แนวโรแมนติก(Romanticism) เป็นทิศทางเชิงอุดมการณ์และศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อสุนทรียศาสตร์แบบคลาสสิก ก่อตั้งขึ้นในขั้นต้น (1790s) ในปรัชญาและกวีนิพนธ์ในเยอรมนี และต่อมา (1820) แพร่กระจายไปยังอังกฤษ ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ เขากำหนดพัฒนาการทางศิลปะล่าสุดไว้ล่วงหน้า แม้กระทั่งแนวทางที่ต่อต้านเขา

เกณฑ์ใหม่ในงานศิลปะคือเสรีภาพในการแสดงออก เพิ่มความสนใจไปที่บุคคล ลักษณะเฉพาะของบุคคล ความเป็นธรรมชาติ ความจริงใจ และความหลวม ซึ่งเข้ามาแทนที่การเลียนแบบตัวอย่างคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 แนวโรแมนติกปฏิเสธความมีเหตุผลและการปฏิบัติได้จริงของการตรัสรู้ว่าเป็นกลไก ไม่มีตัวตน และประดิษฐ์ขึ้น แต่พวกเขาจัดลำดับความสำคัญของอารมณ์ของการแสดงออกแรงบันดาลใจ

รู้สึกเป็นอิสระจากระบบการปกครองของชนชั้นสูงที่เสื่อมถอย พวกเขาพยายามที่จะแสดงความคิดเห็นใหม่ ความจริงที่พวกเขาค้นพบ สถานที่ของพวกเขาในสังคมเปลี่ยนไป พวกเขาพบผู้อ่านในหมู่ชนชั้นกลางที่กำลังเติบโต พร้อมที่จะสนับสนุนทางอารมณ์และแม้แต่คำนับศิลปิน - อัจฉริยะและผู้เผยพระวจนะ ความยับยั้งชั่งใจและความอ่อนน้อมถ่อมตนถูกปฏิเสธ พวกเขาถูกแทนที่ด้วยอารมณ์ที่รุนแรงซึ่งมักจะถึงขีดสุด

โดยเฉพาะอย่างยิ่งคนหนุ่มสาวได้รับอิทธิพลจากแนวจินตนิยมซึ่งมีโอกาสศึกษาและอ่านมาก (ซึ่งอำนวยความสะดวกโดยการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการพิมพ์) เธอได้รับแรงบันดาลใจจากความคิดในการพัฒนาปัจเจกและการพัฒนาตนเอง การทำให้เป็นอุดมคติของเสรีภาพส่วนบุคคลในโลกทัศน์ รวมกับการปฏิเสธการใช้เหตุผลนิยม การพัฒนาตนเองอยู่เหนือมาตรฐานของสังคมชนชั้นสูงที่ไร้ประโยชน์และเสื่อมถอยไปแล้ว ความโรแมนติกของเยาวชนที่มีการศึกษาได้เปลี่ยนสังคมชนชั้นของยุโรป กลายเป็นจุดเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของ "ชนชั้นกลาง" ที่มีการศึกษาในยุโรป และภาพ เร่ร่อนเหนือทะเลหมอก"ด้วยเหตุผลที่ดีสามารถเรียกได้ว่าเป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาแห่งความโรแมนติกในยุโรป

ความโรแมนติกบางเรื่องกลับกลายเป็นความเชื่อพื้นบ้านที่ลึกลับ ลึกลับ น่าสยดสยอง เทพนิยาย ลัทธิจินตนิยมบางส่วนเกี่ยวข้องกับขบวนการประชาธิปไตย ระดับชาติ และการปฏิวัติ แม้ว่าวัฒนธรรม "คลาสสิก" ของการปฏิวัติฝรั่งเศสจะทำให้การมาถึงของลัทธิจินตนิยมในฝรั่งเศสช้าลง ในเวลานี้ มีขบวนการวรรณกรรมเกิดขึ้นหลายแนว ที่สำคัญที่สุดคือ Sturm und Drang ในเยอรมนี ลัทธิดึกดำบรรพ์ในฝรั่งเศส นำโดย Jean-Jacques Rousseau นวนิยายกอธิค ความสนใจในความประเสริฐ เพลงบัลลาด และความรักแบบเก่า คำว่า "โรแมนติก") แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับนักเขียนชาวเยอรมัน นักทฤษฎีของโรงเรียนเยนา (พี่น้องชเลเกล โนวาลิส และคนอื่นๆ) ผู้ซึ่งประกาศตัวว่าเป็นคนโรแมนติก คือปรัชญาเหนือธรรมชาติของคานท์และฟิชเต ซึ่งนำความเป็นไปได้เชิงสร้างสรรค์ของจิตใจมาไว้ในแนวหน้า แนวคิดใหม่เหล่านี้ต้องขอบคุณโคเลอริดจ์ที่แทรกซึมเข้าไปในอังกฤษและฝรั่งเศส และยังกำหนดพัฒนาการของลัทธิเหนือธรรมชาติของอเมริกาอีกด้วย

ดังนั้นแนวจินตนิยมจึงถือกำเนิดเป็นขบวนการวรรณกรรม แต่มีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีและน้อยลงในการวาดภาพ ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก และน้อยกว่าในด้านสถาปัตยกรรม ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินที่ชื่นชอบคือภูมิทัศน์ของภูเขาและซากปรักหักพังที่งดงาม คุณสมบัติหลักของมันคือไดนามิกขององค์ประกอบ, ปริมาตรเชิงพื้นที่, สีสัน, chiaroscuro (เช่นผลงานของ Turner, Géricaultและ Delacroix) ในบรรดาจิตรกรโรแมนติกคนอื่น ๆ เราสามารถตั้งชื่อ Fuseli, Martin ผลงานของพวกพรีราฟาเอลและสไตล์นีโอกอธิคในสถาปัตยกรรมยังถูกมองว่าเป็นการสำแดงของลัทธิยวนใจ

แนวโรแมนติกเป็นกระแสในการวาดภาพเกิดขึ้นในยุโรปตะวันตกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ลัทธิจินตนิยมถึงจุดสูงสุดในงานศิลปะของประเทศยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ศตวรรษที่ 19.

คำว่า "โรแมนติก" นั้นมีต้นกำเนิดมาจากคำว่า "นวนิยาย" (ในศตวรรษที่ 17 งานวรรณกรรมที่เขียนไม่ใช่ภาษาละติน แต่ในภาษาที่ได้มาจากมัน - ฝรั่งเศสอังกฤษ ฯลฯ ) เรียกว่านวนิยาย ต่อมาทุกสิ่งที่เข้าใจยากและลึกลับเริ่มถูกเรียกว่าโรแมนติก

ในฐานะปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม ความโรแมนติกเกิดขึ้นจากโลกทัศน์พิเศษที่เกิดจากการปฏิวัติฝรั่งเศส เมื่อไม่แยแสกับอุดมคติแห่งการตรัสรู้ คนโรแมนติกที่มุ่งมั่นเพื่อความกลมกลืนและสมบูรณ์ ได้สร้างอุดมคติด้านสุนทรียะและคุณค่าทางศิลปะใหม่ เป้าหมายหลักของความสนใจคือตัวละครที่โดดเด่นซึ่งมีประสบการณ์และความปรารถนาในอิสรภาพ ฮีโร่ของงานโรแมนติกคือบุคคลที่โดดเด่นซึ่งตามเจตจำนงแห่งโชคชะตาพบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์ชีวิตที่ยากลำบาก

แม้ว่าแนวโรแมนติกจะเกิดขึ้นเพื่อประท้วงศิลปะของลัทธิคลาสสิค แต่ก็ใกล้เคียงกันในหลาย ๆ ด้าน โรแมนติกเป็นส่วนหนึ่งของความคลาสสิคเช่น N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres

ความโรแมนติกถูกนำมาใช้ในการวาดภาพลักษณะประจำชาติดั้งเดิมนั่นคือสิ่งที่ขาดหายไปในศิลปะของนักคลาสสิก
ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสคือ T. Gericault

Theodore Géricault

Theodore Gericault จิตรกร ประติมากร และกราฟิกชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ เกิดในปี 1791 ในเมือง Rouen ในครอบครัวที่ร่ำรวย พรสวรรค์ของศิลปินแสดงออกในตัวเขาค่อนข้างเร็ว บ่อยครั้ง แทนที่จะไปเรียนที่โรงเรียน Géricault นั่งอยู่ในคอกม้าและขี่ม้า ถึงอย่างนั้น เขาไม่เพียงแต่พยายามถ่ายทอดลักษณะภายนอกของสัตว์ไปยังกระดาษเท่านั้น แต่ยังต้องการถ่ายทอดอารมณ์และอุปนิสัยของพวกมันด้วย

หลังจากจบการศึกษาจาก Lyceum ในปี 1808 Géricault ได้กลายเป็นนักเรียนของ Carl Vernet จิตรกรชื่อดังในขณะนั้น ซึ่งมีชื่อเสียงในด้านความสามารถในการวาดภาพม้าบนผ้าใบ อย่างไรก็ตาม ศิลปินหนุ่มไม่ชอบสไตล์ของเวอร์เน็ต ในไม่ช้าเขาก็ออกจากการประชุมเชิงปฏิบัติการและไปเรียนกับจิตรกรที่มีพรสวรรค์ไม่น้อยไปกว่า Vernet, P. N. Guerin ในขณะที่เรียนกับศิลปินชื่อดังสองคน Gericault ยังคงไม่สานต่อประเพณีการวาดภาพ J.A. Gros และ J.L. David น่าจะเป็นครูที่แท้จริงของเขา

งานแรกของ Gericault มีความโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าพวกเขามีความใกล้ชิดกับชีวิตมากที่สุด ภาพวาดดังกล่าวแสดงออกอย่างผิดปกติและน่าสมเพช พวกเขาแสดงอารมณ์ที่กระตือรือร้นของผู้เขียนเมื่อประเมินโลกรอบตัวเขา ตัวอย่างคือภาพวาดที่เรียกว่า “เจ้าหน้าที่ของ Imperial Horse Rangers ระหว่างการโจมตี” ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1812 ผืนผ้าใบนี้ถูกพบเห็นครั้งแรกโดยผู้เข้าชม Paris Salon พวกเขายอมรับผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ด้วยความชื่นชมชื่นชมในความสามารถของนายน้อย

งานนี้สร้างขึ้นในช่วงเวลานั้นของประวัติศาสตร์ฝรั่งเศส เมื่อนโปเลียนอยู่ในจุดสุดยอดแห่งความรุ่งโรจน์ของเขา ผู้ร่วมสมัยยกย่องเขาจักรพรรดิผู้ยิ่งใหญ่ที่สามารถพิชิตยุโรปส่วนใหญ่ได้ ด้วยอารมณ์เช่นนี้ภายใต้ความประทับใจของชัยชนะของกองทัพนโปเลียนที่วาดภาพ ผ้าใบแสดงให้เห็นทหารควบม้า ใบหน้าของเขาแสดงถึงความมุ่งมั่น ความกล้าหาญ และความกล้าหาญในการเผชิญกับความตาย องค์ประกอบทั้งหมด
แบบไดนามิกและอารมณ์ผิดปกติ ผู้ชมรู้สึกว่าตัวเขาเองกลายเป็นผู้มีส่วนร่วมอย่างแท้จริงในเหตุการณ์ที่ปรากฎบนผืนผ้าใบ

ร่างของทหารผู้กล้าหาญจะปรากฏในผลงานของ Géricault มากกว่าหนึ่งครั้ง ในบรรดาภาพดังกล่าว สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือวีรบุรุษของภาพเขียน "Officer of the Carabinieri", "Officer of the Cuirassier before the attack", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier" ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1812-1814 ผลงานชิ้นสุดท้ายมีความโดดเด่นตรงที่มันถูกนำเสนอในนิทรรศการครั้งต่อไปที่จัดขึ้นที่ Salon ในปีเดียวกัน อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่ข้อได้เปรียบหลักของการจัดองค์ประกอบภาพ ที่สำคัญกว่านั้น มันแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในสไตล์การสร้างสรรค์ของศิลปิน หากความรู้สึกรักชาติที่จริงใจสะท้อนให้เห็นในภาพแรกของเขา แล้วในผลงานย้อนหลังไปถึงปี 1814 ความน่าสมเพชในการพรรณนาถึงวีรบุรุษก็ถูกแทนที่ด้วยละคร

การเปลี่ยนแปลงอารมณ์ของศิลปินที่คล้ายคลึงกันนั้นเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในเวลานั้นในฝรั่งเศสอีกครั้ง ในปี ค.ศ. 1812 นโปเลียนพ่ายแพ้ในรัสเซียโดยเกี่ยวข้องกับการที่เขาซึ่งเคยเป็นวีรบุรุษที่เก่งกาจได้รับเกียรติจากผู้นำทางทหารที่ไม่ประสบความสำเร็จและชายผู้หยิ่งผยองจากโคตรของเขา Géricault รวบรวมความผิดหวังของเขาไว้ในอุดมคติในภาพวาด "The Wounded Cuirassier" บนผืนผ้าใบแสดงให้เห็นนักรบที่ได้รับบาดเจ็บซึ่งพยายามจะออกจากสนามรบโดยเร็วที่สุด เขาพิงกระบี่ - อาวุธที่บางทีเมื่อไม่กี่นาทีก่อนเขาถือมันไว้สูง

มันเป็นความไม่พอใจของ Géricault ต่อนโยบายของนโปเลียนที่บงการของเขาในการเข้ารับราชการของ Louis XVIII ซึ่งขึ้นครองบัลลังก์ฝรั่งเศสในปี 1814 ความจริงที่ว่าหลังจากการยึดอำนาจครั้งที่สองในฝรั่งเศสโดยนโปเลียน (สมัยร้อยวัน) ศิลปินหนุ่มออกจากเขา ประเทศพื้นเมืองร่วมกับ Bourbons แต่ที่นี่ก็เช่นกัน ความผิดหวังรอเขาอยู่ ชายหนุ่มไม่สามารถดูได้อย่างสงบว่ากษัตริย์ทำลายทุกสิ่งที่ทำได้ในสมัยของนโปเลียนอย่างไร นอกจากนี้ ภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 18 ปฏิกิริยาศักดินา-คาทอลิกทวีความรุนแรงขึ้น ประเทศกลับคืนสู่สภาพเดิมอย่างรวดเร็วและเร็วขึ้น สิ่งนี้ไม่สามารถยอมรับได้โดยคนหนุ่มสาวที่มีความคิดก้าวหน้า ในไม่ช้า ชายหนุ่มผู้สูญเสียศรัทธาในอุดมคติของเขา ออกจากกองทัพที่นำโดยหลุยส์ที่ 18 และหยิบพู่กันและระบายสีอีกครั้ง ปีเหล่านี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าสดใสและไม่มีอะไรโดดเด่นในผลงานของศิลปิน

ในปี ค.ศ. 1816 Gericault เดินทางไปอิตาลี เมื่อได้ไปเยือนกรุงโรมและฟลอเรนซ์และได้ศึกษาผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงแล้ว ศิลปินก็ชื่นชอบภาพวาดที่เป็นอนุสรณ์ จิตรกรรมฝาผนังของ Michelangelo ซึ่งประดับประดาโบสถ์ Sistine โดยเฉพาะอย่างยิ่งดึงดูดความสนใจของเขา ในเวลานี้ ผลงานต่างๆ ถูกสร้างขึ้นโดย Géricault ในขนาดและความสง่างาม ในหลาย ๆ ด้านที่ชวนให้นึกถึงผืนผ้าใบของจิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง ในหมู่พวกเขา สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ "The Abduction of the Nymph by the Centaur" และ "The Man Throwing the Bull"

ลักษณะแบบเดียวกันของปรมาจารย์ผู้เฒ่ายังปรากฏให้เห็นในภาพวาด "การวิ่งของม้าอิสระในกรุงโรม" ซึ่งวาดเมื่อราวปี พ.ศ. 2360 และเป็นตัวแทนของการแข่งขันของพลม้าที่หนึ่งในงานคาร์นิวัลที่จัดขึ้นในกรุงโรม คุณลักษณะขององค์ประกอบนี้คือศิลปินรวบรวมจากภาพวาดธรรมชาติที่ทำไว้ก่อนหน้านี้ นอกจากนี้ ลักษณะของภาพสเก็ตช์ยังแตกต่างไปจากสไตล์ของงานทั้งหมดอย่างชัดเจน หากอดีตเป็นฉากที่อธิบายชีวิตของชาวโรมัน - ผู้ร่วมสมัยของศิลปินแล้วในองค์ประกอบโดยรวมจะมีภาพของวีรบุรุษโบราณผู้กล้าหาญราวกับว่าพวกเขาออกมาจากเรื่องเล่าโบราณ ในเรื่องนี้ Gericault เดินตามเส้นทางของ J. L. David ผู้ซึ่งสวมชุดฮีโร่ของเขาในรูปแบบโบราณเพื่อให้ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษที่น่าสมเพช

ไม่นานหลังจากวาดภาพนี้ Gericault กลับมายังฝรั่งเศส ที่ซึ่งเขากลายเป็นสมาชิกของกลุ่มต่อต้านที่ก่อตัวขึ้นรอบๆ Horace Vernet จิตรกร เมื่อมาถึงปารีส ศิลปินสนใจงานกราฟิกเป็นพิเศษ ในปี ค.ศ. 1818 เขาได้สร้างชุดภาพพิมพ์หินในธีมทางการทหาร ซึ่งที่สำคัญที่สุดคือ "การกลับมาจากรัสเซีย" ภาพพิมพ์หินแสดงถึงทหารที่พ่ายแพ้ของกองทัพฝรั่งเศสที่เดินผ่านทุ่งที่ปกคลุมไปด้วยหิมะ ร่างของคนง่อยและอ่อนล้าจากสงครามถูกพรรณนาในรูปแบบที่เหมือนจริงและเป็นความจริง ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชและวีรบุรุษที่น่าสมเพชในการจัดองค์ประกอบ ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับงานแรกของ Gericault ศิลปินพยายามที่จะสะท้อนสภาพที่แท้จริงของสิ่งต่าง ๆ ภัยพิบัติทั้งหมดที่ทหารฝรั่งเศสทิ้งโดยผู้บัญชาการของพวกเขาต้องทนในต่างแดน

ในงาน "กลับมาจากรัสเซีย" เป็นครั้งแรกที่ได้ยินหัวข้อการต่อสู้กับความตายของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม แรงจูงใจนี้ยังไม่แสดงออกอย่างชัดเจนเหมือนในผลงานช่วงหลังของ Géricault ตัวอย่างของผืนผ้าใบดังกล่าวอาจเป็นภาพวาดที่เรียกว่า "The Raft of the Medusa" เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2362 และจัดแสดงที่ Paris Salon ในปีเดียวกัน ผืนผ้าใบแสดงให้เห็นผู้คนที่กำลังดิ้นรนกับธาตุน้ำที่บ้าคลั่ง ศิลปินไม่เพียงแสดงความทุกข์ทรมานและการทรมานเท่านั้น แต่ยังแสดงความปรารถนาที่จะได้รับชัยชนะในการต่อสู้กับความตายในทุกวิถีทาง

โครงเรื่องขององค์ประกอบถูกกำหนดโดยเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฤดูร้อนปี 1816 และทำให้ฝรั่งเศสทั้งหมดตื่นเต้น เรือรบ "เมดูซ่า" ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นวิ่งเข้าไปในแนวปะการังและจมลงนอกชายฝั่งแอฟริกา จาก 149 คนที่อยู่บนเรือ มีเพียง 15 คนเท่านั้นที่สามารถหลบหนีได้ ในจำนวนนี้มีศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correard เมื่อมาถึงบ้านเกิด พวกเขาได้ตีพิมพ์หนังสือเล่มเล็กที่เล่าถึงการผจญภัยและการช่วยเหลืออย่างมีความสุข จากความทรงจำเหล่านี้ชาวฝรั่งเศสได้เรียนรู้ว่าความโชคร้ายเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันเรือที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้ขึ้นเรือด้วยความอุปถัมภ์ของเพื่อนผู้สูงศักดิ์

ภาพที่สร้างขึ้นโดย Gericault นั้นมีความไดนามิก เป็นพลาสติก และแสดงออกอย่างไม่ธรรมดา ซึ่งศิลปินได้บรรลุผ่านการทำงานที่ยาวนานและอุตสาหะ เพื่อถ่ายทอดเหตุการณ์เลวร้ายบนผืนผ้าใบอย่างแท้จริงเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของผู้คนที่กำลังจะตายในทะเลศิลปินได้พบกับผู้เห็นเหตุการณ์ของโศกนาฏกรรมเป็นเวลานานเขาศึกษาใบหน้าของผู้ป่วยผอมแห้งที่กำลังรับการรักษาในโรงพยาบาลแห่งหนึ่ง ในปารีสเช่นเดียวกับลูกเรือที่สามารถหลบหนีจากเรืออับปางได้ ในเวลานี้ จิตรกรได้สร้างผลงานภาพเหมือนจำนวนมาก

ทะเลที่โหมกระหน่ำยังเปี่ยมด้วยความหมายที่ลึกซึ้ง ราวกับพยายามกลืนแพไม้ที่เปราะบางไปพร้อมกับผู้คน ภาพนี้แสดงออกอย่างไม่ธรรมดาและเป็นไดนามิก มันเหมือนกับร่างของผู้คนที่ดึงมาจากธรรมชาติ: ศิลปินสร้างภาพร่างหลายภาพเกี่ยวกับทะเลในช่วงที่มีพายุ Gericault ทำงานเกี่ยวกับการจัดองค์ประกอบภาพที่ยิ่งใหญ่ซ้ำแล้วซ้ำเล่าไปยังภาพร่างที่เตรียมไว้ก่อนหน้านี้เพื่อสะท้อนธรรมชาติขององค์ประกอบต่างๆ อย่างเต็มที่ นั่นคือเหตุผลที่ภาพสร้างความประทับใจอย่างมากให้กับผู้ชม โน้มน้าวเขาถึงความสมจริงและความจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น

"The Raft of the Medusa" นำเสนอ Géricault เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดองค์ประกอบภาพที่โดดเด่น เป็นเวลานานที่ศิลปินคิดเกี่ยวกับวิธีการจัดเรียงตัวเลขในภาพเพื่อแสดงเจตนาของผู้เขียนอย่างเต็มที่ มีการเปลี่ยนแปลงหลายอย่างในระหว่างการทำงาน ภาพสเก็ตช์ก่อนหน้าภาพวาดระบุว่าในขั้นต้น Gericault ต้องการพรรณนาการต่อสู้ของผู้คนบนแพด้วยกัน แต่ต่อมาก็ละทิ้งการตีความเหตุการณ์ดังกล่าว ในเวอร์ชันสุดท้าย ผืนผ้าใบแสดงถึงช่วงเวลาที่ผู้คนที่สิ้นหวังเห็นเรือ Argus อยู่ที่ขอบฟ้าและยื่นมือออกไป ภาพสุดท้ายที่เพิ่มเข้ามาคือร่างมนุษย์ที่วางไว้ด้านล่างทางด้านขวาของผืนผ้าใบ เธอคือผู้ที่สัมผัสสุดท้ายขององค์ประกอบซึ่งหลังจากนั้นก็กลายเป็นตัวละครที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง เป็นที่น่าสังเกตว่าการเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นเมื่อมีการแสดงภาพวาดที่ซาลอนแล้ว

ด้วยความยิ่งใหญ่และอารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มขึ้น ภาพวาดของ Gericault ในหลาย ๆ ด้านชวนให้นึกถึงงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ส่วนใหญ่เป็น The Last Judgment ของ Michelangelo) ซึ่งศิลปินพบขณะเดินทางในอิตาลี

ภาพวาด "The Raft of the Medusa" ซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกของภาพวาดฝรั่งเศส ประสบความสำเร็จอย่างมากในแวดวงฝ่ายค้าน ซึ่งมองว่าเป็นภาพสะท้อนของอุดมคติแห่งการปฏิวัติ ด้วยเหตุผลเดียวกัน งานนี้จึงไม่ได้รับการยอมรับในหมู่ขุนนางและตัวแทนอย่างเป็นทางการของวิจิตรศิลป์ของฝรั่งเศส นั่นคือเหตุผลที่รัฐไม่ได้ซื้อผ้าใบจากผู้เขียนในเวลานั้น

Gericault เดินทางไปอังกฤษด้วยความผิดหวังจากการต้อนรับที่มอบให้กับผลงานของเขาที่บ้าน ซึ่งเขานำเสนอผลงานที่เขาโปรดปรานต่อศาลของอังกฤษ ในลอนดอน ผู้ชื่นชอบศิลปะได้รับผืนผ้าใบที่มีชื่อเสียงด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก

Gericault เข้าหาศิลปินชาวอังกฤษที่ชนะใจเขาด้วยความสามารถในการพรรณนาความเป็นจริงอย่างจริงใจและตามความเป็นจริง Géricault อุทิศวงจรการพิมพ์หินให้กับชีวิตและชีวิตของเมืองหลวงของอังกฤษ ซึ่งผลงานเรื่อง “The Great English Suite” (1821) และ “The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) เป็นผลงานของ ความสนใจมากที่สุด ในระยะหลัง ศิลปินวาดภาพคนจรจัดในลอนดอน ซึ่งสะท้อนถึงความประทับใจที่จิตรกรได้รับในกระบวนการศึกษาชีวิตของผู้คนในย่านชนชั้นแรงงานของเมือง

วัฏจักรเดียวกันนี้รวมถึงภาพพิมพ์หินเช่น "The Flanders Smith" และ "At the Gates of the Adelphin Shipyard" ซึ่งนำเสนอภาพชีวิตของคนธรรมดาในลอนดอนแก่ผู้ชม สิ่งที่น่าสนใจในงานเหล่านี้คือภาพม้าที่หนักและมีน้ำหนักเกิน พวกมันแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากสัตว์ที่สง่างามและสง่างามที่วาดโดยศิลปินคนอื่น - โคตรของGéricault

เมื่ออยู่ในเมืองหลวงของอังกฤษ Gericault มีส่วนร่วมในการสร้างภาพพิมพ์หินไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาดด้วย ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของช่วงนี้คือผ้าใบ "Race at Epsom" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2364 ในภาพศิลปินวาดภาพม้าที่วิ่งด้วยความเร็วเต็มที่และขาของพวกเขาไม่แตะพื้นเลย เทคนิคอันชาญฉลาดนี้ (ภาพถ่ายพิสูจน์ว่าม้าไม่สามารถมีตำแหน่งขาได้ในระหว่างการวิ่ง นี่คือจินตนาการของศิลปิน) อาจารย์ใช้เพื่อให้องค์ประกอบไดนามิกเพื่อให้ผู้ชมได้รับความประทับใจอย่างรวดเร็ว การเคลื่อนไหวของม้า ความรู้สึกนี้ได้รับการปรับปรุงโดยการถ่ายโอนที่แม่นยำของปั้น (ท่าทางท่าทาง) ของร่างมนุษย์ตลอดจนการใช้การผสมสีที่สดใสและสมบูรณ์ (สีแดง อ่าว ม้าขาว; จ๊อกกี้เสื้อเหลือง) .

