ศิลปะร่วมสมัยนั้นยากที่จะตัดสินหรือประเมิน เนื่องจากในตอนแรกมันเกินความเป็นไปได้นี้ ดีที่มี อเล็กซี่ ลิฟานอฟ
ผู้ซึ่งแม้จะไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญชาวญี่ปุ่น แต่เข้าใจศิลปะดีกว่าฉัน ใครถ้าไม่ใช่อเล็กซี่จะช่วยให้ฉันเข้าใจสิ่งที่ฉันเห็น
ใช่ คนญี่ปุ่นเป็นคนแปลกๆ ความประทับใจจากนิทรรศการที่โกกอลบูเลอวาร์ด
การจัดแสดงนิทรรศการ "มุมมองคู่" สามารถแบ่งออกเป็นสามส่วนตามเงื่อนไข (ตามหัวข้อที่ผู้เขียนยก) ประการแรกอุทิศให้กับปัจเจกและรัฐ บทบาทของอุดมการณ์ในชีวิตส่วนตัว การบงการของสังคมที่มีต่อปัจเจกบุคคล หัวข้อที่สองมีความเกี่ยวข้องกัน: มนุษย์และอิทธิพลของเขาที่มีต่อธรรมชาติ (ในขณะเดียวกัน แม้จะอยู่ในกรอบของนิทรรศการหนึ่ง หัวข้อที่สามเป็นภาษาญี่ปุ่นล้วนๆ และอุทิศให้กับอุดมการณ์ของ "โลลิ" และสิ่งที่เกี่ยวกับอารมณ์ทางเพศอื่นๆ ที่เฟื่องฟูในสังคมญี่ปุ่น
1. ผลงานของเคนจิ ยาโนเบะเกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์หลังวันสิ้นโลก ในขณะที่ควรสังเกต โดยไม่มี "การสะกดรอยตาม" งานของเขาไร้เดียงสามากในระดับของวิธีการ "Child of the Sun" เป็นประติมากรรมขนาดใหญ่และน่าประทับใจ ควรเป็นคนแบบไหนที่จะต่อต้านโลกของเทคโนโลยี - กล้าหาญ เด็ดเดี่ยว หรือตรงไปตรงมา และไร้เดียงสา?
3. ความต่อเนื่องของธีมในสไตล์ไร้เดียงสาที่เกินจริง
4. Motohiko Odani พูดถึงวัยแรกรุ่น เพศวิถี และจิตวิทยา ตรงข้ามกับรูปปั้นนี้เป็นการติดตั้งวิดีโอที่แสดงออกมากกว่ามาก แต่คุณต้องเห็นด้วยตาของคุณเอง
5. Makoto Aida พัฒนาธีม ต้นบอนไซที่มีหัวของเด็กผู้หญิงเป็นสัญลักษณ์ของความรักในทางที่ผิด สัญลักษณ์มีความโปร่งใสและแทบไม่ต้องการคำอธิบาย
6. ผลงานอื่นๆ ของเขา "ลูกศิษย์โรงเรียนฮาราคีรี" กราฟมันน่าทึ่งมาก
7. ความต่อเนื่องของธีม "เด็ก" จาก Yoshimoto Naro ใบหน้าของเด็กและอารมณ์ที่ไม่ใช่เด็ก
8. ทาคาฮิโร อิวาซากิสร้างภาพสามมิติแบบมีเงื่อนไขของเมืองหนึ่งๆ จากขยะทุกประเภท สุนทรียศาสตร์ของเมืองซึ่งจริงๆ แล้วเป็นถังขยะไม่ใช่แนวคิดใหม่ แต่นำมาใช้ได้น่าสนใจ
10. ภาพวาดโดย Tadanori Yokoo - ภาพปะติดของการพาดพิง คำพูด และต้นแบบ ในขณะเดียวกัน การลงสีก็น่าทึ่งมาก
11. ยาโยอิ คุซามะ หันเข้าหาสุนทรียภาพแห่งการมีอยู่และความไม่มี ทำให้เกิดห้องที่ช่องว่างแตกสลาย
12. Yasumasa Morimura ทำเรื่องล้อเลียนเรื่องล้อเลียน เขาไม่ได้วาดภาพอดอล์ฟ ฮิตเลอร์เลย อย่างที่เห็น แต่เป็น Adenoid ของ Ginkel - ตัวละครจากภาพยนตร์เรื่อง "The Great Dictator" ของแชปลิน งานที่เหลือของเขาอุทิศให้กับผู้ปกครองและเผด็จการในทันที แต่สาระสำคัญนั้นชัดเจน - การคุกคามของอุดมการณ์ทั้งหมด
13. มีผู้ชมไม่กี่คน แต่ผู้ที่พูดคุยถึงสิ่งที่พวกเขาเห็นอย่างกระตือรือร้น โดยทั่วไปแล้ว ดูเหมือนว่าผู้เข้าชมจะชอบสิ่งที่เกิดขึ้นจริงๆ
14. นี่คือหัวหน้าของจอร์จ บุช จอร์จ บุช ร้องเพลงชาติสหรัฐฯ แนวคิดนี้เข้าใจง่าย - เกี่ยวกับการบุกรุกของอุดมการณ์และรัฐ แม้แต่ในพื้นที่ส่วนตัวของบุคคล
15. หนู-โปเกมอน. ส่วนที่ฉันชอบ
16. ส่วนหนึ่งของนิทรรศการ - ภาพถ่าย บางครั้งก็น่าสนใจ บางครั้งก็สนิทสนมเกินกว่าจะเข้าใจ
18. ภาพถ่ายโดย โทชิโอะ ชิบาตะ ที่นี่ แนวคิดเรื่องการอยู่ร่วมกันอย่างกลมกลืนของมนุษย์และธรรมชาติได้รับการแก้ไขแล้วในรูปแบบของภาพถ่าย ซึ่งมีความสวยงามใกล้เคียงกับนามธรรมมากกว่าความสมจริง ซึ่งเป็นรูปทรงเรขาคณิตและองค์ประกอบที่ปรับแต่งมาอย่างดี
19. หนึ่งในคำทักทายของเลนิน
ไม่ว่าในกรณีใด นิทรรศการถูกสร้างขึ้นเพื่อเข้าร่วมการแสดงสด และไม่ดูรายงานภาพถ่ายในบล็อก งานจำนวนมากเป็นไปไม่ได้เลยที่จะประเมินในภาพนิ่งและขนาดของภาพหน้าจอ ดังนั้นจึงควรไปที่นิทรรศการ "Double Perspective" ด้วยตัวเอง
หุ้นส่วนโครงการ Sony กำลังจัดการแข่งขันและจับฉลากแล็ปท็อปและของรางวัลอื่นๆ! หากคุณไปที่นิทรรศการ อย่าลืมถ่ายรูปการจัดแสดงและเขียนความประทับใจสั้นๆ ของคุณ แชร์เข้าประกวด
ตั้งแต่วันที่ 16 พฤศจิกายน 2556 นิทรรศการ "Mono no Avare เสน่ห์ของสิ่งต่างๆ ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น" ได้เปิดขึ้นในอาศรม นิทรรศการตั้งอยู่ในอาคารปีกตะวันออกของอาคาร General Staff จัดทำโดยพิพิธภัณฑ์ State Hermitage โดยได้รับการสนับสนุนจากสถานทูตญี่ปุ่นในรัสเซียและนำเสนอการติดตั้ง ประติมากรรม วิดีโออาร์ต ภาพถ่ายที่สร้างขึ้นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา โดยศิลปินชาวญี่ปุ่นและออกแบบให้เติมหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะอายุนับศตวรรษในดินแดนอาทิตย์อุทัย . ชื่อของพวกเขาที่รู้จักกันในบ้านเกิดของพวกเขายังคงไม่เป็นที่รู้จักสำหรับประชาชนชาวรัสเซียและชาวยุโรป: Kaneuji Teppei, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki ซาวาและคนอื่นๆ.
