Ludwig van Beethoven Beethoven เป็นบุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตกระหว่างความคลาสสิกกับแนวโรแมนติก และเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยกย่องและแสดงมากที่สุดในโลก เขาเขียนทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขา รวมทั้งโอเปร่า ดนตรีสำหรับการแสดงละคร การแต่งเพลงประสานเสียง
โยฮันน์ บิดาของเขา (โยฮันน์ ฟาน เบโธเฟน) เป็นนักร้อง อายุ ในโบสถ์น้อย มารดาของเขา แมรี่ แม็กดาลีน ก่อนแต่งงาน เคเวริช (มาเรีย มักดาเลนา เคอเวริช) เป็นลูกสาวของพ่อครัวในราชสำนักในโคเบลนซ์ พวกเขาแต่งงานกันที่โคเบลนซ์ 1767.
ครูของเบโธเฟน พ่อของนักแต่งเพลงต้องการสร้างโมสาร์ทตัวที่สองจากลูกชายของเขา และเริ่มสอนวิธีเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลินให้เขา ในปี ค.ศ. 1778 การแสดงครั้งแรกของเด็กชายเกิดขึ้นที่โคโลญ อย่างไรก็ตาม ปาฏิหาริย์ - เบโธเฟนไม่ได้กลายเป็นเด็ก พ่อมอบหมายให้เด็กคนนี้กับเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา คนหนึ่งสอนให้ลุดวิกเล่นออร์แกน อีกคนสอนวิธีเล่นไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1780 Christian Gottlob Nefe นักออร์แกนและนักแต่งเพลงมาถึงกรุงบอนน์ เขากลายเป็นครูที่แท้จริงของเบโธเฟน
สิบปีแรกในกรุงเวียนนา ในปี ค.ศ. 1787 เบโธเฟนเยือนกรุงเวียนนา หลังจากฟังการด้นสดของเบโธเฟน โมสาร์ทก็อุทานออกมา เขาจะทำให้ทุกคนพูดถึงตัวเอง! เมื่อมาถึงกรุงเวียนนา Beethoven เริ่มเรียนกับ Haydn ต่อมาอ้างว่า Haydn ไม่ได้สอนอะไรเขาเลย ชั้นเรียนทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว เบโธเฟนเชื่อว่าไฮเดนไม่ใส่ใจกับความพยายามของเขามากพอ Haydn รู้สึกหวาดกลัวไม่เพียงแต่กับมุมมองของ Ludwig ที่กล้าหาญในขณะนั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่แพร่หลายในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เมื่อ Haydn เขียนถึง Beethoven สิ่งของของคุณสวยงาม แม้จะเป็นสิ่งมหัศจรรย์ แต่ที่นี่และที่นั่นมีสิ่งแปลกปลอมและมืดมนอยู่ในนั้น เนื่องจากคุณเองก็มืดมนและแปลกไปเล็กน้อย และสไตล์ของนักดนตรีก็เป็นตัวเขาเองอยู่เสมอ ในไม่ช้า Haydn ก็เดินทางไปอังกฤษและมอบลูกศิษย์ให้กับ Albrechtsberger อาจารย์และนักทฤษฎีที่มีชื่อเสียง ในท้ายที่สุด เบโธเฟนเองก็เลือกที่ปรึกษาอันโตนิโอ ซาลิเอรีด้วยตัวเอง
ปีต่อมา () เมื่อเบโธเฟนอายุได้ 34 ปี นโปเลียนละทิ้งอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและประกาศตนเป็นจักรพรรดิ ดังนั้นเบโธเฟนจึงละทิ้งความตั้งใจที่จะอุทิศซิมโฟนีที่สามให้กับเขา: “นโปเลียนคนนี้ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมดด้วยเท้าของเขาและกลายเป็นเผด็จการ” เนื่องจากหูหนวก Beethoven ไม่ค่อยออกจากบ้านสูญเสียการรับรู้เสียง เขากลายเป็นมืดมนถอนตัว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานักแต่งเพลงได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละคน ในช่วงปีเดียวกันนี้ เบโธเฟนกำลังทำงานโอเปร่าเรื่องเดียวของเขาคือ Fidelio โอเปร่านี้เป็นประเภทของโอเปร่า "สยองขวัญและกู้ภัย" ความสำเร็จของฟิเดลิโอเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1814 เมื่อโอเปร่าเริ่มการแสดงครั้งแรกในเวียนนา จากนั้นในปราก ที่ซึ่งเวเบอร์นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้โด่งดังเป็นผู้ดำเนินการ และสุดท้ายที่เบอร์ลิน
ปีที่แล้ว ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต นักแต่งเพลงได้มอบต้นฉบับของ "ฟิเดลิโอ" ให้กับเพื่อนและเลขาของเขา ชินด์เลอร์ พร้อมข้อความว่า "ลูกแห่งจิตวิญญาณของฉันผู้นี้เกิดมาพร้อมกับความทุกข์ทรมานที่หนักหนาสาหัสกว่าคนอื่นๆ และมอบความโศกเศร้าอย่างที่สุดแก่ฉัน ดังนั้นฉันจึงเป็นที่รักมากกว่าใคร ... ” หลังจากปี พ.ศ. 2355 กิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงก็ลดลงชั่วขณะหนึ่ง อย่างไรก็ตาม หลังจากสามปี เขาเริ่มทำงานด้วยพลังงานเดียวกัน ในเวลานี้ โซนาตาเปียโนจากวันที่ 28 ถึงครั้งสุดท้าย, 32, โซนาต้าเชลโล 2 ตัว, ควอเตต และวงจรเสียงร้อง "To a Distant Beloved" ได้ถูกสร้างขึ้น ส่วนใหญ่อุทิศให้กับการประมวลผลเพลงพื้นบ้าน นอกจากชาวสก๊อต ไอริช เวลส์ แล้ว ยังมีชาวรัสเซียอีกด้วย แต่การสร้างสรรค์ที่สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาคือการประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองชิ้นของเบโธเฟน ได้แก่ พิธีมิสซาเคร่งขรึมและซิมโฟนี 9 พร้อมคณะนักร้องประสานเสียง
Giulietta Guicciardi ซึ่งนักแต่งเพลงอุทิศ Moonlight Sonata ซิมโฟนีที่เก้าได้ดำเนินการในปี พ.ศ. 2367 ผู้ชมปรบมือให้นักแต่งเพลงยืนปรบมือ เป็นที่ทราบกันดีว่าเบโธเฟนยืนหันหลังให้ผู้ชมและไม่ได้ยินอะไรเลยนักร้องคนหนึ่งจับมือเขาแล้วหันหน้าเข้าหาผู้ชม ผู้คนโบกผ้าเช็ดหน้า หมวก มือ ต้อนรับผู้แต่ง การปรบมือกินเวลานานจนเจ้าหน้าที่ตำรวจที่อยู่ที่นั่นเรียกร้องทันที
ผลงานของ 9 ซิมโฟนี: 1 (), 2 (1803), 3 "ฮีโร่" (), 4 (1806), 5 (), 6 "อภิบาล" (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( 1824) ). บทเพลงไพเราะ 11 เพลง ได้แก่ "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" 3. 5 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา 6 Youth Sonatas สำหรับเปียโน โซนาต้าเปียโน 32 แบบ 32 แบบและเปียโนประมาณ 60 ชิ้น 10 โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและออเคสตรา คอนแชร์โต้สำหรับเปียโน ไวโอลินและเชลโล และวงออเคสตรา ("คอนแชร์โตสาม") 5 โซนาต้าสำหรับเชลโลและเปียโน เครื่องสาย 16 ตัว. 6 ทรีโอ บัลเล่ต์ "การสร้างสรรค์ของโพร" โอเปร่า ฟิเดลิโอ มวลเคร่งขรึม วัฏจักรเสียง "ถึงที่รักอันห่างไกล" เพลงในข้อของกวีต่าง ๆ การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน
Ryabchinskaya Inga Borisovna
ตำแหน่งงาน:ครูเปียโน, คลอ
สถานศึกษา: MBU DO Children's Music School ตั้งชื่อตาม D.D. โชสตาโควิช
ที่ตั้ง: เมือง Volgodonsk ภูมิภาค Rostov
ชื่อของวัสดุ: การพัฒนาอย่างเป็นระบบ
หัวข้อ: "ยุคประวัติศาสตร์ รูปแบบดนตรี" (คลาสสิก แนวโรแมนติก)
วันที่ตีพิมพ์: 09/16/2015
ส่วนข้อความของสิ่งพิมพ์
สถาบันงบประมาณเทศบาลเพื่อการศึกษาเพิ่มเติม โรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich, Volgodonsk
การพัฒนาระเบียบวิธีในหัวข้อ:
“ยุคประวัติศาสตร์
แนวเพลง »
ความคลาสสิค ความโรแมนติก
) การพัฒนาดำเนินการโดย Inga Borisovna Ryabchinskaya อาจารย์ประเภทที่ 1 นักดนตรีของประเภทสูงสุด
สไตล์และยุคเป็นแนวคิดสองประการที่สัมพันธ์กัน แต่ละสไตล์เชื่อมโยงกับบรรยากาศทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอย่างแยกไม่ออก ทิศทางโวหารที่สำคัญที่สุดปรากฏขึ้น มีอยู่ และหายไปในลำดับประวัติศาสตร์ ในแต่ละข้อมีการแสดงหลักการทั่วไปทางศิลปะและเชิงเปรียบเทียบ วิธีการแสดงออก และวิธีการสร้างสรรค์อย่างชัดเจน
คลาสสิก
คำว่า "คลาสสิก", "คลาสสิก", "คลาสสิก" มาจากรากศัพท์ภาษาละติน - classicus นั่นคือแบบอย่าง การเรียกศิลปิน นักเขียน กวี นักแต่งเพลงว่าคลาสสิก เราหมายความว่าเขาได้รับความเชี่ยวชาญสูงสุด ความสมบูรณ์แบบในงานศิลปะ งานของเขาเป็นมืออาชีพและเป็นของเรา
ตัวอย่าง.
ในการก่อตัวและการพัฒนาของความคลาสสิคนั้นมีการกล่าวถึงสองขั้นตอนทางประวัติศาสตร์
ระยะแรก
เป็นของศตวรรษที่ 17 ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 ซึ่งงอกออกมาจากศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พัฒนาควบคู่ไปกับบาโรก ส่วนหนึ่งในการต่อสู้ ส่วนหนึ่งในการโต้ตอบกับมัน และในช่วงเวลานี้ ได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส สำหรับความคลาสสิกในยุคนี้ งานศิลปะโบราณเป็นตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ โดยอุดมคติคือความเป็นระเบียบ ความมีเหตุมีผล ความกลมกลืน ในงานของพวกเขา พวกเขาแสวงหาความสวยงาม ความจริง ความชัดเจน ความกลมกลืน และความสมบูรณ์ของการก่อสร้าง
ระยะที่สอง
- ลัทธิคลาสสิคตอนปลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับ
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
. เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุโรปเช่น
ยุคแห่งการตรัสรู้
หรืออายุของเหตุผล มนุษย์ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับความรู้และเชื่อในความสามารถในการอธิบายโลก ตัวละครหลักคือคนที่พร้อมสำหรับการกระทำที่กล้าหาญซึ่งอยู่ภายใต้ความสนใจของเขา - ทั่วไป, จิตวิญญาณ
ความคลาสสิค
ความคลาสสิค
แจ่มใส
ความสามัคคี
แจ่มใส
ความสามัคคี
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
สมดุล
ความรู้สึก
สมดุล
ความรู้สึก
ลมกระโชกแรง - เสียงของเหตุผล มีความโดดเด่นในเรื่องความแน่วแน่ในศีลธรรม ความกล้าหาญ ความจริงใจ ความซื่อสัตย์ต่อหน้าที่ สุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของความคลาสสิกสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะทุกรูปแบบ
สถาปัตยกรรม
ช่วงเวลานี้มีลักษณะของความเป็นระเบียบเรียบร้อย การใช้งาน สัดส่วนของชิ้นส่วน แรงโน้มถ่วงสู่ความสมดุลและความสมมาตร ความชัดเจนของแนวคิดและโครงสร้าง การจัดระเบียบที่เข้มงวด จากมุมมองนี้ สัญลักษณ์ของความคลาสสิกคือรูปแบบทางเรขาคณิตของอุทยานหลวงที่แวร์ซาย ซึ่งมีต้นไม้ พุ่มไม้ ประติมากรรม และน้ำพุตั้งอยู่ตามกฎของความสมมาตร มาตรฐานคลาสสิกที่เข้มงวดของรัสเซียคือ Tauride Palace ซึ่งสร้างโดย I. Starov
ในการวาดภาพ
การเปิดเผยตรรกะของพล็อตองค์ประกอบที่สมดุลที่ชัดเจนการถ่ายโอนปริมาณที่ชัดเจนบทบาทรองของสีด้วยความช่วยเหลือของ chiaroscuro การใช้สีในท้องถิ่น (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) ได้มาซึ่งหลัก ความสำคัญ
ในศิลปะกวี
มีการแบ่งออกเป็นประเภท "สูง" (โศกนาฏกรรม บทกวี มหากาพย์) และประเภท "ต่ำ" (ตลก นิทาน เสียดสี) ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณคดีฝรั่งเศส P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของลัทธิคลาสสิคในประเทศอื่น ๆ ช่วงเวลาที่สำคัญของช่วงเวลานี้คือการสร้างสถาบันการศึกษาต่างๆ: วิทยาศาสตร์, ภาพวาด, ประติมากรรม, สถาปัตยกรรม, จารึก, ดนตรีและการเต้นรำ.
แนวเพลงคลาสสิค
ความคลาสสิคในดนตรีแตกต่างจากศิลปะคลาสสิกที่เกี่ยวข้องและเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1730-1820 ในวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ เถียงไม่ได้ว่าในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 คลาสสิกนิยมมีชัยเกือบทุกที่ เนื้อหาของการประพันธ์ดนตรีเชื่อมโยงกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ซึ่งไม่ได้อยู่ภายใต้การควบคุมจิตใจอย่างเข้มงวด อย่างไรก็ตาม นักแต่งเพลงในยุคนี้ได้สร้างระบบกฎเกณฑ์ที่กลมกลืนและสมเหตุสมผลสำหรับการสร้างผลงาน ในยุคคลาสสิกประเภทต่าง ๆ เช่นโอเปร่าซิมโฟนีโซนาตาถูกสร้างขึ้นและบรรลุความสมบูรณ์แบบ การปฏิวัติที่แท้จริงคือการปฏิรูปโอเปร่าของ Christoph Gluck โปรแกรมสร้างสรรค์ของเขามีหลักการสำคัญสามประการ - ความเรียบง่าย ความจริง ความเป็นธรรมชาติ ในละครเพลง เขามองหาความหมาย ไม่ใช่ความหวาน จากโอเปร่า Gluck ขจัดทุกสิ่งที่ไม่จำเป็นออกไป: การตกแต่งเอฟเฟกต์อันงดงามให้พลังการแสดงที่ยอดเยี่ยมของบทกวีและดนตรีก็อยู่ภายใต้การเปิดเผยของโลกภายในของตัวละครอย่างสมบูรณ์ โอเปร่า "Orpheus and Eurydice" เป็นงานแรกที่ Gluck นำแนวคิดใหม่มาใช้และวางรากฐานสำหรับการปฏิรูปโอเปร่า ความเคร่งครัด สัดส่วนของรูป ความเรียบง่ายอันสูงส่งไม่มีความหรูหรา ความรู้สึก
การวัดทางศิลปะในงานเขียนของ Gluck นั้นชวนให้นึกถึงความกลมกลืนของรูปแบบของประติมากรรมโบราณ Arias, บทประพันธ์, คณะนักร้องประสานเสียงประกอบเป็นโอเปร่าขนาดใหญ่ ความมั่งคั่งของดนตรีคลาสสิกเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในกรุงเวียนนา ออสเตรียในเวลานั้นเป็นอาณาจักรที่มีอำนาจ ความเป็นนานาชาติของประเทศก็ส่งผลต่อวัฒนธรรมทางศิลปะเช่นกัน การแสดงออกสูงสุดของลัทธิคลาสสิคคือผลงานของโจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท, ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ผู้ซึ่งทำงานในเวียนนาและเป็นผู้กำหนดทิศทางในวัฒนธรรมดนตรี - โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาใน
ดนตรี
ว. โมสาร์ท
เจ เฮย์เดน แอล.
เบโธเฟน
สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในความมีเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลก ซึ่งแสดงออกถึงความใส่ใจต่อความสมดุลของส่วนต่าง ๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาหลักการหลักของรูปแบบดนตรี ในช่วงเวลานี้เองที่รูปแบบโซนาตาถูกสร้างขึ้นในที่สุด โดยอาศัยการพัฒนาและการต่อต้านของสองธีมที่ตัดกัน และกำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนต่างๆ ของโซนาตาและซิมโฟนี
เวียนนา
ความคลาสสิค
เวียนนา
ความคลาสสิค
แบบฟอร์มโซนาต้า
โซนาตา - (จากโซนาเรอิตาลี - เสียง) - หนึ่งในรูปแบบของดนตรีบรรเลงแชมเบอร์ซึ่งมีหลายส่วน โซนาตินา - (โซนาตินาอิตาลี - จิ๋วของโซนาตา) - โซนาตาขนาดเล็ก มีขนาดกระชับกว่า เนื้อหาง่ายกว่ามากและในทางเทคนิคง่ายกว่า เครื่องดนตรีที่โซนาต้าแต่งขึ้นแต่เดิม ได้แก่ ไวโอลิน ฟลุต คลาเวียร์ ซึ่งเป็นชื่อสามัญของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมด เช่น ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด เปียโน ประเภทของเพลงกลาเวียร์ (เปียโน) โซนาต้ามาถึงจุดสูงสุดในยุคคลาสสิก ในเวลานี้ การทำเพลงที่บ้านได้รับความนิยม ส่วนแรกของโซนาต้าที่นำเสนอในรูปแบบโซนาตานั้นมีความโดดเด่นด้วยความตึงเครียดและความคมชัดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ส่วนแรก (โซนาตาอัลเลโกร) ประกอบด้วยสามส่วน: ส่วนแรกของโซนาตาอัลเลโกรประกอบด้วยส่วนหลักและส่วนรอง ส่วนต่อกันและส่วนสุดท้าย: การแสดงนิทรรศการการพัฒนาชดใช้
ส่วนที่สองของ sonata allegro - การพัฒนา ส่วนที่สามของ sonata allegro - ชดใช้:
นิทรรศการ
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
สำคัญ
ครอบงำ
การพัฒนา
การพัฒนา
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
ดัดแปลง
ปาร์ตี้
ดัดแปลง
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
ส่วนที่เป็นไปได้ของ sonata allegro - รหัส:
ส่วนที่สอง
แบบฟอร์มโซนาต้า - ช้า ดนตรีสื่อถึงความคิดที่ไหลลื่น เชิดชูความงามของความรู้สึก วาดภูมิทัศน์อันวิจิตรงดงาม
ส่วนที่สาม
โซนาต้า (ตอนจบ). ตอนจบของ Sonata มักจะดำเนินการอย่างรวดเร็วและมีลักษณะการเต้นเช่น minuet บ่อยครั้งที่ตอนจบของโซนาต้าคลาสสิกเขียนในรูปแบบ
rondo
(จากอิตาลี rondo - วงกลม) ส่วนที่เกิดซ้ำ -
แต่
-
กลั้น
(ธีมหลัก),
B, C, D
- ตรงกันข้าม
ตอน
.
บรรเลง
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
เกมเชื่อมต่อ เกมสุดท้าย
รหัส
รหัส
โทนสีได้รับการแก้ไข
โทนสีได้รับการแก้ไข
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ธีมหลัก
ธีมหลัก
โจเซฟ ไฮเดน
"เฮย์เดน ผู้มีชื่อเจิดจ้าในวิหารแห่งความปรองดอง..."