ธีมของการแข่งม้าซึ่งดึงดูดความสนใจของจิตรกรมาอย่างยาวนานด้วยการแสดงออกที่พิเศษ ได้รับการทำซ้ำมากกว่าหนึ่งครั้งในงานที่สร้างโดย Géricault หลังจากเสร็จสิ้นงาน Horse Racing ที่ Epsom

ในปี ค.ศ. 1822 ศิลปินออกจากอังกฤษและกลับไปฝรั่งเศสบ้านเกิดของเขา ที่นี่เขามีส่วนร่วมในการสร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ซึ่งคล้ายกับผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในหมู่พวกเขาคือ "การค้านิโกร", "เปิดประตูคุกแห่งการสืบสวนในสเปน" ภาพวาดเหล่านี้ยังไม่เสร็จ - ความตายทำให้ Gericault ไม่สามารถทำงานให้เสร็จได้

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพถ่ายบุคคล ซึ่งนักประวัติศาสตร์ศิลปะเชื่อว่าเป็นช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1822 ถึง 1823 ประวัติงานเขียนของพวกเขาสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ความจริงก็คือภาพเหล่านี้ได้รับมอบหมายจากเพื่อนของศิลปินซึ่งทำงานเป็นจิตแพทย์ในคลินิกแห่งหนึ่งในปารีส พวกเขาควรจะเป็นภาพประกอบที่แสดงให้เห็นถึงความเจ็บป่วยทางจิตต่างๆของบุคคล ดังนั้นภาพวาด "หญิงชราบ้า", "บ้า", "บ้าจินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ" ถูกทาสี สำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพ การแสดงอาการและอาการแสดงภายนอกของโรคไม่ใช่เรื่องสำคัญมากนัก แต่เพื่อถ่ายทอดสภาพจิตใจภายในของผู้ป่วย ภาพที่น่าเศร้าของผู้คนปรากฏบนผืนผ้าใบต่อหน้าผู้ชมซึ่งดวงตาเต็มไปด้วยความเจ็บปวดและความเศร้าโศก

ในบรรดาภาพเหมือนของ Géricault มีสถานที่พิเศษที่ถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของพวกนิโกร ซึ่งปัจจุบันอยู่ในคอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ Rouen คนที่มุ่งมั่นและมีความมุ่งมั่นมองผู้ชมจากผืนผ้าใบ พร้อมที่จะต่อสู้จนถึงที่สุดด้วยกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา ภาพดูสว่าง อารมณ์ และแสดงออกอย่างผิดปกติ ชายในภาพนี้คล้ายกับวีรบุรุษผู้มุ่งมั่นซึ่ง Gericault ได้แสดงไว้ก่อนหน้านี้ในการประพันธ์ขนาดใหญ่ (เช่น บนผืนผ้าใบ "The Raft of the Medusa")

Gericault ไม่เพียง แต่เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากรที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ผลงานของเขาในรูปแบบศิลปะนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 เป็นตัวอย่างแรกของประติมากรรมแนวโรแมนติก ในบรรดางานดังกล่าวองค์ประกอบที่แสดงออกอย่างผิดปกติ "Nymph and Satyr" นั้นเป็นที่สนใจเป็นพิเศษ ภาพที่หยุดนิ่งในการเคลื่อนไหวสื่อถึงความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ได้อย่างแม่นยำ

Théodore Gericault เสียชีวิตอย่างน่าเศร้าในปี 1824 ในกรุงปารีสโดยตกจากหลังม้า การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นเรื่องน่าประหลาดใจสำหรับศิลปินร่วมสมัยทุกคน

ผลงานของ Gericault เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาภาพวาดไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะโลกด้วย - ช่วงเวลาแห่งความโรแมนติก ในผลงานของเขา อาจารย์สามารถเอาชนะอิทธิพลของประเพณีดั้งเดิมได้ ผลงานของเขามีสีสันแปลกตาและสะท้อนถึงความหลากหลายของโลกธรรมชาติ ศิลปินพยายามที่จะเปิดเผยความรู้สึกและอารมณ์ภายในของบุคคลโดยการแนะนำร่างมนุษย์ลงในองค์ประกอบ

หลังจากการเสียชีวิตของ Gericault E. Delacroix ศิลปินร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของศิลปินได้หยิบเอาประเพณีศิลปะโรแมนติกของเขามาใช้

ยูจีน เดลาครัวซ์

Ferdinand Victor Eugene Delacroix ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงและศิลปินกราฟิกผู้สืบทอดประเพณีแนวโรแมนติกที่พัฒนาขึ้นในผลงานของ Géricault เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2341 โดยไม่ต้องสำเร็จการศึกษาจาก Imperial Lyceum ในปี พ.ศ. 2358 Delacroix ไปเรียนกับอาจารย์ที่มีชื่อเสียง เกริน. อย่างไรก็ตาม วิธีการทางศิลปะของจิตรกรหนุ่มไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของครู ดังนั้นหลังจากเจ็ดปีชายหนุ่มก็จากเขาไป

การเรียนกับ Guerin นั้น Delacroix อุทิศเวลาให้กับการศึกษางานของ David และปรมาจารย์ด้านการวาดภาพของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาถือว่าวัฒนธรรมสมัยโบราณ ซึ่งเป็นประเพณีที่เดวิดปฏิบัติตามด้วย เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะของโลก ดังนั้นอุดมคติทางสุนทรียะสำหรับ Delacroix จึงเป็นผลงานของกวีและนักคิดของกรีกโบราณ ในหมู่พวกเขา ศิลปินชื่นชมผลงานของ Homer, Horace และ Marcus Aurelius โดยเฉพาะ

งานแรกของ Delacroix เป็นผืนผ้าใบที่ยังไม่เสร็จซึ่งจิตรกรหนุ่มพยายามสะท้อนการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก อย่างไรก็ตาม ศิลปินยังขาดทักษะและประสบการณ์ในการสร้างภาพที่แสดงออก

ในปี ค.ศ. 1822 Delacroix ได้จัดแสดงผลงานของเขาที่ Paris Salon ภายใต้ชื่อ Dante และ Virgil ผืนผ้าใบนี้มีสีสันที่สดใสและสะเทือนอารมณ์อย่างผิดปกติ ในหลาย ๆ ด้านคล้ายกับงานของ Géricault "The Raft of the Medusa"

สองปีต่อมา ภาพวาดอีกชิ้นของ Delacroix, The Massacre at Chios ถูกนำเสนอต่อผู้ชมของ Salon มันอยู่ในนั้นที่แผนอันยาวนานของศิลปินเป็นตัวเป็นตนเพื่อแสดงการต่อสู้ของชาวกรีกกับพวกเติร์ก องค์ประกอบโดยรวมของรูปภาพประกอบด้วยหลายส่วน ซึ่งจัดเป็นกลุ่มคนแยกจากกัน โดยแต่ละส่วนมีความขัดแย้งกันอย่างมาก โดยทั่วไปแล้วงานสร้างความประทับใจให้กับโศกนาฏกรรมที่ลึกล้ำ ความรู้สึกของความตึงเครียดและไดนามิกเพิ่มขึ้นด้วยการผสมผสานของเส้นที่เรียบและคมชัดที่สร้างร่างของตัวละครซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในสัดส่วนของบุคคลที่วาดโดยศิลปิน อย่างไรก็ตาม เป็นเพราะเหตุนี้เองที่ทำให้ภาพได้รับตัวละครที่สมจริงและความน่าเชื่อถือในชีวิต

วิธีการที่สร้างสรรค์ของ Delacroix ซึ่งแสดงออกอย่างเต็มที่ใน "การสังหารหมู่แห่ง Chios" นั้นอยู่ไกลจากรูปแบบคลาสสิกที่เป็นที่ยอมรับในแวดวงทางการของฝรั่งเศสและในหมู่ตัวแทนของวิจิตรศิลป์ ดังนั้นภาพของศิลปินหนุ่มจึงถูกวิจารณ์อย่างเฉียบขาดในซาลอน

แม้จะล้มเหลว แต่จิตรกรยังคงยึดมั่นในอุดมคติของเขา ในปี ค.ศ. 1827 มีงานอีกชิ้นหนึ่งที่อุทิศให้กับหัวข้อการต่อสู้ของชาวกรีกเพื่ออิสรภาพ - "กรีซบนซากปรักหักพังของมิสโซลองกี" ร่างของหญิงชาวกรีกที่แน่วแน่และหยิ่งทะนงบนผืนผ้าใบแสดงถึงตัวตนของกรีซที่ไม่มีใครพิชิตได้ที่นี่

ในปี ค.ศ. 1827 Delacroix ได้แสดงผลงานสองชิ้นที่สะท้อนถึงการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ของอาจารย์ในด้านวิธีการและวิธีการแสดงออกทางศิลปะ นี่คือภาพวาด "ความตายของซาร์ดานาปาลุส" และ "มาริโน ฟาลิเอโร" ในตอนแรกโศกนาฏกรรมของสถานการณ์ถูกถ่ายทอดในการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ มีเพียงภาพพจน์ของศรดานาปาลเท่านั้นที่นิ่งและสงบที่นี่ ในองค์ประกอบของ "Marino Faliero" เฉพาะร่างของตัวละครหลักเท่านั้นที่เป็นแบบไดนามิก ฮีโร่ที่เหลือดูเหมือนจะหยุดนิ่งด้วยความสยดสยองเมื่อคิดว่าจะเกิดอะไรขึ้น

ในยุค 20. ศตวรรษที่ 19 Delacroix แสดงผลงานจำนวนหนึ่งซึ่งพล็อตที่นำมาจากงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ในปี พ.ศ. 2368 ศิลปินได้ไปเยือนอังกฤษซึ่งเป็นบ้านเกิดของวิลเลียมเชกสเปียร์ ในปีเดียวกันนั้น ภายใต้ความประทับใจของการเดินทางครั้งนี้และโศกนาฏกรรมของนักเขียนบทละครชื่อดัง Delacroix จึงได้สร้างภาพพิมพ์หิน "Macbeth" ในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1827 ถึงปี ค.ศ. 1828 เขาได้สร้างภาพพิมพ์ "เฟาสท์" ซึ่งอุทิศให้กับงานที่มีชื่อเดียวกันโดยเกอเธ่

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2373 เดอลาครัวซ์ได้วาดภาพ "เสรีภาพผู้นำ" การปฏิวัติฝรั่งเศสถูกนำเสนอในรูปของหญิงสาวผู้แข็งแกร่ง เด็ดเดี่ยว เด็ดเดี่ยว เด็ดเดี่ยว นำฝูงชนอย่างกล้าหาญ โดยที่ร่างของคนงาน นักศึกษา ทหารที่ได้รับบาดเจ็บ นักเล่นเกมชาวปารีส โดดเด่น (ภาพที่คาดการณ์ไว้) Gavroche ซึ่งปรากฏตัวในภายหลังใน Les Misérables โดย V. Hugo ).

งานนี้แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากผลงานที่คล้ายคลึงกันของศิลปินคนอื่นๆ ที่สนใจเพียงการถ่ายทอดเหตุการณ์ตามความจริงเท่านั้น ผืนผ้าใบที่สร้างโดย Delacroix มีลักษณะเฉพาะด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญสูง ภาพเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ทั่วไปของเสรีภาพและความเป็นอิสระของชาวฝรั่งเศส

ด้วยการขึ้นสู่อำนาจของหลุยส์ ฟิลิปป์ - ความกล้าหาญของกษัตริย์ชนชั้นนายทุนและความรู้สึกอันสูงส่งที่เดลาครัวซ์เทศนา จึงไม่มีชีวิตสมัยใหม่ ในปี พ.ศ. 2374 ศิลปินได้เดินทางไปประเทศแอฟริกา เขาเดินทางไปแทนเจียร์ เมคเนส โอรัน และแอลเจียร์ ในเวลาเดียวกัน Delacroix ไปสเปน ชีวิตของตะวันออกนั้นดึงดูดใจศิลปินด้วยการไหลอย่างรวดเร็ว เขาสร้างภาพร่าง ภาพวาด และผลงานสีน้ำจำนวนหนึ่ง

เมื่อไปเยือนโมร็อกโกแล้ว Delacroix ได้วาดภาพผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับตะวันออก ภาพวาดที่ศิลปินแสดงการแข่งม้าหรือการต่อสู้ของทุ่งนั้นมีพลังและแสดงออกอย่างผิดปกติ เมื่อเทียบกับพวกเขา องค์ประกอบ "ผู้หญิงแอลจีเรียในห้องของพวกเขา" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2377 ดูเหมือนจะสงบและนิ่ง ไม่มีพลวัตและความตึงเครียดที่หุนหันพลันแล่นที่มีอยู่ในผลงานก่อนหน้าของศิลปิน Delacroix ปรากฏที่นี่ในฐานะเจ้าแห่งสีสัน โทนสีที่จิตรกรใช้อย่างครบถ้วนสะท้อนให้เห็นถึงความหลากหลายที่สดใสของจานสีซึ่งผู้ชมเชื่อมโยงกับสีสันของตะวันออก

ผืนผ้าใบ "งานแต่งงานของชาวยิวในโมร็อกโก" ซึ่งวาดขึ้นเมื่อประมาณปี พ.ศ. 2384 มีลักษณะที่ช้าและวัดได้เหมือนกันหมด บรรยากาศแบบตะวันออกที่ลึกลับถูกสร้างขึ้นที่นี่ด้วยการแสดงที่แม่นยำของศิลปินเกี่ยวกับการตกแต่งภายในของชาติ องค์ประกอบดูมีชีวิตชีวาอย่างน่าประหลาดใจ: จิตรกรแสดงให้เห็นว่าผู้คนเดินขึ้นบันไดและเข้าไปในห้องอย่างไร แสงที่ส่องเข้ามาในห้องทำให้ภาพดูสมจริงและน่าเชื่อ

ลวดลายตะวันออกยังคงมีอยู่ในผลงานของ Delacroix มาเป็นเวลานาน ดังนั้นในงานนิทรรศการที่จัดขึ้นในซาลอนในปี พ.ศ. 2390 จากผลงานหกชิ้นที่นำเสนอโดยเขาห้าชิ้นได้อุทิศให้กับชีวิตและชีวิตของตะวันออก

ในยุค 30-40 ในศตวรรษที่ 19 ผลงานของเดลาครัวซ์รูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น ในเวลานี้อาจารย์ได้สร้างผลงานในรูปแบบประวัติศาสตร์ ในหมู่พวกเขา ภาพวาด "การประท้วงของ Mirabeau ต่อการล่มสลายของนายพลแห่งรัฐ" และ "Boissy d'Angles" สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ภาพร่างของหลังซึ่งแสดงในปี พ.ศ. 2374 ที่ Salon เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนขององค์ประกอบในหัวข้อการจลาจลที่เป็นที่นิยม

ภาพวาด "The Battle of Poitiers" (1830) และ "The Battle of Taybur" (1837) อุทิศให้กับภาพลักษณ์ของผู้คน ด้วยความสมจริงทั้งหมด พลวัตของการต่อสู้ การเคลื่อนไหวของผู้คน ความโกรธเกรี้ยว ความโกรธ และความทุกข์ทรมานของพวกเขาได้แสดงไว้ที่นี่ ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดอารมณ์และความหลงใหลของบุคคลที่ถูกยึดครองด้วยความปรารถนาที่จะชนะในทุกวิถีทาง เป็นร่างของผู้คนที่เป็นตัวหลักในการถ่ายทอดธรรมชาติอันน่าทึ่งของงาน

บ่อยครั้งในผลงานของ Delacroix ผู้ชนะและผู้พิชิตถูกต่อต้านอย่างรุนแรง โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนบนผืนผ้าใบ “The Capture of Constantinople by the Crusaders” ซึ่งเขียนในปี 1840 กลุ่มคนที่เอาชนะด้วยความเศร้าโศกแสดงอยู่เบื้องหน้า เบื้องหลังพวกเขาคือภูมิทัศน์ที่น่ารื่นรมย์และมีเสน่ห์พร้อมความงาม ร่างของผู้ขับขี่ที่ได้รับชัยชนะก็ถูกวางไว้ที่นี่เช่นกัน ซึ่งมีเงาที่น่าเกรงขามตัดกับร่างที่โศกเศร้าที่อยู่เบื้องหน้า

"การยึดกรุงคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเซด" นำเสนอเดลาครัวซ์ในฐานะนักวาดภาพสีที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม สีสันที่สดใสและอิ่มตัวไม่ได้ทำให้จุดเริ่มต้นที่น่าเศร้าเพิ่มขึ้น ซึ่งแสดงโดยบุคคลโศกเศร้าที่อยู่ใกล้ผู้ดู ในทางตรงกันข้าม จานสีที่เข้มข้นจะสร้างความรู้สึกของวันหยุดที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้ชนะ

องค์ประกอบที่มีสีสันไม่น้อยคือ "ความยุติธรรมของ Trajan" ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2383 เดียวกัน ผู้ร่วมสมัยของศิลปินยอมรับว่าภาพนี้เป็นหนึ่งในภาพที่ดีที่สุดในบรรดาผืนผ้าใบของจิตรกรทั้งหมด สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือในระหว่างการทำงาน ต้นแบบของการทดลองในด้านสี แม้แต่เงาก็ยังใช้เฉดสีที่หลากหลายจากเขา สีขององค์ประกอบทั้งหมดสอดคล้องกับธรรมชาติ การดำเนินงานนำหน้าด้วยการสังเกตของจิตรกรเป็นเวลานานถึงการเปลี่ยนแปลงของเฉดสีในธรรมชาติ ศิลปินเข้ามาในไดอารี่ของเขา จากนั้นตามบันทึกย่อนักวิทยาศาสตร์ยืนยันว่าการค้นพบที่ทำโดย Delacroix ในด้านโทนสีนั้นสอดคล้องกับหลักคำสอนเรื่องสีที่เกิดในเวลานั้นอย่างเต็มที่ซึ่งผู้ก่อตั้งคือ E. Chevreul นอกจากนี้ ศิลปินยังเปรียบเทียบการค้นพบของเขากับจานสีที่โรงเรียนเวนิสใช้ ซึ่งเป็นตัวอย่างทักษะการวาดภาพสำหรับเขา

ภาพเหมือนครอบครองสถานที่พิเศษท่ามกลางภาพวาดของ Delacroix อาจารย์ไม่ค่อยหันไปหาแนวนี้ เขาวาดเฉพาะคนที่เขารู้จักมาเป็นเวลานานซึ่งมีการพัฒนาทางจิตวิญญาณต่อหน้าศิลปิน ดังนั้นภาพในพอร์ตเทรตจึงมีความชัดเจนและลึกซึ้งมาก นี่คือภาพเหมือนของโชแปงและจอร์จ แซนด์ ผืนผ้าใบที่อุทิศให้กับนักเขียนชื่อดัง (1834) แสดงให้เห็นสตรีผู้สูงศักดิ์และเอาแต่ใจที่พอใจกับคนร่วมสมัยของเธอ ภาพเหมือนของโชแปงซึ่งวาดขึ้นเมื่อสี่ปีต่อมาในปี พ.ศ. 2381 แสดงถึงภาพบทกวีและจิตวิญญาณของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

ภาพเหมือนของนักไวโอลินและนักประพันธ์เพลงชื่อดังอย่างปากานินีที่น่าสนใจและแสดงออกอย่างผิดปกติ ซึ่งวาดโดยเดลาครัวซ์ราวปี ค.ศ. 1831 สไตล์ดนตรีของปากานินีคล้ายกับวิธีการวาดภาพของศิลปินในหลายๆ ด้าน งานของปากานินีมีลักษณะเฉพาะด้วยการแสดงออกที่เหมือนกันและอารมณ์ความรู้สึกที่รุนแรงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของจิตรกร

ภูมิทัศน์ครอบครองพื้นที่เล็ก ๆ ในผลงานของ Delacroix อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้มีความสำคัญมากสำหรับการพัฒนาภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ภูมิทัศน์ของ Delacroix โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดแสงธรรมชาติและชีวิตที่เข้าใจยากได้อย่างแม่นยำ ตัวอย่างที่ชัดเจนของสิ่งนี้คือภาพวาด "ท้องฟ้า" ซึ่งสร้างความรู้สึกของไดนามิกด้วยเมฆสีขาวเหมือนหิมะที่ลอยอยู่บนท้องฟ้าและ "ทะเลที่มองเห็นได้จากชายฝั่งของ Dieppe" (1854) ซึ่งจิตรกรเชี่ยวชาญ สื่อถึงการร่อนเรือใบเบา ๆ บนพื้นผิวทะเล

ในปี พ.ศ. 2376 ศิลปินได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ฝรั่งเศสให้ทาสีห้องโถงในพระราชวังบูร์บง งานสร้างสรรค์งานชิ้นใหญ่กินเวลานานถึงสี่ปี เมื่อทำตามคำสั่ง จิตรกรได้รับคำแนะนำหลักจากข้อเท็จจริงที่ว่าภาพนั้นเรียบง่ายและรัดกุมอย่างยิ่ง ผู้ชมสามารถเข้าใจได้
งานสุดท้ายของ Delacroix คือภาพวาดของโบสถ์ของ Holy Angels ในโบสถ์ Saint-Sulpice ในปารีส มันถูกสร้างขึ้นในช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2392 ถึง พ.ศ. 2404 ด้วยการใช้สีที่สดใสและอุดมไปด้วย (สีชมพู, สีฟ้าสดใส, ม่วง, วางบนพื้นหลังสีน้ำเงินขี้เถ้าและสีเหลืองน้ำตาล) ศิลปินสร้างอารมณ์ที่สนุกสนานในการแต่งเพลงทำให้ผู้ชม ให้รู้สึกปลาบปลื้มยินดี ภูมิทัศน์ที่รวมอยู่ในภาพวาด "The Expulsion of Iliodor from the Temple" เป็นพื้นหลังช่วยเพิ่มพื้นที่ขององค์ประกอบและสถานที่ของโบสถ์ด้วยสายตา ในอีกทางหนึ่ง ราวกับกำลังพยายามเน้นความโดดเดี่ยวของพื้นที่ Delacroix แนะนำบันไดและลูกกรงเข้าไปในองค์ประกอบ ร่างของคนที่อยู่ข้างหลังดูเหมือนจะเป็นเงาแบนเกือบ

Eugene Delacroix เสียชีวิตในปี 2406 ในปารีส

Delacroix เป็นจิตรกรที่มีการศึกษามากที่สุดในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ภาพวาดของเขาหลายเรื่องนำมาจากงานวรรณกรรมของปรมาจารย์ปากกาที่มีชื่อเสียง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือบ่อยครั้งที่ศิลปินวาดภาพตัวละครของเขาโดยไม่ใช้แบบจำลอง นี่คือสิ่งที่เขาต้องการสอนผู้ติดตามของเขา จากข้อมูลของ Delacroix การวาดภาพเป็นสิ่งที่ซับซ้อนกว่าการคัดลอกเส้นแบบดั้งเดิม ศิลปินเชื่อว่าศิลปะส่วนใหญ่อยู่ในความสามารถในการแสดงอารมณ์และเจตนาสร้างสรรค์ของอาจารย์

Delacroix เป็นผู้เขียนผลงานเชิงทฤษฎีหลายเรื่องเกี่ยวกับสีวิธีการและสไตล์ของศิลปิน งานเหล่านี้เป็นสัญญาณสำหรับจิตรกรรุ่นต่อ ๆ ไปในการค้นหาวิธีการทางศิลปะของตนเองที่ใช้ในการสร้างองค์ประกอบ

แนวจินตนิยมในทัศนศิลป์มีพื้นฐานมาจากแนวคิดของนักปรัชญาและนักเขียนเป็นส่วนใหญ่ ในการวาดภาพเช่นเดียวกับในศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ความโรแมนติกถูกดึงดูดโดยทุกสิ่งที่ไม่ธรรมดาที่ไม่รู้จักไม่ว่าจะเป็นประเทศที่ห่างไกลด้วยขนบธรรมเนียมและเครื่องแต่งกายที่แปลกใหม่ (Delacroix) โลกแห่งนิมิตลึกลับ (Blake, Friedrich, Pre-Raphaelites) และเวทย์มนตร์ ความฝัน (Runge) หรือจิตใต้สำนึกที่มืดมน (Goya, Fusli) แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปินหลายคนคือมรดกทางศิลปะของอดีต ได้แก่ ตะวันออกโบราณ ยุคกลาง และโปรโต-เรเนซองส์ (นาซารีน พรีราฟาเอล)

ตรงกันข้ามกับความคลาสสิกซึ่งเชิดชูพลังที่ชัดเจนของจิตใจ ความโรแมนติคร้องเพลงความรู้สึกที่เร่าร้อนและมีพายุซึ่งดึงดูดทั้งตัว คำตอบแรกสุดสำหรับเทรนด์ใหม่คือภาพบุคคลและทิวทัศน์ ซึ่งกำลังกลายเป็นแนวภาพวาดโรแมนติกสุดโปรด

รุ่งเรือง ประเภทแนวตั้ง มีความเกี่ยวข้องกับความสนใจของความโรแมนติกในความเป็นมนุษย์ที่สดใส ความงาม และความร่ำรวยของโลกฝ่ายวิญญาณของเธอ ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์มีชัยในภาพที่โรแมนติกมากกว่าความสนใจในความงามทางกายภาพ ในรูปแบบที่เย้ายวนของภาพ

ในภาพถ่ายแนวโรแมนติก (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) เอกลักษณ์ของแต่ละคนจะถูกเปิดเผยอยู่เสมอ พลวัต จังหวะอันเข้มข้นของชีวิตภายใน และความหลงใหลในการกบฏ

โรแมนติกยังสนใจในโศกนาฏกรรมของวิญญาณที่แตกสลาย: คนป่วยทางจิตมักจะกลายเป็นวีรบุรุษของงาน (Gericault "บ้า, ทุกข์ทรมานจากการติดการพนัน", "ขโมยเด็ก", "บ้า, จินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ")

ภูมิประเทศ เกิดจากความโรแมนติกเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณของจักรวาล ธรรมชาติก็เหมือนกับวิญญาณของมนุษย์ ปรากฏเป็นพลวัต ความแปรปรวนคงที่ ลักษณะภูมิประเทศที่ได้รับคำสั่งและสูงส่งของลัทธิคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยภาพที่เป็นธรรมชาติไม่ดื้อรั้นมีพลังและเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาซึ่งสอดคล้องกับความสับสนของความรู้สึกของวีรบุรุษที่โรแมนติก คู่รักโรแมนติกชอบเขียนเรื่องพายุ พายุฝนฟ้าคะนอง ภูเขาไฟระเบิด แผ่นดินไหว เรืออับปางที่อาจส่งผลกระทบทางอารมณ์อย่างรุนแรงต่อผู้ชม (Gericault, Friedrich, Turner)

การเขียนบทกวีในตอนกลางคืน ลักษณะของแนวโรแมนติก - โลกที่แปลกประหลาดและเหนือจริงที่อาศัยอยู่ตามกฎหมายของตัวเอง - นำไปสู่การเฟื่องฟูของ "ประเภทกลางคืน" ซึ่งกลายเป็นที่ชื่นชอบในการวาดภาพโรแมนติกโดยเฉพาะในหมู่ศิลปินชาวเยอรมัน

หนึ่งในประเทศแรก ๆ ในทัศนศิลป์ที่แนวโรแมนติกพัฒนาขึ้นคือเยอรมนี .

อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนในการพัฒนาแนวโรแมนติกมีความคิดสร้างสรรค์แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช (พ.ศ. 2317-2483) มรดกทางศิลปะของเขาถูกครอบงำด้วยภูมิทัศน์ที่แสดงถึงยอดเขา ป่าไม้ ทะเล ชายฝั่งทะเล เช่นเดียวกับซากปรักหักพังของมหาวิหารเก่า วัดร้าง วัดร้าง (“Cross in the Mountains”, “Cathedral”, “Abbeyท่ามกลางต้นโอ๊ก ”). พวกเขามักจะมีความรู้สึกเศร้าไม่เปลี่ยนแปลงจากจิตสำนึกของการสูญเสียบุคคลที่น่าเศร้าในโลก

ศิลปินชอบธรรมชาติเหล่านั้นที่สอดคล้องกับการรับรู้ที่โรแมนติกของเธอมากที่สุด: เช้าตรู่พระอาทิตย์ตกตอนเย็นพระจันทร์ขึ้น (“ สองใคร่ครวญดวงจันทร์”, “สุสานสงฆ์”, “ภูมิทัศน์ที่มีสายรุ้ง”, “พระจันทร์เหนือทะเล”, “ หินชอล์กบนเกาะRügen”, “บนเรือใบ”, “ท่าเรือในเวลากลางคืน”)

ตัวละครคงที่ในผลงานของเขาคือนักฝันที่โดดเดี่ยว หมกมุ่นอยู่กับการไตร่ตรองของธรรมชาติ มองเข้าไปในระยะทางที่กว้างใหญ่และความสูงที่ไม่สิ้นสุด พวกเขาเข้าร่วมกับความลับนิรันดร์ของจักรวาล พวกเขาถูกพาไปยังโลกแห่งความฝันที่สวยงาม ฟรีดริชถ่ายทอดโลกมหัศจรรย์นี้ด้วยความช่วยเหลือจากแสงที่ส่องประกายอย่างน่าอัศจรรย์- แสงอาทิตย์ที่สดใสหรือดวงจันทร์ลึกลับ

ผลงานของฟรีดริชได้รับการชื่นชมจากผู้ร่วมสมัยของเขา รวมทั้งฉันว. เกอเธ่ และ ดับเบิลยู. เอ. Zhukovsky ขอบคุณรัสเซียที่ซื้อภาพวาดของเขาจำนวนมาก

จิตรกร ศิลปินกราฟิค กวี และนักทฤษฎีศิลปะPhilip Otto Runge (1777-1810) ส่วนใหญ่อุทิศตนให้กับประเภทภาพเหมือน ในงานของเขา เขาแต่งกลอนภาพของคนธรรมดาซึ่งมักจะเป็นคนที่รักของเขา ("พวกเราสามคน" - ภาพเหมือนตนเองกับเจ้าสาวและพี่ชายของเขายังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้; "ลูก ๆ ของตระกูล Hülzenbeck", "ภาพเหมือนของ พ่อแม่ของศิลปิน”, “ภาพเหมือนตนเอง”) ศาสนาที่ลึกซึ้งของ Runge แสดงออกในภาพวาดเช่น "พระคริสต์บนชายฝั่งของทะเลสาบ Tiberias" และ "Rest on the Flight to Egypt" (ยังไม่เสร็จ) ศิลปินสรุปภาพสะท้อนของเขาเกี่ยวกับงานศิลปะในบทความเชิงทฤษฎี "The Color Sphere"

ความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นรากฐานทางศาสนาและศีลธรรมในศิลปะเยอรมันนั้นสัมพันธ์กับกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน โรงเรียนนาซารีน (เอฟ โอเวอร์เบ็ค, ฟอน คาร์ลสเฟลด์,แอล. โวเกล, ไอ. ก็อททิงเจอร์, เจ. ซือตเตอร์,ป. ฟอน คอร์เนลิอุส). เมื่อรวมกันเป็นภราดรภาพทางศาสนา ("Union of St. Luke") พวก "Nazarenes" อาศัยอยู่ในกรุงโรมในรูปแบบชุมชนสงฆ์และวาดภาพเกี่ยวกับศาสนา พวกเขาถือว่าภาพวาดอิตาลีและเยอรมันเป็นแบบอย่างสำหรับการค้นหาอย่างสร้างสรรค์XIV - XVศตวรรษ (Perugino, ต้น Raphael, A.ดูเรอร์, เอช. Holbein the Younger, แอล.ครานัช). ในภาพวาด "The Triumph of Religion in Art" Overbeck เลียนแบบ "Athenian School" ของ Raphael โดยตรงและ Cornelius ใน "The Horsemen of the Apocalypse" - การแกะสลักชื่อเดียวกันของ Durer

สมาชิกของภราดรภาพถือว่าคุณธรรมหลักของศิลปินคือความบริสุทธิ์ทางวิญญาณและศรัทธาที่จริงใจ โดยเชื่อว่า "มีเพียงพระคัมภีร์เท่านั้นที่ทำให้ราฟาเอลเป็นอัจฉริยะ" พวกเขาใช้ชีวิตอย่างโดดเดี่ยวในห้องขังของอารามที่ถูกทิ้งร้าง พวกเขายกระดับการบริการของพวกเขาไปสู่ศิลปะในหมวดของการบริการทางจิตวิญญาณ

ชาวนาซารีนมุ่งสู่รูปแบบอนุสาวรีย์ขนาดใหญ่ พยายามรวบรวมอุดมคติอันสูงส่งด้วยความช่วยเหลือจากเทคนิคปูนเปียกที่ฟื้นคืนชีพขึ้นมาใหม่ ภาพเขียนบางภาพถูกประหารโดยพวกเขาด้วยกัน

ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 30 สมาชิกของสมาคมได้แยกย้ายกันไปทั่วประเทศเยอรมนี โดยได้รับตำแหน่งผู้นำในสถาบันศิลปะหลายแห่ง มีเพียง Overbeck เท่านั้นที่อาศัยอยู่ในอิตาลีจนกระทั่งเขาเสียชีวิตโดยไม่เปลี่ยนหลักการทางศิลปะของเขา ประเพณีที่ดีที่สุดของ "นาซารีน" ถูกเก็บรักษาไว้ในภาพวาดประวัติศาสตร์มาเป็นเวลานาน การแสวงหาอุดมการณ์และศีลธรรมของพวกเขามีผลกระทบต่อกลุ่มพรีราฟาเอลในอังกฤษ เช่นเดียวกับผลงานของปรมาจารย์เช่น Schwind และ Spitzweg

Moritz Schwind (1804-1871) ชาวออสเตรียโดยกำเนิด ทำงานในมิวนิก ในงานขาตั้งเขาส่วนใหญ่แสดงให้เห็นลักษณะและชีวิตของเมืองในต่างจังหวัดของเยอรมันโบราณกับผู้อยู่อาศัย มันทำด้วยบทกวีและบทกวีที่ยอดเยี่ยมด้วยความรักในตัวละคร

Carl Spitzweg (1808-1885) - จิตรกรมิวนิก, ศิลปินกราฟิค, นักเขียนแบบร่างยอดเยี่ยม, นักเขียนการ์ตูน, ไม่ได้มีอารมณ์อ่อนไหว แต่ด้วยอารมณ์ขันที่ยอดเยี่ยมบอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตในเมือง ("Poor Poet", "Morning Coffee")

Schwind และ Spitzweg มักเกี่ยวข้องกับกระแสในวัฒนธรรมเยอรมันที่เรียกว่า Biedermeierบีเดอร์ไมเออร์ - นี้เป็นหนึ่งในรูปแบบที่นิยมมากที่สุดของยุค (ส่วนใหญ่ในด้านชีวิตประจำวัน แต่ยังอยู่ในศิลปะ) . เขายกพวกเบอร์เกอร์ซึ่งเป็นคนธรรมดาที่อยู่ตามท้องถนนไปข้างหน้า แก่นหลักของการวาดภาพบีเดอร์ไมเออร์คือชีวิตประจำวันของบุคคล ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับบ้านและครอบครัวของเขา ความสนใจของ Biedermeier ไม่ใช่ในอดีต แต่ในปัจจุบันไม่ใช่ในสิ่งที่ยิ่งใหญ่ แต่ในสิ่งเล็ก ๆ นั้นมีส่วนทำให้เกิดแนวโน้มการวาดภาพที่สมจริง

โรงเรียนสอนโรแมนติกฝรั่งเศส

โรงเรียนจิตรกรรมแนวโรแมนติกที่สอดคล้องกันมากที่สุดพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส มันเกิดขึ้นจากการต่อต้านลัทธิคลาสสิกซึ่งเสื่อมโทรมไปสู่ความเป็นวิชาการที่เยือกเย็นและมีเหตุผลและหยิบยกอาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ดังกล่าวซึ่งกำหนดอิทธิพลที่โดดเด่นของโรงเรียนฝรั่งเศสตลอดศตวรรษที่ 19

ศิลปินโรแมนติกชาวฝรั่งเศสมุ่งสู่แผนการที่เต็มไปด้วยละครและเรื่องน่าสมเพช ความตึงเครียดภายใน ห่างไกลจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" ในการรวบรวมพวกเขา พวกเขาได้ปฏิรูปวิธีการแสดงภาพและการแสดงออก:

ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของความโรแมนติกในภาพวาดฝรั่งเศสนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อTheodora Géricault (พ.ศ. 2334-2467) ผู้ซึ่งก่อนหน้านี้สามารถแสดงความรู้สึกโรแมนติกอย่างหมดจดเกี่ยวกับความขัดแย้งของโลกได้ ในผลงานแรกของเขา เราสามารถเห็นความปรารถนาที่จะแสดงเหตุการณ์อันน่าทึ่งในสมัยของเรา ตัวอย่างเช่น ภาพเขียน "เจ้าหน้าที่ของทหารปืนไรเฟิลจู่โจมโจมตี" และ "เสื้อเกราะที่ได้รับบาดเจ็บ" สะท้อนให้เห็นถึงความรักของยุคนโปเลียน

ภาพวาดของ Gericault "The Raft of the Medusa" ซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์ล่าสุดของชีวิตสมัยใหม่ - การตายของเรือโดยสารเนื่องจากความผิดพลาดของ บริษัท ขนส่งมีการสะท้อนอย่างมาก . Géricaultสร้างผืนผ้าใบขนาดยักษ์ขนาด 7×5 ม. ซึ่งแสดงถึงช่วงเวลาที่ผู้คนใกล้ตายเห็นเรือกู้ภัยอยู่ที่ขอบฟ้า ความตึงเครียดที่รุนแรงได้รับการเน้นด้วยโทนสีที่มืดมนและรุนแรง ซึ่งเป็นองค์ประกอบในแนวทแยง ภาพวาดนี้ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของ Géricault France ในยุคปัจจุบัน ซึ่งเหมือนกับผู้คนที่หนีจากเรืออับปาง ประสบทั้งความหวังและความสิ้นหวัง

หัวข้อของภาพวาดขนาดใหญ่ครั้งสุดท้ายของเขา - "Race at Epsom" - ศิลปินที่พบในอังกฤษ มันแสดงให้เห็นม้าที่บินได้เหมือนนก (ภาพโปรดของGéricaultซึ่งกลายเป็นนักขี่ที่ยอดเยี่ยมเมื่อตอนเป็นวัยรุ่น) ความประทับใจของความรวดเร็วได้รับการปรับปรุงโดยเทคนิคบางอย่าง: ม้าและจ๊อกกี้เขียนอย่างระมัดระวังและพื้นหลังกว้าง

หลังจากการเสียชีวิตของ Géricault (เขาเสียชีวิตอย่างอนาถในช่วงที่ชีวิตและความสามารถพิเศษ) เพื่อนสาวของเขากลายเป็นหัวหน้ากลุ่มคู่รักชาวฝรั่งเศสยูจีน เดลาครัวซ์ (พ.ศ. 2341-2406) Delacroix มีพรสวรรค์อย่างครอบคลุม มีพรสวรรค์ด้านดนตรีและวรรณกรรม ไดอารี่ บทความเกี่ยวกับศิลปินของเขาเป็นเอกสารที่น่าสนใจที่สุดในยุคนั้น การศึกษาเชิงทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับกฎของสีส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่ออิมเพรสชันนิสต์ในอนาคต โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับดับเบิลยู. แวนโก๊ะ

ภาพวาดแรกของเดลาครัวซ์ซึ่งทำให้เขาโด่งดังคือ "ดันเต้และเวอร์จิล" ("เรือของดันเต้") ซึ่งเขียนเกี่ยวกับพล็อตเรื่อง "Divine Comedy" เธอหลงรุ่นของเธอด้วยความน่าสมเพชที่หลงใหลพลังของสีมืดมน

จุดสุดยอดของผลงานของศิลปินคือ "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People") ความถูกต้องของความเป็นจริง (ภาพถูกสร้างขึ้นในท่ามกลางการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ในฝรั่งเศส) ผสานเข้ากับความฝันอันแสนโรแมนติกของเสรีภาพและสัญลักษณ์ของภาพ หญิงสาวสวยกลายเป็นสัญลักษณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศส

การตอบสนองต่อเหตุการณ์สมัยใหม่คือภาพเขียน "การสังหารหมู่ที่ Chios" ก่อนหน้านี้ซึ่งอุทิศให้กับการต่อสู้ของชาวกรีกกับการปกครองของตุรกี .

เมื่อไปเยือนโมร็อกโกแล้ว Delacroix ได้ค้นพบโลกที่แปลกใหม่ของอาหรับตะวันออกซึ่งเขาได้อุทิศภาพวาดและภาพร่างมากมาย ใน "สตรีแห่งแอลจีเรีย" โลกของฮาเร็มมุสลิมถูกนำเสนอต่อผู้ชมชาวยุโรปเป็นครั้งแรก

ศิลปินยังได้สร้างชุดภาพเหมือนของตัวแทนของปัญญาชนที่สร้างสรรค์ซึ่งหลายคนเป็นเพื่อนของเขา (ภาพเหมือนของ N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, ฯลฯ )

ในช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ Delacroix โน้มเอียงไปทางธีมทางประวัติศาสตร์ทำงานเป็นจิตรกรรมฝาผนัง (จิตรกรรมฝาผนังในสภาผู้แทนราษฎรวุฒิสภา) และในฐานะศิลปินกราฟิก (ภาพประกอบสำหรับผลงานของ Shakespeare, Goethe, Byron)

ชื่อของจิตรกรชาวอังกฤษในยุคโรแมนติก - R. Benington, J. Constable, W. Turner - เกี่ยวข้องกับประเภทภูมิทัศน์ ในพื้นที่นี้พวกเขาเปิดหน้าใหม่อย่างแท้จริง: ธรรมชาติดั้งเดิมที่พบในงานของพวกเขาเป็นภาพสะท้อนที่กว้างและเต็มไปด้วยความรักซึ่งไม่มีประเทศอื่นรู้ในขณะนั้น

จอห์น คอนสตาเบิล (พ.ศ. 2319-2480) หนึ่งในคนแรกในประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์ยุโรปเริ่มวาดภาพร่างจากธรรมชาติโดยหันไปสังเกตธรรมชาติโดยตรง ภาพวาดของเขาเรียบง่ายในแรงจูงใจ: หมู่บ้าน ฟาร์ม โบสถ์ แถบแม่น้ำหรือชายหาด: Haycart, Detham Valley, Salisbury Cathedral จาก Bishop's Garden ผลงานของตำรวจทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันในการพัฒนาภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงในฝรั่งเศส

วิลเลียม เทิร์นเนอร์ (1775-1851) - จิตรกรทางทะเล . เขาถูกดึงดูดโดยทะเลที่มีพายุ, ฝนที่ตกลงมา, พายุฝนฟ้าคะนอง, น้ำท่วม, พายุทอร์นาโด: "การเดินทางครั้งสุดท้ายของเรือ" กล้าหาญ "," พายุฝนฟ้าคะนองเหนือ Piazzetta การค้นหาด้วยสีสันที่เด่นชัด เอฟเฟกต์แสงที่หายากบางครั้งเปลี่ยนภาพวาดของเขาให้กลายเป็นแว่นตาวิเศษที่เปล่งประกาย: "ไฟของรัฐสภาลอนดอน", "พายุหิมะ เรือออกจากท่าเรือและส่งสัญญาณความทุกข์กระทบน้ำตื้น .

เทิร์นเนอร์เป็นเจ้าของภาพวาดแรกของรถจักรไอน้ำที่วิ่งบนราง ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอุตสาหกรรม ใน Rain, Steam และ Speed ​​รถจักรไอน้ำจะวิ่งแข่งไปตามแม่น้ำเทมส์ผ่านหมอกที่มีหมอกหนา วัตถุที่เป็นวัตถุทั้งหมดดูเหมือนจะรวมกันเป็นภาพมายา ซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของความเร็วได้อย่างสมบูรณ์แบบ

การศึกษาลักษณะพิเศษของแสงและสีที่เป็นเอกลักษณ์ของ Turner คาดว่าจะมีการค้นพบจิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศสในหลาย ๆ ด้าน

ในปี ค.ศ. 1848 ประเทศอังกฤษได้ถือกำเนิดขึ้นภราดรภาพก่อนราฟาเอล (จากภาษาละติน แพร - “ก่อน” และ ราฟาเอล) ซึ่งรวมศิลปินที่ไม่ยอมรับสังคมร่วมสมัยและศิลปะของโรงเรียนวิชาการ พวกเขาเห็นอุดมคติของพวกเขาในศิลปะของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ด้วยเหตุนี้ชื่อ) สมาชิกหลักของภราดรภาพ -วิลเลียม โฮลแมน ฮันท์, จอห์น เอเวอเร็ตต์ มิเล, ดันเต้ กาเบรียล รอสเซ็ตติ ในงานแรกของพวกเขา ศิลปินเหล่านี้ใช้ตัวย่อ RV แทนลายเซ็น .

ด้วยความโรแมนติกของพวกพรีราฟาเอล ความรักในสมัยโบราณมีความเกี่ยวข้องกัน พวกเขาหันไปใช้หัวข้อในพระคัมภีร์ (“The Light of the World” และ “The Unfaithful Shepherd” โดย W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” และ “The Annunciation” โดย D. G. Rossetti) เนื้อเรื่องจากประวัติศาสตร์ของยุคกลางและแสดงโดย W. Shakespeare (“Ophelia” โดย Millais )

เพื่อวาดภาพร่างมนุษย์และวัตถุในขนาดที่เป็นธรรมชาติ พวกพรีราฟาเอลได้เพิ่มขนาดของผืนผ้าใบ ภาพร่างภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นจากชีวิต ตัวละครในภาพวาดของพวกเขามีต้นแบบในหมู่คนจริง ตัวอย่างเช่น ดี. จี. รอสเซ็ตติแสดงภาพเอลิซาเบธ ซิดดาลอันเป็นที่รักในผลงานเกือบทั้งหมดของเขา ดำเนินต่อเนื่องเหมือนอัศวินในยุคกลาง ที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อผู้เป็นที่รักของเขาแม้หลังจากที่เธอเสียชีวิตก่อนวัยอันควร (“Blue Silk Dress”, 1866)

นักอุดมการณ์ของพวกพรีราฟาเอลคือจอห์น รัสกิน (1819-1900) - นักเขียนชาวอังกฤษ นักวิจารณ์ศิลปะ และนักทฤษฎีศิลปะ ผู้แต่งหนังสือชุด "ศิลปินสมัยใหม่" ที่มีชื่อเสียง

ผลงานของพวกพรี-ราฟาเอลมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินหลายคนและกลายเป็นบรรพบุรุษของสัญลักษณ์ในวรรณคดี (W. Pater, O. Wilde) และวิจิตรศิลป์ (O. Beardsley, G. Moreau เป็นต้น)

ชื่อเล่น "นาซารีน" อาจมาจากชื่อเมืองนาซาเร็ธในกาลิลีที่ซึ่งพระเยซูคริสต์ประสูติ ตามเวอร์ชั่นอื่น มันเกิดขึ้นจากการเปรียบเทียบกับชื่อของชุมชนศาสนายิวโบราณของพวกนาศีร์ นอกจากนี้ยังเป็นไปได้ว่าชื่อของกลุ่มนั้นมาจากชื่อดั้งเดิมของทรงผม "Alla Nazarena" ซึ่งพบได้ทั่วไปในยุคกลางและเป็นที่รู้จักจากภาพเหมือนตนเองของ A. Dürer: ลักษณะการใส่ผมยาว กลาง ถูกแนะนำโดยโอเวอร์เบ็คอีกครั้ง

บีเดอร์ไมเออร์(ภาษาเยอรมัน "Brave Meyer", ฟิลิสเตีย) - นามสกุลของตัวละครจากคอลเล็กชั่นบทกวีของกวีชาวเยอรมัน Ludwig Eichrodt Eichrodt สร้างเรื่องล้อเลียนของบุคคลจริง - Samuel Friedrich Sauter ครูเก่าที่เขียนบทกวีที่ไร้เดียงสา Eichrodt ในการ์ตูนล้อเลียนของเขาเน้นย้ำถึงความคิดดั้งเดิมของ Biedermeier ซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ล้อเลียนของยุคนั้นลายเส้นสีดำ สีน้ำตาล และสีเขียวสื่อถึงความเกรี้ยวกราดของพายุ สายตาของผู้ชมดูเหมือนจะอยู่ตรงกลางอ่างน้ำวน เรือดูเหมือนจะเป็นของเล่นของคลื่นและลม

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 แนวความคิดเกี่ยวกับลัทธิคลาสสิกและการตรัสรู้สูญเสียความน่าดึงดูดใจและความเกี่ยวข้อง ใหม่ซึ่งตอบสนองต่อวิธีการที่เป็นที่ยอมรับของลัทธิคลาสสิคนิยมและทฤษฎีทางสังคมทางศีลธรรมของการตรัสรู้ได้หันไปหามนุษย์โลกภายในของเขาได้รับความแข็งแกร่งและเข้าครอบงำจิตใจ ลัทธิจินตนิยมแพร่หลายมากในทุกด้านของชีวิตวัฒนธรรมและปรัชญา นักดนตรี ศิลปิน และนักเขียนในผลงานของพวกเขาพยายามที่จะแสดงให้เห็นถึงชะตากรรมอันสูงส่งของมนุษย์ โลกฝ่ายวิญญาณอันอุดมสมบูรณ์ของเขา ความรู้สึกและประสบการณ์ที่ลึกซึ้ง ต่อจากนี้ไป คนที่มีปัญหาภายใน การแสวงหาและประสบการณ์ทางจิตวิญญาณ และไม่ "เบลอ" ความคิดเกี่ยวกับสวัสดิการทั่วไปและความเจริญรุ่งเรือง ได้กลายเป็นแก่นหลักในงานศิลปะ

ความโรแมนติกในการวาดภาพ

จิตรกรถ่ายทอดความลึกของความคิดและประสบการณ์ส่วนตัวของพวกเขาผ่านการสร้างสรรค์ด้วยองค์ประกอบ สี และการเน้นเสียง ประเทศต่างๆ ในยุโรปมีลักษณะเฉพาะในการตีความภาพที่โรแมนติก นี่เป็นเพราะแนวโน้มทางปรัชญาตลอดจนสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองซึ่งศิลปะเป็นการตอบสนองที่มีชีวิตชีวา การวาดภาพก็ไม่มีข้อยกเว้น เยอรมนีไม่ได้ประสบกับความวุ่นวายทางสังคมที่รุนแรง โดยแบ่งออกเป็นอาณาเขตและดัชชีเล็กๆ ศิลปินไม่ได้สร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่แสดงถึงวีรบุรุษไททัน ที่นี่โลกแห่งจิตวิญญาณอันลึกซึ้งของมนุษย์ ความงามและความยิ่งใหญ่ของเขา และภารกิจทางศีลธรรมได้กระตุ้นความสนใจ ดังนั้นความโรแมนติกในภาพวาดของเยอรมันจึงถูกนำเสนออย่างเต็มที่ที่สุดในภาพบุคคลและทิวทัศน์ ผลงานของ Otto Runge เป็นตัวอย่างคลาสสิกของประเภทนี้ ในภาพบุคคลที่วาดโดยจิตรกร ผ่านการศึกษาอย่างละเอียดเกี่ยวกับลักษณะใบหน้า ดวงตา ผ่านความแตกต่างของแสงและเงา ความปรารถนาของศิลปินได้รับการถ่ายทอดเพื่อแสดงความไม่สอดคล้องกันของบุคลิกภาพ พลัง และความรู้สึกลึกล้ำ ศิลปินยังพยายามค้นหาความหลากหลายของบุคลิกภาพของมนุษย์ ความคล้ายคลึงกันของธรรมชาติ ความหลากหลายและไม่รู้จักผ่านภูมิทัศน์ด้วยภาพต้นไม้ ดอกไม้ และนกที่เกินจริงเกินจริงเล็กน้อยที่น่าอัศจรรย์เล็กน้อยผ่านภูมิประเทศ ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวโรแมนติกในการวาดภาพคือจิตรกรภูมิทัศน์ K. D. ฟรีดริชที่เน้นความแข็งแกร่งและพลังของธรรมชาติ ภูมิทัศน์ภูเขาและทะเล พยัญชนะกับมนุษย์