คำว่า "mono no Aware" ซึ่งมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 แปลได้ว่า "เสน่ห์ของสิ่งของ" หรือ "ความยินดีในสิ่งของ" และมีความเกี่ยวข้องกับแนวคิดทางพุทธศาสนาว่าด้วยเรื่องชั่วคราวและไร้สาระของ สิ่งมีชีวิต. วัสดุและวัตถุทางจิตวิญญาณที่ล้อมรอบบุคคลนั้นเต็มไปด้วยเสน่ห์ที่หายวับไป (avare) ที่ไม่เหมือนใครสำหรับเขาเพียงคนเดียว บุคคล - และเหนือสิ่งอื่นใดคือศิลปิน - ต้องมีความเห็นอกเห็นใจเพื่อที่จะค้นหาและสัมผัสเสน่ห์นี้เพื่อตอบสนองต่อมันจากภายใน ศิลปินสมัยใหม่สัมผัสได้ถึงวัสดุที่สื่อถึงความเรียบง่ายภายในของความหมายอย่างละเอียดถี่ถ้วน โดยจงใจจำกัดตัวเองให้อยู่ในรูปแบบและลวดลายบางอย่าง พวกเขาใช้เทคนิคศิลปะญี่ปุ่นโบราณในรอบใหม่
ในญี่ปุ่น เช่นเดียวกับในรัสเซีย ศิลปะร่วมสมัยเป็นปรากฏการณ์ที่นำเข้าจากภายนอก จากตะวันตก ซึ่งไม่อาจเข้าใจได้เสมอไปและทำให้เกิดการปฏิเสธ ทั้งสองวัฒนธรรมยอมรับศิลปะร่วมสมัยของแองโกลอเมริกันในฐานะสัญลักษณ์ของการยืมวัฒนธรรมแบบใหม่ ในญี่ปุ่นในปี 1970 เช่นเดียวกับในรัสเซียในปี 1990 ศิลปินรู้สึกเหมือนเป็นคนนอก พวกเขาไปทำงานทางตะวันตก แต่ยังคงอยู่ในญี่ปุ่นในช่วงทศวรรษ 1970 คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ฟังดูเป็นแง่บวก ทำให้คนรุ่นใหม่ลืมคำจำกัดความของ "ศิลปะหลังสงคราม" ที่เกี่ยวข้องกับโศกนาฏกรรมและความเสื่อมโทรม
การออกดอกของศิลปะสมัยใหม่อย่างแท้จริงในความหมายแบบตะวันตกไม่ได้เกิดขึ้นจนกระทั่งปลายทศวรรษ 1980 เมื่อแกลเลอรีเปิดขึ้นไม่เพียงแต่ในกินซ่าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในส่วนอื่นๆ ของโตเกียวด้วย ในปี 1989 พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยแห่งแรกก่อตั้งขึ้นในฮิโรชิมา และการเปิดพิพิธภัณฑ์ในโตเกียวก็เกิดขึ้นตามมาในปี 1990 นับแต่นั้นเป็นต้นมา การยอมรับปรากฏการณ์ศิลปะร่วมสมัยในระดับชาติอย่างค่อยเป็นค่อยไปและการเข้าสู่ชีวิตประจำวันของวัฒนธรรมก็เริ่มต้นขึ้น ขั้นตอนต่อไปคือการถือครองล้มลุกแห่งชาติและสามปี
ในยุคที่เทคโนโลยีสื่อครอบงำโดยสมบูรณ์ ศิลปินชาวญี่ปุ่นให้ความสนใจกับสื่อพื้นเมืองของตน ในการสัมผัส ในการฟัง สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งในนิทรรศการคือการติดตั้ง ซึ่งผลงานของเรียวตะ คุวาคุโบะ (เกิดในปี 1971) มีการออกแบบที่เรียบง่าย แต่ซับซ้อนในการดำเนินการ โดยที่เงามีบทบาทหลัก ศิลปินร่างวัตถุและสร้างลานตาที่เคลื่อนไหวได้อย่างน่าทึ่ง Kaneuji Teppei (เกิดปี 1978) นำเสนอการออกแบบที่ไม่คาดคิดจากวัสดุในครัวเรือนในชีวิตประจำวัน สิ่งของที่เขาเก็บรวบรวมซึ่งมีสีและจุดประสงค์ต่างกัน ถูกพับเป็นรูปทรงประหลาดๆ ที่เปลี่ยนเป็นประติมากรรมสมัยใหม่ จากนั้นภูมิทัศน์ที่ปกคลุมไปด้วยหิมะจากภาพวาดญี่ปุ่นบนผ้าไหม
ฮิโรอากิ โมริตะ (เกิด พ.ศ. 2516) ทำ "การเลือกวัสดุ" ในงานวิดีโอและประเภท "วัตถุที่พบ" และในภาพวาด - ชินิชิโระ คาโนะ (เกิด พ.ศ. 2525) และมาซายะ ชิบะ (เกิด พ.ศ. 2523) ศักยภาพของ "การคัดเลือกวัสดุ" ที่ธรรมดามากซึ่งรวบรวมโดยศิลปินนั้นกลับไปสู่การสร้างจิตวิญญาณของทุกสิ่งและทุกสิ่งซึ่งเป็นประเพณีสำหรับพระพุทธศาสนาด้วยแนวคิดที่ว่าในสิ่งมีชีวิตและในวัตถุทุกอย่าง - จากคนไปจนถึงใบหญ้าเล็ก ๆ - ธรรมของพระพุทธเจ้าวางอยู่ พวกเขายังสนใจแก่นแท้ภายในของสิ่งที่ถูกมองว่าเป็นความงามและเสน่ห์อีกด้วย
การติดตั้งโดย Kengo Kito (เกิดปี 1977) ซึ่งประกอบขึ้นจากห่วง ในเวลาเดียวกันคล้ายกับประติมากรรมและภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีระนาบที่ไม่ปะติดปะต่อ สีพื้นฐาน และมุมมอง ช่องว่างในนั้นกลายเป็นเครื่องบินต่อหน้าต่อตาเรา ซึ่งทำให้สามารถคัดลอกสัญลักษณ์และสัญลักษณ์ของศิลปะทั้งหมดที่สูญเสียการเชื่อมต่อกับความเป็นจริงได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุด
Yasuaki Onishi (b. 1979) และ Motoi Yamamoto (b. 1966) ทำงานด้วยพื้นที่ที่แตกต่างกันบ้างในการติดตั้ง โยชิฮิโระ สุดะ (เกิด พ.ศ. 2512) ได้ผสมผสานแนวทางที่แตกต่างกันเหล่านี้เข้ากับความเรียบง่ายอันเป็นที่รัก ได้ริเริ่มการบุกรุกน้อยที่สุดในพื้นที่จัดแสดงนิทรรศการด้วยการวางต้นไม้ที่ดูเหมือนของจริงลงไปอย่างสุขุมรอบคอบ
นิทรรศการ "Mono no Avare The Charm of Things. Japanese Contemporary Art" จัดทำโดยกรมศิลปะร่วมสมัยเป็นส่วนหนึ่งของโครงการ Hermitage 20/21 ตามที่ M. B. Piotrovsky ผู้อำนวยการทั่วไปของพิพิธภัณฑ์ State Hermitage: “วัตถุประสงค์ของโครงการคือการรวบรวม จัดแสดง และศึกษาศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20-21 The Hermitage 20/21 มีไว้สำหรับผู้ที่ต้องการติดตาม กับเวลา - คนรักและมืออาชีพ ผู้ชื่นชอบที่มีความซับซ้อน และผู้ชมที่อายุน้อยที่สุด".
ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการคือ Dmitry Yuryevich Ozerkov หัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัยของ State Hermitage ผู้สมัครสาขาปรัชญาวิทยาศาสตร์และ Yekaterina Vladimirovna Lopatkina รองหัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัย ที่ปรึกษาทางวิทยาศาสตร์ของนิทรรศการคือ Anna Vasilievna Savelyeva นักวิจัยจากแผนกตะวันออกของ State Hermitage มีการจัดเตรียมโบรชัวร์ภาพประกอบสำหรับนิทรรศการนี้ ผู้เขียนข้อความคือ ดี.ยู. โอเซอร์คอฟ.
