ในยุคของแนวโรแมนติก ดนตรีมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งในระบบศิลปะ นี่เป็นเพราะความจำเพาะซึ่งช่วยให้คุณสะท้อนประสบการณ์ทางอารมณ์ได้อย่างเต็มที่ที่สุดด้วยความช่วยเหลือจากคลังแสงทั้งหมดของวิธีการแสดง
ยวนใจในดนตรีปรากฏในศตวรรษที่สิบเก้าในผลงานของ F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. เวเบอร์, จี. รอสซินี. ไม่นาน สไตล์นี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของ F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ
แนวโรแมนติกมีต้นกำเนิดในยุโรปในช่วงต้นศตวรรษที่สิบเก้า มันกลายเป็นการต่อต้านความคลาสสิค แนวจินตนิยมทำให้ผู้ฟังเข้าถึงโลกแห่งตำนาน เพลง และนิทานได้ หลักการสำคัญของทิศทางนี้คือความขัดแย้ง (ความฝันและชีวิตประจำวัน โลกในอุดมคติ และชีวิตประจำวัน) ที่สร้างขึ้นโดยจินตนาการที่สร้างสรรค์ของผู้แต่ง สไตล์นี้เป็นที่นิยมในหมู่คนที่มีความคิดสร้างสรรค์จนถึงวัยสี่สิบของศตวรรษที่ 19
ยวนใจในดนตรีสะท้อนถึงปัญหาของคนสมัยใหม่ ความขัดแย้งของเขากับโลกภายนอก และความเหงาของเขา ธีมเหล่านี้กลายเป็นหัวใจสำคัญของงานของผู้แต่ง การมีพรสวรรค์ไม่เหมือนคนอื่น บุคคลมักจะรู้สึกว่าคนอื่นเข้าใจผิดอยู่เสมอ ความสามารถของเขาและกลายเป็นสาเหตุของความเหงา นั่นคือเหตุผลที่วีรบุรุษที่ชื่นชอบของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกคือกวี นักดนตรี และศิลปิน (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz เป็นคำบรรยาย "ตอนจากชีวิตของศิลปิน" ถึง "Fantastic Symphony" เป็นต้น) .
การถ่ายทอดโลกของประสบการณ์ภายในของบุคคล ความโรแมนติกในดนตรีมักจะมีอัตชีวประวัติ ความจริงใจ และเนื้อร้อง ธีมของความรักและความหลงใหลถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลงชื่อดัง R. Schumann ได้อุทิศเปียโนหลายชิ้นให้กับ Clara Wieck อันเป็นที่รักของเขา
แก่นเรื่องของธรรมชาติก็เป็นเรื่องธรรมดาในงานโรแมนติก นักแต่งเพลงมักจะต่อต้านสภาพจิตใจของบุคคลโดยแต่งแต้มด้วยความไม่ลงรอยกัน
ธีมแฟนตาซีกลายเป็นการค้นพบความโรแมนติกอย่างแท้จริง พวกเขากำลังทำงานอย่างแข็งขันในการสร้างฮีโร่ในเทพนิยายและถ่ายโอนภาพของพวกเขาผ่านองค์ประกอบต่าง ๆ ของภาษาดนตรี ( "Magic Flute" ของ Mozart - Queen of the Night)
บ่อยครั้งที่แนวโรแมนติกในดนตรีหมายถึงศิลปะพื้นบ้าน นักแต่งเพลงในงานของพวกเขาใช้องค์ประกอบคติชนที่หลากหลาย (จังหวะ, น้ำเสียง, โหมดเก่า) ที่นำมาจากเพลงและเพลงบัลลาด สิ่งนี้ช่วยให้คุณเพิ่มคุณค่าให้กับเนื้อหาของละครเพลงได้อย่างมาก
การใช้รูปภาพและธีมใหม่ทำให้จำเป็นต้องค้นหารูปแบบที่เหมาะสม ดังนั้นเสียงสูงต่ำของคำพูด โทนธรรมชาติ การตรงกันข้ามของคีย์ต่างๆ ท่อนโซโล (เสียง) ปรากฏในผลงานโรแมนติก
ยวนใจในดนตรีเป็นตัวเป็นตนแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะ ตัวอย่างนี้เป็นผลงานทางโปรแกรมของ Schumann, Berlioz, Liszt และนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ (ซิมโฟนี "Harold in Italy", บทกวี "Preludes", วัฏจักร "Years of Wanderings" เป็นต้น)
ความโรแมนติกของรัสเซียสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky และคนอื่นๆ
ในผลงานของเขา A. Dargomyzhsky ถ่ายทอดภาพทางจิตวิทยาหลายแง่มุม (“Mermaid”, Romances) ในโอเปร่า Ivan Susanin M. Glinka วาดภาพชีวิตของคนรัสเซียทั่วไป ถูกต้องงานของนักแต่งเพลงของ "Mighty Handful" ที่มีชื่อเสียงถือเป็นจุดสุดยอด พวกเขาใช้สื่อความหมายและน้ำเสียงที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งมีอยู่ในเพลงพื้นบ้านรัสเซีย ดนตรีประจำวัน และการพูดภาษาพูด
ต่อจากนั้น สไตล์นี้ยังถูกใช้โดย A. Scriabin (บทนำ "Dreams", บทกวี "To the Flame") และ S. Rachmaninov (ภาพสเก็ตช์, โอเปร่า "Aleko", the cantata "Spring")
แนวโรแมนติกในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดคือปรากฏการณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตก เพลงรัสเซียในศตวรรษที่ 19 จาก Glinka ถึง Tchaikovsky คุณสมบัติของความคลาสสิคถูกรวมเข้ากับคุณสมบัติของแนวโรแมนติกองค์ประกอบชั้นนำคือหลักการระดับชาติที่สดใสและเป็นต้นฉบับ
เวลา (1812 การจลาจล Decembrist ปฏิกิริยาที่ตามมา) ทิ้งร่องรอยไว้ในเพลง ไม่ว่าจะเป็นแนวโรแมนติก โอเปร่า บัลเลต์ แชมเบอร์มิวสิค ทุกที่ที่นักแต่งเพลงชาวรัสเซียพูดคำใหม่ของพวกเขา
ต้นศตวรรษที่ 19 - นี่คือปีแห่งการออกดอกครั้งแรกและสดใสของแนวโรแมนติก เนื้อเพลงที่จริงใจเจียมเนื้อเจียมตัวยังคงฟังและทำให้ผู้ฟังพอใจ Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851)เขาเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ให้กับบทกวีของกวีหลายคน แต่อมตะคือ "นกไนติงเกล"ถึงโองการของ Delvig "ถนนฤดูหนาว", "ฉันรักเธอ"เกี่ยวกับบทกวีของพุชกิน
อเล็กซานเดอร์ เอโกโรวิช วาร์ลามอฟ (1801-1848)เขียนเพลงสำหรับการแสดงละคร แต่เรารู้จักเขามากขึ้นจากเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่มีชื่อเสียง "ชุดสีแดง", "อย่าปลุกฉันตอนเช้า", "เรือใบเดียวกลายเป็นสีขาว"
อเล็กซานเดอร์ ลโววิช กูริเลฟ (1803-1858)- นักแต่งเพลง นักเปียโน นักไวโอลิน และครู เขาเป็นเจ้าของความรักเช่น “เสียงระฆังดังซ้ำซากจำเจ”, “ในยามรุ่งอรุณของเยาวชนที่มีหมอกหนา”และอื่น ๆ.
สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดที่นี่ถูกครอบครองโดยความรักของ Glinka ยังไม่มีใครประสบความสำเร็จในการผสมผสานดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติกับบทกวีของ Pushkin, Zhukovsky
มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (1804-1857)- ร่วมสมัยของ Pushkin ซึ่งเป็นวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซียกลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิก งานของเขาเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียและโลก มันผสมผสานความร่ำรวยของดนตรีพื้นบ้านและความสำเร็จสูงสุดของทักษะของนักแต่งเพลงอย่างกลมกลืน ผลงานพื้นบ้านที่สมจริงของ Glinka สะท้อนให้เห็นถึงความรุ่งเรืองของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสงครามผู้รักชาติในปี 1812 และขบวนการ Decembrist แสง ตัวละครที่ยืนยันชีวิต ความกลมกลืนของรูปแบบ ความงามของท่วงทำนองที่ไพเราะและไพเราะ ความหลากหลาย ความสดใส และความกลมกลืนเป็นคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดของดนตรีของ Glinka ในโอเปร่าที่มีชื่อเสียง "อีวาน ซูซานนิน"(1836) ได้รับการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมของแนวคิดเรื่องความรักชาติที่เป็นที่นิยม ความยิ่งใหญ่ทางศีลธรรมของคนรัสเซียยังได้รับการยกย่องในละครเทพนิยาย " รุสลันและลุดมิลา”. วงออเคสตรางานโดย Glinka: “Fantasy Waltz”, “กลางคืนในมาดริด”และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "คามารินสกายา"เป็นพื้นฐานของซิมโฟนิซึมคลาสสิกของรัสเซีย โดดเด่นในแง่ของพลังการแสดงละครและความสดใสของลักษณะดนตรีสำหรับโศกนาฏกรรม "เจ้าชายโคล์มสกี้"เนื้อเพลงของ Glinka (โรแมนติก “ฉันจำช่วงเวลาที่วิเศษได้”, “สงสัย”) เป็นศูนย์รวมของบทกวีรัสเซียในด้านดนตรีที่ไม่มีใครเทียบได้
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX กำเนิดโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ XIX ถูกครอบงำด้วยแนวโรแมนติกที่แสดงออกในผลงานของ A.N. Verstovsky ผู้ซึ่งใช้วิชาประวัติศาสตร์ในงานของเขา ผู้ก่อตั้งโรงเรียนดนตรีรัสเซียคือ M.I. Glinka ผู้สร้างแนวดนตรีหลัก: โอเปร่า ("Ivan Susanin", "Ruslan and Lyudmila"), ซิมโฟนี, ความรัก, ผู้ซึ่งใช้ลวดลายคติชนวิทยาในงานของเขา ผู้ริเริ่มในสาขาดนตรีคือ A.S. Dargomyzhsky ผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "The Triumph of Bacchus" และผู้สร้างการบรรยายในโอเปร่า เพลงของเขาเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับผลงานของนักแต่งเพลง "Mighty Handful" - M.P. Mussorgsky, แมสซาชูเซตส์ Balakireva, N.A. ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ, A.P. บรมดินทร. Cui ผู้ซึ่งพยายามรวบรวมผลงาน "ชีวิตไม่ว่าจะได้รับผลกระทบ" โดยหันไปใช้โครงเรื่องทางประวัติศาสตร์และลวดลายคติชนวิทยาอย่างแข็งขัน งานของพวกเขาสร้างประเภทของละครเพลง "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" โดย Mussorgsky, "Prince Igor" โดย Borodin, "The Snow Maiden" และ "The Tsar's Bride" โดย Rimsky-Korsakov เป็นความภาคภูมิใจของศิลปะรัสเซียและโลก
สถานที่พิเศษในดนตรีรัสเซียถูกครอบครองโดย P.I. ไชคอฟสกีซึ่งรวมเอาละครภายในและความสนใจในโลกภายในของบุคคลในผลงานของเขาซึ่งเป็นลักษณะของวรรณคดีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ซึ่งนักแต่งเพลงมักจะหันมา (โอเปร่า Eugene Onegin, Queen of Spades, Mazepa)
ด้วยลัทธิแห่งเหตุผลของเขา เกิดขึ้นได้จากหลายสาเหตุ ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา - ความผิดหวังในผลการปฏิวัติฝรั่งเศสที่ไม่ได้พิสูจน์ความหวังที่วางไว้
เพื่อความโรแมนติก โลกทัศน์โดดเด่นด้วยความขัดแย้งที่คมชัดระหว่างความเป็นจริงและความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำและไร้จิตวิญญาณ เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสติน ลัทธิฟิลิสเตีย และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันเป็นสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจได้ในจิตใจ
ยวนใจเปรียบเทียบร้อยแก้วของชีวิตกับดินแดนที่สวยงามของจิตวิญญาณ "ชีวิตของหัวใจ" โรแมนติกเชื่อว่าความรู้สึกเป็นชั้นลึกของจิตวิญญาณมากกว่าจิตใจ ตามวากเนอร์, "ศิลปินหันมาใช้ความรู้สึก ไม่ใช่เหตุผล"ชูมานน์ กล่าวว่า: "จิตจะผิดพลาด ประสาทสัมผัสไม่เคย"ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีได้รับการประกาศให้เป็นรูปแบบของศิลปะในอุดมคติ ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของดนตรี จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด อย่างแน่นอน ดนตรีในยุคโรแมนติกเป็นผู้นำในระบบศิลปะ.
