เครื่องดนตรีชิ้นเอกของศิลปะโลก เครื่องดนตรีในยุคกลางของประวัติศาสตร์เครื่องทองแดง

กระทรวงศึกษาธิการและวิทยาศาสตร์ของประเทศยูเครน

SevNTU

แผนก: ยูเครนศึกษา. วัฒนธรรม. การสอน

เรียงความเรื่องวัฒนธรรมศึกษา

หัวข้อ: “ ดนตรีบรรเลงของยุคบาโรก (ครึ่งแรกของ XVII-1 ของศตวรรษที่ XVIII) ที่มาของแนวเพลง - ซิมโฟนี, คอนแชร์โต้ ผลงานของอันโตนิโอ วีวัลดี

ทำโดยนักเรียน

กลุ่ม IM-12d

สตัปโก้ เอ็ม.จี.

ตรวจสอบแล้ว:

Kostennikov A.M.

เซวาสโทพอล 2007

วางแผน:

บทนำ.

ส่วนสำคัญ:

1) ความแตกต่างของดนตรีบาร็อค:

จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

จากความคลาสสิค

2) ลักษณะทั่วไปของประเภทบรรเลงของยุคบาโรก

3) ประวัติดนตรีบรรเลงในยุโรปตะวันตก

ส่วนสุดท้าย.

1) อิทธิพลของดนตรีบรรเลงแบบบาโรกต่อดนตรียุคหลัง

การเปลี่ยนผ่านสู่ยุคคลาสสิก (1740-1780)

อิทธิพลของเทคนิคบาโรกและเทคนิคหลังปี 1760

แจ๊ส.

2) บทสรุป

IV. รายการแหล่งที่มา

บทนำ:

ยุคบาโรก (ศตวรรษที่ XVII) เป็นหนึ่งในยุคที่น่าสนใจที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก เป็นเรื่องที่น่าสนใจสำหรับละคร ความเข้มข้น พลวัต คอนทราสต์ และในขณะเดียวกัน ความสามัคคี ความสมบูรณ์ ความสามัคคี

บทบาทพิเศษในยุคนี้ถูกครอบครองโดยศิลปะดนตรีซึ่งเริ่มต้นขึ้นอย่างที่เป็นอยู่โดยมีจุดเปลี่ยนที่เด็ดขาดพร้อมการต่อสู้ที่แน่วแน่กับ "รูปแบบที่เข้มงวด" แบบเก่า

ความเป็นไปได้ในการแสดงออกของศิลปะดนตรีกำลังขยายตัว ในขณะเดียวกันก็มีแนวโน้มที่จะแยกดนตรีออกจากคำ ไปสู่การพัฒนาแนวดนตรีที่เข้มข้น ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ของบาโรก รูปแบบวัฏจักรขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น (คอนแชร์โต กรอสโซ วงดนตรีและโซนาตาเดี่ยว) ในบางห้องสวีท บทละคร ความทรงจำ การแสดงด้นสดประเภทออร์แกนสลับกันอย่างเพ้อฝัน การเปรียบเทียบและการผสมผสานหลักการโพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิกในการเขียนดนตรีกลายเป็นเรื่องปกติเทคนิคการเขียนและการแสดงของยุคบาโรกได้กลายเป็นส่วนสำคัญและเป็นส่วนสำคัญของหลักการดนตรีคลาสสิก ผลงานในสมัยนั้นได้รับการดำเนินการและศึกษาอย่างกว้างขวาง

ความแตกต่างของดนตรีบาโรก

จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ดนตรีบาโรกรับช่วงต่อจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการใช้โพลีโฟนีและความแตกต่าง อย่างไรก็ตาม เทคนิคเหล่านี้ถูกนำมาใช้แตกต่างกัน ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาความกลมกลืนทางดนตรีถูกสร้างขึ้นจากความจริงที่ว่าในการเคลื่อนไหวที่นุ่มนวลและสงบของพยัญชนะพยัญชนะปรากฏรองและราวกับว่าบังเอิญ อย่างไรก็ตาม ในดนตรีบาโรก ลำดับที่เสียงพยัญชนะปรากฏมีความสำคัญ: มันแสดงออกด้วยความช่วยเหลือของคอร์ดที่สร้างขึ้นตามแบบแผนลำดับชั้นของโทนเสียงที่ใช้งานได้ (หรือระบบกิริยาหลักที่ใช้งานได้จริง) ประมาณปี ค.ศ. 1600 คำจำกัดความของโทนเสียงที่มีความคลาดเคลื่อนเป็นส่วนใหญ่ ตัวอย่างเช่น บางคนเห็นการพัฒนาของวรรณยุกต์ในจังหวะของมาดริกาล ในขณะที่ในความเป็นจริง ในโมโนไดส์ยุคแรก โทนเสียงยังคงไม่แน่นอนมาก การพัฒนาที่อ่อนแอของทฤษฎีระบบอารมณ์สม่ำเสมอมีผล ตามที่เชอร์แมนกล่าวเป็นครั้งแรกในปี ค.ศ. 1533 จิโอวานนี่มาเรียลานฟรังโกชาวอิตาลีเสนอและแนะนำระบบการแสดงอารมณ์ที่เท่าเทียมกันในการฝึกออร์แกน - กลาเวียร์ และระบบก็แพร่หลายมากขึ้นในภายหลัง และในปี 1722 Well-Tempered Clavier โดย J.S. Bach ก็ปรากฏตัวขึ้น ความแตกต่างอีกประการหนึ่งระหว่างความกลมกลืนทางดนตรีของบาโรกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็คือในช่วงแรกการเปลี่ยนแปลงยาชูกำลังเกิดขึ้นบ่อยขึ้นในสามส่วน ในขณะที่การปรับช่วงบาโรกในสี่หรือห้าถูกครอบงำ (ลักษณะของแนวคิดเรื่องโทนเสียงที่ใช้งานได้มีผล ). นอกจากนี้ ดนตรีบาโรกยังใช้ทำนองที่ยาวขึ้นและจังหวะที่เข้มงวดมากขึ้น ธีมหลักถูกขยายโดยตัวมันเองหรือด้วยความช่วยเหลือของเบสโซคอนติเนนโต จากนั้นเธอก็ปรากฏตัวเป็นเสียงอื่น ต่อมา เนื้อหาหลักเริ่มแสดงผ่านเบสโซคอนติเนนโต ไม่เพียงแต่ด้วยเสียงหลักเท่านั้น ลำดับชั้นของท่วงทำนองและเสียงประกอบถูกเบลอ

ความแตกต่างของโวหารเป็นตัวกำหนดการเปลี่ยนแปลงจากข้าวปั้น จินตนาการ และ canzones ของยุคเรอเนสซองส์ไปเป็น fugues ซึ่งเป็นหนึ่งในรูปแบบหลักของดนตรีบาโรก Monteverdi เรียกสิ่งนี้ว่าฟรีสไตล์ใหม่ Seconda pratica (แบบที่สอง) ตรงข้ามกับ prima pratica (รูปแบบแรก) ซึ่งมีลักษณะเฉพาะของโมเต็ตและรูปแบบการร้องประสานเสียงของโบสถ์อื่น ๆ โดยผู้เชี่ยวชาญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่น Giovanni Pierluigi da Palestrina มอนเตแวร์ดีเองก็ใช้ทั้งสองสไตล์ มวลของเขา "In illo tempore" เขียนในรูปแบบเก่าและ "Vespers of the Blessed Virgin" ของเขาในรูปแบบใหม่

มีสไตล์บาโรกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอื่น ๆ ที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ดนตรีบาโรกพยายามเติมเต็มอารมณ์ในระดับที่สูงกว่าดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา งานเขียนแบบบาโรกมักบรรยายถึงอารมณ์ความรู้สึกเดียวที่เจาะจง (ความปีติยินดี ความเศร้า ความกตัญญู และอื่นๆ เปรียบเทียบกระทบทฤษฎี). ดนตรีบาโรกมักถูกเขียนขึ้นสำหรับนักร้องและนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ และมักจะทำได้ยากกว่าดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าการบันทึกรายละเอียดของเครื่องดนตรีเป็นนวัตกรรมที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งในยุคบาโรกก็ตาม แทบจะต้องใช้เลยอุปกรณ์ตกแต่งดนตรีมักบรรเลงโดยนักดนตรีในรูปแบบด้นสด. นิพจน์เช่นหมายเหตุ inegalsกลายเป็นสากล ดำเนินการโดยนักดนตรีส่วนใหญ่ มักมีอิสระในการใช้งานอย่างมาก

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญอีกประการหนึ่งคือความหลงใหลในดนตรีบรรเลงมีมากกว่าความหลงใหลในเสียงร้อง เนื้อร้อง เช่นmadrigalsและ ariasอันที่จริงพวกเขาไม่ได้ร้องเพลงบ่อยขึ้น แต่แสดงด้วยเครื่องมือ นี่เป็นหลักฐานจากคำให้การของคนรุ่นเดียวกัน เช่นเดียวกับจำนวนต้นฉบับของเครื่องดนตรีชิ้นสำคัญ ซึ่งมีจำนวนเกินจำนวนผลงานที่เป็นตัวแทนของดนตรีเสียงฆราวาส. การเกิดขึ้นทีละน้อยของสไตล์บรรเลงล้วนๆ ซึ่งแตกต่างจากเสียงประสานของศตวรรษที่ 16 เป็นหนึ่งในขั้นตอนที่สำคัญที่สุดในการเปลี่ยนจากยุคเรอเนสซองส์ไปสู่ยุคบาโรก จนถึงปลายศตวรรษที่ 16 ดนตรีบรรเลงแทบไม่ต่างจากเสียงร้องและประกอบด้วยท่วงทำนองการเต้นรำเป็นหลัก การเรียบเรียงเพลงยอดนิยมและเพลงมาดริกาล (โดยเฉพาะสำหรับคีย์บอร์ดและลูท) รวมทั้งชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่มีลักษณะเป็นโมเท็ต, canzone, madrigalsโดยไม่มีบทกวี

แม้ว่าการรักษาที่หลากหลายtoccata, จินตนาการและ โหมโรงสำหรับเครื่องดนตรีประเภทพิณและคีย์บอร์ดเป็นที่รู้กันมานานแล้วว่าดนตรีทั้งมวลยังไม่ได้รับอิสรภาพ อย่างไรก็ตาม การพัฒนาอย่างรวดเร็วของการประพันธ์เพลงฆราวาสในอิตาลีและประเทศอื่นๆ ในยุโรปเป็นแรงผลักดันใหม่ในการสร้างแชมเบอร์มิวสิคสำหรับเครื่องดนตรี

ตัวอย่างเช่น ใน อังกฤษศิลปะการเล่นที่แพร่หลายวิโอลา- เครื่องสายที่มีช่วงและขนาดต่างกัน ผู้เล่นที่วิพากษ์วิจารณ์มักเข้าร่วมกลุ่มนักร้องเพื่อเติมเต็มเสียงที่หายไป แนวปฏิบัตินี้กลายเป็นเรื่องธรรมดา และหลายฉบับถูกระบุว่า "เหมาะสำหรับเสียงหรือวิโอลาส"

มีการแสดงเพลงประกอบและเพลงมาดริกาลมากมาย ตัวอย่างเช่น มาดริกาล"หงส์เงิน"ออร์แลนโด กิบบอนส์ในคอลเลกชั่นหลายสิบรายการ ติดฉลากและนำเสนอเป็นเครื่องดนตรี

จากความคลาสสิค

ในยุคของความคลาสสิกตามแบบบาโรก บทบาทของความแตกต่างลดลง (แม้ว่าการพัฒนาศิลปะแห่งความแตกต่างไม่ได้หยุดลง) และโครงสร้างแบบโฮโมโฟนิกของงานดนตรีก็มาก่อน มีการตกแต่งในดนตรีน้อยลง งานเริ่มเอนเอียงไปทางโครงสร้างที่ชัดเจน โดยเฉพาะงานที่เขียนในรูปแบบโซนาตา การมอดูเลต (การเปลี่ยนแปลงของคีย์) ได้กลายเป็นองค์ประกอบโครงสร้าง งานนี้เริ่มถูกฟังในฐานะการเดินทางที่เต็มไปด้วยละครผ่านลำดับของกุญแจ การออกเดินทางและการมาถึงของยาชูกำลัง การมอดูเลตยังมีอยู่ในเพลงบาโรก แต่ไม่มีฟังก์ชันการจัดโครงสร้าง

ในงานของยุคคลาสสิก มักเผยให้เห็นอารมณ์มากมายภายในส่วนหนึ่งของงาน ในขณะที่ดนตรีบาโรกส่วนหนึ่งสื่อถึงความรู้สึกที่ชัดเจน และในที่สุดในงานคลาสสิกมักจะถึงจุดสุดยอดทางอารมณ์ซึ่งได้รับการแก้ไขเมื่อสิ้นสุดงาน ในงานบาโรก หลังจากถึงจุดสุดยอดนี้ จนถึงบันทึกสุดท้าย ความรู้สึกหลักเล็กน้อยยังคงอยู่ ความหลากหลายของรูปแบบบาโรกเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการพัฒนารูปแบบโซนาตา การพัฒนาจังหวะพื้นฐานที่หลากหลาย

ลักษณะทั่วไปของประเภทบรรเลงของยุคบาโรก

ที่มาของแนวเพลง - ซิมโฟนี, คอนแชร์โต้ โซนาต้าในศตวรรษที่ 17

ต้นแบบของซิมโฟนีถือได้ว่าเป็นการทาบทามของอิตาลีซึ่งก่อตัวขึ้นภายใต้สการ์ลัตติเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แบบฟอร์มนี้ถูกเรียกว่าซิมโฟนีแล้วและประกอบด้วย allegro, andante และ allegro รวมกันเป็นหนึ่งเดียว ในทางกลับกัน บรรพบุรุษของซิมโฟนีคือโซนาตาออเคสตราซึ่งประกอบด้วยหลายส่วนในรูปแบบที่ง่ายที่สุดและส่วนใหญ่อยู่ในคีย์เดียวกัน ในซิมโฟนีคลาสสิก เฉพาะส่วนแรกและส่วนสุดท้ายเท่านั้นที่มีคีย์เดียวกัน และส่วนตรงกลางจะถูกเขียนด้วยคีย์ที่เกี่ยวข้องกับคีย์หลัก ซึ่งกำหนดคีย์ของซิมโฟนีทั้งหมด ต่อมา Haydn ถือเป็นผู้สร้างรูปแบบคลาสสิกของสีซิมโฟนีและวงดนตรี Mozart และ Beethoven มีส่วนสำคัญในการพัฒนา

คำว่า คอนเสิร์ต เป็นชื่อองค์ประกอบทางดนตรี ปรากฏในอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 คอนแชร์โต้ในสามส่วนปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 Italian Corelli (ดู) ถือเป็นผู้ก่อตั้งคอนแชร์โต้รูปแบบนี้

คอนเสิร์ตมักจะประกอบด้วย 3 ส่วน (ส่วนสุดโต่งอยู่ในการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็ว) ในศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีที่เครื่องดนตรีหลายชิ้นแสดงเดี่ยวในสถานที่ต่างๆ เรียกว่าคอนแชร์โตกรอสโซ ต่อมา ซิมโฟนีซึ่งเครื่องดนตรีชิ้นหนึ่งมีความสำคัญที่เป็นอิสระมากกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับเครื่องดนตรีอื่น กลายเป็นที่รู้จักในชื่อซิมโฟนีกคอนแชร์เตนเต, คอนแชร์เรนเด ซินโฟนี ตามลักษณะทางพันธุกรรม คอนแชร์โตกรอสโซมีความเกี่ยวข้องกับรูปแบบของความทรงจำโดยอิงตามเนื้อเรื่องตามลำดับผ่านเสียง สลับกับโครงสร้างที่ไม่ใช่ใจความ - สลับฉาก คอนแชร์โต้ กรอสโซ สืบทอดหลักการนี้ โดยมีความแตกต่างที่ว่าคอนแชร์โต้ในช่วงเริ่มต้นเป็นแบบโพลีโฟนิก มีพื้นผิว 3 ประเภทในคอนแชร์โต้กรอสโซ:

โพลีโฟนิก;

เสียงพ้องเสียง;

ประสานเสียง (ประสานเสียง).