Joseph Haydn - ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนา - ทิศทางที่แทนที่บาร็อค ชีวิตของเขาจะยังคงอยู่ที่ศาลของผู้ปกครองฆราวาสเป็นหลักและหลักดนตรีใหม่ ๆ จะถูกสร้างขึ้นในงานของเขาแนวใหม่จะเกิดขึ้น ทั้งหมดนี้
ยังคงมีความสำคัญในสมัยของเรา ... Haydn ถูกเรียกว่าผู้ก่อตั้งดนตรีบรรเลงคลาสสิกผู้ก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่และเป็นบิดาของซิมโฟนี เขากำหนดกฎของซิมโฟนีคลาสสิก: เขาให้รูปลักษณ์ที่เพรียวบางและดูเรียบร้อย กำหนดลำดับของการจัดเรียงซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในลักษณะหลักมาจนถึงทุกวันนี้ ซิมโฟนีคลาสสิกมีวงจรสี่ตัว ส่วนแรกดำเนินไปอย่างรวดเร็วและมักจะฟังดูกระฉับกระเฉงและตื่นเต้น ส่วนที่สองช้า เพลงของเธอสื่อถึงอารมณ์ที่ไพเราะของบุคคล ขบวนการที่สามคือ minuet เป็นหนึ่งในการเต้นรำที่โปรดปรานของยุค Haydn ส่วนที่สี่เป็นส่วนสุดท้าย นี่คือผลลัพธ์ของวงจรทั้งหมด บทสรุปจากทุกสิ่งที่แสดง คิดออก รู้สึกในส่วนที่แล้ว ดนตรีในตอนสุดท้ายมักจะพุ่งขึ้นไปข้างบน มันเป็นการยืนยันชีวิต เคร่งขรึม และมีชัยชนะ ในซิมโฟนีคลาสสิก พบรูปแบบในอุดมคติที่สามารถรองรับเนื้อหาที่ลึกล้ำได้ ในงานของ Haydn ประเภทของโซนาตาสามการเคลื่อนไหวแบบคลาสสิกก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน ผลงานของนักแต่งเพลงนั้นโดดเด่นด้วยความสวยงาม ระเบียบ ความเรียบง่ายที่ละเอียดอ่อนและสูงส่ง ดนตรีของเขาเบามาก เบามาก ส่วนใหญ่เป็นเพลงหลัก เต็มไปด้วยความร่าเริง ความปิติยินดีในโลกมหัศจรรย์ และอารมณ์ขันที่ไม่สิ้นสุด บรรพบุรุษของเขาเป็นชาวนาและคนงาน ผู้รักชีวิต ความอุตสาหะ และการมองโลกในแง่ดี และสืบทอดความคลาสสิก “พ่อผู้ล่วงลับของฉันมีอาชีพเป็นโค้ช เป็นวิชาของเคาท์ฮาร์ราช และโดยธรรมชาติแล้วเป็นคนรักดนตรีที่กระตือรือร้น” Haydn แสดงความสนใจในดนตรีตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เมื่อสังเกตเห็นความสามารถของลูกชาย พ่อแม่จึงส่งเขาไปเรียนที่เมืองอื่น - ที่นั่นเด็กชายอาศัยอยู่ในความดูแลของญาติของเขา จากนั้นไฮเดนก็ย้ายไปอีกเมืองหนึ่งซึ่งเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริงตั้งแต่อายุ 6 ขวบ โจเซฟ ไฮเดนมีชีวิตอิสระ อาจกล่าวได้ว่าเขาเรียนรู้ด้วยตนเองเพราะเงินหรือความสัมพันธ์ไม่เพียงพอสำหรับการศึกษาอย่างเป็นระบบกับครูที่มีชื่อเสียง ตามระดับของวุฒิภาวะ เสียงเริ่มหยาบ และไฮเดนที่อายุน้อยก็พบว่าตัวเองอยู่บนถนนโดยไม่มีหลังคาคลุมศีรษะ เขาหาเลี้ยงชีพจากบทเรียนที่เขาสอนเองแล้ว การศึกษาด้วยตนเองยังคงดำเนินต่อไป: ไฮเดนศึกษาดนตรีของซี.พี.อี. Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) ฟังเพลงที่ฟังจากท้องถนน (รวมถึงท่วงทำนองสลาฟ) และ Haydn ก็เริ่มแต่ง เขาสังเกตเห็น ในยุโรป เหล่าขุนนางพยายามเอาชนะซึ่งกันและกันด้วยการจ้างนักดนตรีที่เก่งที่สุด ปีที่เด็กหนุ่ม Haydn ใช้เป็นศิลปินอิสระนั้นประสบความสำเร็จ แต่ก็ยังเป็นชีวิตที่ยากลำบาก แต่งงานแล้ว Haydn (ทุกคนอธิบายว่าการแต่งงานไม่ประสบความสำเร็จอย่างมาก) ยอมรับคำเชิญของ Prince Esterhazy อันที่จริงที่ศาลของ Esterhazy Haydn
จะมีอายุ 30 ปี หน้าที่ของเขารวมถึงการเขียนเพลงและกำกับวงออเคสตราของเจ้าชาย เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี (หรือเอสเตอร์ฮาซี) เป็นคนมีฐานะดีและเป็นคนรักดนตรีมาก ไฮเดนสามารถทำสิ่งที่เขารักได้ ดนตรีถูกเขียนขึ้นตามคำสั่ง - ไม่มี "เสรีภาพในการสร้างสรรค์" แต่ในขณะนั้นก็เป็นเรื่องปกติ นอกจากนี้ คำสั่งมีข้อได้เปรียบอย่างมาก: เพลงที่สั่งนั้นได้รับการดำเนินการอย่างแน่นอนและทันที ไม่มีอะไรเขียนบนโต๊ะ
จากสนธิสัญญาอย่างเป็นทางการครั้งแรกระหว่าง Prince Esterhazy และ
รอง Kapellmeister Joseph Haydn:
“ตามคำสั่งแรกแห่งการปกครองของพระองค์ แกรนด์ดุ๊ก รอง kapellmeister (Haydn) รับหน้าที่แต่งเพลงใดๆ ที่เจ้านายของเขาปรารถนา จะไม่แสดงการแต่งเพลงใหม่ให้ใครเห็น และยิ่งกว่านั้นเพื่อไม่ให้ใครเขียนมันออก แต่เพื่อเก็บไว้เพียงเพื่อความเป็นนายของพระองค์โดยปราศจากความรู้และพระมหากรุณาธิคุณของพระองค์จะไม่แต่งสิ่งใดให้ใครเลย Joseph Haydn มีหน้าที่ทุกวัน (ไม่ว่าจะในกรุงเวียนนาหรือในดินแดนของเจ้า) ก่อนและหลังอาหารค่ำจะต้องปรากฏตัวในห้องโถงและรายงานตัวเองในกรณีที่เจ้านายของเขายอมให้แสดงหรือแต่งเพลง รอ และได้รับคำสั่งแล้ว ให้นักดนตรีท่านอื่นสนใจ ด้วยความมั่นใจเช่นนี้ สมเด็จพระนางเจ้าฯ พระบรมราชินีนาถจึงทรงให้รอง Kapellmeister แก่เขา ค่าเบี้ยเลี้ยงประจำปี 400 กิลเดอร์ไรน์ ซึ่งเขาจะได้รับรายไตรมาสจากคลังหลัก ยิ่งไปกว่านั้น เขา โจเซฟ ไฮเดน ควรจะได้รับเงินจากโต๊ะของเจ้าหน้าที่หรือครึ่งกิลเดอร์ต่อวันของเงินโต๊ะ (ในอนาคตเงินเดือนเพิ่มขึ้นหลายเท่า) Haydn ถือว่าสามสิบปีของการทำงานกับเจ้าชาย Esterhazy เป็นช่วงเวลาที่ดีในชีวิตของเขา อย่างไรก็ตาม เขาเป็นคนมองโลกในแง่ดีเสมอมา นอกจากนี้ โจเซฟ ไฮเดนยังมีโอกาสเรียบเรียงทุกครั้ง และเขาก็เขียนได้รวดเร็วและมากอยู่เสมอ ในระหว่างการรับใช้ที่ราชสำนักของเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี ชื่อเสียงมาถึงไฮย์ดน์ ความสัมพันธ์ระหว่าง Esterhazy และ Haydn แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยกรณีของ Farewell Symphony ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดี สมาชิกวงออร์เคสตราหันไปหา Haydn เพื่อขอให้โน้มน้าวเจ้าชาย: อพาร์ตเมนต์สำหรับพวกเขามีขนาดเล็กเกินไปที่จะส่งครอบครัว นักดนตรีคิดถึงญาติของพวกเขา Haydn มีอิทธิพลต่อดนตรี: เขาเขียนซิมโฟนีซึ่งมีการเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่ง และเมื่อส่วนนี้ดังขึ้น นักดนตรีก็ค่อยๆ ออกไป นักไวโอลินสองคนยังคงอยู่ แต่พวกเขาก็ดับเทียนแล้วจากไป เจ้าชายเข้าใจคำใบ้และปฏิบัติตาม "ข้อกำหนด" ของนักดนตรี
ในปี ค.ศ. 1790 เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี มิโคลสผู้ยิ่งใหญ่สิ้นพระชนม์ เจ้าชายคนใหม่ - แอนตัน - ไม่ชอบดนตรี ไม่ แอนตันออกจากนักดนตรีประจำกองร้อย แต่ยุบวงออเคสตรา Haydn ยังคงตกงาน แม้ว่าจะมีเงินบำนาญจำนวนมาก ซึ่งMiklósมอบหมายให้เขา และยังมีพลังสร้างสรรค์มากมาย ดังนั้นไฮเดนจึงกลายเป็นศิลปินอิสระอีกครั้ง และเขาจะไปอังกฤษตามคำเชิญ ไฮเดนจะอายุครบ 60 ปีแล้ว เขาพูดไม่ออก! แต่เขาไปอังกฤษ และอีกครั้ง - ชัยชนะ! “ภาษาของฉันเป็นที่เข้าใจกันทั่วโลก” นักแต่งเพลงพูดถึงตัวเอง ในอังกฤษ Haydn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามเท่านั้น จากนั้นเขาก็นำซิมโฟนีและออราทอริโออีก 12 อันมา Haydn ได้เห็นชื่อเสียงของเขา และนี่คือสิ่งที่หายาก ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาได้ทิ้งการประพันธ์ไว้เป็นจำนวนมาก และนี่คือดนตรีที่ยืนยันชีวิตและมีความสมดุล oratorio "The Creation" เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Haydn นี่คือภาพวาดทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นการไตร่ตรองถึงจักรวาล ... Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ Hoffmann เรียกพวกเขาว่า "Children's Joy of the Soul" โซนาตา คอนแชร์โต ควอเตต โอเปร่า จำนวนมาก ... โจเซฟ ไฮเดนเป็นผู้แต่งเพลงชาติของเยอรมนี
โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท
27 มกราคม 2299 – 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334
ศิลปะของ Haydn มีผลกระทบอย่างมากต่อการสร้างสไตล์ซิมโฟนิกและแชมเบอร์ของ Wolfgang Mozart พึ่งได้
ความสำเร็จของเขาในด้าน Sonata - ดนตรีไพเราะ Mozart ได้สร้างสิ่งใหม่ ๆ ที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับมากมาย ประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดไม่รู้จักบุคคลที่โดดเด่นกว่าเขา โมสาร์ทมีความทรงจำและการได้ยินที่ยอดเยี่ยม มีทักษะในการด้นสดที่ยอดเยี่ยม เล่นไวโอลินและออร์แกนได้อย่างสวยงาม และไม่มีใครสามารถโต้แย้งความเหนือกว่าของเขาในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ดได้ เขาเป็นนักดนตรีที่ได้รับความนิยม รู้จักมากที่สุด และเป็นที่รักที่สุดในเวียนนา โอเปร่าของเขามีคุณค่าทางศิลปะอย่างมาก เป็นเวลาสองศตวรรษแล้วที่ Le nozze di Figaro (โอเปร่า - ควาย แต่สมจริงและมีองค์ประกอบของเนื้อร้อง) และ Don Giovanni (โอเปร่าถูกกำหนดให้เป็น "ละครครึกครื้น" - เป็นทั้งเรื่องตลกและโศกนาฏกรรมที่มีภาพที่แข็งแกร่งและซับซ้อนมาก ) ประสบความสำเร็จ ไพเราะ สง่างาม ไพเราะ เรียบง่าย กลมกลืน หรูหรา และ "The Magic Flute" (โอเปร่า - singspiel แต่ในขณะเดียวกันเรื่องราวเชิงปรัชญาเกี่ยวกับการต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว) ลงไปในประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะ "เพลงหงส์" ของ Mozart เป็นผลงานที่มีความสมบูรณ์มากที่สุด และความสดใสเผยให้เห็นโลกทัศน์ของเขา ความคิดที่หวงแหนของเขา ศิลปะของ Mozart นั้นสมบูรณ์แบบด้วยทักษะและเป็นธรรมชาติอย่างยิ่ง พระองค์ประทานสติปัญญา ความสุข แสงสว่าง และความดีแก่เรา Johann Chrysostom Wolfgang Theophilus Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2299 ในเมืองซาลซ์บูร์ก Amadeus - อะนาล็อกละตินของชื่อกรีก Theophilus (b) - "พระเจ้าโปรด" ภายใต้สองชื่อ Mozart มักถูกเรียกว่า Wolfgang Amadeus เป็นเด็กอัจฉริยะ พ่อของ Mozart - Leopold Mozart - เป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง - ครูและเป็นนักแต่งเพลงที่อุดมสมบูรณ์ เด็ก 7 คนเกิดในครอบครัว สองคนรอดชีวิต ได้แก่ แนนเนิร์ล พี่สาวของโมสาร์ท และโวล์ฟกังเอง เลียวโปลด์เริ่มสอนลูกทั้งสองตั้งแต่ยังเด็กและออกทัวร์กับพวกเขา มันเป็นช่วงเวลาแห่งการหลงทางอย่างแท้จริง มีทัวร์หลายแห่ง โดยรวมแล้วใช้เวลานานกว่า 10 ปี (โดยมีการหยุดพักเพื่อกลับบ้านหรือเจ็บป่วยในวัยเด็ก) พ่อไม่เพียงแต่พาลูกไปยุโรปเท่านั้นรวมถึงพระมหากษัตริย์ด้วย เขากำลังมองหาการเชื่อมต่อที่จะช่วยให้ลูกชายที่โตแล้วของเขาได้งานในอนาคตตามความสามารถที่สดใสของเขา โมสาร์ทเริ่มแต่งเพลงตั้งแต่อายุยังน้อย และดนตรียุคแรกของเขาแสดงได้เกือบเท่ากับเพลงที่โตแล้วของเขา นอกจากนี้เมื่อเดินทางพ่อของเขาจ้างครูที่ดีที่สุดในยุโรปสำหรับลูกชายของเขา (ในอังกฤษมันเป็นลูกชายคนสุดท้องของ J.S. Bach - "London Bach" ในอิตาลี - Padre Martini ที่มีชื่อเสียงซึ่งโดยวิธีการเรียนด้วย หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนวิชาชีพในรัสเซีย Maxim Berezovsky) ในอิตาลีเดียวกัน โมสาร์ทที่อายุน้อยได้ทำ "บาปร้ายแรง" ซึ่งรวมอยู่ในชีวประวัติทั้งหมด: ในโบสถ์น้อยซิสทีน เมื่อได้ยินเพียงครั้งเดียว เขาจำได้อย่างสมบูรณ์และจดบันทึกที่ได้รับการคุ้มครอง
งานวาติกัน "Miserere" โดย Allegri “ และที่นี่โวล์ฟกังผ่าน "การทดสอบ" ที่มีชื่อเสียงสำหรับการได้ยินที่ละเอียดอ่อนและความแม่นยำของหน่วยความจำ จากความทรงจำเขาบันทึก "Miserere" ที่มีชื่อเสียงโดย Gregorio Allegri ที่เขาได้ยิน งานนี้ได้รับการยกย่องในระดับสากลว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวเพลงและเป็นจุดสุดยอดของเพลง Good Friday ของสมเด็จพระสันตะปาปา ไม่น่าแปลกใจที่คณะนักร้องประสานเสียงดูแลอย่างดีเพื่อปกป้องงานนี้จากกรานที่ไม่ได้รับเชิญ สิ่งที่โวล์ฟกังทำได้โดยธรรมชาติทำให้เกิดความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม พ่อพยายามทำให้แม่และน้องสาวของเขาสงบในซาลซ์บูร์ก ซึ่งกลัวว่าด้วยการบันทึก "Miserere" โวล์ฟกังทำบาปและอาจตกอยู่ในสถานการณ์ที่ไม่พึงประสงค์ โมสาร์ทไม่เพียงแต่ไม่จบการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเท่านั้น เขาไม่ได้เรียนที่โรงเรียนด้วย การศึกษาทั่วไปของเขาได้รับการจัดการโดยพ่อของเขา (คณิตศาสตร์, ภาษา) ด้วย แต่แล้วพวกเขาก็เติบโตขึ้นในช่วงต้นและในทุกชั้นของสังคม ไม่มีเวลาสำหรับวัฒนธรรมย่อยของวัยรุ่น แน่นอนว่าเด็ก ๆ เหนื่อยมาก ในที่สุด พวกเขาก็เติบโตขึ้น ซึ่งหมายความว่าพวกเขาเลิกเป็นพวกคลั่งไคล้จนคนทั่วไปหมดความสนใจในตัวพวกเขา อันที่จริง โมสาร์ทต้อง "พิชิต" ผู้ชมอีกครั้ง เพราะเป็นนักดนตรีที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว ในปี ค.ศ. 1773 โมสาร์ทวัยหนุ่มเริ่มทำงานให้กับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขามีโอกาสได้เดินทางต่อไปและแน่นอนว่าต้องทำงานหนัก ภายใต้อาร์คบิชอปคนต่อไป โมสาร์ทออกจากตำแหน่งในราชสำนักและกลายเป็นศิลปินอิสระ หลังจากวัยเด็กที่ประกอบด้วยทัวร์ยุโรปและการบริการกับอาร์คบิชอป โมสาร์ทย้ายไปเวียนนา เขายังคงเดินทางไปยังเมืองอื่นๆ ในยุโรปเป็นระยะ แต่เมืองหลวงของออสเตรียจะกลายเป็นบ้านถาวรของเขา “โมสาร์ทเป็นนักดนตรีรายใหญ่ที่สุดคนแรกที่ยังคงเป็นศิลปินอิสระและเป็นนักแต่งเพลงคนแรกในประวัติศาสตร์ ซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะโบฮีเมียน แน่นอนว่าการทำงานเพื่อตลาดเสรีหมายถึงความยากจน” ชีวิต "บนขนมปังฟรี" ไม่ได้เรียบง่ายและเป็นสีดอกกุหลาบอย่างที่คิด ในดนตรีของโมสาร์ทที่โตเต็มที่ เรารู้สึกถึงโศกนาฏกรรมแห่งโชคชะตาอันยอดเยี่ยมของเขา ผ่านความสดใสและความงามของดนตรี ความเศร้าและความเข้าใจ การแสดงออก ความหลงใหล และการแสดงละครได้รับการเน้นย้ำ โวล์ฟกัง โมสาร์ท ทิ้งผลงานไว้กว่า 600 ชิ้นในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา คุณต้องเข้าใจว่าเรากำลังพูดถึงงานขนาดใหญ่: โอเปร่า คอนเสิร์ต ซิมโฟนี Mozart เป็นนักแต่งเพลงสากล เขาเขียนทั้งดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง นั่นคือในทุกประเภทและรูปแบบที่มีอยู่ในเวลาของเขา ในอนาคตลัทธิสากลนิยมดังกล่าวจะหายากขึ้น แต่โมสาร์ทเป็นสากล ไม่เพียงเพราะเหตุนี้: “ดนตรีของเขาประกอบด้วยโลกที่กว้างใหญ่ มันมีสวรรค์และโลก ธรรมชาติและมนุษย์ ความขบขันและโศกนาฏกรรม ความหลงใหลในทุกรูปแบบและลึกซึ้ง
ความสงบภายใน" (K. Barth) พอจะระลึกถึงผลงานบางส่วนของเขา: โอเปร่า ซิมโฟนี คอนแชร์โต โซนาตา การเรียบเรียงเปียโนของ Mozart มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการฝึกสอนและการแสดงของเขา เขาเป็นนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ในศตวรรษที่สิบแปด แน่นอนว่ามีนักดนตรีที่ไม่ด้อยกว่า Mozart ในด้านคุณธรรม (ในเรื่องนี้คู่แข่งหลักของเขาคือ Muzio Clementi) แต่ไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบเขาได้ในความหมายที่ลึกซึ้งของการแสดง ชีวิตของ Mozart เกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ทั้งฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และมือเปียโน (อย่างที่เปียโนเคยเรียกกันมาก่อน) เป็นเรื่องธรรมดาในชีวิตดนตรีในเวลาเดียวกัน และถ้าเกี่ยวกับงานแรกของโมสาร์ทเป็นเรื่องปกติที่จะพูดถึงสไตล์คลาเวียร์แล้วจากปลายยุค 1770 นักแต่งเพลงก็เขียนให้เปียโนอย่างไม่ต้องสงสัย นวัตกรรมของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบของแผนที่น่าสมเพช Mozart เป็นหนึ่งในเมโลดี้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เพลงของเขาผสมผสานคุณสมบัติของเพลงลูกทุ่งออสเตรียและเยอรมันเข้ากับความไพเราะของเพลงอิตาลี แม้ว่าผลงานของเขาจะโดดเด่นด้วยกวีนิพนธ์และความสง่างามอันละเอียดอ่อน แต่ก็มักมีท่วงทำนองที่มีความน่าสมเพชอย่างมากและองค์ประกอบที่ตัดกัน Chamber - ความคิดสร้างสรรค์เชิงบรรเลงของ Mozart นั้นแสดงโดยตระการตาที่หลากหลาย (ตั้งแต่คลอไปจนถึงกลุ่ม) และทำงานให้กับเปียโน (โซนาต้า, หลากหลายรูปแบบ, แฟนตาซี) สไตล์เปียโนของ Mozart โดดเด่นด้วยความสง่างาม ความชัดเจน การบรรเลงเมโลดี้และการบรรเลงอย่างพิถีพิถัน W. Mozart เขียนคอนแชร์โตเปียโน 27 รายการ, โซนาตา 19 รายการ, รอบการแปรผัน 15 รอบ, จินตนาการ 4 รายการ (สองรายการใน c-moll, หนึ่งรายการใน C-dur รวมกับ fugue และอีกหนึ่งรายการใน d-moll) นอกจากวงจรขนาดใหญ่แล้ว ยังมีงานชิ้นเล็ก ๆ อีกหลายชิ้นในงานของ Mozart ซึ่งตัวเขาเองไม่ได้ให้ความสำคัญเสมอไป เหล่านี้เป็น minuets, rondos, Adagio, fugues แยกจากกัน โอเปร่าเป็นศิลปะที่มีความสำคัญทางสังคม ในศตวรรษที่ 18 นอกเหนือจากโรงอุปรากรในศาลแล้วยังมีโรงอุปรากรสาธารณะสองประเภท: จริงจังและตลกในประเทศ (ซีเรียและควาย) แต่ในเยอรมนีและออสเตรีย Singspiel ก็เจริญรุ่งเรือง ในบรรดาผลงานจำนวนมากที่สร้างขึ้นโดยอัจฉริยะของ Mozart โอเปร่าเป็นลูกหลานที่ชื่นชอบ ในงานของเขา แกลลอรี่ภาพชีวิตที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาของโอเปร่าสามารถติดตามได้ - ซีรีส์ ควายและซิงสปีล ประเสริฐและตลก อ่อนโยนและซุกซน ฉลาดและเรียบง่าย - ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นโดยธรรมชาติและตามความเป็นจริงทางจิตใจ ดนตรีของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ทผสมผสานลัทธิแห่งเหตุผล อุดมคติของความเรียบง่ายอันสูงส่ง และลัทธิแห่งหัวใจ อุดมคติของบุคลิกภาพอิสระอย่างกลมกลืน สไตล์ของโมสาร์ทได้รับการพิจารณามาโดยตลอดว่าเป็นตัวตนของความสง่างาม ความเบา ความมีชีวิตชีวาของจิตใจ และความซับซ้อนหลังชนชั้นสูง
P.I. Tchaikovsky เขียนว่า: "Mozart เป็นจุดที่สูงที่สุดซึ่งความงามมาถึงด้านดนตรี ... สิ่งที่เราเรียกว่าอุดมคติ"
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 – 26 มีนาคม พ.ศ. 2370
ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีชื่อเสียงในฐานะนักซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการต่อสู้ มันใช้ความคิดขั้นสูงของการตรัสรู้ซึ่งยืนยันสิทธิและศักดิ์ศรีของมนุษย์ เขาเป็นเจ้าของซิมโฟนีเก้าเพลง บทเพลงไพเราะจำนวนหนึ่ง ("Egmont", "Coriolanus") และเปียโนโซนาตา 32 ตัวประกอบขึ้นเป็นยุคแห่งดนตรีเปียโน โลกแห่งภาพของเบโธเฟนมีความหลากหลาย ฮีโร่ของเขาไม่เพียงแต่กล้าหาญและหลงใหลเท่านั้น แต่ยังมีสติปัญญาที่พัฒนาอย่างประณีตอีกด้วย เขาเป็นนักสู้และนักคิด ในดนตรีของเขา ชีวิตแสดงให้เห็นในความหลากหลายทั้งหมด - ความหลงใหลในพายุและความเพ้อฝันที่แยกออกมา สิ่งที่น่าสมเพชอย่างมากและการสารภาพในเชิงโคลงสั้น ๆ รูปภาพของธรรมชาติและฉากในชีวิตประจำวัน เมื่อสิ้นสุดยุคคลาสสิก ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในขณะเดียวกันก็เปิดประตูสู่ศตวรรษหน้า เบโธเฟนอายุน้อยกว่าโมสาร์ทหนึ่งทศวรรษครึ่ง แต่นี่เป็นเพลงที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ เขาเป็นคนของ "คลาสสิก" แต่ในผลงานที่โตเต็มที่ของเขาเขาใกล้ชิดกับแนวโรแมนติก แนวดนตรีของเบโธเฟนเป็นการเปลี่ยนจากความคลาสสิคไปสู่แนวโรแมนติก แต่เพื่อให้เข้าใจงานของเขา ก่อนอื่นต้องมองภาพพาโนรามาของชีวิตทางสังคมและดนตรีในสมัยนั้น ปลายศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ "Sturm and Drang" (Sturm und Drang) ถือกำเนิดขึ้นและพัฒนาขึ้น - ยุคที่มาตรฐานล่มสลาย
คลาสสิกเพื่อสนับสนุนอารมณ์ความรู้สึกและการเปิดกว้างมากขึ้น ปรากฏการณ์นี้ได้รวบรวมขอบเขตของวรรณคดีและศิลปะทั้งหมด แต่ก็มีชื่อที่น่าสนใจ: เคาน์เตอร์ - การตรัสรู้ ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ "Sturm und Drang" คือ Johann Wolfgang Goethe และ Friedrich Schiller และช่วงเวลานี้เองที่คาดว่าจะมีการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติก พลังและความเข้มข้นของความรู้สึกของดนตรีของเบโธเฟนนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับปรากฏการณ์ที่ระบุไว้ในชีวิตสาธารณะของยุโรปตะวันตกในเวลานั้นและกับสถานการณ์ของชีวิตส่วนตัวของอัจฉริยะ Ludwig van Beethoven เกิดที่เมืองบอนน์ ครอบครัวไม่ร่ำรวย โดยกำเนิด - เฟลมิงส์ ตามอาชีพ - นักดนตรี พ่อกระตือรือร้นที่จะสร้าง "โมสาร์ทคนที่สอง" จากลูกชายของเขา แต่อาชีพนักเล่นคอนเสิร์ตอัจฉริยะ - เด็กอัจฉริยะไม่ได้ผล แต่มี "การเจาะ" อย่างต่อเนื่องอยู่เบื้องหลังเครื่องดนตรี ในวัยเด็กลุดวิกเริ่มหารายได้พิเศษ (เขาต้องออกจากโรงเรียน) และเมื่ออายุ 17 เขาต้องรับผิดชอบต่อครอบครัว: เขาทำงานด้วยเงินเดือนประจำและให้บทเรียนส่วนตัว พ่อติดเหล้าแม่เสียชีวิตก่อนกำหนดและน้องชายยังคงอยู่ในครอบครัว อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนหาเวลาและไปเยี่ยมมหาวิทยาลัยบอนน์ในฐานะอาสาสมัคร เยาวชนในมหาวิทยาลัยทุกคนถูกจับกุมด้วยแรงกระตุ้นจากการปฏิวัติที่มาจากฝรั่งเศส อัจฉริยะรุ่นเยาว์ชื่นชมอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศส เขายังอุทิศซิมโฟนี "วีรชน" ครั้งที่ 3 ให้กับนโปเลียน โบนาปาร์ต แต่จากนั้นก็ข้ามการอุทิศตน ผิดหวังใน "ศูนย์รวมแห่งอุดมคติทางโลก" แทน เขาระบุว่า: "ในความทรงจำของผู้ยิ่งใหญ่" "ไม่มีใครตัวเล็กเท่าคนตัวใหญ่" - คำพูดที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน อุดมคติของ "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ" ยังคงเป็นอุดมคติของเบโธเฟน - และนี่หมายถึงความผิดหวังครั้งใหญ่ในชีวิต Ludwig van Beethoven ศึกษาและเคารพงานของ J. S. Bach อย่างละเอียดถี่ถ้วน ในกรุงเวียนนาเขาแสดงต่อหน้าโมสาร์ทซึ่งทำให้นักดนตรีรุ่นเยาว์ได้คะแนนสูง ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ย้ายไปเวียนนาอย่างสมบูรณ์ ต่อมาก็ช่วยน้องชายของเขาย้ายไปที่นั่น ทั้งชีวิตของเขาจะเชื่อมโยงกับเมืองนี้ ในกรุงเวียนนา เขาเรียนวิชาพิเศษ ในบรรดาครูของเขาคือ Haydn และ Salieri (โซนาต้าไวโอลิน Beethoven สามตัวอุทิศให้กับ Salieri) เขาแสดงในห้องโถงของขุนนางเวียนนาและในคอนเสิร์ตของเขาเองต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก นิ้วของเขาบนแป้นพิมพ์ถูกขนานนามว่า "ปีศาจ" “ฉันอยากคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ มันไม่สำเร็จแน่ถ้าจะก้มลงกับพื้น” (จากจดหมายของเบโธเฟน) ในวัยหนุ่มของเขา เบโธเฟนตระหนักว่าเขาเป็นคนหูหนวก (“เป็นเวลาสองปีแล้วที่ฉันหลีกเลี่ยงสังคมทั้งหมดอย่างระมัดระวังเพราะฉันพูดกับคนอื่นไม่ได้:“ ฉันหูหนวก! » มันจะยังเป็นไปได้ถ้า