หากในวรรณคดีและการวาดภาพทิศทางที่โรแมนติกโดยทั่วไปเสร็จสิ้นการพัฒนาภายในกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปจะยาวนานกว่ามาก แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นกระแสที่เกิดขึ้นในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 และพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มต่างๆ ในวรรณคดี ภาพวาด และโรงละคร ขั้นตอนแรกของแนวโรแมนติกทางดนตรีแสดงโดยงานของ E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; ขั้นตอนต่อไป (1830-50) - ความคิดสร้างสรรค์,. ยุคปลายของแนวจินตนิยมขยายไปถึงปลายศตวรรษที่ 19
เป็นปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติกที่หยิบยกมา ปัญหาบุคลิกภาพและในมุมมองใหม่ - ในความขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่ที่โรแมนติกมักจะอยู่คนเดียว ธีมของความเหงาอาจเป็นที่นิยมมากที่สุดในศิลปะโรแมนติกทั้งหมดบ่อยครั้งที่ความคิดของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์มีความเกี่ยวข้อง: บุคคลนั้นเหงาเมื่อเขาเป็นคนที่โดดเด่นและมีพรสวรรค์ ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นตัวละครที่ชื่นชอบในผลงานแนวโรแมนติก ("The Poet's Love" โดย Schumann พร้อมคำบรรยาย "ตอนจากชีวิตของศิลปิน" บทกวีไพเราะ "Tasso") ของ Liszt
ความสนใจอย่างลึกซึ้งในบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มีอยู่ในดนตรีโรแมนติกนั้นแสดงออกถึงความโดดเด่นของ น้ำเสียงส่วนตัว. การเปิดเผยละครส่วนตัวมักมาจากความโรแมนติก คำใบ้ของอัตชีวประวัติที่นำความจริงใจมาสู่ดนตรีเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่น หลายคนเชื่อมโยงกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck วากเนอร์เน้นย้ำลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างมาก
การเอาใจใส่ความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงประเภท - ที่โดดเด่น ตำแหน่งได้มาเนื้อเพลงที่ภาพแห่งความรักครอบงำ
มักเกี่ยวพันกับหัวข้อ "คำสารภาพแบบโคลงสั้น ๆ" ธีมธรรมชาติ. สอดคล้องกับสภาพจิตใจของบุคคล มักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกัน การพัฒนาแนวเพลงและการแสดงซิมโฟนีแบบโคลงสั้น ๆ ในมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (ผลงานชิ้นแรกคือซิมโฟนี "ยอดเยี่ยม" ของชูเบิร์ตใน C-dur
การค้นพบนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่แท้จริงคือ ธีมแฟนตาซีดนตรีเป็นครั้งแรกที่เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ด้วยวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 - 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น ราชินีแห่งราตรี) พูดภาษาดนตรีที่ "เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป" ซึ่งโดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากคนจริงๆ นักประพันธ์เพลงโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแห่งจินตนาการว่าเป็นสิ่งที่จำเพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีสันที่กลมกลืนกัน) ตัวอย่างที่น่าสังเกตคือ "ฉากวูล์ฟกัลช์" ใน The Magic Shooter
ลักษณะเด่นของดนตรีแนวโรแมนติกคือความสนใจใน ศิลปะพื้นบ้าน. เช่นเดียวกับกวีโรแมนติกที่เสริมแต่งและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมด้วยค่าใช้จ่ายของคติชนวิทยา นักดนตรีหันมาใช้นิทานพื้นบ้านอย่างกว้างขวาง เช่น เพลงพื้นบ้าน เพลงบัลลาด มหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin และอื่นๆ) รวบรวมภาพของวรรณกรรมแห่งชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมือง พวกเขาอาศัยน้ำเสียงและจังหวะของนิทานพื้นบ้านแห่งชาติ ฟื้นฟูโหมดไดอาโทนิกแบบเก่า ภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของเพลงยุโรปเปลี่ยนไปอย่างมาก.
ธีมและรูปภาพใหม่ๆ จำเป็นต้องมีการพัฒนาความโรแมนติก วิธีใหม่ของภาษาดนตรีและหลักการสร้างรูปทรง การทำให้เมโลดี้เป็นรายบุคคล และการนำเสียงสูงต่ำของคำพูด การขยายเสียงต่ำและจานสีฮาร์โมนิกของดนตรี ( เฟรตธรรมชาติ,การวางเคียงกันที่มีสีสันของวิชาเอกและวิชารอง ฯลฯ)
เนื่องจากจุดเน้นของความโรแมนติกไม่ใช่ความเป็นมนุษย์โดยรวมอีกต่อไป แต่เป็นบุคคลที่มีความรู้สึกเฉพาะตัวตามลำดับ และในวิธีการแสดงออก นายพลกำลังเปิดทางให้กับปัจเจกบุคคลมากขึ้นเรื่อยๆ มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวสัดส่วนของโทนเสียงทั่วไปในเมโลดี้ คอร์ดที่ใช้กันทั่วไปในการประสานกัน และรูปแบบทั่วไปในเท็กซ์เจอร์กำลังลดลง - วิธีการทั้งหมดนี้ได้รับการปรับแต่งให้เป็นรายบุคคล ในการประสานเสียง หลักการของกลุ่มวงดนตรีทำให้การโซโลเสียงของวงออเคสตราเกือบทั้งหมด
จุดที่สำคัญที่สุด สุนทรียศาสตร์ความโรแมนติกทางดนตรีคือ แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในและใน โปรแกรมเพลงแบร์ลิออซ, ชูมานน์, ลิซท์.
โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเฉพาะด้วยความขัดแย้งที่คมชัดระหว่างความเป็นจริงกับความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้วิญญาณ เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสติน ลัทธิฟิลิสเตีย และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันเป็นสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจได้ในจิตใจ
ยวนใจเปรียบเทียบร้อยแก้วของชีวิตกับดินแดนที่สวยงามของจิตวิญญาณ "ชีวิตของหัวใจ" โรแมนติกเชื่อว่าความรู้สึกเป็นชั้นลึกของจิตวิญญาณมากกว่าจิตใจ วากเนอร์กล่าวว่า "ศิลปินดึงดูดความรู้สึก ไม่ใช่เหตุผล" และชูมันน์กล่าวว่า: "จิตใจผิดความรู้สึก - ไม่เคย" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีได้รับการประกาศให้เป็นรูปแบบของศิลปะในอุดมคติ ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของดนตรี จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด มันเป็นดนตรีในยุคของแนวโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ
หากในวรรณคดีและการวาดภาพทิศทางที่โรแมนติกโดยทั่วไปเสร็จสิ้นการพัฒนาภายในกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปจะยาวนานกว่ามาก แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นกระแสที่เกิดขึ้นในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 และพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มต่างๆ ในวรรณคดี ภาพวาด และโรงละคร ระยะเริ่มต้นของแนวโรแมนติกทางดนตรีแสดงโดยผลงานของ F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; ระยะต่อมา (1830-50) - ผลงานของ F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi
ยุคปลายของแนวจินตนิยมขยายไปถึงปลายศตวรรษที่ 19
ปัญหาบุคลิกภาพถูกหยิบยกขึ้นมาเป็นปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติก และในมุมมองใหม่ - ซึ่งขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่ที่โรแมนติกมักจะอยู่คนเดียว ธีมของความเหงาอาจเป็นที่นิยมมากที่สุดในศิลปะโรแมนติกทั้งหมด บ่อยครั้งที่ความคิดของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์มีความเกี่ยวข้อง: บุคคลนั้นเหงาเมื่อเขาเป็นคนที่โดดเด่นและมีพรสวรรค์ ศิลปิน, กวี, นักดนตรีเป็นตัวละครที่ชื่นชอบในผลงานแนวโรแมนติก (ความรักของกวีของ Schumann, Fantastic Symphony ของ Berlioz พร้อมคำบรรยาย - "ตอนจากชีวิตของศิลปิน", บทกวีไพเราะของ Liszt "Tasso")
ความสนใจอย่างลึกซึ้งในบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มีอยู่ในดนตรีโรแมนติกนั้นแสดงออกถึงความโดดเด่นของโทนเสียงส่วนตัวในนั้น การเปิดเผยของละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจเป็นพิเศษมาสู่ดนตรี ตัวอย่างเช่น งานเปียโนของ Schumann หลายชิ้นเกี่ยวข้องกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck วากเนอร์เน้นย้ำลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างมาก
การเอาใจใส่ต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือกว่า
แก่นของธรรมชาติมักจะเกี่ยวพันกับหัวข้อของ สอดคล้องกับสภาพจิตใจของบุคคล มักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกัน การพัฒนาแนวเพลงและการแสดงซิมโฟนีแบบโคลงสั้น ๆ ในมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (ผลงานชิ้นแรกคือซิมโฟนี "ยอดเยี่ยม" ของชูเบิร์ตใน C-dur
การค้นพบนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่แท้จริงคือธีมของแฟนตาซี ดนตรีเป็นครั้งแรกที่เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ด้วยวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 และ 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น Queen of the Night จาก "Magic Flute") ของ Mozart พูดภาษาดนตรีที่ "ยอมรับกันทั่วไป" ซึ่งโดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริงๆ นักประพันธ์เพลงโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแห่งจินตนาการว่าเป็นสิ่งที่จำเพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีสันที่กลมกลืนกัน)
ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเด่นของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวีโรแมนติกที่เสริมแต่งและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมด้วยค่าใช้จ่ายของคติชนวิทยา นักดนตรีหันมาใช้นิทานพื้นบ้านอย่างกว้างขวาง ไม่ว่าจะเป็นเพลงพื้นบ้าน เพลงบัลลาด มหากาพย์ ภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของเพลงยุโรปได้เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก
ช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในสุนทรียศาสตร์ของดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ Wagner และในรายการเพลงของ Berlioz, Schumann และ Liszt
เฮคเตอร์ เบอร์ลิออซ. "ซิมโฟนีมหัศจรรย์" - 1. ความฝัน ความหลงใหล...
