงกลุ่มทหารให้ทันสมัยและปรับปรุงขวัญกำลังใจของพนักงานในท้ายที่สุด บรรลุเป้าหมายของมิลเลอร์ - วงออเคสตราประสบความสำเร็จ! ในตอนท้ายของปี 1943 นักดนตรีไปทัวร์อังกฤษ

ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1944 วงออเคสตราจะไปทัวร์ยุโรป มิลเลอร์ตัดสินใจที่จะมาถึงปารีสก่อนหน้านี้เพื่อเตรียมพร้อมสำหรับการแสดง แต่เกิดอุบัติเหตุขึ้น - เกล็นมิลเลอร์ขึ้นเครื่องบินขนส่งไปยังปารีสและเสียชีวิตในอุบัติเหตุ อย่างไรก็ตาม วงออร์เคสตราของนักบรรเลงผู้ยิ่งใหญ่ยังคงมีอยู่และประสบความสำเร็จในการออกทัวร์รอบโลก

Ellington Orchestra ถูกรวบรวมโดยผู้นำในปี 1923 ผ่านไป 4 ปี นักดนตรีก็ยืนอยู่บนเวทีของสโมสรดังในฮาร์เล็มแล้ว

เนื่องจากการออกอากาศทางวิทยุของคอนเสิร์ตจากสโมสรนี้บ่อยครั้ง เอลลิงตันและนักดนตรีของเขาจึงได้รับความนิยม ในปี ค.ศ. 1931 วงดุริยางค์เอลลิงตันออร์เคสตราได้ออกทัวร์ครั้งแรก ดนตรีแจ๊สมาตรฐาน Mood Indigo ซึ่งแสดงมานานหลายทศวรรษ ประสบความสำเร็จอย่างมาก

ไม่นานก่อนยุคของดนตรีสวิง ดูเหมือนเขาจะทำนายรูปร่างหน้าตาของเขาไว้แล้ว องค์ประกอบของปีค.ศ. 1933 Lady Sophisticated และ Stormy Weather ได้กลายเป็น "ไพ่เรียก" ของวงออเคสตรา

การไปทัวร์ยุโรปและอเมริกาบ่อยครั้งทำให้นักดนตรีประสบความสำเร็จอย่างมากและสมควรได้รับ พื้นฐานของการแสดงดนตรีคือการแต่งเพลงของเอลลิงตัน ในปี 1971 วงออร์เคสตราในตำนานได้ไปเยือนสหภาพโซเวียต และประสบความสำเร็จที่นั่นเช่นกัน นักดนตรีที่นำโดยผู้นำถาวรของพวกเขา ยังคงเตรียมรายการคอนเสิร์ตใหม่และบันทึกเพลงฮิต เล่นในภาพยนตร์ บันทึกเพลงประกอบภาพยนตร์ และได้รับรางวัลด้านดนตรี จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต Duke ได้จัดกิจกรรมคอนเสิร์ต ดนตรีของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ยังคงอยู่ในใจแฟนเพลงนับล้านทั่วโลกตลอดไปและเป็นแรงบันดาลใจให้นักดนตรีแจ๊สรุ่นต่อๆ มาหลายคน

นักคลาริเน็ตทุ่มเทให้กับดนตรีแจ๊สอย่างไม่เห็นแก่ตัวตั้งแต่ยังเด็ก และไม่น่าแปลกใจเลยที่การสร้างวงออเคสตราที่ประสบความสำเร็จเป็นหนึ่งในแรงบันดาลใจหลักของเขา ในช่วงต้นฤดูร้อนปี 2477 การแสดงครั้งแรกของ Goodman Big Band เกิดขึ้น หนึ่งเดือนต่อมา การประพันธ์เพลง Moon Glow ของเขาชนะอันดับหนึ่งในชาร์ตเพลงของอเมริกา

วงออเคสตรามักได้รับเชิญให้เข้าร่วมวิทยุด้วยเหตุที่ความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดและเป็นที่หนึ่งในชาร์ตเพลงแจ๊สของประเทศมากกว่า 10 ครั้ง นักดนตรีได้รับความนิยมอย่างมากและบริษัทแผ่นเสียง อาร์ซีเอวิคเตอร์,ซึ่งทำขึ้นในปี พ.ศ. 2460 เสนอสัญญาที่ร่ำรวย ในช่วงเวลาที่ยากลำบากของภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ในสหรัฐอเมริกา วงออเคสตราไม่ได้หยุดการเดินทาง แม้จะคำนึงถึงสถานการณ์ทางการเงินที่ยากลำบากของศิลปินด้วย

คอนเสิร์ตเมื่อวันที่ 21 สิงหาคม พ.ศ. 2478 ที่สถาบันพาโลมาร์กลายเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งต่องานของกู๊ดแมนหลังจากแสดงที่นั่น วงออเคสตราและนักดนตรีของเขาเองก็กลายเป็นดาราแจ๊สและสวิงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2492 เบ็นนี่กู๊ดแมนได้ยุบวงออเคสตราในตำนานของเขา กิจกรรมที่ตามมาของนักคลาริเน็ตส่วนใหญ่ประกอบด้วยการรวบรวมวงดนตรีชั่วคราวสำหรับการท่องเที่ยวและการบันทึก ส่วนใหญ่นักคลาริเน็ตจะรวบรวมกลุ่มนักดนตรี 4 หรือ 6 คน แต่บางครั้งก็มีวงดนตรีขนาดใหญ่ ดนตรีของ Benny Goodman สามารถอธิบายได้ว่ามีความประณีต มีรสนิยมเฉพาะตัว และแน่นอน การนำเสนอพิเศษจากนักบรรเลงของเขา

หนึ่งในบุคคลสำคัญในวงการวงสวิง Count Basie ยังเป็นที่รู้จักในฐานะผู้นำวงบิ๊กแบนด์ที่โดดเด่น ซึ่งคู่ควรกับวงออร์เคสตราแจ๊สที่ยิ่งใหญ่ Count Basie Orchestra รวบรวมจากนักดนตรีที่ออกจาก Kansas City Orchestra ของ Bennie Moten ในปี 1935 เป็นเวลา 1 ปี ที่ทั้ง 9 คนเติบโตเป็นวงออเคสตราขนาดใหญ่ สถานีวิทยุหลายแห่งเริ่มเชิญพวกเขาและ Basie ก็ได้รับฉายาว่า "Count" (Count)

ความแตกต่างหลักระหว่าง Count Basie Orchestra และวงใหญ่อื่น ๆ คือมันขึ้นอยู่กับศิลปินเดี่ยวระดับบน - สิ่งนี้ทำให้สามารถแสดงด้นสดอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ส่วนจังหวะของ Kant Basie Orchestra ได้รับการยอมรับว่าดีที่สุดในดนตรีแจ๊ส. โจจอห์นสันอยู่หลังกลอง Buddy Rich เล่นในวงออเคสตรามาระยะหนึ่งบนแซกโซโฟน - บุคคลแรกของแจ๊สแสดงร่วมกับวงออเคสตรา - และ

ในช่วงทศวรรษที่ 1940 วงออเคสตราประสบปัญหาเช่นเดียวกับวงใหญ่อื่นๆ เป็นเวลา 2 ปี เบซี่จะยุบทีมและเล่นเซ็กเต็ท ในโอกาสแรก วงออร์เคสตราจะรวมตัวกันอีกครั้งและออกทัวร์ระยะไกล ซึ่งทำให้ทีมมีสิทธิ์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นวงสวิงอันดับ 1 ของวงสวิง

หลังจากการเสียชีวิตของ Count Basie วงออเคสตราก็ไม่หยุดอยู่ ในรัสเซีย วงใหญ่แสดงในปี 1985

ในปี 1935 Tommy Dorsey นักเป่าทรอมโบนแจ๊สและนักเป่าแตรได้สร้างวงดนตรีของตัวเองขึ้นมา ทีมงานทำการแสดงที่เรียกว่า "แจ๊สเชิงพาณิชย์" หรือป๊อปแจ๊ส ความนิยมของวงดนตรีเกิดจากการร่วมงานกับ Poll Weston และ Bill Feingan ผู้จัดเรียงที่โดดเด่น วงออเคสตราร่วมมือกับ Bunny Berigan, Dave Tuf,

วงดนตรีนั้นด้อยกว่าทีมของ Benny Goodman ในแง่ของทักษะ แต่กลับกลายเป็นว่ามีประสิทธิภาพมากกว่า วงออเคสตรารอดชีวิตจากวิกฤตวงสวิงและวงใหญ่อย่างเพียงพอในช่วงปลายยุค 40 วงออเคสตรามี "เจี๊ยบ" ที่แข็งแกร่ง: ทอมมี่ถูกกล่าวหาว่าล่อนักดนตรีที่ดีที่สุดให้เขา นักวิจัยให้เหตุผลว่าดอร์ซีย์เป็นคนชอบความสมบูรณ์แบบและเป็นคนอารมณ์ดี และสิ่งนี้จะอธิบายการเปลี่ยนแปลงบ่อยครั้งในองค์ประกอบของทีม

ในปีพ.ศ. 2483 ทอมมี่ ดอร์ซีย์ได้นำนักร้องที่ทะเยอทะยานเข้ามา เป็นเวลา 2 ปี ที่วงดนตรีและซินาตราบันทึก 80 เพลง รวมถึงเพลงฮิต In The Blue of Evening และ This Love of Mine

ทอมมี่ ดอร์ซีย์เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ปรับบูกี้-วูกีให้เข้ากับวงออเคสตรา การเตรียมวงสวิง. เขายังเป็นหนึ่งในหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สผิวขาวคนแรกๆ ที่ต้องทำการแสดงเดี่ยวแบบด้นสด เขาสนับสนุนให้นักร้องใช้เพลงไร้สาระและ "เพลงไร้สาระ" เพื่อสร้างความบันเทิงให้กับผู้ชม หลังจากที่ทอมมี่เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2499 วงดนตรีนำโดยพี่ชายของเขา และนำโดยลี คาสเซิลและวอร์เรน โควิงตัน

Chick Webb มือกลองที่โดดเด่นได้รวมวงแรกใน Harlem ในปี 1926 เป็นที่ทราบกันว่าในปี พ.ศ. 2474 วงดนตรีได้กลายเป็นถิ่นที่อยู่ถาวรของสโมสรซาวอยที่มีชื่อเสียง

การขาดความรู้ด้านดนตรีที่สูง 130 ซม. ไม่ได้ขัดขวาง Chik จากการเป็นมืออาชีพที่ยอดเยี่ยมและเป็นผู้นำของหนึ่งในวงออร์เคสตราที่ดีที่สุดในโลก

