Styl(z gr. stilos – laska, kij do pisania) – ustalona forma artystycznego samookreślenia epoki, regionu, narodu, grupy społecznej lub twórczej lub jednostki. Narodziny największych, tzw. „historycznych stylów artystycznych”, determinowane są wewnętrzną logiką rozwoju ludzkiego myślenia artystycznego, określonymi sposobami widzenia świata, rozumienia właściwości przestrzeni i czasu, w których człowiek żyje i działa . Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, przechodzą jeden w drugi i podlegają ciągłemu rozwojowi.
romański (X-trzynasty wiek). Słowo „romans” pochodzi od łacińskiego romanus – rzymskiego. Budowle romańskie symbolizowały nie tylko ciągłość polityczną i kulturową ze starożytnego Rzymu, ale także świadczyły o nieograniczonej potędze nowych władców Europy, wszechmocy chrześcijańskiego Boga. Styl romański w architekturze charakteryzuje się stosowaniem w budynkach konstrukcji sklepionych i łukowych, masywnych murów, wąskich okien, wież o różnej sylwetce. Styl charakteryzuje się prostotą, celowością, rygorem. W stylu romańskim budowano świątynie, zespoły klasztorne, zamki rycerskie.
Styl gotycki (XII-16 wiek). Słowo „gotyk” pochodzi od nazwy germańskiego plemienia Gotów. Po stylu romańskim gotyk stał się drugim kanonem średniowiecza i pierwszym ogólnoeuropejskim stylem artystycznym w historii. Podstawą stylu jest architektura. Potrzeba technologiczna odciążenia sklepienia dała początek nowemu projektowi.
Wysokie ostrołukowe łuki, sklepienia żebrowe i ramowy system podpór pozwoliły zablokować gigantyczne przestrzenie, zwiększyć wysokość budynku i uwolnić ściany od obciążenia bez obawy, że się zawalą. Ściany poprzecinane były ogromnymi oknami i witrażami, tworząc szczególną grę kolorów i światła. Pion staje się główną dominantą kompozycyjną. Wszystkie te techniki umożliwiły stworzenie artystycznego obrazu, który odzwierciedla irracjonalne, mistyczne dążenie duszy ludzkiej do nieba. Najbardziej znaną gotycką katedrą jest katedra Notre Dame we Francji.
Barokowy (koniec XVI – połowa XVIII wieku). Epoka baroku związana jest z powstaniem absolutyzmu, a także z rozwojem teatru i opery. Powstał we Włoszech, a po renesansie rozprzestrzenił się na inne kraje europejskie. Samo słowo „barok” - pochodzenia portugalskiego i oznacza „nieregularną perłę”. Sztuka baroku charakteryzuje się rozmachem, przepychem, zamiłowaniem do efektownych efektów, łączeniem fantastyczności z realnością, kontrastami skali i rytmu, materiałów i faktur. Głównym środkiem wyrazu sztuki barokowej jest gra światła i cienia. Barok charakteryzuje się malarską iluzorycznością, czyli chęcią oszukania oka, wydostania się z przestrzeni przedstawionej w przestrzeń rzeczywistą.
Klasycyzm (XVII - początek XIX wieku). Słowo „klasycyzm” pochodzi od łacińskiego classicus – pierwszorzędny, wzorowy. W Europie Zachodniej klasycyzm dominował w sztuce w XVII-XVIII wieku, w Rosji - w drugiej połowie XVIII-XIX wieku. Ten styl artystyczny jest najwyższym przejawem idei kompozycyjnej integralności, kompletności, równowagi. Wyraża pragnienie prostoty, jasności, racjonalności, logiki obrazu artystycznego. Ideał ten najdobitniej objawił się w epoce antycznej klasyki.