(แทบไม่เคยพบเลยในรูปแบบที่บริสุทธิ์

โซนาต้า (อย่าสับสนกับรูปโซนาต้า) จนถึงปลายศตวรรษที่ 17 คอลเลกชั่นของเครื่องดนตรีและโมเต็ตแกนนำที่จัดเรียงสำหรับเครื่องดนตรีถูกเรียกว่าโซนาตา Sonatas แบ่งออกเป็นสองประเภท: Chamber Sonata (ital.โซนาต้า ดา คาเมร่า ) ซึ่งประกอบด้วยโหมโรง อริโซโซ ระบำ ฯลฯ ที่เขียนด้วยแป้นต่างๆ และโซนาตาของโบสถ์ (ital.โซนาตา ดา เคียซา ) ซึ่งมีรูปแบบตรงกันข้าม เครื่องดนตรีจำนวนหนึ่งที่เขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีออเคสตราหลายชิ้นไม่ได้เรียกว่าโซนาตา แต่เรียกว่าแกรนด์คอนแชร์โต (ital.คอนแชร์โต้ กรอสโซ่ ). โซนาตายังใช้ในคอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวกับวงออเคสตรา เช่นเดียวกับในซิมโฟนี

ประเภทเครื่องดนตรีหลักของยุคบาโรก

คอนแชร์โต้ กรอสโซ่ (คอนแชร์โต้ กรอสโซ)

Fugue

ห้องสวีท

Allemande

Courant

สราบันเด

Gigue

Gavotte

มินูเอ็ท

โซนาต้า

Chamber sonata Sonata da กล้อง

คริสตจักรโซนาตาโซนาตา ดา เคียซา

Trio sonata

โซนาต้าคลาสสิค

ทาบทาม

ทาบทามฝรั่งเศส (fr.ทาบทาม)

ทาบทามอิตาลี (อิตาลี)ซินโฟเนีย)

Partita

Canzona

ซิมโฟนี

แฟนตาซี

รถรีชเชอร์คาร์

Toccata

โหมโรง

ชาคอนเน่

Passacaglia

Choral Prelude

เครื่องมือพื้นฐานของยุคบาโรก

ออร์แกนในดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาสกลายเป็นเครื่องดนตรีหลักของบาโรก ฮาร์ปซิคอร์ด เครื่องสายที่ถอนออกและโค้งคำนับ เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องลมไม้ก็ใช้กันอย่างแพร่หลาย เช่น ไวโอลิน กีตาร์บาโรก ไวโอลินบาโรก เชลโล ดับเบิลเบส ขลุ่ยต่างๆ คลาริเน็ต โอโบ บาสซูน ในยุคบาโรก หน้าที่ของเครื่องดนตรีประเภทสายที่ดึงออกอย่างกว้างขวางเช่นเดียวกับพิณถูกลดขนาดลงเหลือเพียงการบรรเลงเบสโซแบบต่อเนื่อง และค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดในรูปแบบนี้ ผู้เฒ่าผู้แข็งแกร่งซึ่งสูญเสียความนิยมในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาครั้งก่อนและกลายเป็นเครื่องมือของคนจนและคนเร่ร่อนได้รับการคลอดบุตรครั้งที่สอง จนถึงปลายศตวรรษที่ 18 คนหัวแข็งยังคงเป็นของเล่นที่ทันสมัยของขุนนางฝรั่งเศสผู้ชื่นชอบชีวิตในชนบท

ประวัติดนตรีบรรเลงในยุโรปตะวันตก

เพลงบรรเลงของอิตาลี

อิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 เล่นบทบาทของสตูดิโอทดลองขนาดใหญ่ที่มีการค้นหาอย่างต่อเนื่องและการก่อตัวของแนวเพลงและรูปแบบของดนตรีบรรเลงที่ค่อยเป็นค่อยไป ภารกิจที่สร้างสรรค์เหล่านี้นำไปสู่การสร้างสมบัติล้ำค่าทางศิลปะ

การแสดงดนตรีในรูปแบบที่เปิดกว้างและเป็นประชาธิปไตยดังกล่าวปรากฏเป็นคอนเสิร์ตของโบสถ์ ซึ่งไม่เพียงแต่แสดงดนตรีทางจิตวิญญาณเท่านั้น แต่ยังแสดงดนตรีทางโลกด้วย คอนเสิร์ตเหล่านี้จัดขึ้นสำหรับนักบวชในบริเวณโบสถ์และอาสนวิหารในวันอาทิตย์หลังพิธีมิสซาได้รับการเฉลิมฉลอง วิธีการต่าง ๆ ของท่วงทำนองพื้นบ้านที่แตกต่างกันได้แทรกซึมเข้าไปในดนตรีมืออาชีพอย่างกว้างขวาง

ประวัติดนตรีบรรเลงของศตวรรษที่ 17 ในอิตาลี นี่คือประวัติศาสตร์ของการสร้างสรรค์เครื่องดนตรีตระการตาที่มีบทบาทนำของไวโอลิน เนื่องจากในที่สุดแล้ว ในที่สุดมันก็ได้แทนที่ไวโอลินหกสายที่วิจิตรงดงามด้วยระบบ Quarter-tert ที่ผลักข้างไวโอลินออกไป ระบบที่ห้าทำให้ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีที่สอดรับกับเสียงร้องประสานที่แสดงออกถึงความเป็นไปโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ซึ่งแทรกซึมเข้าไปในดนตรีบรรเลงมากขึ้นเรื่อยๆ

เวนิสก่อตั้งโรงเรียนสอนไวโอลินแห่งแรกในอิตาลี ซึ่งเป็นครั้งแรกที่มีการจัดองค์ประกอบของนักไวโอลินมืออาชีพ (ไวโอลินและเบสสองตัว) ขึ้น และได้กำหนดประเภทที่กลายเป็นเรื่องปกติสำหรับวงดนตรีนี้: โซนาตาทรีโอหลายส่วน

ในช่วงกลางของศตวรรษ โซนาตาถูกสร้างขึ้นเป็นวัฏจักรของรูปแบบใหม่

สิ่งนี้ทำให้เกิด:

1) การค้นหาความแน่นอนในเชิงเปรียบเทียบ ความเป็นรูปธรรมใหม่

2) การขยายขอบเขตขององค์ประกอบการกำหนดชิ้นส่วนด้วยตนเอง

3) ความแตกต่างของไดนามิกและเนื้อเพลงในมาโครและไมโครสเกล

โซนาตาจะเปลี่ยนจากรูปแบบคอนทราสต์คอมโพสิตเป็นวัฏจักรทีละน้อย

ประเภทของห้องชุดก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ประเภทของคอนเสิร์ตกำลังค่อยๆ ถูกสร้างขึ้น - กรอสโซ่ ประเภทนี้

ตัวแทนของดนตรีบรรเลงของอิตาลี:

จิโรลาโม เฟรสโกบัลดี (1583-1643)

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนออร์แกนของอิตาลีแห่งศตวรรษที่ XVII เขาแต่ง: canzones, toccatas, richercats, การดัดแปลงของนักร้องประสานเสียงสำหรับอวัยวะเช่นเดียวกับ fugues ฮาร์ปซิคอร์ด, canzones และ partitas เขาออกจากงานเขียนที่เคร่งครัดของศตวรรษที่ผ่านมาและวางรากฐานสำหรับรูปแบบใหม่ฟรี ธีมอันไพเราะได้รับคุณสมบัติหลากหลายประเภท นำพวกเขาเข้าใกล้ชีวิตประจำวันและโลกีย์มากขึ้น Frescobaldi สร้างธีมที่สดใสทางอารมณ์และเป็นรายบุคคล ทั้งหมดนี้เป็นคำใหม่และสดใหม่ในเสียงประสาน ทำนองและความคิดที่กลมกลืนกันของเวลานั้น

อาร์คานเจโล คอเรลลี่. (1653 -1713)

นักไวโอลินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 มรดกเชิงสร้างสรรค์ประกอบด้วยผลงาน 6 ชิ้น: - โซนาตาสามคน (พร้อมออร์แกนประกอบ) - 1685

โซนาต้าสามคน (พร้อมฮาร์ปซิคอร์ด) - 1685

โซนาต้าสามคน (พร้อมออร์แกนประกอบ) - 1689

โซนาต้าสามคน (พร้อมฮาร์ปซิคอร์ด) - 1694

โซนาต้า 11 แบบและแบบต่างๆ สำหรับไวโอลิน (พร้อมฮาร์ปซิคอร์ด) - 1700

สิบสองคอนแชร์โต้ กรอสโซ - 1712

ลักษณะเฉพาะ: ไม่มีความแตกต่างเฉพาะเรื่องภายในส่วนต่างๆ การวางเคียงกันของโซโลและตุ๊ดตี (การแสดง) เพื่อเปิดใช้งานผ้าดนตรี โลกจินตนาการที่ชัดเจนและเปิดกว้าง

Corelli ให้โซนาต้ามีความสมบูรณ์ของรูปแบบคลาสสิก กลายเป็นผู้ก่อตั้งประเภทคอนแชร์โต้ กรอสโซ

อันโตนิโอ วีวัลดี (1678-1741) การสร้าง

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี นักไวโอลิน วาทยกร อาจารย์ เขาศึกษากับพ่อของเขา เจวาน บัตติสตา วีวัลดี นักไวโอลินของมหาวิหารซานมาร์โกในเมืองเวนิส ในปี ค.ศ. 1703-25-25 อาจารย์คนหนึ่ง จากนั้นเป็นวาทยกรวงออเคสตราและผู้อำนวยการคอนเสิร์ต ตลอดจนผู้กำกับ (ตั้งแต่ ค.ศ. 1713) ของ Pieta Women's Conservatory (ในปี ค.ศ. 1735 เขาเป็นหัวหน้าวงดนตรีอีกครั้งในช่วงเวลาสั้น ๆ) เขาแต่งเพลงสำหรับคอนเสิร์ตทางโลกและทางจิตวิญญาณมากมายของเรือนกระจก ในเวลาเดียวกันเขาเขียนโอเปร่าสำหรับโรงละครเวนิส (มีส่วนร่วมในการผลิต) ในฐานะนักไวโอลินอัจฉริยะ เขาได้จัดคอนเสิร์ตในอิตาลีและประเทศอื่นๆ เขาใช้เวลาหลายปีสุดท้ายในกรุงเวียนนา

ในงานของ Vivaldi คอนแชร์โตกรอสโซถึงจุดสูงสุด จากความสำเร็จของ A. Corelli Vivaldi ได้สร้างรูปแบบวงกลม 3 ส่วนสำหรับคอนแชร์โตกรอสโซ โดยแยกส่วนอัจฉริยะของศิลปินเดี่ยวออกมา เขาสร้างประเภทของคอนแชร์โต้เดี่ยวซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคไวโอลินอัจฉริยะ สไตล์ดนตรีของ Vivaldi โดดเด่นด้วยท่วงทำนอง ความเอื้ออาทร พลวัตและการแสดงออกของเสียง ความโปร่งใสของออร์กาในการเขียน ความกลมกลืนแบบคลาสสิกผสมผสานกับความร่ำรวยทางอารมณ์ คอนแชร์โตของ Vivaldi ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของประเภทคอนเสิร์ตสำหรับนักประพันธ์เพลงหลายคน รวมถึง J. S. Bach (เขาถอดความคอนแชร์โตไวโอลิน Vivaldi ประมาณ 20 รายการสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน) วัฏจักร "Seasons" เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกสุดของรายการเพลงออเคสตรา

การมีส่วนร่วมของ Vivaldi ในการพัฒนาเครื่องมือวัดมีความสำคัญมาก (เขาเป็นคนแรกที่ใช้กาโบ เขา บาสซูน และเครื่องดนตรีอื่นๆ อย่างอิสระและไม่ทำซ้ำ) คอนแชร์โตบรรเลงของ Vivaldi เป็นเวทีในการสร้างซิมโฟนีคลาสสิก ในเมืองเซียนา สถาบันอิตาลีตั้งชื่อตามวีวัลดี (นำโดยเอฟ. มาลิปิเอโร)

องค์ประกอบ:

โอเปร่า (27)-
รวมทั้งโรแลนด์ - คนบ้าในจินตนาการ (Orlando fiato pozzo, 1714, โรงละคร "Sant'Angelo", Venice), Nero ซึ่งกลายเป็นซีซาร์ (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid), Coronation of Darius (L "incoronazione di Daria, 1716) , อ้างแล้ว.), การหลอกลวงชัยชนะในความรัก (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnache (1727, ibid. ภายหลังเรียกว่า Farnache ผู้ปกครองของ Pontus), Cunegonda (1727, ibid.), Olympias ( 1734, อ้างแล้ว), Griselda (1735, โรงละคร "San Samuele", Venice), Aristides (1735, ibid.), Oracle ใน Messenia (1738, โรงละคร "Sant'Angelo", Venice), Ferasp (1739, ibid. ) ;

oratorio-
โมเสส เทพเจ้าแห่งฟาโรห์ (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Triumphant Judith (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Adoration of the Magi (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