ศิลปะญี่ปุ่นเป็นสถานที่สำคัญในคอลเล็กชั่นของ State Hermitage และมีผลงานประมาณ 10,000 ชิ้น พิพิธภัณฑ์มีแผ่นไม้สี 1,500 แผ่น รวมถึงผลงานของปรมาจารย์ด้านการแกะสลักชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงในช่วงกลางศตวรรษที่ 18-20 ของสะสมเครื่องลายครามและเซรามิก (นิทรรศการมากกว่า 2,000 รายการ); เคลือบเงาของศตวรรษที่ 16-20; ตัวอย่างผ้าและชุด ส่วนที่มีค่าที่สุดของคอลเล็กชั่นงานศิลปะญี่ปุ่นในอาศรมคือคอลเล็กชั่น netsuke - ประติมากรรมขนาดเล็กของศตวรรษที่ 17-19 ซึ่งมีผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้น
ทาคาชิ มูราคามิเป็นหนึ่งในตัวแทนที่สดใสที่สุดของศิลปะป๊อปอาร์ตแนวร่วมสมัยที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม ผลงานของ Murakami ตื่นตาตื่นใจกับความร่าเริง ความสดใส และความฉับไวแบบเด็กๆ ศิลปินใช้งานโซเชียลเน็ตเวิร์กเขาสื่อสารกับแฟน ๆ เผยแพร่รูปภาพอย่างต่อเนื่องใน อินสตาแกรม.
ทาคาชิ มูราคามิยังสามารถรวมเอาพรสวรรค์ของศิลปิน ประติมากร นักออกแบบ และนักธุรกิจเข้าไว้ด้วยกัน ตัวเขาเองดูแลการจัดนิทรรศการศึกษาตลาดและกลไกของมันร่วมมือกับแบรนด์แฟชั่น Murakami มีสตูดิโอของตัวเอง Kaikai Kiki ซึ่งเขาทำงานเกี่ยวกับการ์ตูน
ทาคาชิ มูราคามิเกิดเมื่อปี 2505 ที่โตเกียว ที่นี่เขาได้รับปริญญาเอกจากมหาวิทยาลัยวิจิตรศิลป์และดนตรีแห่งชาติโตเกียว ซึ่งเขาศึกษาภาพวาดญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมสมัยศตวรรษที่สิบเก้าที่รู้จักกันในชื่อนิฮงกะ ความนิยมของอะนิเมะทำให้มูราคามิสนใจแอนิเมชั่น โดยกล่าวว่า "มันเป็นตัวแทนของชีวิตสมัยใหม่ในญี่ปุ่น" งานของ Murakami ยังได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมป๊อปอเมริกัน เช่น แอนิเมชั่น การ์ตูน แฟชั่น ศิลปินมักตั้งชื่อผลงานของเขาอย่างลึกลับ แปลก และบางครั้งก็แปลยาก
“ใครกลัวสีแดง สีเหลือง สีฟ้าและความตาย”, 2010, Gagosian Gallery
แสดงความเคารพต่อ Mono Pink, 1960 G, 2013, Perrotin Gallery
ในปี 2000 มูราคามิได้จัดนิทรรศการ Superflat เกี่ยวกับอิทธิพลของอุตสาหกรรมบันเทิงที่มีต่อสุนทรียศาสตร์ร่วมสมัยและการรับรู้ของศิลปะร่วมสมัย ในงานของเขา Murakami สร้างสมดุลระหว่างตะวันออกและตะวันตกและเล่นกับสิ่งที่ตรงกันข้าม ในปี 2550 มีการจัดนิทรรศการย้อนหลัง "© Murakami" ซึ่งจัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในลอสแองเจลิส, พิพิธภัณฑ์บรูคลินในนิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ขนสัตว์ Moderne Kunst ในแฟรงค์เฟิร์ต, พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในบิลเบา ในปี 2010 ผลงานของศิลปินได้จัดแสดงที่พระราชวังแวร์ซายในฝรั่งเศส
“ Tan Tan Bo - สื่อสาร”, 2014, Gagosian Gallery
"แล้วเมื่อทุกอย่างจบลง ... ฉันเปลี่ยนสิ่งที่ฉันเป็นเมื่อวานนี้เหมือนแมลงคลานอยู่บนผิวหนัง", 2009
"ร้องไห้ของจักรวาลแรกเกิด", 2014, Gagosian Gallery
แม้ว่าญี่ปุ่นจะถือเป็นประเทศที่มีเทคโนโลยีก้าวหน้าไปทั่วโลก แต่ศิลปะร่วมสมัยร่วมสมัยก็ไม่ต้องรีบร้อนที่จะทำลายความสัมพันธ์กับประเพณี นิทรรศการ “Mono no Avare. The Charm of Things” เป็นเรื่องราวที่น่าเศร้าเกี่ยวกับสภาพของมนุษย์ในยุคพลาสติก
โมโนไม่รู้ - ลักษณะหลักความงามของวัฒนธรรมญี่ปุ่นซึ่งตั้งชื่อให้กับนิทรรศการหมายถึงเสน่ห์ที่น่าเศร้าของสิ่งต่าง ๆ ความรู้สึกของความหลงใหลในความงามที่ชัดเจนและโดยปริยายของสิ่งต่าง ๆ และปรากฏการณ์ด้วยเงาบังคับของความโศกเศร้าที่ไม่มีเหตุผล ด้วยความรู้สึกของภาพลวงตาและความเปราะบางของทุกสิ่งที่มองเห็นได้ มีการเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับศาสนาดั้งเดิมของญี่ปุ่นของศาสนาชินโต นักศาสนาชินโตเชื่อว่าทุกสิ่งมีองค์ประกอบทางจิตวิญญาณ "คามิ" มันมีอยู่ในวัตถุใด ๆ ทั้งในไม้และในหิน "คามิ" เป็นอมตะและรวมอยู่ในวัฏจักรของชีวิตและความตายซึ่งทุกสิ่งในโลกได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง
และถึงแม้ว่าศิลปะร่วมสมัยจะพูดภาษาสากล แต่ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่นำเสนอในนิทรรศการนี้ก็สามารถมองได้ดีกว่าจากมุมมองของประเพณีของพวกเขา
การติดตั้งเบื้องต้นโดยศิลปิน Hiraki Sawa ได้ใช้พื้นที่ทั้งห้อง และเป็นโรงละครเงาที่นักแสดงเป็นเครื่องใช้ในครัวเรือน มันถูกสร้างขึ้นบนหลักการของรถไฟเด็ก รถไฟที่มีไฟฉายส่องผ่านภูมิทัศน์ที่สร้างขึ้นโดยศิลปิน รังสีของแสงทำให้เกิดโลกมาโครจากโลกขนาดเล็กของสิ่งต่างๆ และตอนนี้นี่คือป่าเบิร์ชและไม่ใช่ดินสอในแนวตั้ง และสิ่งเหล่านี้คือสายไฟในทุ่งนา ไม่ใช่ที่หนีบผ้า และอ่างพลาสติกคว่ำพร้อมหูจับเป็นอุโมงค์ ผลงานนี้มีชื่อว่า "Inside" ซึ่งเคยนำมาจัดแสดงที่งาน Venice Biennale ก่อนหน้านี้