เหตุการณ์สำคัญเกิดขึ้นในปี 2480 เมื่อวงดนตรีของ Chick Webb แข่งขันกับวงออเคสตรา ผู้ชมเกือบจะเป็นเอกฉันท์ให้แชมป์กับ Chick ที่โด่งดังน้อยกว่า Gene Krupa มือกลองของ Goodman กล่าวว่า Cheek ตั้งข้อหาผู้ชม

แน่นอนว่าวงออเคสตรามีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในส่วนจังหวะที่โดดเด่นเท่านั้น ในปีพ. ศ. 2478 หญิงสาวกลายเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตราซึ่งเป็นผู้นำวงหลังจากชิคเสียชีวิต

มอสโกแจ๊สออร์เคสตราของ Igor Butman

หนึ่งในวงออร์เคสตรารัสเซียที่โด่งดังที่สุดในยุคของเราถูกสร้างขึ้นโดยนักเป่าแซ็กโซโฟน ในปี 2542 เขาได้รวบรวมวงดนตรีขนาดใหญ่ซึ่งในปี 2555 ได้รับสิทธิ์ให้ชื่อว่ามอสโคว์แจ๊สออร์เคสตรา

ในปี พ.ศ. 2546 มีงานอีเวนต์ที่มีชื่อเสียงโด่งดังในโลกแห่งดนตรีแจ๊สและเป็นแลนด์มาร์คของวงดนตรียักษ์ใหญ่ของอิกอร์ บัตแมน มอสโกแจ๊สออร์เคสตราได้จัดคอนเสิร์ตร่วมกับวงออร์เคสตราแจ๊สลินคอล์นเซ็นเตอร์ที่ดำเนินการโดยตำนาน

ในปี 2013 นิตยสาร Downbeat ของอเมริกาได้ขนานนามว่าวงออเคสตราเป็น "กลุ่มดาวอัจฉริยะ" และในรายงานจาก Umbria Jazz Festival วงนี้เทียบได้กับวงออเคสตราของ Buddy Rich, Count Basie และวงดนตรี

ในปีเดียวกันนั้นเอง อัลบั้มของ Moscow Jazz Orchestra Special Opinion ก็ได้ออกวางจำหน่าย การบันทึกประกอบด้วยนักแซ็กโซโฟน Bill Evans, มือกลอง Dave Weckl, มือกีตาร์ Mike Stern และ Mitch Stein, นักเป่าแตร Randy Brekker และมือเบส Tom Kennedy

ในปี 2560 มอสโคว์แจ๊สออร์เคสตราแสดงที่แจ๊สเฟสติวัลครั้งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพร้อมกับนักร้อง

แจ๊สคืออะไร ประวัติของแจ๊ส

แจ๊สคืออะไร? จังหวะที่น่าตื่นเต้น ดนตรีสดที่น่ารื่นรมย์ซึ่งมีการพัฒนาและเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง ด้วยทิศทางนี้บางทีอาจไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบได้และเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างความสับสนกับประเภทอื่น ๆ แม้แต่สำหรับผู้เริ่มต้น ยิ่งกว่านั้น นี่คือความขัดแย้ง ได้ยินและจดจำได้ง่าย แต่อธิบายเป็นคำพูดไม่ได้ง่ายนัก เพราะแจ๊สมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง และแนวคิดและลักษณะเฉพาะที่ใช้ในปัจจุบันก็ล้าสมัยในหนึ่งปีหรือสองปี

แจ๊ส - มันคืออะไร

แจ๊สเป็นทิศทางของดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 มันเชื่อมโยงจังหวะแอฟริกัน บทสวดมนต์ งานและเพลงฆราวาส ดนตรีอเมริกันในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมาอย่างใกล้ชิด กล่าวอีกนัยหนึ่ง มันเป็นประเภทกึ่งด้นสดที่เกิดจากการผสมผสานของดนตรียุโรปตะวันตกและแอฟริกาตะวันตก

แจ๊สมาจากไหน

เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าเขาปรากฏตัวจากแอฟริกาซึ่งมีจังหวะที่ซับซ้อน นอกจากนี้ ยังเต้น, เหยียบย่ำ, ปรบมือ และนี่คือแร็กไทม์ จังหวะที่ชัดเจนของแนวเพลงประเภทนี้ ผสมผสานกับท่วงทำนองบลูส์ ทำให้เกิดทิศทางใหม่ที่เราเรียกว่าแจ๊ส เมื่อสงสัยว่าเพลงใหม่นี้มาจากไหน แหล่งใด ๆ จะให้คำตอบแก่คุณจากบทสวดของทาสผิวดำที่ถูกนำตัวมายังอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 พวกเขาพบการปลอบใจในดนตรีเท่านั้น

ในตอนแรก สิ่งเหล่านี้เป็นลวดลายแอฟริกันล้วนๆ แต่หลังจากผ่านไปสองสามทศวรรษ สิ่งเหล่านี้ก็เริ่มมีความเป็นด้นสดมากขึ้นในธรรมชาติและรกไปด้วยท่วงทำนองใหม่ของอเมริกัน ซึ่งส่วนใหญ่เป็นท่วงทำนองทางศาสนา - จิตวิญญาณ ต่อมามีการเพิ่มเพลงร้องเรียน - บลูส์และวงดนตรีทองเหลืองขนาดเล็ก และทิศทางใหม่ก็เกิดขึ้น - แจ๊ส

อะไรคือคุณสมบัติของดนตรีแจ๊ส

คุณลักษณะแรกและที่สำคัญที่สุดคือการด้นสด นักดนตรีจะต้องสามารถด้นสดได้ทั้งในวงออเคสตราและเดี่ยว คุณสมบัติที่สำคัญอีกประการหนึ่งคือพหุจังหวะ เสรีภาพในจังหวะอาจเป็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของดนตรีแจ๊ส นี่คืออิสระที่ทำให้นักดนตรีรู้สึกเบาและก้าวไปข้างหน้าอย่างต่อเนื่อง จำองค์ประกอบแจ๊สใด ๆ ? ดูเหมือนว่านักแสดงจะเล่นเพลงที่ไพเราะและน่าฟังได้อย่างง่ายดายไม่มีข้อ จำกัด ที่เข้มงวดเช่นเดียวกับในดนตรีคลาสสิกมีเพียงความเบาและการผ่อนคลายที่น่าทึ่งเท่านั้น แน่นอน ในงานดนตรีแจ๊ส เช่นเดียวกับในงานคลาสสิก มีจังหวะ ลายเซ็นต์เวลา ฯลฯ แต่ต้องขอบคุณจังหวะพิเศษที่เรียกว่า สวิง (จากการสวิงภาษาอังกฤษ) จึงมีความรู้สึกอิสระเช่นนี้ มีอะไรอีกบ้างที่สำคัญสำหรับทิศทางนี้? แน่นอนเล็กน้อยหรืออย่างอื่นระลอกปกติ

พัฒนาการของแจ๊ส

ดนตรีแจ๊สที่มีต้นกำเนิดในนิวออร์ลีนส์กำลังแพร่กระจายอย่างรวดเร็วและเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ กลุ่มมือสมัครเล่นซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวแอฟริกันและครีโอลเริ่มแสดงไม่เพียง แต่ในร้านอาหาร แต่ยังทัวร์เมืองอื่น ๆ ด้วย ดังนั้นในตอนเหนือของประเทศศูนย์ดนตรีแจ๊สอีกแห่งจึงเกิดขึ้น - ชิคาโกซึ่งมีการแสดงดนตรีทุกคืนเป็นที่ต้องการเป็นพิเศษ การเรียบเรียงที่ดำเนินการมีความซับซ้อนโดยการจัดเตรียม ในบรรดานักแสดงในยุคนั้นมีความโดดเด่น หลุยส์ อาร์มสตรอง ซึ่งย้ายไปชิคาโกจากเมืองที่มีดนตรีแจ๊ส ต่อมา รูปแบบของเมืองเหล่านี้ถูกรวมเข้ากับ Dixieland ซึ่งมีลักษณะเฉพาะโดยการแสดงด้นสดโดยรวม

ความคลั่งไคล้ดนตรีแจ๊สครั้งใหญ่ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 นำไปสู่ความต้องการวงออเคสตราขนาดใหญ่ที่สามารถเล่นเพลงเต้นรำได้หลากหลาย ด้วยเหตุนี้การแกว่งจึงปรากฏขึ้นซึ่งเป็นการเบี่ยงเบนจากรูปแบบจังหวะ มันกลายเป็นกระแสหลักของเวลานี้และผลักดันด้นสดร่วมเป็นเบื้องหลัง วงสวิงกลายเป็นที่รู้จักในฐานะวงใหญ่

แน่นอนว่าการจากไปของวงสวิงจากคุณลักษณะที่มีอยู่ในดนตรีแจ๊สยุคแรกจากท่วงทำนองแห่งชาติทำให้เกิดความไม่พอใจในหมู่ผู้ชื่นชอบดนตรีอย่างแท้จริง นั่นคือเหตุผลที่วงดนตรีขนาดใหญ่และนักแสดงสวิงเริ่มถูกต่อต้านโดยการเล่นของวงดนตรีขนาดเล็ก ซึ่งรวมถึงนักดนตรีผิวดำด้วย ดังนั้นในทศวรรษที่ 1940 ดนตรีสไตล์ bebop แบบใหม่จึงปรากฏออกมาอย่างชัดเจนจากด้านอื่นๆ ของดนตรี เขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่รวดเร็วอย่างไม่น่าเชื่อ ด้นสดที่ยาว และรูปแบบจังหวะที่ซับซ้อนที่สุด ในบรรดานักแสดงในเวลานี้ ตัวเลขโดดเด่น ชาร์ลี ปาร์คเกอร์ และดิซซี่ กิลเลสปี

ตั้งแต่ปี 1950 ดนตรีแจ๊สได้พัฒนาไปในสองทิศทางที่แตกต่างกัน ในอีกด้านหนึ่ง ผู้ติดตามเพลงคลาสสิกกลับไปสู่ดนตรีเชิงวิชาการ ดนตรีแจ๊สสุดเท่ที่เกิดขึ้นนั้นถูกจำกัดและแห้งแล้งมากขึ้น ในทางกลับกัน บรรทัดที่สองยังคงพัฒนา bebop กับพื้นหลังนี้ ฮาร์ดบ็อปเกิดขึ้น โดยส่งเสียงท่วงทำนองพื้นบ้านแบบดั้งเดิม รูปแบบจังหวะที่ชัดเจนและการแสดงด้นสด สไตล์นี้พัฒนาร่วมกับส่วนต่างๆ เช่น โซลแจ๊สและแจ๊สฟังค์ พวกเขานำดนตรีเข้ามาใกล้บลูส์มากที่สุด