ฆราวาส cantatas (56)-
รวม 37 สำหรับเสียงที่มีเบสคอนติเนนโต 14 สำหรับเสียงกับเครื่องสาย, วงออเคสตรา, grand cantata Gloria และ Hymen (1725);

เพลงลัทธิ (ประมาณ 55 ชิ้น) -
รวมทั้ง Stabat Mater, motet, สดุดี ฯลฯ ;

เครื่องมือ ทำงาน-
76 โซนาตา (มีเบสโซคอนติเนนโต) รวม 30 อันสำหรับไวโอลิน 19 อันสำหรับไวโอลิน 2 อัน 10 สำหรับเชลโล 1 สำหรับไวโอลินและเชลโล 2 สำหรับลูทและไวโอลิน 2 สำหรับโอโบ; คอนแชร์โต 465 รายการ รวม 49 คอนแชร์ติ กรอสซี 331 สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งชิ้นที่มีเบสคอนติเนนโต (228 สำหรับไวโอลิน 27 สำหรับเชลโล 6 สำหรับวิโอล d "รัก 13 สำหรับแนวขวาง 3 สำหรับขลุ่ยตามยาว 12 สำหรับโอโบ 38 สำหรับบาสซูน 1 สำหรับ แมนโดลิน) 38 สำหรับ 2 เครื่องดนตรีที่มีเบสคอนติเนนโต (25 สำหรับไวโอลิน, 2 สำหรับเชลโล, 3 สำหรับไวโอลินและเชลโล, 2 สำหรับเขา, 1 สำหรับแมนโดลิน), 32 สำหรับเครื่องดนตรี 3 ตัวขึ้นไปที่มีเบสโซคอนสแตนโต

โดเมนิโก สการ์ลัตติ (1685–1757)

นักแต่งเพลง ปรมาจารย์ด้านดนตรีกลาเวียร์ชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โซนาต้ากลาเวียร์ที่ยอดเยี่ยมส่วนใหญ่มีชื่อว่า Essercizi (แบบฝึกหัด ) เขียนโดย Domenico สำหรับ Maria Barbara นักเรียนที่มีความสามารถของเขาซึ่งยังคงอุทิศตนให้กับครูมาตลอดชีวิต เป็นที่เชื่อกันว่านักเรียนที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งของ Domenico คือนักแต่งเพลงชาวสเปน Padre Antonio Soler

ความคิดริเริ่มของสไตล์กลาเวียร์ของ Scarlatti ถูกเปิดเผยใน 30 โซนาตาในปี 1738 โซนาตาของ Scarlatti เป็นภาพสะท้อนที่แท้จริงและประณีตที่สุดของสไตล์ดนตรีสเปน พวกเขาจับจิตวิญญาณและจังหวะของการเต้นรำสเปนและวัฒนธรรมกีตาร์ได้เต็มตา โซนาต้าเหล่านี้มักจะมีรูปแบบไบนารีอย่างเคร่งครัด (AABB) แต่เนื้อหาภายในมีความหลากหลายมาก

คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์ผู้แต่งคือความไพเราะของความสามัคคีที่ไม่สอดคล้องกันและการมอดูเลตที่ชัดเจน เอกลักษณ์ของงานเขียน Clavier ของ Scarlatti นั้นสัมพันธ์กับความสมบูรณ์ของพื้นผิว: หมายถึงการข้ามของมือซ้ายและขวา การซ้อม การรัว และการประดับประดาประเภทอื่นๆ ทุกวันนี้ โซนาต้าของ Domenico ถือเป็นงานต้นฉบับมากที่สุดเท่าที่เคยเขียนมาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด

เพลงบรรเลงของประเทศเยอรมนี

ในดนตรีบรรเลงของศตวรรษที่ 17 อวัยวะภาคภูมิใจของสถานที่ ในยุคแรกของนักประพันธ์เพลงออร์แกนชาวเยอรมัน ร่างของ Scheidt (1587-1654) และ Johann Froberger (1616-1667) เป็นสิ่งที่น่าสนใจที่สุด ความสำคัญของพวกเขานั้นยอดเยี่ยมสำหรับประวัติของรูปแบบโพลีโฟนิกระหว่างทางไปสู่ความทรงจำและการเตรียมการสำหรับนักร้องประสานเสียง Froberger นำดนตรีออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดมารวมกัน ในบรรดาบรรพบุรุษของ Bach ได้แก่ Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude ศิลปินที่มีขนาดใหญ่และเป็นต้นฉบับ พวกเขาเป็นตัวแทนของด้านต่างๆ ของออร์แกนก่อนยุคก่อนบาค: Pachelbel - แนว "คลาสสิก", Buxtelhude - "บาร็อค" งานของ Buxtelhude มีลักษณะเฉพาะด้วยการจัดวางองค์ประกอบ เสรีภาพในจินตนาการ ชอบในสิ่งที่น่าสมเพช ละคร และน้ำเสียงเชิงวาทศิลป์

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค

ดนตรีบรรเลงส่วนใหญ่เป็นฆราวาส (ยกเว้นดนตรีสำหรับออร์แกน) ในดนตรีบรรเลงมีกระบวนการปฏิสัมพันธ์และเสริมคุณค่าซึ่งกันและกันในด้านต่าง ๆ ประเภทและประเภทของการนำเสนอ ดนตรีสำหรับกลาเวียร์และออร์แกนอยู่ตรงกลางเวที

กลาเวียร์เป็นห้องทดลองที่สร้างสรรค์ บาคก้าวข้ามขอบเขตของละคร ทำให้มีความต้องการเครื่องดนตรีมาก สไตล์เสียงแหลมมีความโดดเด่นด้วยโครงสร้างทางอารมณ์ที่กระฉับกระเฉงและตระหง่าน ถูกจำกัดและสมดุล ความสมบูรณ์และความหลากหลายของพื้นผิว บาคแนะนำเทคนิคการเล่นใหม่ๆ ผลงาน: ชิ้นสำหรับผู้เริ่มต้น (โหมโรงเล็ก, ฟูเกตตา), พรีลูดและฟิวก์ (HTK), ห้องชุด, คอนแชร์โต (อิตาลี), ทอกกาตา, จินตนาการ (ด้นสดฟรี, น้ำเสียงที่ยกระดับอย่างน่าสมเพช, เนื้อสัมผัสอัจฉริยะ), “ศิลปะแห่งความทรงจำ” (สร้าง ความทรงจำคลาสสิก) .

บทบาทที่ยิ่งใหญ่ในงานของ Bach เป็นของอวัยวะ สไตล์ออร์แกนทิ้งร่องรอยไว้ในความคิดเกี่ยวกับเครื่องมือของผู้แต่งทั้งหมด เป็นออร์แกนที่อยู่ในแนวเพลงที่เชื่อมโยงดนตรีบรรเลงกับคันทาตาจิตวิญญาณและความหลงใหล - การจัดเรียงของนักร้องประสานเสียง (มากกว่า 150) งานออร์แกนมุ่งเน้นไปที่รูปแบบที่เป็นที่ยอมรับ ประเภทดั้งเดิม ซึ่ง Bach ให้การตีความใหม่เชิงคุณภาพ: โหมโรงและความทรงจำ

บาคยังเขียนเครื่องดนตรีอื่นๆ เช่น เชลโล สวีท แชมเบอร์ ตระการตา สวีทสำหรับวงออเคสตรา คอนแชร์โต ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีต่อไป

มรดกอันยิ่งใหญ่ของ Bach มีผลกระทบทางศีลธรรม เขาก้าวไปไกลกว่ารูปแบบหนึ่ง ยุคหนึ่ง

เพลงบรรเลงของอังกฤษ.

ในสาขาดนตรีบรรเลงภาษาอังกฤษ โรงเรียนกลาเวียร์กำลังก่อตัว (verzhdinelists - โดยใช้ชื่อเครื่องดนตรี) ตัวแทน: Bird, Bull, Morny, Gibbons... ผลงานที่น่าสนใจที่สุดคือรูปแบบต่างๆ ของการเต้นรำและเพลง

เกออร์ก ฟรีดริช ฮันเดล.

ดนตรีบรรเลง - บ่งบอกถึงสไตล์ของผู้แต่ง สัมพันธ์กับงานเสียง มันคือภาพ คุณสมบัติทางภาพของดนตรีพร้อมคำที่ส่งผลต่อใจความ ลักษณะทั่วไปของบทละคร แต่ละส่วน โดยทั่วไปแล้วความฉลาด, น่าสมเพช, ความหนาแน่นของเสียง, ความเคร่งขรึมในเทศกาล, ความดังเต็ม, ความแตกต่างของ chiaroscuro, อารมณ์, การรั่วไหลของด้นสดเป็นลักษณะเฉพาะ

ประเภทของคอนแชร์โต้กรอสโซและคอนแชร์โต้โดยทั่วไป (สำหรับออร์แกน สำหรับวงออเคสตรา...) เป็นลักษณะเด่นที่สุดของภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ ฮันเดลอนุญาตให้มีการจัดองค์ประกอบฟรีของรอบคอนเสิร์ตไม่ปฏิบัติตามหลักการ "เร็ว - ช้า" คอนแชร์โตของเขา (รวมถึงงานออร์แกน) เป็นงานฆราวาสอย่างหมดจด โดยมีการรวมส่วนการเต้นเข้าไว้ด้วย น้ำเสียงทั่วไปถูกครอบงำด้วยงานรื่นเริง พลังงาน ความเปรียบต่าง ปฏิภาณโวหาร

ฮันเดลยังทำงานในแนวเพลงบรรเลงอื่นๆ: โซนาตา (ไตรโอโซนาตัส), แฟนตาซี, คาปริซิโอ, วาไรตี้, แต่งเพลงเพื่อความบันเทิง (ดับเบิลคอนแชร์โต, “Music on the Water”)

อย่างไรก็ตาม สาขาความคิดสร้างสรรค์ชั้นนำนั้นถูกครอบงำโดยประเภทสังเคราะห์: โอเปร่า oratorio

เพลงบรรเลงของฝรั่งเศส

ศตวรรษที่ 17 เป็นจุดสูงสุดในประวัติศาสตร์ดนตรีบรรเลง ขุมทรัพย์แห่งวัฒนธรรมดนตรีโลกรวมถึงผลงานของ clavecin อัจฉริยะชาวฝรั่งเศส Jacques Chambonnière, Louis Coupren และ Francois Coupren ประเภทที่ชื่นชอบคือชุดของชิ้นเต้นรำขนาดเล็กที่ติดตามกัน F. Kupren เป็นผู้สร้างแนวใหม่ในดนตรีบรรเลง rondo (ศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด) ลักษณะของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดมีความโดดเด่นด้วยความไพเราะไพเราะ เครื่องประดับมากมาย จังหวะที่นุ่มนวลยืดหยุ่น

ส่วนสุดท้าย.

อิทธิพลของดนตรีบรรเลงแบบบาโรกต่อดนตรียุคหลัง

การเปลี่ยนผ่านสู่ยุคคลาสสิก (1740-1780)

ระยะเปลี่ยนผ่านระหว่างบาโรกตอนปลายและลัทธิคลาสสิคยุคแรก เต็มไปด้วยความคิดที่ขัดแย้งกันและพยายามรวมมุมมองที่แตกต่างกันของโลก มีหลายชื่อ เรียกว่า "รูปแบบความกล้าหาญ", "โรโคโค", "ยุคก่อนคลาสสิก" หรือ "ยุคคลาสสิกตอนต้น" ในช่วงสองสามทศวรรษนี้ คีตกวีที่ยังคงทำงานในสไตล์บาโรกยังคงประสบความสำเร็จ แต่พวกเขาก็ไม่ใช่ของปัจจุบัน แต่เป็นของอดีต ดนตรีอยู่ที่ทางแยก: ผู้เชี่ยวชาญของรูปแบบเก่ามีเทคนิคที่ยอดเยี่ยมและประชาชนก็ต้องการเพลงใหม่อยู่แล้ว คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล บาคใช้ประโยชน์จากความปรารถนานี้ให้เกิดประโยชน์: เขาเป็นปรมาจารย์ด้านรูปแบบเก่าที่ยอดเยี่ยม แต่ทำงานอย่างหนักเพื่อปรับปรุงมัน โซนาต้ากลาวีร์ของเขามีความโดดเด่นในด้านความอิสระในโครงสร้าง การทำงานที่กล้าหาญในโครงสร้างของงาน

ในช่วงเปลี่ยนผ่านนี้ ความแตกต่างระหว่างดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาสเพิ่มขึ้น องค์ประกอบทางจิตวิญญาณยังคงอยู่ในกรอบของบาโรก ในขณะที่ดนตรีฆราวาสโน้มเอียงไปทางรูปแบบใหม่

โดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเทศคาทอลิกของยุโรปกลาง ดนตรีสไตล์บาโรกปรากฏในเพลงจิตวิญญาณจนถึงสิ้นศตวรรษที่สิบแปดตลอดจนในสมัยนั้นสไตล์โบราณ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังคงมีอยู่จนถึงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบเจ็ด มวลชนและนักพูดของ Haydn และ Mozart คลาสสิกในการจัดวางและการประดับประดา มีเทคนิคแบบบาโรกมากมายในโครงสร้าง contrapuntal และ harmonic ความเสื่อมโทรมของบาร็อคนั้นมาพร้อมกับการอยู่ร่วมกันของเทคนิคเก่าและใหม่เป็นเวลานาน ในเมืองต่างๆ ของเยอรมนี การแสดงแบบบาโรกยังคงมีอยู่จนถึงช่วงทศวรรษ 1790 เช่น ในเมืองไลพ์ซิก ซึ่ง J.S. Bach ทำงานในช่วงบั้นปลายชีวิต

ในอังกฤษ ความนิยมที่ยืนยงของฮันเดลทำให้ประสบความสำเร็จสำหรับนักประพันธ์เพลงที่ไม่ค่อยมีคนรู้จักซึ่งแต่งในสไตล์บาโรกที่กำลังจางหายไปในขณะนี้: Charles Avison (อังกฤษ. Charles Avison ), วิลเลียม บอยส์ (อังกฤษ.วิลเลียม บอยซ์ ) และโทมัส ออกัสติน อาร์น (อังกฤษ.โธมัส ออกัสติน อาร์เน่ ). ในทวีปยุโรป สไตล์นี้ถือว่าล้าสมัยไปแล้ว การครอบครองมันเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และสำเร็จการศึกษาจากที่ปรากฏในโรงเรียนสอนดนตรีหลายแห่งในขณะนั้น