ภาพวาดของ Shinishiro Kano สามารถเรียกได้ว่าสถิตยศาสตร์ดึกดำบรรพ์ ภาพนิ่งของ Kano บาสเก็ตบอล ดาวเคราะห์โลก และผลไม้อยู่ในจานเดียว
ในภาพวาดไม่มีภาพวาด แต่มีเพียงกรอบที่ทาสีด้วยน้ำมันเท่านั้น บนผืนผ้าใบผืนหนึ่ง ร่างของเทพเจ้าในชุดกิโมโนสีแดงถูกรวมเข้ากับผ้าขนหนูสีแดงที่แขวนอยู่บนตะขออีกด้านหนึ่ง ซีรีส์ภาพชุดนี้เกี่ยวกับธรรมชาติลวงโลกไม่ใช่หรือ หรือบางทีทุกสิ่งมีกามิ
ในภาพวาดโดยมาซายะ ชิบะ ท่ามกลางฉากหลังของป่าที่สวยงาม มีร่างสองร่าง: สิ่งมีชีวิตที่เป็นมนุษย์ที่เสื่อมโทรมจากสสารสีขาว แทบไม่ดูเหมือนชายและหญิง ติดอยู่บนแท่งเหมือนหุ่นละครโอเรียนเต็ล สสารเป็นสิ่งที่ตายได้ มันเป็นเพียงเปลือก - ราวกับว่าผู้เขียนต้องการบอกเรา งานวาดภาพอื่น ๆ ของเขา "Sleeping Man" เป็นเรื่องเดียวกัน ไม่มีบุคคลในภาพ มีเพียงไม่กี่อย่างบนชาวเติร์ก: รูปถ่ายและโปสการ์ดเก่า กระบองเพชรที่โตแล้ว ถุงมือ เทปสุดโปรด โถเครื่องเทศ และชุดเครื่องมือ
ศิลปิน Teppei Kanueji "ปั้น" (วัตถุที่สร้างขึ้น) บุคคลของเขาตามหลักการเดียวกัน: เขากาวขยะในครัวเรือนในรูปแบบของสิ่งมีชีวิตมนุษย์และปกคลุมด้วยสีขาว
มันดาลาขนาดใหญ่ปูด้วยเกลือบนพื้น นี่คือพิธีกรรมวัดดั้งเดิมของญี่ปุ่น เห็นได้ชัดว่ามาจากพุทธศาสนา เครื่องประดับชิ้นนี้รวบรวมจิตวิญญาณของเขาวงกตหรือแผนที่ของดินแดนลึกลับ และดีแค่ไหนที่พิพิธภัณฑ์ไม่มีลมพัด การติดตั้งนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ศิลปินสร้างขึ้นภายในกำแพงพิพิธภัณฑ์เป็นเวลาหลายวัน นอกจากนี้ยังมีประเพณีของญี่ปุ่นที่น่าสนใจอีกด้วย: ก่อนการต่อสู้ นักมวยปล้ำซูโม่จะโรยเกลือลงบนพื้น
การติดตั้ง "From Evian to Volvik" ของฮิโรอากิ โมริตะ เปิดหัวข้อร่วมสมัยที่ค่อนข้างน่าสนใจสำหรับประเทศญี่ปุ่น - การรีไซเคิลพลาสติก บนชั้นวางแก้วมีขวดน้ำ Evian อยู่ เงาจากมันตกลงไปที่คอของ Volvik อีกขวดหนึ่งที่ยืนอยู่บนพื้น มันสร้างภาพลวงตาว่าน้ำไหลจากขวดหนึ่งไปอีกขวดหนึ่ง ไร้สาระตั้งแต่แรกเห็น สำหรับชาวญี่ปุ่น งานแนวความคิดนี้ไม่เพียงแต่เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรของ "กามิ" นั่นคือแก่นแท้ทางจิตวิญญาณ แต่ยังหมายความตามตัวอักษรว่าหลักการของการรีไซเคิล - การรีไซเคิลวัสดุรีไซเคิล ในฐานะประเทศที่เป็นเกาะ ญี่ปุ่นเป็นประเทศแรกๆ ที่เรียนรู้วิธีรวบรวม คัดแยก และรีไซเคิลขยะพลาสติก จากวัสดุที่ได้ ไม่เพียงแต่ขวดและรองเท้าผ้าใบใหม่เท่านั้นที่ผลิตขึ้นใหม่ แต่ยังสร้างเกาะเทียมอีกด้วย
การติดตั้งของ Teppei Kuneuji ในแวบแรกคล้ายกับสถานีคัดแยกขยะ วัตถุพลาสติกถูกจัดวางที่นี่ตามลำดับที่แตกต่างกัน: ช้อน แม่พิมพ์ ของเล่นต่างๆ ไม้แขวนเสื้อ แปรงสีฟันสี ท่ออ่อน แก้ว และอื่นๆ โรยด้วยผงสีขาวดูเหมือนว่าพวกเขาจะอยู่ที่นี่ชั่วนิรันดร์ เมื่อคุณเดินไปท่ามกลางวัตถุที่คุ้นเคยเหล่านี้ แต่ตอนนี้ไม่ได้ใช้แล้ว พิจารณาแยกออกแล้ว บุคคลจะรู้สึกเหมือนการทำสมาธิในสวนหิน ในภาพปะติดของเขา Teppei Kuneuji "จิตใจ" สร้างป้อมปราการจากเศษซากการก่อสร้าง แต่สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่โซ่จลนศาสตร์เหมือนกับของศิลปินดูโอ้ Fishli และ Weiss แต่เหมือนอาคารศักดิ์สิทธิ์ของชาวพุทธที่หินวางอยู่บนหินโดยไม่มีวัสดุยึดเหนี่ยว
ศิลปินสุดะ โยชิฮิโระวางดอกกุหลาบสีชมพูที่ทำจากไม้อย่างชำนาญ โดยมีกลีบดอกหนึ่งร่วงหล่นอยู่ระหว่างบานหน้าต่างในพิพิธภัณฑ์ที่มองเห็นโมอิกะ เมื่อพิจารณาถึงการแทรกแซงที่ละเอียดอ่อนและเต็มไปด้วยบทกวีในพิพิธภัณฑ์ ฉันต้องการเริ่มพูดบทกวีภาษาญี่ปุ่นในประเภทไฮกุ เช่น "ฤดูหนาว แม้แต่ดอกกุหลาบในพิพิธภัณฑ์ก็ยังเบ่งบานตลอดไป”
งานกวีนิพนธ์อีกเรื่องหนึ่ง The Opposite of Volume โดย Onishi Yasuaki หมายถึงงานของจิตรกรยุคกลางและพระเซนโทโย เซสชู คลาสสิกของญี่ปุ่นนี้มีชื่อเสียงในการนำภาพวาดหมึกขาวดำของจีนมาสู่ดินแดนอาทิตย์อุทัย
การติดตั้งของ Yasuaki เป็นภาพเงาสามมิติโพลีเอทิลีนสีเทาของภูเขา โดยมีพลาสติกเหลวแช่แข็งพ่น (เช่นฝน) ตกลงมาจากเพดาน มีข่าวลือว่าในการที่จะสร้างภูเขาที่ "ว่างเปล่า" ภายใต้สายฝนที่ตกลงมา ราวกับภาพวาดขาวดำโดย Toyo Sesshu ศิลปินต้องสร้างภูเขาจากกล่อง คลุมด้วยโพลีเอทิลีนบาง ๆ แล้วหยดพลาสติกร้อนจาก เพดาน.