ยวนใจในภาพวาดฝรั่งเศสพัฒนาตามหลักการอื่น ความโกลาหลปฏิวัติ ชีวิตทางสังคมที่ปั่นป่วนปรากฏขึ้นในการวาดภาพโดยแรงดึงดูดของศิลปินที่มีต่อการวาดภาพวัตถุทางประวัติศาสตร์และเรื่องราวที่น่าอัศจรรย์ ด้วยความน่าสมเพชและ "ความตื่นเต้น" ซึ่งเกิดขึ้นได้จากความคมชัดของสีที่สดใส การแสดงออกของการเคลื่อนไหว การสุ่มตัวอย่างบางส่วน ความเป็นธรรมชาติขององค์ประกอบ แนวคิดโรแมนติกที่สมบูรณ์และสดใสที่สุดนำเสนอในผลงานของ T. Gericault, E. Delacroix ศิลปินใช้สีและแสงอย่างเชี่ยวชาญ สร้างความรู้สึกที่ลุ่มลึกเป็นจังหวะ เป็นแรงกระตุ้นอันประเสริฐสำหรับการต่อสู้และเสรีภาพ

ยวนใจในภาพวาดรัสเซีย

ความคิดทางสังคมของรัสเซียตอบสนองต่อทิศทางและกระแสน้ำใหม่ๆ ที่เกิดขึ้นในยุโรปอย่างชัดเจน จากนั้นสงครามกับนโปเลียน - เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญเหล่านั้นที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อการค้นหาเชิงปรัชญาและวัฒนธรรมของปัญญาชนรัสเซียอย่างจริงจัง แนวจินตนิยมในภาพวาดของรัสเซียนำเสนอในภูมิประเทศหลักสามแห่ง ได้แก่ ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ซึ่งอิทธิพลของลัทธิคลาสสิคนั้นแข็งแกร่งมาก และความคิดที่โรแมนติกเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับศีลทางวิชาการ

ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบเก้าความสนใจมากขึ้นเรื่อย ๆ กับภาพลักษณ์ของปัญญาชนผู้สร้างสรรค์กวีและศิลปินของรัสเซียตลอดจนคนธรรมดาและชาวนา Kiprensky, Tropinin, Bryullov ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่พยายามแสดงความลึกและความงามของบุคลิกภาพของบุคคลผ่านรูปลักษณ์การหันศีรษะรายละเอียดของเครื่องแต่งกายเพื่อถ่ายทอดการแสวงหาทางจิตวิญญาณธรรมชาติที่รักอิสระของ "นางแบบ" ของพวกเขา . ความสนใจอย่างมากในบุคลิกภาพของบุคคลซึ่งเป็นศูนย์กลางในงานศิลปะมีส่วนทำให้ประเภทของภาพเหมือนตนเองเฟื่องฟู ยิ่งกว่านั้น ศิลปินไม่ได้วาดภาพเหมือนตนเองตามสั่ง มันเป็นแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ เป็นการรายงานตนเองแบบหนึ่งต่อคนรุ่นเดียวกัน

ภูมิทัศน์ในผลงานของโรแมนติกก็โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มของพวกเขา ยวนใจในการวาดภาพสะท้อนและถ่ายทอดอารมณ์ของบุคคลภูมิทัศน์ต้องสอดคล้องกับเขา นั่นคือเหตุผลที่ศิลปินพยายามแสดงธรรมชาติที่ดื้อรั้น พลัง และความเป็นธรรมชาติของมัน ในทางกลับกัน Orlovsky, Shchedrin วาดภาพทะเล, ต้นไม้อันยิ่งใหญ่, เทือกเขา, ในทางกลับกัน, ถ่ายทอดความงามและหลากสีของภูมิประเทศที่แท้จริง, ในทางกลับกัน, สร้างอารมณ์ทางอารมณ์บางอย่าง

แนวโรแมนติก

ยวนใจ (Romantisme ฝรั่งเศส) การเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์และศิลปะในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ถือกำเนิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อเหตุผลนิยมและกลไกของสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคนิยมและปรัชญาของการตรัสรู้ซึ่งจัดตั้งขึ้นในยุคที่การล่มสลายของสังคมศักดินาปฏิวัติ อดีตระเบียบโลกที่ดูเหมือนไม่สั่นคลอน ยวนใจ (ทั้งในฐานะโลกทัศน์แบบพิเศษ และเป็นทิศทางทางศิลปะ) ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันภายในที่สุดอย่างหนึ่งในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม ความผิดหวังในอุดมคติแห่งการตรัสรู้ ในผลของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ การปฏิเสธการใช้ประโยชน์ของความเป็นจริงสมัยใหม่ หลักการของการปฏิบัติจริงของชนชั้นนายทุน ซึ่งตกเป็นเหยื่อของความเป็นปัจเจกบุคคล มุมมองในแง่ร้ายเกี่ยวกับโอกาสในการพัฒนาสังคม ความคิดของ "ความเศร้าโศกของโลก" ถูกรวมเข้าด้วยกันในแนวโรแมนติกกับความปรารถนาที่จะสามัคคีในระเบียบโลก, ความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล , ด้วยความโน้มเอียงไปสู่ ​​"อนันต์" ด้วยการค้นหาอุดมคติใหม่ที่สมบูรณ์และไม่มีเงื่อนไข ความบาดหมางที่คมชัดระหว่างอุดมคติและความเป็นจริงที่กดขี่เกิดขึ้นในจิตใจของคู่รักหลาย ๆ คนถึงความรู้สึกถึงตายอย่างเจ็บปวดหรือไม่พอใจของสองโลก การเยาะเย้ยอันขมขื่นของความแตกต่างระหว่างความฝันและความเป็นจริง ยกระดับในวรรณคดีและศิลปะจนถึงหลักการของ "การประชดประชันโรแมนติก" การป้องกันตัวเองจากระดับที่เพิ่มขึ้นของบุคลิกภาพเป็นความสนใจที่ลึกซึ้งที่สุดที่มีอยู่ในบุคลิกภาพแนวโรแมนติกในบุคลิกภาพของมนุษย์ ซึ่งเข้าใจโดยความรักว่าเป็นความสามัคคีของลักษณะภายนอกของแต่ละบุคคลและเนื้อหาภายในที่เป็นเอกลักษณ์ วรรณกรรมและศิลปะแนวโรแมนติกได้ซึมซับเข้าไปในส่วนลึกของชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล ถ่ายทอดความรู้สึกเฉียบแหลมของลักษณะเฉพาะ ดั้งเดิม เฉพาะตัวของชะตากรรมของชาติและชนชาติ ไปสู่ความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ การเปลี่ยนแปลงทางสังคมครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาของคู่รักทำให้ประวัติศาสตร์ที่ก้าวหน้านั้นมองเห็นได้ชัดเจน ในงานที่ดีที่สุด ความโรแมนติกเกิดขึ้นเพื่อสร้างสัญลักษณ์และในขณะเดียวกันก็มีภาพสำคัญที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์สมัยใหม่ แต่ภาพในอดีตที่วาดขึ้นจากเทพนิยาย ประวัติศาสตร์สมัยโบราณและยุคกลาง ได้รวบรวมความโรแมนติกมากมายไว้เป็นภาพสะท้อนของความขัดแย้งที่แท้จริงของเวลาของเรา

ยวนใจกลายเป็นเทรนด์ศิลปะครั้งแรกที่การรับรู้ของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์เป็นหัวข้อของกิจกรรมทางศิลปะอย่างชัดเจน โรแมนติกประกาศชัยชนะของรสนิยมส่วนตัวอย่างเปิดเผยเสรีภาพในการสร้างสรรค์อย่างสมบูรณ์ ให้ความสำคัญกับการกระทำที่สร้างสรรค์ทำลายอุปสรรคที่ยับยั้งเสรีภาพของศิลปินพวกเขากล้าเทียบเคียงความสูงและต่ำโศกนาฏกรรมและการ์ตูนเรื่องธรรมดาและเรื่องผิดปกติ แนวจินตนิยมครอบคลุมทุกแง่มุมของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ: วรรณกรรม ดนตรี ละครเวที ปรัชญา สุนทรียศาสตร์ ปรัชญาและมนุษยศาสตร์อื่นๆ ศิลปะพลาสติก แต่ในขณะเดียวกัน มันไม่ใช่สไตล์สากลที่คลาสสิกอีกต่อไป แนวโรแมนติกแทบไม่มีรูปแบบของการแสดงออก (ดังนั้นจึงไม่ส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อสถาปัตยกรรม โดยส่วนใหญ่มีอิทธิพลต่อสถาปัตยกรรมสวนและสวนสาธารณะ สถาปัตยกรรมขนาดเล็ก และทิศทางของสิ่งที่เรียกว่ากอธิคปลอม) การไม่มีสไตล์เป็นขบวนการศิลปะทางสังคมมากนัก แนวโรแมนติกได้เปิดทางสำหรับการพัฒนาศิลปะเพิ่มเติมในศตวรรษที่ 19 ซึ่งไม่ได้เกิดขึ้นในรูปแบบของรูปแบบที่ครอบคลุม แต่อยู่ในรูปแบบของกระแสน้ำและทิศทางที่แยกจากกัน นอกจากนี้ เป็นครั้งแรกในแนวโรแมนติกที่ภาษาของรูปแบบศิลปะไม่ได้ถูกคิดใหม่ทั้งหมด: ในระดับหนึ่ง รากฐานโวหารของลัทธิคลาสสิกได้รับการเก็บรักษาไว้ ปรับเปลี่ยนอย่างมีนัยสำคัญและคิดใหม่ในแต่ละประเทศ (เช่นในฝรั่งเศส) ในเวลาเดียวกัน ภายในกรอบของทิศทางโวหารเดียว สไตล์ของศิลปินแต่ละคนได้รับอิสระในการพัฒนามากขึ้น

การพัฒนาในหลายประเทศ ความโรแมนติกในทุกหนทุกแห่งได้รับเอกลักษณ์ประจำชาติที่สดใส เนื่องจากสภาพทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงและประเพณีของชาติ สัญญาณแรกของความโรแมนติกปรากฏขึ้นเกือบพร้อมกันในประเทศต่างๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ลักษณะของแนวโรแมนติกนั้นมีอยู่แล้วในองศาที่แตกต่างกัน: ในบริเตนใหญ่ - ในภาพวาดและงานกราฟิกของ Swiss J. G. Fuseli ซึ่งความพิลึกพิลั่นที่มืดมนและซับซ้อนได้ทำลายความชัดเจนของภาพแบบคลาสสิกและในผลงานของกวีและ ศิลปิน W. Blake ตื้นตันใจด้วยวิสัยทัศน์ลึกลับ; ในสเปน - ผลงานช่วงปลายของ F. Goya เต็มไปด้วยจินตนาการที่ไร้การควบคุมและเรื่องน่าเศร้าที่น่าสลดใจ การประท้วงอย่างกระตือรือร้นต่อความอัปยศอดสูของชาติ ในฝรั่งเศส - ภาพเหมือนที่กล้าหาญและกระวนกระวายใจของ J. L. David สร้างขึ้นในช่วงปีแห่งการปฏิวัติ การแต่งเพลงและภาพเหมือนของ A.J. Gros ที่ตึงเครียดในช่วงต้น ผลงานของ P. P. Prudhon ที่แฝงไปด้วยบทกวีที่ชวนฝันและค่อนข้างสูงส่ง และยังผสมผสานแนวโรแมนติกที่ขัดแย้งกับวิธีการทางวิชาการเข้าไว้ด้วยกัน สู่ผลงานของเอฟเจอราร์ด

แนวความคิดแนวโรแมนติกที่สอดคล้องกันมากที่สุดพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงการฟื้นฟูและสถาบันพระมหากษัตริย์กรกฎาคมในการต่อสู้ที่ดื้อรั้นต่อลัทธิคัมภีร์และการใช้เหตุผลเชิงนามธรรมของลัทธิคลาสสิกทางวิชาการตอนปลาย การประท้วงต่อต้านการกดขี่และปฏิกิริยาตอบโต้ ตัวแทนหลายคนของแนวจินตนิยมฝรั่งเศสมีความสัมพันธ์โดยตรงหรือโดยอ้อมกับขบวนการทางสังคมในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และบ่อยครั้งขึ้นสู่การปฏิวัติอย่างแท้จริง ซึ่งกำหนดลักษณะการสื่อข่าวของแนวโรแมนติกที่มีประสิทธิภาพในฝรั่งเศส ศิลปินชาวฝรั่งเศสกำลังปฏิรูปวิธีการแสดงภาพและการแสดงออก: พวกเขาทำให้องค์ประกอบมีชีวิตชีวา ผสมผสานรูปแบบที่มีการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็ว ใช้สีที่อิ่มตัวที่สดใสโดยพิจารณาจากความเปรียบต่างของแสงและเงา โทนสีอบอุ่นและเย็น หันไปใช้ประกายแวววาวและแสง ซึ่งมักเป็นการลงสีแบบทั่วๆ ไป ในงานของผู้ก่อตั้งโรงเรียนโรแมนติก T. Géricault ที่ยังคงมุ่งความสนใจไปที่ภาพคลาสสิกแบบวีรบุรุษทั่วๆ ไป เป็นครั้งแรกในศิลปะฝรั่งเศส การประท้วงต่อต้านความเป็นจริงโดยรอบและความปรารถนาที่จะตอบสนองต่อเหตุการณ์พิเศษของ เวลาของเราซึ่งในผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงชะตากรรมอันน่าเศร้าของฝรั่งเศสสมัยใหม่ ในปี ค.ศ. 1820 E. Delacroix กลายเป็นหัวหน้าโรงเรียนโรแมนติกที่ได้รับการยอมรับ ความรู้สึกของการเป็นส่วนหนึ่งของเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่กำลังเปลี่ยนโฉมหน้าของโลก การดึงดูดใจไปยังจุดยอดและธีมที่น่าทึ่งทำให้เกิดสิ่งที่น่าสมเพชและความเข้มข้นอันน่าทึ่งของผลงานที่ดีที่สุดของเขา ในภาพเหมือน สิ่งสำคัญสำหรับคู่รักคือการระบุตัวละครที่สดใส ความตึงเครียดของชีวิตฝ่ายวิญญาณ การเคลื่อนไหวชั่วขณะของความรู้สึกของมนุษย์ ในภูมิทัศน์ - ชื่นชมพลังของธรรมชาติซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากองค์ประกอบของจักรวาล สำหรับกราฟิคแนวโรแมนติกของฝรั่งเศส การสร้างรูปแบบมวลชนแบบใหม่ในการพิมพ์หินและงานแกะสลักหนังสือ (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigoux, ภายหลัง Granville, G. Dore) เป็นสิ่งบ่งชี้ แนวโน้มที่โรแมนติกก็มีอยู่ในผลงานของศิลปินกราฟิกที่ใหญ่ที่สุด O. Daumier แต่พวกเขาแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาดของเขา ปรมาจารย์ด้านประติมากรรมโรแมนติก (P.J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) ย้ายจากองค์ประกอบการแปรสัณฐานอย่างเคร่งครัดมาสู่การตีความรูปแบบอย่างอิสระ จากความเฉยเมยและความยิ่งใหญ่ที่สงบของความเป็นพลาสติกแบบคลาสสิกไปจนถึงการเคลื่อนไหวที่รุนแรง

ในงานโรแมนติกฝรั่งเศสหลายเรื่องแนวโน้มอนุรักษ์นิยมของแนวโรแมนติกก็ปรากฏขึ้น (อุดมคติ, ปัจเจกนิยมของการรับรู้, กลายเป็นความสิ้นหวังที่น่าเศร้า, คำขอโทษสำหรับยุคกลาง, ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ความเสน่หาทางศาสนาและการเชิดชูสถาบันกษัตริย์ ( E. Deveria, A. Schaeffer เป็นต้น) . หลักการทางการยวนใจที่แยกจากกันยังใช้กันอย่างแพร่หลายโดยตัวแทนของศิลปะอย่างเป็นทางการซึ่งผสมผสานเข้ากับวิธีการทางวิชาการอย่างผสมผสาน (ภาพวาดประวัติศาสตร์อันไพเราะของ P. Delaroche พิธีการและการต่อสู้ที่งดงามอย่างผิวเผินของ O. Vernet, E. Meissonier, และคนอื่น ๆ).

ชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของแนวโรแมนติกในฝรั่งเศสนั้นซับซ้อนและคลุมเครือ ในงานต่อมาของผู้แทนคนสำคัญ แนวโน้มที่เป็นจริงได้ปรากฏออกมาอย่างชัดเจน ส่วนหนึ่งฝังอยู่ในแนวคิดที่โรแมนติกมากเกี่ยวกับความจำเพาะของของจริง ในทางกลับกัน งานแรกๆ ของตัวแทนของความสมจริงในศิลปะฝรั่งเศส C. Corot ปรมาจารย์ของโรงเรียน Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet ถูกจับได้ในระดับที่แตกต่างกันไปตามแนวโน้มที่โรแมนติก เวทย์มนต์และสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่ซับซ้อนซึ่งบางครั้งมีอยู่ในแนวโรแมนติกพบความต่อเนื่องในสัญลักษณ์ (G. Moreau และอื่น ๆ ); ลักษณะเฉพาะบางประการของสุนทรียศาสตร์ของแนวโรแมนติกปรากฏขึ้นอีกครั้งในศิลปะของ "สมัยใหม่" และลัทธิโพสต์อิมเพรสชันนิสม์

การพัฒนาแนวโรแมนติกในเยอรมนีและออสเตรียยิ่งซับซ้อนและขัดแย้งมากขึ้นไปอีก แนวโรแมนติกของชาวเยอรมันในยุคแรกซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยการเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดกับทุกสิ่งอย่างสูง น้ำเสียงที่เศร้าโศก-ครุ่นคิดของโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบและอารมณ์ อารมณ์ที่ลึกลับและแบบพระเจ้า ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการค้นหาในด้านการถ่ายภาพบุคคลและองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบ (F. O. Runge) เช่น และภูมิทัศน์ (K (D. Friedrich, I. A. Kokh) แนวคิดทางศาสนา-ปิตาธิปไตย ความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นจิตวิญญาณทางศาสนาและลักษณะโวหารของภาพวาดอิตาลีและเยอรมันในศตวรรษที่ 15 หล่อเลี้ยงความคิดสร้างสรรค์ของชาวนาซารีน (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius และคนอื่น ๆ ) ซึ่งตำแหน่งดังกล่าวกลายเป็นอนุรักษ์นิยมโดยเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 สำหรับศิลปินของโรงเรียนดึสเซลดอร์ฟ พวกเขามีลักษณะเฉพาะในระดับหนึ่งที่ใกล้เคียงกับแนวโรแมนติก นอกเหนือจากการร้องเพลงไอดีลยุคกลางด้วยจิตวิญญาณของกวีนิพนธ์โรแมนติกสมัยใหม่ อารมณ์ความรู้สึกและการวางแผนที่สนุกสนาน การผสมผสานระหว่างหลักการยวนใจของเยอรมันซึ่งมักจะชอบแต่งความสมจริงแบบ "burgher" แบบธรรมดาและเฉพาะเจาะจงเป็นผลงานของตัวแทนของ Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklewer, F. Kruger) และ K. Blechen . จากช่วงที่สองของศตวรรษที่ XIX แนวโรแมนติกของเยอรมันยังคงดำเนินต่อไปในภาพวาดซาลอน - วิชาการอันโอ่อ่าของ W. Kaulbach และ K. Piloty และในทางกลับกันในงานมหากาพย์และเชิงเปรียบเทียบของ L. Richter และการเล่าเรื่องประเภทห้อง - ผลงานของ K. Spitzweg และ M. von Schwind สุนทรียศาสตร์ที่โรแมนติกส่วนใหญ่กำหนดการก่อตัวของงานของ A. von Menzel ซึ่งต่อมาเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของสัจนิยมเยอรมันในศตวรรษที่ 19 เช่นเดียวกับในฝรั่งเศส ความโรแมนติกของชาวเยอรมันตอนปลาย (ในระดับที่มากกว่าภาษาฝรั่งเศส ซึ่งซึมซับลักษณะของลัทธินิยมนิยม แล้วก็ "ทันสมัย") ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เข้าร่วมด้วยสัญลักษณ์ (H. Thoma, F. von Stuck และ M. Klinger, Swiss A. Böcklin)

ในบริเตนใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบเก้า ความใกล้ชิดกับแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสและในขณะเดียวกันก็มีความแปลกใหม่แนวโน้มที่สมจริงอย่างเห็นได้ชัดทำให้ภูมิทัศน์ของ J. Constable และ R. Bonington นิยายโรแมนติกและการค้นหาวิธีการแสดงออกที่สดใหม่ - ทิวทัศน์ของ W. Turner ความทะเยอทะยานทางศาสนาและความลึกลับ ความผูกพันกับวัฒนธรรมของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น ตลอดจนความหวังสำหรับการฟื้นฟูงานหัตถกรรม ทำให้ขบวนการยุคก่อนราฟาเอไลต์สุดโรแมนติก (D. G. Rossetti, J. E. Milles, X. Hunt, E. เบิร์น-โจนส์ เป็นต้น) .

ในสหรัฐอเมริกาตลอดศตวรรษที่ 19 ทิศทางที่โรแมนติกส่วนใหญ่แสดงโดยภูมิทัศน์ (T. Kohl, J. Inness, A. P. Ryder) ภูมิทัศน์ที่โรแมนติกยังพัฒนาในประเทศอื่น ๆ แต่เนื้อหาหลักของแนวโรแมนติกในประเทศเหล่านั้นในยุโรปที่มีการปลุกจิตสำนึกในตนเองของชาติคือความสนใจในมรดกทางวัฒนธรรมและศิลปะในท้องถิ่น หัวข้อของชีวิตพื้นบ้าน ประวัติศาสตร์ของชาติ และการต่อสู้เพื่อปลดปล่อย นั่นคืองานของ G. Vappers, L. Galle, X. Leys และ A. Wirtz ในเบลเยียม, F. Ayes, D. และ J. Induno, J. Carnevali และ D. Morelli ในอิตาลี, D. A. Siqueira ในโปรตุเกส, ตัวแทน costumbrism ในละตินอเมริกา, I. Manes และ I. Navratil ในสาธารณรัฐเช็ก, M. Barabash และ V. Madaras ในฮังการี, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakovsky และ J. Matejko ผู้โรแมนติกในโปแลนด์ ขบวนการโรแมนติกระดับชาติในประเทศสลาฟ สแกนดิเนเวีย และบอลติกมีส่วนในการก่อตั้งและเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนศิลปะในท้องถิ่น

ในรัสเซียแนวโรแมนติกแสดงออกในระดับที่แตกต่างกันในผลงานของอาจารย์หลายคน - ในภาพวาดและกราฟิกของ A. O. Orlovsky ผู้ย้ายไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในภาพวาดของ O. A. Kiprensky และ V. A. Tropinin ในระดับหนึ่ง แนวจินตนิยมมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของภูมิทัศน์รัสเซีย (ผลงานของ Silv. F. Shchedrin, Vorobyov M. N. , M. I. Lebedev; ผลงานของ I. K. Aivazovsky) คุณสมบัติของแนวโรแมนติกผสมผสานกับความคลาสสิคในผลงานของ K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; ในเวลาเดียวกัน ภาพเหมือนของ Bryullov ให้การแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดของหลักการยวนใจในศิลปะรัสเซีย ความโรแมนติกส่งผลต่อภาพวาดของ P. A. Fedotov และ A. A. Ivanov ในระดับหนึ่ง

ยวนใจในสถาปัตยกรรม

หนึ่งในเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์โลก - ยอดเยี่ยม ภาษาฝรั่งเศส การปฎิวัติ- กลายเป็นช่วงเวลาแห่งโชคชะตาไม่เพียง แต่ในทางการเมือง แต่ยังรวมถึงชีวิตทางวัฒนธรรมของคนทั้งโลกด้วย ในตอนท้ายของ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในอเมริกาและยุโรป แนวโรแมนติกกลายเป็นเทรนด์โวหารที่โดดเด่นในงานศิลปะ

ยุคแห่งการตรัสรู้จบลงด้วยการปฏิวัติครั้งใหญ่ของชนชั้นนายทุน ควบคู่ไปกับความรู้สึกมั่นคงความสงบเรียบร้อยและความสงบหายไป ความคิดที่ประกาศใหม่เกี่ยวกับภราดรภาพ ความเสมอภาค และเสรีภาพได้ปลูกฝังการมองโลกในแง่ดีและศรัทธาอย่างไร้ขอบเขตในอนาคต และการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงเช่นนี้ - ความกลัวและความรู้สึกไม่มั่นคง อดีตดูเหมือนจะเป็นเกาะกอบกู้ที่ซึ่งความดี ความเหมาะสม ความจริงใจ และที่สำคัญที่สุดคือความคงเส้นคงวาปกครอง ดังนั้นแนวโรแมนติกจึงถือกำเนิดขึ้นในอุดมคติของอดีตและการค้นหาสถานที่ของบุคคลในโลกอันกว้างใหญ่

การออกดอกของแนวโรแมนติกในสถาปัตยกรรมนั้นสัมพันธ์กับการใช้การออกแบบ วิธีการ และวัสดุก่อสร้างใหม่ๆ โครงสร้างโลหะต่าง ๆ ปรากฏขึ้นสร้างสะพาน เทคโนโลยีสำหรับการผลิตเหล็กและเหล็กกล้าราคาถูกได้รับการพัฒนา

แนวโรแมนติกปฏิเสธความเรียบง่ายของรูปแบบสถาปัตยกรรม โดยนำเสนอความหลากหลาย อิสระ และเงาที่ซับซ้อน สมมาตรสูญเสียความสำคัญยิ่ง

สไตล์นี้ทำให้ชั้นวัฒนธรรมที่ร่ำรวยที่สุดของต่างประเทศเป็นจริงซึ่งห่างไกลจากชาวยุโรปมาเป็นเวลานาน ไม่เพียงแต่สถาปัตยกรรมกรีกโบราณและโรมันเท่านั้น แต่วัฒนธรรมอื่นๆ ยังได้รับการยอมรับว่ามีคุณค่าอีกด้วย สถาปัตยกรรมกอธิคกลายเป็นพื้นฐานของความโรแมนติก ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับสถาปัตยกรรมแบบตะวันออก มีความตระหนักรู้ถึงความจำเป็นในการปกป้องและฟื้นฟูอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมในสมัยก่อน