อิทธิพลของเทคนิคบาโรกและเทคนิคหลังค.ศ. 1760

เนื่องจากดนตรีบาโรกกลายเป็นพื้นฐานของการศึกษาดนตรี อิทธิพลของสไตล์บาโรกยังคงอยู่หลังจากการจากไปของบาโรกในรูปแบบการแสดงและการแต่ง ตัวอย่างเช่น แม้ว่าการฝึกเบสทั่วไปจะถูกยกเลิกไป แต่ก็ยังเป็นส่วนหนึ่งของสัญกรณ์ดนตรี ในศตวรรษที่ 19 คะแนนของปรมาจารย์แบบบาโรกถูกพิมพ์เป็นฉบับเต็ม ซึ่งนำไปสู่ความสนใจในจุดที่แตกต่างของ "การเขียนที่เข้มงวด" (ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย S. I. Taneyev แล้วเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 19 ได้เขียน งานเชิงทฤษฎี“ ความแตกต่างมือถือของการเขียนที่เข้มงวด”)

ศตวรรษที่ 20 ให้ชื่อยุคบาโรก เริ่มการศึกษาดนตรีในยุคนั้นอย่างเป็นระบบ รูปแบบและสไตล์บาโรกมีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงที่หลากหลาย เช่น Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky และ Bela Bartok ต้นศตวรรษที่ยี่สิบเห็นการฟื้นตัวของความสนใจในนักประพันธ์เพลงบาโรกที่เป็นผู้ใหญ่เช่น Henry Purcell และ Antonio Vivaldi

ผลงานของนักประพันธ์เพลงร่วมสมัยจำนวนหนึ่งได้รับการตีพิมพ์เป็นผลงานที่ "สูญหายแต่ถูกค้นพบใหม่" โดยปรมาจารย์แบบบาโรก ตัวอย่างเช่น วิโอลาคอนแชร์โต ประพันธ์โดย Henri Casadesus (fr.อองรี-กุสตาฟ คาซาเดซุส ) แต่ประกอบกับฮันเดล หรือหลายผลงานโดย Fritz Kreisler (เยอรมัน.ฟริทซ์ ไครส์เลอร์ ) โดยเขามาจากนักประพันธ์เพลงบาโรกที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก เกตาโน ปุกนานี (ital.เกตาโน่ ปุกนานี ) และ Padre Martini (it.ปาเดร มาร์ตินี ). และในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 มีนักแต่งเพลงที่เขียนเฉพาะในสไตล์บาโรกเช่น Giorgio Paccioni (อิตาลี.จอร์โจ ปาชิโอนี่)

ในศตวรรษที่ 20 ผลงานจำนวนมากถูกแต่งขึ้นในสไตล์ "นีโอบาโรก" โดยเน้นที่การเลียนแบบโพลีโฟนี เหล่านี้เป็นผลงานของคีตกวีเช่น Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston และ Bohuslav Martinu นักดนตรีพยายามที่จะทำงานที่ยังไม่เสร็จของนักประพันธ์เพลงในยุคบาโรกให้เสร็จ (ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ The Art of Fugue ของ J. S. Bach) เนื่องจากดนตรีบาโรกเป็นจุดเด่นของทั้งยุค ผลงานร่วมสมัยที่เขียนว่า "ภายใต้บาโรก" จึงมักปรากฏเพื่อใช้ในโทรทัศน์และภาพยนตร์ ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลง Peter Schickele ล้อเลียนสไตล์คลาสสิกและบาโรกโดยใช้นามแฝง P. D. K. Bach

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 การแสดงที่มีข้อมูลทางประวัติศาสตร์ (หรือ "ผลงานจริง" หรือ "ของแท้") ปรากฏขึ้น นี่เป็นความพยายามที่จะสร้างรายละเอียดเกี่ยวกับลักษณะการแสดงของนักดนตรีในยุคบาโรก ผลงานของ Quantz และ Leopold Mozart เป็นพื้นฐานสำหรับการศึกษาแง่มุมต่างๆ ของการแสดงดนตรีแบบบาโรก การแสดงที่แท้จริงเกี่ยวข้องกับการใช้เครื่องสายที่ทำจากไม้เอ็นแทนที่จะเป็นโลหะ การสร้างฮาร์ปซิคอร์ดขึ้นใหม่ การใช้มารยาทแบบเก่าในการผลิตเสียง และเทคนิคการเล่นที่ถูกลืม วงดนตรียอดนิยมหลายแห่งได้ใช้นวัตกรรมเหล่านี้ เหล่านี้คือ Anonymous 4, Academy of Early Music, Boston Society of Haydn และ Handel, Academy of St. Martin in Fields, Les Arts Florissants Ensemble ของ William Christie, Le บทกวีออร์เคสตรา, Catherine the Great's Orchestra และอื่น ๆ

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 และ 21 ความสนใจในดนตรีบาโรกและประการแรกคือโอเปร่าบาโรกเพิ่มขึ้น นักร้องโอเปร่าที่มีชื่อเสียงเช่น Cecilia Bartoli ได้รวมงานบาโรกไว้ในละครของพวกเขา การแสดงจะดำเนินการทั้งในคอนเสิร์ตและในเวอร์ชันคลาสสิก

แจ๊ส

ดนตรีบาโรกและแจ๊สมีพื้นฐานร่วมกัน ดนตรีบาโรกเช่นแจ๊สส่วนใหญ่เขียนขึ้นสำหรับวงดนตรีขนาดเล็ก (ในเวลานั้นไม่มีความเป็นไปได้จริงที่จะรวบรวมวงดนตรีของนักดนตรีหลายร้อยคน) ซึ่งชวนให้นึกถึงวงดนตรีแจ๊ส นอกจากนี้ งานบาโรกยังเปิดกว้างสำหรับการแสดงด้นสด ตัวอย่างเช่น งานร้องแบบบาโรกจำนวนมากประกอบด้วยเสียงร้องสองส่วน: ส่วนแรกร้อง/เล่นตามที่ระบุโดยผู้แต่ง และจากนั้นจะทำซ้ำ แต่นักร้องนำแต่งทำนองหลักอย่างด้นสดด้วยความไพเราะ ความสง่างาม และการตกแต่งอื่นๆ อย่างไรก็ตาม จังหวะและเมโลดี้พื้นฐานไม่เปลี่ยนแปลงไม่เหมือนกับแจ๊ส การแสดงด้นสดแบบบาร็อคช่วยเติมเต็มเท่านั้น แต่จะไม่เปลี่ยนแปลงอะไรเลย

ในฐานะที่เป็นส่วนหนึ่งของสไตล์แจ๊สสุดเท่ในยุค 50 ของศตวรรษที่ XX มีแนวโน้มที่จะวาดแนวเพลงแจ๊สเข้ากับดนตรีในยุคบาโรก เมื่อค้นพบหลักการฮาร์มอนิกและไพเราะร่วมกันในช่วงเวลาที่ห่างไกลทางดนตรีและสุนทรียภาพ นักดนตรีแสดงความสนใจในดนตรีบรรเลงของ J.S. Bach นักดนตรีและวงดนตรีจำนวนหนึ่งได้ใช้เส้นทางในการพัฒนาแนวคิดเหล่านี้ ในหมู่พวกเขามี Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan แต่สิ่งนี้หมายถึง "Modern Jazz Quartet" เป็นหลักซึ่งนำโดยนักเปียโน John Lewis

บทสรุป.

ยุคบาโรกทิ้งไว้เบื้องหลังผลงานชิ้นเอกของวัฒนธรรมโลกจำนวนมหาศาล และไม่ใช่ส่วนเล็ก ๆ ของพวกเขาที่สร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงดังนั้นบาโรกจึงใช้ชีวิตในชีวิตประจำวันทางดนตรีในน้ำเสียงและจังหวะของดนตรีเบา ๆ ใน "ดนตรีของวิวาลดี" ที่ฉาวโฉ่ในบรรทัดฐานของภาษาดนตรีของโรงเรียน แนวเพลงที่เกิดจากยุคบาโรกยังมีชีวิตอยู่และพัฒนาในแบบของตัวเอง: fugue, opera, cantata, prelude, sonata, concerto, aria, Variation...หลังจากติดตามและวิเคราะห์ประวัติศาสตร์แล้ว คุณจะเชื่อว่าดนตรีสมัยใหม่เกือบทั้งหมดเชื่อมโยงกับดนตรีในยุคบาโรกอย่างใดแบบหนึ่ง โดยแยกจากดนตรีบรรเลง จนถึงทุกวันนี้ มีการสร้างวงดนตรียุคแรกขึ้น และสิ่งนี้บอกอะไรได้มากมาย...

รายชื่อแหล่งที่มา:

พจนานุกรมสารานุกรมของ Brockhaus และ Efron (1890-1907)

Sposobin I. "รูปแบบดนตรี" ม., 1984

Sherman N. S. "การก่อตัวของอารมณ์ที่เท่าเทียมกัน" ม., 2507.

Livanova T.N. "ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789 (ศตวรรษที่ XVII)" ตำราเรียนใน 2 เล่ม ต. 1. ม., 2526

โรเซนชิลด์ "ประวัติดนตรีต่างประเทศจนถึงกลางศตวรรษที่สิบแปด" ม. “ดนตรี” 2522

โคเลซอฟ "การบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก" Kyiv-2000

th.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

แผ่นป้องกัน.

ยุคบาโรก (ศตวรรษที่ XVII) เป็นหนึ่งในยุคที่น่าสนใจที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก บทบาทพิเศษในยุคนี้ถูกครอบครองโดยศิลปะดนตรีซึ่งเริ่มต้นขึ้นอย่างที่เป็นอยู่โดยมีจุดเปลี่ยนที่เด็ดขาดพร้อมการต่อสู้ที่แน่วแน่กับ "รูปแบบที่เข้มงวด" แบบเก่าในที่สุด ความครอบงำของดนตรีฆราวาสก็ถูกกำหนดในที่สุด (แม้ว่าในเยอรมนีและบางประเทศ ดนตรีคริสตจักรยังคงมีความสำคัญอย่างยิ่ง)

ดนตรีบาโรกมีความซับซ้อนมากขึ้นเมื่อเทียบกับดนตรีในยุคเรอเนซองส์ และดนตรีคลาสสิกมีโครงสร้างมากขึ้นโดยมีการประดับประดาน้อยลง และเผยให้เห็นอารมณ์มากมาย ในขณะที่ดนตรีบาโรกส่วนหนึ่งมีความรู้สึกที่สืบเนื่องอย่างชัดเจน

ขอบคุณนักดนตรีที่โดดเด่น แนวเพลงใหม่ปรากฏขึ้น เช่น ซิมโฟนีและคอนแชร์โต้ โซนาต้าวิวัฒนาการ ความทรงจำถึงความนิยมอย่างไม่เคยมีมาก่อน คอนแชร์โต้ประเภทที่สำคัญที่สุดคือ กรอสโซ ประเภทนี้สร้างขึ้นจากความเปรียบต่างที่รุนแรง เครื่องดนตรีแบ่งออกเป็นกลุ่มที่มีส่วนร่วมในเสียงของวงออเคสตราเต็มรูปแบบและเป็นกลุ่มเดี่ยวที่เล็กกว่า ดนตรีสร้างขึ้นจากช่วงเปลี่ยนผ่านที่คมชัดจากส่วนที่ดังไปเป็นส่วนที่เงียบ ทางที่เร็วจะตรงกันข้ามกับส่วนที่ช้า

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าแหล่งกำเนิดและศูนย์กลางของดนตรีบรรเลงแบบบาโรกคืออิตาลีซึ่งทำให้โลกมีนักประพันธ์เพลงอัจฉริยะที่ยอดเยี่ยมที่สุด (Girolamo Frescobaldi (1583-1643))โดเมนิโก สการ์ลัตติ (1685–1757),อันโตนิโอ วีวัลดี (1678-1741), อาร์คานเจโล คอเรลลี่ (1653 -1713). เพลงของนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเหล่านี้ไม่เคยหยุดหย่อนใจผู้ฟัง

พยายามตามอิตาลีและประเทศอื่นๆ ในยุโรปตะวันตก เช่น เยอรมนี ฝรั่งเศส อังกฤษ

ในเยอรมนี ตัวเลขที่สำคัญที่สุดคือ J.S. บาค ผู้ให้อวัยวะมีบทบาทสำคัญในงานของเขา มรดกอันยิ่งใหญ่ของ Bach มีผลกระทบทางศีลธรรม เขาก้าวไปไกลกว่ารูปแบบหนึ่ง ยุคหนึ่ง

ขุมทรัพย์แห่งวัฒนธรรมดนตรีโลกรวมถึงผลงานของ clavecin อัจฉริยะชาวฝรั่งเศส Jacques Chambonnière, Louis Coupren และ Francois Coupren

ในสาขาดนตรีบรรเลงภาษาอังกฤษ โรงเรียนกลาเวียร์กำลังก่อตัวขึ้น นักแต่งเพลงที่โดดเด่นที่สุดคือ Georg Friedrich Handel ประเภทของคอนแชร์โต้กรอสโซและคอนแชร์โต้โดยทั่วไป (สำหรับออร์แกน สำหรับวงออเคสตรา...) เป็นลักษณะเด่นที่สุดของภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ ฮันเดลอนุญาตให้มีการจัดองค์ประกอบฟรีของรอบคอนเสิร์ตไม่ปฏิบัติตามหลักการ "เร็ว - ช้า" คอนแชร์โตของเขา (รวมถึงงานออร์แกน) เป็นงานฆราวาสอย่างหมดจด โดยมีการรวมส่วนการเต้นเข้าไว้ด้วย

ต่อจากนั้น ดนตรีบรรเลงแบบบาโรกมีผลกระทบอย่างมากต่อดนตรีที่ตามมาทั้งหมด และลักษณะทั่วไปที่พบได้แม้ในดนตรีแจ๊ส

แม้กระทั่งตอนนี้ วงดนตรียุคแรกๆ ก็ยังถูกสร้างขึ้น

ออร์แกน

เครื่องดนตรีที่ซับซ้อนซึ่งประกอบด้วยกลไกการฉีดลม ชุดท่อไม้และโลหะขนาดต่างๆ และคอนโซลแสดงผลงาน (แท่นบรรยาย) ซึ่งมีปุ่มลงทะเบียน คีย์บอร์ด และแป้นเหยียบหลายตัว

ฮาร์ปซิคอร์ด

บริสุทธิ์

พิณ

พิณเป็นฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็กที่มีรูปทรงสี่เหลี่ยม สี่เหลี่ยม หรือห้าเหลี่ยม