ในที่สุด การติดตั้ง Kengo Kito: มาลัยกีฬาพลาสติกหลากสีที่ห้อยลงมาราวกับ "คำทักทายของญี่ปุ่น" ถูกนำไปที่รัสเซียเพื่อเข้าร่วมการแข่งขันกีฬาโอลิมปิก เป็นเรื่องน่าแปลกที่นิทรรศการ "The Charm of Things" ใช้พลาสติกเป็นวัสดุที่ศิลปินญี่ปุ่นสัมผัสไม่เพียง แต่สิ่งแวดล้อม แต่ยังรวมถึงประเด็นทางจิตวิญญาณด้วย
ฉากศิลปะญี่ปุ่นสมัยใหม่ดูเหมือนจะเป็นโลกาภิวัตน์อย่างสมบูรณ์ ศิลปินเดินทางระหว่างโตเกียวและนิวยอร์ก เกือบทั้งหมดได้รับการศึกษาในยุโรปหรืออเมริกา พวกเขาพูดถึงงานของพวกเขาในภาษาอังกฤษศิลปะระดับนานาชาติ อย่างไรก็ตาม ภาพนี้ก็ยังห่างไกลจากความสมบูรณ์
รูปแบบและแนวโน้มระดับชาติกลายเป็นสินค้าที่เป็นที่ต้องการตัวมากที่สุดชิ้นหนึ่งที่ญี่ปุ่นสามารถนำเสนอสู่ตลาดโลกในด้านความคิดและผลงานทางศิลปะ
การทำงานของเครื่องบิน สุดยอดแห่งการผสมผสานวัฒนธรรมอเมริกันเกินบรรยายและภาพวาดญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม
ทาคาชิ มูราคามิ. "ถังตันโบ"หากในโลกตะวันตกสำหรับเกือบทุกคน (ยกเว้นนักทฤษฎีหลังสมัยใหม่ที่กระตือรือร้นที่สุด) ขอบเขตระหว่างวัฒนธรรมระดับสูงและวัฒนธรรมมวลชนยังคงมีความเกี่ยวข้อง แม้ว่าจะเป็นปัญหาก็ตาม ในญี่ปุ่นโลกเหล่านี้ก็ปะปนกันไปโดยสิ้นเชิง
ตัวอย่างนี้คือทาคาชิ มูราคามิ ซึ่งประสบความสำเร็จในการรวมนิทรรศการในแกลเลอรี่ที่ดีที่สุดของโลกและการผลิตแบบสตรีมมิ่ง
บันทึกการเดินทางของนิทรรศการ Murakami "ฝนจะตกโปรยปราย"
อย่างไรก็ตาม ความสัมพันธ์ของมูราคามิกับวัฒนธรรมสมัยนิยม และสำหรับญี่ปุ่น วัฒนธรรมของแฟนการ์ตูนมังงะและอนิเมะ (โอตาคุ) นั้นซับซ้อนกว่า ปราชญ์ฮิโรกิ อาซึมะวิพากษ์วิจารณ์ความเข้าใจของโอตาคุว่าเป็นปรากฏการณ์แบบญี่ปุ่นแท้ๆ โอตาคุคิดว่าตนเองเกี่ยวข้องโดยตรงกับประเพณีสมัยเอโดะของศตวรรษที่ 17-19 - ยุคแห่งความโดดเดี่ยวและการปฏิเสธความทันสมัย Azuma ให้เหตุผลว่าขบวนการโอตาคุ - จากมังงะ, แอนิเมชั่น, นิยายภาพ, เกมคอมพิวเตอร์ - สามารถเกิดขึ้นได้เฉพาะในบริบทของการยึดครองของชาวอเมริกันหลังสงครามอันเป็นผลมาจากการนำเข้าวัฒนธรรมอเมริกัน ศิลปะของมุราคามิและผู้ติดตามของเขาได้สร้างสรรค์โอตาคุขึ้นใหม่ด้วยเทคนิคป๊อปอาร์ตและหักล้างตำนานชาตินิยมเกี่ยวกับความถูกต้องของประเพณี มันแสดงถึง "การทำให้เป็นอเมริกันอีกครั้งของวัฒนธรรมอเมริกันแบบญี่ปุ่น"
จากมุมมองทางศิลปะ superflat อยู่ใกล้กับภาพวาดอุกิโยะเอะของญี่ปุ่นยุคแรกที่สุด งานที่มีชื่อเสียงที่สุดในประเพณีนี้คือภาพพิมพ์ The Great Wave Off Kanagawa โดย Katsushika Hokusai (1823–1831)
สำหรับลัทธิสมัยใหม่แบบตะวันตก การค้นพบภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นความก้าวหน้าครั้งสำคัญ มันทำให้เห็นภาพเหมือนเครื่องบินและพยายามจะไม่เอาชนะลักษณะเฉพาะของมัน แต่เพื่อทำงานกับมัน
คัตสึชิกิ โฮคุไซ. "คลื่นลูกใหญ่นอกคานางาวะ" ผู้บุกเบิกประสิทธิภาพ ศิลปะญี่ปุ่นในทศวรรษ 1950 หมายถึงอะไรในปัจจุบัน
เอกสารกระบวนการสร้างสรรค์ของ Akira Kanayama และ Kazuo Shiraga
Superflat เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในยุค 2000 เท่านั้น แต่การกระทำทางศิลปะที่สำคัญสำหรับศิลปะโลกเริ่มขึ้นในญี่ปุ่นก่อนหน้านี้มาก และเร็วกว่าในตะวันตกด้วยซ้ำ
ผลงานศิลปะที่เปลี่ยนไปในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 60 และ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมา ในญี่ปุ่น การแสดงปรากฏในทศวรรษที่ห้าสิบ
นับเป็นครั้งแรกที่ Gutai Group ได้เปลี่ยนจุดสนใจจากการสร้างวัตถุแบบพอเพียงมาเป็นกระบวนการผลิต จากที่นี่ - ก้าวหนึ่งสู่การละทิ้งงานศิลปะเพื่อสนับสนุนเหตุการณ์ชั่วคราว
แม้ว่าศิลปินแต่ละคนจาก Gutai (และมี 59 คนใน 20 ปี) ยังคงมีอยู่อย่างแข็งขันในบริบทระหว่างประเทศ แต่การทำความเข้าใจว่ากิจกรรมโดยรวมของศิลปะหลังสงครามของญี่ปุ่นโดยทั่วไปเริ่มขึ้นในฝั่งตะวันตกเมื่อไม่นานมานี้ ความนิยมดังกล่าวเกิดขึ้นในปี 2013 ด้วยการจัดนิทรรศการหลายครั้งในแกลเลอรี่เล็กๆ ในนิวยอร์กและลอสแองเจลิส โตเกียวปี 1955-1970: The New Avant-Garde ที่ MoMA และนิทรรศการ Gutai: Splendid Playground ที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ การนำเข้าศิลปะญี่ปุ่นของมอสโกดูเหมือนจะเป็นความต่อเนื่องของแนวโน้มนี้ที่เกือบจะล่าช้า
ซาดามาสะ โมโตนางะ. งาน (น้ำ) ที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ นิทรรศการย้อนหลังเหล่านี้ดูมีความทันสมัยเพียงใด ตัวอย่างเช่น ศูนย์กลางของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์คือการสร้างงาน (น้ำ) ขึ้นใหม่โดย Sadamasa Motonaga ซึ่งระดับของหอกพิพิธภัณฑ์เชื่อมต่อกันด้วยท่อโพลีเอทิลีนที่มีน้ำสี เป็นการระลึกถึงการขีดเส้นที่ฉีกออกจากผืนผ้าใบและเป็นตัวอย่างของจุดศูนย์กลางของ Gutai ในเรื่อง "ความสม่ำเสมอ" (ตามที่ชื่อวงดนตรีแปลมาจากภาษาญี่ปุ่น) ความสำคัญของวัตถุที่ศิลปินใช้
สมาชิกของ Gutai หลายคนได้รับการศึกษาเกี่ยวกับภาพวาดนิฮงกะคลาสสิก หลายคนเชื่อมโยงกับบริบททางศาสนาของพุทธศาสนานิกายนิกายเซนในชีวประวัติ กับการประดิษฐ์ตัวอักษรญี่ปุ่นที่มีลักษณะเฉพาะ พวกเขาทั้งหมดได้ค้นพบแนวทางใหม่ แบบเป็นขั้นตอนหรือแบบมีส่วนร่วมสำหรับประเพณีโบราณ Kazuo Shiraga ได้บันทึกวิดีโอวิธีที่เขาวาดโมโนโครมต่อต้านเราเชนเบิร์กด้วยเท้าของเขา หรือแม้แต่สร้างภาพวาดในที่สาธารณะ