แนวจินตนิยมมีลักษณะเฉพาะด้วยการทำให้เส้นแบ่งระหว่างธรรมชาติและธรรมชาติไม่ชัดเจน: มีการออกแบบสวนสาธารณะ บ่อน้ำเทียม และน้ำตก อาคารล้อมรอบด้วยซุ้มประตู ศาลา เลียนแบบหอคอยโบราณ แนวโรแมนติกชอบสีพาสเทล

แนวโรแมนติกปฏิเสธกฎและศีล ไม่มีข้อห้ามที่เข้มงวดหรือองค์ประกอบบังคับอย่างเคร่งครัด เกณฑ์หลักคือเสรีภาพในการแสดงออก ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของมนุษย์ ความผ่อนคลายที่สร้างสรรค์

ในการตกแต่งภายในที่ทันสมัย ​​ความโรแมนติกเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นการดึงดูดรูปแบบคติชนวิทยาและวัสดุธรรมชาติ เช่น การตีขึ้นรูป หินป่า ไม้ที่ไม่ได้แกะ อย่างไรก็ตาม สไตล์ดังกล่าวไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับทิศทางสถาปัตยกรรมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19

ยวนใจในการวาดภาพ

ถ้าฝรั่งเศสเป็นบรรพบุรุษของลัทธิคลาสสิค ดังนั้น "เพื่อที่จะค้นหารากเหง้า ... ของโรงเรียนโรแมนติก" หนึ่งในโคตรของเขาเขียนว่า "เราควรไปเยอรมนี เธอเกิดที่นั่น และที่นั่นมีรสนิยมโรแมนติกแบบอิตาลีและฝรั่งเศสสมัยใหม่

เยอรมนีที่แตกแยกไม่รู้จักการลุกฮือของการปฏิวัติ ความโรแมนติกของชาวเยอรมันหลายคนต่างจากความคิดทางสังคมขั้นสูงที่น่าสมเพช พวกเขาทำให้ยุคกลางเป็นอุดมคติ พวกเขายอมจำนนต่อแรงกระตุ้นทางวิญญาณที่ไม่สามารถนับได้พูดคุยเกี่ยวกับการละทิ้งชีวิตมนุษย์ ศิลปะของพวกเขาหลายคนเป็นแบบพาสซีฟและครุ่นคิด พวกเขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดในด้านการวาดภาพบุคคลและภูมิทัศน์

เขาเป็นจิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่น อ็อตโต Runge(1777-1810) ภาพเหมือนของปรมาจารย์ผู้นี้มีความสงบภายนอก ตื่นตาตื่นใจกับชีวิตภายในที่เข้มข้นและเข้มข้น

รุงเงอิน .เห็นภาพกวีโรแมนติก " ภาพเหมือน". เขาตรวจสอบตัวเองอย่างระมัดระวังและเห็นชายหนุ่มผมสีเข้ม ตาดำ จริงจัง เต็มไปด้วยพลัง ครุ่นคิดและมีความมุ่งมั่น ศิลปินโรแมนติกต้องการรู้จักตัวเอง ลักษณะการทำงานของภาพเหมือนนั้นรวดเร็วและกว้างใหญ่ราวกับว่าพลังงานทางจิตวิญญาณของผู้สร้างควรจะถ่ายทอดไปแล้วในเนื้อสัมผัสของงาน ในช่วงที่มีสีสันเข้ม ความแตกต่างของแสงและความมืดปรากฏขึ้น ความคมชัดเป็นเทคนิคการถ่ายภาพที่เป็นลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ที่โรแมนติก

ศิลปินในโกดังแสนโรแมนติกจะพยายามจับอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงไปของบุคคล มองเข้าไปในจิตวิญญาณของเขา และด้วยเหตุนี้ ภาพเหมือนของเด็ก ๆ จะเป็นวัสดุที่อุดมสมบูรณ์สำหรับเขา ที่ " ภาพเหมือน เด็ก Huelsenbeck” (1805) Runge ไม่เพียงแต่สื่อถึงความมีชีวิตชีวาและความฉับไวของตัวละครเด็กเท่านั้น แต่ยังพบกับการต้อนรับเป็นพิเศษสำหรับอารมณ์ที่สดใส พื้นหลังในภาพเป็นภูมิทัศน์ ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นเครื่องยืนยันถึงของขวัญที่มีสีสันของศิลปินเท่านั้น ทัศนคติที่น่าชื่นชมต่อธรรมชาติ แต่ยังรวมถึงการเกิดขึ้นของปัญหาใหม่ในการสร้างความสัมพันธ์เชิงพื้นที่อย่างเชี่ยวชาญ เฉดสีอ่อนของวัตถุในที่โล่ง ปรมาจารย์ด้านความโรแมนติกที่ต้องการรวม "ฉัน" ของเขาเข้ากับพื้นที่กว้างใหญ่ของจักรวาล พยายามจับภาพธรรมชาติที่จับต้องได้ แต่ด้วยความเย้ายวนของภาพ เขาชอบที่จะเห็นสัญลักษณ์ของโลกใบใหญ่ "ความคิดของศิลปิน"

Runge หนึ่งในศิลปินแนวโรแมนติกกลุ่มแรกๆ ที่มีภารกิจในการสังเคราะห์งานศิลปะ: จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี ศิลปินเพ้อฝันเสริมแนวคิดทางปรัชญาของเขาด้วยแนวคิดของนักคิดชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 เจคอบ โบเอห์เม. โลกนี้เป็นโลกทั้งมวลที่ลี้ลับ ซึ่งแต่ละอนุภาคแสดงออกถึงสิ่งทั้งปวง แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกของทวีปยุโรปทั้งหมด

จิตรกรโรแมนติกชาวเยอรมันผู้โด่งดังอีกคน แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช(พ.ศ. 2317-2483) ชอบภูมิทัศน์มากกว่าประเภทอื่น ๆ และตลอดชีวิตของเขาเขาวาดภาพธรรมชาติเท่านั้น แรงจูงใจหลักของงานของฟรีดริชคือแนวคิดเรื่องความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ

“ฟังเสียงของธรรมชาติที่พูดในตัวเรา” ศิลปินแนะนำนักเรียนของเขา โลกภายในของบุคคลแสดงถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาลดังนั้นเมื่อได้ยินตัวเองแล้วบุคคลก็สามารถเข้าใจส่วนลึกทางวิญญาณของโลกได้

ตำแหน่งการฟังกำหนดรูปแบบหลักของ "การสื่อสาร" ของบุคคลที่มีธรรมชาติและภาพลักษณ์ นี่คือความยิ่งใหญ่ ความลึกลับ หรือการตรัสรู้ของธรรมชาติและสภาพจิตสำนึกของผู้สังเกต จริงอยู่บ่อยครั้งฟรีดริชไม่อนุญาตให้ร่าง "เข้าสู่" พื้นที่แนวนอนของภาพวาดของเขา แต่ในการแทรกซึมที่ละเอียดอ่อนของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของพื้นที่กว้างใหญ่ที่แผ่กิ่งก้านสาขาการมีอยู่ของความรู้สึกประสบการณ์ของบุคคล ลัทธิอัตวิสัยในการพรรณนาภูมิทัศน์มาสู่งานศิลปะเฉพาะกับงานของ Romantics ซึ่งคาดการณ์ถึงการเปิดเผยโคลงสั้น ๆ ของธรรมชาติโดยผู้เชี่ยวชาญในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นักวิจัยตั้งข้อสังเกตในผลงานของฟรีดริชว่า "การขยายตัวของละคร" ของลวดลายภูมิทัศน์ ผู้เขียนสนใจทะเล ภูเขา ป่าไม้ และธรรมชาติหลากหลายเฉดสีในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและวัน

ค.ศ. 1811-1812 โดดเด่นด้วยการสร้างชุดทิวทัศน์ภูเขาอันเป็นผลมาจากการเดินทางสู่ภูเขาของศิลปิน ” เช้า ใน ภูเขา” แสดงถึงความเป็นจริงทางธรรมชาติใหม่ที่งดงามซึ่งถือกำเนิดขึ้นท่ามกลางแสงตะวันที่ขึ้น โทนสีชมพูอมม่วงจะห่อหุ้มและกีดกันพวกเขาจากปริมาตรและแรงโน้มถ่วงของวัสดุ ปีแห่งการต่อสู้กับนโปเลียน (ค.ศ. 1812-1813) ทำให้ฟรีดริชกลายเป็นธีมเกี่ยวกับความรักชาติ เขาเขียนภาพประกอบซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากละครของ Kleist “ หลุมฝังศพ อาร์มิเนีย” - ภูมิประเทศที่มีหลุมศพของวีรบุรุษเยอรมันโบราณ

ฟรีดริชเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านท้องทะเลที่ละเอียดอ่อน: “ อายุ” , “ พระอาทิตย์ขึ้น ดวงจันทร์ ข้างบน โดยทะเล” , ” ดูม “ ความหวัง” ใน น้ำแข็ง” .

ผลงานล่าสุดของศิลปิน - “ การพักผ่อน บน สนาม” , “ ใหญ่ บึงหนองทำให้ท่วม” และ “ หน่วยความจำ เกี่ยวกับ มหึมา ภูเขา” , ” มหึมา ภูเขา” - เทือกเขาและหินเป็นชุดในเบื้องหน้าที่มืดมิด เห็นได้ชัดว่านี่เป็นการหวนคืนสู่ความรู้สึกที่มีประสบการณ์ของชัยชนะของบุคคลเหนือตัวเอง ความสุขของการขึ้นสู่ "จุดสูงสุดของโลก" ความปรารถนาในความสูงที่ไม่มีใครเอาชนะได้ ความรู้สึกของศิลปินในลักษณะพิเศษประกอบมวลภูเขาเหล่านี้และอ่านการเคลื่อนไหวจากความมืดของขั้นตอนแรกสู่แสงในอนาคตอีกครั้ง ยอดเขาที่อยู่ด้านหลังถูกเน้นให้เป็นศูนย์กลางของแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณของอาจารย์ รูปภาพมีความเชื่อมโยงกันมาก เช่นเดียวกับงานโรแมนติกอื่นๆ และเกี่ยวข้องกับระดับการอ่านและการตีความที่แตกต่างกัน

ฟรีดริชมีความแม่นยำมากในการวาดภาพ มีความกลมกลืนทางดนตรีในการสร้างภาพวาดของเขาเป็นจังหวะ ซึ่งเขาพยายามพูดผ่านอารมณ์ของสีและเอฟเฟกต์แสง “หลายคนให้น้อย น้อยคนให้มาก ทุกคนเปิดจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติด้วยวิธีที่ต่างออกไป ดังนั้นจึงไม่มีใครกล้าถ่ายทอดประสบการณ์และกฎเกณฑ์ของเขาให้ผู้อื่นเป็นกฎหมายที่ไม่มีเงื่อนไขผูกพัน ไม่มีใครเป็นตัววัดทั้งหมด ทุกคนมีมาตรการในตัวเองเท่านั้นสำหรับตัวเขาเองและสำหรับธรรมชาติที่เป็นญาติกับเขาไม่มากก็น้อย” ภาพสะท้อนของอาจารย์นี้พิสูจน์ความสมบูรณ์ที่น่าอัศจรรย์ของชีวิตภายในและความคิดสร้างสรรค์ของเขา เอกลักษณ์ของศิลปินนั้นชัดเจนในเสรีภาพในการทำงานของเขาเท่านั้น - ฟรีดริชที่โรแมนติกยืนหยัดบนสิ่งนี้

ดูเหมือนว่าเป็นทางการมากขึ้นคือการปลดจากศิลปิน - "คลาสสิก" - ตัวแทนของศิลปะคลาสสิกของสาขาอื่นของการวาดภาพโรแมนติกในเยอรมนี - นาซารีน. ก่อตั้งขึ้นในกรุงเวียนนาและตั้งรกรากในกรุงโรม (ค.ศ. 1809-1810) "สหภาพเซนต์ลุค" ได้รวมเอาผู้เชี่ยวชาญเข้ากับแนวคิดในการฟื้นฟูศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของประเด็นทางศาสนา ยุคกลางเป็นช่วงเวลาที่โปรดปรานของประวัติศาสตร์สำหรับพวกโรแมนติก แต่ในการแสวงหาศิลปะของพวกเขา ชาวนาซารีนหันไปใช้ประเพณีการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกในอิตาลีและเยอรมนี Overbeck และ Geforr เป็นผู้ริเริ่มพันธมิตรใหม่ ซึ่งต่อมาได้เข้าร่วมโดย Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich

การเคลื่อนไหวของพวกนาซารีนสอดคล้องกับรูปแบบการต่อต้านนักวิชาการคลาสสิกในฝรั่งเศส อิตาลี และอังกฤษ ตัวอย่างเช่น ในฝรั่งเศส ศิลปินที่เรียกว่า "ดึกดำบรรพ์" โผล่ออกมาจากห้องทำงานของเดวิด และในอังกฤษ กลุ่มศิลปินยุคก่อนราฟาเอล ในจิตวิญญาณของประเพณีโรแมนติกพวกเขาถือว่าศิลปะเป็น "การแสดงออกของเวลา" ซึ่งเป็น "จิตวิญญาณของผู้คน" แต่ความชอบเฉพาะเรื่องหรือเป็นทางการซึ่งในตอนแรกฟังดูเหมือนสโลแกนของความสามัคคีหลังจากผ่านไปครู่หนึ่ง ไปในหลักคำสอนเดียวกันกับของสถาบันซึ่งพวกเขาปฏิเสธ

ศิลปะแนวโรแมนติกในฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นในรูปแบบพิเศษ สิ่งแรกที่ทำให้แตกต่างจากการเคลื่อนไหวที่คล้ายกันในประเทศอื่น ๆ คือลักษณะนิสัยก้าวร้าว ("ปฏิวัติ") ที่กระฉับกระเฉง กวี นักเขียน นักดนตรี ศิลปิน ไม่เพียงแต่ปกป้องตำแหน่งของพวกเขาด้วยการสร้างผลงานใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการมีส่วนร่วมในการโต้เถียงในนิตยสารและหนังสือพิมพ์ด้วย ซึ่งนักวิจัยมองว่าเป็น "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" วี. ฮูโก้, สเตนดาล, จอร์จ แซนด์, แบร์ลิออซ และนักเขียน นักประพันธ์เพลง และนักข่าวชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ได้ "ขัดเกลาขนนก" ในการโต้เถียงที่โรแมนติก

ภาพวาดโรแมนติกในฝรั่งเศสเกิดขึ้นจากการต่อต้านโรงเรียนคลาสสิกของ David ซึ่งเป็นศิลปะเชิงวิชาการที่เรียกกันว่า "โรงเรียน" โดยทั่วไป แต่สิ่งนี้ต้องเข้าใจในความหมายที่กว้างกว่า นั่นคือเป็นการต่อต้านอุดมการณ์อย่างเป็นทางการของยุคปฏิกิริยา ซึ่งเป็นการประท้วงต่อต้านข้อจำกัดเล็กๆ น้อยๆ ของชนชั้นนายทุน ดังนั้นลักษณะที่น่าสมเพชของงานโรแมนติก ความตื่นเต้นทางประสาท แรงดึงดูดของลวดลายแปลกตา โครงเรื่องประวัติศาสตร์และวรรณกรรม ไปจนถึงทุกสิ่งที่สามารถนำพาให้พ้นจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" ได้ ดังนั้นการเล่นแห่งจินตนาการนี้ และบางครั้งกลับตรงกันข้าม ความเพ้อฝันและขาดกิจกรรมอย่างสมบูรณ์

ตัวแทนของ "โรงเรียน" นักวิชาการได้กบฏก่อนอื่นกับภาษาของความรัก: สีที่ร้อนแรงของพวกเขาการสร้างแบบจำลองของพวกเขาไม่ใช่สิ่งที่คุ้นเคยกับ "คลาสสิก" รูปปั้น - พลาสติก แต่ สร้างขึ้นจากจุดสีที่ตัดกันอย่างมาก การวาดภาพที่แสดงออกโดยเจตนาปฏิเสธที่จะแม่นยำ องค์ประกอบที่กล้าหาญและวุ่นวายบางครั้งปราศจากความสง่างามและความสงบที่ไม่สั่นคลอน Ingres ศัตรูตัวฉกาจของความโรแมนติกจนกระทั่งถึงจุดจบของชีวิตของเขากล่าวว่า Delacroix "เขียนด้วยไม้กวาดบ้า" และ Delacroix กล่าวหา Ingres และศิลปินทั้งหมดของ "โรงเรียน" เกี่ยวกับความเยือกเย็นความมีเหตุมีผลขาดการเคลื่อนไหวที่พวกเขา อย่าเขียน แต่ "ทาสี" ภาพวาดของพวกเขา แต่นี่ไม่ใช่การปะทะกันง่ายๆ ระหว่างสองบุคลิกที่สดใสและแตกต่างอย่างสิ้นเชิง แต่เป็นการต่อสู้ระหว่างโลกทัศน์ทางศิลปะที่แตกต่างกันสองแห่ง

การต่อสู้ครั้งนี้กินเวลาเกือบครึ่งศตวรรษ ความโรแมนติกในงานศิลปะไม่ได้ชนะง่ายๆ และไม่ใช่ในทันที และศิลปินคนแรกของเทรนด์นี้คือ ธีโอดอร์ gericault(ค.ศ. 1791-1824) - ต้นแบบของรูปแบบอนุสาวรีย์ที่กล้าหาญซึ่งรวมเอาคุณสมบัติคลาสสิกและคุณสมบัติของแนวโรแมนติกไว้ในงานของเขาและในที่สุดก็เป็นจุดเริ่มต้นที่สมจริงที่ทรงพลังซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะแห่งความสมจริงในช่วงกลางของ ศตวรรษที่ 19 แต่ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการชื่นชมจากเพื่อนสนิทเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

ชื่อของ Theodore Zhariko เกี่ยวข้องกับความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของแนวโรแมนติก ในภาพวาดแรก ๆ ของเขา (ภาพเหมือนของทหาร, รูปม้า) อุดมคติโบราณได้ลดระดับลงก่อนที่จะรับรู้ถึงชีวิตโดยตรง

ในร้านเสริมสวยในปี พ.ศ. 2355 Géricaultแสดงภาพ “ เจ้าหน้าที่ จักรวรรดิ ขี่ม้า เรนเจอร์ ใน เวลา การโจมตี”. เป็นปีแห่งความรุ่งโรจน์ของนโปเลียนและอำนาจทางทหารของฝรั่งเศส

องค์ประกอบของภาพนำเสนอผู้ขี่ในมุมมองที่ผิดปกติของช่วงเวลาที่ "กะทันหัน" เมื่อม้ายกขึ้น และผู้ขับขี่ซึ่งถือตำแหน่งม้าเกือบในแนวตั้งหันไปทางผู้ชม ภาพของช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง ความเป็นไปไม่ได้ของท่าทางช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหว ม้ามีจุดหนุนอยู่หนึ่งจุด มันต้องล้มลงกับพื้น กรูเข้าต่อสู้ที่นำมันมาสู่สภาพเช่นนั้น มาบรรจบกันมากในงานนี้: ศรัทธาที่ไม่มีเงื่อนไขของ Gericault ในความเป็นไปได้ของบุคคลที่เป็นเจ้าของพลังของตัวเอง ความรักที่เร่าร้อนในการวาดม้าและความกล้าหาญของอาจารย์สามเณรในการแสดงสิ่งที่มีเพียงดนตรีหรือภาษาของกวีนิพนธ์เท่านั้นที่สามารถสื่อได้ก่อนหน้านี้ - ความตื่นเต้นของ การต่อสู้ จุดเริ่มต้นของการโจมตี สายพันธุ์สุดท้ายของสิ่งมีชีวิต นักเขียนรุ่นเยาว์สร้างภาพลักษณ์ของเขาในการถ่ายทอดพลวัตของการเคลื่อนไหว และเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่จะตั้งค่าให้ผู้ชม "เดา" ว่าเขาต้องการจะสื่อถึงอะไร

ประเพณีของพลวัตดังกล่าวของการบรรยายภาพเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ในฝรั่งเศสนั้นไม่มีอยู่จริง ยกเว้นบางทีในการบรรเทาทุกข์ของวัดแบบโกธิก เพราะเมื่อ Gericault มาที่อิตาลีเป็นครั้งแรก เขาตกตะลึงกับพลังที่ซ่อนเร้นของการประพันธ์เพลงของมีเกลันเจโล “ฉันตัวสั่น” เขาเขียน “ฉันสงสัยในตัวเองและไม่สามารถฟื้นจากประสบการณ์นี้ได้เป็นเวลานาน” แต่สเตนดาลชี้ว่าไมเคิลแองเจโลเป็นผู้บุกเบิกเทรนด์โวหารใหม่ในงานศิลปะก่อนหน้านี้ในบทความเชิงโต้แย้งของเขา

ภาพวาดของ Gericault ไม่เพียงประกาศการกำเนิดของพรสวรรค์ทางศิลปะใหม่เท่านั้น แต่ยังเป็นการยกย่องความหลงใหลและความผิดหวังของผู้เขียนด้วยแนวคิดของนโปเลียน มีงานอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้: เจ้าหน้าที่ carabinieri”, “ เจ้าหน้าที่ คนรับใช้ ก่อน จู่โจม”, “ ภาพเหมือน carabinieri”, “ ได้รับบาดเจ็บ คนรับใช้”.

ในบทความเรื่อง "การสะท้อนถึงสภาพของภาพวาดในฝรั่งเศส" เขาเขียนว่า "ความหรูหราและศิลปะได้กลายเป็น ... ความจำเป็นและเป็นอาหารสำหรับจินตนาการซึ่งเป็นชีวิตที่สองของบุคคลที่มีอารยะธรรม . .. ไม่ใช่เรื่องของความจำเป็นอย่างยิ่ง ศิลปะจะปรากฏก็ต่อเมื่อความต้องการที่จำเป็นนั้นได้รับการตอบสนองและเมื่อความอุดมสมบูรณ์มาถึงเท่านั้น ชายผู้หนึ่งซึ่งเป็นอิสระจากความกังวลในชีวิตประจำวัน เริ่มแสวงหาความสุขเพื่อขจัดความเบื่อหน่าย ซึ่งจะแซงหน้าเขาท่ามกลางความพอใจอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

Gericault ได้แสดงให้เห็นความเข้าใจในบทบาทการศึกษาและมนุษยนิยมของศิลปะดังกล่าวหลังจากกลับมาจากอิตาลีในปี พ.ศ. 2361 - เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการพิมพ์หินโดยทำซ้ำหัวข้อต่าง ๆ รวมถึงความพ่ายแพ้ของนโปเลียน ( “ กลับ จาก รัสเซีย” ).