Dlatego w większości przypadków przewaga myślenia klasycznego oznacza orientację na formy sztuki antycznej. Jako metoda myślenia klasycyzm jest normatywny i systematyczny. To nie przypadek, że w klasycyzmie istnieje system reguł i kompletna teoria twórczości artystycznej. Klasycyzm wysuwa takie normy estetyczne, jak opór wobec okrucieństwa losu i zmienności życia, podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co wspólne, namiętności wobec obowiązku, rozumu i najwyższych interesów społeczeństwa. W literaturze klasycyzmu istniała ścisła hierarchia gatunków: „wysoki” (tragedia, epos, oda, obrazy historyczne, mitologiczne, religijne) i „niski” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe).
Późnym etapem klasycyzmu jest styl empirowy.
Rokoko (pierwsza połowa XVIII wieku). Słowo „rokoko” pochodzi od francuskiego „rocaille”, co oznacza „asymetryczny”, „ozdobiony ozdobnymi lokami”. Rozpowszechnił się we Francji za Ludwika XV. Rokoko, kojarzone z kryzysem absolutyzmu, charakteryzuje się odejściem od życia w świat fantazji, teatralnych i sielankowych wątków, sytuacji erotycznych. Rokoko dominowało w wystroju wnętrz, rzeźbie, malarstwie oraz rzemiośle artystycznym.
Kierunek- ruch społeczny, artystyczny; światopogląd szybko zmieniającego się czasu, ujawniony w sztuce.
Romantyzm (koniec XVIII - początek XIX wieku). Romantyzm odzwierciedlał rozczarowanie ideami rewolucji francuskiej i światopoglądem oświecenia. Podstawą światopoglądu romantycznego jest bolesny rozdźwięk między rzeczywistością idealną a społeczną. Dramatyczna zmiana w życiu codziennym w wyniku industrializacji zmusiła wielu ludzi do zwrócenia się w świat uczuć i przeżyć emocjonalnych. Teksty kwitły w literaturze europejskiej w tym okresie, głównym gatunkiem stały się wiersze i powieści wierszowane.
Romantyzm charakteryzuje się opozycją dwóch światów: realnego i urojonego. Widząc świat wad we współczesnej rzeczywistości, romantyzm próbuje znaleźć wyjście dla człowieka. To wyjście jest jednocześnie wyjściem ze społeczeństwa na różne sposoby. Wariant pierwszy – romantyczny bohater udaje się w swój wewnętrzny świat, świat namiętności i przeżyć, świat fikcji i marzeń. Wariant drugi – lot do egzotycznych krajów. Innym kierunkiem opieki może być opieka w innym czasie. Romantyzm zaczyna idealizować przeszłość, zwłaszcza średniowiecze, widząc w niej inną rzeczywistość, kulturę, której wartości są nieporównywalne z utylitaryzmem współczesnego społeczeństwa.
Realizm (powstał w renesansie, wyróżniał się jako niezależny kierunek w XIX-XX wieku). Termin w szerokim tego słowa znaczeniu oznaczający pragnienie pełniejszego, głębszego i wszechstronniejszego odzwierciedlenia rzeczywistości we wszystkich jej przejawach. Nurt realizmu w myśleniu przejawia się w różnych formach w różnych rodzajach sztuki, ruchach artystycznych i stylach. Rozwój realizmu mógł najpełniej wyrazić sprzeczności rozwoju społecznego.
Wiodące zasady realizmu: obiektywne odzwierciedlenie życia w połączeniu z autorskim ideałem; reprodukcja typowych postaci, konfliktów, sytuacji z ich artystyczną indywidualizacją; dominujące zainteresowanie problemem „osobowości i społeczeństwa”. Realizm doprowadził do rozkwitu gatunku literackiego, jakim jest powieść społeczno-historyczna. Literatura z kolei wpłynęła na malarstwo realistyczne. Gustawa Courbeta(1819-1877) jako pierwszy w odniesieniu do swoich obrazów zaczął używać terminu „realizm”, oznaczający obraz rzeczywistości. Courbet przedstawiał ludzi przy pracy, a nie w radości i zadowoleniu, jak to często pokazywano wcześniej.