มิโนรุ โยชิดะ เปลี่ยนดอกไม้จากภาพพิมพ์ญี่ปุ่นให้กลายเป็นวัตถุที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม - ตัวอย่างนี้คือดอกไม้ไบเซ็กชวล ซึ่งเป็นหนึ่งในประติมากรรมจลนศาสตร์ (เคลื่อนไหว) แห่งแรกของโลก
ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์พูดถึงความสำคัญทางการเมืองของงานเหล่านี้:
"Gutai แสดงให้เห็นถึงความสำคัญของการกระทำส่วนบุคคลโดยเสรี การทำลายความคาดหวังของผู้ชม และแม้แต่ความโง่เขลา เพื่อเป็นแนวทางในการต่อต้านความเฉยเมยทางสังคมและความสอดคล้องที่อนุญาตให้รัฐบาลทหารได้รับอิทธิพลจำนวนมาก บุกจีนแล้ว เข้าร่วมสงครามโลกครั้งที่สอง"
ดีและฉลาด ทำไมศิลปินจึงออกจากญี่ปุ่นไปอเมริกาในทศวรรษ 1960
Gutai เป็นข้อยกเว้นสำหรับกฎในญี่ปุ่นหลังสงคราม กลุ่มเปรี้ยวจี๊ดยังคงเป็นชายขอบ โลกศิลปะมีลำดับชั้นอย่างเคร่งครัด วิธีหลักในการรับรู้คือการเข้าร่วมการแข่งขันที่จัดขึ้นโดยสมาคมที่เป็นที่ยอมรับของศิลปินคลาสสิก ดังนั้น หลายคนชอบที่จะไปทางตะวันตกและรวมเข้ากับระบบศิลปะภาษาอังกฤษ
เป็นเรื่องยากสำหรับผู้หญิงโดยเฉพาะ แม้แต่ใน Gutai ที่ก้าวหน้า ส่วนแบ่งของการปรากฏตัวของพวกเขายังไม่ถึงหนึ่งในห้า เราสามารถพูดอะไรเกี่ยวกับสถาบันดั้งเดิม การเข้าถึงการศึกษาพิเศษที่ต้องการ เมื่ออายุหกสิบเศษสาว ๆ ก็ได้รับสิทธิไปแล้ว แต่การเรียนรู้ศิลปะ (ถ้าไม่เกี่ยวกับการตกแต่งซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดทักษะ เรียวไซ เคนโบ- ภรรยาที่ดีและแม่ที่ฉลาด) ถูกสังคมรังเกียจต่ออาชีพ
โยโกะ โอโนะ. ชิ้นตัด
เรื่องราวการย้ายถิ่นของศิลปินหญิงชาวญี่ปุ่นที่ทรงอิทธิพล 5 คนจากโตเกียวไปยังสหรัฐอเมริกา เป็นเรื่องของการศึกษาของมิโดริ โยชิโมโตะเรื่อง "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi และ Shigeko Kubota ในตอนเริ่มต้นอาชีพของพวกเขาตัดสินใจออกไปนิวยอร์กและทำงานที่นั่นรวมถึงการปรับปรุงประเพณีศิลปะญี่ปุ่นให้ทันสมัย มีเพียง Yoko Ono เท่านั้นที่เติบโตในสหรัฐอเมริกา - แต่เธอก็จงใจปฏิเสธที่จะกลับไปญี่ปุ่นด้วย เพราะเธอไม่แยแสกับลำดับชั้นทางศิลปะของโตเกียวระหว่างที่เธอพำนักอยู่ช่วงสั้นๆ ในปี 1962-1964
โอโนะกลายเป็นคนที่มีชื่อเสียงที่สุดในห้าคน ไม่เพียงแต่ในฐานะภรรยาของจอห์น เลนนอน แต่ยังเป็นผู้เขียนการแสดงโปรโต-เฟมินิสต์ที่อุทิศให้กับการทำให้ร่างกายของผู้หญิงกลายเป็นวัตถุ มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนระหว่าง Cut Piece It ซึ่งผู้ชมสามารถตัดเสื้อผ้าของศิลปินออกและ "Rhythm 0" โดย "ย่าแห่งการแสดง" Marina Abramović
บนขาสั้น วิธีผ่านการฝึกอบรมการแสดงของผู้เขียน Tadashi Suzuki
ในกรณีของโอโนะและกูไต วิธีการและสาระสำคัญของงานซึ่งแยกออกจากผู้แต่งกลายเป็นเรื่องสำคัญในระดับสากล มีการส่งออกรูปแบบอื่น ๆ - เมื่อมีการรับรู้ผลงานของศิลปินด้วยความสนใจในเวทีระหว่างประเทศ แต่วิธีการนั้นไม่ได้ยืมมาเนื่องจากความเฉพาะเจาะจง กรณีที่โดดเด่นที่สุดคือระบบการฝึกการแสดงของทาดาชิ ซูซูกิ
โรงละครซูซูกิเป็นที่ชื่นชอบแม้กระทั่งในรัสเซีย และไม่น่าแปลกใจเลย ครั้งสุดท้ายที่เขาอยู่กับเราคือในปี 2016 ด้วยการแสดงของ The Trojan Women ที่อิงจากเนื้อหาของ Euripides และในปี 2000 เขามาพร้อมกับผลงานของ Shakespeare และ Chekhov หลายครั้ง ซูซูกิย้ายการกระทำของบทละครไปยังบริบทของญี่ปุ่นในปัจจุบันและเสนอการตีความข้อความที่ไม่ชัดเจน: เขาค้นพบการต่อต้านชาวยิวใน Ivanov และเปรียบเทียบกับทัศนคติที่ดูถูกของญี่ปุ่นต่อจีน โอนการกระทำของ King Lear เป็น โรงพยาบาลคนบ้าญี่ปุ่น
ซูซูกิสร้างระบบของเขาขึ้นเพื่อต่อต้านโรงเรียนการละครของรัสเซีย ในตอนปลายศตวรรษที่ 19 ในช่วงที่เรียกว่าสมัยเมจิ จักรวรรดิญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่กำลังพัฒนาได้ประสบกับการเคลื่อนไหวของฝ่ายค้านที่เพิ่มขึ้น ผลที่ได้คือวัฒนธรรมตะวันตกในวงกว้างของวัฒนธรรมที่ปิดอย่างสุดโต่งก่อนหน้านี้ ในบรรดารูปแบบที่นำเข้าคือระบบ Stanislavsky ซึ่งยังคงอยู่ในญี่ปุ่น (และในรัสเซีย) หนึ่งในวิธีการกำกับหลัก
ซูซูกิออกกำลังกาย
ในช่วงอายุหกสิบเศษ เมื่อซูซูกิเริ่มต้นอาชีพการงาน วิทยานิพนธ์ก็แพร่หลายมากขึ้นเรื่อยๆ เนื่องจากลักษณะทางร่างกายของพวกเขา นักแสดงชาวญี่ปุ่นจึงไม่ชินกับบทบาทจากตำราตะวันตกที่เต็มไปด้วยละครในยุคนั้น ผู้กำกับรุ่นเยาว์พยายามเสนอทางเลือกที่น่าเชื่อถือที่สุด
ระบบการออกกำลังกายของ Suzuki เรียกว่า ไวยากรณ์เกี่ยวกับขา ประกอบด้วยวิธีนั่งหลายสิบแบบ และมากกว่านั้นในการยืนและเดิน
นักแสดงของเขามักจะเล่นเท้าเปล่าและดูเหมือนโดยการลดจุดศูนย์ถ่วงลง ให้หนักแน่นที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ซูซูกิสอนเทคนิคของเขาให้กับพวกเขาและนักแสดงต่างชาติในหมู่บ้านโทกะ ในบ้านญี่ปุ่นโบราณที่เต็มไปด้วยอุปกรณ์ที่ทันสมัย คณะของเขาแสดงได้เพียง 70 ครั้งต่อปี และช่วงเวลาที่เหลือที่เขาอาศัยอยู่ แทบจะไม่ต้องออกจากหมู่บ้านและไม่มีเวลาสำหรับเรื่องส่วนตัว มีแต่งานเท่านั้น