เพลงฟรี

ในทศวรรษที่ 1960 มีการทดลองต่างๆ และการค้นหารูปแบบใหม่ เป็นผลให้แจ๊สร็อคและแจ๊สป๊อปปรากฏขึ้นโดยผสมผสานสองทิศทางที่แตกต่างกันรวมถึงแจ๊สฟรีซึ่งนักแสดงละทิ้งการควบคุมรูปแบบและโทนจังหวะอย่างสมบูรณ์ ในบรรดานักดนตรีในยุคนี้ Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny กลายเป็นที่รู้จัก

แจ๊สโซเวียต

ในขั้นต้น วงออร์เคสตราแจ๊สของโซเวียตส่วนใหญ่แสดงการเต้นรำตามแฟชั่นเช่น Foxtrot, Charleston ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ทิศทางใหม่เริ่มได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ แม้ว่าทัศนคติของเจ้าหน้าที่โซเวียตต่อดนตรีแจ๊สจะคลุมเครือ แต่ก็ไม่ได้ถูกห้าม แต่ในขณะเดียวกันก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงว่าเป็นของวัฒนธรรมตะวันตก ในช่วงปลายยุค 40 วงดนตรีแจ๊สถูกข่มเหงโดยสิ้นเชิง ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 60 กิจกรรมของวงออเคสตราของ Oleg Lundstrem และ Eddie Rosner ได้กลับมาดำเนินการอีกครั้ง และนักดนตรีเริ่มให้ความสนใจในทิศทางใหม่นี้มากขึ้นเรื่อยๆ

แม้กระทั่งทุกวันนี้ ดนตรีแจ๊สก็ยังพัฒนาอย่างต่อเนื่องและไม่หยุดนิ่ง มีหลายทิศทางและหลายสไตล์ เพลงนี้ยังคงดูดซับเสียงและท่วงทำนองจากทั่วทุกมุมโลกของเรา อิ่มตัวด้วยสีสัน จังหวะ และท่วงทำนองที่มากขึ้นเรื่อยๆ

แจ๊สเป็นปรากฏการณ์พิเศษในวัฒนธรรมดนตรีโลก รูปแบบศิลปะหลายแง่มุมนี้เกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ (XIX และ XX) ในสหรัฐอเมริกา ดนตรีแจ๊สได้กลายเป็นผลิตผลของวัฒนธรรมของยุโรปและแอฟริกา ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างกระแสและรูปแบบจากสองภูมิภาคของโลก ต่อจากนั้น ดนตรีแจ๊สได้ก้าวไปไกลกว่าสหรัฐอเมริกาและกลายเป็นที่นิยมในทุกที่ ดนตรีนี้มีพื้นฐานมาจากเพลงพื้นบ้าน จังหวะและสไตล์ของแอฟริกา ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาทิศทางของดนตรีแจ๊สนี้ มีหลายรูปแบบและหลายประเภทที่เป็นที่รู้จักซึ่งปรากฏเป็นจังหวะและฮาร์โมนิกรูปแบบใหม่

ลักษณะของแจ๊ส

การรวมตัวกันของสองวัฒนธรรมทางดนตรีทำให้ดนตรีแจ๊สเป็นปรากฏการณ์ใหม่ในวงการศิลปะโลก คุณสมบัติเฉพาะของเพลงใหม่นี้คือ:

จังหวะที่ประสานกันซึ่งสร้างพหุจังหวะ
จังหวะดนตรีเป็นจังหวะ-บีท
เอาชนะความเบี่ยงเบนที่ซับซ้อน - สวิง
การด้นสดอย่างต่อเนื่องในการแต่งเพลง
ฮาร์โมนิกส์ จังหวะ และท่วงทำนองมากมาย

พื้นฐานของดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา คือการแสดงด้นสดร่วมกับรูปแบบที่คิดมาอย่างดี (ในขณะเดียวกัน รูปแบบขององค์ประกอบก็ไม่จำเป็นต้องได้รับการแก้ไขที่ใดที่หนึ่ง) และจากเพลงแอฟริกัน สไตล์ใหม่นี้มีคุณลักษณะเด่นดังต่อไปนี้:

ทำความเข้าใจเครื่องดนตรีแต่ละชนิดเป็นเครื่องเคาะจังหวะ
น้ำเสียงที่ได้รับความนิยมในการประพันธ์เพลง
การเลียนแบบการสนทนาที่คล้ายคลึงกันเมื่อเล่นเครื่องดนตรี

โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีแจ๊สทุกด้านมีความโดดเด่นด้วยคุณลักษณะในท้องถิ่นของตนเอง ดังนั้นจึงมีเหตุผลที่จะพิจารณาสิ่งเหล่านี้ในบริบทของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์

การเกิดขึ้นของแจ๊สแร็กไทม์ (1880-1910)

เชื่อกันว่าแจ๊สมีต้นกำเนิดมาจากทาสผิวดำที่นำมาจากแอฟริกาไปยังสหรัฐอเมริกาในศตวรรษที่ 18 เนื่องจากชาวแอฟริกันที่ถูกจับไม่ได้มาจากชนเผ่าเดียว พวกเขาจึงต้องค้นหาภาษาร่วมกับญาติพี่น้องของตนในโลกใหม่ การรวมกลุ่มนี้นำไปสู่การเกิดวัฒนธรรมแอฟริกันที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวในอเมริกา ซึ่งรวมถึงวัฒนธรรมดนตรีด้วย จนกระทั่งช่วงทศวรรษที่ 1880 และ 1890 ดนตรีแจ๊สเพลงแรกจึงเกิดขึ้น สไตล์นี้ได้รับแรงผลักดันจากความต้องการเพลงเต้นรำยอดนิยมทั่วโลก เนื่องจากศิลปะดนตรีแอฟริกันเต็มไปด้วยลีลาลีลา ทิศทางใหม่จึงถือกำเนิดขึ้น ชาวอเมริกันชนชั้นกลางหลายพันคนซึ่งไม่มีโอกาสเชี่ยวชาญการเต้นคลาสสิกของชนชั้นสูง ก็เริ่มเต้นรำกับเปียโนในสไตล์แร็กไทม์ Ragtime นำฐานดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายแห่งมาสู่ดนตรี ดังนั้น ตัวแทนหลักของสไตล์นี้คือ Scott Joplin เป็นผู้แต่งองค์ประกอบ "3 ต่อ 4" (การทำให้เกิดเสียงไขว้ของรูปแบบจังหวะที่มี 3 และ 4 หน่วยตามลำดับ)

นิวออร์ลีนส์ (ค.ศ. 1910-1920)

ดนตรีแจ๊สคลาสสิกปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในรัฐทางใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะในนิวออร์ลีนส์ (ซึ่งสมเหตุสมผล เพราะการค้าทาสแพร่หลายในภาคใต้)

ออร์เคสตราแอฟริกันและครีโอลเล่นที่นี่ โดยสร้างดนตรีภายใต้อิทธิพลของแร็กไทม์ บลูส์ และเพลงของคนผิวสี หลังจากการปรากฏตัวในเมืองของเครื่องดนตรีมากมายจากวงดนตรีทหาร กลุ่มมือสมัครเล่นก็เริ่มปรากฏขึ้นเช่นกัน นักดนตรีในตำนานแห่งนิวออร์ลีนส์และผู้ก่อตั้งวงออเคสตราของเขาเอง คิง โอลิเวอร์ ก็เรียนรู้ด้วยตนเองเช่นกัน วันสำคัญในประวัติศาสตร์แจ๊สคือวันที่ 26 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2460 เมื่อวงดนตรีแจ๊สดิกซีแลนด์ดั้งเดิมออกแผ่นเสียงแผ่นแรกของตัวเอง คุณสมบัติหลักของสไตล์ยังวางอยู่ในนิวออร์ลีนส์: จังหวะของเครื่องเคาะจังหวะ, โซโลที่เชี่ยวชาญ, การด้นสดเสียงร้องพร้อมพยางค์ - ขี้ขลาด

ชิคาโก (ค.ศ. 1910-1920)

ในปี ค.ศ. 1920 ดนตรีคลาสสิกเรียกว่า "อายุยี่สิบคำราม" ดนตรีแจ๊สค่อยๆ เข้าสู่วัฒนธรรมมวลชน โดยสูญเสียชื่อ "น่าละอาย" และ "ไม่เหมาะสม" วงออเคสตราเริ่มแสดงในร้านอาหาร ย้ายจากรัฐทางใต้ไปยังส่วนอื่นๆ ของสหรัฐอเมริกา ชิคาโกกำลังกลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีแจ๊สในตอนเหนือของประเทศ ซึ่งการแสดงฟรีทุกคืนโดยนักดนตรีกำลังได้รับความนิยม การเรียบเรียงที่ซับซ้อนมากขึ้นปรากฏในรูปแบบของดนตรี ไอคอนแจ๊สในเวลานี้คือ Louis Armstrong ซึ่งย้ายจากนิวออร์ลีนส์ไปชิคาโก ต่อจากนั้น รูปแบบของทั้งสองเมืองก็เริ่มรวมกันเป็นดนตรีแจ๊สประเภทเดียว - Dixieland คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือการแสดงสดโดยรวมซึ่งทำให้แนวคิดหลักของแจ๊สเป็นไปอย่างสมบูรณ์

วงสวิงและวงใหญ่ (1930s-1940s)

ความนิยมที่เพิ่มขึ้นของดนตรีแจ๊สทำให้เกิดความต้องการออร์เคสตราขนาดใหญ่เพื่อเล่นเพลงที่เต้นได้ นี่คือลักษณะที่วงสวิงปรากฏขึ้นซึ่งแสดงถึงความเบี่ยงเบนของลักษณะทั้งสองทิศทางจากจังหวะ สวิงกลายเป็นทิศทางโวหารหลักของเวลานั้นซึ่งแสดงออกในการทำงานของวงออเคสตรา การแสดงการร่ายรำที่เพรียวบางจำเป็นต้องมีการเล่นออร์เคสตราที่ประสานกันมากขึ้น นักดนตรีแจ๊สต้องมีส่วนร่วมอย่างสม่ำเสมอ โดยไม่ต้องด้นสดมากนัก (ยกเว้นศิลปินเดี่ยว) ดังนั้นการแสดงด้นสดโดยรวมของ Dixieland จึงเป็นเรื่องของอดีต ในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีการเฟื่องฟูของกลุ่มดังกล่าวซึ่งเรียกว่าวงดนตรีขนาดใหญ่ ลักษณะเฉพาะของวงออเคสตราในสมัยนั้นคือการแข่งขันของกลุ่มเครื่องดนตรีส่วนต่างๆ ตามเนื้อผ้ามีสามของพวกเขา: แซกโซโฟน, ทรัมเป็ต, กลอง นักดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุดและวงออเคสตราของพวกเขาคือ Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington นักดนตรียุคหลังมีชื่อเสียงในด้านความมุ่งมั่นต่อนิทานพื้นบ้านของชาวนิโกร