Claviciterium

คลาวิซิเทอเรียมเป็นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวแนวตั้ง

Clavichord

สตริงสตริง

ไวโอลินพิสดาร

บทความหลัก: ไวโอลินพิสดาร

ดับเบิ้ลเบส

เครื่องดนตรีโค้งคำนับที่ใหญ่และลึกที่สุดในวงออเคสตรา เล่นยืนหรือนั่งบนเก้าอี้สูง

สายดึง

พิสดารพิสดาร

ในศตวรรษที่ 16 กีตาร์หกสายเป็นที่นิยมมากที่สุด (รู้จักเครื่องดนตรีห้าสายในศตวรรษที่ 15) ในช่วงเปลี่ยนผ่านสู่ศตวรรษที่ 17 (ปลายยุคบาโรก) จำนวนเครื่องสายถึงยี่สิบสี่ ส่วนใหญ่มักมีตั้งแต่ 11 ถึง 13 สาย (9-11 คู่และ 2 ซิงเกิ้ล) Build-chord ใน D minor (บางครั้งสำคัญ)

Theorbo

Theorbo เป็นเบสรุ่นลูท จำนวนสตริงมีตั้งแต่ 14 ถึง 19 (ส่วนใหญ่เป็นแบบเดี่ยว แต่มีเครื่องดนตรีที่มีคู่ด้วย)

Quitarrone

Kitarrone - เบสที่หลากหลายของสิ่งที่เรียกว่า กีตาร์อิตาลี (เครื่องดนตรีที่มีลำตัวเป็นวงรีซึ่งแตกต่างจากภาษาสเปน g.) จำนวนสตริงคือ 14 เดี่ยว Quitarrone ดูแทบไม่ต่างจาก theorbo แต่มีต้นกำเนิดที่แตกต่างจากมัน

archilute

มีขนาดเล็กกว่า theorbo ส่วนใหญ่มักจะมี 14 สาย หกสายแรกในการปรับจูนตามแบบฉบับของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - (ต่างจากพิณพิสดารซึ่งหกสายแรกให้คอร์ด D เล็กน้อย) ถูกสร้างขึ้นในควอร์ที่สะอาด ยกเว้นที่ 3 และ 4 ซึ่งสร้างขึ้นในสามใหญ่

Angelica

แมนโดร่า

Gallichon

Zither

archicitra

แมนโดลิน

กีต้าร์บาโรก

บทความหลัก: กีต้าร์บาโรก

กีตาร์บาโรกมักจะมีสายไส้ห้าคู่ (นักร้องประสานเสียง) กีตาร์บาโรกหรือห้าคณะแรกเป็นที่รู้จักตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ตอนนั้นเองที่มีการเพิ่มคณะนักร้องประสานเสียงที่ห้าลงในกีตาร์ (ก่อนหน้านั้น มีสายคู่มาสี่คู่) สไตล์ rasgeado ทำให้เครื่องมือนี้เป็นที่นิยมอย่างมาก

สตริงอื่น ๆ

กรุบกริบ

นักเลงที่กระฉับกระเฉงมีสายหกถึงแปดสาย ซึ่งส่วนใหญ่จะส่งเสียงพร้อมๆ กัน การสั่นสะเทือนอันเป็นผลมาจากการเสียดสีกับล้อที่หมุนด้วยมือขวา สตริงที่แยกจากกันหนึ่งหรือสองสาย ซึ่งส่วนที่ทำให้เกิดเสียงจะสั้นลงหรือยาวขึ้นโดยใช้ไม้เท้าด้วยมือซ้าย ทำซ้ำทำนอง และสายที่เหลือจะส่งเสียงฮัมที่ซ้ำซากจำเจ

ทองเหลือง

ฮอร์นฝรั่งเศส

เขาแบบบาโรกไม่มีกลไกและทำให้สามารถดึงเอาเฉพาะโทนสีธรรมชาติเท่านั้น สำหรับการเล่นในแต่ละคีย์จะใช้เครื่องดนตรีแยกกัน

แตร

เครื่องดนตรีปากเป่าทองเหลืองลม ไม่มีวาล์ว มีกระบอกทรงกรวย

ทรอมโบน

ทรอมโบนดูเหมือนท่อโลหะขนาดใหญ่รูปไข่ ปากเป่าถูกวางไว้ในส่วนบน ส่วนล่างของทรอมโบนสามารถขยับได้และเรียกว่าปีก การดึงกระดิ่งออกจะเป็นการลดเสียง การกดเข้าไปจะเป็นการเพิ่มเสียง

ลมไม้

ขลุ่ยขวาง

บล็อกขลุ่ย

ชลมอท

โอโบ

บาสซูน

quartbassoon

Quartbassoon - บาสซูนที่ขยายใหญ่ขึ้น ในการเขียน ส่วนของควอเตอร์แบสซูนนั้นเขียนในลักษณะเดียวกับบาสซูน แต่มันฟังดูสมบูรณ์แบบที่สี่ด้านล่างโน้ตที่เขียน

contrabassoon

contrabassoon เป็นรุ่นเบสของบาสซูน

กลอง

ทิมปานีเป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงที่แน่นอน ระยะพิทช์ปรับโดยใช้สกรูหรือกลไกพิเศษ โดยส่วนใหญ่จะอยู่ในรูปของแป้นเหยียบ

ออร์แกน

ฮาร์ปซิคอร์ด

บริสุทธิ์

พิณ

Claviciterium

คลาวิซิเทอเรียมเป็นฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวแนวตั้ง

Clavichord

สตริงสตริง

ไวโอลินพิสดาร

ดับเบิ้ลเบส

สายดึง

พิสดารพิสดาร

Theorbo

Quitarrone

archilute

Angelica

แมนโดร่า

Gallichon

Zither

archicitra

แมนโดลิน

กีต้าร์บาโรก

บทความหลัก: กีต้าร์บาโรก

สตริงอื่น ๆ

กรุบกริบ

เครื่องดนตรีประเภทพิณ ทฤษฎีออร์โบ และอาร์คลูท หรือ ไคตาโรน* ประกอบกับฮาร์ปซิคอร์ด สปิเน็ท และออร์แกน ซึ่งเป็นพื้นฐานของออร์เคสตราดั้งเดิมที่ใช้ประกอบเสียงร้องของโอเปร่าและออราโทริโอชุดแรก ตั้งแต่ 1600 เป็นต้นไป ในเวลานี้และสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้มีการประดิษฐ์ส่วนเบสดิจิตอลหรือเบสคอนติเนนโต และถึงแม้จะไม่มี "ส่วน" ของเครื่องดนตรีพิเศษในโน้ต แต่ก็ยังค่อนข้างชัดเจนว่าเครื่องสายและคีย์บอร์ดเหล่านี้เล่นด้วยกันหรือในทางกลับกัน ให้พื้นฐานฮาร์โมนิกคงที่สำหรับดนตรีออเคสตรา แม้กระทั่งหลังจากที่วงเครื่องสายเป็นไปด้วยดี จัดระเบียบเพียงพอที่จะบรรลุบทบาทหลักนี้ด้วยตัวของมันเอง เกือบตลอดศตวรรษที่ 17 บทสวดและเสียงร้องโซโลไม่ได้มาพร้อมกับการเขียนคลอ แต่มีเพียงสายเบสเท่านั้น ซึ่งผู้เล่นบนสายที่ดึงออกมาแล้วจะกลมกลืนกับคอร์ดตามตัวเลข ระบบนี้ตายอย่างช้าๆ และดังที่ทราบกันดีว่ารอดมาได้แม้ในช่วงของไฮเดนและโมสาร์ทร่วมกับการบรรเลงเพลงฆราวาส ลัทธิและนาฏศิลป์ แม้ว่าในเวลานี้ ลูทจะเลิกใช้แล้ว แต่เปลี่ยนหน้าที่การงานไปโดยสิ้นเชิง เครื่องมือคีย์บอร์ด

* (เครื่องดนตรีเบสประเภทลูท - เอ็ม ไอ.-บี.)

มันคือแก่นของเครื่องดนตรีประเภทสายที่ดึงออกโดยกลุ่มเครื่องสายแบบโค้งคำนับที่มีลมไม้คู่หนึ่งมารวมกัน และเพิ่มจำนวนและความแข็งแกร่งของเสียงจนกระทั่งแกนกลางของตัวมันเองกลายเป็นส่วนซ้ำซ้อนในที่สุดและไม่ถูกละทิ้งเป็นอวัยวะที่ไม่จำเป็น

ความสนใจหลักในเครื่องดนตรีออร์เคสตราของศตวรรษที่ 17 ยังคงกระจุกตัวอยู่รอบๆ กลุ่มเครื่องสายประเภทไวโอลินและไวโอลิน ซึ่งรวมกันเป็นวงออร์เคสตราเครื่องสายชุดแรก และเมื่อสิ้นศตวรรษนี้ก็กลายเป็นกลุ่มไวโอลิน ซึ่งประกอบด้วยสี่ส่วน: ส่วนแรกและ ไวโอลินตัวที่สอง ไวโอลินเทเนอร์ * และเบส - เครื่องสายออร์เคสตรา "สี่" ที่ใช้โดย Scarlatti, Purcell, Bach, Handel และผู้สืบทอด

* (อัลทอฟ - เอ็น.เค.)

วิโอลา - เครื่องสายที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 16 - ทำในสามประเภทหลัก: โซปราโนหรือเสียงแหลม, เทเนอร์หรือวิโอลาดาบราซิโอ (ไวโอลินมือ) และเบสหรือวิโอลาดากัมบา (ฟุตวิโอลา) ขนาดใกล้เคียงกันโดยประมาณ ไปจนถึงไวโอลินธรรมดา เทเนอร์ หรือวิโอลา และเชลโลอย่างที่เรารู้จักในตอนนี้ วาไรตี้ที่สี่ คือ ดับเบิลเบสขนาด 16 ฟุต ซึ่งครั้งหนึ่งรู้จักกันในอิตาลีภายใต้ชื่อไวโอโลน ไม่ได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างสมบูรณ์จากไวโอลินเป็นไวโอลิน และยังคงคุณลักษณะที่สำคัญบางประการของประเภทวิโอลามาจนถึงสมัยของเรา ไวโอลินประเภทอื่นๆ ปรากฏขึ้นเป็นครั้งคราว โดยมีขนาด การจูน จำนวนสาย หรือรูปร่างต่างกัน แต่ไม่เคยกลายเป็นสมาชิกถาวรของวงออร์เคสตราเครื่องสายมาตรฐาน ในหมู่พวกเขา วิโอลาบางตัว นอกเหนือจากเอ็นร้อยหวายซึ่งเล่นด้วยคันธนู ยังมีชุดของสายโลหะที่ยืดอยู่ใต้สะพานและฟิงเกอร์บอร์ด ใกล้กับซาวด์บอร์ดและให้เสียงพร้อมเพรียงกับเอ็นร้อยหวายอันเนื่องมาจากเสียงสะท้อน . Viola d "amore เป็นเทเนอร์และ viola bastarda เป็นพันธุ์เบสและยังใช้ภายใต้ชื่อ barytone และ viola bordone Lira grande และ lira doppia เป็นไวโอลินเบสแบบหลายสายที่ใช้ร่วมกับ lutes และคีย์บอร์ด สำหรับการแสดงบาสโซคอนติเนนโตในโอเปร่าและออราทอริโอยุคแรก

ความแตกต่างที่สำคัญที่สำคัญระหว่างประเภทของวิโอลาและไวโอลินมีดังนี้: วิโอลามีซาวด์บอร์ดด้านล่างที่แบนราบ ในขณะที่ไวโอลินนั้นมีลักษณะโค้งมน ลอยขึ้นไปทางเส้นกลาง และกลายเป็นช่องที่ขอบโดยที่ด้านหลัง เชื่อมต่อกับซี่โครง วิโอลามีซี่โครงที่โดดเด่นกว่าและขอบลาดเอียงและมีมุมที่โดดเด่นน้อยกว่า วิโอลามีสายห้า หก และมากกว่านั้น ปรับแต่งตามระบบพิณในสี่และสาม แต่เมื่อไวโอลินมาถึงที่เกิดเหตุเพื่อแข่งขันกับพวกเขาอย่างได้เปรียบ การปรับจูนที่ได้มาตรฐานมากหรือน้อยคือหก สตริงในสี่ถูกสร้างขึ้น แต่มีหนึ่งในสามระหว่างสองสายกลาง

ด้ามไวโอลินมีความหลากหลายอย่างไม่สิ้นสุด แต่รูปแบบต่อมาจะอยู่ในรูปของตัวอักษร C ซึ่งแตกต่างจากไวโอลิน ffs * ซึ่งมีรูปร่างเป็น f และความแตกต่างอื่นๆ ยังคงอยู่ในความสัมพันธ์ภายในและความหงุดหงิดของไวโอลิน fretboard ซึ่งเป็นเรื่องธรรมดาสำหรับลูนส์ กีตาร์ และเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้อง ; เกี่ยวกับวิโอลาที่พวกเขาพบบ่อย แต่ไม่ต่อเนื่อง ความแตกต่างของโครงสร้างเครื่องดนตรีนี้สะท้อนให้เห็นในเสียง ซึ่งถูกอธิบายว่าเป็นแบบด้าน จมูก แต่รุนแรงกับไวโอลิน และฟูลเลอร์ กลมกว่า และแวววาวกว่าไวโอลิน Charles II ชอบไวโอลินออร์เคสตราเพราะไวโอลิน "ร่าเริงและเร็วกว่าไวโอลิน" และ Thomas Mayes นักเล่นลูเทนที่มีชื่อเสียงชาวอังกฤษชี้ให้เห็นในปี 1676 ** "การล่วงล้ำ" ของไวโอลินและแนะนำว่าหากมีการเพิ่ม ครอบครัวไวโอลิน (" มเหสี" - ทั้งมวล - N.K. ) ยังเพิ่มอีกสอง theorbos เพื่อให้ไวโอลิน "ไม่สามารถได้ยินส่วนที่เหลือของเพลง"

* (ชื่อของช่องเหล่านี้ในชั้นบน - "efy" ("ef") เกิดขึ้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าบนไวโอลินจะดูเหมือนตัวอักษร f - เอ็น.เค.)