Robert Schumann - "ในรัศมี ... ", "ฉันพบกับสายตา .."
จากวงจรเสียง "กวีรัก"
Robert Schumann Heinrich Heine "ในแสงแดดอันอบอุ่นในเดือนพฤษภาคม"
Robert Schumann - Heinrich "ฉันสบตาคุณ"
โรเบิร์ต ชูมานน์. "ละครยอดเยี่ยม".
Schumann Fantasiestucke, ผอ. 12 ตอนที่ 1: ไม่ใช่ 1 Des Abend และหมายเลข 2 เอาชวุง
แผ่น. บทกวีไพเราะ "ออร์ฟัส"
Frederic Chopin - Prelude No. 4 ใน E minor
Frederic Chopin - Nocturne No 20 ใน C - ผู้เยาว์ที่คมชัด
ชูเบิร์ตเปิดทางให้กับแนวเพลงใหม่ๆ มากมาย - อย่างกะทันหัน ช่วงเวลาทางดนตรี รอบเพลง ซิมโฟนีเนื้อร้องและละคร แต่ในประเภทใดก็ตามที่ชูเบิร์ตเขียน - ในแบบดั้งเดิมหรือโดยเขา - ทุกที่ที่เขาปรากฏเป็นนักแต่งเพลงของยุคใหม่ ยุคของแนวโรแมนติก
คุณลักษณะหลายอย่างของรูปแบบโรแมนติกใหม่ได้รับการพัฒนาในผลงานของ Schumann, Chopin, Liszt และนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
ฟรานซ์ ชูเบิร์ต. ซิมโฟนี ซีเมเจอร์
ฟรานซ์ ลิสท์ “ความฝันของความรัก”
เวเบอร์. นักร้องประสานเสียงของนักล่าจากโอเปร่า "Free Shooter"
ฟรานซ์ ชูเบิร์ต. กะทันหัน #3
ข้อความถูกรวบรวมจากเว็บไซต์ต่างๆ รวบรวมโดย:ไนเนล นิค
สามขั้นตอนหลักของแนวโรแมนติกทางดนตรีของยุโรปในศตวรรษที่ 19 - ต้นผู้ใหญ่และปลาย - สอดคล้องกับขั้นตอนของการพัฒนาดนตรีโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมัน แต่การกำหนดช่วงเวลานี้จะต้องถูกทำให้รัดกุมและขัดเกลาเล็กน้อยโดยสัมพันธ์กับเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในศิลปะดนตรีของแต่ละประเทศ
ช่วงเริ่มต้นของแนวโรแมนติกทางดนตรีของเยอรมัน-ออสเตรียเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1910 และ 20 ซึ่งสอดคล้องกับจุดสุดยอดของการต่อสู้กับการปกครองของนโปเลียนและปฏิกิริยาทางการเมืองที่มืดมนที่ตามมา จุดเริ่มต้นของเวทีนี้โดดเด่นด้วยปรากฏการณ์ทางดนตรีเช่นโอเปร่า Undine โดย Hoffmann (1913), Silvana (1810), Abu Gasan (1811) และรายการเปียโนชิ้น Invitation to the Dance (1815) โดย Weber ซึ่งเป็นต้นฉบับอย่างแท้จริงเป็นครั้งแรก เพลงของชูเบิร์ต - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) และ "Forest Tsar" (1815) ในช่วงปี ค.ศ. 1920 ความโรแมนติกในยุคแรกเริ่มเฟื่องฟูเมื่ออัจฉริยะของชูเบิร์ตที่สูญพันธุ์ไปก่อนหน้านี้ได้แสดงออกมาอย่างเต็มกำลังเมื่อ The Magic Shooter, Euryata และ Oberon ปรากฏตัว - โอเปร่าที่สมบูรณ์แบบที่สุดสามรายการสุดท้ายโดย Beber ในปีที่เสียชีวิต (1820) ขอบฟ้าแห่งดนตรี "แสง" ใหม่กะพริบ - Mendelssohn - Bartholdy ผู้แสดงด้วยการแสดงคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม - A Midsummer Night's Dream
เวทีกลางส่วนใหญ่อยู่ในยุค 30-40 ขอบเขตของมันถูกกำหนดโดยการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมในฝรั่งเศสซึ่งมีผลกระทบอย่างมากต่อแวดวงขั้นสูงของออสเตรียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเยอรมนีและการปฏิวัติของ 1848-1949 ซึ่งกวาดไปทั่ว ดินแดนเยอรมัน-ออสเตรีย ในช่วงเวลานี้ ผลงานของ Mendelssohn (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1147) และ Schumann เฟื่องฟูในเยอรมนี ซึ่งกิจกรรมการแต่งเพลงได้ผ่านพ้นขอบเขตที่ระบุไว้เพียงไม่กี่ปี ประเพณีของเวเบอร์ดำเนินไปในโอเปร่าของเขาโดย Marschner (โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา Taps Gales:r เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2376); ในช่วงเวลานี้ แว็กเนอร์เปลี่ยนจากนักแต่งเพลงมือใหม่มาเป็นผู้สร้างผลงานที่โดดเด่นเช่น Tannhäuser (1815) และ Lohengrin (1848); อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์หลักของ Wagner ยังมาไม่ถึง ในประเทศออสเตรีย ณ เวลานี้มีเพลงกล่อมเด็กในวงการเพลงที่จริงจัง แต่ผู้สร้างเพลงแดนซ์ประจำวัน Josef Liner และพ่อของ Johann Strauss กำลังได้รับชื่อเสียง