ฉันมีอาชีพอื่น แต่ด้วยฝีมือของฉัน ไม่มีอะไรจะแย่ไปกว่านี้อีกแล้ว" (จากจดหมายของเบโธเฟน) การแทรกแซงเป็นระยะโดยแพทย์ไม่ได้นำมาซึ่งการรักษาอาการหูหนวกก้าวหน้า ในตอนท้ายของชีวิตเขาไม่ได้ยินอะไรเลย แต่การได้ยินภายในยังคงอยู่ - อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะได้ยินสิ่งที่ได้ยินภายใน "ด้วยตาของคุณเอง" อีกต่อไป และการสื่อสารกับผู้คนเป็นเรื่องยากมาก กับเพื่อน ๆ พวกเขาฝึกเขียนในสมุดบันทึก "สนทนา" คนหูหนวกที่ได้ยินทุกอย่าง - ตามที่บางครั้งเขาถูกเรียก และเขาได้ยินสิ่งสำคัญ: ไม่ใช่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดความรู้สึกด้วย เขาได้ยินและเข้าใจผู้คน “ ความรัก, ความทุกข์, ความอุตสาหะของเจตจำนง, การเปลี่ยนแปลงของความสิ้นหวังและความภาคภูมิใจ, ละครภายใน - เราทุกคนพบสิ่งนี้ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน” ... (Romain Rolland) ความเสน่หาจากใจจริงของเบโธเฟนเป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้ว: เคาน์เตสจูเลียต กุยเซียร์ดีวัยเยาว์ แต่เขาอยู่คนเดียว ใครคือ "คนรักอมตะ" ของเขา จดหมายซึ่งพบหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง ไม่ทราบแน่ชัด แต่นักวิจัยบางคนมองว่าเทเรซา บรันสวิก นักเรียนของแอล. เบโธเฟนเป็น "คู่รักอมตะ" เธอมีพรสวรรค์ด้านดนตรี เธอเล่นเปียโนได้อย่างสวยงาม ร้องเพลงและแม้กระทั่งเล่นดนตรี ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีมิตรภาพอันยาวนานกับเทเรซา ภายในปี พ.ศ. 2357 เบโธเฟนมีชื่อเสียงไปทั่วโลก สภาคองเกรสแห่งเวียนนาเริ่มต้นขึ้น - หลังจากชัยชนะเหนือนโปเลียนและการเข้ามาของกองทัพรัสเซีย ออสเตรีย และปรัสเซียในปารีส - และรัฐสภาเวียนนาอันโด่งดังอันโด่งดังเริ่มต้นด้วยโอเปร่า Fidelio ของเบโธเฟน เบโธเฟนกลายเป็นคนดังในยุโรป เขาได้รับเชิญไปที่พระราชวังเพื่อเฉลิมฉลองวันแห่งชื่อของจักรพรรดินีรัสเซียซึ่งเขาให้ของขวัญแก่เขา: Polonaise ที่วาดโดยเขา ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน แต่งมาก
เปียโนโซนาตา 32 ตัว
เปียโนโซนาต้ามีไว้สำหรับเบโธเฟนเป็นรูปแบบที่ตรงที่สุดสำหรับการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกที่กวนใจเขา ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจทางศิลปะหลักของเขา ความดึงดูดใจของเขาที่มีต่อแนวเพลงนั้นยาวนานเป็นพิเศษ หากซิมโฟนีปรากฏขึ้นพร้อมกับเขาอันเป็นผลจากการค้นหาโดยทั่วๆ ไป เปียโนโซนาตาก็สะท้อนถึงการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายได้โดยตรง เบโธเฟนในฐานะนักเปียโนผู้เก่งกาจ แม้แต่ด้นสดโดยส่วนใหญ่มักจะอยู่ในรูปแบบโซนาตา ในการแสดงด้นสดของเบโธเฟนที่ดุเดือด ดั้งเดิม และไร้การควบคุม ภาพของงานอันยิ่งใหญ่ในอนาคตของเขาถือกำเนิดขึ้น โซนาต้าของเบโธเฟนแต่ละชิ้นเป็นผลงานศิลปะที่สมบูรณ์ รวมกันเป็นสมบัติล้ำค่าของความคิดคลาสสิกในดนตรี เบโธเฟนตีความเปียโนโซนาต้าว่าเป็นแนวเพลงที่ครอบคลุมซึ่งสามารถสะท้อนถึงความหลากหลายของสไตล์ดนตรีสมัยใหม่ได้ ที่
ในเรื่องนี้เขาเปรียบได้กับ Philipp Emanuel Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) นักแต่งเพลงคนนี้ที่เกือบลืมไปแล้วในสมัยของเราเป็นคนแรกที่มอบโซนาต้าเสียงแหลมของศตวรรษที่สิบแปด ความสำคัญของศิลปะดนตรีชั้นนำประเภทหนึ่งทำให้งานกลาเวียร์ของเขาอิ่มตัวด้วยความคิดที่ลึกซึ้ง เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เดินตามเส้นทางของ F. E. Bach เหนือกว่าผู้บุกเบิกในด้านความกว้าง ความหลากหลาย และความสำคัญของแนวคิดที่แสดงในเปียโนโซนาตา ความสมบูรณ์แบบทางศิลปะและความสำคัญของพวกเขา ภาพและอารมณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่งานอภิบาลที่นุ่มนวลไปจนถึงความเคร่งขรึมที่น่าสมเพช ตั้งแต่บทเพลงที่เปล่งออกมาจนถึงการหยุดอภิปรัชญาจากความคิดเชิงปรัชญาไปจนถึงช่วงเวลาประเภทพื้นบ้าน จากโศกนาฏกรรมถึงเรื่องตลก - แสดงลักษณะของเปียโนโซนาตา 32 ตัวของเบโธเฟนซึ่งสร้างขึ้นโดยเขามากกว่า หนึ่งในสี่ของศตวรรษ เส้นทางจากเพลงแรก (1792) ไปจนถึงเพลงสุดท้าย (1822) Beethoven Sonata นับเป็นยุคสมัยทั้งหมดในประวัติศาสตร์ดนตรีเปียโนของโลก เบโธเฟนเริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่าย (ส่วนใหญ่ยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด) และจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่ ด้วยช่วงเสียงที่กว้างใหญ่และความเป็นไปได้ใหม่ๆ มากมายในการแสดงออก นักแต่งเพลงเรียกโซนาต้าตัวสุดท้ายว่า "งานสำหรับเครื่องดนตรีที่ใช้ค้อน" (Hammerklavier) นักแต่งเพลงเน้นย้ำถึงความทันสมัย
นักเปียโน
การแสดงออก ในปี 1822 ด้วยการสร้าง Sonata ที่สามสิบสอง Beethoven ได้เสร็จสิ้นการเดินทางอันยาวนานของเขาในด้านความคิดสร้างสรรค์นี้ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ทำงานอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับปัญหาของความสามารถทางเปียโน ในการค้นหาภาพเสียงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะ เขาจึงใช้สไตล์เปียโนดั้งเดิมอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ความรู้สึกของพื้นที่โปร่งโล่งกว้าง ทำได้โดยการเปรียบเทียบรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกล คอร์ดขนาดใหญ่ หนาแน่น สมบูรณ์ มีหลายแง่มุม เทคนิคเครื่องดนตรีประเภทเสียงต่ำ การใช้เอฟเฟกต์แป้นเหยียบที่หลากหลาย (โดยเฉพาะแป้นเหยียบด้านซ้าย) - นี่คือคุณลักษณะเฉพาะบางประการของนวัตกรรม เทคนิคเปียโนสไตล์เบโธเฟน เริ่มต้นด้วยโซนาตาแรก เบโธเฟนเปรียบเทียบแชมเบอร์มิวสิกของดนตรีกลาเวียร์ของศตวรรษที่ 18 ภาพเฟรสโก้เสียงตระการตาของพวกเขา วาดด้วยลายเส้นขนาดใหญ่หนา โซนาต้าของเบโธเฟนเริ่มคล้ายกับซิมโฟนีสำหรับเปียโน เปียโนโซนาต้าอย่างน้อย 1 ใน 3 จาก 32 ตัวเป็นที่รู้จักกันดีแม้กระทั่งกับผู้ที่คิดว่าตนเองเป็น "ไม่ใช่มือสมัครเล่น" ในหมู่พวกเขา: โซนาต้า "น่าสงสาร" หมายเลข 8 การเริ่มต้นที่น่าภาคภูมิใจและน่าเศร้า - และคลื่นดนตรีที่ยกระดับ กวีทั้ง 3 ตอน แต่ละบทมีความสวยงาม ความสุข ความทุกข์ การจลาจล และการต่อสู้ - วงเวียนภาพทั่วไปของเบโธเฟน แสดงออกที่นี่ทั้งรุนแรงและยิ่งใหญ่
ขุนนาง นี่เป็นเพลงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับบีโธเฟนโซนาตาหรือซิมโฟนี "Quasi una fantasia" หรือที่เรียกว่า "Moonlight" โซนาตาหมายเลข 14 ซึ่งอุทิศให้กับคุณหญิง Giulietta Guicciardi ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Beethoven นักแต่งเพลงถูกจูเลียตพาไปและคิดเกี่ยวกับการแต่งงาน แต่เธอก็ชอบคนอื่น โดยปกติ ผู้ฟังจะถูกจำกัดไว้ในส่วนแรก โดยไม่สงสัยว่าจะมีตอนจบแบบไหน - "น้ำตกที่เลี้ยงดู" - ในการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบของหนึ่งในนักวิจัย และยังมี "Appassionata" (หมายเลข 23), "The Tempest" (หมายเลข 17), "Aurora" (หมายเลข 21) ... Piano sonatas เป็นส่วนที่ดีที่สุดและมีค่าที่สุดของมรดกอันยอดเยี่ยมของเบโธเฟน ในภาพอันตระการตาที่ยาวและน่าตื่นเต้น ทั้งชีวิตของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม จิตใจที่ยิ่งใหญ่ และหัวใจที่ยิ่งใหญ่ส่งผ่านต่อหน้าเรา ไม่ใช่มนุษย์ต่างดาว แต่ด้วยเหตุผลนี้เอง อุดมคติอันศักดิ์สิทธิ์ที่สุดของมนุษยชาติขั้นสูง แอล. เบโธเฟนสานต่อประเพณีของโมสาร์ท แต่ดนตรีของเขาได้รับการแสดงออกใหม่อย่างสมบูรณ์: ละครในดนตรีนำไปสู่โศกนาฏกรรม อารมณ์ขันถึงการประชดประชัน และเนื้อเพลงกลายเป็นการเปิดเผยของจิตวิญญาณที่ทุกข์ทรมาน ภาพสะท้อนทางปรัชญาเกี่ยวกับชะตากรรมและโลก ดนตรีเปียโนของเบโธเฟนเป็นตัวอย่างของรสนิยมทางศิลปะ ผู้ร่วมสมัยมักเปรียบเทียบอารมณ์ทางอารมณ์ของโซนาต้าของเบโธเฟนกับโศกนาฏกรรมของชิลเลอร์ที่น่าสมเพช นอกจากโซนาต้า 32 ตัวสำหรับเปียโนแล้ว ยังมีโซนาต้าสำหรับไวโอลินอีกด้วย อย่างน้อยก็คุ้นเคยกับชื่อ "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 สำหรับไวโอลินและเปียโน แล้วก็มีเครื่องสายที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน ในจำนวนนี้ "Russian Quartets" ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ พวกเขาได้ยินท่วงทำนองของรัสเซียจริงๆ (“ Ah, พรสวรรค์, พรสวรรค์ของฉัน”,“ Glory” - Beethoven คุ้นเคยกับเพลงเหล่านี้จากคอลเล็กชั่นของ Lvov เป็นพิเศษ) นี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ: สี่คนเขียนตามคำสั่งของนักการทูตรัสเซีย Andrei Razumovsky ซึ่งอาศัยอยู่ในเวียนนาเป็นเวลานานและเป็นผู้อุปถัมภ์ของเบโธเฟน Razumovsky อุทิศให้กับสองซิมโฟนีของนักแต่งเพลง เบโธเฟนมีเก้าซิมโฟนี ซึ่งส่วนใหญ่เป็นที่รู้จักของสาธารณชน ฉันขอเตือนคุณเกี่ยวกับซิมโฟนีที่สาม (ฮีโร่) ซิมโฟนีที่ห้าที่มีธีมแห่งโชคชะตาที่มีชื่อเสียง "ระเบิดแห่งโชคชะตา" เหล่านี้ล้มลงอีกครั้ง โชคชะตายังคงเคาะประตู และการต่อสู้ไม่ได้จบลงที่ส่วนแรก ผลลัพธ์จะปรากฏเฉพาะในตอนจบ ซึ่งธีมของโชคชะตากลายเป็นความปีติยินดีของความสุขแห่งชัยชนะ พระ (ซิมโฟนีที่ 6) - ชื่อของมันบ่งบอกถึงการสวดมนต์ของธรรมชาติ ในที่สุดซิมโฟนีที่ 7 อันน่าทึ่งก็โด่งดังที่สุด
ซิมโฟนียุคที่เก้าซึ่งเป็นแนวคิดที่เบโธเฟนสุกงอมมาเป็นเวลานาน เบโธเฟนยังใช้ชีวิตแบบ "ศิลปินอิสระ" (อย่างไรก็ตาม เริ่มจากโมสาร์ท สิ่งนี้กลายเป็นบรรทัดฐาน) ด้วยความลำบากและความไม่แน่นอนทั้งหมด หลายครั้งที่เบโธเฟนพยายามจะออกจากเวียนนา จากนั้นขุนนางออสเตรียก็เสนอเงินเดือนให้เขา ถ้าเพียงแต่เขาจะไม่จากไป และเบโธเฟนยังคงอยู่ที่เวียนนา ที่นี่เขาได้พบกับชัยชนะหลักของเขา จากก้นบึ้งของความเศร้าโศก Beethoven วางแผนที่จะเชิดชู Joy (โรลแลนด์). เบโธเฟนป่วยหนักอยู่แล้ว นี่ไม่ใช่แค่อาการหูหนวกเท่านั้น แต่นักแต่งเพลงก็พัฒนาโรคตับอย่างรุนแรง มีเงินไม่พอ มีปัญหาในชีวิตส่วนตัว (เลี้ยงหลาน) ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ บางสิ่งที่บางครั้งยากต่อการพิจารณาว่ามนุษย์สร้างขึ้นได้ถือกำเนิดขึ้น กอดล้าน! (เบโธเฟน ซิมโฟนีที่ 9 ตอนจบ). เรียกอีกอย่างว่า Choral Symphony เนื่องจากในตอนจบมีเสียงคณะนักร้องประสานเสียงที่รู้จักกันดีในขณะนี้กับคำพูดของ Friedrich Schiller - "Ode to Joy" ซึ่งกลายเป็นเพลงสวดที่แตกต่างกันเป็นระยะ ๆ ตอนนี้มันเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมี สหภาพยุโรป. เบโธเฟนเสียชีวิตเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ในปี 2550 นักพยาธิวิทยาชาวเวียนนาและผู้เชี่ยวชาญด้านนิติเวช Christian Reiter (รองศาสตราจารย์ด้านนิติเวชศาสตร์แห่งมหาวิทยาลัยการแพทย์แห่งเวียนนา) แนะนำว่าแพทย์ของเขา Andreas Wavruch เร่งการตายของเบโธเฟนโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งเจาะช่องท้องของผู้ป่วยซ้ำ ๆ ( เพื่อเอาของเหลวออก) หลังจากนั้นเขาก็ทาโลชั่นที่มีตะกั่วไปที่บาดแผล การศึกษาเกี่ยวกับเส้นผมของ Reuter พบว่าระดับตะกั่วของเบโธเฟนเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วทุกครั้งที่พบแพทย์
เบโธเฟน - ครู
เบโธเฟนเริ่มสอนดนตรีในขณะที่ยังอยู่ในเมืองบอนน์ Stefan Breining นักศึกษาจากเมืองบอนน์ยังคงเป็นเพื่อนที่อุทิศตนให้กับนักประพันธ์เพลงมากที่สุดจนถึงวาระสุดท้ายของเขา Braining ช่วย Beethoven ในการดัดแปลงบท Fidelio ในกรุงเวียนนา เคาน์เตสจูเลียต กวิชชาร์ดีวัยเยาว์กลายเป็นลูกศิษย์ของเบโธเฟน ในฮังการี ที่ซึ่งเบโธเฟนอาศัยอยู่ที่คฤหาสน์บรันสวิก เทเรซา บรันสวิกศึกษากับเขา Dorothea Ertmann หนึ่งในนักเปียโนที่ดีที่สุดในเยอรมนี ยังเป็นนักเรียนของ Beethoven ดี. เอิร์ตแมนมีชื่อเสียงในการแสดงผลงานของเบโธเฟน นักแต่งเพลงได้อุทิศ Sonata หมายเลข 28 ให้เธอ เมื่อรู้ว่าลูกของ Dorothea เสียชีวิต Beethoven ก็เล่นให้เธอเป็นเวลานาน Carl Czerny ก็เริ่มเรียนกับ Beethoven ด้วย คาร์ลอาจเป็นลูกคนเดียวในหมู่นักเรียนของเบโธเฟน เขาอายุเพียงเก้าขวบ แต่เขาได้จัดคอนเสิร์ตแล้ว Czerny ศึกษากับ Beethoven เป็นเวลาห้าปีหลังจากนั้นผู้แต่งได้มอบเอกสารที่เขาตั้งข้อสังเกตไว้
"ความสำเร็จที่โดดเด่นของนักเรียนและความทรงจำทางดนตรีที่น่าอัศจรรย์ของเขา" ความทรงจำของ Czerny นั้นยอดเยี่ยมมาก เขารู้ด้วยใจจริงถึงการแต่งเปียโนของครูทั้งหมด Czerny เริ่มสอนตั้งแต่เนิ่นๆ และในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในครูที่ดีที่สุดในเวียนนา ในบรรดานักเรียนของเขาคือ Teodor Leshetitsky ผู้ซึ่งเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนเปียโนรัสเซีย Leshetitsky เมื่อย้ายไปรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแล้วก็เป็นครูของ A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar Franz Liszt เรียนกับ K. Czerny เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ความสำเร็จของเขายิ่งใหญ่มากจนครูอนุญาตให้เขาพูดกับสาธารณชน เบโธเฟนเข้าร่วมคอนเสิร์ต เขาเดาพรสวรรค์ของเด็กชายและจูบเขา Liszt เก็บความทรงจำของจูบนี้มาตลอดชีวิต ไม่ใช่ Czerny แต่ Liszt สืบทอดสไตล์การเล่นของ Beethoven เช่นเดียวกับเบโธเฟน Liszt ปฏิบัติต่อเปียโนเหมือนวงออเคสตรา ขณะท่องเที่ยวยุโรป เขาได้เลื่อนตำแหน่งงานของเบโธเฟน ไม่เพียงแต่แสดงงานเปียโนของเขาเท่านั้น แต่ยังแสดงซิมโฟนีด้วย ซึ่งเขาดัดแปลงสำหรับเปียโนด้วย ในสมัยนั้น ดนตรีของเบโธเฟน โดยเฉพาะดนตรีไพเราะ ยังไม่เป็นที่รู้จักของผู้ชมจำนวนมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ F. Liszt ที่อนุสาวรีย์ของนักแต่งเพลง Ludwig van Beethoven ถูกสร้างขึ้นใน Bonn ในปี 1839 เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่รู้จักเพลงของ Beethoven พูดน้อยและโล่งอกของท่วงทำนอง ไดนามิก จังหวะของกล้ามเนื้อที่ชัดเจน - นี่คือสไตล์วีรสตรีดราม่าที่จดจำได้ง่าย แม้แต่ในส่วนที่ช้า (ซึ่งเบโธเฟนสะท้อนถึง) ธีมหลักของเบโธเฟนก็ฟังดู: ผ่านความทุกข์ - สู่ความสุข "ผ่านหนามสู่ดวงดาว" M.I. Glinka ถือว่าเบโธเฟนเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิกแบบเวียนนา ศิลปินที่เจาะลึกถึงส่วนลึกของจิตวิญญาณมนุษย์และถ่ายทอดออกมาเป็นเสียงได้อย่างสมบูรณ์แบบ เบโธเฟนกล่าวว่า: "ดนตรีควรจุดไฟจากจิตวิญญาณมนุษย์!"
บทสรุป
การเติบโตของเสรีภาพในสังคมทำให้เกิดการแสดงคอนเสิร์ตสาธารณะ สมาคมดนตรีและวงออเคสตราเป็นครั้งแรกในเมืองหลักของยุโรป การพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีใหม่ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ทำให้เกิดการเกิดขึ้นของร้านเสริมสวยส่วนตัวหลายแห่ง การแสดงโอเปร่า วัฒนธรรมดนตรีคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงหลายประเภท เช่น โซนาตา ซิมโฟนี ควอเตต ในยุคนี้ ประเภทของการแสดงคอนเสิร์ตคลาสสิก รูปแบบการแปรผัน การตกผลึก และการปฏิรูปประเภทโอเปร่าเกิดขึ้น
มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในวงออเคสตรา ไม่จำเป็นต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีหลัก เครื่องดนตรีประเภทลม - คลาริเน็ต ขลุ่ย ทรัมเป็ตและอื่น ๆ ในทางตรงกันข้ามได้เข้ามาแทนที่ในวงออเคสตราและสร้างใหม่พิเศษ เสียง. องค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรานำไปสู่การเกิดขึ้นของซิมโฟนี - ประเภทดนตรีที่สำคัญที่สุด หนึ่งในนักประพันธ์เพลงคนแรกที่ใช้รูปแบบไพเราะคือลูกชายของ I.S. บาค - คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล บาค ร่วมกับองค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรา the
เครื่องสายประกอบด้วยไวโอลินสองตัว วิโอลาและเชลโล องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับเครื่องสายสี่จังหวะที่มีมาตรฐานของตัวเองในสี่จังหวะ ฟอร์มโซนาตา-ซิมโฟนีหลายส่วน (4 - วัฏจักรบางส่วน) ก่อตัวขึ้น ซึ่งยังคงเป็นพื้นฐานของการประพันธ์เพลงประกอบหลายอย่าง ในยุคเดียวกันนั้น เปียโนถูกสร้างขึ้น การออกแบบในช่วงศตวรรษที่ 18 ผ่านการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญกลไกคีย์บอร์ด - ค้อนได้รับการปรับปรุงโครงเหล็กหล่อคันเหยียบแนะนำกลไก "การซ้อมสองครั้ง" การจัดเรียงของสตริงเปลี่ยนไปช่วงขยาย นวัตกรรมเชิงวิวัฒนาการทั้งหมดนี้ทำให้นักเปียโนสามารถแสดงผลงานชิ้นเอกในหลากหลายวิธีได้ง่ายขึ้น โดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายและไดนามิกที่สมบูรณ์ โจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน - สามชื่อผู้ยิ่งใหญ่ สาม "ไททันส์" ที่ลงไปในประวัติศาสตร์ว่า
เวียนนา
คลาสสิก
. นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเวียนนาเชี่ยวชาญด้านดนตรีหลากหลายประเภทตั้งแต่เพลงประจำวันไปจนถึงซิมโฟนี ดนตรีสไตล์ชั้นสูงซึ่งมีเนื้อหาเชิงเปรียบเทียบมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่เรียบง่ายแต่สมบูรณ์แบบ เป็นคุณลักษณะหลักของผลงานคลาสสิกแบบเวียนนา กล่าวคือ นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาได้ยกระดับแนวเพลงของเปียโนโซนาตา คอนแชร์โตคลาสสิกขึ้นสู่ระดับสูงสุด การค้นพบความคลาสสิคคือการแสดงความปรารถนาในอุดมคติสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ สำหรับการแจกจ่ายวิญญาณและชีวิตในสวรรค์ ไฮเดนกล่าวว่าพระเจ้าจะไม่ทรงขุ่นเคืองใจเขาที่ถวายเกียรติแด่พระองค์ในรูปแบบใหม่ที่สดใสและชัดเจน วัฒนธรรมดนตรีของลัทธิคลาสสิกเช่นวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์ยกย่องการกระทำของบุคคลอารมณ์และความรู้สึกของเขาซึ่งจิตใจครอบงำ ศิลปิน - ผู้สร้างผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยการคิดเชิงตรรกะ ความกลมกลืน และความชัดเจนของรูปแบบ ความคลาสสิคคือรูปแบบของยุคที่กำหนดไว้ในอดีต แต่อุดมคติของความสามัคคีและสัดส่วนของเขายังคงเป็นแบบอย่างสำหรับคนรุ่นต่อไปจนถึงทุกวันนี้
ในขณะเดียวกัน ยุคสมัยของลัทธิคลาสสิกก็ลดลงแล้ว ในรูปแบบที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของ "ดอน ฮวน" ด้วยจิตวิญญาณที่ดื้อรั้นของ "เอ็กมอนต์" เราสามารถเดาศตวรรษของแนวโรแมนติกด้วยการประชดอันน่าสลดใจ ความผิดปกติของจิตสำนึกทางศิลปะ เสรีภาพของความใกล้ชิดในบทเพลง
หลักการคลาสสิก
1. พื้นฐานของทุกสิ่งคือจิตใจ เฉพาะสิ่งที่สมเหตุสมผลเท่านั้นที่สวยงาม 2. งานหลักคือการเสริมสร้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ พระมหากษัตริย์เป็นศูนย์รวมของความสมเหตุสมผล 3. ประเด็นหลักคือความขัดแย้งทางผลประโยชน์ ความรู้สึก และหน้าที่ส่วนบุคคลและของพลเมือง 4. ศักดิ์ศรีสูงสุดของบุคคลคือการปฏิบัติหน้าที่บริการตามความคิดของรัฐ 5. มรดกของสมัยโบราณเป็นแบบอย่าง 6. เลียนแบบธรรมชาติ “ตกแต่ง” 7. หมวดหมู่หลักคือความงาม
วรรณกรรม
Keldysh Yu. V. - คลาสสิค สารานุกรมดนตรี, มอสโก: สารานุกรมโซเวียต, จาก "นักแต่งเพลงโซเวียต", 1973 - 1982. คลาสสิก - พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่, 2000. Yu. A. Kremlev - Beethoven Piano Sonatas สำนักพิมพ์ "Soviet Composer", Moscow 1970 .