เบบอป (1940s)

การจากไปของ Swing จากประเพณีดนตรีแจ๊สยุคแรกๆ และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ท่วงทำนองและสไตล์แอฟริกันคลาสสิก ทำให้เกิดความไม่พอใจในหมู่ผู้ชื่นชอบประวัติศาสตร์ วงดนตรีขนาดใหญ่และนักแสดงสวิงซึ่งทำงานให้กับสาธารณชนมากขึ้นเรื่อย ๆ เริ่มถูกต่อต้านโดยดนตรีแจ๊สของวงดนตรีเล็ก ๆ ของนักดนตรีผิวดำ ผู้ทดลองได้แนะนำท่วงทำนองที่เร็วเป็นพิเศษ นำอิมโพรไวส์แบบยาวกลับมา จังหวะที่ซับซ้อน และความเชี่ยวชาญในเครื่องดนตรีเดี่ยว สไตล์ใหม่ที่วางตำแหน่งตัวเองเป็นพิเศษเริ่มถูกเรียกว่า bebop นักดนตรีแจ๊สที่อุกอาจเช่น Charlie Parker และ Dizzy Gillespie กลายเป็นไอคอนของยุคนี้ การก่อจลาจลของชาวอเมริกันผิวดำต่อต้านการค้าแจ๊ส ความปรารถนาที่จะกลับไปสู่ความสนิทสนมและเอกลักษณ์ทางดนตรีนี้กลายเป็นประเด็นสำคัญ จากช่วงเวลานี้และจากรูปแบบนี้ ประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่เริ่มต้นขึ้น ในเวลาเดียวกัน หัวหน้าวงใหญ่มาที่วงออเคสตราเล็ก ๆ โดยต้องการพักจากห้องโถงใหญ่ ในวงดนตรีที่เรียกว่าคอมโบ นักดนตรีดังกล่าวปฏิบัติตามรูปแบบการสวิง แต่ได้รับอิสระในการด้นสด

แจ๊สสุดเท่ ฮาร์ดบ็อป โซลแจ๊ส และแจ๊สฟังก์ (ทศวรรษที่ 1940-1960)

ในปี 1950 แนวดนตรีเช่นแจ๊สเริ่มพัฒนาในสองทิศทางที่ตรงกันข้าม ผู้สนับสนุนดนตรีคลาสสิก "เก๋า" เบ๊บ นำแฟชั่นวงการเพลง โพลีโฟนี และเรียบเรียงกลับมา ดนตรีแจ๊สสุดเท่กลายเป็นที่รู้จักในเรื่องความยับยั้งชั่งใจ ความแห้งแล้ง และความเศร้าโศก ตัวแทนหลักของเทรนด์แจ๊สนี้คือ: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck แต่ทิศทางที่สองเริ่มพัฒนาความคิดของ bebop สไตล์ฮาร์ดบ็อปบอกถึงความคิดที่จะหวนคืนสู่ต้นกำเนิดของดนตรีสีดำ ท่วงทำนองพื้นบ้านแบบดั้งเดิม จังหวะที่สดใสและดุดัน โซโลระเบิด และการแสดงด้นสดกลับคืนสู่แฟชั่น เป็นที่รู้จักในรูปแบบของฮาร์ดบ็อป: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane สไตล์นี้พัฒนาขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติควบคู่ไปกับโซลแจ๊สและแจ๊สฟังค์ สไตล์เหล่านี้เข้าใกล้เพลงบลูส์ ทำให้จังหวะเป็นส่วนสำคัญของการแสดงของพวกเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Jazz funk ได้รับการแนะนำโดย Richard Holmes และ Shirley Scott

แจ๊สเป็นดนตรีที่เต็มไปด้วยความหลงใหลและความเฉลียวฉลาด ดนตรีที่ไร้ขอบเขตและไร้ขอบเขต การรวบรวมรายการดังกล่าวเป็นเรื่องยากอย่างไม่น่าเชื่อ รายการนี้ถูกเขียน เขียนใหม่ แล้วเขียนใหม่อีกครั้ง สิบ จำกัดจำนวนมากเกินไปสำหรับประเภทดนตรีเช่นแจ๊ส อย่างไรก็ตาม ไม่ว่าจะมีปริมาณมากน้อยเพียงใด เพลงนี้ก็สามารถเติมชีวิตและพลังให้กับชีวิตได้ ตื่นขึ้นจากการจำศีล อะไรจะดีไปกว่าแจ๊สที่กล้าหาญ ไม่เหน็ดเหนื่อย และอบอุ่น!

1. หลุยส์ อาร์มสตรอง

1901 - 1971

นักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรองได้รับการยกย่องจากสไตล์ที่มีชีวิตชีวา ความเฉลียวฉลาด ความมีคุณธรรม การแสดงออกทางดนตรี และการแสดงที่มีชีวิตชีวา เป็นที่รู้จักจากเสียงแหบและอาชีพที่ยาวนานกว่าห้าทศวรรษ อิทธิพลของอาร์มสตรองที่มีต่อดนตรีนั้นมีค่ามาก โดยทั่วไปแล้ว Louis Armstrong ถือเป็นนักดนตรีแจ๊สที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล

Louis Armstrong กับ Velma Middleton & His All Stars - Saint Louis Blues

2. ดยุคเอลลิงตัน

1899 - 1974

Duke Ellington เป็นนักเปียโนและนักแต่งเพลงที่เป็นหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สมาเกือบ 50 ปีแล้ว เอลลิงตันใช้วงดนตรีของเขาเป็นห้องทดลองดนตรีสำหรับการทดลอง ซึ่งเขาได้แสดงความสามารถของสมาชิกในวง ซึ่งหลายคนอยู่กับเขามาเป็นเวลานาน Ellington เป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์และอุดมสมบูรณ์อย่างเหลือเชื่อ ตลอดอาชีพการทำงาน 50 ปีของเขา เขาได้เขียนบทประพันธ์นับพันเรื่อง รวมทั้งผลงานภาพยนตร์และดนตรี ตลอดจนมาตรฐานที่เป็นที่รู้จักมากมาย เช่น "Cotton Tail" และ "It Don't Mean a Thing"

Duke Ellington และ John Coltrane

3. ไมล์ส เดวิส

1926 - 1991

Miles Davis เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่ทรงอิทธิพลที่สุดในศตวรรษที่ 20 นอกจากวงดนตรีของเขาแล้ว เดวิสยังเป็นบุคคลสำคัญในวงการดนตรีแจ๊สตั้งแต่กลางทศวรรษ 1940 รวมถึงบี-บ็อป แจ๊สสุดเท่ ฮาร์ดบ็อบ โมดัลแจ๊ส และแจ๊สฟิวชั่น เดวิสได้ผลักดันขอบเขตของการแสดงออกทางศิลปะอย่างไม่ลดละ ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาจึงมักถูกระบุว่าเป็นหนึ่งในนักแสดงที่มีนวัตกรรมและเป็นที่ยอมรับมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี

Miles Davis Quintet

4. ชาร์ลี ปาร์คเกอร์

1920 - 1955

นักเป่าแซ็กโซโฟน Charlie Parker เป็นศิลปินเดี่ยวแจ๊สผู้มีอิทธิพลและเป็นผู้นำในการพัฒนาบี-บ็อป ซึ่งเป็นรูปแบบของแจ๊สที่มีจังหวะเร็ว เทคนิคอัจฉริยะ และด้นสด ในแนวท่วงทำนองที่ซับซ้อนของเขา Parker ผสมผสานดนตรีแจ๊สเข้ากับแนวดนตรีอื่นๆ รวมทั้งดนตรีบลูส์ ละติน และดนตรีคลาสสิก ปาร์กเกอร์เป็นบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมย่อยของบีต แต่เขาก้าวข้ามรุ่นของเขาเพื่อกลายเป็นตัวอย่างที่ดีของนักดนตรีที่เฉลียวฉลาดและแน่วแน่

ชาร์ลี ปาร์คเกอร์

5. แนท คิง โคล

1919 - 1965

แนท คิง โคล เป็นที่รู้จักจากเสียงบาริโทนที่นุ่มนวลของเขา นำอารมณ์ดนตรีแจ๊สมาสู่ดนตรีอเมริกันยอดนิยม โคลเป็นหนึ่งในชาวแอฟริกันอเมริกันกลุ่มแรกๆ ที่จัดรายการโทรทัศน์ที่มีศิลปินแจ๊สเข้าร่วม เช่น เอลลา ฟิตซ์เจอรัลด์และเอิร์ธฮา คิตต์ นักเปียโนที่มหัศจรรย์และด้นสดที่โด่งดัง โคลเป็นหนึ่งในศิลปินแจ๊สกลุ่มแรกที่กลายมาเป็นไอคอนป๊อป

แนท คิง โคล

6. จอห์น โคลเทรน

1926 - 1967

แม้จะมีอาชีพที่ค่อนข้างสั้น (ปรากฏตัวครั้งแรกเมื่ออายุ 29 ปีในปี 2498 เริ่มอาชีพเดี่ยวอย่างเป็นทางการเมื่ออายุ 33 ปีในปี 2503 และเสียชีวิตเมื่ออายุ 40 ปีในปี 2510) นักเป่าแซ็กโซโฟน John Coltrane เป็นบุคคลที่สำคัญที่สุดและเป็นที่ถกเถียงกันในวงการดนตรีแจ๊ส แม้อาชีพการงานของเขาจะสั้น แต่ด้วยชื่อเสียงของเขา Coltrane มีโอกาสบันทึกได้มากมาย และบันทึกของเขาจำนวนมากได้รับการตีพิมพ์ในมรณกรรม Coltrane ได้เปลี่ยนสไตล์ของเขาอย่างสิ้นเชิงตลอดอาชีพการงานของเขา แต่เขายังคงรักษาลัทธิตามเสียงดั้งเดิมและเสียงดั้งเดิมของเขาและเสียงทดลองของเขา และไม่มีใครที่เกือบจะนับถือศาสนาใด ๆ สงสัยถึงความสำคัญของเขาในประวัติศาสตร์ดนตรี

John Coltrane

7 ภิกษุสงฆ์

1917 - 1982

Thelonious Monk เป็นนักดนตรีที่มีสไตล์ด้นสดที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เป็นนักดนตรีแจ๊สที่เป็นที่รู้จักมากเป็นอันดับสองรองจาก Duke Ellington สไตล์ของเขาโดดเด่นด้วยเส้นเสียงที่มีพลังและกระทบกระเทือนสลับกับความเงียบที่รุนแรงและน่าทึ่ง ระหว่างการแสดง ขณะที่นักดนตรีคนอื่นๆ กำลังเล่น ธีโลเนียสลุกขึ้นจากคีย์บอร์ดและเต้นเป็นเวลาหลายนาที หลังจากสร้างผลงานเพลงแจ๊สคลาสสิก "Round Midnight", "Straight, No Chaser" พระภิกษุสงฆ์จบวันของเขาด้วยความสับสน แต่อิทธิพลของเขาที่มีต่อดนตรีแจ๊สสมัยใหม่เป็นที่สังเกตได้จนถึงทุกวันนี้