ช่วงปลายยุคหลังปฏิวัติ ยุคโรแมนติก ยาวนานหลายทศวรรษ (ตั้งแต่ต้นทศวรรษ 50 ถึงกลางทศวรรษ 90) มีความเกี่ยวข้องกับสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองที่ตึงเครียด (การแข่งขันระหว่างออสเตรียและปรัสเซียในการรวมเยอรมันเข้าด้วยกัน การเกิดขึ้นของเยอรมนีที่รวมเป็นหนึ่งภายใต้การปกครองของปรัสเซียทางทหารและการแยกตัวทางการเมืองครั้งสุดท้ายของออสเตรีย) ในเวลานี้ ปัญหาของศิลปะดนตรีเดี่ยวของเยอรมันทั้งหมดนั้นรุนแรง ความขัดแย้งระหว่างกลุ่มสร้างสรรค์ต่างๆ และนักประพันธ์เพลงแต่ละคนถูกเปิดเผยอย่างชัดเจนยิ่งขึ้น การต่อสู้เพื่อทิศทางก็เกิดขึ้น บางครั้งสะท้อนให้เห็นในการอภิปรายอย่างดุเดือดบนหน้าหนังสือพิมพ์ . ความพยายามที่จะรวมพลังทางดนตรีที่ก้าวหน้าของประเทศเกิดขึ้นโดย Liszt ซึ่งย้ายมาอยู่ที่เยอรมนี แต่หลักการสร้างสรรค์ของเขาซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวคิดของนวัตกรรมที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงจากซอฟต์แวร์นั้นไม่ได้ถูกแบ่งปันโดยนักดนตรีชาวเยอรมันทุกคน วากเนอร์ยึดตำแหน่งพิเศษ ซึ่งทำให้บทบาทของละครเพลงเป็น "ศิลปะแห่งอนาคต" โดยสิ้นเชิง ในเวลาเดียวกัน Brahms ผู้ซึ่งพยายามพิสูจน์ในงานของเขาถึงความสำคัญที่ยั่งยืนของประเพณีดนตรีคลาสสิกมากมายร่วมกับโลกทัศน์ใหม่ที่โรแมนติก กลายเป็นหัวหน้าของแนวโน้มการต่อต้านรายการและต่อต้านวากเนอร์ในกรุงเวียนนา ปี พ.ศ. 2419 มีความสำคัญในแง่นี้: ในไบรอยท์ Der Ring des Nibelungen ของ Wagner ออกฉายรอบปฐมทัศน์ และเวียนนาก็คุ้นเคยกับซิมโฟนีชุดแรกของบราห์มส์ ซึ่งเป็นการเปิดช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดของงานของเขา
ความซับซ้อนของสถานการณ์ดนตรีและประวัติศาสตร์ของปีเหล่านี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการปรากฏตัวของทิศทางต่างๆ ด้วยแหล่งเพาะพันธุ์ของพวกเขา - ไลพ์ซิก, ไวมาร์, ไบรอยท์ เวียนนา. ตัวอย่างเช่น ในกรุงเวียนนา ศิลปินที่แตกต่างจากกันในขณะที่ Bruckner และ Wolf กำลังสร้างขึ้น รวมกันเป็นหนึ่งด้วยทัศนคติที่กระตือรือร้นต่อ Wagner แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ยอมรับหลักการละครเพลงของเขา
ในกรุงเวียนนา ลูกชายของโยฮันน์ สเตราส์ ผู้นำทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษสร้าง "(วากเนอร์) เพลงวอลทซ์อันแสนวิเศษของเขาและละครโอเปร่าในเวลาต่อมา ทำให้เวียนนาเป็นศูนย์กลางหลักด้านความบันเทิงทางดนตรี
ทศวรรษหลังการปฏิวัติยังคงมีปรากฏการณ์ที่โดดเด่นบางอย่างของแนวโรแมนติกทางดนตรี สัญญาณของวิกฤตภายในของแนวโน้มนี้กำลังทำให้ตัวเองรู้สึกอยู่แล้ว ดังนั้นความโรแมนติกใน Brahms จึงถูกสังเคราะห์ด้วยหลักการของความคลาสสิค และ Hugo Wolf ก็ค่อยๆ ตระหนักว่าตัวเองเป็นนักแต่งเพลงที่ต่อต้านความโรแมนติก กล่าวโดยย่อ หลักการโรแมนติกสูญเสียความสำคัญที่เด่น บางครั้งก็รวมกับแนวโน้มใหม่หรือแนวคลาสสิกที่ฟื้นคืนชีพ
อย่างไรก็ตาม แม้หลังจากช่วงกลางทศวรรษ 1980 เมื่อความโรแมนติกเริ่มที่จะยืนยาวได้อย่างชัดเจน ความคิดสร้างสรรค์โรแมนติกที่เปล่งประกายเจิดจ้าของแต่ละคนยังคงปรากฏอยู่ในออสเตรียและเยอรมนี: การประพันธ์เปียโนครั้งสุดท้ายของ Brahms และการแสดงซิมโฟนีตอนปลายของ Bruckner เต็มไปด้วยความโรแมนติก นักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ได้แก่ มาห์เลอร์ชาวออสเตรียและริชาร์ด สเตราส์ชาวเยอรมัน ในผลงานของทศวรรษ 1980 และ 1990 บางครั้งก็แสดงออกถึงความโรแมนติกตามแบบฉบับ โดยทั่วไป คีตกวีเหล่านี้กลายเป็นตัวเชื่อมระหว่างศตวรรษที่ "โรแมนติก" ที่สิบเก้ากับ "ต่อต้านโรแมนติก" ที่ยี่สิบ)
"ความใกล้ชิดของวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียและเยอรมนีอันเนื่องมาจากประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ไม่ได้ยกเว้นความแตกต่างระดับชาติที่รู้จักกันดี ในรูปแบบที่กระจัดกระจาย แต่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวในแง่ขององค์ประกอบระดับชาติของเยอรมนีและในความเป็นเอกภาพทางการเมือง แต่จักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ ("ราชาธิปไตย") แหล่งที่มาที่หล่อเลี้ยงความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและงานที่นักดนตรีเผชิญอยู่บางครั้งก็แตกต่างกัน ดังนั้นในเยอรมนีย้อนหลัง การเอาชนะความซบเซาของชนชั้นนายทุนน้อย ลัทธิจังหวัดที่แคบจึงเป็นภารกิจเร่งด่วนโดยเฉพาะ ซึ่งใน เลี้ยวต้องการกิจกรรมการศึกษาในรูปแบบต่าง ๆ ในส่วนของตัวแทนศิลปะก้าวหน้า เงื่อนไข นักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่โดดเด่นไม่สามารถ จำกัด ตัวเองให้แต่งเพลงได้ โอ้ประเทศ: เวเบอร์ - ในฐานะผู้ควบคุมโอเปร่าและนักวิจารณ์ดนตรี Mendelssohn - ในฐานะผู้ควบคุมวงดนตรีและอาจารย์ใหญ่ผู้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนี Schumann ในฐานะนักวิจารณ์เพลงที่เป็นนวัตกรรมและเป็นผู้สร้างนิตยสารเพลงรูปแบบใหม่ ต่อมา กิจกรรมดนตรีและสังคมของ Wagner ซึ่งหาได้ยากในความเก่งกาจของพวกเขา ถูกเปิดเผยในฐานะผู้ควบคุมโรงละครและซิมโฟนี นักวิจารณ์ สุนทรียศาสตร์ นักปฏิรูปโอเปร่า ผู้สร้างโรงละครแห่งใหม่ในไบรอยท์