Naturalizm (ostatnia tercja XIX wieku). Słowo „naturalizm” pochodzi od łacińskiego natura – natura. Kierunek w literaturze i sztuce dążący do obiektywnie dokładnego i beznamiętnego odwzorowania obserwowanej rzeczywistości. Był teoretykiem i liderem naturalizmu Emil Zola. Przedstawiciele naturalizmu wyszli ze stanowiska, że los człowieka jest całkowicie zdeterminowany przez środowisko społeczne, sposób życia, dziedziczność i fizjologię.
Historyzm, czyli eklektyzm (nurt w architekturze 1820-1920). Połączenie heterogenicznych elementów stylistycznych lub arbitralny wybór projektu stylistycznego dla budynków o jakościowo różnym znaczeniu i przeznaczeniu. Podczas budowy różnych konstrukcji architekci w większości przypadków uciekali się do kopiowania stylów z przeszłości. Te różne style budowlane łączy wspólna nazwa „historyzm”. Wykorzystanie stylów historycznych w architekturze było wyrazem dumy z osiągnięć technicznych XIX wieku.
Symbolizm. W szerokim znaczeniu symbolika jest integralną właściwością sztuki, ponieważ twórczość artystyczna ma charakter symboliczny. Jest to nurt myślenia artystycznego, który w różnych epokach znalazł swój wyraz w sztuce sakralnej, w romantyzmie, w okresie nowożytnym. Symbolizm jest istotną właściwością sztuki, mającą na celu ustanowienie związku między tym, co widzialne, a tym, co konkretne, z królestwem idealnych przedstawień.
Jako nurt w sztuce europejskiej i rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku, symbolika nasycona jest mistycyzmem, tajemnicą, pragnieniem zrozumienia najwyższych wartości za pomocą symboli, alegorii i uogólnień. Wyrażanie tego, co niewyrażalne, jest zadaniem symbolizmu. Symbolizm to dwa światy: świat codzienności i świat transcendentny, czyli świat poza percepcją zmysłową. Symboliści wierzyli, że sztuka ma szczególną, magiczną moc, która może odnowić życie, światopogląd i życie ludzi.
Impresjonizm (ostatnia trzecia XIX - początek XX wieku). Słowo „impresjonizm” pochodzi od francuskiego impresja - wrażenie. Nazwa powstała po wystawie w 1874 roku, na której wystawiono obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Impresjoniści byli innowatorami, którzy wywarli największy wpływ na rozwój sztuki w XX wieku. Impresjoniści przekazywali wrażenia środkami artystycznymi, tak jak krótkie chwile rejestruje kamera.
Oddawali zewnętrzne wrażenie światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów osobnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otoczeniu. Metoda malarska opierała się na zasadzie kontrastowego postrzegania barw dopełniających. Fabuła obrazów miała dla artystów drugorzędne znaczenie. Starali się uchwycić ruch na obrazie i jednocześnie zobrazować, uchwycić ulotne niuanse tego ruchu. Szczególnym zainteresowaniem artystów cieszyły się nieustalone, przejściowe stany zjawisk naturalnych (woda, chmury, światło).
Postimpresjonizm (koniec XIX - początek XX wieku). Post - po + impresjonizm. Ogólna nazwa różnych nurtów artystycznych w malarstwie XX wieku, które powstały jako reakcja na metodę impresjonizmu: symbolizm, dywizjonizm, ekspresjonizm, fowizm, orfizm, kubizm. Postimpresjoniści są Georgesa Seurata,Paweł Cezanne,Paul Gauguin,Vincent van Gogh,Henri Toulouse-Lautrec, a także przedstawiciele neoimpresjonizmu i grupy Nabis. Każdy artysta poszedł własną drogą, kształtując własną metodę twórczą i indywidualny styl artystyczny.