นักแต่งเพลงคลาสสิก
ฟรีดริช คาล์คเบรนเนอร์ โจเซฟ ไฮเดน โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมล แจน วานฮาล จิโอวานนี บัตติสตา เปสเช็ตตี โดมินิโก Cimarosa อีวาน ลาสคอฟสกี เลียวโปลด์ โมสาร์ท คริสเตียน ก็อตต์ล็อบ เนเฟ โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท จิโอวานนี บัตติสตา กราซิโอลิ อังเดร เกรทรี โยฮันน์ อี. ฮุมเมล แดเนียล สไตเบลต์ อิกนาซ เพลเยล ลุดวิเก อองนาซ เพลเยล ลุดวิเก Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuque Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev เฟรดเดอริก Duvernoy Gaetano Donizetti He Johann Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philip Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini อองรี เครเมอร์
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pyotr Bulakhov ฟรีดริช Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
โรแมนติก
แนวจินตนิยมเป็นกระแสนิยมทางอุดมการณ์และศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX - เป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิค ซึ่งเป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อการตรัสรู้ด้วยลัทธิแห่งเหตุผล การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเกิดจากสาเหตุหลายประการ ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา
-
ความผิดหวังในผลการปฏิวัติฝรั่งเศส
,
ไม่ได้พิสูจน์ความหวังที่วางไว้ โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเฉพาะด้วยความขัดแย้งที่คมชัดระหว่างความเป็นจริงกับความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้วิญญาณ เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสติน ลัทธิฟิลิสเตีย และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันเป็นสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจได้ในจิตใจ แนวจินตนิยมเกิดขึ้นและก่อตัวขึ้นในยุค 1790 ในประเทศเยอรมนีในแวดวงนักเขียนและนักปรัชญาของโรงเรียน Jena ซึ่งมีตัวแทนคือ W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, พี่น้อง F. และ A. Schlegel) ปรัชญาของแนวโรแมนติกได้รับการจัดระบบในผลงานของ F. Schlegel และ F. Schelling และประกอบด้วยความจริงที่ว่ามีความเพลิดเพลินในเชิงบวกของความสวยงามแสดงออกในการไตร่ตรองอย่างสงบและมีความเพลิดเพลินเชิงลบของประเสริฐไม่มีรูปแบบไม่มีที่สิ้นสุด ไม่ก่อให้เกิดความยินดี แต่เกิดความอัศจรรย์ใจและความเข้าใจ การสวดมนต์ที่ประเสริฐนั้นเชื่อมโยงกับความสนใจของความโรแมนติกในความชั่วร้าย การทำให้สูงส่ง และวิภาษของความดีและความชั่ว ในศตวรรษที่สิบแปด ทุกสิ่งที่แปลก งดงาม และมีอยู่ในหนังสือ ไม่ใช่ในความเป็นจริง เรียกว่าโรแมนติก แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 19 ความโรแมนติกกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ ตรงกันข้ามกับความคลาสสิกและการตรัสรู้ จากยุคสู่ยุคจากรูปแบบสู่รูปแบบที่ตามมาในสาขาศิลปะเราสามารถ "โยนสะพาน" และแสดงออกถึงความสอดคล้อง
คำจำกัดความของแนวโน้มทางศิลปะ: บาโรกเป็นคำเทศนา แนวโรแมนติกคือการสารภาพ ดังนั้นพวกเขาจึง "กระจัดกระจาย" ไปด้านข้างจากความคลาสสิคที่เพรียวบางและเป็นระเบียบ ในศิลปะแบบบาโรก คนๆ หนึ่งหันไปหาบุคคล (เทศน์) ด้วยบางสิ่งที่มีความสำคัญระดับโลก ในเรื่องแนวโรแมนติก คนๆ หนึ่งหันไปหาโลก โดยประกาศกับเขาว่าประสบการณ์เล็กๆ น้อยๆ ในจิตวิญญาณของเขานั้นสำคัญไม่น้อยไปกว่าสิ่งอื่นใด และนี่ไม่ใช่เพียงสิทธิ์ในความรู้สึกส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังมีสิทธิ์ในการกระทำอีกด้วย แนวจินตนิยมเข้ามาแทนที่ยุคแห่งการตรัสรู้ เกิดขึ้นพร้อมกับการปฏิวัติอุตสาหกรรม โดยมีรูปลักษณ์ของเครื่องจักรไอน้ำ รถจักรไอน้ำ เรือกลไฟ การถ่ายภาพ และบริเวณชานเมืองโรงงาน หากการตรัสรู้มีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิแห่งเหตุผลและอารยธรรมตามหลักการของมัน ความโรแมนติกก็ยืนยันลัทธิแห่งธรรมชาติ ความรู้สึก และธรรมชาติในมนุษย์ ในยุคของความโรแมนติกที่ปรากฏการณ์ของการท่องเที่ยว การปีนเขา และปิกนิกถูกสร้างขึ้น ออกแบบมาเพื่อฟื้นฟูความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ ภาพลักษณ์ของ "คนป่าผู้สูงศักดิ์" ที่ติดอาวุธ "ภูมิปัญญาชาวบ้าน" และไม่ถูกอารยธรรมเสื่อมโทรมเป็นที่ต้องการ แนวจินตนิยมเปรียบเทียบแนวคิดการตรัสรู้ของความก้าวหน้ากับความสนใจในนิทานพื้นบ้าน ตำนาน เทพนิยาย ในคนทั่วไป การกลับคืนสู่รากเหง้าและธรรมชาติ ในการพัฒนาแนวโรแมนติกของเยอรมันต่อไปความสนใจในลวดลายเทพนิยายและตำนานนั้นแตกต่างออกไปซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของพี่น้องวิลเฮล์มและจาค็อบกริมม์ฮอฟฟ์มันน์ G. Heine เริ่มทำงานภายใต้กรอบของแนวโรแมนติกในเวลาต่อมาได้รับการปรับปรุงแก้ไขที่สำคัญ แนวโรแมนติกเชิงปรัชญาเรียกร้องให้มีการคิดใหม่เกี่ยวกับศาสนาและการแสวงหาลัทธิอเทวนิยม "ศาสนาที่แท้จริงคือความรู้สึกและรสชาติของอนันต์" ต่อมาในทศวรรษที่ 1820 สไตล์โรแมนติกได้แพร่กระจายไปยังอังกฤษ ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ แนวโรแมนติกของอังกฤษรวมถึงผลงานของนักเขียน Racine, John Keats, William Blake แนวโรแมนติกในวรรณคดีแพร่หลายในประเทศยุโรปอื่น ๆ เช่นในฝรั่งเศส - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; ในอิตาลี - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, ในโปแลนด์ - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; ในสหรัฐอเมริกา - Washington Irving, Fenimore Cooper, W.K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville
ในแนวโรแมนติกของรัสเซีย เสรีภาพจากอนุสัญญาแบบคลาสสิกปรากฏขึ้น เพลงบัลลาด ละครโรแมนติก ได้ถูกสร้างขึ้น แนวคิดใหม่ของสาระสำคัญและความหมายของบทกวีได้รับการยืนยันซึ่งเป็นที่ยอมรับว่าเป็นทรงกลมที่เป็นอิสระของชีวิตซึ่งเป็นการแสดงออกถึงแรงบันดาลใจสูงสุดในอุดมคติของมนุษย์ ความโรแมนติกของวรรณคดีรัสเซียแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานและความเหงาของตัวเอก ในรัสเซีย V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov สามารถนำมาประกอบกับกวีโรแมนติกได้เช่นกัน กวีนิพนธ์ตอนต้นของ A. S. Pushkin ก็พัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของแนวโรแมนติก กวีนิพนธ์ของ M. Yu. Lermontov ถือได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวโรแมนติกของรัสเซีย เนื้อเพลงเชิงปรัชญาของ F. I. Tyutchev เป็นทั้งความสมบูรณ์และการเอาชนะแนวโรแมนติกในรัสเซีย ยวนใจเกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม แต่มีผลกระทบอย่างมากต่อดนตรีและภาพวาด ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก และน้อยกว่าในด้านสถาปัตยกรรม การพัฒนาแนวโรแมนติกในการวาดภาพดำเนินไปด้วยการโต้เถียงที่เฉียบแหลมกับสมัครพรรคพวกของลัทธิคลาสสิค พวกโรแมนติกเยาะเย้ยบรรพบุรุษของพวกเขาสำหรับ "เหตุผลที่เย็นชา" และไม่มี "การเคลื่อนไหวของชีวิต" ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินที่ชื่นชอบคือภูมิทัศน์ของภูเขาและซากปรักหักพังที่งดงาม คุณสมบัติหลักของมันคือไดนามิกขององค์ประกอบ, ความกว้างขวาง, สีสัน, chiaroscuro (เช่นผลงานของ Turner, Géricaultและ Delacroix) ในช่วงปี ค.ศ. 1920 และ 1930 ผลงานของศิลปินหลายคนมีความโดดเด่นด้วยเรื่องน่าสมเพชและความตื่นเต้นเร้าใจ ในนั้นมีแนวโน้มที่จะมีลวดลายที่แปลกใหม่และการเล่นจินตนาการที่สามารถนำพาออกจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" การต่อสู้กับบรรทัดฐานของนักคลาสสิกที่เยือกเย็นนั้นกินเวลานานเกือบครึ่งศตวรรษ คนแรกที่สามารถรวบรวมทิศทางใหม่และ "ปรับ" แนวโรแมนติกคือ Theodore Géricault ตัวแทนของภาพวาด: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin
โรแมนติกในเพลง
เพลงของยุคโรแมนติกเป็นช่วงเวลาในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปที่ครอบคลุมปี 1800-1910 โดยประมาณ ในดนตรีทิศทางของแนวโรแมนติกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1820 การพัฒนาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด - ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ยวนใจไม่ได้เป็นเพียงเนื้อเพลง แต่ครอบงำความรู้สึก, ความสนใจ, องค์ประกอบทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นที่รู้จักเฉพาะในมุมของจิตวิญญาณของตัวเอง ศิลปินที่แท้จริงเปิดเผยพวกเขาด้วยความช่วยเหลือจากสัญชาตญาณอันชาญฉลาด
ดนตรีในยุคนี้พัฒนาจากรูปแบบ แนวเพลง และแนวความคิดทางดนตรีที่สร้างขึ้นในสมัยก่อน เช่น ยุคคลาสสิก นักประพันธ์เพลงโรแมนติกพยายามแสดงความลึกและความสมบูรณ์ของโลกภายในของบุคคลด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีลายนูนมากขึ้นเป็นรายบุคคล แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึงเพลงบัลลาด แนวความคิด โครงสร้างของผลงานที่จัดตั้งขึ้นหรือระบุไว้ในสมัยก่อนเท่านั้น ได้รับการพัฒนาภายใต้แนวโรแมนติก เป็นผลให้ผู้ฟังมองว่างานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกนั้นมีความหลงใหลและแสดงออกทางอารมณ์มากขึ้น เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าผู้บุกเบิกแนวจินตนิยมในทันที ได้แก่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในดนตรีออสโตร-เยอรมัน และลุยจิ เชรูบินีในภาษาฝรั่งเศส คู่รักหลายคน (เช่น Schubert, Wagner, Berlioz) ถือว่า K.V. Gluck เป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลจากพวกเขา ช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนผ่านจากลัทธิคลาสสิคไปสู่ความโรแมนติกถือเป็นช่วงก่อนโรแมนติก - ช่วงเวลาที่ค่อนข้างสั้นในประวัติศาสตร์ดนตรีและศิลปะ หากในวรรณคดีและการวาดภาพแนวโรแมนติกโดยทั่วไปเสร็จสิ้นการพัฒนาในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปจะยาวนานกว่ามาก แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นกระแสที่เกิดขึ้นในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 และพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มต่างๆ ในวรรณคดี ภาพวาด และโรงละคร ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ: ในออสเตรีย - Franz Schubert และความโรแมนติกตอนปลาย - Anton Bruckner และ Gustav Mahler; ในเยอรมนี - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; ในอังกฤษ เอ็ดเวิร์ด เอลการ์; ในฮังการี - Franz Liszt; ในนอร์เวย์ Edvard Grieg; ในอิตาลี - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi ต้น; ในสเปน เฟลิเป้เปเดรล; ในฝรั่งเศส - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer และ Cesar Franck ตัวแทนของแนวโรแมนติกตอนปลาย; ในโปแลนด์ - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
ในรัสเซีย Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tchaikovsky ทำงานสอดคล้องกับแนวโรแมนติก
ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีได้รับการประกาศให้เป็นรูปแบบของศิลปะในอุดมคติ ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของดนตรี จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด มันเป็นดนตรีในยุคของแนวโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ ยวนใจในดนตรีมีลักษณะเฉพาะโดยดึงดูดโลกภายในของบุคคล ดนตรีสามารถแสดงสิ่งที่ไม่รู้ ถ่ายทอดสิ่งที่คำไม่สามารถถ่ายทอดได้ แนวโรแมนติกมักพยายามหลบหนีจากความเป็นจริง สัมผัสชีวิตคนธรรมดาเข้าใจความรู้สึกพึ่งพาดนตรี - ช่วยให้ตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีทำให้งานของพวกเขาเป็นจริง ปัญหาบุคลิกภาพถูกหยิบยกขึ้นมาเป็นปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติก และในมุมมองใหม่ - ซึ่งขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่ที่โรแมนติกมักจะเหงาอยู่เสมอเมื่อเขาเป็นเพียงบุคคลที่มีพรสวรรค์และโดดเด่น ธีมของความเหงาอาจเป็นที่นิยมมากที่สุดในศิลปะโรแมนติกทั้งหมด ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นตัวละครที่ชื่นชอบในผลงานแนวโรแมนติก (“The Poet's Love” โดย Schumann, “Fantastic Symphony” โดย Berlioz พร้อมคำบรรยาย - “ตอนจากชีวิตของศิลปิน”) การเปิดเผยของละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจเป็นพิเศษมาสู่ดนตรี ตัวอย่างเช่น งานเปียโนของ Schumann หลายชิ้นเกี่ยวข้องกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck Richard Wagner เน้นย้ำลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างมาก การเอาใจใส่ต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือกว่า แก่นของธรรมชาติมักจะเกี่ยวพันกับหัวข้อของ การพัฒนาแนวเพลงและการแสดงซิมโฟนีแบบโคลงสั้น ๆ ในมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (หนึ่งในองค์ประกอบแรกคือซิมโฟนี "ยอดเยี่ยม" C - dur โดย F. Schubert) การค้นพบนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่แท้จริงคือธีมของแฟนตาซี ดนตรีเป็นครั้งแรกที่เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่น่าอัศจรรย์ด้วยวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 - 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น Queen of the Night จาก The Magic Flute ของ Mozart) พูด "ธรรมดา"
ภาษาดนตรี โดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริง นักประพันธ์เพลงโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแห่งจินตนาการว่าเป็นสิ่งที่จำเพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีสันที่กลมกลืนกัน) ตัวอย่างที่น่าสังเกตคือ "ฉาก Wolf Gulch" ใน Weber's Magic Shooter ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเด่นของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวี - แนวโรแมนติกที่เสริมแต่งและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมด้วยค่าใช้จ่ายของคติชนวิทยานักดนตรีหันไปหานิทานพื้นบ้านอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้านเพลงบัลลาดมหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. สเมทาน่า, อี. กรีก). ทุกสิ่งที่ได้ยินด้วยหูก็แปรเปลี่ยนเป็นความคิดสร้างสรรค์ทันที คติชนวิทยา - เพลง, การเต้นรำ, ตำนาน - ถูกประมวลผล, ธีม, โครงเรื่อง, น้ำเสียงถูกนำมาจากที่นั่น ท่ามกลางความโรแมนติก เพลงได้รับคุณค่าพิเศษ (ในรัสเซีย ความโรแมนติก) การเต้นรำใหม่ปรากฏขึ้น - mazurkas, polonaises, waltzes รวบรวมภาพของวรรณกรรมแห่งชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมือง พวกเขาอาศัยน้ำเสียงและจังหวะของนิทานพื้นบ้านแห่งชาติ ฟื้นฟูโหมดไดอาโทนิกแบบเก่า ภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของเพลงยุโรปเปลี่ยนไปอย่างมาก
.
ธีมและรูปภาพใหม่เรียกร้องจาก Romantics ให้พัฒนาวิธีการใหม่ของภาษาดนตรีและหลักการสร้างรูปร่าง การขยายเสียงต่ำและจานสีที่กลมกลืนกันของดนตรี (โหมดที่เป็นธรรมชาติ และในแง่ของการแสดงออก นายพลกำลังหลีกทางให้กับเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเรื่อยๆ
ในการประสานเสียง หลักการของกลุ่มวงดนตรีทำให้การโซโลเสียงของวงออเคสตราเกือบทั้งหมด ในช่วงรุ่งเรืองของแนวโรแมนติก มีแนวดนตรีใหม่ๆ เกิดขึ้นมากมาย รวมถึงแนวเพลงของรายการ (บทกวีไพเราะ บัลลาด แฟนตาซี แนวเพลง) ช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในสุนทรียศาสตร์ของดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ R. Wagner และในรายการเพลงของ G. Berlioz, R. Schumann ฟ. ลิสท์
บทสรุป
การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในดนตรีและวัฒนธรรมทางศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีความสดใส
การแสดงออกของชาติ ชาวโรแมนติกต่อต้านผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากทุกคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง: ความผิดหวังในโลกรอบตัวเรา ความรู้สึกเป็นส่วนหนึ่งของจักรวาล ความไม่พอใจในตัวเอง การค้นหาความสามัคคี ความขัดแย้งกับสังคม ทั้งหมดมาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ สนใจบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านโลกทั้งใบและพึ่งพาตัวเองเท่านั้นและสนใจโลกภายในของบุคคล แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติเกี่ยวกับแนวโรแมนติก วิสัยทัศน์ของโลกที่เป็นปัจเจกบุคคลนำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่ ร่วมกับแนวโน้มการพัฒนาของการทำดนตรีที่บ้าน การแสดงในแชมเบอร์ ที่ไม่ได้ออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมากและเทคนิคการแสดงที่สมบูรณ์แบบ สิ่งนี้ทำให้ประเภทของเปียโนย่อส่วน - อย่างกะทันหัน ช่วงเวลาทางดนตรี เวลากลางคืน โหมโรง แนวการเต้นมากมายที่มี ไม่เคยมีความคิดในดนตรีอาชีพมาก่อน ธีมโรแมนติก ลวดลาย อุปกรณ์แสดงออก เข้าสู่ศิลปะของรูปแบบทิศทางต่าง ๆ ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ กองกำลังต่อต้านแนวโรแมนติกเริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (Brahms, Brückner, Mahler) ด้วยรูปลักษณ์ภายนอก มีแนวโน้มที่จะกล่าวถึงโลกแห่งความเป็นจริง ความเที่ยงธรรม และการปฏิเสธอัตนัย แต่ถึงกระนั้นก็ตาม โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลับกลายเป็นแนวโน้มโวหารทางศิลปะที่มีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง แนวจินตนิยมในฐานะทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่ในฐานะที่ต้องการเสรีภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอยู่ในศิลปะโลก
วรรณกรรม
Rapatskaya L. A. แนวจินตนิยมในวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 19: การค้นพบ "คนใน" // วัฒนธรรมศิลปะโลก 11 เซลล์ ใน 2 ส่วน M. : Vlados, 2008
Bryantseva V.N. วรรณคดีดนตรีต่างประเทศ-อ. "ดนตรี" 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรียูเครนและต่างประเทศ - H.: Osnova, 2001 Berkovsky N.Ya. แนวจินตนิยมในเยอรมนี / บทความเบื้องต้นโดย A. Anikst - L.: "นิยาย", 1973
ดนตรีคลาสสิกของเวียนนาเข้าสู่ประวัติศาสตร์โลกของดนตรีในฐานะนักปฏิรูปคนสำคัญ งานของพวกเขาไม่เพียง แต่มีเอกลักษณ์ในตัวเองเท่านั้น แต่ยังมีค่าอีกด้วยเพราะมันกำหนดการพัฒนาต่อไปของโรงละครดนตรีประเภทสไตล์และแนวโน้ม การเรียบเรียงของพวกเขาได้วางรากฐานสำหรับสิ่งที่ปัจจุบันถือว่าเป็นดนตรีคลาสสิก
ลักษณะทั่วไปของยุค
ผู้เขียนเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาทำงานในช่วงเปลี่ยนผ่านของสองยุคทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่สำคัญ: ความคลาสสิกและความโรแมนติก คลาสสิกของเวียนนามีชีวิตอยู่ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง เมื่อมีการค้นหารูปแบบใหม่ๆ อย่างต่อเนื่อง ไม่เพียงแต่ในดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในนิยาย ภาพวาด และสถาปัตยกรรมด้วย ทั้งหมดนี้ส่วนใหญ่กำหนดทิศทางของกิจกรรมและปัญหาของงานเขียน คริสต์ศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เกิดความปั่นป่วนทางการเมืองอย่างรุนแรง สงครามที่พลิกแผนที่ยุโรปกลับหัวกลับหาง และมีผลกระทบอย่างมากต่อจิตใจของปัญญาชนสมัยใหม่และแวดวงการศึกษาของสังคม คลาสสิกเวียนนาก็ไม่มีข้อยกเว้น ตัวอย่างเช่น เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าสงครามนโปเลียนมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเบโธเฟน ซึ่งในซิมโฟนีที่ 9 ("นักร้องประสานเสียง") อันโด่งดังของเขา มีแนวคิดเรื่องความสามัคคีและสันติภาพสากล เป็นการตอบสนองต่อหายนะทั้งหมดที่สั่นสะเทือนทวีปยุโรปในขณะที่เรากำลังพิจารณา