ในออสเตรีย ด้วยการรวมศูนย์ทางการเมืองและวัฒนธรรม (อำนาจของกรมเวียนนาในฐานะศูนย์กลางทางการเมืองและวัฒนธรรม) ด้วยภาพลวงตาของปิตาธิปไตย ความเจริญรุ่งเรืองในจินตนาการ และการครอบงำที่แท้จริงของปฏิกิริยาที่โหดร้ายที่สุด กิจกรรมสาธารณะที่แพร่หลายจึงเป็นไปไม่ได้1 ในเรื่องนี้ ความขัดแย้งระหว่างสิ่งที่น่าสมเพชของพลเมืองในงานของเบโธเฟนกับความเฉยเมยทางสังคมที่ถูกบังคับของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ไม่สามารถดึงดูดความสนใจได้ เราจะพูดอะไรเกี่ยวกับชูเบิร์ตซึ่งก่อตั้งขึ้นในฐานะศิลปินในยุคหลังรัฐสภาเวียนนาในปี ค.ศ. 1814-1815! วงกลมชูเบิร์ตที่มีชื่อเสียงเป็นรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้ในการรวมตัวแทนชั้นนำของปัญญาชนทางศิลปะ แต่วงกลมดังกล่าวในเวียนนาของ Metternich ไม่สามารถมีเสียงสะท้อนจากสาธารณชนได้อย่างแท้จริง กล่าวอีกนัยหนึ่งในออสเตรียนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกือบจะเป็นผู้สร้างผลงานดนตรีเท่านั้น: พวกเขาไม่สามารถแสดงออกในด้านดนตรีและกิจกรรมทางสังคมได้ สิ่งนี้ใช้กับชูเบิร์ตและบรัคเนอร์และกับลูกชายของโยฮันน์สเตราส์และกับคนอื่น ๆ
อย่างไรก็ตาม ในวัฒนธรรมออสเตรีย เราควรสังเกตปัจจัยลักษณะเฉพาะดังกล่าวที่มีอิทธิพลในทางบวกต่อศิลปะดนตรี โดยให้รสชาติแบบ "เวียนนา" ของออสเตรียโดยเฉพาะ การผสมผสานอย่างลงตัวของวัฒนธรรมเยอรมัน ฮังการี อิตาลี และสลาฟ ผสมผสานกันอย่างลงตัวในกรุงเวียนนา การผสมผสานอย่างลงตัวของวัฒนธรรมเยอรมัน ฮังการี อิตาลี และสลาฟ ทำให้เกิดดินดนตรีอันอุดมสมบูรณ์ ซึ่งเป็นผลงานของชูเบิร์ตที่เน้นความเป็นประชาธิปไตย โยฮันน์ สเตราส์ และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ มากมายเติบโตขึ้น การรวมกันของลักษณะประจำชาติของเยอรมันกับฮังการีและสลาฟต่อมาได้กลายเป็นลักษณะของ Brahms ซึ่งย้ายไปเวียนนา
เฉพาะสำหรับวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียคือการกระจายอย่างกว้างขวางเป็นพิเศษของรูปแบบดนตรีเพื่อความบันเทิงที่หลากหลาย - เซเรเนด, cassations, divertissements ซึ่งครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในการทำงานของคลาสสิกเวียนนา Haydn และ Mozart ในยุคของแนวโรแมนติก ความสำคัญของดนตรีในชีวิตประจำวันและความบันเทิงไม่เพียงรักษาไว้เท่านั้น แต่ยังเข้มข้นขึ้นอีกด้วย เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการ เช่น ภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของชูเบิร์ตที่ไม่มีเครื่องบินเจ็ทในครัวเรือนที่แทรกซึมเพลงของเขาและกลับไปสู่งานปาร์ตี้เวียนนา ปิกนิก วันหยุดในสวนสาธารณะ ไปจนถึงการทำดนตรีข้างถนนแบบสบายๆ แต่แล้วในสมัยของชูเบิร์ต การแบ่งชั้นในดนตรีมืออาชีพของเวียนนาก็เริ่มสังเกตเห็น และถ้าชูเบิร์ตเองยังคงรวมซิมโฟนีและโซนาตาในงานของเขากับวอลซ์และเจ้าของที่ดินซึ่งปรากฏตามตัวอักษรในหลายร้อยคนเช่นเดียวกับการเดินขบวน ecossess polonaises จากนั้นไลเนอร์และพ่อสเตราส์ก็สร้างดนตรีเต้นรำเป็นพื้นฐานของกิจกรรมของพวกเขา ในอนาคต "โพลาไรเซชัน" นี้พบการแสดงออกในความสัมพันธ์ระหว่างงานของเพื่อนร่วมงานสองคน - การเต้นรำแบบคลาสสิกและดนตรีโอเปร่า ลูกชาย Johann Strauss (1825-1899) และ Symphonist Bruckner (1824-1896)
เมื่อเปรียบเทียบดนตรีออสเตรียและเยอรมันที่เหมาะสมของศตวรรษที่ 19 คำถามเกี่ยวกับโรงละครดนตรีก็เกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในประเทศเยอรมนีในยุคของแนวโรแมนติก โดยเริ่มจากฮอฟฟ์มันน์ โอเปร่ามีความสำคัญอย่างยิ่งในฐานะประเภทที่แสดงออกถึงปัญหาเร่งด่วนของวัฒนธรรมของชาติได้อย่างเต็มที่ และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ละครเพลงวากเนอราดเป็นชัยชนะที่ยิ่งใหญ่ของโรงละครเยอรมัน ในออสเตรีย ความพยายามซ้ำแล้วซ้ำอีกของชูเบิร์ตในการบรรลุความสำเร็จในด้านการแสดงละครไม่ประสบความสำเร็จ ของการแสดงละครของ "รูปแบบที่ยิ่งใหญ่" แต่การแสดงพื้นบ้านของธรรมชาติที่ตลกขบขัน - ร้องเพลงโดย Ferdinand Raimund พร้อมดนตรีโดย Wenzel Müllerและ Joseph Drexler และต่อมา - การร้องเพลงในครัวเรือนของโรงละคร I. N. Nestroya (1801-1862 ) ด้วยเหตุนี้จึงไม่ใช่ละครเพลง แต่ละครเวียนนาที่เกิดขึ้นในยุค 70 ได้กำหนดความสำเร็จของโรงละครดนตรีออสเตรียในระดับทั่วยุโรป
แม้จะมีความแตกต่างทั้งหมดนี้และความแตกต่างอื่นๆ ในการพัฒนาดนตรีออสเตรียและเยอรมัน แต่ลักษณะทั่วไปในศิลปะโรแมนติกของทั้งสองประเทศนั้นชัดเจนกว่ามาก อะไรคือคุณลักษณะเฉพาะที่ทำให้งานของ Schubert, Weber และผู้สืบทอดที่ใกล้เคียงที่สุดของพวกเขาแตกต่าง - Mendelssohn และ Schumann - จากเพลงโรแมนติกของประเทศอื่น ๆ ในยุโรป?