Puentylizm, dywizjonizm lub neoimpresjonizm (koniec XIX wieku). Od Francuzów punkt – punkt, od łac. podział — podział. Metoda obrazkowa i powstały na jej podstawie nurt w malarstwie postimpresjonistycznym, w którym praca nad obrazem odbywa się za pomocą małych oddzielnych pociągnięć o kropkowanym lub prostokątnym kształcie czystego koloru. Pociągnięcia farb o różnych kolorach trzeba było mieszać optycznie, gdy widz oglądał obraz z pewnej odległości, a nie mechanicznie na palecie artysty, jak to było zawsze.
Art Nouveau (koniec XIX - początek XX wieku). Rosyjska nazwa stylu, odpowiednio, po francusku „l” „art nouveau” to nowa sztuka. Nowoczesność to zbiór prób stworzenia holistycznego, przeciwstawnego eklektycznego stylu sztuki w architekturze i sztuce dekoracyjnej. Przedstawiciele nowoczesności zastosowali nowe technicznie konstruktywne środki (metal, szkło, ceramika) , swobodne rozplanowanie, rodzaj wystroju architektonicznego do tworzenia nietypowych, podkreślanych pojedynczych budowli (głównie miejskich dworów), których wszystkie elementy poddano jednemu rytmowi ornamentalnemu i swoistej symbolice. sztuka dekoracyjna nowoczesności wyróżnia się poetyką symbolizmu, dekoracyjnym rytmem giętkich, płynnych linii, stylizowanym motywem kwiatowym.
Dekadencja lub dekadencja (druga połowa XIX - początek XX wieku). Od francuskiego słowa dekadencja - rozkład, upadek. Ogólna nazwa zjawisk kryzysowych kultury europejskiej, które charakteryzują nastroje beznadziejności, odrzucenia życia, indywidualizmu. Stałymi motywami dekadencji są motywy niebytu i śmierci, tęsknota za wartościami duchowymi, odrzucenie obywatelskich ideałów, wiara w rozum, co wiąże się z rosnącą rolą intelektu. Dekadencja rozpowszechniła się w Rosji, zwłaszcza po rewolucji 1905-1907, w twórczości wielu mistrzów stowarzyszeń World of Art i Blue Rose.
Awangarda (XX wiek). Termin określający zespół barwnych i różnorodnych nowatorskich, rewolucyjnych, buntowniczych ruchów i nurtów w kulturze artystycznej XX wieku. Zjawiska awangardowe są charakterystyczne dla wszystkich etapów przejściowych w dziejach kultury artystycznej, poszczególnych rodzajów sztuki. Jednak w XXw. awangarda nabrała światowego znaczenia jako potężne zjawisko kultury artystycznej, co wiąże się z przełomem w procesach kulturowych i cywilizacyjnych spowodowanym postępem naukowym i technologicznym XX wieku. Głównym nurtem awangardy jest odrzucenie tradycji i eksperymentalne poszukiwanie nowych form.
Będąc skrajnym wyrazem szerszego nurtu modernizmu, awangarda szuka różnych sposobów bezpośredniego oddziaływania na czytelników, słuchaczy, widzów. Wywoływać szok, skandal, szok - bez tego sztuka awangardowa jest niemożliwa. Najważniejsza jest skuteczność sztuki - ma zadziwić, poruszyć, wywołać aktywną reakcję u osoby z zewnątrz. Jednocześnie pożądane jest, aby reakcja była natychmiastowa, natychmiastowa, z wyłączeniem długiego i skoncentrowanego postrzegania estetycznej formy i treści. Nieporozumienie, całkowite lub częściowe, organicznie wkracza w plan awangardy. W awangardzie najistotniejsza jest jej niezwykłość, chwytliwość.
Zasady awangardy przejęły kubizm, futuryzm, dadaizm, sztuka abstrakcyjna, surrealizm, ekspresjonizm, konstruktywizm i inne nurty. Rosyjska awangarda w sztukach wizualnych obejmuje M. Chagalla,K. Malewicz,V. Kandinsky. To właśnie awangarda, rozluźniając i niszcząc tradycyjne normy i zasady estetyczne, formy i sposoby wypowiedzi artystycznej oraz otwierając możliwości nieograniczonych innowacji, często opartych na najnowszych osiągnięciach nauki i techniki, otworzyła drogę do przemian kultury artystycznej do nowej jakości. W ten sposób awangarda spełniła swoją funkcję w nowej kulturze europejskiej iw zasadzie zakończyła swoje istnienie jako swego rodzaju zjawisko globalne w latach 60. i 70. XX wieku.