Thelonious Monk - รอบเที่ยงคืน

8. ออสการ์ ปีเตอร์สัน

1925 - 2007

Oscar Peterson เป็นนักดนตรีแนวสร้างสรรค์ที่ทำทุกอย่างตั้งแต่บทกวีคลาสสิกของ Bach ไปจนถึงแจ๊สบัลเลต์เพลงแรก ปีเตอร์สันเปิดโรงเรียนสอนดนตรีแจ๊สแห่งแรกในแคนาดา เพลง "Hymn to Freedom" ของเขากลายเป็นเพลงของขบวนการสิทธิพลเมือง Oscar Peterson เป็นหนึ่งในนักเปียโนแจ๊สที่มีพรสวรรค์และมีความสำคัญที่สุดในยุคของเขา

ออสการ์ ปีเตอร์สัน - ซี แจม บลูส์

9. บิลลี่ ฮอลิเดย์

1915 - 1959

Billie Holiday เป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในวงการเพลงแจ๊ส แม้ว่าเธอจะไม่เคยเขียนเพลงของตัวเองเลยก็ตาม Holiday เปลี่ยน "Embraceable You", "I'll Be Seeing You" และ "I Cover the Waterfront" ให้เป็นมาตรฐานแจ๊สที่มีชื่อเสียง และการแสดงของเธอเรื่อง "Strange Fruit" ถือเป็นหนึ่งในประวัติศาสตร์ดนตรีอเมริกันที่ดีที่สุด แม้ว่าชีวิตของเธอจะเต็มไปด้วยโศกนาฏกรรม แต่อัจฉริยะด้นสดของฮอลิเดย์ ประกอบกับเสียงที่เปราะบางและแหบพร่าของเธอ แสดงให้เห็นถึงอารมณ์ที่ลึกซึ้งอย่างที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของนักร้องแจ๊สคนอื่นๆ

Billie Holiday

10. ดิซซี่กิลเลสปี

1917 - 1993

Trumpeter Dizzy Gillespie เป็นนักประดิษฐ์บีป็อปและเป็นปรมาจารย์ด้านด้นสด เช่นเดียวกับผู้บุกเบิกแจ๊สแอฟโฟร-คิวบาและละติน Gillespie ได้ร่วมมือกับนักดนตรีชาวอเมริกาใต้และแคริบเบียนหลายคน ด้วยความหลงใหลอย่างลึกซึ้ง เขาปฏิบัติต่อดนตรีพื้นเมืองของประเทศในแอฟริกา ทั้งหมดนี้ทำให้เขาสามารถนำนวัตกรรมที่ไม่เคยมีมาก่อนมาสู่การตีความแจ๊สสมัยใหม่ ตลอดอาชีพการงานอันยาวนานของเขา Gillespie ได้ออกทัวร์อย่างไม่ลดละและทำให้ผู้ชมหลงใหลด้วยหมวกเบเรต์ แว่นตาขอบเขา แก้มป่อง ความเบิกบานใจ และดนตรีอันน่าทึ่งของเขา

ดิซซี่ กิลเลสปี feat. ชาร์ลี ปาร์คเกอร์

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck เป็นนักแต่งเพลงและนักเปียโน โปรโมเตอร์แจ๊ส นักเคลื่อนไหวด้านสิทธิพลเมือง และนักวิจัยด้านดนตรี นักดนตรีที่โด่งดังซึ่งเป็นที่รู้จักจากคอร์ดเดียว นักแต่งเพลงที่กระสับกระส่ายที่ก้าวข้ามขอบเขตของแนวเพลงและสร้างสะพานเชื่อมระหว่างอดีตและอนาคตของดนตรี Brubeck ร่วมงานกับ Louis Armstrong และนักดนตรีแจ๊สชื่อดังอีกหลายคน และยังมีอิทธิพลต่อนักเปียโนแนวหน้า Cecil Taylor และนักแซ็กโซโฟน Anthony Braxton

Dave Brubeck

12. เบนนี่ กู๊ดแมน

1909 – 1986

Benny Goodman เป็นนักดนตรีแจ๊สที่รู้จักกันในนาม "King of Swing" เขากลายเป็นที่นิยมของดนตรีแจ๊สในหมู่เยาวชนผิวขาว การปรากฏตัวของเขาเป็นจุดเริ่มต้นของยุคสมัย กู๊ดแมนเป็นบุคลิกที่ขัดแย้ง เขาพยายามอย่างไม่ลดละเพื่อความสมบูรณ์แบบและสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในแนวทางดนตรีของเขา Goodman ไม่ได้เป็นเพียงผู้เล่นที่เก่งกาจ แต่เขาเป็นนักคลาริเน็ตและนักประดิษฐ์แห่งยุคแจ๊สพรีบีบ็อป

Benny Goodman

13. Charles Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus เป็นนักเล่นเบส นักแต่งเพลง และหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สผู้มีอิทธิพล เพลงของ Mingus เป็นการผสมผสานระหว่างฮาร์ดบ็อบที่ร้อนแรงและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณ พระกิตติคุณ ดนตรีคลาสสิก และแจ๊สฟรี ดนตรีที่มีความทะเยอทะยานและอารมณ์อันน่าเกรงขามของเขาทำให้ Mingus ได้รับสมญานามว่า "ชายผู้คลั่งไคล้แจ๊ส" ถ้าเขาเป็นแค่นักเล่นเครื่องสาย น้อยคนนักที่จะรู้จักชื่อของเขาในวันนี้ เขาน่าจะเป็นมือเบสคู่ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เป็นคนที่คอยจับชีพจรของพลังการแสดงอารมณ์ที่ดุร้ายของแจ๊สอยู่เสมอ

Charles Mingus

14. เฮอร์บี แฮนค็อก

1940 –

เฮอร์บี แฮนค็อกจะเป็นหนึ่งในนักดนตรีแจ๊สที่ได้รับการยกย่องและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุด เช่นเดียวกับนายจ้าง/ที่ปรึกษา Miles Davis ของเขา ไม่เหมือนเดวิสที่ก้าวไปข้างหน้าอย่างมั่นคงและไม่เคยหันหลังกลับ แฮนค็อกซิกแซกระหว่างดนตรีแจ๊สแบบอิเล็กทรอนิกส์และอะคูสติก หรือแม้แต่ r "n" b แม้ว่าเขาจะทำการทดลองทางอิเล็กทรอนิกส์ แต่ความรักในเปียโนของแฮนค็อกก็ไม่ได้ลดลง และรูปแบบเปียโนของเขายังคงพัฒนาไปสู่รูปแบบที่เข้มงวดและซับซ้อนมากขึ้น

เฮอร์บี แฮนค็อก

15. วินตัน มาร์ซาลิส

1961 –

นักดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุดตั้งแต่ปี 1980 ในช่วงต้นยุค 80 Wynton Marsalis กลายเป็นสิ่งที่เปิดเผยเมื่อนักดนตรีอายุน้อยและมีความสามารถมาก ตัดสินใจที่จะเล่นอะคูสติกแจ๊สที่มีชีวิตมากกว่าฟังค์หรือ R"n"B. ตั้งแต่ปี 1970 เป็นต้นมา ดนตรีแจ๊สขาดแคลนนักเป่าแตรหน้าใหม่อย่างมาก แต่ชื่อเสียงที่ไม่คาดคิดของ Marsalis ได้จุดประกายให้เกิดความสนใจใหม่ๆ ในดนตรีแจ๊ส

Wynton Marsalis - ชนบท (E. Bozza)

ประเภทของดนตรีพัฒนาขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 อย่างไร? อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์องค์ประกอบของวัฒนธรรมดนตรีสองวัฒนธรรม - ยุโรปและแอฟริกา องค์ประกอบของแอฟริกัน เราสามารถสังเกตพหุจังหวะ การซ้ำซ้อนของแรงจูงใจหลัก การแสดงออกของเสียงร้อง การด้นสด ซึ่งแทรกซึมเข้าไปในดนตรีแจ๊สพร้อมกับรูปแบบทั่วไปของนิทานพื้นบ้านนิโกร - การเต้นรำตามพิธีกรรม เพลงประกอบ จิตวิญญาณและบลูส์

คำ แจ๊ส, ตอนแรก "วงดนตรีแจ๊ส"เริ่มใช้ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 ในรัฐทางใต้เพื่ออ้างถึงดนตรีที่สร้างขึ้นโดยวงดนตรีขนาดเล็กของนิวออร์ลีนส์ (ประกอบด้วยทรัมเป็ต, คลาริเน็ต, ทรอมโบน, แบนโจ, ทูบาหรือดับเบิลเบส, เพอร์คัชชันและเปียโน) ในกระบวนการอิมโพรไวส์โดยรวมในธีมบลูส์, แร็กไทม์และเพลงยุโรปยอดนิยม และการเต้นรำ

เพื่อทำความคุ้นเคยคุณสามารถฟังและ Cesaria Evora, และ, และอื่นๆอีกมากมาย

แล้วมันคืออะไร กรดแจ๊ส? นี่คือสไตล์ดนตรีขี้ขลาดที่มีองค์ประกอบในตัวของแจ๊ส ฟังก์ยุค 70 ฮิปฮอป โซล และสไตล์อื่นๆ มันสามารถสุ่มตัวอย่าง มันสามารถ "สด" และมันสามารถเป็นส่วนผสมของสองตัวสุดท้าย

ส่วนใหญ่, กรดแจ๊สเน้นที่ดนตรีมากกว่าข้อความ/คำ นี่คือเพลงในคลับที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้คุณเคลื่อนไหว

ซิงเกิ้ลแรกอย่างมีสไตล์ กรดแจ๊สเคยเป็น "เฟรเดอริคยังโกหกอยู่", ผู้เขียน กัลลิอาโน. มันเป็นเวอร์ชั่นหน้าปก Curtis Mayfield Freddie's Deadจากหนัง “ซุปเปอร์ฟลาย”.

ผลงานที่ยอดเยี่ยมในการส่งเสริมและสนับสนุนสไตล์ กรดแจ๊สแนะนำ Gilles Petersonซึ่งเป็นดีเจในรายการ KISS FM เขาเป็นคนแรกที่ก่อตั้ง กรดแจ๊สฉลาก. ในช่วงปลายยุค 80 - ต้นยุค 90 มีนักแสดงมากมาย กรดแจ๊สซึ่งก็เหมือนกับคำสั่ง "สด" - , Galliano, Jamiroquai, ดอน เชอร์รี่, และโครงการสตูดิโอ - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, ภายนอก,และ United Future Organisation.