เนื้อเพลงที่สนิทสนมและจริงใจ เต็มไปด้วยความฝัน เป็นเรื่องปกติของ Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann ดนตรีของพวกเขาถูกครอบงำด้วยท่วงทำนองที่ไพเราะและขับร้องล้วนๆ ซึ่งมักจะเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่อง "โกหก" ของเยอรมัน สไตล์นี้เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงและธีมบรรเลงอันไพเราะของชูเบิร์ตหลายเพลง เพลงโอเปร่าของเวเบอร์ เพลง "Songs without Words" ของ Mendelssohn ภาพ "Ebzebian" ของ Schumann ท่วงทำนองที่มีอยู่ในสไตล์นี้ อย่างไร แตกต่างไปจากละครเพลงโอเปร่าของอิตาลีอย่าง Bellini เช่นเดียวกับจากลักษณะผลัดเปลี่ยนที่กระทบกระเทือนของภาษาฝรั่งเศสที่โรแมนติก (Berlioz, Menerbere)
เมื่อเทียบกับแนวโรแมนติกของฝรั่งเศสที่ก้าวหน้า โดดเด่นด้วยความอิ่มเอมใจและประสิทธิผล เต็มไปด้วยความน่าสมเพชทางแพ่ง วีรบุรุษ-ปฏิวัติ ความโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันมองไปในภาพรวมที่ครุ่นคิด ครุ่นคิด เชิงอัตนัย-โคลงสั้น ๆ แต่จุดแข็งหลักของมันอยู่ที่การเปิดเผยโลกภายในของบุคคลในแนวจิตวิทยาที่ลึกซึ้งซึ่งเปิดเผยด้วยความสมบูรณ์โดยเฉพาะในดนตรีออสเตรียและเยอรมันทำให้เกิดผลกระทบทางศิลปะที่ไม่อาจต้านทานของผลงานดนตรีหลายชิ้น มัน. อย่างไรก็ตามมันไม่ได้ยกเว้นการแสดงออกที่ชัดเจนของความกล้าหาญความรักชาติในงานโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมนี นั่นคือซิมโฟนีผู้ยิ่งใหญ่ผู้ยิ่งใหญ่ใน C-dur โดย Schubert และเพลงบางเพลงของเขา ("To the Charioteer Kronos", "Group from Hell" และอื่น ๆ ) วงจรการร้องเพลง "Lyre and Sword" โดย Weber (ตามบทกวี โดยกวีผู้รักชาติ T. Kerner "Symphonic Etudes "Schumann เพลงของเขา "Two Grenadiers"; ในที่สุดหน้าวีรบุรุษแต่ละหน้าในผลงานเช่น Scottish Symphony ของ Mendelssohn (apotheosis ในตอนจบ), Schumann's Carnival (ตอนจบ, ซิมโฟนีที่สามของเขา (การเคลื่อนไหวครั้งแรก) ) แต่ความกล้าหาญของแผนของเบโธเฟน ไททันนิสม์แห่งการต่อสู้กลับฟื้นคืนชีพขึ้นมาใหม่ในภายหลัง - ในละครเพลงมหากาพย์มหากาพย์ของแวกเนอร์ในระยะแรกของแนวโรแมนติกเยอรมัน-ออสเตรีย หลักการที่กระตือรือร้นและมีประสิทธิภาพมีมากกว่านั้นอีกมาก มักแสดงเป็นภาพที่น่าสมเพช ตื่นเต้น กบฏ แต่ไม่ไตร่ตรองเหมือนในเบโธเฟน กระบวนการต่อสู้ที่มีจุดมุ่งหมายและมีชัยชนะ นั่นคือเพลง "Shelter" และ "Atlas" ของ Schubert ซึ่งเป็นภาพของ Schumann ของ Florestan การทาบทาม "Manfred" การทาบทาม "Rune Blas" โดย Mendelssohn
ภาพของธรรมชาติครอบครองสถานที่สำคัญอย่างยิ่งในผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกชาวออสเตรียและเยอรมัน บทบาทที่ "เห็นอกเห็นใจ" ของภาพธรรมชาตินั้นยอดเยี่ยมมากโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงจรเสียงร้องของชูเบิร์ตและในวงจร "ความรักของกวี" ของชูมานน์ แนวดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในงานไพเราะของ Mendelssohn; มันเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของทะเลเป็นหลัก (“Scottish Symphony”, ทาบทาม “Hebrides-”, “Sea Quiet and Happy Sailing”) แต่ลักษณะเฉพาะของภาพภูมิทัศน์แบบเยอรมันก็คือ "ความโรแมนติกในป่า" ที่รวมเอาบทกวีในบทนำของเวเบอร์เรื่อง "The Magic Shooter" และ "Oberon" ใน "Nocturne" ตั้งแต่เพลงของ Mendelssohn ไปจนถึงภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์ "A Midsummer Night's ฝัน". จากที่นี่ หัวข้อจะถูกดึงไปยังซิมโฟนีของ Bruckner อย่างที่สี่ ("โรแมนติก") และครั้งที่เจ็ด ไปจนถึงแนวไพเราะ "The Rustle of the Forest" ใน Tetralogy ของ Wagner ไปจนถึงภาพของป่าในซิมโฟนีแรกของมาห์เลอร์
ความปรารถนาอันโรแมนติกในอุดมคติในดนตรีเยอรมัน - ออสเตรียพบการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบของการหลงทางการค้นหาความสุขในดินแดนอื่นที่ไม่รู้จัก สิ่งนี้เห็นได้ชัดที่สุดในผลงานของชูเบิร์ต ("The Wanderer", "The Beautiful Miller's Woman", "The Winter Road") และต่อมาใน Wagner ในรูปของ Flying Dutchman, Wotan the Wayfarer และ Siegfried ที่หลงทาง . ประเพณีนี้นำไปสู่วงจร "Songs of the Traveling Apprentice" ของมาห์เลอร์ในช่วงทศวรรษ 1980
สถานที่ขนาดใหญ่ที่อุทิศให้กับภาพที่น่าอัศจรรย์ยังเป็นลักษณะประจำชาติของแนวโรแมนติกเยอรมัน - ออสเตรีย (มีผลกระทบโดยตรงต่อ Berlioz โรแมนติกชาวฝรั่งเศส) ประการแรกนี่คือจินตนาการแห่งความชั่วร้าย Demonism ซึ่งพบรูปลักษณ์ที่ชัดเจนที่สุดใน Siena ใน Wolf Valley จากโอเปร่าของ Weber The Magic Shooter ใน Marschner's Vampire, Walpurgis Night cantata ของ Mendelssohn และผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย ประการที่สอง จินตนาการนั้นเบาบาง กวีละเอียด ผสานกับภาพธรรมชาติที่สวยงามและกระตือรือร้น: ฉากใน Weber's Oberon, การทาบทาม A Midsummer Night's Dream ของ Mendelssohn และภาพของ Wagner's Lohengrin ผู้ส่งสารแห่ง Grail สถานที่ตรงกลางนี้เป็นของภาพต่างๆ ของ Schumann ซึ่งจินตนาการได้รวบรวมจุดเริ่มต้นที่มหัศจรรย์และแปลกประหลาด โดยไม่เน้นที่ปัญหาของความชั่วและความดีมากนัก
ในด้านภาษาดนตรี แนวโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันถือกำเนิดขึ้นตลอดยุคสมัย ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งจากมุมมองของวิวัฒนาการทั่วไปของวิธีการแสดงออกทางศิลปะ เราสังเกตคุณลักษณะและแนวโน้มที่พบบ่อยที่สุดโดยไม่ได้กล่าวถึงความเป็นเอกลักษณ์ของสไตล์ของผู้แต่งเพลงหลักแต่ละคนแยกกัน