ชีวิตวัฒนธรรม
ความคลาสสิกของชาวเวียนนาเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ศิลปะบาโรกจางหายไปเป็นฉากหลัง และทิศทางใหม่ก็เริ่มมีบทบาทนำ มันพยายามดิ้นรนเพื่อความสามัคคีของรูปแบบความสามัคคีขององค์ประกอบและดังนั้นจึงละทิ้งรูปแบบที่งดงามของยุคก่อน ความคลาสสิคเริ่มกำหนดภาพลักษณ์ทางวัฒนธรรมของรัฐในยุโรปหลายแห่ง แต่ในขณะเดียวกัน ก็ยังมีแนวโน้มที่จะเอาชนะรูปแบบที่เข้มงวดของแนวโน้มนี้ และสร้างผลงานที่แข็งแกร่งด้วยองค์ประกอบของละครและแม้แต่โศกนาฏกรรม นี่เป็นสัญญาณแรกของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกซึ่งกำหนดการพัฒนาทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด
ปฏิรูปโอเปร่า
เพลงคลาสสิกของเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวดนตรีทุกแนวของยุคนั้นที่อยู่ระหว่างการพิจารณา พูดได้ว่าแต่ละคนมีความเชี่ยวชาญในรูปแบบเดียวหรือรูปแบบดนตรี แต่ความสำเร็จทั้งหมดของพวกเขารวมอยู่ในกองทุนทองคำของดนตรีโลก Gluck (นักแต่งเพลง) เป็นนักประพันธ์เพลงที่ใหญ่ที่สุดและมีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเขา เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงไปสำหรับบทบาทของเขาในการพัฒนาโรงละคร: เขาเป็นคนที่ทำให้ประเภทของโอเปร่าในรูปแบบสำเร็จรูปที่เรารู้จักในตอนนี้ ข้อดีของคริสโตเฟอร์ กลัค คือเขาเป็นคนแรกที่ละทิ้งความเข้าใจเรื่องโอเปร่าในฐานะงานเพื่อแสดงความสามารถด้านเสียงร้อง แต่กลับใช้หลักดนตรีเป็นการแสดงละคร
ความหมาย
Gluck เป็นนักแต่งเพลงที่ทำให้โอเปร่าเป็นการแสดงที่แท้จริง ในงานของเขาเช่นเดียวกับในผลงานของผู้ติดตามของเขา เสียงร้องเริ่มขึ้นอยู่กับคำพูดเป็นส่วนใหญ่ โครงเรื่องและองค์ประกอบและที่สำคัญที่สุดคือละครเริ่มกำหนดพัฒนาการของแนวดนตรี ดังนั้นโอเปร่าจึงหยุดเป็นประเภทที่ให้ความบันเทิงโดยเฉพาะ แต่กลายเป็นการสร้างสรรค์ทางดนตรีที่จริงจังด้วยบทละครที่ซับซ้อน ตัวละครที่น่าสนใจทางจิตวิทยา และองค์ประกอบที่น่าดึงดูดใจ
ผลงานของผู้แต่ง
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นพื้นฐานของโรงละครดนตรีทั่วโลก เครดิตมากสำหรับสิ่งนี้เป็นของ Gluck โอเปร่าของเขา Orpheus และ Eurydice เป็นความก้าวหน้าในประเภทนี้ ในนั้นผู้เขียนไม่ได้เน้นที่ความสามารถในการแสดง แต่เน้นที่การแสดงของตัวละครซึ่งต้องขอบคุณงานที่ได้รับเสียงดังกล่าวและยังคงดำเนินการอยู่ โอเปร่าอื่น - "Alceste" - เป็นคำศัพท์ใหม่ในดนตรีโลก นักแต่งเพลงชาวออสเตรียได้เน้นย้ำถึงการพัฒนาโครงเรื่องอีกครั้งซึ่งต้องขอบคุณงานที่ได้รับสีทางจิตวิทยาที่ทรงพลัง งานยังคงดำเนินการในขั้นที่ดีที่สุดของโลก ซึ่งบ่งชี้ว่าการปฏิรูปประเภทโอเปร่าที่ดำเนินการโดย Gluck มีความสำคัญพื้นฐานสำหรับวิวัฒนาการของโรงละครดนตรีโดยรวม และกำหนดการพัฒนาต่อไปของโอเปร่าในทิศทางนี้
ขั้นตอนต่อไปของการพัฒนา
นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Haydn ยังเป็นของกาแล็กซี่ที่มีชื่อเสียงของนักเขียนซึ่งมีส่วนสำคัญในการปฏิรูปแนวดนตรี เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้สร้างซิมโฟนีและควอเตต ต้องขอบคุณพวกเขาที่เกจิได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ในประเทศแถบยุโรปกลางเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วย ที่รู้จักกันดีที่สุดคือผลงานของเขาซึ่งเข้าสู่โลกละครภายใต้ชื่อ "Twelve London Symphonies" พวกเขาโดดเด่นด้วยความรู้สึกในแง่ดีและความร่าเริงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานเกือบทั้งหมดของนักแต่งเพลงคนนี้
คุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์
ลักษณะเฉพาะของผลงานของ Joseph Haydn คือการเชื่อมต่อกับคติชนวิทยา ในงานของนักแต่งเพลง เรามักจะได้ยินเพลงและการเต้นรำซึ่งทำให้งานของเขาเป็นที่จดจำ สิ่งนี้สะท้อนถึงทัศนคติของผู้เขียนที่เลียนแบบโมสาร์ทในหลาย ๆ ด้าน โดยถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่เก่งที่สุดในโลก จากเขาเขายืมท่วงทำนองที่สนุกสนานซึ่งทำให้งานของเขาแสดงออกทางเสียงและสดใสผิดปกติ
ผลงานอื่นๆ ของผู้แต่ง
โอเปร่าของ Haydn ไม่ได้รับความนิยมอย่างแพร่หลายเท่ากับวงสี่และซิมโฟนีของเขา อย่างไรก็ตาม แนวดนตรีนี้ครองตำแหน่งที่โดดเด่นในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวออสเตรีย ดังนั้นจึงควรกล่าวถึงผลงานประเภทนี้จำนวนหนึ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากเป็นเวทีสำคัญในชีวประวัติเชิงสร้างสรรค์ของเขา โอเปร่าเรื่องหนึ่งของเขาชื่อ The Apothecary และเขียนขึ้นเพื่อเปิดโรงละครแห่งใหม่ Haydn ยังได้สร้างผลงานประเภทนี้อีกหลายชิ้นสำหรับอาคารโรงละครแห่งใหม่ เขาเขียนส่วนใหญ่เป็นแนวอุปรากรควายอิตาลีและบางครั้งก็รวมองค์ประกอบการ์ตูนและละครเข้าด้วยกัน
งานเขียนที่มีชื่อเสียงที่สุด
ควอเทตของ Haydn ถูกเรียกว่าไข่มุกแห่งดนตรีคลาสสิกระดับโลก โดยผสมผสานหลักการสำคัญของผู้แต่ง ได้แก่ ความสง่างามของรูปแบบ ความสามารถในการแสดง เสียงที่มองโลกในแง่ดี ความหลากหลายตามธีม และวิธีการแสดงที่เป็นต้นฉบับ หนึ่งในวัฏจักรที่รู้จักกันดีเรียกว่า "รัสเซีย" เนื่องจากอุทิศให้กับ Tsarevich Pavel Petrovich จักรพรรดิรัสเซีย Paul I ในอนาคต กลุ่มสี่กลุ่มอื่นมีไว้สำหรับกษัตริย์ปรัสเซียน การประพันธ์เพลงเหล่านี้ถูกเขียนขึ้นในรูปแบบใหม่ เนื่องจากมีความโดดเด่นด้วยความยืดหยุ่นเป็นพิเศษในด้านเสียง ความสมบูรณ์ของเฉดสีดนตรีที่ตัดกัน ด้วยแนวดนตรีประเภทนี้ที่ทำให้ชื่อของนักแต่งเพลงมีความสำคัญไปทั่วโลก ควรสังเกตด้วยว่าผู้เขียนมักใช้สิ่งที่เรียกว่า "เซอร์ไพรส์" ในการเรียบเรียงของเขา ทำให้ข้อความทางดนตรีที่ไม่คาดคิดในสถานที่ที่ผู้ชมคาดหวังน้อยที่สุด ในบรรดาองค์ประกอบที่ผิดปกติเช่น Haydn's Children's Symphony
ลักษณะทั่วไปของผลงานของโมสาร์ท
นี่คือหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด ซึ่งยังคงได้รับความนิยมในหมู่แฟนเพลงคลาสสิกและเป็นที่รักของคนทั่วโลก ความสำเร็จของงานเขียนของเขาเกิดจากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขามีความโดดเด่นด้วยความกลมกลืนเชิงตรรกะและความสมบูรณ์ ในเรื่องนี้ นักวิจัยหลายคนถือว่างานของเขาเป็นยุคคลาสสิก อย่างไรก็ตามคนอื่น ๆ เชื่อว่านักแต่งเพลงชาวเวียนนากลายเป็นลางสังหรณ์ของแนวโรแมนติกในผลงานของเขามีแนวโน้มที่ชัดเจนในการวาดภาพที่แข็งแกร่งและไม่ธรรมดารวมถึงการศึกษาจิตวิทยาเชิงลึกของตัวละคร (เรากำลังพูดถึงโอเปร่าใน กรณีนี้). อย่างไรก็ตาม ผลงานของปรมาจารย์มีความโดดเด่นด้วยความลึก และในขณะเดียวกัน ความสะดวกในการรับรู้ การแสดงละคร และการมองโลกในแง่ดีเป็นพิเศษ พวกเขาเป็นเรื่องง่ายและเข้าถึงได้สำหรับทุกคน แต่ในขณะเดียวกันก็จริงจังและมีปรัชญาในเนื้อหาและเสียง นี่เป็นปรากฏการณ์แห่งความสำเร็จของเขาอย่างแน่นอน
โอเปร่าของนักแต่งเพลง
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาประเภทโอเปร่า บุญใหญ่ในเรื่องนี้เป็นของโมสาร์ท การแสดงดนตรีของเขายังคงได้รับความนิยมอย่างมากและไม่เพียงแต่คนรักดนตรีตัวจริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสาธารณชนทั่วไปด้วย บางทีนี่อาจเป็นนักแต่งเพลงเพียงคนเดียวที่ทุกคนรู้จักดนตรีแม้ว่าพวกเขาจะมีความคิดที่ห่างไกลจากงานของเขาก็ตาม
บางทีโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Le nozze di Figaro นี่อาจเป็นงานที่ร่าเริงที่สุดและในขณะเดียวกันก็เป็นเรื่องตลกของผู้เขียน อารมณ์ขันมีอยู่เกือบทุกปาร์ตี้ ซึ่งทำให้เขาได้รับความนิยม เพลงที่โด่งดังของตัวเอกในวันรุ่งขึ้นกลายเป็นเพลงฮิตอย่างแท้จริง เพลงของ Mozart - สดใสขี้เล่นขี้เล่น แต่ในขณะเดียวกันก็ฉลาดอย่างผิดปกติในความเรียบง่าย - ได้รับความรักและการยอมรับจากสากลในทันที
โอเปร่าที่มีชื่อเสียงอีกเรื่องโดยผู้เขียนคือดอนฮวน ในแง่ของความนิยม อาจไม่ด้อยไปกว่าการแสดงดังกล่าว: ผลงานการแสดงนี้สามารถเห็นได้ในสมัยของเรา เป็นสิ่งสำคัญที่ผู้แต่งได้นำเสนอเรื่องราวที่ค่อนข้างซับซ้อนของชายผู้นี้ในรูปแบบที่เรียบง่ายและจริงจัง ในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความเข้าใจอย่างลึกซึ้งในชีวิตของเขาอีกครั้ง ในเรื่องนี้ อัจฉริยะสามารถแสดงทั้งองค์ประกอบที่น่าทึ่งและมองโลกในแง่ดี ซึ่งเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกในงานทั้งหมดของเขา
ในยุคของเรา โอเปร่า The Magic Flute มีชื่อเสียงไม่น้อย เพลงของ Mozart มาถึงจุดสูงสุดในความหมาย ในองค์ประกอบนี้ มันเบา โปร่งสบาย ร่าเริง และในขณะเดียวกันก็จริงจังอย่างผิดปกติ ดังนั้นใครๆ ก็สงสัยว่าผู้เขียนสามารถถ่ายทอดระบบปรัชญาทั้งหมดด้วยเสียงที่เรียบง่ายและกลมกลืนกันได้อย่างไร โอเปร่าอื่น ๆ ของนักแต่งเพลงยังเป็นที่รู้จักเช่นในปัจจุบันคุณสามารถได้ยิน "The Mercy of Titus" เป็นระยะ ๆ ทั้งในโรงละครและในคอนเสิร์ต ดังนั้นประเภทโอเปร่าจึงเป็นหนึ่งในสถานที่หลักในการทำงานของนักประพันธ์เพลงยอดเยี่ยม
ผลงานที่เลือก
นักแต่งเพลงทำงานในทิศทางต่าง ๆ และสร้างงานดนตรีจำนวนมาก Mozart ซึ่งยกตัวอย่างเช่น "Night Serenade" ได้ก้าวไปไกลกว่าการแสดงคอนเสิร์ตและได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง เขาเขียนด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าถึงได้ บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาจึงมักถูกเรียกว่าอัจฉริยะแห่งความสามัคคี แม้แต่ในงานที่น่าเศร้าก็มีแรงจูงใจแห่งความหวัง ใน "บังสุกุล" เขาแสดงความคิดของเขาเกี่ยวกับชีวิตในอนาคตที่ดีขึ้นเพื่อที่แม้จะมีน้ำเสียงที่น่าเศร้า แต่งานก็ให้ความรู้สึกสงบสุข
คอนแชร์โต้ของ Mozart ยังโดดเด่นด้วยความกลมกลืนและความสมบูรณ์ทางตรรกะ ทุกส่วนมีเนื้อหาเป็นธีมเดียวและรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยบรรทัดฐานทั่วไปที่กำหนดโทนเสียงให้กับงานทั้งหมด ดังนั้นเพลงของเขาจึงถูกฟังในลมหายใจเดียว ในแนวเพลงประเภทนี้ หลักการสำคัญของงานของผู้แต่งได้รับการรวบรวม: การผสมผสานที่กลมกลืนของเสียงและชิ้นส่วน แสง และในขณะเดียวกันเสียงอัจฉริยะของวงออเคสตรา ไม่มีใครสามารถสร้างงานดนตรีของเขาได้อย่างกลมกลืนเหมือนโมสาร์ท ผู้แต่งเพลง "Night Serenade" เป็นมาตรฐานสำหรับการผสมผสานที่กลมกลืนกันของส่วนต่างๆ ที่ให้เสียงที่แตกต่างกัน ข้อความที่ร่าเริงและดังถูกแทนที่ด้วยจังหวะที่แทบไม่ได้ยิน
ควรพูดเกี่ยวกับมวลชนของผู้แต่งแยกกัน พวกเขาครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในงานของเขาและเหมือนกับงานอื่น ๆ ที่ตื้นตันด้วยความหวังที่สดใสและความปิติยินดี สิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงคือ "Turkish Rondo" ที่มีชื่อเสียงซึ่งมีมากกว่าการแสดงคอนเสิร์ตเพื่อให้ได้ยินบ่อยครั้งแม้ในโฆษณาทางโทรทัศน์ แต่ความรู้สึกของความสามัคคีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอาจถูกครอบครองโดยคอนแชร์โตของ Mozart ซึ่งหลักการของความสมบูรณ์ทางตรรกะได้มาถึงระดับสูงสุดแล้ว
สั้น ๆ เกี่ยวกับงานของเบโธเฟน
นักแต่งเพลงคนนี้อยู่ในยุคของการครอบงำของแนวโรแมนติกทั้งหมด หาก Johann Amadeus Mozart ยืนอยู่บนธรณีประตูของความคลาสสิกและทิศทางใหม่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนก็เปลี่ยนไปใช้การพรรณนาถึงความหลงใหล ความรู้สึกอันทรงพลัง และบุคลิกที่โดดเด่นในผลงานของเขาโดยสิ้นเชิง เขาอาจกลายเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโรแมนติก เป็นการบ่งบอกว่า เขาเขียนโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวเท่านั้น ประเภทหลักสำหรับเขายังคงเป็นซิมโฟนีและโซนาตา เขาได้รับเครดิตในการปฏิรูปงานเหล่านี้ เช่นเดียวกับกลัคในสมัยของเขาที่เปลี่ยนการแสดงโอเปร่า
ลักษณะเด่นของงานของนักแต่งเพลงคือ ธีมหลักของผลงานของเขาคือภาพลักษณ์ของเจตจำนงที่ทรงพลังและทรงพลังของปัจเจก ผู้ซึ่งเอาชนะความยากลำบากและอุปสรรคทั้งหมดด้วยความพยายามอันยิ่งใหญ่ นอกจากนี้ แอล. วี. เบโธเฟนยังอุทิศพื้นที่มากมายในการแต่งเพลงของเขาให้กับหัวข้อของการต่อสู้และการเผชิญหน้าตลอดจนแรงจูงใจของความสามัคคีสากล
ข้อเท็จจริงบางประการเกี่ยวกับชีวประวัติ
เขามาจากครอบครัวนักดนตรี พ่อของเขาต้องการให้เด็กชายกลายเป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง ดังนั้นเขาจึงทำงานร่วมกับเขาโดยใช้วิธีการที่ค่อนข้างรุนแรง บางทีนั่นอาจเป็นสาเหตุที่ทำให้เด็กเติบโตขึ้นมาอย่างมืดมนและรุนแรงโดยธรรมชาติ ซึ่งต่อมาส่งผลกระทบต่องานของเขา เบโธเฟนทำงานและอาศัยอยู่ในกรุงเวียนนาซึ่งเขาเรียนกับไฮเดน แต่การศึกษาเหล่านี้ทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว หลังดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่านักเขียนรุ่นเยาว์ถูกครอบงำด้วยแรงจูงใจที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่เป็นที่ยอมรับในเวลานั้น
ชีวประวัติของเบโธเฟนยังบอกสั้น ๆ เกี่ยวกับช่วงเวลาที่เขาหลงใหลในการต่อสู้เพื่อปลดปล่อย ในตอนแรกเขายอมรับสงครามนโปเลียนด้วยความกระตือรือร้น แต่ต่อมาเมื่อโบนาปาร์ตประกาศตนเป็นจักรพรรดิ เขาละทิ้งความคิดที่จะเขียนซิมโฟนีเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ในปี พ.ศ. 2339 ลุดวิกเริ่มสูญเสียการได้ยิน อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ขัดจังหวะกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา เมื่อเป็นคนหูหนวกอย่างสมบูรณ์แล้วเขาเขียนซิมโฟนีที่ 9 ที่โด่งดังซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงในละครเพลงระดับโลก (เป็นไปไม่ได้ที่จะพูดสั้น ๆ เกี่ยวกับเรื่องนี้) นอกจากนี้ยังมีข้อมูลเกี่ยวกับมิตรภาพของมาสโทรกับคนสำคัญในสมัยของเขา แม้จะมีบุคลิกที่ดื้อรั้นและดื้อรั้น นักแต่งเพลงก็เป็นเพื่อนกับเวเบอร์ เกอเธ่ และบุคคลอื่นๆ ในยุคคลาสสิก
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด
มีการกล่าวไว้ข้างต้นแล้วว่าคุณลักษณะเฉพาะของงานของ LV Beethoven คือความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงตัวละครที่แข็งแกร่งและมีอารมณ์ความรู้สึกการต่อสู้ของกิเลสตัณหาการเอาชนะความยากลำบาก ในบรรดาผลงานประเภทนี้ "Appassionata" มีความโดดเด่นเป็นพิเศษซึ่งในแง่ของความรุนแรงของความรู้สึกและอารมณ์อาจเป็นหนึ่งในผลงานที่แข็งแกร่งที่สุด เมื่อนักแต่งเพลงถูกถามถึงแนวคิดในการสร้างสรรค์ผลงานดังกล่าว เขาได้กล่าวถึงบทละครของเชคสเปียร์เรื่อง "The Tempest" ซึ่งเขามองว่าเป็นแรงบันดาลใจ ผู้เขียนวาดแนวขนานระหว่างแรงกระตุ้นของไททานิคในงานของนักเขียนบทละครและการตีความดนตรีของเขาเองในหัวข้อนี้
ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของผู้เขียนคือ Moonlight Sonata ซึ่งตรงกันข้ามกับความรู้สึกปรองดองและความสงบ ราวกับว่าตรงข้ามกับท่วงทำนองอันน่าทึ่งของซิมโฟนีของเขา เป็นการบ่งชี้ว่าชื่อของงานนี้มาจากผู้ร่วมสมัยของนักแต่งเพลง อาจเป็นเพราะดนตรีคล้ายกับทะเลที่ล้นในคืนที่เงียบสงบ ความสัมพันธ์เหล่านี้เกิดขึ้นกับผู้ฟังส่วนใหญ่เมื่อฟังโซนาตานี้ ไม่น้อยและอาจเป็นที่นิยมมากขึ้นคือองค์ประกอบที่มีชื่อเสียง "To Elise" ซึ่งนักแต่งเพลงอุทิศให้กับภรรยาของจักรพรรดิรัสเซีย Alexander I, Elizabeth Alekseevna (Louise) การจัดวางองค์ประกอบนี้ผสมผสานกันอย่างน่าทึ่งระหว่างแรงจูงใจเบาๆ และข้อความแสดงละครที่จริงจังที่อยู่ตรงกลาง สถานที่พิเศษในการทำงานของปรมาจารย์ถูกครอบครองโดยโอเปร่า "Fidelio" เพียงหนึ่งเดียวของเขา (แปลว่า "ซื่อสัตย์" จากภาษาอิตาลี) งานนี้เหมือนกับงานอื่นๆ อีกหลายเรื่องที่ตื้นตันใจกับความรักในอิสรภาพและการเรียกร้องอิสรภาพ "Fidelio" ยังไม่ออกจากขั้นตอนของเจ้าภาพแม้ว่าโอเปร่าจะได้รับการยอมรับเนื่องจากเกือบจะเกิดขึ้นเสมอไม่ใช่ในทันที
ซิมโฟนีที่เก้า
งานนี้อาจเป็นงานที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาผลงานอื่นๆ ของผู้แต่ง มันถูกเขียนขึ้นเมื่อสามปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2367 The Ninth Symphony เป็นการเติมเต็มให้กับนักแต่งเพลงที่ใช้เวลาหลายปีในการค้นหาการสร้างสรรค์ผลงานไพเราะที่สมบูรณ์แบบ มันแตกต่างจากก่อนหน้านี้ทั้งหมดประการแรกมันแนะนำส่วนประสานเสียง (สำหรับ "Ode to Joy" ที่มีชื่อเสียงโดย F. Schiller) และประการที่สองในนั้นผู้แต่งได้ปฏิรูปโครงสร้างของประเภทไพเราะ ธีมหลักจะค่อยๆ เปิดเผยผ่านแต่ละส่วนของงาน การเริ่มต้นของซิมโฟนีค่อนข้างมืดมน หนักหน่วง แต่ถึงกระนั้นเสียงของความสมานฉันท์และการตรัสรู้ที่อยู่ห่างไกลก็ดังขึ้น ซึ่งเติบโตขึ้นเมื่อองค์ประกอบทางดนตรีพัฒนาขึ้น ในที่สุด ในตอนจบ เสียงร้องประสานเสียงที่ค่อนข้างทรงพลัง เรียกร้องให้ทุกคนในโลกมารวมกัน ดังนั้นผู้แต่งจึงเน้นย้ำถึงแนวคิดหลักของงานของเขามากยิ่งขึ้น เขาต้องการให้ความคิดของเขาแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด เขาไม่ได้จำกัดตัวเองแค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังแนะนำการแสดงของนักร้องด้วย ซิมโฟนีประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม: ในการแสดงครั้งแรก ผู้ชมส่งเสียงปรบมือให้นักแต่งเพลง บ่งชี้ว่าแอล. วี. เบโธเฟนแต่งขึ้นโดยเป็นคนหูหนวกอย่างสมบูรณ์
ความสำคัญของโรงเรียนเวียนนา
Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven กลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกซึ่งมีผลกระทบอย่างมากต่อประวัติศาสตร์ดนตรีที่ตามมาทั้งหมดไม่เพียง แต่ในยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกด้วย ความสำคัญของนักแต่งเพลงเหล่านี้และการมีส่วนร่วมในการปฏิรูปโรงละครดนตรีแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ การทำงานในหลากหลายประเภท พวกเขาสร้างแกนหลักและรูปแบบของงาน บนพื้นฐานของการที่ผู้ติดตามของพวกเขาได้แต่งผลงานใหม่ ผลงานสร้างสรรค์มากมายของพวกเขาได้ก้าวไปไกลกว่าการแสดงคอนเสิร์ตและได้รับการตอบรับเป็นอย่างดีในภาพยนตร์และทางโทรทัศน์ "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายโดยผู้แต่งเหล่านี้ไม่เพียงแค่คนรักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรู้จักผู้ที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิกอีกด้วย นักวิจัยหลายคนเรียกเวทีเวียนนาในการพัฒนาเพลงคลาสสิกอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในประวัติศาสตร์ของดนตรี เนื่องจากในช่วงนี้มีการวางหลักการหลักในการสร้างและเขียนโอเปร่า ซิมโฟนี โซนาตาและควอเตต
ไม่มีศิลปะดนตรีแนวเดียวในศตวรรษที่ 19 ที่รอดพ้นจากอิทธิพลของเบโธเฟน จากเนื้อร้องของชูเบิร์ตไปจนถึงละครเพลงของแว็กเนอร์ จากเชอร์โซ การทาบทามที่น่าอัศจรรย์ของเมนเดลโซห์น ไปจนถึงซิมโฟนีโศกนาฏกรรมของมาห์เลอร์ จากรายการเพลงละครของแบร์ลิออซ ไปจนถึงความลึกซึ้งทางจิตวิทยาของไชคอฟสกี - เกือบทุกปรากฏการณ์ทางศิลปะที่สำคัญของ ศตวรรษที่ 19 ได้พัฒนาด้านหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์หลายแง่มุมของเบโธเฟน หลักการทางจริยธรรมขั้นสูงของเขา มาตราส่วนความคิดของเชคสเปียร์ นวัตกรรมทางศิลปะที่ไร้ขอบเขต ทำหน้าที่เป็นดาวนำทางสำหรับนักประพันธ์เพลงในโรงเรียนและแนวโน้มที่หลากหลายที่สุด “ยักษ์ซึ่งเรามักจะได้ยินเสียงฝีเท้าตามหลังเราเสมอ” Brahms กล่าวถึงเขา
ตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนโรแมนติกด้านดนตรีได้อุทิศหน้าให้กับเบโธเฟนหลายร้อยหน้าโดยประกาศให้เขาเป็นคนที่มีความคิดเหมือนกัน Berlioz และ Schumann ในบทความวิพากษ์วิจารณ์ที่แยกจากกัน Wagner ได้ยืนยันถึงความสำคัญอย่างยิ่งของ Beethoven ในฐานะนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกคนแรก
เนื่องจากความเฉื่อยของความคิดทางดนตรี มุมมองของเบโธเฟนในฐานะนักแต่งเพลงที่มีความเกี่ยวข้องอย่างลึกซึ้งกับโรงเรียนโรแมนติกจึงคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในขณะเดียวกัน มุมมองทางประวัติศาสตร์ในวงกว้างที่เปิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ทำให้เราเห็นปัญหา "เบโธเฟนกับโรแมนติก" ในมุมมองที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย การประเมินการมีส่วนร่วมที่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกทำกับศิลปะโลก เราได้ข้อสรุปว่าบีโธเฟนไม่สามารถระบุตัวตนหรือเข้าใกล้คู่รักที่บูชาเขาอย่างไม่มีเงื่อนไขอย่างไม่มีเงื่อนไข ไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของเขา หลักและทั่วไปซึ่งทำให้สามารถรวมกันเป็นหนึ่งเดียวในแนวคิดของงานของบุคคลทางศิลปะที่หลากหลายเช่น Schubert และ Berlioz, Mendelssohn และ Liszt, Weber และ Schumann ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงวิกฤต เมื่อเบโธเฟนหมดแรงมองหาวิธีใหม่ๆ ทางศิลปะ โรงเรียนโรแมนติกที่กำลังเติบโต (ชูเบิร์ต เวเบอร์ มาร์ชเนอร์ และอื่นๆ) ไม่ได้เปิดโอกาสใดๆ ให้กับเขาเลย และทรงกลมใหม่เหล่านั้นซึ่งยิ่งใหญ่ในความหมายซึ่งในที่สุดเขาก็พบในงานของเขาในสมัยที่แล้วโดยลักษณะที่เด็ดขาดไม่สอดคล้องกับรากฐานของแนวโรแมนติกทางดนตรี
มีความจำเป็นต้องชี้แจงขอบเขตที่แยกเบโธเฟนและโรแมนติกออก เพื่อสร้างจุดสำคัญของความแตกต่างระหว่างปรากฏการณ์ทั้งสองนี้ ใกล้กันในเวลา สัมผัสแต่ละด้านอย่างไม่มีเงื่อนไขและยังแตกต่างกันในสาระสำคัญทางสุนทรียะ
ก่อนอื่น ให้เรากำหนดช่วงเวลาของความเหมือนกันระหว่างเบโธเฟนกับคู่รัก ซึ่งทำให้คนหลังมีเหตุผลที่จะเห็นคนที่มีใจเดียวกันในศิลปินที่ยอดเยี่ยมคนนี้
กับพื้นหลังของบรรยากาศดนตรีในยุคหลังการปฏิวัติ นั่นคือ ชนชั้นนายทุนยุโรปในตอนต้นและกลางศตวรรษที่ 19 เบโธเฟนและคู่รักชาวตะวันตกรวมกันเป็นหนึ่งโดยแพลตฟอร์มร่วมที่สำคัญ - ตรงกันข้ามกับความเฉลียวฉลาดที่โอ้อวดและความบันเทิงที่ว่างเปล่าซึ่งเริ่ม ครองปีเหล่านั้นบนเวทีคอนเสิร์ตและโรงละครโอเปร่า
เบโธเฟนเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่เลิกใช้แอกของนักดนตรีในราชสำนัก คนแรกที่การประพันธ์เพลงไม่ได้มาจากภายนอกและไม่ได้เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมของเจ้าศักดินาหรือตามข้อกำหนดของศิลปะในโบสถ์ เขาและนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 19 รองจากเขาเป็น "ศิลปินอิสระ" ผู้ซึ่งไม่รู้จักการพึ่งพาอาศัยกันในศาลหรือคริสตจักรที่น่าอับอายซึ่งเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่มากมายในยุคก่อน ๆ - Monteverdi และ Bach Handel and Gluck, Haydn และ Mozart ... แต่ถึงกระนั้นอิสรภาพที่ได้รับจากข้อกำหนดที่รัดกุมของสภาพแวดล้อมของศาลทำให้เกิดปรากฏการณ์ใหม่ ๆ ไม่ทำให้ศิลปินเจ็บปวดน้อยลง ชีวิตดนตรีในตะวันตกกลับกลายเป็นว่าถูกครอบงำโดยผู้ชมที่มีการศึกษาต่ำ ไม่สามารถชื่นชมแรงบันดาลใจในศิลปะที่สูงส่งและมองหาความบันเทิงเบาๆ เท่านั้นในนั้น ความขัดแย้งระหว่างการค้นหานักประพันธ์เพลงขั้นสูงกับระดับสังคมนิยมของชนชั้นนายทุนเฉื่อยเฉื่อยในระดับมหาศาลได้ขัดขวางนวัตกรรมทางศิลปะในศตวรรษที่ผ่านมา นี่เป็นโศกนาฏกรรมทั่วไปของศิลปินในยุคหลังการปฏิวัติ ซึ่งก่อให้เกิดภาพลักษณ์ของ "อัจฉริยะที่ไม่รู้จักในห้องใต้หลังคา" ซึ่งพบได้ทั่วไปในวรรณคดีตะวันตก เธอระบุถึงความน่าสมเพชที่เปิดเผยอย่างเปิดเผยของงานนักข่าวของ Wagner โดยสร้างแบรนด์โรงละครดนตรีร่วมสมัยว่าเป็น "ดอกไม้ที่ว่างเปล่าของระบบสังคมที่เน่าเฟะ" มันทำให้เกิดความประชดประชันที่กัดกร่อนของบทความของ Schumann: ตัวอย่างเช่นเกี่ยวกับผลงานของนักแต่งเพลงและนักเปียโน Kalkbrenner ที่ฟ้าร้องไปทั่วยุโรป Schumann เขียนว่าเขาเขียนข้อความอัจฉริยะสำหรับศิลปินเดี่ยวก่อนแล้วจึงคิดว่าจะเติมช่องว่างได้อย่างไร ระหว่างพวกเขา. ความฝันของ Berlioz เกี่ยวกับสถานะทางดนตรีในอุดมคติเกิดขึ้นโดยตรงจากความไม่พอใจอย่างรุนแรงกับสถานการณ์ที่หยั่งรากลึกในโลกดนตรีร่วมสมัยของเขา โครงสร้างทั้งหมดของยูโทเปียทางดนตรีที่เขาสร้างขึ้นเป็นการประท้วงต่อต้านจิตวิญญาณของผู้ประกอบการเชิงพาณิชย์และการอุปถัมภ์ของกระแสถอยหลังเข้าคลอง ซึ่งเป็นลักษณะของฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ผ่านมา และ Liszt ต้องเผชิญกับความต้องการที่ จำกัด และย้อนหลังอย่างต่อเนื่องของสาธารณชนในการแสดงคอนเสิร์ตถึงระดับการระคายเคืองที่ดูเหมือนว่าเขาจะเริ่มตำแหน่งในอุดมคติของนักดนตรียุคกลางซึ่งในความคิดของเขามีโอกาสที่จะสร้างเน้น ด้วยมาตรฐานอันสูงส่งของเขาเองเท่านั้น
ในสงครามต่อต้านความหยาบคาย, กิจวัตร, ความเบา, พันธมิตรหลักของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกคือเบโธเฟน มันเป็นงานของเขาที่ใหม่ กล้าหาญ และมีจิตวิญญาณที่กลายเป็นธงที่สร้างแรงบันดาลใจให้นักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่แห่งศตวรรษที่ 19 เพื่อค้นหามุมมองใหม่ ๆ ของศิลปะที่จริงจังและจริงใจ
และในการต่อต้านประเพณีดนตรีคลาสสิกที่ล้าสมัย Beethoven และความโรแมนติคก็ถูกมองว่าเป็นช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยรวม การแตกสลายของเบโธเฟนด้วยสุนทรียภาพทางดนตรีของยุคแห่งการตรัสรู้เป็นแรงผลักดันให้พวกเขาค้นหาด้วยตนเอง เป็นการบ่งบอกถึงจิตวิทยาของยุคใหม่ พลังทางอารมณ์ที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของดนตรีของเขา คุณภาพโคลงสั้น ๆ ใหม่ อิสระของรูปแบบเมื่อเปรียบเทียบกับความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18 และในที่สุด ความคิดทางศิลปะที่หลากหลายที่สุดและวิธีการแสดงออก ทั้งหมดนี้ปลุกเร้าความชื่นชมของความรักและได้รับพหุภาคีเพิ่มเติม พัฒนาการด้านดนตรีของพวกเขา เฉพาะความเก่งกาจของศิลปะของเบโธเฟนและการดิ้นรนเพื่ออนาคตเท่านั้นที่สามารถอธิบายปรากฏการณ์ที่ดูเหมือนขัดแย้งกันซึ่งนักประพันธ์เพลงที่มีความหลากหลายมากที่สุดและบางครั้งก็ต่างกันโดยสิ้นเชิงรับรู้ว่าตนเองเป็นทายาทและผู้สืบทอดของเบโธเฟนโดยมีเหตุผลที่แท้จริงสำหรับความคิดเห็นดังกล่าว และที่จริงแล้ว ชูเบิร์ตไม่ได้เอาบีโธเฟนที่พัฒนาความคิดเชิงบรรเลงซึ่งก่อให้เกิดการตีความใหม่โดยพื้นฐานเกี่ยวกับแผนเปียโนในเพลงประจำวันใช่หรือไม่ Berlioz ได้รับคำแนะนำจาก Beethoven เท่านั้น โดยสร้างองค์ประกอบไพเราะอันโอ่อ่า ซึ่งเขาใช้ซอฟต์แวร์และเสียงร้อง การทาบทามของโปรแกรม Mendelssohn ขึ้นอยู่กับการทาบทามของเบโธเฟน การเขียนประสานเสียงร้องและไพเราะของ Wagner ย้อนกลับไปในสไตล์โอเปร่าและโอราโทริโอของเบโธเฟนโดยตรง บทกวีไพเราะของ Liszt ซึ่งเป็นลูกหลานทั่วไปของยุคโรแมนติกในดนตรี มีที่มาในลักษณะที่เด่นชัดของสี ปรากฏอยู่ในผลงานของเบโธเฟนตอนปลาย แนวโน้มต่อการเปลี่ยนแปลงและการตีความวงจรโซนาตาอย่างอิสระ ในเวลาเดียวกัน Brahms อ้างถึงโครงสร้างแบบคลาสสิกของซิมโฟนีของเบโธเฟน ไชคอฟสกีรื้อฟื้นละครภายในของพวกเขา โดยเชื่อมโยงกับตรรกะของการก่อตัวของโซนาตา ตัวอย่างของความเชื่อมโยงระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงในสมัยศตวรรษที่ 19 นั้นคงไม่มีวันสิ้นสุด
และบนเครื่องบินที่กว้างกว่านั้น มีความคล้ายคลึงกันระหว่างเบโธเฟนกับผู้ติดตามของเขา กล่าวอีกนัยหนึ่ง งานของเบโธเฟนคาดการณ์ถึงแนวโน้มทั่วไปที่สำคัญบางประการในงานศิลปะในศตวรรษที่สิบเก้าโดยรวม
ประการแรก นี่คือจุดเริ่มต้นทางจิตวิทยา ที่จับต้องได้ทั้งในเบโธเฟนและในศิลปินรุ่นต่อไปเกือบทั้งหมด
ไม่โรแมนติกมากนัก แต่โดยทั่วไปแล้วศิลปินแห่งศตวรรษที่ 19 ได้ค้นพบภาพของโลกภายในที่ไม่เหมือนใครของบุคคลซึ่งเป็นภาพที่ทั้งเป็นส่วนสำคัญและเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องหันเข้าด้านในและหักเหด้านต่าง ๆ ของวัตถุประสงค์โลกภายนอก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเปิดเผยและการยืนยันของทรงกลมแห่งจินตนาการนี้ ประการแรก ความแตกต่างพื้นฐานระหว่างนวนิยายจิตวิทยาของศตวรรษที่ 19 กับประเภทวรรณกรรมของยุคก่อน ๆ อยู่ที่ความแตกต่าง
ความปรารถนาที่จะพรรณนาความเป็นจริงผ่านปริซึมของโลกแห่งจิตวิญญาณของความเป็นปัจเจกบุคคลก็เป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนทั้งหมด เมื่อหักเหผ่านลักษณะเฉพาะของการสื่อความหมาย มันก่อให้เกิดเทคนิคการสร้างรูปแบบใหม่ที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งปรากฏอย่างสม่ำเสมอทั้งในโซนาตาและควอเตตตอนปลายของเบโธเฟน และในงานบรรเลงและโอเปร่าของแนวโรแมนติก
สำหรับศิลปะแห่ง "ยุคจิตวิทยา" หลักการคลาสสิกของการสร้างซึ่งแสดงแง่มุมที่เป็นวัตถุประสงค์ของโลกได้สูญเสียความเกี่ยวข้อง กล่าวคือ การก่อตัวเฉพาะเรื่องที่แตกต่างอย่างชัดเจน โครงสร้างที่สมบูรณ์ การแบ่งส่วนสมมาตรและสมดุลของรูปแบบ โครงสร้างชุดวงจรของทั้งหมด เบโธเฟนก็เหมือนกับคู่รักโรแมนติกพบเทคนิคใหม่ ๆ ที่ตรงกับงานของศิลปะจิตวิทยา นี่คือแนวโน้มสู่ความต่อเนื่องของการพัฒนา ต่อองค์ประกอบของความเป็นหนึ่งเดียวในระดับของวัฏจักรโซนาตา ไปสู่การเปลี่ยนแปลงอย่างอิสระในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่อง มักจะขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนผ่านแรงจูงใจที่ยืดหยุ่น ไปสู่เสียงสองมิติ - เสียงร้อง - เครื่องดนตรี - โครงสร้างของคำพูดทางดนตรีราวกับว่ารวบรวมความคิดของข้อความและข้อความย่อยของคำสั่ง * .
* ดูข้อมูลเพิ่มเติมในบท "โรแมนติกในดนตรี" ส่วนที่ 4
คุณลักษณะเหล่านี้ได้รวบรวมผลงานของเบโธเฟนตอนปลายและกลุ่มโรแมนติก ซึ่งในแง่มุมอื่นๆ มีความแตกต่างกันโดยพื้นฐาน แฟนตาซี "Wanderer" ของ Schubert และ "Symphonic Etudes" ของ Schumann, "Harold in Italy" ของ Berlioz และ "Scottish Symphony" ของ Mendelssohn, "Preludes" ของ Liszt และ "Ring of the Nibelungen" ของ Wagner - ผลงานเหล่านี้อยู่ไกลแค่ไหนในแง่ของช่วงของภาพ , อารมณ์, เสียงภายนอกจากโซนาต้าและสี่ของเบโธเฟนช่วงที่แล้ว! และถึงกระนั้น ทั้งสองก็มีแนวโน้มเดียวที่นำไปสู่การพัฒนาที่ต่อเนื่อง
นำเบโธเฟนผู้ล่วงลับมาใกล้ชิดกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกและการขยายขอบเขตของปรากฏการณ์ที่ครอบคลุมโดยงานศิลปะของพวกเขา คุณลักษณะนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในความหลากหลายของธีมเท่านั้น แต่ยังแสดงในระดับคอนทราสต์ที่รุนแรงเมื่อเปรียบเทียบภาพในงานเดียวกัน ดังนั้น หากนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 18 มีความเปรียบต่างเหมือนที่เคยเป็นบนระนาบเดียว ในช่วงปลายของเบโธเฟนและในผลงานหลายชิ้นของโรงเรียนโรแมนติก ภาพของโลกต่างๆ จะถูกเปรียบเทียบ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความแตกต่างอันมหึมาของเบโธเฟน ความโรแมนติกปะทะกันทางโลกและทางโลก ความเป็นจริงและความฝัน ความศรัทธาในจิตวิญญาณและความหลงใหลในกาม ให้เรานึกถึง Sonata ของ Liszt ใน h-moll, Fantasia ของ Chopin ใน f-moll, "Tannhäuser" ของ Wagner และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายของโรงเรียนดนตรีและโรแมนติก
ในที่สุด เบโธเฟนและความโรแมนติกก็มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาในการแสดงรายละเอียด ซึ่งเป็นความปรารถนาที่มีลักษณะเฉพาะอย่างมากในวรรณคดีของศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่ในเรื่องโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแผนการที่เหมือนจริงอย่างชัดเจนด้วย กระแสนี้หักเหผ่านความเฉพาะเจาะจงทางดนตรีในรูปแบบของพื้นผิวที่มีองค์ประกอบหลายองค์ประกอบ แบบย่อ และมักเป็นแบบหลายชั้น (โพลี-เมโลดิก) ซึ่งมีความแตกต่างอย่างมาก ความไพเราะของดนตรีของเบโธเฟนและแนวโรแมนติกก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน ในแง่นี้ ศิลปะของพวกเขาไม่เพียงแค่เสียงที่โปร่งใสของผลงานคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ตรงกันข้ามกับโรงเรียนบางแห่งในศตวรรษของเราซึ่งเกิดขึ้นเป็นปฏิกิริยาต่อสุนทรียศาสตร์ของแนวโรแมนติกปฏิเสธเสียงอึกทึก "หนา" ของวงออเคสตราหรือเปียโนของศตวรรษที่ 19 และปลูกฝังหลักการอื่น ๆ ของการจัดโครงสร้างดนตรี (เช่น อิมเพรสชั่นนิสม์หรือนีโอคลาสสิก)
คุณยังสามารถชี้ไปที่จุดที่มีความคล้ายคลึงกันมากขึ้นในหลักการของการสร้างบีโธเฟนและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก และในแง่ของการรับรู้ทางศิลปะในปัจจุบันของเรา ช่วงเวลาแห่งความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนและความโรแมนติกมีความสำคัญอย่างยิ่ง โดยพื้นฐานแล้ว เมื่อเทียบกับภูมิหลังนี้ ลักษณะของความธรรมดาสามัญระหว่างพวกเขาดูเหมือนจะลดน้อยลงไปเบื้องหลัง
วันนี้เป็นที่ชัดเจนสำหรับเราว่าการประเมินของเบโธเฟนโดยคู่รักชาวตะวันตกเป็นไปในทางเดียว ในแง่ที่มีแนวโน้มว่ามีแนวโน้มสูง พวกเขา "ได้ยิน" เฉพาะแง่มุมเหล่านั้นของดนตรีของเบโธเฟนที่ "สอดคล้องกับแนวความคิดทางศิลปะ" ของพวกเขาเอง
โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาไม่รู้จักสี่คนต่อมาของเบโธเฟน งานเหล่านี้ไปไกลกว่าแนวความคิดทางศิลปะของแนวโรแมนติก ดูเหมือนจะเป็นความเข้าใจผิด ซึ่งเป็นผลจากจินตนาการของชายชราผู้สูญเสียความคิด พวกเขาไม่ชื่นชมผลงานของเขาในยุคแรก เมื่อ Berlioz ขีดปากกาขีดความสำคัญทั้งหมดของงานของ Haydn ว่าเป็นศิลปะที่อ้างว่าเป็นศิลปะประยุกต์ในราชสำนัก เขาได้แสดงออกในรูปแบบสุดโต่งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักดนตรีหลายคนในรุ่นของเขา ความโรแมนติกทำให้ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ผ่านไปอย่างง่ายดายและด้วยงานของเบโธเฟนยุคแรกซึ่งพวกเขามักจะพิจารณาว่าเป็นเวทีที่นำหน้างานที่แท้จริงของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่
แต่ถึงแม้จะเข้าใกล้ความโรแมนติกกับงานของเบโธเฟนในยุค "ผู้ใหญ่" ด้านเดียวก็ปรากฏออกมาเช่นกัน ตัวอย่างเช่น พวกเขายกตำแหน่งโปรแกรม "Pastoral Symphony" ให้สูงขึ้น ซึ่งในแง่ของการรับรู้ในปัจจุบันของเรา ไม่ได้อยู่เหนือผลงานอื่นๆ ของเบโธเฟนในแนวเพลงไพเราะเลย ใน Fifth Symphony ที่ดึงดูดใจพวกเขาด้วยความโกรธเกรี้ยวทางอารมณ์ อารมณ์ที่ฉุนเฉียว พวกเขาไม่เห็นคุณค่าของโครงสร้างที่เป็นทางการอันเป็นเอกลักษณ์ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของการออกแบบงานศิลปะโดยรวม
ตัวอย่างเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนถึงความแตกต่างอย่างเฉพาะเจาะจงระหว่างเบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติก แต่เป็นความคลาดเคลื่อนทั่วไปอย่างลึกซึ้งระหว่างหลักการด้านสุนทรียศาสตร์ของเบโธเฟน
ความแตกต่างพื้นฐานที่สุดระหว่างพวกเขาคือทัศนคติ
ไม่ว่าคู่รักจะเข้าใจงานของพวกเขาอย่างไรพวกเขาทั้งหมดในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งแสดงความไม่สอดคล้องกับความเป็นจริง ภาพคนเหงาหลงอยู่ในโลกต่างดาวและศัตรู การหลบหนีจากความเป็นจริงที่มืดมนสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่เข้าถึงไม่ได้ การประท้วงอย่างรุนแรงบนห้วงความตื่นเต้นทางประสาท ความลังเลใจระหว่างความสูงส่งและความเศร้าโศก เวทย์มนต์และจุดเริ่มต้นนรก - เป็นภาพทรงกลมนี้ ซึ่งต่างจากงานของเบโธเฟน ที่อยู่ในศิลปะของดนตรี ถูกค้นพบครั้งแรกโดยคู่รักและพัฒนาโดยพวกเขาด้วยความสมบูรณ์แบบทางศิลปะขั้นสูง โลกทัศน์มองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญของเบโธเฟน ความสงบของเขา การปลดปล่อยทางความคิดอันประเสริฐที่ไม่เคยกลายเป็นปรัชญาของโลกอื่น ทั้งหมดนี้ไม่ได้ถูกรับรู้โดยนักประพันธ์เพลงที่คิดว่าตนเองเป็นทายาทของเบโธเฟน แม้แต่ในชูเบิร์ตผู้ซึ่งยังคงรักษาความเรียบง่ายดินการเชื่อมต่อกับศิลปะแห่งชีวิตพื้นบ้านในระดับที่มากกว่าความโรแมนติกของคนรุ่นต่อไป - แม้แต่ในเขาที่จุดสุดยอดงานคลาสสิกส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับอารมณ์ของความเหงาและความเศร้า . เขาเป็นคนแรกใน Marguerite ที่ Spinning Wheel, The Wanderer, Winter Path cycle, Unfinished Symphony และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายที่สร้างภาพลักษณ์ของความเหงาทางจิตวิญญาณที่กลายเป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รัก Berlioz ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดต่อประเพณีที่กล้าหาญของ Beethoven กระนั้นก็ตามในซิมโฟนีของเขามีความไม่พอใจอย่างสุดซึ้งต่อโลกแห่งความเป็นจริงโดยโหยหา "ความเศร้าโศกของโลก" ที่ไม่เป็นจริงของ Byron ความหมายในแง่นี้คือการเปรียบเทียบ "Pastoral Symphony" ของเบโธเฟนกับ "Scene in the Fields" ของ Berlioz (จาก "Fantastic") ผลงานของเบโธเฟนเต็มไปด้วยอารมณ์แห่งความกลมกลืน ซึมซาบด้วยความรู้สึกของการผสมผสานระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ งานของ Berlioz มีเงาสะท้อนความเป็นปัจเจกที่มืดมน และแม้แต่นักประพันธ์เพลงในยุคหลังเบโธเฟนที่กลมกลืนและสมดุลที่สุด Mendelssohn ก็ไม่ได้เข้าใกล้การมองโลกในแง่ดีและความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของเบโธเฟน โลกที่ Mendelssohn มีความสามัคคีอย่างสมบูรณ์เป็นโลกเล็ก ๆ ที่ "อบอุ่น" ที่ "อบอุ่น" ซึ่งไม่รู้จักพายุทางอารมณ์หรือความเข้าใจที่สดใสของความคิด
สุดท้ายนี้ ให้เราเปรียบเทียบฮีโร่ของเบโธเฟนกับฮีโร่ทั่วไปในเพลงของศตวรรษที่ 19 แทนที่จะเป็น Egmont และ Leonora - ฮีโร่ที่กระตือรือร้นและมีหลักการทางศีลธรรมสูง เราพบกับตัวละครที่กระสับกระส่ายและไม่พอใจ ซึ่งสลับไปมาระหว่างความดีและความชั่ว Max จาก Weber's Magic Shooter, Manfred ของ Schumann, Tannhäuser ของ Wagner และคนอื่นๆ อีกหลายคนถูกมองในลักษณะนี้ หาก Florestan ใน Schumann เป็นสิ่งที่มีศีลธรรม ประการแรก ภาพนี้ - เดือดดาล คลั่งไคล้ ประท้วง - เป็นการแสดงออกถึงความคิดของการทรยศต่อโลกภายนอกซึ่งเป็นแก่นสารของอารมณ์ที่ไม่ลงรอยกัน ประการที่สอง โดยรวมแล้วเกี่ยวกับ Eusebius ผู้ซึ่งถูกพัดพาจากความเป็นจริงไปสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่ไม่มีอยู่จริง เขาได้แสดงบุคลิกที่แตกต่างตามแบบฉบับของศิลปินโรแมนติก ในงานศพที่แยบยลสองครั้ง - "Heroic Symphony" ของ Beethoven และ "Twilight of the Gods" ของ Wagner - สาระสำคัญของความแตกต่างในโลกทัศน์ของ Beethoven และนักประพันธ์เพลงโรแมนติกสะท้อนอยู่ในหยดน้ำ สำหรับเบโธเฟน ขบวนแห่ศพเป็นฉากหนึ่งของการต่อสู้ ซึ่งนำไปสู่ชัยชนะของประชาชนและชัยชนะของความจริง ใน Wagner การตายของฮีโร่เป็นสัญลักษณ์ของการตายของเหล่าทวยเทพและความพ่ายแพ้ของความคิดที่กล้าหาญ
ทัศนคติที่แตกต่างกันอย่างลึกซึ้งนี้ถูกหักเหในรูปแบบดนตรีที่เฉพาะเจาะจง ทำให้เกิดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างรูปแบบศิลปะของเบโธเฟนและแนวโรแมนติก