** (อนุสาวรีย์ดนตรี ป.246.)

แม้ว่าจะเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างโดยใครและเมื่อไวโอลินตัวแรกถูกสร้างขึ้น * และถึงแม้ว่าคำว่า "ไวโอลิน" ในความหมายที่แตกต่างจาก "วิโอลา" จะเกิดขึ้นเร็วกว่ากลางศตวรรษที่ 16 เฉพาะครึ่งหลังของ ศตวรรษนี้นับเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงเวลาที่ไวโอลินค่อยๆ เข้ามาแทนที่ไวโอลินจากวงออเคสตรา และกระบวนการนี้ดำเนินมาเป็นเวลากว่าศตวรรษ ก่อนปี ค.ศ. 1600 เพียงเล็กน้อย อาจารย์ที่มีชื่อเสียงของโรงเรียน Brescia และ Cremonese Gaspar da Salo และ Andrea Amati ได้สร้างไวโอลิน วิโอลา และเชลโลของจริง รวมถึงดับเบิลเบส (สำเนาของเครื่องดนตรีเหล่านี้ยังคงมีอยู่) สร้างรูปร่างของเครื่องดนตรีเหล่านี้ เกือบตลอดไป ดังนั้นก่อนที่ Peri, Cavalieri และ Monteverdi จะทำการทดลองครั้งแรกในการประสานกันเครื่องมือสำหรับวงออเคสตราเครื่องสายที่สมบูรณ์และเท่าเทียมกันนั้นมีอยู่แล้ว แต่จำเป็นต้องรอประมาณร้อยปีเพื่อให้การปรากฏตัวของวงดนตรีที่แท้จริงและการจัดการที่มีทักษะ มัน.

* (นักประวัติศาสตร์บางคนอ้างว่า Gaspar Duiffopruggar หรือ Tieffenbrücker ในภาษาเยอรมัน เป็นคนแรกที่ทำไวโอลินในเมืองโบโลญญาในปี ค.ศ. 1511)

ประมาณปี ค.ศ. 1550 ถึง 1750 เป็นยุคทองของช่างฝีมือไวโอลินและกิจกรรมของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่หลายคน ได้แก่ Gaspar da Salo, Amati, Stradivari, Guarneri และอีกหลายคนที่ทำไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส ยังคงไม่มีใครเทียบได้ ในคุณภาพที่รายล้อมงานฝีมือของพวกเขาด้วยบรรยากาศของความโรแมนติก ความลึกลับ และเกือบจะศักดิ์สิทธิ์ที่ยังคงทำให้ผู้คนเชื่อในสิ่งที่เรียกว่า "ความลับที่หายไป"

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เทคนิคที่ก้าวหน้าขึ้นทำให้ผู้เล่นต้องยืดคอไวโอลินรุ่นเก่าให้ยาวขึ้นเล็กน้อย และต้องตั้งคอให้สูงขึ้น กล่าวอีกนัยหนึ่ง เครื่องดนตรีได้รับการปรับปรุงให้สมบูรณ์แบบก่อนที่การเล่นของพวกเขาจะโตเกินประเภทของชิ้นส่วนที่ร้องได้เกือบพอๆ กัน และไม่มีร่องรอยของสไตล์ไวโอลินที่แท้จริงโดยอาศัยการปรับสายสี่สายในส่วนที่ห้าที่สมบูรณ์แบบและสะพานโค้ง ดับเบิลเบสแม้ว่าจะมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในการปรับจูนและจำนวนสตริงที่ผันผวนเล็กน้อย * แต่โดยทั่วไปยังคงปรับจูนเป็นสี่เท่าเช่นวิโอลและได้เปรียบในทางปฏิบัติเนื่องจากการใช้สกรูที่ปรับปรุงแล้ว กลไกของหมุดปรับ ** .

* (ในศตวรรษที่ 17 ดับเบิลเบสมีห้าหรือหกสาย Praetorius กล่าวถึงทั้งสองประเภท แต่ถูกนำมาใช้ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 (ควอนซ์, 1752).)

** (การประดิษฐ์หมุดปรับสกรูโลหะมีสาเหตุมาจาก Carl Ludwig Bachmann ในกรุงเบอร์ลินในปี 1778 (Gerber, Lexicon, 1790))

เครื่องมือที่กล่าวถึงได้รับการปรับปรุงในเวลาอันสั้น แต่คันธนูของศตวรรษที่ 16 ยังคงค่อนข้างเก่าและเงอะงะ สั้น หนัก และไม่ยืดหยุ่น โดยไม่มีกลไกพิเศษในการควบคุมความตึงของเส้นผม คันธนูจะค่อยๆ ผ่านขั้นตอนของการพัฒนาจากรูปแบบที่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงที่มาของเส้นผมจนถึงสถานะปัจจุบัน เมื่อถึงเวลาของ Tourtes ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ ปลายศตวรรษที่ 18

ไม่ควรนึกภาพว่าการผลิตกลุ่มไวโอลินที่เกือบจะสมบูรณ์แบบก่อนสิ้นศตวรรษที่ 16 ยังหมายถึงการใช้เครื่องดนตรีเหล่านี้ในทันทีเพื่อวัตถุประสงค์ในวงออร์เคสตราแทนที่จะเป็นวิโอลา นักประพันธ์เพลงในสมัยนั้นยังไม่ตระหนักว่าเสียงของเครื่องสายอาจเป็นพื้นฐานของความไพเราะของวงดนตรี ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 คะแนนไม่ค่อยระบุเครื่องดนตรีที่พวกเขาเขียน และถึงแม้ไม่ต้องสงสัยเลยว่าส่วนต่างๆ ของวงออเคสตราในโอเปร่าและออราทอริโอยุคแรกๆ นั้นมีไว้สำหรับเครื่องดนตรีโค้งคำนับ แต่ชื่อของพวกเขาไม่ได้ระบุไว้ในตอนต้นของแต่ละส่วน เช่นเดียวกับที่ทำในคะแนนของศตวรรษที่ 18 และ 19 เริ่มต้นในปี ค.ศ. 1600 แนวเบสโซคอนติเนนโตเพียงอย่างเดียวเป็นผืนผ้าใบที่น่าสังเวช และชิ้นส่วนเครื่องดนตรีเหล่านั้นที่ผู้แต่งเห็นว่าจำเป็นต้องเขียนลงในโน้ตที่พัฒนาขึ้น ในโอกาสที่หายาก เครื่องดนตรีต่างๆ ถูกระบุไว้ในหน้าชื่อที่ยาวซึ่งทำหน้าที่เป็นคำนำของคะแนนดั้งเดิมเหล่านี้ แต่ชิ้นส่วนเครื่องดนตรีของซินโฟนีและริโตเนลลิสที่บรรจงประสานกันสองสามชิ้นนั้นไม่มีข้อบ่งชี้ว่าเครื่องดนตรีส่วนนี้จะเล่นบนเครื่องดนตรีใด สิ่งนี้อาจเป็นที่น่าพอใจในระดับหนึ่งภายใต้เงื่อนไขที่มีอยู่ในขณะนั้น แต่ก็ไม่ชัดเจนและไม่แน่นอนสำหรับนักประวัติศาสตร์ในอีกสามศตวรรษต่อมา เมื่อทั้งประเพณีและขนบธรรมเนียมต่างหายไปอย่างสิ้นหวัง และวิธีการสำหรับการฟื้นฟูของพวกเขากลายเป็นเรื่องยากและสลับซับซ้อน จากข้อบ่งชี้บางประการที่มีอยู่ สนับสนุนโดยคำพูดเป็นครั้งคราวในคำนำ และโดยธรรมชาติของชิ้นส่วนเอง เป็นที่ชัดเจนว่าไวโอลินโซปราโนได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเหนือกว่าวิโอลาเสียงแหลมในการเล่นบนเครื่องสายสูงสุดสองตัว ส่วนไม่นานหลังจากที่เครื่องมือใหม่เหล่านี้ปรากฏขึ้น ในฝรั่งเศส ไวโอลินโซปราโนได้รับการยอมรับอย่างง่ายดาย ซึ่งน่าจะเป็นพื้นฐานสำหรับชื่อ duoi violini piccoli alia Francese * ในบทเพลงโอเปร่า Orfeo อันโด่งดังของ Monteverdi (1607)

* (ไวโอลินฝรั่งเศสขนาดเล็กสองตัว - M.I.-B.)

เป็นการยากที่จะกำหนดว่าไวโอลินอายุเข้ามาแทนที่อายุหรือการละเมิดที่ "น่ารังเกียจ" ในวงออเคสตราในช่วงใด และเป็นเรื่องที่เข้าใจยากว่าองค์ประกอบของวงออเคสตรามีความสม่ำเสมอกันอย่างมากในช่วงเวลาที่นักประพันธ์เพลงได้เรียบเรียงการเรียบเรียงของพวกเขาในหลากหลายวิธีสำหรับการแสดงในโบสถ์และโรงละครต่างๆ สองท่อนบนสุดของกลุ่มเครื่องสายบางครั้งใช้ชื่อไวโอลินในคะแนนที่ต่างกัน แต่ส่วนเทนเนอร์ถึงแม้จะเขียนเกือบสม่ำเสมอในคีย์ของ C แต่ก็ไม่ค่อยมีป้ายกำกับ แม้แต่การกำหนดชื่อที่แท้จริงด้วยคำว่า "วิโอลา" ก็ไม่ได้ทำให้เห็นความแตกต่างระหว่างประเภทของวิโอลาและไวโอลิน เนื่องจาก "วิโอลา" ในภาษาอิตาลีเป็นแนวคิดทั่วไปที่ครอบคลุมทั้งตระกูลวิโอลาทุกขนาด

ส่วนของเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายเบสในโน้ตนั้นยังไม่แน่ชัดจนถึงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 ส่วนเบสที่มีหมายเลขทั่วไปหนึ่งส่วน (ในอิตาลี basso คอนติเนนโต ในภาษาฝรั่งเศส - เบสต่อเนื่อง ในภาษาเยอรมัน - Generalbass) ทำหน้าที่เป็นส่วนฮาร์มอนิกล่างที่เล่นบนคีย์บอร์ด ลูท ไวโอลินเบส หรือไวโอลินระดับต่ำ คำว่า violone ปรากฏในไม่กี่คะแนน แต่ไวโอลินขนาดใหญ่ - เชลโลและดับเบิลเบส - ไม่ได้กล่าวถึงจนถึงเวลาของ Scarlatti และ Purcell เมื่อมีการระบุเชลโลบ่อยครั้ง คำว่า "เทเนอร์ไวโอลิน" (เทเนอร์ไวโอลิน) ก็ปรากฏอยู่ในเพลงของเพอร์เซลล์เช่นกัน และแน่นอนว่าวงออร์เคสตราเครื่องสายในเวลานั้นประกอบด้วยเครื่องดนตรีประเภทไวโอลินเท่านั้น โซปราโน ไวโอลินเทเนอร์ และเชลโลที่ทำขึ้นก่อนปี ค.ศ. 1600 นั้นไม่ได้พิสูจน์อะไร เนื่องจากไวโอลินเทเนอร์และเบสยังคงทำต่อไปเป็นเวลานานหลังจากนั้น และเบสวิโอลา (วิโอลา ดา กัมบา) ยังคงเป็นเครื่องดนตรีโปรด เล่นทั้งท่วงทำนองและ แนวเสียงเบสในเสียงร้องและบรรเลงแม้หลังจากฮันเดลและบาค สิ่งที่สามารถระบุได้อย่างชัดเจนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทนี้ที่ใช้ในออร์เคสตราเครื่องสายของศตวรรษที่ 17 คือไวโอลินโซปราโนเกือบจะมีชัยเหนือวิโอลาเสียงแหลมที่อ่อนแอในทันที และวิโอลาเบสเป็นคนสุดท้ายที่จะหลีกทางให้เชลโล

เป็นที่แน่ชัดแล้วว่าคำว่า ไวโอลิน ไวโอลิน หรือ ไวโอลิน ถูกใช้เพื่อกำหนดวงออร์เคสตราเครื่องสายโดยทั่วไปเป็นกลุ่ม ไม่ใช่องค์ประกอบที่แท้จริงของเครื่องดนตรี พวกเขากล่าวว่าไวโอลิน vingt-quatre ที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศสและ "ไวโอลิน" ยี่สิบสี่ตัว (ไวโอลินยี่สิบสี่ตัว) ของ Charles II เป็นตัวแทนของวงดนตรีออเคสตราเต็มรูปแบบ และหากคะแนนร่วมสมัยกับพวกเขาเป็นหลักฐานที่เชื่อถือได้ วงออเคสตราของฝรั่งเศสก็คือ แบ่งออกเป็นห้าฝ่ายและภาษาอังกฤษ " ไวโอลิน" โดยสี่ งานเขียนของ Locke และ Purcell บางชิ้นพิสูจน์อย่างปฏิเสธไม่ได้ว่าคำว่า "ไวโอลิน" ที่ใช้ในบทเพลงเหล่านี้ครอบคลุมทั้งเครื่องสายทั้งตระกูล

ลมไม้ที่ถูกลิขิตให้ยังคงเป็นเครื่องดนตรีถาวรของวงออเคสตรา ขลุ่ย โอโบ และบาสซูนเป็นเรื่องธรรมดามากในศตวรรษที่ 17 จากนั้นจึงใช้ขลุ่ยสองประเภท: แบบตรง มีปลาย (flûte-à-bec, flûte douce, flauto dolce, Blockflöte, Schnabelflöte) ซึ่งเป่าจนสุดปลาย เช่น หีบเพลงปากหรือเครื่องบันทึกเสียงภาษาอังกฤษ และ ขลุ่ยขวาง (flûte traversière, flauto traverso, Querflöte) ซึ่งในศตวรรษต่อมาได้แทนที่เครื่องดนตรีก่อนหน้าในวงออเคสตราอย่างสมบูรณ์ ความแตกต่างในบางคะแนนคือ traverso, flûte allemande ในภาษาอังกฤษว่า "German flute"

ขลุ่ยตรงที่มีรูเจ็ดนิ้วและมีรูพิเศษสำหรับนิ้วหัวแม่มือที่ด้านล่างมักจะทำในสามขนาด * . โดยทั่วไปจะใช้เฟรตสูงและกลาง โดยมีระดับเสียงประมาณสองอ็อกเทฟและเล่นชิ้นส่วนที่มีช่วงจำกัด ซึ่งสอดคล้องกับอ็อกเทฟล่างประมาณสองอ็อกเทฟของขลุ่ยสมัยใหม่ ตามภาพประกอบและคำอธิบายใน Musica Getutscht ของ Firdung (1511) และเครื่องดนตรี Musica ของ Agricola (1529) เครื่องดนตรีขนาดกลางมีความยาวประมาณของขลุ่ยสมัยใหม่ เห็นได้ชัดว่า โทนเสียงหลักของมันคือ 2 ฟุต C ของอ็อกเทฟแรก ขลุ่ยเสียงแหลมสร้างขึ้นหนึ่งในสี่ที่สูงขึ้น (ใน F) และความหลากหลายที่ต่ำกว่าคืออ็อกเทฟที่ต่ำกว่าเสียงแหลม **

* (Praetorius กล่าวถึงขนาดอย่างน้อยแปดflûte-à-bec (พร้อมปลาย))