หลักการของ "เพลง" ที่นำไปใช้อย่างกว้างขวาง ซึ่งเป็นแนวโน้มทั่วไปในการทำงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก ขยายไปถึงดนตรีบรรเลงของพวกเขา มันทำให้ท่วงทำนองมีความเฉพาะตัวมากขึ้นผ่านการผสมผสานที่มีลักษณะเฉพาะของเพลงและการเปลี่ยนเสียงประณาม การร้องเพลงของฐานราก โครมาไลเซชัน ฯลฯ ภาษาฮาร์โมนิกได้รับการเสริมแต่ง: สูตรฮาร์มอนิกทั่วไปของคลาสสิกจะถูกแทนที่ด้วยความกลมกลืนที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้น บทบาทของการลอกเลียนแบบ ก้าวด้านข้างของโหมดเพิ่มขึ้น ด้านที่มีสีสันมีความสำคัญอย่างยิ่งในความสามัคคี ลักษณะการแทรกซึมของทั้งรายใหญ่และรายย่อยที่เพิ่มขึ้นเรื่อยๆ ก็เป็นลักษณะเฉพาะเช่นกัน ดังนั้นจากสาระสำคัญของ Schubert จึงเป็นประเพณีของการตีข่าวระหว่างผู้เยาว์ที่มีชื่อเดียวกัน (มักจะเป็นเรื่องสำคัญหลังจากรองลงมา) เนื่องจากสิ่งนี้ได้กลายเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบในงานของเขา ขอบเขตของการประยุกต์ใช้ฮาร์โมนิกเมเจอร์กำลังขยายตัว (ส่วนย่อยรองมีลักษณะเฉพาะในจังหวะของงานหลัก) ในการเชื่อมต่อกับการเน้นที่ปัจเจก การระบุรายละเอียดที่ละเอียดอ่อนของภาพ ยังมีความสำเร็จในด้านการจัดประสาน (ความสำคัญของสีเฉพาะ บทบาทที่เพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีเดี่ยว ความสนใจในการแสดงจังหวะใหม่ของสตริง เป็นต้น) แต่วงออเคสตราเองโดยพื้นฐานแล้วยังไม่ได้เปลี่ยนองค์ประกอบคลาสสิกของมันเลย
ความโรแมนติกของชาวเยอรมันและออสเตรียเป็นผู้ก่อตั้งรายการโรแมนติกในระดับที่มากขึ้น (Berlioz สามารถพึ่งพาความสำเร็จของพวกเขาใน Fantastic Symphony ของเขาได้เช่นกัน) และถึงแม้ว่าการเขียนโปรแกรมเช่นนี้ดูเหมือนจะไม่ใช่ลักษณะของชูเบิร์ตโรแมนติกของออสเตรีย แต่ความอิ่มตัวของส่วนเปียโนของเพลงของเขาด้วยช่วงเวลาที่เป็นภาพการมีอยู่ขององค์ประกอบของการเขียนโปรแกรมที่ซ่อนอยู่ในการแสดงละครของการประพันธ์เพลงหลักของเขา กำหนดการมีส่วนร่วมที่สำคัญของนักแต่งเพลงในการพัฒนาหลักการทางโปรแกรมในดนตรี ในบรรดาแนวโรแมนติกของชาวเยอรมัน มีความต้องการด้านการเขียนโปรแกรมทั้งในด้านดนตรีเปียโนอยู่แล้ว (Invitation to Dance, Weber's Concertpiece, Schumann's suite cycles, Mendelssohn's Songs without Words) และในดนตรีไพเราะ (Weber's opera overtures, concert overtures, Mendelssohn's , overture "Manfred" โดย Schumann)
บทบาทของโรแมนติกออสเตรียและเยอรมันในการสร้างหลักการเรียงความใหม่นั้นยอดเยี่ยม วงจรโซนาตา-ซิมโฟนีของดนตรีคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีขนาดเล็ก cyclization of miniatures ซึ่งพัฒนาขึ้นอย่างชัดเจนในด้านเนื้อเพลงของ Schubert ถูกโอนไปยังเพลงบรรเลง (Schumann) นอกจากนี้ยังมีองค์ประกอบการเคลื่อนไหวเดี่ยวขนาดใหญ่ที่รวมหลักการของโซนาตาและไซเคิล (แฟนตาซีเปียโนของชูเบิร์ตใน C-dur, "คอนเสิร์ต" ของ Weber ซึ่งเป็นส่วนแรกของแฟนตาซีของแมนน์ใน C-dur) วัฏจักรโซนาตา - ซิมโฟนีได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในหมู่คู่รัก "โรแมนติกโซนาตา" ประเภทต่างๆ "ซิมโฟนีโรแมนติก" ปรากฏขึ้น แต่ถึงกระนั้น ความสำเร็จหลักก็คือคุณภาพการคิดทางดนตรีแบบใหม่ ซึ่งนำไปสู่การสร้างภาพย่อของเนื้อหาเต็มรูปแบบและพลังของการแสดงออก - ความเข้มข้นพิเศษของการแสดงออกทางดนตรีที่ทำให้เพลงแยกกันหรือชิ้นส่วนเปียโนการเคลื่อนไหวเดียวเป็นจุดเน้นของความลึก ความคิดและประสบการณ์
ที่หัวของแนวโรแมนติกออสเตรียและเยอรมันที่พัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เป็นบุคคลที่ไม่เพียง แต่มีพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังก้าวหน้าในมุมมองและแรงบันดาลใจด้วย สิ่งนี้กำหนดความสำคัญที่ยั่งยืนของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของพวกเขา ความสำคัญของมันในฐานะ "คลาสสิกใหม่" ซึ่งชัดเจนเมื่อสิ้นสุดศตวรรษเมื่อดนตรีคลาสสิกของประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมันไม่เพียงเป็นตัวแทนของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น ของศตวรรษที่ 18 และเบโธเฟน แต่ยังรวมถึงความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวโรแมนติกทางดนตรีเหล่านี้ให้เกียรติบรรพบุรุษของพวกเขาอย่างลึกซึ้งและพัฒนาความสำเร็จหลายอย่างของพวกเขาสามารถค้นพบโลกใหม่ที่สมบูรณ์ของภาพดนตรีและรูปแบบการประพันธ์ที่สอดคล้องกับพวกเขา น้ำเสียงส่วนตัวที่แพร่หลายในงานของพวกเขากลับกลายเป็นว่าสอดคล้องกับอารมณ์และความคิดของมวลชนที่เป็นประชาธิปไตย พวกเขายืนยันในดนตรีว่าลักษณะของการแสดงออกซึ่งอธิบายโดย B. V. Asafiev อย่างเหมาะสมว่าเป็น "คำพูดเพื่อการสื่อสารสดจากใจถึงใจ" และทำให้ชูเบิร์ตและชูมันน์เกี่ยวข้องกับโชแปง Grieg Tchaikovsky และ Verdi Asafiev เขียนเกี่ยวกับคุณค่าของความเห็นอกเห็นใจของทิศทางดนตรีที่โรแมนติก: “จิตสำนึกส่วนตัวไม่ได้แสดงออกด้วยความโดดเดี่ยวอย่างโดดเดี่ยว แต่เป็นการสะท้อนทางศิลปะของทุกสิ่งที่ผู้คนมีชีวิตอยู่และทำให้พวกเขากังวลเสมอและหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในความเรียบง่ายเช่นนี้ ความคิดและความคิดที่สวยงามอย่างสม่ำเสมอเกี่ยวกับเสียงชีวิต - ความเข้มข้นของสิ่งที่ดีที่สุดที่อยู่ในตัวบุคคล