ในเวลาเดียวกัน ศิลปินหันไปมองภาพการตายของเรือรบ "เมดูซ่า" นอกชายฝั่งแอฟริกา ซึ่งทำให้สังคมตื่นตระหนกอย่างมาก ภัยพิบัติเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งภายใต้การอุปถัมภ์ ผู้โดยสารที่รอดตายของเรือ ศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correar ได้พูดถึงรายละเอียดเกี่ยวกับอุบัติเหตุครั้งนี้

เรือที่กำลังจะตายสามารถสลัดแพได้ซึ่งมีคนช่วยเพียงไม่กี่คน พวกเขาถูกลากไปตามทะเลที่โหมกระหน่ำเป็นเวลาสิบสองวันจนกระทั่งพวกเขาได้พบกับความรอด - เรือ "อาร์กัส"

Gericault สนใจในสถานการณ์ตึงเครียดขั้นสุดท้ายของความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ภาพวาดแสดงให้เห็นผู้โดยสารที่รอดชีวิต 15 คนบนแพเมื่อพวกเขาเห็นอาร์กัสบนขอบฟ้า “ แพ “ แมงกระพรุน” เป็นผลจากการเตรียมงานอันยาวนานของศิลปิน เขาสร้างภาพร่างของท้องทะเลที่โหมกระหน่ำ เป็นภาพคนที่ได้รับการช่วยเหลือในโรงพยาบาล ในตอนแรก Gericault ต้องการแสดงการต่อสู้ของผู้คนบนแพด้วยกัน แต่แล้วเขาก็ตกลงกับพฤติกรรมที่กล้าหาญของผู้ชนะของธาตุทะเลและความประมาทเลินเล่อของรัฐ ผู้คนอดทนต่อความโชคร้ายอย่างกล้าหาญและความหวังในความรอดไม่ได้ทิ้งพวกเขาไว้: แต่ละกลุ่มบนแพมีลักษณะของตัวเอง ในการสร้างองค์ประกอบ Gericault เลือกมุมมองจากด้านบน ซึ่งทำให้เขาสามารถรวมการครอบคลุมพื้นที่แบบพาโนรามา (ระยะทางทะเล) และพรรณนาภาพได้ ทำให้ผู้อยู่อาศัยในแพทั้งหมดอยู่ใกล้กับพื้นหน้ามาก ความชัดเจนของจังหวะการเจริญเติบโตของไดนามิกจากกลุ่มหนึ่งไปยังอีกกลุ่มหนึ่ง ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่า สีเข้มของภาพกำหนดข้อสังเกตบางประการเกี่ยวกับความธรรมดาของภาพ แต่นี่ไม่ใช่ประเด็นสำหรับผู้ชมที่รับรู้ ซึ่งการใช้ภาษาตามแบบแผนช่วยให้เข้าใจและรู้สึกถึงสิ่งสำคัญ: ความสามารถของบุคคลในการต่อสู้และชนะ

นวัตกรรมของ Géricault เปิดโอกาสใหม่ๆ ในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ทำให้คนรู้สึกกังวล ความรู้สึกที่ซ่อนอยู่ของบุคคล

ทายาทของ Géricault ในภารกิจของเขาคือ ยูจีน Delacroix. จริงอยู่ เดลาครัวซ์ได้รับอนุญาตสองเท่าของอายุขัยของเขา และเขาไม่เพียงแต่พิสูจน์ความถูกต้องของแนวโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังให้พรทิศทางใหม่ในการวาดภาพในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ด้วย - อิมเพรสชั่นนิสม์

ก่อนที่จะเริ่มเขียนด้วยตัวเอง Eugene เรียนที่โรงเรียน Lerain: เขาวาดภาพจากชีวิตคัดลอก Rubens ผู้ยิ่งใหญ่ Rembrandt Veronese Titian ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ... ศิลปินหนุ่มทำงาน 10-12 ชั่วโมงต่อวัน เขาจำคำพูดของไมเคิลแองเจโลผู้ยิ่งใหญ่ได้: “ภาพวาดเป็นนายหญิงที่ขี้หึง ต้องการคนทั้งตัว…”

หลังจากการแสดงสาธิตโดย Géricault Delacroix ทราบดีว่าช่วงเวลาแห่งความวุ่นวายทางอารมณ์ที่รุนแรงได้มาถึงงานศิลปะแล้ว ประการแรก เขาพยายามทำความเข้าใจยุคใหม่สำหรับเขาผ่านโครงเรื่องทางวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของเขา “ ดันเต้ และ เวอร์จิล” ที่นำเสนอในร้านเสริมสวยในปี 2365 เป็นความพยายามผ่านภาพเชื่อมโยงทางประวัติศาสตร์ของกวีสองคน: สมัยโบราณ - Virgil และ Renaissance - Dante - เพื่อดูหม้อต้ม "นรก" แห่งยุคสมัยใหม่ ครั้งหนึ่งใน "Divine Comedy" ของเขา ดันเต้ยึดดินแดนของเวอร์จิลเพื่อคุ้มกันในทุกด้าน (สวรรค์ นรก นรก) ในงานของ Dante โลกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่เกิดขึ้นจากการประสบกับความทรงจำของสมัยโบราณในยุคกลาง สัญลักษณ์ของความโรแมนติกในฐานะการสังเคราะห์ของสมัยโบราณ, ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและยุคกลางเกิดขึ้นใน "ความสยองขวัญ" ของนิมิตของ Dante และ Virgil แต่อุปมานิทัศน์เชิงปรัชญาที่ซับซ้อนกลับกลายเป็นภาพประกอบทางอารมณ์ที่ดีของยุคก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวรรณกรรมชิ้นเอกที่เป็นอมตะ

Delacroix จะพยายามค้นหาการตอบสนองโดยตรงในหัวใจของคนรุ่นเดียวกันผ่านความปวดใจของเขาเอง คนหนุ่มสาวในสมัยนั้นเผาไหม้ด้วยเสรีภาพและความเกลียดชังต่อผู้กดขี่ เห็นอกเห็นใจกับสงครามปลดปล่อยกรีซ กวีสุดโรแมนติกแห่งอังกฤษ ไบรอน กำลังไปที่นั่นเพื่อต่อสู้ Delacroix มองเห็นความหมายของยุคใหม่ในการพรรณนาถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น นั่นคือการต่อสู้และความทุกข์ทรมานของกรีซผู้รักอิสระ เขาอาศัยอยู่ในแผนการการตายของประชากรของเกาะ Chios ของกรีกซึ่งถูกจับโดยพวกเติร์ก ที่ Salon of 1824 Delacroix แสดงภาพวาด “ การสังหารหมู่ บน เกาะ ชิโอเสะ”. ศิลปินแสดงกลุ่มผู้หญิงและเด็กที่ได้รับบาดเจ็บ หมดแรง และเด็กหลายกลุ่ม พวกเขามีเสรีภาพในนาทีสุดท้ายก่อนที่ศัตรูจะเข้ามาใกล้ ชาวเติร์กบนหลังม้าเลี้ยงทางด้านขวาดูเหมือนจะแขวนอยู่เหนือพื้นหน้าทั้งหมดและผู้ประสบภัยจำนวนมากที่อยู่ที่นั่น ร่างกายที่สวยงาม ใบหน้าของคนที่หลงใหล โดยวิธีการที่ Delacroix จะเขียนในภายหลังว่าประติมากรรมกรีกถูกเปลี่ยนโดยศิลปินเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ซ่อนความงามที่แท้จริงของกรีกของใบหน้าและรูปร่าง แต่ด้วยการเปิดเผย "ความงามของจิตวิญญาณ" ต่อหน้าชาวกรีกที่พ่ายแพ้ จิตรกรจึงแสดงเหตุการณ์ดังกล่าวอย่างมาก เพื่อที่จะรักษาจังหวะแห่งความตึงเครียดที่มีพลังเพียงครั้งเดียว เขาจึงไปที่การเปลี่ยนรูปของมุมของร่าง "ข้อผิดพลาด" เหล่านี้ได้ "แก้ไข" แล้วโดยงานของ Gericault แต่ Delacroix ได้แสดงให้เห็นถึงความเชื่อที่โรแมนติกอีกครั้งว่าภาพวาดนั้น "ไม่ใช่ความจริงของสถานการณ์ แต่เป็นความจริงของความรู้สึก"

ในปี 1824 Delacroix สูญเสีย Géricault เพื่อนและครูของเขา และเขาก็กลายเป็นผู้นำของภาพวาดใหม่

หลายปีผ่านไป ทีละภาพปรากฏ: “ กรีซ บน ซากปรักหักพัง มิสซาลุงจิ”, “ ความตาย ศรดานาปาล” และอื่น ๆ ศิลปินกลายเป็นผู้ถูกขับไล่ในแวดวงจิตรกร แต่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ได้เปลี่ยนสถานการณ์ เธอจุดประกายศิลปินด้วยความโรแมนติกของชัยชนะและความสำเร็จ เขาวาดภาพ “ เสรีภาพ บน เครื่องกีดขวาง”.

ในปี ค.ศ. 1831 ชาวฝรั่งเศสเห็นภาพนี้เป็นครั้งแรกที่ Paris Salon ซึ่งอุทิศให้กับ "สามวันอันรุ่งโรจน์" ของการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ผืนผ้าใบสร้างความประทับใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยอำนาจ ประชาธิปไตย และความกล้าหาญของการตัดสินใจทางศิลปะ ตามตำนาน ชนชั้นนายทุนผู้น่านับถือคนหนึ่งอุทานว่า: “เจ้าพูดหรือ - หัวหน้าโรงเรียน? บอกฉันดีกว่า - หัวหน้ากบฏ! หลังจากซาลอนปิดตัวลง รัฐบาลที่หวาดกลัวกับคำอุทธรณ์ที่คุกคามและสร้างแรงบันดาลใจที่เล็ดลอดออกมาจากภาพ จึงรีบส่งคืนให้ผู้เขียน ระหว่างการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1848 พระราชวังลักเซมเบิร์กได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะอีกครั้ง และกลับมาหาศิลปินอีกครั้ง หลังจากที่ผ้าใบถูกจัดแสดงที่งานนิทรรศการโลกในปารีสในปี พ.ศ. 2398 ก็จบลงที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ หนึ่งในการสร้างสรรค์แนวโรแมนติกที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสยังคงอยู่ที่นี่มาจนถึงทุกวันนี้ - เรื่องราวที่ได้รับแรงบันดาลใจจากผู้เห็นเหตุการณ์และเป็นอนุสาวรีย์นิรันดร์สำหรับการต่อสู้ของประชาชนเพื่ออิสรภาพ

ภาษาศิลปะแบบใดที่หนุ่มสาวชาวฝรั่งเศสโรแมนติกพบเพื่อรวมหลักการทั้งสองที่ดูเหมือนตรงกันข้ามเข้าด้วยกัน - ลักษณะทั่วไปที่กว้างและครอบคลุมทั้งหมดและความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรมโหดร้ายในความเปลือยเปล่า

ปารีสในเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1830 ในระยะไกลนั้นแทบจะสังเกตไม่เห็น แต่ทำให้หอคอยของมหาวิหารนอเทรอดามสูงขึ้นอย่างภาคภูมิใจซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และจิตวิญญาณของชาวฝรั่งเศส จากที่นั่น จากเมืองที่มีควัน เหนือซากปรักหักพังของรั้วกั้น เหนือศพของสหายที่ตายแล้ว พวกก่อความไม่สงบออกมาข้างหน้าอย่างดื้อรั้นและเด็ดเดี่ยว พวกเขาแต่ละคนสามารถตายได้ แต่ขั้นตอนของกบฏนั้นไม่สั่นคลอน - พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากความตั้งใจที่จะชนะเพื่ออิสรภาพ

พลังที่สร้างแรงบันดาลใจนี้รวมอยู่ในภาพลักษณ์ของหญิงสาวสวย ในการเรียกร้องหาเธออย่างแรงกล้า ด้วยพลังที่ไม่รู้จักหมด การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและอิสระในวัยเยาว์ เธอเปรียบเสมือนไนกี้ เทพธิดาแห่งชัยชนะของกรีก รูปร่างที่แข็งแรงของเธอสวมชุดชีฟอง ใบหน้าของเธอเต็มไปด้วยคุณสมบัติที่สมบูรณ์แบบ ดวงตาที่เร่าร้อน หันไปหาพวกกบฏ ในมือข้างหนึ่งเธอถือธงไตรรงค์ของฝรั่งเศส อีกมือหนึ่งคือปืน บนหัวมีหมวก Phrygian - สัญลักษณ์โบราณของการปลดปล่อยจากการเป็นทาส ก้าวของเธอนั้นรวดเร็วและเบา - นี่คือขั้นตอนของเทพธิดา ในขณะเดียวกัน ภาพลักษณ์ของผู้หญิงก็เป็นของจริง - เธอเป็นลูกสาวของชาวฝรั่งเศส เธอเป็นกำลังนำทางเบื้องหลังการเคลื่อนไหวของกลุ่มบนเครื่องกีดขวาง จากมันในฐานะแหล่งกำเนิดแสงในใจกลางของพลังงานรังสีจะแผ่ซ่านไปด้วยความกระหายและความปรารถนาที่จะชนะ คนที่อยู่ใกล้กัน แสดงออกถึงการมีส่วนร่วมในการเรียกที่สร้างแรงบันดาลใจนี้ ด้วยวิธีของตนเอง

ทางขวามือเป็นเด็กผู้ชาย เป็นชาวปารีส ถือปืนกวัดแกว่ง เขาใกล้ชิดกับอิสรภาพมากที่สุดและดังเช่นที่เคยเป็นมา ความกระตือรือร้นและความสุขของเธอจากแรงกระตุ้นที่เป็นอิสระ ในการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและไร้ความอดทนแบบเด็กๆ เขาได้ล้ำหน้าผู้สร้างแรงบันดาลใจเพียงเล็กน้อย นี่คือบรรพบุรุษของ Gavroche ในตำนาน ซึ่งแสดงโดย Victor Hugo ในอีกยี่สิบปีต่อมาในนวนิยาย Les Misérables: “Gavroche เต็มไปด้วยแรงบันดาลใจ สดใส รับหน้าที่ในการทำให้ทุกอย่างเคลื่อนไหว เขารีบวิ่งไปกลับ ลุกขึ้น ล้มลง ลุกขึ้นอีกครั้ง ทำเสียง เปล่งประกายด้วยความปิติยินดี ดูเหมือนว่าเขามาที่นี่เพื่อให้กำลังใจทุกคน เขามีแรงจูงใจในเรื่องนี้หรือไม่? ใช่ แน่นอน ความยากจนของเขา เขามีปีกหรือไม่? ใช่ แน่นอน ความร่าเริงของเขา มันเป็นลมกรดชนิดหนึ่ง ดูเหมือนว่าจะเติมอากาศด้วยตัวมันเองมีอยู่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ... เครื่องกีดขวางขนาดใหญ่รู้สึกได้ถึงกระดูกสันหลัง

Gavroche ในภาพวาดของ Delacroix เป็นตัวตนของเยาวชน "แรงกระตุ้นที่สวยงาม" การยอมรับอย่างสนุกสนานต่อแนวคิดอันสดใสของเสรีภาพ สองภาพ - Gavroche และ Liberty - ดูเหมือนจะเสริมซึ่งกันและกัน: หนึ่งคือไฟและอีกอันเป็นคบเพลิงที่จุดจากมัน ไฮน์ริช ไฮเนอ เล่าถึงการตอบสนองที่มีชีวิตชีวาของร่างของ Gavroche ที่เกิดขึ้นในหมู่ชาวปารีส "นรก! คนขายของชำอุทาน “เด็กพวกนั้นสู้เหมือนยักษ์!”

ซ้ายมือเป็นนักเรียนถือปืน ก่อนหน้านี้ถูกมองว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปิน กบฏคนนี้ไม่เร็วเท่ากาฟรอช การเคลื่อนไหวของเขาถูก จำกัด มากขึ้นมีสมาธิและมีความหมายมากขึ้น มือบีบปากกระบอกปืนอย่างมั่นใจ ใบหน้าแสดงออกถึงความกล้าหาญ ตั้งใจแน่วแน่ที่จะยืนหยัดจนถึงที่สุด นี่เป็นภาพที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง นักเรียนตระหนักถึงความสูญเสียที่พวกกบฏจะต้องเผชิญอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อไม่ได้ทำให้เขากลัว - ความตั้งใจที่จะเป็นอิสระนั้นแข็งแกร่งกว่า ข้างหลังเขาเป็นคนงานที่กล้าหาญและเด็ดเดี่ยวพร้อมดาบ ได้รับบาดเจ็บที่เท้าของเสรีภาพ เขาลุกขึ้นด้วยความยากลำบากในการมองขึ้นไปที่ Freedom อีกครั้ง เพื่อดูและสัมผัสด้วยสุดใจว่าความงามที่เขากำลังจะตาย ฟิกเกอร์นี้ทำให้เสียงผ้าใบของเดลาครัวซ์เริ่มต้นอย่างน่าทึ่ง หากภาพของ Gavroche, Liberty, นักเรียน, คนงาน - เกือบจะเป็นสัญลักษณ์, ศูนย์รวมของเจตจำนงที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยของนักสู้เพื่ออิสรภาพ - สร้างแรงบันดาลใจและเรียกผู้ชมจากนั้นชายที่ได้รับบาดเจ็บก็เรียกร้องความเห็นอกเห็นใจ มนุษย์บอกลาอิสรภาพ บอกลาชีวิต เขายังคงเป็นแรงกระตุ้น เป็นการเคลื่อนไหว แต่เป็นแรงกระตุ้นที่จางหายไปแล้ว

ร่างของเขาเป็นช่วงเปลี่ยนผ่าน สายตาของผู้ชมที่ยังคงหลงใหลและถูกพัดพาไปโดยการตัดสินใจที่ปฏิวัติของกลุ่มกบฏ ลงมายังตีนของสิ่งกีดขวางที่ปกคลุมไปด้วยศพของทหารผู้รุ่งโรจน์ ความตายนำเสนอโดยศิลปินในความเปลือยเปล่าและหลักฐานของข้อเท็จจริง เราเห็นใบหน้าสีฟ้าของคนตาย ร่างกายที่เปลือยเปล่าของพวกเขา: การต่อสู้นั้นไร้ความปราณี และความตายก็เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่สหายของกลุ่มกบฏในฐานะผู้สร้างแรงบันดาลใจที่สวยงามอย่างอิสระ

จากภาพอันน่าสยดสยองที่ขอบล่างของภาพ เราลืมตาขึ้นอีกครั้งและเห็นร่างเล็กที่สวยงาม - ไม่! ชีวิตชนะ! แนวคิดเรื่องเสรีภาพที่แสดงออกอย่างชัดเจนและจับต้องได้ มุ่งเน้นไปที่อนาคตที่ความตายในนามนั้นไม่น่ากลัว

ศิลปินแสดงให้เห็นเพียงกลุ่มกบฏกลุ่มเล็ก ๆ ที่มีชีวิตและความตาย แต่ผู้พิทักษ์สิ่งกีดขวางนั้นดูมีมากมายผิดปกติ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กลุ่มนักสู้ไม่ จำกัด ไม่ปิดตัวเอง เธอเป็นเพียงส่วนหนึ่งของผู้คนมากมาย ศิลปินให้ชิ้นส่วนของกลุ่มตามที่เป็นอยู่: กรอบรูปตัดร่างจากด้านซ้ายขวาและด้านล่าง

โดยปกติสีในผลงานของ Delacroix จะได้รับเสียงทางอารมณ์มีบทบาทสำคัญในการสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง สีสัน บางครั้งก็โหมกระหน่ำ บางครั้งก็ซีดจาง อู้อี้ สร้างบรรยากาศตึงเครียด ที่ « เสรีภาพ บน เครื่องกีดขวาง» Delacroix ออกจากหลักการนี้ แม่นยำมาก เลือกสีได้ไม่ผิดเพี้ยน ใช้สโตรกกว้างๆ ศิลปินถ่ายทอดบรรยากาศของการต่อสู้

แต่ช่วงของสีถูกจำกัด Delacroix มุ่งเน้นไปที่การสร้างแบบจำลองบรรเทาทุกข์ของแบบฟอร์ม นี่เป็นสิ่งจำเป็นโดยการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของรูปภาพ ท้ายที่สุดแล้วศิลปินก็สร้างอนุสาวรีย์ให้กับงานนี้ด้วย ดังนั้นตัวเลขจึงเกือบจะเป็นประติมากรรม ดังนั้น อักขระแต่ละตัวซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของภาพทั้งภาพจึงประกอบขึ้นเป็นบางสิ่งที่ปิดอยู่ในตัวมันเอง แสดงถึงสัญลักษณ์ที่หล่อหลอมให้อยู่ในรูปแบบที่สมบูรณ์ ดังนั้นสีไม่เพียงส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมเท่านั้น แต่ยังมีความหมายเชิงสัญลักษณ์อีกด้วย ที่นั่นและที่นั่น ธงสีแดง น้ำเงิน และขาวสว่างวาบในพื้นที่สีน้ำตาลเทา - สีของธงการปฏิวัติฝรั่งเศสปี 1789 การทำซ้ำของสีเหล่านี้สนับสนุนคอร์ดอันทรงพลังของธงไตรรงค์ที่ลอยอยู่เหนือเครื่องกีดขวาง

ภาพวาดโดย Delacroix « เสรีภาพ บน เครื่องกีดขวาง» - งานที่ซับซ้อนและยิ่งใหญ่ในขอบเขตของมัน ที่นี่ความถูกต้องของความจริงที่เห็นโดยตรงและสัญลักษณ์ของภาพถูกรวมเข้าด้วยกัน ความสมจริง เข้าถึงธรรมชาติที่โหดร้าย และความงามในอุดมคติ หยาบ น่ากลัว และประเสริฐ บริสุทธิ์

จิตรกรรม “ เสรีภาพ บน เครื่องกีดขวาง” รวมชัยชนะของความโรแมนติกในภาพวาดฝรั่งเศส ในยุค 30 ภาพวาดประวัติศาสตร์อีกสองภาพถูกทาสี: “ การต่อสู้ ที่ ปัวตีเย” และ “ ฆาตกรรม บิชอป ลีแอช”.

ในปี ค.ศ. 1822 ศิลปินได้ไปเยือนแอฟริกาเหนือ โมร็อกโก แอลจีเรีย การเดินทางครั้งนี้ทำให้เขาประทับใจไม่รู้ลืม ในยุค 50 ภาพวาดปรากฏในผลงานของเขา โดยได้รับแรงบันดาลใจจากความทรงจำของการเดินทางครั้งนี้: ” การล่าสัตว์ บน สิงโต”, “ โมร็อกโก, อานม้า ม้า” และอื่น ๆ สีตัดกันที่สดใสสร้างเสียงโรแมนติกให้กับภาพวาดเหล่านี้ ในนั้นเทคนิคของจังหวะกว้างปรากฏขึ้น

Delacroix เป็นคนโรแมนติกบันทึกสภาพของจิตวิญญาณของเขาไม่เพียง แต่ในภาษาของภาพ แต่ยังอยู่ในรูปแบบวรรณกรรมของความคิดของเขา เขาได้อธิบายกระบวนการสร้างสรรค์ผลงานของศิลปินโรแมนติกเป็นอย่างดี การทดลองเรื่องสี การสะท้อนความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ไดอารี่ของเขากลายเป็นเรื่องโปรดสำหรับศิลปินรุ่นต่อๆ มา

โรงเรียนโรแมนติกของฝรั่งเศสมีความก้าวหน้าอย่างมากในด้านประติมากรรม (รุดและภาพนูนของ Marseillaise) การวาดภาพทิวทัศน์ (Camille Corot พร้อมภาพแสงธรรมชาติของฝรั่งเศส)

ขอบคุณแนวโรแมนติกวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปแบบของกฎหมาย อิมเพรสชั่นนิสม์จะทำลายกำแพงกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสมบูรณ์ โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ โรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาหยุดงานเมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่จำเป็นตามมาตรฐานการศึกษาที่สมบูรณ์

หากจินตนาการของ Gericault มุ่งเน้นไปที่การถ่ายโอนการเคลื่อนไหว Delacroix - เกี่ยวกับพลังเวทย์มนตร์ของสีและชาวเยอรมันได้เพิ่ม "จิตวิญญาณแห่งการวาดภาพ" ลงในสิ่งนี้แล้วความโรแมนติกของสเปนต่อหน้า ฟรานซิสโก โกยา(ค.ศ. 1746-1828) แสดงให้เห็นต้นกำเนิดของคติชนวิทยา ลักษณะที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด โกยาและผลงานของเขาดูห่างไกลจากกรอบรูปแบบใด ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อศิลปินต้องปฏิบัติตามกฎหมายของวัสดุการแสดงบ่อยครั้งมาก (เช่นเมื่อเขาสร้างภาพวาดสำหรับพรมทอตาข่าย) หรือความต้องการของลูกค้า

phantasmagoria ของเขาปรากฏในซีรีส์การแกะสลัก “ caprichos” (1797-1799), “ ภัยพิบัติ สงคราม” (1810-1820), “ Disparantes (“ ความโง่เขลา”) (1815-1820) ภาพจิตรกรรมฝาผนังของ "House of the Deaf" และ Church of San Antonio de la Florida ในกรุงมาดริด (1798) การเจ็บป่วยที่รุนแรงในปี พ.ศ. 2335 ทำให้เกิดอาการหูหนวกโดยสมบูรณ์ของศิลปิน ศิลปะของปรมาจารย์หลังจากประสบบาดแผลทางร่างกายและจิตใจจะมีสมาธิ ครุ่นคิด และมีพลังภายในมากขึ้น โลกภายนอกที่ปิดลงเพราะหูหนวก ได้กระตุ้นชีวิตฝ่ายวิญญาณภายในของโกยา

ในการแกะสลัก “ caprichos” โกยาบรรลุความแข็งแกร่งเป็นพิเศษในการถ่ายโอนปฏิกิริยาทันทีความรู้สึกที่เร่งรีบ ประสิทธิภาพการทำงานขาวดำ ต้องขอบคุณการรวมจุดขนาดใหญ่ที่ชัดเจน การไม่มีลักษณะเชิงเส้นตรงของกราฟิก ทำให้ได้คุณสมบัติทั้งหมดของภาพวาด

ภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์เซนต์แอนโธนีในมาดริด Goya สร้างขึ้นในลมหายใจเดียว อารมณ์ของจังหวะ, ความสั้นขององค์ประกอบ, การแสดงออกของลักษณะของตัวละครที่ Goya นำประเภทโดยตรงจากฝูงชนนั้นน่าทึ่ง ศิลปินวาดภาพปาฏิหาริย์ของแอนโธนีแห่งฟลอริดา ที่ทำให้ชายที่ถูกฆาตกรรมฟื้นคืนชีพและพูดได้ ซึ่งตั้งชื่อฆาตกรและด้วยเหตุนี้จึงช่วยชีวิตผู้ถูกประณามอย่างไร้เดียงสาจากการประหารชีวิต พลวัตของฝูงชนที่ตอบสนองอย่างสดใสนั้นถ่ายทอดออกมาทั้งในท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของใบหน้าที่ปรากฎ ในรูปแบบการจัดองค์ประกอบของการกระจายภาพเขียนในพื้นที่ของโบสถ์จิตรกรติดตาม Tiepolo แต่ปฏิกิริยาที่เขากระตุ้นในตัวผู้ชมไม่ใช่แบบบาโรก แต่โรแมนติกอย่างหมดจดซึ่งส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมแต่ละคนเรียกร้องให้เขาหันไปหา ตัวเขาเอง.

เหนือสิ่งอื่นใด เป้าหมายนี้ประสบความสำเร็จในภาพวาด Conto del Sordo (“House of the Deaf”) ซึ่ง Goya อาศัยอยู่ตั้งแต่ปี 1819 ผนังห้องถูกปกคลุมด้วยองค์ประกอบสิบห้าองค์ประกอบที่มีลักษณะเชิงเปรียบเทียบและน่าอัศจรรย์ การรับรู้พวกเขาต้องมีความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้ง ภาพเกิดขึ้นเป็นนิมิตบางอย่างของเมือง ผู้หญิง ผู้ชาย ฯลฯ สี แวบวับ ดึงร่างหนึ่งออกแล้วอีกร่างหนึ่ง การวาดภาพโดยรวมนั้นมืดโดยมีจุดสีขาวสีเหลืองสีแดงอมชมพูวาบของความรู้สึกที่รบกวน การแกะสลักของซีรีส์ “ Disparantes” .