แน่นอนว่านี่ไม่ใช่สไตล์ของแจ๊ส แต่เป็นประเภทของวงดนตรีแจ๊ส แต่ก็ยังรวมอยู่ในตารางเพราะแจ๊สที่ดำเนินการโดย "บิ๊กแบนด์" โดดเด่นมากเมื่อเทียบกับภูมิหลังของนักแสดงแจ๊สแต่ละคนและ กลุ่มเล็ก
จำนวนนักดนตรีในวงใหญ่มักมีตั้งแต่สิบถึงสิบเจ็ดคน
ก่อตั้งขึ้นในปลายทศวรรษที่ 1920 ประกอบด้วย วงดนตรีสามวง: แซกโซโฟน - คลาริเน็ต(ม้วน) เครื่องทองเหลือง(ทองเหลืองท่อและทรอมโบนอีกกลุ่มโดดเด่น) ส่วนจังหวะ(ส่วนจังหวะ - เปียโน ดับเบิลเบส กีตาร์ เครื่องเพอร์คัชชัน) ยุครุ่งเรืองของดนตรี วงใหญ่ซึ่งเริ่มขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีความเกี่ยวข้องกับช่วงเวลาของความกระตือรือร้นในการแกว่ง

ต่อมาจนถึงปัจจุบัน วงดนตรีใหญ่ ๆ ได้แสดงและยังคงแสดงดนตรีรูปแบบต่างๆ อย่างไรก็ตาม โดยพื้นฐานแล้ว ยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่เริ่มต้นขึ้นเร็วกว่านี้มาก และย้อนกลับไปในสมัยของโรงละครดนตรีอเมริกันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมักจะเพิ่มทีมงานแสดงให้กับนักแสดงและนักดนตรีหลายร้อยคน ฟัง วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม, วงดนตรีแจ๊ส Creole ของ King Oliver, วงออเคสตรา Glenn Miller และวงออเคสตราของเขาและคุณจะประทับใจกับเสน่ห์ของดนตรีแจ๊สที่บรรเลงโดยวงใหญ่

สไตล์แจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้น - กลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และเปิดยุคของแจ๊สสมัยใหม่ มันมีลักษณะเฉพาะด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการด้นสดที่ซับซ้อนโดยอิงจากการเปลี่ยนแปลงในความสามัคคีมากกว่าท่วงทำนอง
Parker และ Gillespie นำเสนอการแสดงที่รวดเร็วเป็นพิเศษเพื่อไม่ให้ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพต้องด้นสดใหม่ เหนือสิ่งอื่นใด พฤติกรรมที่น่าตกใจได้กลายเป็นจุดเด่นของ bebopites ทั้งหมด แตรโค้งของ Dizzy Gillespie พฤติกรรมของ Parker และ Gillespie หมวกที่ไร้สาระของ Monk เป็นต้น
เมื่อเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อการแพร่หลายของวงสวิง bebop ยังคงพัฒนาหลักการของมันต่อไปโดยใช้วิธีการแสดงความรู้สึก แต่ในขณะเดียวกันก็ค้นพบแนวโน้มที่ตรงกันข้ามจำนวนหนึ่ง

ซึ่งแตกต่างจากวงสวิงซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงของวงดนตรีเต้นรำเชิงพาณิชย์ขนาดใหญ่ bebop เป็นทิศทางที่สร้างสรรค์เชิงทดลองในดนตรีแจ๊สซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการปฏิบัติของวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) และการต่อต้านการค้าในทิศทางของมัน
ระยะ bebop เป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในดนตรีแจ๊สจากเพลงแดนซ์ยอดนิยมไปเป็น "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" ที่มีศิลปะสูงและมีสติปัญญาสูง แต่มีกระแสหลักน้อยกว่า นักดนตรีป็อปชอบการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยการดีดคอร์ดแทนที่จะเป็นท่วงทำนอง
ผู้ริเริ่มหลักของการเกิดคือ: นักเป่าแซ็กโซโฟน, นักเป่าแตร, นักเปียโน บัด พาวเวลและ พระธีโลเนียส, มือกลอง Max Roach. ถ้าคุณต้องการ เป็นปอบ, ฟัง , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, วง Modern Jazz Quartet.

หนึ่งในรูปแบบของแจ๊สสมัยใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนยุค 40 - 50 ของศตวรรษที่ 20 โดยอิงจากการพัฒนาความสำเร็จของวงสวิงและป็อบ ที่มาของรูปแบบนี้มีความเกี่ยวข้องกับชื่อนักเป่าแซ็กโซโฟนวงสวิงนิโกรเป็นหลัก แอล.ยังผู้พัฒนาลักษณะ "เย็น" ของการสกัดเสียง (ที่เรียกว่าเสียงเลสเตอร์) ตรงข้ามกับอุดมคติของเสียงของแจ๊สร้อน เขายังแนะนำคำว่า "เจ๋ง" เป็นครั้งแรกอีกด้วย นอกจากนี้ ความต้องการเบื้องต้นของดนตรีแจ๊สสุดเท่ยังพบได้ในผลงานของนักดนตรี bebop หลายคน เช่น C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jacksonและคนอื่น ๆ.

อย่างไรก็ตาม, แจ๊สสุดเท่มีความแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจาก ตะบัน. สิ่งนี้ปรากฏให้เห็นในการจากไปจากประเพณีของดนตรีแจ๊สที่ร้อนแรงที่ตามมา ในการปฏิเสธการแสดงออกของจังหวะที่มากเกินไปและความไม่แน่นอนของเสียงสูงต่ำ จากการเน้นโดยเจตนาในสีนิโกรโดยเฉพาะ เล่นในรูปแบบนี้: , Stan Getz, วง Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

เมื่อดนตรีร็อคค่อยๆ หายไปในช่วงต้นทศวรรษ 70 โดยกระแสความคิดที่ไหลออกจากโลกแห่งร็อคน้อยลง ดนตรีฟิวชั่นก็ตรงไปตรงมามากขึ้น ในเวลาเดียวกัน หลายคนเริ่มตระหนักว่าแจ๊สไฟฟ้าสามารถกลายเป็นเชิงพาณิชย์มากขึ้น โปรดิวเซอร์และนักดนตรีบางคนเริ่มมองหาการผสมผสานของสไตล์ดังกล่าวเพื่อเพิ่มยอดขาย พวกเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในการสร้างดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งที่ผู้ฟังทั่วไปเข้าถึงได้มากขึ้น ในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมา มีการผสมผสานที่แตกต่างกันมากมาย ซึ่งโปรโมเตอร์และนักประชาสัมพันธ์ชอบใช้คำว่า "แจ๊สสมัยใหม่" เพื่ออธิบาย "การหลอมรวม" ของแจ๊สที่มีองค์ประกอบของป๊อป ริธึมและบลูส์ และ "ดนตรีสากล"

อย่างไรก็ตาม คำว่า "ครอสโอเวอร์" หมายถึงแก่นแท้ของเรื่องได้แม่นยำกว่า ครอสโอเวอร์และฟิวชั่นบรรลุเป้าหมายและเพิ่มผู้ชมสำหรับแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งต้องขอบคุณผู้ที่เบื่อกับสไตล์อื่นๆ ในบางกรณี เพลงนี้สมควรได้รับความสนใจ แม้ว่าโดยทั่วไปแล้ว เนื้อหาแจ๊สในนั้นจะลดลงเหลือศูนย์ ตัวอย่างสไตล์ครอสโอเวอร์มีตั้งแต่ (Al Jarreau) และการบันทึกเสียง (George Benson) ถึง (Kenny G) "สไปโรไจร่า"และ " " . ทั้งหมดนี้มีอิทธิพลต่อดนตรีแจ๊ส แต่อย่างไรก็ตาม เพลงนี้ก็เข้าได้กับวงการป๊อปอาร์ตซึ่งเป็นตัวแทนของ เจอรัลด์ อัลไบรท์, จอร์จ ดุ๊ก,นักแซกโซโฟน บิล อีแวนส์, เดฟ กรูซิน,.

Dixieland- การกำหนดรูปแบบดนตรีที่กว้างที่สุดของนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์และชิคาโกที่บันทึกตั้งแต่ปีพ. ศ. 2460 ถึง พ.ศ. 2466 แนวคิดนี้ยังขยายไปถึงช่วงเวลาของการพัฒนาและการฟื้นคืนชีพของดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ในเวลาต่อมา - การฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ต่อเนื่องหลังจากทศวรรษที่ 1930 คุณลักษณะของนักประวัติศาสตร์บางคน Dixielandเฉพาะเพลงของวงดนตรีสีขาวที่เล่นในสไตล์แจ๊สแบบนิวออร์ลีนส์เท่านั้น

ละครเพลงของนักดนตรีต่างจากดนตรีแจ๊สรูปแบบอื่น Dixielandยังคงมีอยู่อย่างจำกัด โดยนำเสนอรูปแบบที่หลากหลายไม่รู้จบภายในเพลงเดียวกันที่แต่งขึ้นตลอดทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 และรวมถึงแร็กไทม์ บลูส์ หนึ่งก้าว สองก้าว เดินขบวน และเพลงยอดนิยม สำหรับสไตล์การแสดง Dixielandลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานที่ซับซ้อนของเสียงแต่ละเสียงเข้ากับการแสดงด้นสดโดยรวมของทั้งมวล นักแสดงที่เปิดเพลงเดี่ยวและศิลปินเดี่ยวคนอื่น ๆ ที่ยังคงเล่นเกมของเขาเหมือนเดิม ต่อต้าน "การริฟ" ของทองเหลืองที่เหลือ จนถึงประโยคสุดท้าย ซึ่งมักจะเล่นโดยกลองในรูปแบบของบทละเว้นสี่จังหวะเพื่อ ซึ่งทั้งมวลก็ตอบกลับมา

ตัวแทนหลักของยุคนี้คือ วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม Joe King Oliver และวงออเคสตราชื่อดังของเขา Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke และ Jimmy McPartland. นักดนตรีของ Dixieland กำลังมองหาการฟื้นคืนชีพของดนตรีแจ๊สแบบคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ในปีกลาย ความพยายามเหล่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมากและต้องขอบคุณรุ่นต่อ ๆ ไปจนถึงปัจจุบัน การฟื้นฟูประเพณี Dixieland ครั้งแรกเกิดขึ้นในปี 1940
นี่เป็นเพียงแจ๊สแมนบางส่วนที่เล่น Dixieland: Kenny Ball, วงดนตรีแจ๊ส Lu Watters Yerna Buena, วงดนตรีแจ๊ส Turk Murphys.