มันปรากฏตัวเป็นหลักในทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่าง
การขยายขอบเขตของการแสดงออกทางดนตรีโดยคู่รักนั้นเชื่อมโยงกับขอบเขตของภาพที่น่าอัศจรรย์น่าอัศจรรย์ที่พวกเขาค้นพบ สำหรับพวกเขา นี่ไม่ใช่ลูกน้อง ไม่ใช่ทรงกลมสุ่ม แต่ เฉพาะและเป็นต้นฉบับมากที่สุด- ในมุมมองทางประวัติศาสตร์อันกว้างใหญ่ แยกแยะความแตกต่างระหว่างศตวรรษที่ 19 กับยุคดนตรีก่อนหน้าทั้งหมดได้อย่างไร น่าจะเป็นประเทศแห่งนิยายที่สวยงามเป็นตัวเป็นตนความปรารถนาของศิลปินที่จะหนีจากความเป็นจริงที่น่าเบื่อในชีวิตประจำวันสู่โลกแห่งความฝันที่ไม่สามารถบรรลุได้ ก็ยังเถียงไม่ได้ว่าในศิลปะดนตรีความประหม่าของชาติซึ่งเฟื่องฟูอย่างงดงามในยุคของแนวโรแมนติก (อันเป็นผลมาจากสงครามปลดปล่อยชาติเมื่อต้นศตวรรษ) แสดงออกด้วยความสนใจที่เพิ่มขึ้นในนิทานพื้นบ้านของชาติ เต็มไปด้วยลวดลายในเทพนิยาย
สิ่งหนึ่งที่แน่นอน: มีการกล่าวคำใหม่ในศิลปะโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 เฉพาะเมื่อ Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann และหลังจากนั้น - และในระดับสูงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - Wagner ทำลายพื้นฐานด้วยแผนการที่เป็นตำนานและตลกทางประวัติศาสตร์ที่ แยกออกจากโรงละครดนตรีคลาสสิกไม่ได้ และทำให้โลกของโอเปร่าสมบูรณ์ด้วยลวดลายที่น่าอัศจรรย์และเป็นตำนาน ภาษาใหม่ของการแสดงซิมโฟนีโรแมนติกก็มีต้นกำเนิดมาจากผลงานที่เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับรายการในเทพนิยาย - ในการทาบทาม "โอเบอโรเนียน" ของเวเบอร์และเมนเดลโซห์น การแสดงออกของนักเปียโนแสนโรแมนติกในวงกว้างเกิดขึ้นจากทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของ "Fantastic Pieces" ของ Schumann หรือ "Kreisleriana" ในบรรยากาศของเพลงบัลลาดของ Mickiewicz - Chopin ฯลฯ ฯลฯ การเสริมแต่งอย่างมโหฬารของสีสัน - กลมกลืนและ timbre - จานสีซึ่งเป็นหนึ่งในชัยชนะที่สำคัญที่สุดของศิลปะโลกของศตวรรษที่ 19 การเสริมความแข็งแกร่งโดยทั่วไปของเสน่ห์ที่เย้ายวนของเสียงซึ่งแยกดนตรีคลาสสิกออกจากดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนโดยตรง - ทั้งหมดนี้ สาเหตุหลักมาจากช่วงภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ ครั้งแรกที่พัฒนาอย่างต่อเนื่องในผลงานของศตวรรษที่ 19 จากที่นี่ไปสู่บรรยากาศทั่วไปของบทกวีที่เชิดชูความงามตระการตาของโลกโดยปราศจากดนตรีโรแมนติกที่คิดไม่ถึงมีต้นกำเนิดมาจากที่นี่
ในทางกลับกัน เบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวอย่างลึกซึ้งต่อทรงกลมอันน่าอัศจรรย์ของภาพ แน่นอน ในแง่ของพลังกวี ศิลปะของเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าความโรแมนติกเลย อย่างไรก็ตาม ความมีจิตวิญญาณที่สูงส่งของความคิดของเบโธเฟน ความสามารถในการแต่งกลอนในแง่มุมต่างๆ ของชีวิต ไม่เกี่ยวข้องกับภาพลึกลับที่น่าอัศจรรย์ ตำนาน และนอกโลกแต่อย่างใด มีเพียงคำใบ้ของพวกเขาเท่านั้นที่ได้ยินในบางกรณี ยิ่งกว่านั้น พวกเขามักจะครอบครองฉากและไม่ได้เป็นศูนย์กลางในแนวคิดโดยรวมของผลงานเช่นใน Presto จาก Seventh Symphony หรือตอนจบของ Fourth อย่างหลัง (ดังที่เราเขียนไว้ข้างต้น) ดูเหมือนว่าไชคอฟสกีจะเป็นภาพมหัศจรรย์จากโลกแห่งวิญญาณเวทย์มนตร์ การตีความนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากประสบการณ์ของการพัฒนาดนตรีครึ่งศตวรรษหลังจากเบโธเฟนอย่างไม่ต้องสงสัย ไชคอฟสกีได้ฉายจิตวิทยาดนตรีของปลายศตวรรษที่ 19 ไปสู่อดีต แต่ถึงแม้จะยอมรับในวันนี้ว่า "การอ่าน" ข้อความของเบโธเฟนก็ไม่มีใครพลาดที่จะมองเห็นได้เท่าไหร่ ในแง่ของสีตอนจบของเบโธเฟนดูสดใสและสมบูรณ์น้อยกว่าผลงานโรแมนติกสุดโรแมนติก ซึ่งโดยรวมแล้วถือว่าด้อยกว่าเขาอย่างมากในแง่ของความสามารถและความแข็งแกร่งของแรงบันดาลใจ
เกณฑ์ของลัทธิสีนิยมนี้ที่เน้นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งเส้นทางต่างๆ ตามด้วยการค้นหาแนวโรแมนติกและเบโธเฟนที่เป็นนวัตกรรมใหม่ แม้แต่ในงานของสไตล์ปลายเมื่อมองแวบแรกซึ่งห่างไกลจากโกดังคลาสสิกมาก ภาษาฮาร์โมนิกและเครื่องดนตรี-เสียงต่ำของเบโธเฟนก็มักจะง่ายกว่า ชัดเจนกว่าเรื่องโรแมนติกเสมอ ในระดับที่มากขึ้นแสดงถึงหลักการจัดระเบียบที่มีเหตุผลของดนตรี การแสดงออก เมื่อเขาเบี่ยงเบนจากกฎของความกลมกลืนเชิงฟังก์ชันแบบคลาสสิก ความเบี่ยงเบนนี้นำไปสู่โหมดยุคก่อนคลาสสิกและโครงสร้างโพลีโฟนิกแบบโบราณ มากกว่าความสัมพันธ์เชิงหน้าที่ที่ซับซ้อนของความกลมกลืนแบบโรแมนติกและโพลีเมโลดี้อิสระ เขาไม่เคยพยายามดิ้นรนเพื่อความเฉลียวฉลาดแบบพอเพียง ความหนาแน่น ความหรูหราของเสียงฮาร์โมนิก ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของภาษาดนตรีที่โรแมนติก จุดเริ่มต้นที่มีสีสันในเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเปียโนโซนาตารุ่นต่อมา ได้รับการพัฒนาให้อยู่ในระดับที่สูงมาก และถึงกระนั้นก็ไม่เคยถึงค่าที่โดดเด่นไม่เคยระงับแนวคิดเสียงทั่วไป และโครงสร้างที่แท้จริงของงานดนตรีไม่เคยสูญเสียความโดดเด่น ความโล่งใจ เพื่อแสดงให้เห็นถึงแรงบันดาลใจด้านสุนทรียะที่ตรงกันข้ามของ Beethoven และ Romantics ให้เราเปรียบเทียบ Beethoven และ Wagner นักแต่งเพลงที่นำแนวโน้มทั่วไปของการแสดงออกที่โรแมนติกมาสู่จุดสุดยอด Wagner ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นทายาทและผู้สืบทอดของ Beethoven ได้นำพาให้เข้าใกล้อุดมคติของเขามากขึ้น อย่างไรก็ตาม สุนทรพจน์ทางดนตรีที่ละเอียดมากของเขา เต็มไปด้วยเสียงต่ำและเฉดสีภายนอก เผ็ดร้อนในเสน่ห์เย้ายวน ทำให้เกิด "ความซ้ำซากจำเจของความหรูหรา" (Rimsky-Korsakov) ซึ่งทำให้ความรู้สึกของรูปแบบและพลวัตภายในของดนตรีหายไป . สำหรับเบโธเฟน ปรากฏการณ์ดังกล่าวเป็นไปไม่ได้โดยพื้นฐานแล้ว
ระยะห่างมหาศาลระหว่างแนวความคิดทางดนตรีของเบโธเฟนและแนวโรแมนติกนั้นชัดเจนพอๆ กันในทัศนคติของพวกเขาที่มีต่อแนวเพลงย่อส่วน
ภายในกรอบของห้องขนาดเล็ก ความโรแมนติกมาถึงจุดสูงสุดอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนสำหรับงานศิลปะประเภทนี้ โกดังแห่งเนื้อเพลงแห่งศตวรรษที่ 19 แห่งใหม่ ซึ่งแสดงอารมณ์ที่หลั่งไหลออกมาโดยตรง อารมณ์ที่สนิทสนมในขณะนั้น ความเพ้อฝัน ถูกรวบรวมไว้ในเพลงและเปียโนการเคลื่อนไหวเดียว ที่นี่เองที่นวัตกรรมของความรักแสดงออกอย่างน่าเชื่อถือ อิสระและกล้าหาญโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ความรักของชูเบิร์ตและชูมันน์, "Musical Moments" และ "Impromptu" ของชูเบิร์ต, "Songs without Words" ของ Mendelssohn, ละครกลางคืนและมาซูร์กาของโชแปง, เปียโนจังหวะเดียวของ Liszt, วัฏจักรของชูมันน์และโชแปงของตัวละครย่อส่วน - ทั้งหมดนี้เป็นความโรแมนติกที่แปลกใหม่ ความคิดในดนตรีและสะท้อนความเป็นตัวตนของผู้สร้างได้อย่างยอดเยี่ยม ความคิดสร้างสรรค์ที่สอดคล้องกับขนบธรรมเนียมคลาสสิกของโซนาต้าและไพเราะนั้นยากกว่ามากสำหรับนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก แทบจะไม่ได้เข้าถึงความโน้มน้าวใจทางศิลปะและความสมบูรณ์ของรูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของการเคลื่อนไหวครั้งเดียวของพวกเขา ยิ่งไปกว่านั้น หลักการของการสร้างรูปร่าง ซึ่งเป็นแบบฉบับของภาพย่อส่วนนั้น แทรกซึมเข้าสู่วงจรไพเราะของแนวโรแมนติกอย่างต่อเนื่อง ซึ่งทำให้รูปลักษณ์ดั้งเดิมของพวกเขาเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง ตัวอย่างเช่น "Unfinished Symphony" ของชูเบิร์ตซึมซับรูปแบบของการเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ยังคง "ยังไม่เสร็จ" นั่นคือสองส่วน "ยอดเยี่ยม" Berlioz ถูกมองว่าเป็นวัฏจักรขนาดมหึมาของจิ๋วโคลงสั้น ๆ Heine ผู้ซึ่งเรียก Berlioz ว่า "ตัวตลกขนาดเท่านกอินทรี" จับความรู้สึกที่ขัดแย้งในดนตรีของเขาอย่างละเอียดอ่อนระหว่างรูปแบบภายนอกของโซนาตาขนาดมหึมาและความคิดของนักแต่งเพลงที่มุ่งไปสู่ขนาดเล็ก แมนน์แมนเมื่อเขาหันไปหาซิมโฟนีวัฏจักรในระดับใหญ่สูญเสียความเป็นตัวตนของศิลปินโรแมนติกซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในชิ้นเปียโนและความรักของเขา บทกวีไพเราะที่สะท้อนภาพความคิดสร้างสรรค์ของ Liszt ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างทางศิลปะทั่วไปของกลางศตวรรษที่ 19 ด้วยความปรารถนาที่ชัดเจนทั้งหมดที่จะรักษาโครงสร้างไพเราะทั่วไปของลักษณะความคิดของเบโธเฟน ส่วนหนึ่งการสร้างความโรแมนติกจากวิธีการสร้างรูปร่างของเธอที่มีสีสันและหลากหลายรูปแบบ ฯลฯ เป็นต้น
ในงานของเบโธเฟนมีแนวโน้มตรงกันข้าม แน่นอน ความหลากหลาย ความหลากหลาย ความอุดมสมบูรณ์ของการค้นหาของเบโธเฟนนั้นยิ่งใหญ่มากจนไม่ยากที่จะค้นหางานย่อส่วนในมรดกของเขา และยังเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าการแต่งเพลงประเภทนี้ครองตำแหน่งรองในเบโธเฟนโดยให้คุณค่าทางศิลปะกับประเภทโซนาตาขนาดใหญ่ ทั้ง bagatelles หรือ "German Dances" หรือเพลงไม่สามารถให้ความคิดเกี่ยวกับบุคลิกลักษณะทางศิลปะของนักแต่งเพลงที่แสดงออกอย่างยอดเยี่ยมในด้านรูปแบบอนุสาวรีย์ วัฏจักรของเบโธเฟน "To a Distant Beloved" ถูกชี้ให้เห็นอย่างถูกต้องว่าเป็นต้นแบบของวัฏจักรโรแมนติกในอนาคต แต่ดนตรีนี้ด้อยกว่าเพียงใดในแง่ของแรงบันดาลใจ ความสดใสเฉพาะเรื่อง ความไพเราะที่ไพเราะ ไม่เพียงแต่กับวงจรชูเบิร์ตและชูมันน์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานโซนาตาของเบโธเฟนด้วย! บทเพลงบรรเลงของเขามีความไพเราะน่าฟังเพียงใด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานแนวปลาย ให้เรานึกถึงตัวอย่างเช่น Andante จากการเคลื่อนไหวช้าของ Ninth Symphony, Adagio จาก Tenth Quartet, Largo จาก Seventh Sonata, Adagio จาก Twenty-ninth Sonata รวมถึงคนอื่น ๆ อีกจำนวนนับไม่ถ้วน ในเพลงประกอบเสียงจิ๋วของเบโธเฟน แรงบันดาลใจอันไพเราะมากมายนั้นแทบไม่เคยพบเลย ในขณะเดียวกันก็เป็นลักษณะเฉพาะที่อยู่ภายในกรอบของวัฏจักรเครื่องมือเช่น องค์ประกอบของโครงสร้างของวัฏจักรโซนาตาและการแสดงละคร, เบโธเฟนมักจะสร้างภาพย่อส่วนสำเร็จรูป โดดเด่นด้วยความงามและการแสดงออกในทันที ตัวอย่างขององค์ประกอบย่อประเภทนี้ที่เล่นบทบาทของตอนในวัฏจักรนั้นไม่มีที่สิ้นสุดท่ามกลาง scherzos และ minuets ของโซนาตา ซิมโฟนี และควอเตตของเบโธเฟน
และยิ่งกว่านั้นในช่วงท้ายของความคิดสร้างสรรค์ (กล่าวคือ พวกเขากำลังพยายามทำให้เขาใกล้ชิดกับศิลปะโรแมนติกมากขึ้น) เบโธเฟนมุ่งไปที่ผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่ จริงอยู่ในช่วงเวลานี้เขาสร้าง "Bagateli" op 126 ซึ่งมีกวีนิพนธ์และความคิดริเริ่ม เหนือกว่างานอื่นๆ ทั้งหมดของเบโธเฟนในรูปแบบของย่อส่วนเพียงส่วนเดียว แต่เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าภาพจำลองของเบโธเฟนเหล่านี้เป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครซึ่งไม่พบความต่อเนื่องในงานที่ตามมาของเขา ในทางตรงกันข้าม ผลงานทั้งหมดของทศวรรษที่ผ่านมาในชีวิตของเบโธเฟน - จากเปียโนโซนาตา (หมายเลข 28, 29, 30, 31, 32) ไปจนถึงพิธีมิสซาเคร่งขรึม จากซิมโฟนีที่เก้าไปจนถึงสี่กลุ่มสุดท้าย - ด้วยพลังแห่งศิลปะสูงสุด ยืนยันความคิดที่ยิ่งใหญ่และสง่างามของเขา , ความโน้มเอียงไปสู่สเกล "จักรวาล" ที่ยิ่งใหญ่, แสดงทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างนามธรรมอย่างประเสริฐ
การเปรียบเทียบบทบาทของตัวละครย่อส่วนในงานของเบโธเฟนกับงานโรแมนติกทำให้เห็นชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งว่ามนุษย์ต่างดาว (หรือล้มเหลว) อย่างหลังเกี่ยวข้องกับแนวคิดเชิงปรัชญาเชิงนามธรรม ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเบโธเฟนโดยรวมโดยเฉพาะ สำหรับผลงานในยุคหลัง
ขอให้เราระลึกว่าความดึงดูดของเบโธเฟนที่มีต่อเสียงประสานนั้นสม่ำเสมอตลอดอาชีพการงานของเขาเป็นอย่างไร ในช่วงหลังของความคิดสร้างสรรค์ โพลีโฟนีกลายเป็นรูปแบบการคิดที่สำคัญที่สุดสำหรับเขา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ ในข้อตกลงอย่างเต็มที่กับการวางแนวความคิดเชิงปรัชญา ความสนใจอันแรงกล้าของเบโธเฟนในช่วงสุดท้ายในกลุ่มสี่นั้นถูกรับรู้ - ประเภทที่พัฒนาอย่างแม่นยำในงานของเขาเองเป็นเลขชี้กำลังของการเริ่มต้นทางปัญญาในเชิงลึก
ตอนของเบโธเฟนตอนปลายได้รับแรงบันดาลใจและมึนเมาด้วยความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งคนรุ่นต่อ ๆ มาโดยไม่มีเหตุผลเห็นต้นแบบของเนื้อเพลงโรแมนติกตามกฎแล้วมีความสมดุลตามวัตถุประสงค์ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นโพลีโฟนิกที่เป็นนามธรรม อย่างน้อยให้เราระบุความสัมพันธ์ระหว่าง Adagio กับตอนจบแบบโพลีโฟนิกใน Sonata ที่ยี่สิบเก้า ความทรงจำสุดท้ายและเนื้อหาก่อนหน้าทั้งหมดในสามสิบเอ็ด ท่วงทำนองเพลงของ cantilena ฟรีของส่วนที่ช้า ซึ่งมักจะสะท้อนความไพเราะของธีมโรแมนติกอย่างแท้จริง ปรากฏในตอนปลายของ Beethoven ที่รายล้อมไปด้วยเนื้อหาที่เป็นนามธรรมและเป็นนามธรรมล้วนๆ ธีมเหล่านี้มักใช้การหักเหของแสงโพลีโฟนิก ธีมเหล่านี้มักมีโครงสร้างเป็นเส้นตรง ปราศจากเพลงประกอบ ธีมเหล่านี้จึงเปลี่ยนจุดศูนย์ถ่วงทางศิลปะของงานจากส่วนที่ไพเราะช้า และนี่เป็นการละเมิดภาพลักษณ์โรแมนติกของดนตรีทั้งหมดแล้ว แม้แต่รูปแบบสุดท้ายของเปียโนโซนาต้าตัวสุดท้ายที่เขียนใน "Arietta" ซึ่งบนพื้นผิวนั้นชวนให้นึกถึงเพลงโรแมนติกขนาดย่อที่นำพาไกลจากทรงกลมโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิดกับความเป็นนิรันดร์กับจักรวาลอันตระหง่าน โลก.
อย่างไรก็ตาม ในดนตรีของ Romantics ขอบเขตของปรัชญานามธรรมกลายเป็นรองจากองค์ประกอบทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ ดังนั้น ความเป็นไปได้ในการแสดงออกของโพลีโฟนีจึงด้อยกว่าสีสันที่กลมกลืนกันอย่างมาก ตอนที่ตรงกันข้ามมักหาได้ยากในผลงานของ Romantics และเมื่อเกิดขึ้นแล้วจะมีรูปลักษณ์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยมีโครงสร้างทางจิตวิญญาณที่เป็นลักษณะเฉพาะ ดังนั้นใน "วันสะบาโตแห่งแม่มด" จาก "Fantastic Symphony" ของ Berlioz ใน Liszt sonata ใน b-moll เทคนิคความทรงจำคือผู้ถือ Mephistopheles ภาพลักษณ์ที่ประชดประชันอย่างลางสังหรณ์และไม่ใช่ความคิดที่ครุ่นคิดอันประเสริฐที่แสดงถึงลักษณะเฉพาะของโพลีโฟนี ของเบโธเฟนตอนปลาย และเราทราบในการผ่าน บาคหรือปาเลสไตน์
ไม่มีอะไรเกิดขึ้นโดยบังเอิญในความจริงที่ว่าไม่มีความโรแมนติกใด ๆ ต่อแนวศิลปะที่พัฒนาโดยเบโธเฟนในจดหมายสี่ฉบับของเขา Berlioz, Liszt, Wagner ถูก "ตรงกันข้าม" สำหรับประเภทห้องนี้ด้วยการยับยั้งชั่งใจภายนอกการขาด "ท่าทางวาทศิลป์" และความหลากหลายและการระบายสีเสียงต่ำที่ซ้ำซากจำเจ แต่แม้แต่นักประพันธ์เพลงที่สร้างดนตรีไพเราะภายใต้กรอบของเสียงสี่ก็ยังไม่ปฏิบัติตามเส้นทางของเบโธเวเนีย ในสี่ของ Schubert, Schumann, Mendelssohn การรับรู้ทางอารมณ์และความรู้สึกที่มีสีสันของโลกครอบงำเหนือความคิดที่เข้มข้น ในลักษณะที่ปรากฏทั้งหมด พวกเขามีความใกล้ชิดกับซิมโฟนิกและเปียโนโซนาตามากกว่าการเขียนสี่ชุดของเบโธเฟน ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยตรรกะที่ "เปลือยเปล่า" ของความคิดและจิตวิญญาณอันบริสุทธิ์ ต่อความเสียหายของละครและการเข้าถึงธีมนิยมในทันที
มีคุณลักษณะโวหารที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่แยกโครงสร้างความคิดของเบโธเฟนออกจากความโรแมนติกอย่างชัดเจน กล่าวคือ "สีสันท้องถิ่น" ซึ่งค้นพบครั้งแรกโดยพวกโรแมนติก และกลายเป็นหนึ่งในชัยชนะทางดนตรีที่โดดเด่นที่สุดในศตวรรษที่ 19
คุณลักษณะของสไตล์นี้ไม่เป็นที่รู้จักสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในยุคคลาสสิก แน่นอนว่าองค์ประกอบของคติชนมักจะแทรกซึมเข้าไปในงานของนักประพันธ์เพลงมืออาชีพในยุโรปมาโดยตลอด อย่างไรก็ตามก่อนยุคของแนวโรแมนติกพวกเขามักจะถูกยุบด้วยวิธีการแสดงออกที่เป็นสากลโดยปฏิบัติตามกฎหมายของภาษาดนตรียุโรปทั่วไป แม้แต่ในกรณีที่ภาพในละครโดยเฉพาะมีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ของยุโรปและสีท้องถิ่นที่มีลักษณะเฉพาะ (เช่น ภาพ "Janissary" ในละครตลกของศตวรรษที่ 18 หรือสิ่งที่เรียกว่า "อินเดีย" โดย Rameau) ภาษาดนตรีเองไม่ได้ไปไกลกว่ากรอบของสไตล์ยุโรปที่เป็นหนึ่งเดียว และตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 เป็นต้นไป นิทานพื้นบ้านชาวนาเก่าเริ่มเจาะลึกผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกอย่างต่อเนื่องและในรูปแบบที่เน้นเป็นพิเศษและกำหนดลักษณะประจำชาติและดั้งเดิมของพวกเขา
ดังนั้น ความสร้างสรรค์ทางศิลปะที่สดใสของ "Magic Shooter" ของ Weber จึงมีความเกี่ยวข้องกับน้ำเสียงที่เป็นลักษณะเฉพาะของนิทานพื้นบ้านเยอรมันและเช็กในระดับเดียวกับวงกลมของภาพที่น่าอัศจรรย์ ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างโอเปร่าคลาสสิกของอิตาลีของ Rossini กับ "William Tell" ของเขาอยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าองค์ประกอบทางดนตรีของโอเปร่าที่โรแมนติกอย่างแท้จริงนี้ได้ซึมซับรสชาติของนิทานพื้นบ้าน Tyrolean ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของชูเบิร์ต เพลงเยอรมันในชีวิตประจำวันเป็นครั้งแรก "ล้าง" จากชั้นของ "แล็กเกอร์" โอเปร่าอิตาลีต่างประเทศ และเปล่งประกายด้วยผลัดกันที่ไพเราะสดใหม่ที่ยืมมาจากเพลงข้ามชาติที่ฟังทุกวันของเวียนนา แม้แต่ท่วงทำนองไพเราะของ Haydn ก็หนีไม่พ้นความคิดริเริ่มของการใช้สีในท้องถิ่น โชแปงจะเป็นอย่างไรหากปราศจากดนตรีพื้นบ้านของโปแลนด์, Liszt ที่ไม่มี verbunkos ของฮังการี, Smetana และ Dvořák ที่ไม่มีนิทานพื้นบ้านเช็ก, Grieg ที่ไม่มีภาษานอร์เวย์ ตอนนี้เรายังละทิ้งโรงเรียนดนตรีรัสเซียซึ่งเป็นหนึ่งในโรงเรียนดนตรีที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งแยกออกไม่ได้จากความเฉพาะเจาะจงของชาติ การลงสีผลงานด้วยสีประจำชาติอันเป็นเอกลักษณ์ ความเชื่อมโยงของนิทานพื้นบ้านยืนยันถึงลักษณะเฉพาะที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งของสไตล์โรแมนติกในดนตรี
เบโธเฟนอยู่ในส่วนอื่น ๆ ของชายแดนในลักษณะนี้ เช่นเดียวกับรุ่นก่อน ๆ หลักการพื้นบ้านในดนตรีของเขามักจะปรากฏเป็นสื่อกลางและเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง บางครั้งเบโธเฟนเองก็ระบุว่าดนตรีของเขา "อยู่ในจิตวิญญาณแบบเยอรมัน" ในบางกรณีที่แยกจากกัน โดดเดี่ยวอย่างแท้จริง (alla tedesca) แต่เป็นการยากที่จะไม่สังเกตว่างานเหล่านี้ (หรือค่อนข้างเป็นงานแต่ละส่วน) ปราศจากสีในท้องถิ่นที่มองเห็นได้ชัดเจน ธีมคติชนวิทยาถูกถักทอเป็นผ้าดนตรีทั่วไปจนทำให้คุณลักษณะระดับชาติและดั้งเดิมไม่ด้อยไปกว่าภาษาของดนตรีมืออาชีพ แม้แต่ในกลุ่มที่เรียกว่า "สี่รัสเซีย" ซึ่งใช้ธีมพื้นบ้านของแท้ Beethoven พัฒนาเนื้อหาในลักษณะที่ความเฉพาะเจาะจงของชาติของชาวบ้านถูกบดบังอย่างค่อยเป็นค่อยไปรวมกับ "การเปลี่ยนคำพูด" ตามปกติของโซนาตายุโรป- สไตล์เครื่องมือ