Goya ใช้เวลา 4 ปีที่ผ่านมาในฝรั่งเศส ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะรู้ว่า Delacroix ไม่ได้มีส่วนร่วมกับ "Caprichos" ของเขา และเขาไม่สามารถคาดการณ์ได้ว่าการแกะสลักเหล่านี้ของ Hugo และ Baudelaire จะเป็นอย่างไร อิทธิพลมหาศาลของภาพวาดของเขาที่มีต่อ Manet จะเป็นอย่างไร และในยุค 80 ของศตวรรษที่ XIX จะเป็นอย่างไร V. Stasov จะเชิญศิลปินรัสเซียให้ศึกษา "ภัยพิบัติแห่งสงคราม" ของเขา

แต่ด้วยเหตุนี้ เราจึงทราบดีว่างานศิลปะ "ไร้สไตล์" ที่ "ไร้สไตล์" ของนักสัจนิยมที่กล้าหาญและโรแมนติกที่ได้รับแรงบันดาลใจส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 19 และ 20

โลกแห่งความฝันอันอัศจรรย์เกิดขึ้นจากผลงานของเขาโดยศิลปินโรแมนติกชาวอังกฤษ วิลเลียม เบลค(1757-1827). อังกฤษเป็นดินแดนวรรณกรรมโรแมนติกคลาสสิก ไบรอน เชลลีย์กลายเป็นธงของขบวนการนี้ไปไกลกว่า "อัลเบียนหมอก" ในฝรั่งเศสในการวิจารณ์นิตยสารเกี่ยวกับช่วงเวลาของ "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" พวกโรแมนติกถูกเรียกว่า "เชคสเปียร์" คุณสมบัติหลักของการวาดภาพอังกฤษมักเป็นที่สนใจในบุคลิกภาพของมนุษย์มาโดยตลอด ซึ่งทำให้ประเภทภาพเหมือนได้รับการพัฒนาอย่างมีประสิทธิผล ยวนใจในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอารมณ์อ่อนไหว ความสนใจของพวกโรแมนติกในยุคกลางทำให้เกิดวรรณกรรมประวัติศาสตร์เล่มใหญ่ ซึ่งนายดับบลิว. สก็อตต์ ซึ่งเป็นปรมาจารย์ที่เป็นที่ยอมรับ ในการวาดภาพ ธีมของยุคกลางกำหนดลักษณะของสิ่งที่เรียกว่าพรีราฟาเอล

William Blake เป็นคนโรแมนติกที่น่าทึ่งในฉากวัฒนธรรมอังกฤษ เขาเขียนบทกวี อธิบายหนังสือของเขาเองและเล่มอื่นๆ พรสวรรค์ของเขาพยายามที่จะโอบกอดและแสดงออกถึงความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันแบบองค์รวม ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือภาพประกอบสำหรับ "Book of Job" ในพระคัมภีร์ไบเบิล, "The Divine Comedy" โดย Dante, "Paradise Lost" โดย Milton เขาเติมองค์ประกอบของเขาด้วยร่างวีรบุรุษของไททานิคซึ่งสอดคล้องกับสภาพแวดล้อมของโลกที่ตรัสรู้หรือโลกแห่งความฝันที่ไม่เป็นจริง ความรู้สึกของความภาคภูมิใจหรือความสามัคคีที่ดื้อรั้น ยากที่จะสร้างขึ้นจากความไม่ลงรอยกัน ครอบงำภาพประกอบของเขา

ความโรแมนติกของเบลคพยายามค้นหาสูตรศิลปะและรูปแบบการดำรงอยู่ของโลก

วิลเลียม เบลก ใช้ชีวิตอย่างยากจนข้นแค้นและมืดมน หลังจากการตายของเขาได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในงานศิลปะคลาสสิกของอังกฤษ

ในผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษในต้นศตวรรษที่ XIX งานอดิเรกโรแมนติกรวมกับมุมมองที่เป็นกลางและมีสติมากขึ้นของธรรมชาติ

สร้างภูมิทัศน์ที่ยกระดับโรแมนติก วิลเลียม เทิร์นเนอร์(1775-1851). เขาชอบพรรณนาถึงพายุฝนฟ้าคะนอง ฝนที่ตกลงมา พายุในทะเล พระอาทิตย์ตกที่สว่างจ้าและร้อนแรง เทิร์นเนอร์มักจะพูดเกินจริงถึงเอฟเฟกต์ของแสงและทำให้เสียงของสีดูเข้มข้นขึ้น แม้ว่าเขาจะวาดภาพในสภาพที่สงบของธรรมชาติก็ตาม เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดียิ่งขึ้น เขาใช้เทคนิคสีน้ำและสีน้ำมันในชั้นบางๆ และทาสีลงบนพื้นโดยตรง เพื่อให้ได้สีรุ้งที่ล้น ตัวอย่างคือภาพ “ ฝน, ไอน้ำ และ ความเร็ว” (1844). แต่แม้แต่นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงในสมัยนั้น แธกเกอร์เรย์ ก็ยังไม่เข้าใจ บางทีอาจเป็นภาพที่เป็นนวัตกรรมใหม่ทั้งในด้านการออกแบบและการใช้งาน เขาเขียนว่า “ฝนบ่งชี้ด้วยคราบสกปรกฉาบ” เขาเขียน “มีดจานสีสาดกระเซ็นบนผ้าใบ แสงแดดที่มีการสั่นไหวทื่อ ๆ ทะลุผ่านก้อนโครเมียมสีเหลืองสกปรกที่หนามาก เงาถูกถ่ายทอดด้วยเฉดสีเย็นของกระปลากสีแดงสดและจุดชาดของโทนสีที่ไม่ออกเสียง และถึงแม้ไฟในเตาหลอมของรถจักรจะดูเป็นสีแดง แต่ฉันไม่คิดว่าไฟนั้นไม่ได้ถูกวาดด้วยสีโคบอลต์หรือสีถั่ว นักวิจารณ์อีกคนที่พบใน Turner กำลังระบายสี "ไข่คนและผักโขม" สีของ Turner ตอนปลายโดยทั่วไปดูเหมือนจะคิดไม่ถึงและยอดเยี่ยมสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ต้องใช้เวลามากกว่าหนึ่งศตวรรษในการมองเห็นเม็ดการสังเกตที่แท้จริงในตัวพวกเขา แต่ในกรณีอื่นๆ มันก็อยู่ที่นี่ เรื่องราวที่น่าสงสัยของผู้เห็นเหตุการณ์หรือพยานการกำเนิดของ

ศิลปะอังกฤษกลางศตวรรษที่ 19 พัฒนาไปในทิศทางที่แตกต่างไปจากภาพวาดของเทิร์นเนอร์อย่างสิ้นเชิง แม้ว่าทักษะของเขาจะเป็นที่รู้จักโดยทั่วไป แต่ไม่มีเยาวชนคนใดติดตามเขา

ครั้งที่สอง ยวนใจในภาพวาดรัสเซีย

ลัทธิจินตนิยมในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกในบริบททางประวัติศาสตร์และประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน การปฏิวัติฝรั่งเศสไม่สามารถนับเป็นหนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้นได้ ผู้คนในวงแคบมากมีความหวังสำหรับการเปลี่ยนแปลงในทางของมัน และผลลัพธ์ของการปฏิวัติก็น่าผิดหวังอย่างยิ่ง คำถามเกี่ยวกับระบบทุนนิยมในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ไม่ได้ยืน ดังนั้นจึงไม่มีเหตุผลดังกล่าว เหตุผลที่แท้จริงคือสงครามรักชาติในปี ค.ศ. 1812 ซึ่งแสดงพลังทั้งหมดของความคิดริเริ่มของประชาชน แต่หลังสงคราม ประชาชนไม่ได้รับความประสงค์ ขุนนางที่ดีที่สุดซึ่งไม่พอใจกับความเป็นจริงไปที่จัตุรัสวุฒิสภาในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2368 การกระทำนี้ยังทิ้งร่องรอยไว้บนปัญญาประดิษฐ์ที่สร้างสรรค์ ปีหลังสงครามที่ปั่นป่วนกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่แนวโรแมนติกของรัสเซียก่อตัวขึ้น

ในผืนผ้าใบของพวกเขา จิตรกรโรแมนติกชาวรัสเซียได้แสดงจิตวิญญาณแห่งความรักในอิสรภาพ การกระทำที่กระฉับกระเฉง ดึงดูดใจและดึงดูดใจต่อการสำแดงของมนุษยนิยม ภาพเขียนประจำวันของจิตรกรชาวรัสเซียมีความโดดเด่นด้วยความเกี่ยวข้องและจิตวิทยาการแสดงออกที่ไม่เคยมีมาก่อน ภูมิทัศน์ที่เศร้าโศกและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณเป็นความพยายามแบบเดียวกันของความโรแมนติกที่จะเจาะเข้าไปในโลกมนุษย์เพื่อแสดงให้เห็นว่าบุคคลนั้นใช้ชีวิตและฝันอย่างไรในโลกใต้แสงจันทร์ ภาพวาดโรแมนติกของรัสเซียแตกต่างจากต่างประเทศ สิ่งนี้ถูกกำหนดโดยสถานการณ์และประเพณีทางประวัติศาสตร์

คุณสมบัติของภาพวาดโรแมนติกรัสเซีย:

Ÿ อุดมการณ์การตรัสรู้อ่อนแอลง แต่ไม่ล่มสลาย เช่นเดียวกับในยุโรป ดังนั้นแนวโรแมนติกจึงไม่เด่นชัด

Ÿ แนวโรแมนติกพัฒนาควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งมักจะพันกัน

Ÿจิตรกรรมเชิงวิชาการในรัสเซียยังไม่หมด

แนวโรแมนติกŸในรัสเซียไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่มั่นคง ภายในกลางศตวรรษที่ XIX ประเพณีอันแสนโรแมนติกนั้นแทบจะหมดสิ้นไป

งานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกเริ่มปรากฏในรัสเซียแล้วในยุค 1790 (ผลงานของ Feodosy Yanenko " นักท่องเที่ยว, แซง พายุ" (1796), " ภาพเหมือน ใน หมวกนิรภัย" (1792). ต้นแบบนั้นชัดเจนในตัวพวกเขา - Salvator Rosa ซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมากในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ต่อมาอิทธิพลของศิลปินโปรโต - โรแมนติกจะเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Alexander Orlovsky โจร ฉากแคมป์ไฟ การสู้รบมาพร้อมกันทั้งอาชีพของเขา เช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ ศิลปินที่เป็นแนวโรแมนติกของรัสเซียได้นำเสนออารมณ์ทางอารมณ์แบบใหม่อย่างสมบูรณ์ในแนวคลาสสิกของภาพบุคคล ทิวทัศน์ และประเภท

ในรัสเซีย ความโรแมนติกเริ่มปรากฏให้เห็นเป็นภาพแรก ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เธอขาดการติดต่อกับขุนนางระดับสูง สถานที่สำคัญเริ่มถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของกวี, ศิลปิน, ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ, ภาพลักษณ์ของชาวนาธรรมดา แนวโน้มนี้เด่นชัดเป็นพิเศษในผลงานของ O.A. Kiprensky (1782 - 1836) และ V.A. โทรปินิน (1776 - 1857)

โหระพา Andreevich Tropininพยายามสร้างบุคลิกที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลายของบุคคลที่แสดงออกผ่านภาพเหมือนของเขา « ภาพเหมือน ลูกชาย» (1818), « ภาพเหมือน แต่. จาก. พุชกิน» (1827), « ภาพเหมือน» (พ.ศ. 2389) ไม่แปลกใจกับภาพเหมือนที่คล้ายกับต้นฉบับ แต่มีการเจาะลึกเข้าไปในโลกภายในของบุคคลอย่างไม่ธรรมดา

ประวัติการสร้างที่น่าสนใจเป็นพิเศษ “ ภาพเหมือน พุชกิน”. ตามปกติสำหรับการทำความรู้จักกับพุชกินครั้งแรก Tropinin มาที่บ้านของ Sobolevsky ซึ่งกวีอาศัยอยู่ ศิลปินพบเขาในสำนักงานเล่นซอกับลูกสุนัข ในเวลาเดียวกันเห็นได้ชัดว่ามันถูกเขียนขึ้นตามความประทับใจแรกซึ่ง Tropinin ชื่นชมอย่างมากในการศึกษาเล็ก ๆ เป็นเวลานานที่เขาอยู่ให้พ้นสายตาของผู้ไล่ตาม เกือบร้อยปีต่อมา ในปี พ.ศ. 2457 จัดพิมพ์โดย P.M. Shchekotov ผู้เขียนภาพบุคคลทั้งหมดของ Alexander Sergeevich เขา "ส่วนใหญ่สื่อถึงลักษณะของเขา ... ดวงตาสีฟ้าของกวีเต็มไปด้วยความสามารถพิเศษที่นี่การหันศีรษะอย่างรวดเร็วและใบหน้าก็แสดงออกและเคลื่อนไหวได้ . ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือการจับภาพลักษณะที่แท้จริงของใบหน้าของพุชกินซึ่งเราพบเป็นรายบุคคลในภาพบุคคลหนึ่งหรือหลายภาพที่ลงมาหาเรา ยังคงต้องงงงวย - Shchekotov กล่าวเสริม - ทำไมการศึกษาที่มีเสน่ห์นี้ไม่ได้รับความสนใจจากผู้จัดพิมพ์และผู้ชื่นชอบกวี สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยคุณสมบัติเฉพาะของภาพสเก็ตช์ขนาดเล็ก: ไม่มีความสดใสของสีหรือความงามของการแปรงพู่กันหรือ "วงเวียน" ที่เขียนอย่างเชี่ยวชาญ และพุชกินที่นี่ไม่ใช่ "vitia" ที่เป็นที่นิยมไม่ใช่ "อัจฉริยะ" แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือผู้ชาย และแทบจะไม่ให้ยืมตัวเองในการวิเคราะห์ว่าทำไมเนื้อหาของมนุษย์ที่ยอดเยี่ยมเช่นนี้จึงอยู่ในสเกลมะกอกสีเขียวแกมเทาแบบเอกรงค์อย่างเร่งรีบ ราวกับว่าการขีดสุ่มของพู่กันของ etude ที่ดูแทบจะไร้ความหมาย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ตเวียร์เป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญของรัสเซีย นี่แหละหนุ่มๆ Orestes Kiprenskyพบกับ A.S. Pushkin ซึ่งวาดภาพเหมือนในภายหลังกลายเป็นไข่มุกแห่งศิลปะภาพเหมือนของโลก " ภาพเหมือน พุชกิน» พู่กันของ O. Kiprensky เป็นตัวตนที่มีชีวิตของอัจฉริยะกวี ในการหันศีรษะอย่างแน่วแน่ในอ้อมแขนที่โอบกอดหน้าอกอย่างแรงรูปลักษณ์ทั้งหมดของกวีเผยให้เห็นความรู้สึกของความเป็นอิสระและเสรีภาพ เกี่ยวกับเขาที่พุชกินกล่าวว่า: "ฉันเห็นตัวเองเหมือนในกระจก แต่กระจกนี้ประจบสอพลอฉัน" ในงานเกี่ยวกับภาพเหมือนของพุชกิน Tropinin และ Kiprensky พบกันเป็นครั้งสุดท้ายแม้ว่าการประชุมครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยตรง แต่หลายปีต่อมาในประวัติศาสตร์ศิลปะซึ่งตามกฎแล้วภาพสองภาพของกวีชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ถูกเปรียบเทียบสร้างพร้อม ๆ กัน แต่ในที่ต่าง ๆ - หนึ่งในมอสโกและอีกแห่ง - ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตอนนี้เป็นการประชุมของผู้เชี่ยวชาญที่สำคัญไม่แพ้กันในด้านศิลปะรัสเซีย แม้ว่าผู้ชื่นชม Kiprensky จะอ้างว่าข้อดีทางศิลปะอยู่ด้านข้างของภาพเหมือนโรแมนติกของเขาซึ่งกวีถูกนำเสนอหมกมุ่นอยู่กับความคิดของเขาเองโดยลำพังด้วยรำพึง สัญชาติและประชาธิปไตยของภาพนั้นอยู่ด้านข้างของ Pushkin ของ Tropinin อย่างแน่นอน

ดังนั้น ภาพบุคคลทั้งสองนี้จึงสะท้อนถึงศิลปะสองด้านของรัสเซีย กระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงสองแห่ง และต่อมานักวิจารณ์จะเขียนว่า Tropinin มีไว้สำหรับมอสโก สิ่งที่ Kiprensky สำหรับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กคือ

ลักษณะเด่นของภาพเหมือนของ Kiprensky คือการแสดงเสน่ห์ทางจิตวิญญาณและความสูงส่งภายในของบุคคล ภาพเหมือนของวีรบุรุษผู้กล้าหาญและเข้มแข็งควรรวบรวมอารมณ์ที่น่าสมเพชของความรักชาติและความรักชาติของคนรัสเซียขั้นสูง

ข้างหน้า “ ภาพเหมือน อี. ที่. Davydov” (1809) แสดงร่างของเจ้าหน้าที่ซึ่งแสดงออกโดยตรงถึงลัทธิที่มีบุคลิกที่แข็งแกร่งและกล้าหาญซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับแนวโรแมนติกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภูมิทัศน์ที่แสดงให้เห็นอย่างเป็นชิ้นเป็นอัน ที่ซึ่งรังสีของแสงต่อสู้กับความมืด บ่งบอกถึงความวิตกกังวลทางวิญญาณของฮีโร่ แต่บนใบหน้าของเขามีภาพสะท้อนของความรู้สึกไวเหมือนฝัน Kiprensky กำลังมองหา "มนุษย์" ในตัวบุคคลและอุดมคติไม่ได้ปิดบังลักษณะส่วนบุคคลของตัวละครของนางแบบจากเขา

ภาพเหมือนของ Kiprensky หากคุณมองด้วยสายตาแสดงความมั่งคั่งทางวิญญาณและธรรมชาติของบุคคลความแข็งแกร่งทางปัญญาของเขา ใช่ เขามีอุดมคติของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกันอย่างที่คนรุ่นเดียวกันพูดถึง แต่คิเพรนสกี้ไม่ได้พยายามที่จะถ่ายทอดอุดมคตินี้ไปสู่ภาพลักษณ์ทางศิลปะอย่างแท้จริง ในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะ เขาไปจากธรรมชาติราวกับว่ากำลังวัดว่าอุดมคตินั้นอยู่ไกลหรือใกล้แค่ไหน อันที่จริง หลายคนที่เขาวาดเป็นภาพในอุดมคติ พยายามดิ้นรนเพื่อสิ่งนั้น ในขณะที่อุดมคติตามแนวคิดของสุนทรียศาสตร์แบบโรแมนติกนั้นแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย และศิลปะโรแมนติกทั้งหมดเป็นเพียงหนทางไปสู่มัน

สังเกตความขัดแย้งในจิตวิญญาณของวีรบุรุษของเขา แสดงให้เห็นในช่วงเวลากังวลของชีวิต เมื่อโชคชะตาเปลี่ยนแปลง ความคิดเก่าพังลง เยาวชนจากไป ฯลฯ ดูเหมือนว่า Kiprensky จะประสบกับแบบจำลองของเขา ดังนั้นการมีส่วนร่วมเป็นพิเศษของจิตรกรภาพเหมือนในการตีความภาพศิลปะ ซึ่งทำให้ภาพเหมือนมีเฉดสีที่ "จริงใจ"

ในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ใน Kiprensky คุณจะไม่เห็นใบหน้าที่ติดเชื้อความสงสัย การวิเคราะห์ที่กัดกร่อนจิตวิญญาณ สิ่งนี้จะเกิดขึ้นในภายหลัง เมื่อช่วงเวลาที่โรแมนติกจะคงอยู่ต่อไปในฤดูใบไม้ร่วง หลีกทางให้กับอารมณ์และความรู้สึกอื่นๆ เมื่อหวังว่าจะได้รับชัยชนะในอุดมคติของการล่มสลายของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ในภาพบุคคลทั้งหมดในยุค 1800 และภาพบุคคลที่ดำเนินการในตเวียร์ Kiprensky จะแสดงพู่กันตัวหนา สร้างแบบฟอร์มได้อย่างง่ายดายและอิสระ ความซับซ้อนของเทคนิค ลักษณะของรูป เปลี่ยนจากงานเป็นงาน

เป็นที่น่าสังเกตว่าคุณจะไม่เห็นความร่าเริงร่าเริงบนใบหน้าของฮีโร่ของเขา ในทางกลับกัน ใบหน้าส่วนใหญ่ค่อนข้างเศร้า พวกเขาหมกมุ่นอยู่กับการสะท้อน ดูเหมือนว่าคนเหล่านี้กังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซีย พวกเขาคิดถึงอนาคตมากกว่าปัจจุบัน ในภาพผู้หญิงที่เป็นตัวแทนของภรรยา พี่สาวน้องสาวของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์สำคัญ Kiprensky ยังไม่ได้พยายามแสดงความกระตือรือร้นอย่างกล้าหาญ ความรู้สึกสบายใจความเป็นธรรมชาติมีชัย ในเวลาเดียวกัน ในภาพบุคคลทั้งหมดมีจิตวิญญาณอันสูงส่งอย่างแท้จริง ภาพลักษณ์ของผู้หญิงดึงดูดด้วยศักดิ์ศรีเจียมเนื้อเจียมตัว ความสมบูรณ์ของธรรมชาติ ต่อหน้าคนเราสามารถเดาความคิดที่อยากรู้อยากเห็น ความพร้อมสำหรับการบำเพ็ญตบะ ภาพเหล่านี้สอดคล้องกับแนวคิดด้านจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ที่เติบโตเต็มที่ของพวกหลอกลวง ความคิดและแรงบันดาลใจของพวกเขาถูกแบ่งปันโดยคนจำนวนมาก ศิลปินรู้เกี่ยวกับพวกเขา ดังนั้นจึงอาจกล่าวได้ว่าภาพเหมือนของเขาของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์ในปี พ.ศ. 2355-2457 ภาพของชาวนาที่สร้างขึ้นในปีเดียวกันนั้นเป็นศิลปะแนวขนาน สู่แนวคิดใหม่ของการหลอกลวง

ชาวต่างชาติเรียกว่า Kiprensky the Russian Van Dyck ภาพเหมือนของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก ผู้สืบทอดงานของ Levitsky และ Borovikovsky ผู้บุกเบิกของ L. Ivanov และ K. Bryullov, Kiprensky กับผลงานของเขาทำให้โรงเรียนศิลปะรัสเซียมีชื่อเสียงในยุโรป ในคำพูดของ Alexander Ivanov "เขาเป็นคนแรกที่นำชื่อรัสเซียไปยังยุโรป ... "

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกได้กำหนดไว้ล่วงหน้าว่าการออกดอกของประเภทภาพเหมือนในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งภาพเหมือนตนเองกลายเป็นลักษณะเด่น ตามกฎแล้วการสร้างภาพเหมือนตนเองไม่ใช่ตอนที่สุ่ม ศิลปินวาดภาพและระบายสีตัวเองซ้ำแล้วซ้ำเล่า และงานเหล่านี้กลายเป็นไดอารี่ชนิดหนึ่งที่สะท้อนสภาวะจิตใจและช่วงชีวิตที่หลากหลาย และในขณะเดียวกัน พวกเขาก็เป็นแถลงการณ์ที่ส่งถึงคนร่วมสมัย ภาพเหมือนตนเองไม่ใช่ประเภทที่กำหนดเอง ศิลปินวาดภาพเพื่อตัวเอง และที่นี่ อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน เขามีอิสระในการแสดงออก ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินชาวรัสเซียแทบไม่เคยวาดภาพต้นฉบับ มีเพียงแนวโรแมนติกที่มีลัทธิเฉพาะบุคคลเท่านั้นที่มีส่วนช่วยให้ประเภทนี้เพิ่มขึ้น ความหลากหลายของภาพเหมือนตนเองสะท้อนการรับรู้ของศิลปินที่มีต่อตนเองว่าเป็นบุคคลที่มีบุคลิกที่หลากหลายและหลากหลาย จากนั้นปรากฏในบทบาทปกติและเป็นธรรมชาติของผู้สร้าง ( " ภาพเหมือน ใน กำมะหยี่ เอา" A. G. Varneka, 1810s) จากนั้นพวกเขาก็จมดิ่งสู่อดีตราวกับพยายามด้วยตัวเอง ( " ภาพเหมือน ใน หมวกนิรภัย และ lats" F. I. Yanenko, 1792) หรือส่วนใหญ่มักจะปรากฏโดยไม่มีคุณสมบัติทางวิชาชีพใด ๆ ยืนยันความสำคัญและคุณค่าของแต่ละคนได้รับอิสรภาพและเปิดกว้างสู่โลกเช่น F. A. Bruni และ O. A. Orlovsky ในภาพเหมือนตนเองของยุค 1810 . ความพร้อมสำหรับการเจรจาและการเปิดกว้างลักษณะของการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของงานในยุค 1810-1820 ค่อยๆถูกแทนที่ด้วยความเหนื่อยล้าและความผิดหวังการแช่ตัวการถอนตัวในตัวเอง ( " ภาพเหมือน" M.I. Terebeneva) แนวโน้มนี้สะท้อนให้เห็นในการพัฒนาประเภทภาพเหมือนโดยรวม

ภาพเหมือนตนเองของ Kiprensky ปรากฏขึ้นซึ่งน่าสังเกตในช่วงเวลาที่สำคัญของชีวิตพวกเขาเป็นพยานถึงความแข็งแกร่งทางจิตใจที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง ศิลปินมองดูตัวเองผ่านงานศิลปะของเขา อย่างไรก็ตามเขาไม่ได้ใช้กระจกเหมือนจิตรกรส่วนใหญ่ เขาวาดภาพตัวเองตามความคิดของเขาเป็นหลัก เขาต้องการแสดงจิตวิญญาณของเขา แต่ไม่ใช่รูปลักษณ์ของเขา

“ภาพเหมือน กับ แปรง ต่อ หู” สร้างขึ้นจากการปฏิเสธและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนจากการยกย่องภายนอกของภาพ กฎเกณฑ์แบบคลาสสิกและการสร้างในอุดมคติ ลักษณะใบหน้าเป็นค่าโดยประมาณ แสงสะท้อนที่แยกจากกันตกบนร่างของศิลปิน ดับไปบนผ้าม่านที่แทบมองไม่เห็น ซึ่งแสดงถึงพื้นหลังของภาพเหมือน ทุกอย่างที่นี่อยู่ภายใต้การแสดงออกของชีวิตความรู้สึกอารมณ์ นี่คือการชมศิลปะโรแมนติกผ่านศิลปะการวาดภาพเหมือนตนเอง

เกือบจะพร้อมกันกับภาพเหมือนตนเองนี้และเขียน “ ภาพเหมือน ใน สีชมพู คอ ผ้าพันคอ” ที่ซึ่งภาพอื่นเป็นตัวเป็นตน โดยไม่มีการระบุถึงอาชีพจิตรกรโดยตรง สร้างภาพลักษณ์ของชายหนุ่มขึ้นใหม่ รู้สึกสบาย เป็นธรรมชาติ อิสระ พื้นผิวภาพของผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นอย่างประณีต แปรงของศิลปินใช้สีอย่างมั่นใจโดยปล่อยให้เป็นจังหวะใหญ่และเล็ก สีได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยม สีไม่สว่าง พวกมันผสมผสานกันอย่างกลมกลืน แสงไฟสงบ: แสงจะสาดส่องลงบนใบหน้าของชายหนุ่มอย่างอ่อนโยน ร่างลักษณะของเขาโดยปราศจากการแสดงออกที่ไม่จำเป็นและการเสียรูป