ช่องที่แยกจากกันในชุมชนสไตล์แจ๊สตั้งแต่ต้นยุค 70 ถูกครอบครองโดย บริษัท เยอรมัน ECM (ฉบับดนตรีร่วมสมัย- สำนักพิมพ์ดนตรีร่วมสมัย) ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นศูนย์กลางของการรวมตัวของนักดนตรีที่ไม่แสดงความรักต่อดนตรีแจ๊สแบบแอฟริกัน-อเมริกันสักเท่าไหร่ เท่าที่จะสามารถแก้งานศิลป์ได้หลากหลาย ไม่จำกัดเฉพาะตัวเอง สไตล์แต่สอดคล้องกับกระบวนการด้นสดเชิงสร้างสรรค์

อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป ใบหน้าของบริษัทบางส่วนก็ได้รับการพัฒนา ซึ่งนำไปสู่การแยกศิลปินของค่ายนี้ออกไปสู่ทิศทางโวหารขนาดใหญ่และเด่นชัด Manfred Eicher ผู้ก่อตั้งค่ายเพลงได้ให้ความสำคัญกับการผสมผสานสำนวนดนตรีแจ๊ส นิทานพื้นบ้านโลก และดนตรีวิชาการใหม่ๆ เข้าเป็นเสียงที่น่าประทับใจ ทำให้สามารถอ้างสิทธิ์ในเชิงลึกและความเข้าใจเชิงปรัชญาเกี่ยวกับค่านิยมชีวิตโดยใช้วิธีการเหล่านี้

สตูดิโอบันทึกเสียงหลักของบริษัทในออสโลมีความสัมพันธ์กับบทบาทนำในแคตตาล็อกของนักดนตรีชาวสแกนดิเนเวียอย่างเห็นได้ชัด ก่อนอื่น ชาวนอร์เวย์ Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, จอน คริสเตนเซ่น. อย่างไรก็ตาม ภูมิศาสตร์ของ ECM ครอบคลุมทั้งโลก นี่คือชาวยุโรป เดฟ ฮอลแลนด์, โทมัสซ์ สแตนโก, จอห์น เซอร์แมน, เอเบอร์ฮาร์ด เวเบอร์, เรเนอร์ บรูนิงเฮาส์, มิคาอิล อัลเปรินและตัวแทนของวัฒนธรรมนอกยุโรป เอ็กแบร์โต กิสมอนติ, ฟลอรา ปูริม, ซากีร์ ฮุสเซน, ตรีโลก คูร์ตู, นานา วาสคอนเซลอส, หริปราซัด เชาราเซีย, อนุอาร์ บราเฮมและอื่น ๆ อีกมากมาย. ตัวแทนไม่น้อยคือ American Legion - แจ็ค เดอจอห์นเน็ต, ชาร์ลส์ ลอยด์, ราล์ฟ ทาวน์เนอร์, เรดแมน ดิวอี้, บิล ฟริเซลล์, จอห์น อเบอร์ครอมบี้, ลีโอ สมิธ. แรงกระตุ้นในการปฏิวัติครั้งแรกของสิ่งพิมพ์ของบริษัทได้เปลี่ยนไปเป็นเสียงรูปแบบเปิดที่แยกออกมาจากสมาธิและชั้นเสียงที่ขัดเกลาอย่างระมัดระวัง

สมัครพรรคพวกกระแสหลักบางคนปฏิเสธเส้นทางที่เลือกโดยนักดนตรีของทิศทางนี้ อย่างไรก็ตาม ดนตรีแจ๊สในฐานะที่เป็นวัฒนธรรมโลก พัฒนาทั้งๆ ที่มีการคัดค้านเหล่านี้ และให้ผลลัพธ์ที่น่าประทับใจมาก

ตรงกันข้ามกับความประณีตและความเท่ของสไตล์สุดเท่ ความมีเหตุมีผลของความก้าวหน้าบนชายฝั่งตะวันออกของสหรัฐอเมริกา นักดนตรีรุ่นเยาว์ในช่วงต้นทศวรรษ 50 ยังคงพัฒนาสไตล์เสียงบี๊บที่ดูเหมือนหมดแรงไปแล้ว การเติบโตของความตระหนักในตนเองของชาวแอฟริกันอเมริกันซึ่งเป็นลักษณะของยุค 50 มีบทบาทสำคัญในแนวโน้มนี้ ความสนใจถูกดึงดูดอีกครั้งเพื่อรักษาความจงรักภักดีต่อประเพณีการแสดงด้นสดของชาวแอฟริกันอเมริกัน ในเวลาเดียวกันความสำเร็จทั้งหมดของ bebop นั้นยังคงอยู่ แต่มีการเพิ่มความสำเร็จที่ยอดเยี่ยมมากมายให้กับพวกเขาทั้งในด้านความสามัคคีและในด้านโครงสร้างจังหวะ นักดนตรีของคนรุ่นใหม่มักมีการศึกษาด้านดนตรีที่ดี กระแสนี้เรียกว่า "ฮาร์ดบอป"กลายเป็นค่อนข้างมาก นักเป่าแตรเข้าร่วม ไมล์ส เดวิส, แฟตส์ นาวาร์โร, คลิฟฟอร์ด บราวน์, โดนัลด์ เบิร์ด, นักเปียโน พระธีโลเนียส ฮอเรซ ซิลเวอร์, มือกลอง อาร์ต เบลค, นักแซกโซโฟน ซันนี่ โรลลินส์, แฮงค์ โมบลีย์, ลูกกระสุนปืนใหญ่ แอดเดอร์ลีย์ ดับเบิลเบส พอล แชมเบอร์สและอื่น ๆ อีกมากมาย.

สำหรับการพัฒนารูปแบบใหม่ นวัตกรรมทางเทคนิคอีกอย่างหนึ่งมีความสำคัญ ซึ่งประกอบด้วยรูปลักษณ์ของสถิติการเล่นที่ยาวนาน ตอนนี้คุณสามารถบันทึกโซโลยาวได้ สำหรับนักดนตรี สิ่งนี้กลายเป็นสิ่งล่อใจและเป็นบททดสอบที่ยาก เนื่องจากไม่ใช่ทุกคนที่จะสามารถพูดออกมาได้อย่างเต็มที่และรัดกุมเป็นเวลานาน นักเป่าแตรเป็นคนแรกที่ใช้ประโยชน์จากข้อได้เปรียบเหล่านี้ โดยปรับเปลี่ยนสไตล์ของ Dizzy Gillespie ให้เล่นอย่างสงบแต่ลึกล้ำ ผู้มีอิทธิพลมากที่สุดคือ อ้วน นาวาร์โรและ คลิฟฟอร์ด บราวน์. นักดนตรีเหล่านี้ไม่ได้เน้นไปที่ข้อความความเร็วสูงที่มีพรสวรรค์ในการลงทะเบียนระดับบน แต่เน้นที่แนวท่วงทำนองที่ครุ่นคิดและมีเหตุผล

แจ๊สสุดฮอตถือเป็นดนตรีของผู้บุกเบิกคลื่นลูกที่สองของนิวออร์ลีนส์ซึ่งมีกิจกรรมสร้างสรรค์สูงสุดใกล้เคียงกับการอพยพของนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์ไปทางเหนือโดยเฉพาะในชิคาโก กระบวนการนี้ซึ่งเริ่มต้นขึ้นไม่นานหลังจากการปิดของ Storyville เนื่องจากการเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่หนึ่งของสหรัฐอเมริกาและการประกาศของ New Orleans เป็นท่าเรือทางทหารด้วยเหตุนี้จึงเป็นยุคที่เรียกว่าชิคาโกในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส . ตัวแทนหลักของโรงเรียนนี้คือ Louis Armstrong ในขณะที่ยังคงแสดงอยู่ในวง King Oliver Ensemble อาร์มสตรองได้เปลี่ยนแปลงแนวความคิดของดนตรีแจ๊สด้นสด โดยเปลี่ยนจากแผนดั้งเดิมของการด้นสดแบบรวมเป็นการแสดงเดี่ยวส่วน

ชื่อของแจ๊สประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องกับลักษณะการแสดงอารมณ์ที่รุนแรงของการแสดงเดี่ยวเหล่านี้ คำว่า Hot เดิมมีความหมายเหมือนกันกับดนตรีแจ๊สเดี่ยวด้นสดเพื่อเน้นความแตกต่างในแนวทางการโซโล่เดี่ยวที่เกิดขึ้นในช่วงต้นปี ค.ศ. 1920 ต่อมาด้วยการหายไปของอิมโพรไวส์โดยรวม แนวความคิดนี้มีความเกี่ยวข้องกับวิธีการแสดงดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับเสียงพิเศษที่กำหนดรูปแบบการบรรเลงของเครื่องดนตรีและเสียงร้องที่เรียกว่าร้อนหรือร้อน: การผสมผสานของเสียงพิเศษ วิธีการเข้าจังหวะและลักษณะเฉพาะของเสียงสูงต่ำ

บางทีการเคลื่อนไหวที่ขัดแย้งกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สก็เกิดขึ้นพร้อมกับการถือกำเนิดของ "ฟรีแจ๊ส" แม้ว่าองค์ประกอบต่างๆ ฟรี แจ๊สมีอยู่นานก่อนการปรากฏตัวของคำใน "การทดลอง" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell และ Lenny Tristanoแต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ผ่านความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักแซกโซโฟนและนักเปียโน เซซิล เทย์เลอร์ทิศทางนี้กลายเป็นรูปแบบอิสระ

สิ่งที่นักดนตรีสองคนนี้ได้ทำร่วมกับคนอื่นๆ รวมถึง John Coltrane, อัลเบิร์ต ออยเลอร์และชุมชนอย่าง Sun Ra Orchestraและกลุ่มที่เรียกว่า The Revolutionary Ensemble ประกอบด้วยการเปลี่ยนแปลงต่างๆ ในโครงสร้างและความรู้สึกของดนตรี
ในบรรดานวัตกรรมที่นำเสนอด้วยจินตนาการและดนตรีที่ยอดเยี่ยมคือการละทิ้งความก้าวหน้าของคอร์ดซึ่งทำให้เพลงสามารถเคลื่อนที่ไปในทิศทางใดก็ได้ พบการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานอีกประการหนึ่งในพื้นที่ของจังหวะ โดยที่ "วงสวิง" ถูกนิยามใหม่หรือเพิกเฉยโดยสิ้นเชิง กล่าวอีกนัยหนึ่ง การเต้นเป็นจังหวะ เมตร และร่องไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการอ่านแจ๊สนี้อีกต่อไป องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับการผิดศีลธรรม ตอนนี้คำพูดทางดนตรีไม่ได้สร้างขึ้นจากระบบวรรณยุกต์ปกติอีกต่อไป