** (ดังนั้น ความยาวโดยประมาณของเครื่องดนตรีเหล่านี้คือ 18 นิ้ว สองฟุต และสามฟุต)

ปริมาณที่ระบุโดยผู้เขียนทั้งสองคือประมาณสองอ็อกเทฟ นักแต่งเพลงชาวฮัมบูร์ก J. Matttheson ในราวปี 1713 * กล่าวถึงการเลือกที่คล้ายกันของสาม flûtes douces: ขลุ่ยเสียงแหลมใน F, อัลโตใน C และเบสใน F ต่ำ; ทั้งหมดมีช่วงของสองอ็อกเทฟขึ้นจากรูท **

* (Das Neueröffnete ออเชสเตอร์)

** (การเลือกที่คล้ายกันของสามขลุ่ยใน F, C และ F ได้อธิบายไว้ในหนังสือหลายเล่มของศตวรรษที่ 18)

โอโบซึ่งเป็นท่อแบบดั้งเดิมที่ได้รับการปรับปรุงนั้นถูกสร้างขึ้นมาเหมือนกับขลุ่ยซึ่งมีขนาดไม่น้อยกว่าสามขนาด ซึ่งเครื่องดนตรีสองฟุตถือเป็นประเภทหลัก โอโบเป็นแกนหลักของวงออเคสตราแห่งศตวรรษที่ 17 และดำรงตำแหน่งคลาริเน็ตในวงดนตรีทองเหลืองจนถึงทุกวันนี้ จนกระทั่งถูกแทนที่โดยส่วนใหญ่ในศตวรรษหน้า เห็นได้ชัดว่ามีการใช้โอโบเป็นจำนวนมาก อาจมีมากกว่าหนึ่งชิ้นสำหรับแต่ละส่วน พวกเขาเล่นด้วยลิ้นที่ยาวและหยาบ โซปราโนโอโบและขลุ่ยกลางยาวประมาณสองฟุต โดยมีค่า C พื้นฐานของอ็อกเทฟแรก และทั้งหมดมีหกรูสำหรับสามนิ้วของแต่ละมือ และอีกเจ็ดที่ด้านล่างของเครื่องดนตรีสำหรับนิ้วก้อย หรือแม้แต่ขนาดใหญ่ในสมัยของ Firdung เครื่องมือเหล่านี้มาพร้อมกับวาล์วซึ่งถูกปิดไว้ด้านบนด้วยอุปกรณ์ป้องกันที่มีรู เฟืองวาล์วรูปแบบแรกพร้อมกล่องป้องกันที่ไม่สะดวกสามารถเห็นได้ในผลงานของ Fierdung, Praetorius* และ Mersenne** ในจำนวนนี้ มีการนำภาพประกอบจำนวนมากของเครื่องดนตรีประเภทลมชุดแรกมาใช้ในผลงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีในภายหลัง

* (เพรโทเรียส, ซินตักมา มิวสิคคุม, ค.ศ. 1615-1620.)

** (เมอร์เซน, ฮาร์โมนี ยูนิเวิร์สเซล, 1636.)

เจาะรูพิ้งกี้คู่เป็นขลุ่ยและโอโบในยุคแรกเพื่อให้ผู้เล่นสามารถใช้มือทั้งสองข้างเล่นด้านล่างของเครื่องดนตรีได้ รูที่ไม่จำเป็นถูกเคลือบด้วยขี้ผึ้ง เมื่อติดตั้งวาล์วเพื่อปิดช่องเปิดต่ำสุด วาล์วนั้นยังมีแผ่นปิดสองแผ่น โดยหมุนแผ่นหนึ่งไปทางขวาและอีกแผ่นหนึ่งไปทางซ้าย เสียงพื้นฐานจะดังขึ้นเมื่อปิดรูทั้งหมด ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับความยาวของท่อ ด้วยการเปิดรูทีละน้อย คอลัมน์เสียงในเครื่องดนตรีก็สั้นลงและให้เสียงอ็อกเทฟแรก ความกดอากาศที่เพิ่มขึ้นและนิ้ว "ส้อม" ทำให้เกิดเสียงอ็อกเทฟถัดไป (บน) และโน้ตสีสองสามตัวที่ขยายช่วงเสียงของเครื่องดนตรี จนกระทั่งการเพิ่มรูวาล์วระหว่างรูนิ้วทำให้ขลุ่ยและโอโบดั้งเดิมเหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีสีในช่วงปลายที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ขลุ่ยขวางกับ dis valve และ oboe พร้อมวาล์วสำหรับ C และ Es * ล่างเป็นที่รู้จักกันก่อนสิ้นศตวรรษที่ 17 และยังคงเป็นแบบมาตรฐานจนถึงปลายศตวรรษที่ 18

* (วาล์ว C ยังคงเปิดอยู่ วาล์ว Es ปิดอยู่)

บาสซูนพบกันในเพลงของศตวรรษที่ 17 บ่อยกว่าในช่วงครึ่งหลัง บาสซูนทรัมเป็ตพับครึ่งทำหน้าที่เป็นความแตกต่างที่สำคัญที่สุดระหว่างบาสซูนที่เหมาะสมกับความหลากหลายของโอโบเบสแบบเก่า ปอมเมอร์หรือบอมบาร์ด และระหว่างบาสซูนอายุกับโอโบอายุ

จากบาสซูนหลายประเภทที่ทำขึ้น เครื่องดนตรีเบสทั่วไปซึ่งมีความยาวรวมของแตรประมาณแปดฟุตและพิสัยสองอ็อกเทฟครึ่งอ็อกเทฟ ดูเหมือนจะเป็นเครื่องดนตรีที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการเล่นเบสควบคู่ไปด้วย กับเครื่องสายในโอเปร่าและกับเบสทรอมโบนในเพลงคริสตจักรสมัยศตวรรษที่สิบเจ็ด ศตวรรษ บาสซูนแห่งศตวรรษที่ 17 ตาม Pretorius มีสองวาล์วปิดรู F และ D ของโน้ตที่ต่ำที่สุด และระดับเสียงของมันลงไปถึงเสียง C (แปดฟุต) ในช่วงปลายศตวรรษนี้ วาล์ว B ล่างเป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้ว ซึ่งจนถึงขณะนี้ได้กำหนดปริมาตรของเครื่องมือไว้ที่ด้านล่างแล้ว

Gabrieli (1557-1612) และ Schutz (1585-1672) อาจเป็นนักแต่งเพลงกลุ่มแรกที่รอดชีวิตจากปี่

เครื่องมือนี้เริ่มปรากฏในคะแนนไม่ช้ากว่ากลางศตวรรษ

Cornetti หรือ Zinken ของเยอรมันถูกจับคู่อย่างต่อเนื่องในฐานะเครื่องดนตรีโซปราโนกับทรอมโบนในดนตรีคริสตจักรสมัยศตวรรษที่ 18 และไม่มีอะไรที่เหมือนกับคอร์เน็ตในสมัยศตวรรษที่ 19 ยกเว้นชื่อและกระบอกเสียงทรงชามโดยใช้เสาอากาศ ถูกตั้งค่าให้สั่นสะเทือนแบบเดียวกับเครื่องมือทองเหลือง มีเพียงบางครั้งเท่านั้นที่คอร์เนตติพบในเพลงโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 และถูกนำมาใช้ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ในเพลงคริสตจักรในบทบาทดั้งเดิมและดั้งเดิม

เครื่องมือที่ล้าสมัยเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นชั้นเรียนของตนเอง Cornetti มีหลอดรูปกรวยอย่างเคร่งครัด แต่ไม่มีกระดิ่ง ทำจากไม้หรืองาช้างและมีรูสำหรับนิ้วโป้งที่ด้านล่างและหกรูที่ด้านบนซึ่งไม่ได้ปิดด้วยปีกนกเพื่อย่นคอลัมน์ของอากาศ เช่นเดียวกับขลุ่ย โอโบ และบาสซูน ปากเป่า (เช่นเดียวกับวิธีการเป่า) ยังคงคล้ายกับกระบอกเสียงของเครื่องทองเหลืองที่ cornetti อยู่ในกลุ่มเดียวกัน มีการใช้เครื่องดนตรีสองประเภท: บางชนิดโค้งเล็กน้อย บางชนิดเป็นแบบตรง เห็นได้ชัดว่าเสียงหลังมีเสียงที่นุ่มนวลกว่าและถูกเรียกว่า cornetti muti หรือ stille Zinken ในภาษาเยอรมัน

ทั้งปากเป่าและเครื่องดนตรีทั้งหมดทำจากวัสดุชิ้นเดียว รู้จัก cornetti อย่างน้อยสามขนาด ในจำนวนนี้ เสียงกลางดูเหมือนจะเป็นที่โปรดปราน ยาวประมาณ 2 ฟุต โดยมีช่วงที่ใกล้เคียงกับเสียงโซปราโน อันที่เล็กกว่าซึ่งตัดสินโดยคอร์เนตติของมอนเตเวร์ดีนั้น ไปถึงระดับบนของอ็อกเทฟที่สามและเห็นได้ชัดว่าเป็นเครื่องมือที่ต้องใช้ความคล่องแคล่วอย่างมากในการแสดง ชิ้นส่วนสำหรับคอร์เนตติยังคงเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และแม้กระทั่งในโอเปร่าช่วงปลายเช่น Gluck's Orfeo (เวียนนา, 1762) หลังจากนั้นเครื่องดนตรีก็หายไปจากวงออเคสตราอย่างสมบูรณ์ คอร์เน็ตตีตัวล่างเป็นงูที่บิดเบี้ยวอย่างประหลาด* ซึ่งอยู่ในวงออเคสตราค่อนข้างนาน ระบบซึ่งแกนส่งเสียงของอากาศในท่อถูกทำให้สั้นลงโดยใช้รู ถูกนำไปใช้กับฮอร์นเบสและออฟิเคิลไซด์ ซึ่งร่วมกับฮอร์นวาล์ว เป็นเครื่องมือลมตัวสุดท้ายที่มีชาม- ปากเป่ารูปทรงและมีรูสำหรับนิ้วที่ด้านข้างของท่อ

* (ตามคำกล่าวของกอนเตอร์สเฮาเซน งูถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยเอดม์ กิโยมแห่งโอแซร์ในฝรั่งเศสราวปี ค.ศ. 1590 (Neu Eröffnetes Musikalischer Tonwerkzeuge, 1855))

ทรอมโบน เช่น คอร์เนตติ มักพบในเพลงโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 แต่มักใช้กันอย่างแพร่หลายในวงออเคสตราของโบสถ์ ชิ้นส่วนทรอมโบนจากปลายศตวรรษที่ 16 ถูกพบในผลงานของ Giovanni Gabrieli นักออร์แกนของ Cathedral of St. ทำเครื่องหมายในเวนิสและในโอเปร่าของ Monteverdi และ Honor Legrenzi Orchestra ในเซนต์. มาร์ค (1685) มีสามทรอมโบน ทรอมโบนเป็นเครื่องดนตรีประเภทวงออร์เคสตราเพียงเครื่องเดียวที่มีความสมบูรณ์แบบทางกลไก แม้กระทั่งก่อนที่วงดนตรีจะบรรจบกัน ตาม Pretorius มีการใช้สี่ประเภท: alto แน่นอนใน F อายุใน B ควอร์ใน F (อ็อกเทฟที่ต่ำกว่าอัลโต) และ "อ็อกเทฟ" ใน B หนึ่งในห้าต่ำกว่าควอร์ต *

* (Galpin, The sacbut, วิวัฒนาการและประวัติศาสตร์ หน้า 17. สารสกัดจากการดำเนินการของสมาคมดนตรี พ.ศ. 2449-2450.)

Mersenne อธิบายตำแหน่งของปีกทั้งเจ็ด ต้องขอบคุณเครื่องมือนี้ที่มีสเกลสีเต็มช่วงทั้งหมด ยกเว้นส่วนต่ำสุดของมัน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 โซปราโนทรอมโบนใน B (อ็อกเทฟเหนืออายุ) ปรากฏขึ้นและในไม่ช้าก็เริ่มปรากฏบางครั้งในคะแนนภายใต้ชื่อต่างๆ Tromba da tirarsi * Bach ไม่มีอะไรมากไปกว่าโซปราโนทรอมโบน เครื่องดนตรีนี้ไม่ควรสับสนกับแตรอังกฤษในคริสต์ศตวรรษที่ 19 กับสไลเดอร์ซึ่งมีสไลด์เล็ก ๆ ที่ยื่นเข้าหาผู้เล่นนานพอที่จะลดโน้ตที่เปิดลงโดยครึ่งเสียงหรือขั้นตอนในขณะที่สไลด์ของโซปราโนทรอมโบนถูกดึงไปข้างหน้า ในทิศทางตรงกันข้ามเพื่อลดเสียงเปิดจากครึ่งเสียงเป็นเสียงที่ลดลงในห้า แม้ว่าทรอมโบนโซปราโนจะมีชื่อเสียงในฐานะนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 17 ทรอมโบนก็เข้ามาแทนที่คอร์เน็ตติในฐานะเครื่องดนตรีที่สูงที่สุดของครอบครัว แม้แต่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีที่ล้าสมัยเหล่านี้มักจะประกอบเข้ากับดนตรีของโบสถ์พร้อมกับทรอมโบนสามตัว ดูเหมือนแปลกที่นักประพันธ์เพลงละเลยการใช้ทรอมโบนบ่อยขึ้นในวงออเคสตราโอเปร่าของพวกเขาเป็นเวลานาน แม้จะมีการต่อสู้อย่างต่อเนื่องกับความไม่สมบูรณ์ของแตรและแตรตามธรรมชาติ แต่นักแต่งเพลงก็เริ่มรวมทรอมโบนในโน้ตโอเปร่าอย่างสม่ำเสมอหลังจากกลางศตวรรษที่ 18 เท่านั้น แต่ไม่ได้ให้พวกเขาเข้าถึงวงดนตรีออร์เคสตราจนถึงต้น ศตวรรษหน้า

* (สไลด์ทรัมเป็ตแท้จริง - ท่อที่มีหลังเวที)

บทเพลงโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 มักประกอบด้วยเสียงแตรในสถานการณ์อันน่าทึ่งที่มีลักษณะเป็นทหารหรือเคร่งขรึม จำเป็นต้องมีท่อของเครื่องดนตรีสำหรับเล่นส่วนนั้นยาวแปดหรือประมาณเจ็ดฟุต ดังนั้นจึงกลายเป็น C หรือ D * Praetorius ระบุว่าการจูนปกติของทรัมเป็ตคือ D แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้ถูกสร้างให้นานขึ้นเช่นกันเพื่อให้ได้มาตราส่วนตามธรรมชาติจากความสูงแปดฟุต C การเปลี่ยนแปลงจาก D เป็น C สามารถทำได้โดยใช้ Krumbügel นั่นคือ ,มงกุฎปัจจุบัน. ชิ้นส่วนทรัมเป็ตในบทเพลงของศตวรรษที่ 17 ไม่ได้ถูกย้าย พวกเขาเป็นประเภท "ประโคม" ** หรือเขียนในทะเบียนสูง ไปป์ในสมัยนั้นมีความเกี่ยวข้องกับ (และบางครั้งก็แสดงแทน) คำว่า "คลาริโน" (แสง) มานานแล้ว แต่ความแตกต่างระหว่างความหมายทั้งสองของคำนี้ (ส่วนแรกคือส่วนบนของมาตราส่วนธรรมชาติ ซึ่งใช้บ่อยที่สุดคือ ประการที่สองคือชื่อของเครื่องดนตรีเอง) ไม่ได้ติดตามจากโน้ตและการบันทึกชิ้นส่วนแตรในศตวรรษที่ 17 จนถึงสมัยของ Stradella เมื่อชิ้นส่วนที่สง่างามของ "clarinino style" ที่รู้จักกันดีของ Handel และ Bach เริ่มปรากฏให้เห็น

* (ปิดเสียงในศตวรรษที่ 17 และ 18 เพิ่มช่วงของท่อตามโทน (Walter, 1732, Mayer, 1741, Altenburg, 1795))

** (นั่นคือพวกเขาเขียนในส่วนล่างของมาตราส่วนธรรมชาติ - เอ็น.เค.)

ทิมปานีถูกนำมารวมกับทรัมเป็ตในเพลงของลัลลี่และนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ การผสมผสานระหว่างทรัมเป็ตและทิมปานีที่สม่ำเสมอและใกล้ชิดกันในศตวรรษที่ 16 และ 17 อย่างดื้อรั้นบ่งชี้ว่ามีการใช้ทรัมเป็ตร่วมกับทรัมเป็ตแม้ในกรณีที่ไม่มีส่วนที่เป็นลายลักษณ์อักษรเป็นพิเศษสำหรับพวกเขาในคะแนน ภาพประกอบในผลงานของ Firdung, Praetorius และ Mersenne แสดงให้เห็น timpani ในรูปแบบที่ทันสมัย พร้อมสกรูปรับรอบขอบ ลูกคอไม่ปรากฏในคะแนนจากศตวรรษที่ 17 แม้ว่าจะพบบันทึกย่อที่สิบหกซ้ำในบางส่วน

เขาวงดุริยางค์ซึ่งเกิดขึ้นจากการพัฒนาและปรับปรุงเขาล่าสัตว์ครึ่งวงกลมหรือกลม ถึงแม้ว่า Lully's จะมีชิ้นส่วนของ Lully สำหรับ trompes de chasse ใน "Princess of Elis" ("Princesse de Elide") (1664) และตัวอย่างที่น่าสงสัยอื่นๆ อีกหลายตัวอย่าง สู่วงออเคสตราของศตวรรษที่สิบแปดในขณะที่คลาริเน็ต ยกเว้นเครื่องดนตรีทางจิตวิญญาณทั้งหมดของวงออเคสตราสมัยใหม่แสดงในคะแนนของศตวรรษที่ 17 ตามประเภทหลัก

ขลุ่ย โอโบ และทรัมเป็ตมักมีสองส่วน ซึ่งตรงกันข้ามกับธรรมเนียมในภายหลัง อาจมีจุดประสงค์ให้เล่นเครื่องดนตรีมากกว่าหนึ่งชิ้นต่อหนึ่งส่วน บาสซูนมีเพียงส่วนเดียวและเบสเสมอ กลุ่มเครื่องดนตรีสามชิ้นที่ได้รับการยอมรับในขณะนี้ได้ระบุไว้ในส่วนทรอมโบนแล้ว

เป็นที่น่าสังเกตว่าแม้ว่าเครื่องดนตรีลมทั้งหมดจะทำในขนาดสาม สี่ขนาดหรือมากกว่านั้น แต่ขนาดของเครื่องดนตรี ซึ่งในที่สุดก็ถูกเก็บรักษาไว้ในวงออเคสตรา กลับพบได้บ่อยที่สุดเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 17 ขลุ่ยสองฟุตและโอโบ บาสซูนและทรัมเป็ตขนาด 8 ฟุต ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายและดูเหมือนจะเป็นตัวแทนของรูปแบบหลักอยู่แล้ว ในขณะที่ชิ้นส่วนสำหรับเครื่องดนตรีประเภทเดียวกันที่ใหญ่กว่าและเล็กกว่าในประเภทเดียวกันนั้นถือเป็นข้อยกเว้นเท่านั้น ชิ้นส่วนสำหรับเครื่องมืออื่น ๆ ที่มักจะล้าสมัยมักพบในบางครั้ง แต่ในศตวรรษที่ 17 กระบวนการของ "การอยู่รอดของผู้ที่เหมาะสมที่สุด" ในหมู่เครื่องมือลมนั้นเต็มไปด้วยความผันผวนและแม้ว่าองค์ประกอบของกลุ่มลมจะยังไม่เป็นที่ยอมรับ ปรากฎว่า ในช่วงปลายศตวรรษ ฟลุต โอโบ บาสซูน ทรัมเป็ต และทิมปานี กำลังจะกลายเป็นสมาชิกสำคัญของวงออเคสตรา

วรรณกรรมดนตรีรัสเซีย

ศิลปะเพลงพื้นบ้านรัสเซีย

หรือละครเพลงรัสเซีย นิทานพื้นบ้าน(จากอังกฤษ. พื้นบ้าน- ผู้คน, loro- ความรู้). ต้นกำเนิดของมันย้อนกลับไปในสมัยโบราณในสมัยนอกรีต เพลงที่เก่าแก่ที่สุดเกี่ยวข้องกับพิธีกรรมทางศาสนา

แนวเพลงพื้นบ้านรัสเซีย:

พิธีกรรม - a) ปฏิทิน (แครอล, Shrovetide, stoneflies, การหว่านเมล็ด, Kupala, การเก็บเกี่ยว ...);

b) ครอบครัวและครัวเรือน (กล่อม, คร่ำครวญ, งานแต่งงาน ... )

มหากาพย์- มหากาพย์ประวัติศาสตร์

แรงงาน

ทหาร (ทหาร)

รำวง รำ เกม

อืดอาดหรือ โคลงสั้น ๆ

การ์ตูน,รวมทั้ง ditties

ประเภทหลักของเพลงพื้นบ้านรัสเซียที่พัฒนาโดยศตวรรษที่ 17 และยังคงมีชีวิตอยู่ท่ามกลางผู้คน

นิทานพื้นบ้านรัสเซียเผยแพร่ขอบคุณ ตัวตลก- ศิลปินพเนจร นักดนตรี เพื่อใช้ประกอบเพลงและการเต้นรำ พวกเขาใช้เครื่องดนตรีต่อไปนี้: พิณ ขลุ่ย กลอง เขย่าแล้วมีเสียง เขย่าแล้วมีเสียง

ในยุคที่ห่างไกลเหล่านั้น เพลงพื้นบ้านไม่ได้ถูกบันทึก แต่ส่งผ่านจากปากต่อปาก และเปลี่ยนแปลงไปอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ไม่ได้บันทึกชื่อผู้แต่ง โน้ตดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดของเพลงพื้นบ้านรัสเซียอยู่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

การเกิดขึ้นของศิลปะดนตรีมืออาชีพในรัสเซีย

อ้างถึง ศตวรรษที่ 10(ความมั่งคั่งของ Kievan Rus) และเกี่ยวข้องกับการยอมรับศาสนาใหม่ (988) - ศาสนาคริสต์เช่น orthodoxyซึ่งมาจากไบแซนเทียม จนถึงศตวรรษที่ 17 ในยุคของยุคกลางของรัสเซีย ดนตรีอาชีพในรัสเซีย (และศิลปะรูปแบบอื่นๆ) ถูก สังกัดคริสตจักรและสวม เคร่งศาสนาอักขระ. ตรงกันข้ามกับชาวคริสต์ตะวันตก มันเป็นและเป็นเพียง ร้องประสานเสียง. พิธีสวดดั้งเดิม สวดมนต์(คล้ายกับตะวันตก มวลชน)

ประเภทหลักของดนตรีอาชีพรัสเซียตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 10 สู่ศตวรรษที่ 17 - znameny สวดมนต์ (แบนเนอร์หรือ ตะขอ- ป้ายบอกทำนอง นี่คือ โน้ตดนตรีรัสเซียเก่า).

ลักษณะเฉพาะของบทสวด Znameny:

3) กรีกโบราณ

4) ความซ้ำซากจำเจ ความอ่อนไหวของท่วงทำนอง (การเคลื่อนไหวที่ราบรื่นทีละขั้นตอนด้วยการกระโดดที่หายากถึงหนึ่งในสาม แม้แต่จังหวะ)

ในศตวรรษที่ 16 ตัวอย่างแรกของคริสตจักร โพลีโฟนี- การจัดเตรียมบทสวด znamenny สองส่วนสามส่วน

ที่อารามและอาสนวิหารเปิด โรงเรียนสอนร้องเพลงที่เตรียมนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ คณะนักร้องประสานเสียงนำโดยผู้ที่ได้รับการฝึกฝนมาเป็นพิเศษ - คนในประเทศ

ประวัติศาสตร์ได้สงวนชื่อนักดนตรีสองสามคนในสมัยนั้นไว้ เช่น ชื่อ ชาวนาฟีโอดอร์ผู้เขียนและผู้แสดงบทสวด Znamenny (ศตวรรษที่ 16)

การพัฒนาดนตรีรัสเซีย - ศตวรรษที่ 17

Parsuna XVII ศตวรรษ Parsuna XVII ศตวรรษ Parsuna XVII ศตวรรษ

ไม่รู้จัก Alexei Mikhailovich Peter I

ในรัสเซีย ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเวลาแห่งความตึงเครียดทางสังคม: ช่วงเวลาแห่งปัญหา (การบุกรุกของชาวโปแลนด์ที่ต้องการขึ้นครองบัลลังก์รัสเซีย), การแตกแยกในโบสถ์, การประท้วงของชาวนาและสงคราม (Stepan Razin), การจลาจลด้วยธนู แต่ในขณะเดียวกัน นี่ก็เป็นเวลาสำหรับการก่อตั้งอำนาจอันแข็งแกร่งของราชวงศ์ - การเลือกตั้งของมิคาอิล โรมานอฟสู่อาณาจักร

ศตวรรษที่ 17 ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซียคือการเปลี่ยนแปลงจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ จากอิทธิพลของไบแซนไทน์ไปสู่ยุโรปตะวันตก การร้องเพลงของ Znameny อยู่ในภาวะวิกฤติ Polyphony ในการร้องเพลงของโบสถ์กลายเป็นเรื่องอย่างเป็นทางการโดยได้รับการอนุมัติในรัสเซียสำหรับการบันทึกดนตรีใหม่ - สัญกรณ์ 5 เชิงเส้น(นำเข้าจากยุโรปตะวันตก). ในเรื่องนี้มีการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการร้องเพลงโพลีโฟนิก - จำนวนเสียงในเพลงสวดของคริสตจักรแต่ละเพลงเริ่มถึง 12 การแสดงของดนตรีที่ซับซ้อนดังกล่าวเป็นไปได้ด้วย โน้ตดนตรีซึ่งมาแทนที่แบนเนอร์แบบเบ็ดดั้งเดิม คณะนักร้องประสานเสียงของคริสตจักรเริ่มถูกแบ่งออกเป็น ปาร์ตี้- เหล่านี้คือกลุ่มของเสียงที่มีน้ำเสียงและระดับเสียงที่แน่นอนและเรียกว่าการร้องเพลง ปาร์ตี้บทบาทของเสียงสูงในคณะนักร้องประสานเสียงเริ่มแสดงโดยกลุ่มนักร้องประสานเสียง แนวใหม่ได้เกิดขึ้นแล้ว

· คอนเสิร์ต partes -ประเภทของดนตรีในโบสถ์ที่แสดงถึงงานประสานเสียงแบบโพลีโฟนิกด้วยภาษาดนตรีที่สดใสและซับซ้อน

การร้องเพลงของ Partes (ร้องเพลงเป็นท่อนๆ) เป็นเพลงคริสตจักรรูปแบบใหม่ที่มาถึงรัสเซียจากโปแลนด์ผ่านยูเครน การร้องเพลงของ Partes ขึ้นอยู่กับคอร์ดสามหรือสี่เสียง บนพื้นฐานของสไตล์ partes แนวใหม่จะเกิดขึ้น: คอนแชร์โต, บทสวด, สดุดี

คอนแชร์โต้ partes (จากภาษาละติน partis-party) ได้รับการตั้งชื่อเช่นนั้นเพราะไม่เหมือนการร้องเพลงของรัสเซียพร้อมเพรียงกัน มันถูกร้องเป็นท่อนๆ สไตล์ดนตรีของเขามีองค์ประกอบของโพลีโฟนี จำนวนโหวตอาจมีตั้งแต่ 3 ถึง 16

ในศตวรรษที่ 17 ภาษาคริสตจักรอย่างเป็นทางการกลายเป็น คริสตจักรสลาโวนิกภาษา (หลังการปฏิรูปคริสตจักร)

ศตวรรษที่ 17 - จุดเริ่มต้นของความเจริญรุ่งเรือง ฆราวาส ดนตรี วรรณกรรม จิตรกรรมในรัสเซียซึ่งเกี่ยวข้องกับการค่อยๆ ปลดปล่อยศิลปะจากอำนาจของคริสตจักร ในมอสโกที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชคนแรก โรงภาพยนตร์; พระราชาทรงมีพระอัศจรรย์ ฮอร์นออเคสตราศาลมอสโกชอบ อวัยวะสนุก- มีการติดตั้งอวัยวะกลไกใน Faceted Chamber of the Kremlin มันเป็นแฟชั่น เล่นดนตรีบนฮาร์ปซิคอร์ด. เทรนด์ใหม่ๆ เหล่านี้มาจากยุโรปตะวันตก

ในปี ค.ศ. 1687 สถาบันสลาฟ - กรีก - ลาตินที่มีชื่อเสียงได้ก่อตั้งขึ้น

ประวัติศาสตร์ได้รักษาชื่อนักดนตรีชาวรัสเซียที่โดดเด่นหลายคนในศตวรรษที่ 17 เหล่านี้คือ N. Diletsky, N. Kalashnikov, V. Titov, N. Bavykin