จิตรกรภาพบุคคลที่โดดเด่นอีกคนคือ โอ. แต่. Orlovsky. ภายในปี พ.ศ. 2352 แผ่นภาพที่เปี่ยมด้วยอารมณ์เช่น “ ภาพเหมือน” . เสิร์ฟพร้อมกับความชุ่มฉ่ำของสีชาและถ่าน (พร้อมไฮไลท์ชอล์ค) “ ภาพเหมือน” Orlovsky ดึงดูดความสมบูรณ์ทางศิลปะของเขาลักษณะของภาพศิลปะการแสดง ในขณะเดียวกัน ก็ช่วยให้มองเห็นแง่มุมที่แปลกประหลาดบางอย่างของงานศิลปะของออร์ลอฟสกี “ ภาพเหมือน” แน่นอนว่า Orlovsky ไม่มีเป้าหมายในการทำซ้ำลักษณะทั่วไปของศิลปินในยุคนั้นอย่างแม่นยำ ต่อหน้าเรานั้นเป็นภาพที่เกินจริงโดยเจตนาเป็นส่วนใหญ่ของ "ศิลปิน" ที่ต่อต้าน "ฉัน" ของตัวเองกับความเป็นจริงโดยรอบ เขาไม่ได้กังวลเกี่ยวกับ "ความเหมาะสม" ของรูปลักษณ์ของเขา: หวีและแปรงไม่ได้สัมผัสกับผมที่เขียวชอุ่มบนไหล่ของเขา - ขอบเสื้อกันฝนตาหมากรุกที่อยู่เหนือเสื้อเชิ้ตบ้านที่มีปกเปิด การหันศีรษะที่เฉียบคมด้วยรูปลักษณ์ "มืดมน" จากใต้คิ้วที่ขยับซึ่งเป็นภาพระยะใกล้ซึ่งแสดงใบหน้าในระยะใกล้และแสงที่ตัดกัน - ทั้งหมดนี้มุ่งเป้าไปที่การบรรลุผลหลักของการต่อต้าน บุคคลที่ปรากฎต่อสิ่งแวดล้อม (และกับผู้ชม)

สิ่งที่น่าสมเพชของการยืนยันความเป็นปัจเจก - หนึ่งในคุณสมบัติที่ก้าวหน้าที่สุดในศิลปะในเวลานั้น - ก่อให้เกิดน้ำเสียงทางอุดมการณ์และอารมณ์หลักของภาพเหมือน แต่ปรากฏในลักษณะแปลก ๆ ที่แทบไม่เคยพบในศิลปะรัสเซียในยุคนั้น การยืนยันของบุคคลนั้นไม่ได้เกิดขึ้นมากนักโดยการเปิดเผยความร่ำรวยของโลกภายในของเธอ แต่ผ่านการปฏิเสธทุกสิ่งรอบตัวเธอ แน่นอนว่าภาพในขณะเดียวกันก็ดูหมดลงอย่างจำกัด

วิธีแก้ปัญหาดังกล่าวหาได้ยากในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในเวลานั้นซึ่งในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 แรงจูงใจของพลเมืองและความเห็นอกเห็นใจได้ดังขึ้นและบุคลิกภาพของบุคคลนั้นไม่เคยทำลายความสัมพันธ์อันแน่นแฟ้นกับสิ่งแวดล้อม ด้วยความฝันถึงโครงสร้างทางสังคม-ประชาธิปไตยที่ดีกว่า ผู้คนในรัสเซียในยุคนั้นไม่เคยแยกตัวออกจากความเป็นจริง พวกเขาจงใจปฏิเสธลัทธิปัจเจกนิยมของ "เสรีภาพส่วนบุคคล" ที่เฟื่องฟูในยุโรปตะวันตก ซึ่งหลุดพ้นจากการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซีย ต้องเอามาเทียบกัน “ ภาพเหมือน” Orlovsky กับ “ ภาพเหมือน” Kiprensky เพื่อให้ความแตกต่างภายในที่รุนแรงระหว่างจิตรกรภาพบุคคลทั้งสองดึงดูดสายตาทันที

Kiprensky ยัง "กล้าหาญ" บุคลิกภาพของบุคคล แต่เขาแสดงค่านิยมภายในที่แท้จริง ในการเผชิญหน้าของศิลปิน ผู้ชมจะแยกแยะลักษณะของจิตใจที่เข้มแข็ง อุปนิสัย ความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม

รูปลักษณ์ทั้งหมดของ Kiprensky ปกคลุมไปด้วยขุนนางและมนุษยชาติที่น่าทึ่ง เขาสามารถแยกแยะระหว่าง "ความดี" กับ "ความชั่ว" ในโลกรอบข้าง และปฏิเสธสิ่งที่สอง รักและชื่นชมคนแรก รักและชื่นชมคนที่มีความคิดเหมือนกัน ในเวลาเดียวกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรามีบุคลิกลักษณะที่แข็งแกร่ง ภูมิใจในความสำนึกในคุณค่าของคุณสมบัติส่วนตัวของเขาอย่างไม่ต้องสงสัย แนวความคิดเดียวกันของภาพพอร์ตเทรตนั้นสนับสนุนภาพเหมือนวีรบุรุษที่รู้จักกันดีของ D. Davydov โดย Kiprensky

Orlovsky เมื่อเปรียบเทียบกับ Kiprensky นั้นแก้ไขภาพลักษณ์ของ "บุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง" ได้อย่าง จำกัด ตรงไปตรงมาและภายนอกมากขึ้นในขณะที่เน้นไปที่ศิลปะของชนชั้นกลางในฝรั่งเศสอย่างชัดเจน เมื่อคุณมองเขา “ ภาพเหมือน” , ภาพเหมือนของ A. Gro, Gericault เข้ามาในความคิดโดยไม่ตั้งใจ โปรไฟล์ “ ภาพเหมือน” Orlovsky ในปี ค.ศ. 1810 ด้วยลัทธิ "ความแข็งแกร่งภายใน" ที่เป็นปัจเจกบุคคล แต่ไม่มีรูปแบบ "โครงร่าง" ที่คมชัด “ ภาพเหมือน” 1809 หรือ “ ภาพเหมือน Duport”. ในระยะหลัง ออร์ลอฟสกี เช่นเดียวกับใน Self-Portrait ใช้ท่า "วีรชน" ที่งดงามตระการตาด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบขาดของศีรษะและไหล่ เขาเน้นโครงสร้างที่ไม่สม่ำเสมอของใบหน้าของ Duport ผมที่ยุ่งเหยิงของเขาโดยมีเป้าหมายเพื่อสร้างภาพพอร์ตเทรตที่พอเพียงในตัวละครแบบสุ่มที่ไม่เหมือนใคร

"ภูมิทัศน์ควรเป็นภาพบุคคล" K. N. Batyushkov เขียน ศิลปินส่วนใหญ่ที่หันมาใช้แนวภูมิทัศน์ยึดติดอยู่กับฉากนี้ในงานของพวกเขา ในบรรดาข้อยกเว้นที่เห็นได้ชัดซึ่งดึงดูดใจไปสู่ภูมิประเทศที่น่าอัศจรรย์คือ A. O. Orlovsky ( " เกี่ยวกับการเดินเรือ ดู" , 1809); เอ จี วาร์เน็ก ( " ดู ใน สภาพแวดล้อม โรม" , 1809); พี.วี.แอ่ง (" ท้องฟ้า ที่ พระอาทิตย์ตก ใน สภาพแวดล้อม โรม" , " ตอนเย็น ภูมิประเทศ" , ทั้งคู่ - ค.ศ. 1820) การสร้างประเภทเฉพาะ พวกเขายังคงความฉับไวของความรู้สึก ความสมบูรณ์ทางอารมณ์ ได้เสียงที่หนักแน่นด้วยเทคนิคการแต่งเพลง

Young Orlovsky เห็นกองกำลังไททานิคในธรรมชาติซึ่งไม่อยู่ภายใต้เจตจำนงของมนุษย์สามารถก่อให้เกิดภัยพิบัติภัยพิบัติได้ การต่อสู้ของชายผู้มีธาตุแห่งท้องทะเลเป็นหนึ่งในธีมโปรดของศิลปินในยุคโรแมนติกที่ "ดื้อรั้น" ของเขา กลายเป็นเนื้อหาในภาพวาด สีน้ำ และภาพเขียนสีน้ำมันของเขาในปี พ.ศ. 2352-2553 ฉากโศกนาฏกรรมแสดงอยู่ในภาพ “ ซากเรืออัปปาง” (1809(?)). ในความมืดมิดที่ตกลงสู่พื้น ท่ามกลางคลื่นที่โหมกระหน่ำ ชาวประมงที่กำลังจมน้ำปีนขึ้นไปบนโขดหินชายฝั่งที่เรือของพวกเขาชนกันอย่างเมามัน คงอยู่ในโทนสีแดงที่รุนแรง สีนี้ช่วยเพิ่มความรู้สึกวิตกกังวล น่าสยดสยองคือการจู่โจมของคลื่นยักษ์ ทำนายพายุ และในอีกภาพหนึ่ง - “ บน ชายฝั่ง ทะเล” (1809). นอกจากนี้ยังมีบทบาททางอารมณ์อย่างมากในท้องฟ้าที่มีพายุซึ่งครอบครององค์ประกอบส่วนใหญ่ แม้ว่า Orlovsky จะไม่ได้เชี่ยวชาญศิลปะแห่งมุมมองทางอากาศ แต่การเปลี่ยนแปลงแบบค่อยเป็นค่อยไปของแผนได้รับการแก้ไขที่นี่อย่างกลมกลืนและอ่อนโยน สีกลายเป็นสีจางลง เล่นอย่างสวยงามบนพื้นหลังสีน้ำตาลแดง จุดสีแดงบนเสื้อผ้าของชาวประมง ธาตุทะเลกระสับกระส่ายและวิตกกังวลในสีน้ำ “ การแล่นเรือใบ เรือ” (c.1812). และถึงแม้ลมจะไม่พัดใบเรือและไม่กระเพื่อมผิวน้ำเหมือนสีน้ำ “ เกี่ยวกับการเดินเรือ ภูมิประเทศ กับ เรือ” (ค. 1810) ผู้ดูไม่ทิ้งลางสังหรณ์ว่าพายุจะตามมาด้วยความสงบ

ภูมิทัศน์แตกต่างกัน จาก. F. เชดริน. พวกเขาเต็มไปด้วยความกลมกลืนของการอยู่ร่วมกันของมนุษย์และธรรมชาติ (" ระเบียง บน ชายฝั่ง ทะเล. คาปูชินี ใกล้ ซอร์เรนโต" , 1827). มุมมองมากมายของเนเปิลส์ด้วยพู่กันของเขาประสบความสำเร็จอย่างไม่ธรรมดา

ในภาพที่สวยงาม และ. ถึง. ไอวาซอฟสกี อุดมคติโรแมนติกของความมัวเมากับการต่อสู้และพลังของพลังธรรมชาติความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์และความสามารถในการต่อสู้จนถึงที่สุดนั้นเป็นตัวเป็นตนที่สดใส อย่างไรก็ตาม พื้นที่ขนาดใหญ่ในมรดกของปรมาจารย์ถูกครอบครองโดยทิวทัศน์ทะเลยามค่ำคืนที่อุทิศให้กับสถานที่เฉพาะที่พายุพัดพาความมหัศจรรย์แห่งราตรีกาลออกไป ช่วงเวลาที่ตามมุมมองของคู่รักนั้นเต็มไปด้วยชีวิตภายในที่ลึกลับ และตำแหน่งที่การค้นหารูปภาพของศิลปินมุ่งเป้าไปที่การแยกเอฟเฟกต์แสงที่ไม่ธรรมดา ( " ดู โอเดสซา ใน พระจันทร์ กลางคืน" , " ดู คอนสแตนติโนเปิล ที่ พระจันทร์ แสงสว่าง" ทั้งสอง - 1846)

ศิลปินในยุค 1800-1850 ตีความธีมขององค์ประกอบทางธรรมชาติและผู้ชายด้วยความประหลาดใจ ซึ่งเป็นธีมโปรดของศิลปะโรแมนติก งานนี้อิงจากเหตุการณ์จริง แต่ความหมายของภาพไม่ได้อยู่ที่การบอกเล่าวัตถุประสงค์ ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาดโดย Pyotr Basin " แผ่นดินไหว ใน Rocca ดิ พ่อ ใกล้ โรม" (1830). ไม่ได้อุทิศให้กับคำอธิบายของเหตุการณ์เฉพาะเจาะจงมากนักเกี่ยวกับการพรรณนาถึงความกลัวและความสยดสยองของบุคคลที่ต้องเผชิญกับการปรากฏตัวขององค์ประกอบ

แนวจินตนิยมในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในรัสเซียในช่วงคลื่นลูกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงช่วงทศวรรษ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในยุค 1850 ธีมของความเป็นอยู่ซึ่งค้นพบโดย Romantics for art ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของ Blue Rose ทายาทสายตรงของ Romantics คือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก, ลวดลาย, อุปกรณ์แสดงอารมณ์เข้าสู่ศิลปะของสไตล์, ทิศทาง, ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวา เหนียวแน่น และมีผลมากที่สุด

แนวโรแมนติกเป็นกระแสในวรรณคดี

ยวนใจคือ ประการแรก โลกทัศน์พิเศษบนพื้นฐานของความเชื่อในความเหนือกว่าของ "วิญญาณ" เหนือ "สสาร" หลักการสร้างสรรค์ตามแนวโรแมนติกมีทุกอย่างที่เป็นจิตวิญญาณอย่างแท้จริงซึ่งพวกเขาระบุด้วยมนุษย์อย่างแท้จริง และในทางตรงข้าม วัตถุทุกอย่าง ตามความเห็นของพวกเขา มาข้างหน้า ทำให้ธรรมชาติที่แท้จริงของบุคคลเสียโฉม ไม่ยอมให้แก่นแท้ของเขาปรากฏออกมา ในสภาพความเป็นจริงของชนชั้นนายทุน มันแบ่งผู้คน กลายเป็นที่มาของความเป็นปฏิปักษ์ ระหว่างพวกเขานำไปสู่สถานการณ์ที่น่าเศร้า ฮีโร่ในเชิงบวกในแนวโรแมนติกตามกฎแล้วเพิ่มขึ้นในแง่ของระดับจิตสำนึกของเขาเหนือโลกแห่งความสนใจตนเองรอบตัวเขาเข้ากันไม่ได้เขาเห็นเป้าหมายของชีวิตไม่ใช่ในอาชีพการงานไม่สะสมความมั่งคั่ง แต่ในการรับใช้อุดมคติอันสูงส่งของมนุษยชาติ - มนุษยธรรม เสรีภาพ ภราดรภาพ ตัวละครโรแมนติกเชิงลบตรงกันข้ามกับตัวละครในเชิงบวกมีความกลมกลืนกับสังคมการปฏิเสธของพวกเขาอยู่ในความจริงที่ว่าพวกเขาอาศัยอยู่ตามกฎของสภาพแวดล้อมของชนชั้นกลางที่อยู่รอบตัวพวกเขา ดังนั้น (และนี่เป็นสิ่งสำคัญมาก) แนวโรแมนติกไม่ได้เป็นเพียงการดิ้นรนเพื่ออุดมคติและบทกวีทุกอย่างที่สวยงามทางจิตวิญญาณ แต่ยังเป็นการบอกเลิกความน่าเกลียดในรูปแบบทางสังคมและประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง ยิ่งกว่านั้นการวิจารณ์เรื่องการขาดจิตวิญญาณยังได้รับจากศิลปะโรแมนติกตั้งแต่เริ่มแรกซึ่งสืบเนื่องมาจากทัศนคติที่โรแมนติกต่อชีวิตสาธารณะ แน่นอนว่าไม่ใช่ในนักเขียนทุกคนและไม่ใช่ในทุกประเภทที่แสดงออกด้วยความกว้างและความเข้มข้นที่เหมาะสม แต่สิ่งที่น่าสมเพชที่สำคัญไม่เพียงปรากฏชัดในละครของ Lermontov หรือใน "เรื่องราวทางโลก" ของ V. Odoevsky เท่านั้น แต่ยังรู้สึกได้ในความสง่างามของ Zhukovsky ซึ่งเผยให้เห็นถึงความเศร้าโศกและความเศร้าโศกของผู้มั่งคั่งฝ่ายวิญญาณในเงื่อนไขของศักดินารัสเซีย .

โลกทัศน์ที่โรแมนติกเนื่องจากความเป็นคู่ (การเปิดกว้างของ "วิญญาณ" และ "แม่") กำหนดภาพลักษณ์ของชีวิตด้วยความคมชัด การมีอยู่ของคอนทราสต์เป็นหนึ่งในคุณลักษณะเฉพาะของประเภทความคิดสร้างสรรค์ที่โรแมนติกและด้วยเหตุนี้จึงมีสไตล์ ฝ่ายวิญญาณและวัสดุในงานของความรักนั้นตรงกันข้ามกันอย่างรุนแรง ฮีโร่ที่โรแมนติกในเชิงบวกมักจะถูกพรรณนาว่าเป็นสิ่งมีชีวิตที่โดดเดี่ยว นอกจากนี้ ถึงวาระที่จะทุกข์ทรมานในสังคมร่วมสมัย (Gyaur, Byron's Corsair, Kozlov's Chernets, Ryleev's Voinarovsky, Lermontov's Mtsyri และอื่นๆ) ในการพรรณนาถึงความน่าเกลียด ความโรแมนติกมักจะบรรลุถึงความเป็นรูปธรรมในชีวิตประจำวันจนยากที่จะแยกแยะงานของพวกเขาออกจากความเป็นจริง บนพื้นฐานของโลกทัศน์ที่โรแมนติก มันเป็นไปได้ที่จะสร้างภาพแต่ละภาพไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานทั้งหมดที่สมจริงในแง่ของความคิดสร้างสรรค์

ลัทธิจินตนิยมนั้นไร้ความปราณีต่อผู้ที่ต่อสู้เพื่อความสูงส่งของตนเอง คิดเกี่ยวกับการเพิ่มพูนหรือดับกระหายด้วยความกระหายในความสุข ละเมิดกฎศีลธรรมสากลในนามของสิ่งนี้ ละเมิดค่านิยมสากลของมนุษย์ (มนุษยชาติ ความรักในเสรีภาพ และอื่น ๆ ) .

ในวรรณคดีโรแมนติกมีภาพวีรบุรุษจำนวนมากที่ติดเชื้อปัจเจกนิยม (Manfred, Lara in Byron, Pechorin, Demon ใน Lermontov และอื่น ๆ ) แต่ดูเหมือนสิ่งมีชีวิตที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้งทรมานจากความเหงาปรารถนาที่จะรวมเข้ากับโลกของคนธรรมดา . การเปิดเผยโศกนาฏกรรมของบุคคล - ปัจเจกนิยมแนวโรแมนติกแสดงให้เห็นถึงสาระสำคัญของความกล้าหาญที่แท้จริงซึ่งแสดงออกในการรับใช้อย่างไม่เห็นแก่ตัวต่ออุดมคติของมนุษยชาติ บุคลิกภาพในสุนทรียศาสตร์โรแมนติกไม่มีค่าในตัวเอง คุณค่าของมันเพิ่มขึ้นตามผลประโยชน์ที่มนุษย์ได้รับเพิ่มขึ้น การยืนยันของบุคคลในเรื่องยวนใจประกอบด้วยประการแรกในการปลดปล่อยจากปัจเจกนิยมจากผลกระทบที่เป็นอันตรายของจิตวิทยาทรัพย์สินส่วนตัว

ศูนย์กลางของศิลปะโรแมนติกคือบุคลิกภาพของมนุษย์ โลกฝ่ายวิญญาณ อุดมคติ ความวิตกกังวลและความเศร้าโศกในสภาพของระบบชนชั้นนายทุน ความกระหายในอิสรภาพและความเป็นอิสระ ฮีโร่โรแมนติกทนทุกข์จากความแปลกแยกจากการไม่สามารถเปลี่ยนตำแหน่งได้ ดังนั้นประเภทวรรณกรรมโรแมนติกที่ได้รับความนิยมซึ่งสะท้อนถึงแก่นแท้ของโลกทัศน์ที่โรแมนติกอย่างเต็มที่คือโศกนาฏกรรม, ละคร, บทกวี - มหากาพย์และบทกวี, เรื่องสั้น, ความสง่างาม ลัทธิจินตนิยมเผยให้เห็นความไม่ลงรอยกันของทุกสิ่งที่เป็นมนุษย์อย่างแท้จริงด้วยหลักการชีวิตส่วนตัว และนี่คือความสำคัญทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ เขาแนะนำนักสู้ชายคนหนึ่งในวรรณคดีซึ่งแม้จะได้รับโทษ แต่ก็ทำอย่างอิสระเพราะเขาตระหนักดีว่าการต่อสู้เป็นสิ่งจำเป็นเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย

ความโรแมนติกมีลักษณะเฉพาะด้วยความกว้างและขนาดของความคิดทางศิลปะ เพื่อรวบรวมความคิดที่มีนัยสำคัญสากลของมนุษย์ พวกเขาใช้ตำนานคริสเตียน นิทานในพระคัมภีร์ ตำนานโบราณ และประเพณีพื้นบ้าน กวีโรแมนติกหันไปใช้จินตนาการ สัญลักษณ์ และวิธีการถ่ายทอดศิลปะแบบเดิมๆ ซึ่งทำให้พวกเขามีโอกาสแสดงความเป็นจริงในวงกว้างเช่นนี้ ซึ่งเป็นไปไม่ได้เลยในงานศิลปะที่เหมือนจริง ตัวอย่างเช่น ไม่น่าเป็นไปได้ที่จะถ่ายทอดเนื้อหาทั้งหมดของ The Demon ของ Lermontov โดยยึดถือหลักการของการพิมพ์ที่เหมือนจริง กวีโอบรับทั้งจักรวาลด้วยการจ้องมองของเขาวาดภาพภูมิทัศน์ของจักรวาลในการทำซ้ำซึ่งรูปธรรมที่เหมือนจริงซึ่งคุ้นเคยในเงื่อนไขของความเป็นจริงทางโลกจะไม่เหมาะสม:

บนมหาสมุทรแห่งอากาศ

ไม่มีหางเสือและไม่มีใบเรือ

ล่องลอยอยู่ในสายหมอก

คณะนักร้องประสานเสียงของผู้ทรงคุณวุฒิเรียว

ในกรณีนี้ ธรรมชาติของบทกวีมีความสอดคล้องมากกว่าไม่ใช่ความถูกต้อง แต่ตรงกันข้ามกับความไม่แน่นอนของภาพวาด ซึ่งในขอบเขตที่มากขึ้นไม่ได้สื่อถึงความคิดของบุคคลเกี่ยวกับจักรวาล แต่เป็นความรู้สึกของเขา ในทำนองเดียวกัน "การต่อสายดิน" การสร้างภาพลักษณ์ของปีศาจจะทำให้ความเข้าใจในตัวเขาในฐานะไททานิคลดลง ซึ่งมีพลังเหนือมนุษย์

ความสนใจในวิธีการถ่ายทอดศิลปะแบบเดิมๆ อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าความรักมักตั้งคำถามเชิงปรัชญาและโลกทัศน์เพื่อการแก้ปัญหา แม้ว่าตามที่ระบุไว้แล้ว พวกเขาไม่อายที่จะพรรณนาถึงสิ่งที่ไม่เข้ากับชีวิตประจำวัน ธรรมดา และในชีวิตประจำวัน จิตวิญญาณมนุษย์ ในวรรณคดีโรแมนติก (ในบทกวีละคร) ความขัดแย้งมักจะสร้างขึ้นจากการปะทะกันไม่ใช่ของตัวละคร แต่เกิดจากความคิด แนวคิดโลกทัศน์ทั้งหมด ("Manfred", "Cain" Byron, "Prometheus Unchained" Shelley) ซึ่งโดยธรรมชาติแล้ว นำศิลปะเหนือขอบเขตของรูปธรรมที่สมจริง

ความเฉลียวฉลาดของฮีโร่โรแมนติก ความชอบในการไตร่ตรองส่วนใหญ่มาจากข้อเท็จจริงที่ว่าเขาทำในสภาพที่แตกต่างจากตัวละครในนวนิยายตรัสรู้หรือละคร "ชนชั้นนายทุนน้อย" ของศตวรรษที่ 18 หลังทำในขอบเขตปิดของความสัมพันธ์ในครอบครัวธีมของความรักครอบครองหนึ่งในสถานที่กลางในชีวิตของพวกเขา ความโรแมนติกนำศิลปะมาสู่ความกว้างใหญ่ของประวัติศาสตร์ พวกเขาเห็นว่าชะตากรรมของผู้คนธรรมชาติของจิตสำนึกของพวกเขาถูกกำหนดไม่มากโดยสภาพแวดล้อมทางสังคมตามยุคโดยรวมกระบวนการทางการเมืองสังคมและจิตวิญญาณที่เกิดขึ้นซึ่งส่งผลต่ออนาคตของทุกคนอย่างเด็ดขาดที่สุด มนุษยชาติ. ดังนั้นความคิดเกี่ยวกับคุณค่าในตนเองของแต่ละบุคคลการพึ่งพาตัวเองเจตจำนงของมันพังทลายเงื่อนไขของมันจึงถูกเปิดเผยโดยโลกที่ซับซ้อนของสถานการณ์ทางสังคมและประวัติศาสตร์

ลัทธิจินตนิยมในฐานะโลกทัศน์และความคิดสร้างสรรค์บางประเภทไม่ควรสับสนกับความโรแมนติกเช่น ความฝันของเป้าหมายที่สวยงามด้วยความทะเยอทะยานในอุดมคติและความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะเห็นมันเป็นจริง ความโรแมนติกขึ้นอยู่กับมุมมองของบุคคล อาจเป็นได้ทั้งการปฏิวัติ การเรียกร้องไปข้างหน้า และอนุรักษ์นิยม การกวีอดีต มันสามารถเติบโตบนพื้นฐานที่สมจริงและเป็นยูโทเปีย

ตามตำแหน่งของความแปรปรวนของประวัติศาสตร์และแนวความคิดของมนุษย์ ชาวโรแมนติกต่อต้านการเลียนแบบของสมัยโบราณ ปกป้องหลักการของศิลปะดั้งเดิมตามการทำซ้ำของชีวิตชาติตามความเป็นจริง วิถีชีวิต ขนบธรรมเนียม ความเชื่อ ฯลฯ

ความโรแมนติกของรัสเซียปกป้องแนวคิดของ "สีท้องถิ่น" ซึ่งเกี่ยวข้องกับการพรรณนาถึงชีวิตในความคิดริเริ่มทางประวัติศาสตร์ระดับชาติ นี่คือจุดเริ่มต้นของการเจาะเข้าสู่ศิลปะแห่งความเป็นรูปธรรมของชาติประวัติศาสตร์ ซึ่งในที่สุดนำไปสู่ชัยชนะของวิธีการที่สมจริงในวรรณคดีรัสเซีย