หากความคิดริเริ่มที่เป็นกิริยาช่วยของลัทธิเฉพาะเรื่องมีอิทธิพลต่อโครงสร้างทั้งหมดของดนตรีในสี่ส่วนเหล่านี้ อิทธิพลเหล่านี้ไม่ว่าในกรณีใด จะถูกปรับปรุงใหม่อย่างล้ำลึกและไม่อาจรับรู้ได้โดยตรงที่หู เช่นเดียวกับผู้ประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกหรือประชาธิปไตยระดับชาติ โรงเรียนแห่งศตวรรษที่ 19 และประเด็นไม่ได้อยู่ที่เบโธเฟนไม่สามารถสัมผัสถึงความคิดริเริ่มของธีมรัสเซียได้ ในทางตรงกันข้าม การเรียบเรียงเพลงภาษาอังกฤษ ไอริช และสก็อตของเขาพูดถึงความอ่อนไหวอันน่าทึ่งของผู้แต่งต่อการคิดแบบโมดอล แต่ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะของเขาซึ่งแยกออกไม่ได้จากการคิดเกี่ยวกับโซนาตา การระบายสีในท้องถิ่นไม่สนใจเบโธเฟน ไม่ส่งผลต่อจิตสำนึกทางศิลปะของเขา และสิ่งนี้เผยให้เห็นอีกแง่มุมที่สำคัญโดยพื้นฐานที่แยกงานของเขาออกจากเพลงของ "ยุคโรแมนติก"
ในที่สุด ความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับพวกโรแมนติกก็แสดงให้เห็นด้วยว่าสัมพันธ์กับหลักการทางศิลปะ ซึ่งตามประเพณีแล้ว นับตั้งแต่มุมมองของช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ถือเป็นจุดสำคัญที่สุดของความคล้ายคลึงกันระหว่างพวกเขา เรากำลังพูดถึงการเขียนโปรแกรม ซึ่งเป็นรากฐานสำคัญของสุนทรียศาสตร์อันโรแมนติกในดนตรี
นักประพันธ์เพลงโรแมนติกมักเรียกเบโธเฟนว่าเป็นผู้สร้างรายการเพลง โดยมองว่าเขาเป็นบรรพบุรุษของพวกเขา อันที่จริงเบโธเฟนมีผลงานที่มีชื่อเสียงสองชิ้นซึ่งเนื้อหาที่ผู้แต่งได้ชี้แจงด้วยความช่วยเหลือของคำนั้น มันเป็นผลงานเหล่านี้ - ซิมโฟนีที่หกและเก้า - ที่โรแมนติกมองว่าเป็นตัวเป็นตนของวิธีการทางศิลปะของพวกเขาเองเป็นแบนเนอร์ของรายการเพลงใหม่ของ "ยุคโรแมนติก" อย่างไรก็ตาม หากเรามองปัญหานี้ด้วยสายตาที่เป็นกลาง ก็จะเห็นได้ง่ายว่ารายการของเบโธเฟนแตกต่างอย่างมากจากการเขียนโปรแกรมของโรงเรียนโรแมนติก และเหนือสิ่งอื่นใด เพราะปรากฏการณ์สำหรับเบโธเฟน ทั้งที่เป็นส่วนตัวและผิดปรกติ ในดนตรีแนวโรแมนติกได้กลายเป็นหลักการที่สอดคล้องกันและจำเป็น
ความโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 จำเป็นต้องมีการเขียนโปรแกรมเป็นปัจจัยที่จะนำไปสู่การพัฒนารูปแบบใหม่ของพวกเขาอย่างมีประสิทธิผล อันที่จริงแล้ว การทาบทาม ซิมโฟนี บทกวีไพเราะ วัฏจักรของชิ้นส่วนเปียโน - ทั้งหมดนี้เป็นลักษณะทางโปรแกรม - ก่อให้เกิดการมีส่วนร่วมที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของแนวโรแมนติกในด้านดนตรีบรรเลง อย่างไรก็ตาม อะไรที่แปลกใหม่และโรแมนติกแบบเฉพาะเจาะจงในที่นี้ไม่ได้ดึงดูดใจสมาคมนอกดนตรีมากนัก ตัวอย่างที่ซึมซาบประวัติศาสตร์ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของยุโรปทั้งหมด, เท่าไหร่ วรรณกรรมลักษณะของสมาคมเหล่านี้ นักประพันธ์เพลงโรแมนติกทั้งหมดมุ่งสู่ วรรณกรรมร่วมสมัยเนื่องจากภาพที่เฉพาะเจาะจงและโครงสร้างทางอารมณ์ทั่วไปของบทกวีบทกวีล่าสุด มหากาพย์เทพนิยาย นวนิยายจิตวิทยาช่วยให้พวกเขาหลุดพ้นจากแรงกดดันของประเพณีคลาสสิกที่ล้าสมัยและ "คลำ" สำหรับรูปแบบการแสดงออกใหม่ของพวกเขา อย่างน้อยขอให้เราจำบทบาทสำคัญขั้นพื้นฐานสำหรับ Fantastic Symphony ของ Berlioz จากภาพนวนิยายของ De Quincey - "The Diary of an Opium Smoker" ของ Musset ฉาก "Walpurgis Night" - จาก "Faust" ของ Goethe เรื่องราวของ Hugo "วันสุดท้ายของการประณาม" และอื่น ๆ ดนตรีของ Schumann ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากผลงานของ Jean Paul และ Hoffmann ความรักของ Schubert ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีโคลงสั้น ๆ ของ Goethe, Schiller, Müller, Heine เป็นต้น อิทธิพลของ Shakespeare "ถูกค้นพบ" โดยแนวโรแมนติกในเพลงใหม่ของ 19 ศตวรรษแทบจะไม่สามารถประเมินค่าสูงไปได้เลย รู้สึกได้ตลอดยุคหลังเบโธเฟน เริ่มต้นด้วย Weber's Oberon, Mendelssohn's A Midsummer Night's Dream, Romeo and Juliet ของ Berlioz และจบลงด้วยการทาบทามที่มีชื่อเสียงของ Tchaikovsky ในเรื่องเดียวกัน Lamartine, Hugo และ Liszt; เทพนิยายทางเหนือของกวีโรแมนติกและแว็กเนอร์เรื่อง Der Ring des Nibelungen; Byron และ "Harold in Italy" โดย Berlioz, "Manfred" โดย Schumann; อาลักษณ์และเมเยอร์เบียร์; Apel และ Weber เป็นต้น ฯลฯ - บุคลิกภาพทางศิลปะที่สำคัญของยุคหลังเบโธเฟนพบระบบภาพใหม่ภายใต้อิทธิพลโดยตรงของวรรณกรรมสมัยใหม่ล่าสุดหรือแบบเปิด "การต่ออายุดนตรีผ่านการเชื่อมต่อกับบทกวี" - นี่คือวิธีที่ Liszt กำหนดแนวโน้มที่สำคัญที่สุดของยุคโรแมนติกในดนตรี
โดยรวมแล้วเบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวในการเขียนโปรแกรม ยกเว้นซิมโฟนีที่หกและเก้า ผลงานบรรเลงอื่นๆ ทั้งหมดของเบโธเฟน (มากกว่า 150 ชิ้น) เป็นจุดสุดยอดของดนตรีในรูปแบบที่เรียกว่า "สัมบูรณ์" เช่น ควอเทตและซิมโฟนีของไฮด์และโมสาร์ทที่โตแล้ว โครงสร้างเสียงสูงต่ำของพวกเขาและหลักการของการสร้างโซนาตาเป็นภาพรวมของประสบการณ์ในการพัฒนาดนตรีครั้งก่อนเป็นเวลากว่าหนึ่งศตวรรษครึ่ง ดังนั้น ผลกระทบของการพัฒนาเฉพาะเรื่องและโซนาตาของเขาจึงเกิดขึ้นได้ในทันที เปิดเผยต่อสาธารณะ และไม่ต้องการการเชื่อมโยงพิเศษทางดนตรีสำหรับการเปิดเผยภาพอย่างเต็มรูปแบบ เมื่อเบโธเฟนหันไปเขียนโปรแกรม ปรากฏว่าแตกต่างจากนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกอย่างสิ้นเชิง
ดังนั้น Ninth Symphony ซึ่งใช้ข้อความบทกวีของบทกวี "To Joy" ของ Schiller จึงไม่ใช่โปรแกรมซิมโฟนีในความหมายที่ถูกต้องของคำ นี่เป็นผลงานในรูปแบบที่ไม่เหมือนใครซึ่งรวมเอาสองประเภทที่เป็นอิสระ อย่างแรกคือวงซิมโฟนิกขนาดใหญ่ (ไม่มีตอนจบ) ซึ่งในรายละเอียดทั้งหมดของธีมและการจัดรูปแบบ ผสมผสานสไตล์ "สัมบูรณ์" ตามแบบฉบับของเบโธเฟน ส่วนที่สองเป็นบทเพลงประสานเสียงที่อิงจากข้อความของชิลเลอร์ ซึ่งเป็นจุดสำคัญของงานทั้งหมด เธอเท่านั้นที่ปรากฏตัว หลังจากนั้นวิธีการที่การพัฒนาโซนาตาเครื่องมือได้หมดลงแล้ว นักประพันธ์เพลงโรแมนติกซึ่งคนที่เก้าของเบโธเฟนทำหน้าที่เป็นนายแบบไม่ได้ปฏิบัติตามเส้นทางนี้เลย เพลงแกนนำของพวกเขาที่มีคำนั้นมักจะกระจัดกระจายไปทั่วทั้งผืนผ้าใบของงานโดยมีบทบาทเป็นโปรแกรมการเสริม ตัวอย่างเช่น โรมิโอและจูเลียตของ Berlioz ถูกสร้างขึ้นมาในลักษณะนี้ ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีและละครเพลงออเคสตรา และในซิมโฟนีเพลง "Laudatory" และ "Reformation" ของ Mendelssohn และต่อมาในเพลง Second, Third และ Fourth ของ Mahler เสียงเพลงที่เปล่งออกมาเป็นคำที่ปราศจากความเป็นอิสระของแนวเพลงที่แสดงถึงบทกวีของ Beethoven ต่อข้อความของ Schiller
"ศิษยาภิบาลซิมโฟนี" มีความใกล้ชิดยิ่งขึ้นในรูปแบบภายนอกของการเขียนโปรแกรมกับงานโซนาตาซิมโฟนิกของ Romantics และแม้ว่าเบโธเฟนเองจะระบุในคะแนนว่า "ความทรงจำเกี่ยวกับชีวิตในชนบท" เหล่านี้เป็น "การแสดงอารมณ์มากกว่าการวาดภาพด้วยเสียง" อย่างไรก็ตาม การเชื่อมโยงโครงเรื่องเฉพาะมีความชัดเจนมากที่นี่ จริงอยู่พวกเขาไม่ได้งดงามมากเท่าตัวละครในละคร แต่ในความเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับโรงละครดนตรีนั้นมีความเฉพาะเจาะจงอันเป็นเอกลักษณ์เฉพาะของธรรมชาติเชิงโปรแกรมของซิมโฟนีที่หกปรากฏออกมา
เบโธเฟนได้รับคำแนะนำจากที่นี่ไม่เหมือนกับความรักโรแมนติกไม่ใช่ระบบความคิดทางศิลปะสำหรับดนตรีใหม่อย่างสมบูรณ์ซึ่งอย่างไรก็ตามสามารถแสดงตัวเองในวรรณคดีล่าสุดได้ เขาอาศัย "ศิษยาภิบาลซิมโฟนี" ในระบบที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่ง (ดังที่เราได้แสดงไว้ข้างต้น) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับจิตสำนึกของนักดนตรีและคนรักดนตรีมานานแล้ว
เป็นผลให้รูปแบบการแสดงออกทางดนตรีใน Pastoral Symphony สำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมดนั้นอยู่ในระดับมากโดยอิงจากคอมเพล็กซ์น้ำเสียงที่เป็นที่ยอมรับ รูปแบบเฉพาะของ Beethovenian ใหม่ที่เกิดขึ้นกับพื้นหลังของพวกเขาไม่ได้ปิดบังพวกเขา มีความรู้สึกว่าในซิมโฟนีที่หก เบโธเฟนจงใจหักเหภาพและรูปแบบการแสดงละครเพลงแห่งการตรัสรู้ผ่านปริซึมของรูปแบบไพเราะใหม่ของเขา
ด้วย orus "om อันเป็นเอกลักษณ์นี้ ทำให้ Beethoven หมดความสนใจในการเขียนโปรแกรมบรรเลงอย่างเหมาะสม ในอีกยี่สิบ (!) ปีข้างหน้า - และประมาณสิบในนั้นตรงกับช่วงปลายของสไตล์ - เขาไม่ได้สร้างงานชิ้นเดียวที่มีหัวข้อที่เป็นรูปธรรมและชัดเจน สมาคมนอกดนตรีในลักษณะ "อภิบาลซิมโฟนี" *
* ในปี ค.ศ. 1809-1810 นั่นคือในช่วงเวลาระหว่าง Appassionata กับโซนาตาช่วงปลายแรกโดยมีการค้นหาเส้นทางใหม่ในด้านดนตรีเปียโนเบโธเฟนเขียนโซนาตาที่ยี่สิบหกซึ่งมีหัวข้อโปรแกรม ("Les Adieux", "L" ไม่มี " , "La Retour") ชื่อเหล่านี้มีผลน้อยมากต่อโครงสร้างของเพลงโดยรวมในเนื้อหาและการพัฒนาของมันโดยบังคับให้จำประเภทของโปรแกรมที่เป็น พบในดนตรีบรรเลงของเยอรมันก่อนการตกผลึกของสไตล์โซนาตา-ซิมโฟนิกคลาสสิก โดยเฉพาะในควอเตตและซิมโฟนียุคแรกๆ ของไฮเดน
เหล่านี้เป็นช่วงเวลาที่สำคัญและเป็นพื้นฐานของความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก แต่เป็นมุมมองเพิ่มเติมของปัญหาที่เกิดขึ้นที่นี่ ให้เราใส่ใจกับความจริงที่ว่านักประพันธ์เพลงของปลายศตวรรษที่ 19 และในปัจจุบันของเรา "ได้ยิน" แง่มุมดังกล่าวของศิลปะของเบโธเฟนซึ่งความโรแมนติกของศตวรรษที่ผ่านมาคือ " หูหนวก".
ดังนั้น การที่เบโธเฟนตอนปลายหันมาใช้โหมดเก่า (op. 132, Solemn Mass) คาดว่าจะไปไกลกว่าระบบโทนเสียงหลัก-รองแบบคลาสสิก ซึ่งเป็นแบบอย่างของดนตรีในยุคของเราโดยทั่วไป แนวโน้มที่มีอยู่ในผลงานโพลีโฟนิกในช่วงปลายปีของเบโธเฟน ในการสร้างภาพโดยไม่ผ่านความสมบูรณ์ของชาติและความงามโดยตรงของศิลปะเฉพาะเรื่อง แต่ผ่านการพัฒนาหลายขั้นตอนที่ซับซ้อนของทั้งหมดตามธีม "นามธรรม" ได้แสดงออกมาในโรงเรียนนักแต่งเพลงหลายแห่งในศตวรรษของเราด้วย โดยเริ่มจาก Reger ความโน้มเอียงไปทางพื้นผิวเชิงเส้น ต่อการพัฒนาโพลีโฟนิกสะท้อนรูปแบบการแสดงออกแบบนีโอคลาสสิกสมัยใหม่ สไตล์สี่ของเบโธเฟนซึ่งไม่พบความต่อเนื่องในหมู่นักประพันธ์เพลงโรแมนติกตะวันตกได้รับการฟื้นฟูในลักษณะที่แปลกประหลาดในสมัยของเราในงานของ Bartok, Hindemith, Shostakovich และในที่สุด หลังจากช่วงครึ่งศตวรรษระหว่างเพลงที่ 9 ของ Beethoven กับการแสดงซิมโฟนีของ Brahms และ Tchaikovsky การแสดงซิมโฟนีเชิงปรัชญาที่ยิ่งใหญ่ "กลับมามีชีวิตอีกครั้ง" ซึ่งเป็นอุดมคติที่ไม่สามารถบรรลุได้สำหรับนักประพันธ์เพลงในช่วงกลางและไตรมาสที่สามของศตวรรษที่ผ่านมา ในงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 20 ในงานไพเราะของ Mahler และ Shostakovich, Stravinsky และ Prokofiev, Rachmaninov และ Honegger มีจิตวิญญาณที่สง่างามความคิดทั่วไปแนวคิดขนาดใหญ่ที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะของเบโธเฟน
ในหนึ่งร้อยหรือหนึ่งร้อยห้าสิบปี นักวิจารณ์ในอนาคตจะสามารถจับภาพแง่มุมต่างๆ ของงานของเบโธเฟนได้อย่างเต็มที่มากขึ้นและประเมินความสัมพันธ์ของเขากับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ ในยุคต่อๆ มา แต่ถึงกระนั้นวันนี้ก็ยังชัดเจนสำหรับเรา: อิทธิพลของเบโธเฟนที่มีต่อดนตรีไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนโรแมนติก เฉกเช่นที่เชคสเปียร์ค้นพบโดยคู่รัก ก้าวข้ามขอบเขตของ "ยุคโรแมนติก" มาจนถึงทุกวันนี้ สร้างแรงบันดาลใจและเติมพลังให้กับการค้นพบเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญในวรรณคดีและละคร ดังนั้นเบโธเฟนซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกยกขึ้นเป็นโล่โดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติกไม่เคยหยุด สร้างความประหลาดใจให้กับคนรุ่นใหม่แต่ละคนด้วยแนวคิดขั้นสูงและการค้นหาความทันสมัย
L. V. Beethoven - นักแต่งเพลงชาวเยอรมันซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (เกิดที่เมืองบอนน์ แต่ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในเวียนนา - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2335)
ความคิดทางดนตรีของเบโธเฟนเป็นการสังเคราะห์ที่ซับซ้อน:
Ø ผลงานสร้างสรรค์ของคลาสสิกเวียนนา (Gluck, Haydn, Mozart);
Ø ศิลปะแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส
Ø ใหม่เกิดขึ้นในยุค 20 ศตวรรษที่ 19 ทิศทางศิลปะ - แนวโรแมนติก
องค์ประกอบของเบโธเฟนแสดงถึงอุดมการณ์ สุนทรียศาสตร์ และศิลปะแห่งการตรัสรู้ สิ่งนี้อธิบายการคิดเชิงตรรกะของผู้แต่งเป็นส่วนใหญ่ ความชัดเจนของรูปแบบ ความรอบคอบของแนวความคิดทางศิลปะทั้งหมด และรายละเอียดส่วนบุคคลของงาน
เป็นที่น่าสังเกตว่าเบโธเฟนแสดงตัวเองอย่างเต็มที่ในแนวเพลงต่างๆ โซนาต้าและซิมโฟนี(ประเภทของลักษณะคลาสสิก) . เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เผยแพร่สิ่งที่เรียกว่า "ความขัดแย้งซิมโฟนี"โดยอาศัยการต่อต้านและการชนกันของภาพดนตรีที่ตัดกันอย่างสดใส ยิ่งความขัดแย้งรุนแรงมากเท่าใด กระบวนการพัฒนาก็ยิ่งซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น ซึ่งสำหรับเบโธเฟนกลายเป็นแรงผลักดันหลัก
แนวคิดและศิลปะของการปฏิวัติฝรั่งเศสได้ทิ้งร่องรอยไว้บนผลงานของเบโธเฟนหลายชิ้น จากโอเปร่าของ Cherubini มีเส้นทางตรงไปยัง Fidelio ของ Beethoven
ในผลงานของนักแต่งเพลง การออกเสียงสูงต่ำและจังหวะการไล่ล่า การหายใจที่ไพเราะและเครื่องมืออันทรงพลังของเพลงสวด การเดินขบวน และโอเปร่าของยุคนี้พบรูปลักษณ์ของพวกเขา พวกเขาเปลี่ยนสไตล์ของเบโธเฟน นั่นคือเหตุผลที่ภาษาดนตรีของนักแต่งเพลงถึงแม้จะเกี่ยวข้องกับศิลปะคลาสสิกของเวียนนา แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างอย่างมากจากภาษานี้ ในงานของเบโธเฟน ตรงกันข้ามกับ Haydn และ Mozart การประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจง รูปแบบจังหวะที่ราบรื่น ห้อง เท็กซ์เจอร์โปร่งใส ความสมดุลและความสมมาตรของธีมดนตรีนั้นหายาก
Beethoven ผู้แต่งเพลงยุคใหม่ ค้นหาน้ำเสียงอื่นๆ เพื่อแสดงความคิดของเขา ทั้งมีพลัง กระสับกระส่าย เฉียบขาด เฉียบแหลม เสียงเพลงของเขามีความอิ่มตัว หนาแน่น และตัดกันอย่างมาก ธีมดนตรีของเขาได้รับความรัดกุมอย่างไม่เคยมีมาก่อน ความเรียบง่ายที่รุนแรง
ผู้ฟังที่กล่าวถึงลัทธิคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 ตกตะลึงและมักเข้าใจผิด ความแข็งแกร่งทางอารมณ์ดนตรีของเบโธเฟน ซึ่งปรากฏอยู่ในละครที่มีพายุรุนแรง หรือในมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ หรือในเนื้อร้องที่ทะลุทะลวง แต่มันเป็นคุณสมบัติที่แม่นยำของศิลปะของเบโธเฟนที่ทำให้นักดนตรีโรแมนติกหลงใหล และแม้ว่าการเชื่อมต่อของเบโธเฟนกับแนวโรแมนติกจะเถียงไม่ได้ แต่งานศิลปะของเขาในโครงร่างหลักไม่ตรงกับเขา มันไม่เข้ากับกรอบของความคลาสสิกทั้งหมด สำหรับเบโธเฟน ก็เหมือนกับคนอื่นๆ เพียงไม่กี่คน ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เป็นรายบุคคลและมีหลายแง่มุม
ธีมของเบโธเฟน:
Ø จุดสนใจของเบโธเฟนคือ ชีวิตของฮีโร่ที่ไหลในการต่อสู้อย่างไม่หยุดยั้งเพื่ออนาคตที่สวยงามที่เป็นสากลความคิดที่กล้าหาญดำเนินไปเหมือนด้ายสีแดงในงานทั้งหมดของเบโธเฟน ฮีโร่ของเบโธเฟนไม่สามารถแยกจากผู้คนได้ ในการรับใช้มนุษยชาติ ในการได้รับอิสรภาพเพื่อสิ่งนั้น เขามองเห็นจุดประสงค์ของชีวิตของเขา แต่หนทางสู่เป้าหมายอยู่ผ่านหนาม การต่อสู้ ความทุกข์ทรมาน บ่อยครั้งที่วีรบุรุษเสียชีวิต แต่ความตายของเขาได้รับชัยชนะที่นำความสุขมาสู่มนุษยชาติที่ได้รับการปลดปล่อย ความดึงดูดของเบโธเฟนต่อภาพลักษณ์ที่กล้าหาญและความคิดในการต่อสู้นั้นเกิดจากคลังสินค้าแห่งบุคลิกภาพของเขาชะตากรรมที่ยากลำบากการต่อสู้กับมันการเอาชนะความยากลำบากอย่างต่อเนื่อง ในทางกลับกัน ผลกระทบต่อโลกทัศน์ของผู้แต่งแนวความคิดเกี่ยวกับการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่
Ø พบภาพสะท้อนที่ร่ำรวยที่สุดในผลงานของเบโธเฟนและ ธีมธรรมชาติ(ซิมโฟนี 6 "อภิบาล", โซนาตาหมายเลข 15 "อภิบาล", โซนาตาหมายเลข 21 "ออโรร่า", ซิมโฟนีหมายเลข 4, ส่วนช้าของโซนาตา, ซิมโฟนี, ควอเตต) การไตร่ตรองอย่างเฉยเมยเป็นสิ่งที่ต่างจากเบโธเฟน: ความสงบและความเงียบของธรรมชาติช่วยให้เข้าใจประเด็นที่น่าตื่นเต้นอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น เพื่อรวบรวมความคิดและความแข็งแกร่งภายในสำหรับการต่อสู้ของชีวิต
Ø เจาะลึกเบโธเฟนและเข้าสู่ ดินแดนแห่งความรู้สึกของมนุษย์แต่การเปิดเผยโลกของชีวิตภายในและอารมณ์ของบุคคล Beethoven ดึงฮีโร่ตัวเดียวกันทั้งหมดซึ่งสามารถควบคุมความรู้สึกที่เป็นธรรมชาติตามความต้องการของเหตุผล
คุณสมบัติหลักของภาษาดนตรี:
Ø เมโลดิก้า . หลักการพื้นฐานของท่วงทำนองของเขาอยู่ในเสียงแตรและการประโคม ในการเปล่งวาทศิลป์และผลัดกันเดินขบวน มักใช้การเคลื่อนไหวตามเสียงของกลุ่มสาม (G.P. "Heroic Symphony"; ธีมสุดท้ายของซิมโฟนีที่ 5, G.P. I ตอนที่ 9 ของซิมโฟนี) caesuras ของ Beethoven เป็นเครื่องหมายวรรคตอนในการพูด เฟอร์มาตาของเบโธเฟนหยุดชะงักหลังจากถามคำถามที่น่าสมเพช ธีมดนตรีของเบโธเฟนมักประกอบด้วยองค์ประกอบที่ตัดกัน โครงสร้างที่ตัดกันของธีมยังพบได้ในรุ่นก่อนของเบโธเฟน (โดยเฉพาะโมสาร์ท) แต่ในเบโธเฟนสิ่งนี้ได้กลายเป็นรูปแบบไปแล้ว ความแตกต่างภายในหัวข้อพัฒนาไปสู่ความขัดแย้งระหว่าง G.P. และ ป. ในรูปแบบโซนาตา ไดนามิกทุกส่วนของโซนาตาอัลเลโกร
Ø จังหวะ. จังหวะของเบโธเฟนเกิดจากแหล่งเดียวกัน จังหวะมีหน้าที่ของความเป็นชาย เจตจำนง กิจกรรม
§ จังหวะการเดินขบวนธรรมดามาก
§ จังหวะการเต้น(ในภาพของความสนุกสนานพื้นบ้าน - ตอนจบของซิมโฟนีที่ 7 ตอนจบของออโรราโซนาตาเมื่อหลังจากความทุกข์ทรมานและการต่อสู้อันยาวนานช่วงเวลาแห่งชัยชนะและความสุขมาถึง
Ø ความสามัคคี. ด้วยความเรียบง่ายของคอร์ดแนวตั้ง (คอร์ดของฟังก์ชั่นหลัก, การใช้เสียงที่ไม่ใช่คอร์ดที่พูดน้อย) - การตีความลำดับฮาร์มอนิกที่มีความเปรียบต่างอย่างมาก (การเชื่อมต่อกับหลักการของบทละครที่ขัดแย้งกัน) การมอดูเลตที่คมชัดและชัดเจนในปุ่มที่อยู่ห่างไกล (ตรงกันข้ามกับการมอดูเลตแบบพลาสติกของโมสาร์ท) ในงานต่อมาของเขา เบโธเฟนคาดการณ์ถึงคุณสมบัติของความกลมกลืนที่โรแมนติก: ผ้าโพลีโฟนิก, เสียงที่ไม่สอดคล้องกันมากมาย, ลำดับฮาร์มอนิกที่สวยงาม
Ø รูปแบบดนตรี ผลงานของเบโธเฟนเป็นสิ่งก่อสร้างที่ยิ่งใหญ่ “นี่คือเช็คสเปียร์ของมวลชน” V. Stasov เขียนเกี่ยวกับเบโธเฟน "โมสาร์ทรับผิดชอบเฉพาะบุคคลเท่านั้น ... เบโธเฟนคิดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และมนุษยชาติทั้งหมด" Beethoven เป็นผู้สร้างรูปแบบ รูปแบบฟรี(ตอนจบของเปียโนโซนาต้าหมายเลข 30 การเปลี่ยนแปลงในธีมโดย Diabelli การเคลื่อนไหวที่ 3 และ 4) ของซิมโฟนีที่ 9) เขาให้เครดิตกับการแนะนำรูปแบบการเปลี่ยนแปลงในรูปแบบขนาดใหญ่
Ø ประเภทดนตรี เบโธเฟนพัฒนาแนวดนตรีที่มีอยู่เกือบทั้งหมด พื้นฐานของงานของเขาคือดนตรีบรรเลง
รายชื่อผลงานของเบโธเฟน:
ดนตรีออร์เคสตรา:
ซิมโฟนี - 9;
Overtures: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 เวอร์ชันสำหรับโอเปร่า "Fidelio";
คอนแชร์โต: เปียโน 5 ตัว ไวโอลิน 1 ตัว ทริปเปิ้ล 1 ตัว สำหรับไวโอลิน เชลโล และเปียโน
เพลงเปียโน:
32 โซนาตา;
22 รอบการแปรผัน (รวมถึงรูปแบบ c-moll 32 รูปแบบ);
Bagatelles (รวมถึง "To Elise")
เพลงประกอบแชมเบอร์:
โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน (รวมถึง "Kreutzer" หมายเลข 9); เชลโลและเปียโน
เครื่องสาย 16 ตัว.
เพลงร้อง:
โอเปร่า "Fidelio";
รวมเพลง วัฏจักร“ To a Distant Beloved” การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน: สก็อต, ไอริช, ฯลฯ ;
2 มวล: C-dur และเคร่งขรึมมวล;
oratorio "พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ"