Toga Center ปรากฏตัวขึ้นในปี 1970 และได้รับการออกแบบตามคำร้องขอของผู้กำกับโดย Arata Isozaka สถาปนิกชื่อดังระดับโลก ระบบของ Suzuki อาจดูเหมือนปิตาธิปไตยและอนุรักษ์นิยม แต่เขาพูดถึง Toga ในแง่ของการกระจายอำนาจสมัยใหม่ แม้แต่ในช่วงกลางทศวรรษ 2000 ซูซูกิเข้าใจถึงความสำคัญของการส่งออกงานศิลปะจากเมืองหลวงไปยังภูมิภาคต่างๆ และการจัดจุดการผลิตในท้องถิ่น ผู้กำกับระบุว่า แผนที่การแสดงละครของญี่ปุ่นในหลาย ๆ ด้านคล้ายกับศิลปะของรัสเซียซึ่งมีความเข้มข้นในโตเกียวและศูนย์ขนาดเล็กหลายแห่ง โรงละครรัสเซียยังจะได้รับประโยชน์จากบริษัทที่ออกทัวร์ในเมืองเล็กๆ เป็นประจำและตั้งอยู่ห่างไกลจากเมืองหลวง
ศูนย์ บริษัท SCOT ใน Toga เส้นทางดอกไม้. โรงละครสมัยใหม่ค้นพบทรัพยากรอะไรในระบบละครโนะและคะบุกิ
วิธีการของซูซูกิเติบโตจากประเพณีญี่ปุ่นโบราณสองแบบ - แต่ยังรวมถึงคาบุกิด้วย โรงละครประเภทนี้ไม่เพียงแต่จะมีลักษณะเป็นศิลปะการเดินเท่านั้น แต่ยังมีรายละเอียดที่ชัดเจนกว่าด้วย ซูซูกิมักจะปฏิบัติตามกฎเกี่ยวกับประสิทธิภาพของทุกบทบาทโดยผู้ชาย ใช้วิธีแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ที่มีลักษณะเฉพาะ เช่น ฮานามิจิ ("เส้นทางแห่งดอกไม้") ของตัวอย่างคาบุกิ ซึ่งเป็นเวทีที่ยื่นจากเวทีไปสู่ส่วนลึกของหอประชุม เขายังใช้ประโยชน์จากสัญลักษณ์ที่เป็นที่รู้จัก เช่น ดอกไม้และม้วนกระดาษ
แน่นอน ในโลกโลกไม่มีคำถามเกี่ยวกับสิทธิพิเศษของญี่ปุ่นที่จะใช้รูปแบบประจำชาติของพวกเขา
โรงละครของหนึ่งในผู้กำกับคนสำคัญที่สุดในยุคของเรา โรเบิร์ต วิลสันชาวอเมริกัน สร้างขึ้นจากการกู้ยืมเงินจาก แต่
เขาไม่เพียงแต่ใช้หน้ากากและเครื่องสำอางที่เตือนใจผู้ชมจำนวนมากในญี่ปุ่น แต่ยังยืมวิธีการแสดงโดยพิจารณาจากการเคลื่อนไหวที่ช้าลงสูงสุดและการแสดงท่าทางที่พอเพียง การผสมผสานรูปแบบดั้งเดิมและพิธีกรรมเข้ากับเพลงประกอบแสงล้ำสมัยและดนตรีมินิมัลลิสต์ (งานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Wilson คือการผลิตโอเปร่า Einstein on the Beach ของ Philip Glass) โดยพื้นฐานแล้วสร้างการสังเคราะห์ต้นกำเนิดและความเกี่ยวข้องที่ศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่พยายาม สำหรับ.
โรเบิร์ต วิลสัน. "ไอน์สไตน์บนชายหาด"
จากละครโนและคาบุกิ หนึ่งในเสาหลักของการเต้นรำสมัยใหม่ได้เติบโตขึ้น - บูโต ซึ่งแปลตามตัวอักษรว่า - การเต้นรำแห่งความมืด คิดค้นขึ้นในปี 1959 โดยนักออกแบบท่าเต้น Kazuo Ohno และ Tatsumi Hijikata ผู้ซึ่งใช้จุดศูนย์ถ่วงและสมาธิที่เท้าต่ำ Butoh เกี่ยวกับการนำภาพสะท้อนจากประสบการณ์สงครามที่กระทบกระเทือนจิตใจมาสู่มิติทางร่างกาย
“พวกเขาแสดงให้เห็นร่างกายที่ป่วย ทรุดโทรม มหึมา มหึมา<…>การเคลื่อนไหวนั้นช้าหรือจงใจระเบิด ด้วยเหตุนี้จึงใช้เทคนิคพิเศษเมื่อเคลื่อนไหวราวกับว่าไม่มีกล้ามเนื้อหลักเนื่องจากคันโยกกระดูกของโครงกระดูก” นักประวัติศาสตร์การเต้นรำ Irina Sirotkina จารึก butoh ในประวัติศาสตร์ของการปลดปล่อยร่างกายเชื่อมต่อ มันด้วยการจากไปจากบรรทัดฐานของบัลเล่ต์ เธอเปรียบเทียบ butoh กับการฝึกฝนของนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นของต้นศตวรรษที่ 20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman พูดถึงอิทธิพลของการเต้น "หลังสมัยใหม่" ในภายหลัง
เศษเสี้ยวหนึ่งของการเต้นรำของคัตสึระ คะนะ ผู้สืบสานประเพณีบูโตในปัจจุบัน
ทุกวันนี้ butoh ในรูปแบบดั้งเดิมไม่ใช่แนวปฏิบัติที่ล้ำหน้าอีกต่อไป แต่เป็นการสร้างประวัติศาสตร์ขึ้นใหม่
อย่างไรก็ตาม คำศัพท์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่พัฒนาโดยโอโนะ ฮิจิกาตะ และผู้ติดตามยังคงเป็นแหล่งข้อมูลสำคัญสำหรับนักออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่ ทางตะวันตกมีการใช้ Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky และแม้แต่ในวิดีโอเรื่อง "Belong To The World" ของ The Weekend ในญี่ปุ่น ผู้สืบทอดประเพณีบูโตคือ ตัวอย่างเช่น ซาบุโร เทชิกาวาระ ซึ่งจะมารัสเซียในเดือนตุลาคม แม้ว่าตัวเขาเองจะปฏิเสธความคล้ายคลึงกับการร่ายรำแห่งความมืด แต่นักวิจารณ์ก็พบสัญญาณที่จำได้ค่อนข้างมาก: ร่างกายที่ดูเหมือนไม่มีกระดูก ความเปราะบาง ก้าวที่ไร้เสียง จริงอยู่ พวกเขาถูกวางไว้ในบริบทของการออกแบบท่าเต้นหลังสมัยใหม่ - ด้วยจังหวะที่สูง การวิ่ง ทำงานร่วมกับเสียงเพลงหลังอุตสาหกรรม
ซาบุโร เทชิงาวาระ. การเปลี่ยนแปลง
ท้องถิ่นทั่วโลก ศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัยคล้ายกับศิลปะตะวันตกอย่างไร?
ผลงานของเทชิงาวาระและเพื่อนร่วมงานหลายคนของเขาเข้ากับโปรแกรมเทศกาลนาฏศิลป์ร่วมสมัยที่ดีที่สุดของตะวันตก หากคุณอ่านคำอธิบายของการแสดงและการแสดงที่จัดแสดงในงานเทศกาล / โตเกียว ซึ่งเป็นงานแสดงประจำปีที่ใหญ่ที่สุดของโรงละครญี่ปุ่นประจำปีนั้นเป็นเรื่องยากที่จะสังเกตเห็นความแตกต่างพื้นฐานจากแนวโน้มของยุโรป
ประเด็นหลักประการหนึ่งคือความเฉพาะเจาะจงของสถานที่ ศิลปินชาวญี่ปุ่นสำรวจพื้นที่ต่างๆ ของโตเกียว ตั้งแต่กลุ่มทุนนิยมในรูปแบบของตึกระฟ้าไปจนถึงพื้นที่ชายขอบของโอตาคุ
อีกหัวข้อหนึ่งคือการศึกษาความเข้าใจผิดระหว่างรุ่น โรงละครเป็นสถานที่พบปะพูดคุยกันแบบสดๆ และจัดการสื่อสารของคนในวัยต่างๆ โครงการที่อุทิศให้กับเธอโดย Toshika Okada และ Akira Tanayama ถูกนำไปที่เวียนนาเป็นเวลาหลายปีติดต่อกันเพื่อเป็นหนึ่งในเทศกาลศิลปะการแสดงที่สำคัญของยุโรป ไม่มีอะไรใหม่ในการถ่ายโอนเอกสารสารคดีและเรื่องราวส่วนตัวไปยังเวทีภายในสิ้นปี 2000 แต่ภัณฑารักษ์ของเทศกาลเวียนนาได้นำเสนอโครงการเหล่านี้ต่อสาธารณชนเพื่อเป็นโอกาสในการติดต่อกับผู้อื่นแบบสดๆ วัฒนธรรม.