เสียงร้องโหยหวน เห่า หงุดหงิด เติมเต็มโลกแห่งเสียงใหม่นี้ให้สมบูรณ์ ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันโดยเป็นรูปแบบการแสดงออกที่ใช้งานได้จริง และแท้จริงแล้วไม่ได้มีการโต้เถียงกันเหมือนในสมัยแรกๆ อีกต่อไป

บางทีการเคลื่อนไหวที่ขัดแย้งกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สก็เกิดขึ้นพร้อมกับการถือกำเนิดของ "ฟรีแจ๊ส"

ทิศทางสไตล์โมเดิร์นที่เกิดขึ้นในปี 1970 บนพื้นฐานของแจ๊สร็อค การสังเคราะห์องค์ประกอบของดนตรีวิชาการของยุโรปและคติชนที่ไม่ใช่ชาวยุโรป
การประพันธ์เพลงแจ๊สร็อคที่น่าสนใจที่สุดนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยการด้นสดรวมกับการประพันธ์การใช้หลักการฮาร์โมนิกและจังหวะของดนตรีร็อคศูนย์รวมของท่วงทำนองและจังหวะของตะวันออกการแนะนำวิธีการประมวลผลและการสังเคราะห์ทางอิเล็กทรอนิกส์ เสียงลงในเพลง

ในสไตล์นี้ ขอบเขตของการประยุกต์ใช้หลักการโมดอลได้ขยายออกไป ชุดของโหมดต่างๆ รวมถึงโหมดที่แปลกใหม่ได้ขยายออกไป ในยุค 70 แจ๊สร็อคได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อและมีกองกำลังทางดนตรีที่กระตือรือร้นที่สุดเข้ามา แจ๊สร็อคถูกเรียกว่า "ฟิวชั่น" (โลหะผสม, ฟิวชั่น) ที่พัฒนาขึ้นโดยสัมพันธ์กับการสังเคราะห์วิธีการทางดนตรีต่างๆ แรงกระตุ้นเพิ่มเติมสำหรับ "ฟิวชั่น" เป็นอีกหนึ่ง (ไม่ใช่ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของแจ๊ส) ที่พยักหน้าต่อดนตรีวิชาการของยุโรป

ในหลายกรณี ดนตรีฟิวชั่นกลายเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับป๊อปและไลท์ริทึมและบลูส์ ครอสโอเวอร์ ความทะเยอทะยานของดนตรีฟิวชั่นในด้านความลึกของดนตรีและการเสริมพลังยังไม่บรรลุผล แม้ว่าการค้นหาจะดำเนินต่อไปในโอกาสที่หายาก เช่น ในวงดนตรีอย่าง "Tribal Tech" และวงดนตรีของ Chick Corea ฟัง: รายงานสภาพอากาศ, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans จาก New Niacin, Tunnels, CAB.

ทันสมัย ฟังก์หมายถึงสไตล์แจ๊สยอดนิยมในยุค 70 และ 80 ซึ่งนักดนตรีบรรเลงเล่นในสไตล์แบล็กป๊อปโซล ในขณะที่การแสดงเดี่ยวจะมีความสร้างสรรค์และมีชีวิตชีวามากกว่า นักเป่าแซ็กโซโฟนในสไตล์นี้ส่วนใหญ่ใช้ชุดวลีง่ายๆ ของตนเอง ซึ่งประกอบด้วยเสียงร้องบลูส์และเสียงครวญคราง พวกเขาสร้างขึ้นจากประเพณีที่นำมาจากโซโลแซกโซโฟนในการบันทึกเสียงจังหวะและบลูส์เช่น King Curtis ใน "Coasters" จูเนียร์วอล์คเกอร์กับกลุ่มนักร้องของค่าย Motown David Sanbornกับ "วงบลูส์" โดย Paul Butterfield ตัวเด่นในแนวนี้ - เล่นโซโล่บ่อยตามสไตล์ Hank Crawfordพร้อมของแถมสุดชิค เพลงเพราะมาก , และนักเรียนของพวกเขาใช้วิธีนี้ ยังทำงานในรูปแบบของ "modern funk"

คำนี้มีความหมายสองความหมาย ประการแรกมันเป็นวิธีการแสดงออกในดนตรีแจ๊ส ลักษณะเฉพาะของการเต้นเป็นจังหวะตามความเบี่ยงเบนคงที่ของจังหวะจากส่วนแบ่งอ้างอิง สิ่งนี้สร้างความประทับใจให้กับพลังงานภายในขนาดใหญ่ในสภาวะสมดุลที่ไม่เสถียร ประการที่สอง รูปแบบของวงดนตรีแจ๊สออร์เคสตราที่ก่อตัวขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1920 และ 30 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สในรูปแบบนิโกรและรูปแบบโวหารของยุโรป

ความหมายเดิม "แจ๊สร็อค"ชัดเจนที่สุด: การผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สด้นสดกับพลังและจังหวะของดนตรีร็อค จนถึงปี 1967 โลกของดนตรีแจ๊สและร็อคมีอยู่แทบแยกจากกัน แต่ถึงเวลานี้ ร็อคกลายเป็นความคิดสร้างสรรค์และซับซ้อนมากขึ้น ดนตรีร็อคประสาทหลอน และจิตวิญญาณปรากฏขึ้น ในเวลาเดียวกัน นักดนตรีแจ๊สบางคนเริ่มเบื่อกับฮาร์ดบ็อปล้วนๆ แต่พวกเขาก็ไม่ต้องการที่จะเล่นเพลงแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ยากจะรับรู้ ด้วยเหตุนี้ สำนวนทั้งสองจึงเริ่มแลกเปลี่ยนความคิดและผนึกกำลังกัน

ตั้งแต่ปี 1967 นักกีตาร์ Larry Coryell, นักไวบราโฟน Gary Burton, ในปี 1969 มือกลอง Billy Cobhamกับกลุ่ม "ความฝัน" ซึ่งพี่น้อง Brecker เล่นพวกเขาเริ่มสำรวจสไตล์ใหม่ ๆ
ในช่วงปลายยุค 60 Miles Davis มีศักยภาพที่จะเปลี่ยนไปใช้ดนตรีแจ๊สร็อค เขาเป็นหนึ่งในผู้สร้างโมดัลแจ๊สโดยใช้จังหวะ 8/8 และเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เขาใช้ขั้นตอนใหม่โดยการบันทึกอัลบั้ม "Bitches Brew", "In a Silent Way" ร่วมกับเขาในเวลานี้มีกาแล็กซี่นักดนตรีที่ยอดเยี่ยมซึ่งหลายคนต่อมากลายเป็นตัวเลขพื้นฐานของทิศทางนี้ - (John McLaughlin) Joe Zawinul(โจ ศวินุล) เฮอร์บี แฮนค็อก. การบำเพ็ญตบะ ความรัดกุม และการไตร่ตรองเชิงปรัชญาของเดวิสกลับกลายเป็นว่าได้รับการต้อนรับมากที่สุดในรูปแบบใหม่

ภายในต้นทศวรรษ 1970 แจ๊สร็อคมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในสไตล์แจ๊สที่สร้างสรรค์ แม้ว่านักเล่นดนตรีแจ๊สจะเย้ยหยันหลายคนก็ตาม กลุ่มหลักของทิศทางใหม่คือ "กลับสู่นิรันดร์", "รายงานสภาพอากาศ", "วงดุริยางค์มหาวิษณุ",ตระการตาต่างๆ ไมล์ส เดวิส. พวกเขาเล่นแจ๊สร็อคคุณภาพสูง ซึ่งผสมผสานเทคนิคมากมายจากทั้งแจ๊สและร็อค Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, ทริโอ, Andy Summers, Erik Truffaz- คุณควรฟังเพื่อทำความเข้าใจว่าดนตรีแจ๊สร็อคโปรเกรสซีฟและแจ๊สร็อคมีความหลากหลายเพียงใด

สไตล์ แจ๊สแร็พเป็นความพยายามที่จะนำดนตรีแอฟริกัน-อเมริกันในทศวรรษที่ผ่านมามาผสมผสานกับรูปแบบใหม่ที่โดดเด่นในปัจจุบัน ซึ่งจะทำให้บรรณาการและใส่ชีวิตใหม่เข้าไปในองค์ประกอบแรกของสิ่งนี้ - ฟิวชั่น - และยังขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของวินาที . จังหวะของแจ๊สแร็พถูกยืมมาจากฮิปฮอปทั้งหมด ในขณะที่ตัวอย่างและพื้นผิวเสียงส่วนใหญ่มาจากแจ๊สสุดเท่ โซลแจ๊ส และฮาร์ดบ็อบ

สไตล์ดังกล่าวเป็นสไตล์ที่เจ๋งที่สุดและโด่งดังที่สุดของฮิปฮอป และศิลปินหลายคนได้แสดงจิตสำนึกทางการเมืองที่เน้นแอฟโฟรเป็นหลัก โดยเพิ่มความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ให้กับสไตล์ ด้วยความคิดที่เฉียบแหลมของเพลงนี้ จึงไม่น่าแปลกใจที่แจ๊สแร็พไม่เคยกลายเป็นปาร์ตี้ริมถนนที่โปรดปราน แต่แล้วไม่มีใครคิดเกี่ยวกับมัน

ตัวแทนของแจ๊สแร็พเองเรียกตัวเองว่าผู้สนับสนุนทางเลือกที่เป็นบวกมากกว่าการเคลื่อนไหวแบบไม่ยอมใครง่ายๆ / อันธพาลซึ่งแทนที่แร็พจากตำแหน่งผู้นำในช่วงต้นยุค 90 พวกเขาพยายามที่จะเผยแพร่ฮิปฮอปไปยังผู้ฟังที่ไม่สามารถยอมรับหรือเข้าใจความก้าวร้าวที่เพิ่มขึ้นของวัฒนธรรมดนตรีในเมือง ดังนั้น แจ๊สแร็พจึงพบแฟนๆ จำนวนมากในหอพักนักศึกษา และยังได้รับการสนับสนุนจากนักวิจารณ์และแฟนเพลงแนวอัลเทอร์เนทีฟร็อกอีกด้วย

ทีม ภาษาพื้นเมือง (แอฟริกา Bambaataa)- กลุ่มแร็พแอฟริกันอเมริกันกลุ่มนี้ในนิวยอร์ก - ได้กลายเป็นพลังอันทรงพลังที่เป็นตัวแทนของสไตล์ แจ๊สแร็พและรวมถึงกลุ่มเช่น A Tribe Called Quest, De La Soul และ The Jungle Brothers. เริ่มงานได้เร็วๆนี้ ดาวเคราะห์ดิจิทัลและ แก๊งสตาร์ยังได้รับความอื้อฉาว ในช่วงปลายยุค 90 แร็พทางเลือกเริ่มแบ่งสไตล์ย่อยออกไปเป็นจำนวนมาก และแจ๊สแร็พก็กลายเป็นองค์ประกอบของเสียงใหม่ไม่บ่อยนัก