อีกสายหลักกำลังทำงานผ่านประสบการณ์ที่กระทบกระเทือนจิตใจ สำหรับชาวญี่ปุ่น ไม่เกี่ยวข้องกับป่าช้าหรือความหายนะ แต่เกี่ยวข้องกับการทิ้งระเบิดที่ฮิโรชิมาและนางาซากิ โรงละครกล่าวถึงเขาอยู่ตลอดเวลา แต่คำพูดที่ทรงพลังที่สุดเกี่ยวกับการระเบิดปรมาณูในช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นสมัยใหม่ทั้งหมดยังคงเป็นของทาคาชิ มูราคามิ
กับนิทรรศการ “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” เป็นชื่อโปรเจ็กต์ที่ได้รับการดูแลจัดการซึ่งแสดงที่นิวยอร์กในปี 2548 "Little Boy" - "baby" ในภาษารัสเซีย - ชื่อของหนึ่งในระเบิดที่ทิ้งในญี่ปุ่นในปี 1945 สะสมการ์ตูนมังงะนับร้อยจากนักวาดภาพประกอบชั้นนำ ของเล่นวินเทจที่โดดเด่น สินค้าจากอนิเมะชื่อดังตั้งแต่ Godzilla ไปจนถึง Hello Kitty มูราคามิได้ผลักดันความเข้มข้นของความน่ารัก - คาวาอิ - ถึงขีด จำกัด ในพื้นที่พิพิธภัณฑ์ ในเวลาเดียวกัน เขาได้เปิดตัวแอนิเมชั่นต่างๆ ซึ่งภาพของการระเบิด ดินเปล่า และเมืองที่ถูกทำลายกลายเป็นภาพหลัก
ความขัดแย้งนี้เป็นคำแถลงสำคัญฉบับแรกเกี่ยวกับการทำให้เป็นทารกของวัฒนธรรมญี่ปุ่นเพื่อรับมือกับโรคเครียดหลังถูกทารุณกรรม
ตอนนี้ข้อสรุปนี้ดูเหมือนชัดเจนอยู่แล้ว การศึกษาเชิงวิชาการเกี่ยวกับคาวาอี้โดย Inuhiko Yomota สร้างขึ้น
นอกจากนี้ยังมีทริกเกอร์ที่กระทบกระเทือนจิตใจในภายหลัง ที่สำคัญที่สุด - เหตุการณ์เมื่อวันที่ 11 มีนาคม 2011 แผ่นดินไหวและสึนามิที่นำไปสู่อุบัติเหตุครั้งใหญ่ที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ฟุกุชิมะ ที่งาน Festival/Tokyo-2018 มีการแสดงทั้ง 6 รายการเพื่อทำความเข้าใจผลที่ตามมาจากภัยพิบัติทางธรรมชาติและเทคโนโลยี พวกเขายังกลายเป็นธีมสำหรับหนึ่งในผลงานที่นำเสนอที่ Solyanka ตัวอย่างนี้แสดงให้เห็นชัดเจนว่าคลังแสงของวิธีการที่สำคัญที่ใช้โดยศิลปะตะวันตกและญี่ปุ่นนั้นไม่แตกต่างกันโดยพื้นฐาน Haruyuki Ishii สร้างการติดตั้งโทรทัศน์สามชุดที่เล่นฟุตเทจที่มีการตัดต่อและวนซ้ำด้วยความเร็วสูงจากรายการทีวีเกี่ยวกับแผ่นดินไหวแบบวนซ้ำ
“งานประกอบด้วยวิดีโอ 111 รายการที่ศิลปินดูทุกวันในข่าว จนกระทั่งทุกสิ่งที่เขาเห็นไม่ถือเป็นนิยายอีกต่อไป” ภัณฑารักษ์อธิบาย "ญี่ปุ่นใหม่" เป็นตัวอย่างที่บ่งบอกว่าศิลปะไม่ต่อต้านการตีความตามตำนานระดับชาติได้อย่างไร แต่ในขณะเดียวกัน สายตาวิพากษ์วิจารณ์ก็พบว่าการตีความแบบเดียวกันอาจเกี่ยวข้องกับศิลปะจากแหล่งกำเนิดใดๆ ภัณฑารักษ์พูดถึงการไตร่ตรองซึ่งเป็นพื้นฐานของประเพณีญี่ปุ่น โดยใช้คำพูดอ้างอิงจากเล่าจื๊อ ในเวลาเดียวกัน ราวกับหลุดพ้นจากสมการ ความจริงที่ว่าศิลปะร่วมสมัยเกือบทั้งหมดเน้นที่ “เอฟเฟกต์ของผู้สังเกต” (ตามที่เรียกว่านิทรรศการ) - ไม่ว่าจะอยู่ในรูปแบบของการสร้างบริบทใหม่เพื่อการรับรู้ที่คุ้นเคย ปรากฏการณ์หรือในการตั้งคำถามถึงความเป็นไปได้ของการรับรู้ที่เพียงพอเช่นนี้
Imagined Communities - อีกหนึ่งผลงานของศิลปินวิดีโอ Haruyuki Ishii
เกม
อย่างไรก็ตาม เราไม่ควรคิดว่าญี่ปุ่นในทศวรรษ 2010 เป็นประเทศที่มีความก้าวหน้า
นิสัยของลัทธิจารีตนิยมแบบเก่าที่ดีและความรักที่มีต่อลัทธินอกรีตแบบตะวันออกยังไม่หมดสิ้นไป "The Theatre of Virgins" เป็นชื่อบทความที่ค่อนข้างน่าชื่นชมเกี่ยวกับโรงละครญี่ปุ่น "Takarazuka" ในนิตยสารอนุรักษ์นิยมรัสเซีย "PTJ" ทาคาระซึกะปรากฏตัวขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 เป็นโครงการธุรกิจเพื่อดึงดูดนักท่องเที่ยวให้มายังเมืองห่างไกลที่มีชื่อเดียวกัน ซึ่งบังเอิญกลายเป็นปลายทางของทางรถไฟส่วนตัว มีเพียงเด็กผู้หญิงที่ยังไม่ได้แต่งงานเท่านั้นที่เล่นในโรงละครซึ่งตามเจ้าของรถไฟควรจะดึงดูดผู้ชมชายให้เข้ามาในเมือง ทุกวันนี้ Takarazuka เป็นเหมือนอุตสาหกรรมที่มีช่องทีวีของตัวเอง รายการคอนเสิร์ตที่หนาแน่น แม้แต่สวนสนุกในท้องถิ่น แต่มีเพียงเด็กสาวที่ยังไม่แต่งงานเท่านั้นที่มีสิทธิ์อยู่ในคณะละคร หวังว่าพวกเขาจะไม่ตรวจสอบความบริสุทธิ์เป็นอย่างน้อย
อย่างไรก็ตาม Takarazuka อ่อนลงเมื่อเทียบกับ Toji Deluxe club ในเกียวโตซึ่งชาวญี่ปุ่นเรียกว่าโรงละคร พวกเขาแสดงออกอย่างดุเดือดโดยตัดสินโดย คำอธิบายเอียน บูรูมา คอลัมนิสต์ชาวนิวยอร์ก โชว์เปลื้องผ้า: สาวเปลือยหลายคนบนเวทีเปลี่ยนการสาธิตการใช้อวัยวะเพศเป็นพิธีกรรมในที่สาธารณะ
เช่นเดียวกับการปฏิบัติทางศิลปะหลายอย่าง การแสดงนี้มีพื้นฐานมาจากตำนานโบราณ (ด้วยความช่วยเหลือของเทียนและแว่นขยาย ผู้ชมสามารถผลัดกันสำรวจ "ความลับของแม่เทพธิดา Amaterasu") และผู้เขียนเองก็ได้รับการเตือน ของประเพณีโน
เราจะปล่อยให้ผู้อ่านค้นหาแอนะล็อกแบบตะวันตกสำหรับ Takarazuki และ Toji ต่อผู้อ่าน - หาได้ไม่ยาก เราทราบเพียงว่าส่วนสำคัญของศิลปะสมัยใหม่นั้นมุ่งเป้าไปที่การต่อสู้กับการกดขี่ดังกล่าวอย่างแม่นยำ - ทั้งแบบตะวันตกและแบบญี่ปุ่น ตั้งแต่การเต้นรำแบบสุดยอดไปจนถึงการเต้นบูโต