Modernizm (koniec XIX - połowa XX wieku). Ogólne określenie zjawisk sztuki i literatury, potwierdzające nowe podejście do przedstawiania życia. Modernizm łączy w sobie wiele stosunkowo niezależnych nurtów i nurtów ideowych i artystycznych, różniących się skalą społeczną oraz znaczeniem kulturowym i historycznym (fowizm, ekspresjonizm, symbolizm, kubizm, abstrakcjonizm, konstruktywizm). Kształtowanie się modernizmu jako prawowitego systemu artystycznego i estetycznego zostało przygotowane przez jego etapy, takie jak dekadencja i awangarda. Przewaga ponurej kolorystyki, pesymistyczne nastroje i niespokojne, dręczące przeczucia, świadomość niepoznawalności i niezmienności nieludzkiego świata - taki emocjonalny nastrój dzieł modernizmu.
Postmodernizm (druga połowa XX wieku). Do połowy XX wieku. postmodernizm był rozumiany jako nowoczesna faza rozwoju kultury europejskiej. Czołowi zachodni politolodzy interpretują postmodernizm jako symbol społeczeństwa postindustrialnego. Postmodernizm to szeroki nurt kulturowy, w którym krążą filozofia, estetyka, sztuka i nauki humanistyczne.
W XVII wieku wprowadzono podział gatunków malarstwa na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, batalistyczne i mitologiczne. Drugi obejmował przyziemne gatunki malarstwa z życia codziennego, np. gatunek codzienny, martwa natura, animalistyka, portret, akt, pejzaż.
gatunek historyczny
Gatunek historyczny w malarstwie przedstawia nie konkretny przedmiot lub osobę, ale pewien moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarskie w sztuce. Gatunki portretowe, batalistyczne, codzienne i mitologiczne są często ściśle powiązane z historycznymi.
„Podbój Syberii przez Yermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow
Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowało swoje obrazy w gatunku historycznym.
gatunek mitologiczny
Legendy, starożytne legendy i mity, folklor - obraz tych wątków, bohaterów i wydarzeń znalazł swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można go wyróżnić w malarstwie dowolnego narodu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taka fabuła mitologii greckiej, jak tajny romans boga wojny Aresa i bogini piękna Afrodyty, przedstawia obraz „Parnassus” włoskiego artysty Andrei Mantegny.
„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna
Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w renesansie. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.
Gatunek bitewny
Malarstwo batalistyczne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie militarne, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te bitwy są często zaczerpnięte z prawdziwej historii, gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.
Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franza Roubauda
Malarstwo batalistyczne ukształtowało się w okresie włoskiego renesansu w twórczości artystów Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, a następnie Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov i wielu innych malarzy.
gatunek domowy
Sceny z życia codziennego, publicznego lub prywatnego zwykłych ludzi, czy to miejskiego, czy chłopskiego, obrazują codzienność w malarstwie. Jak wielu innych gatunki malarskie, codzienne obrazy rzadko spotykane są we własnej formie, stając się częścią gatunku portretowego lub pejzażowego.
„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karola Fabrycjusza
Pochodzenie malarstwa codziennego miało miejsce w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeszło dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Szibanow i Iwan Aleksiejewicz Ermenew to najbardziej znani artyści malarstwa codziennego tego okresu.
Gatunek zwierzęcy
Głównymi obiektami gatunku zwierzęcego są zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, i ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo animalistyka była częścią gatunków malarstwa chińskiego, ponieważ po raz pierwszy pojawiła się w Chinach w VIII wieku. W Europie animalizm powstał dopiero w renesansie - zwierzęta w tym czasie były przedstawiane jako ucieleśnienie wad i cnót człowieka.
„Konie na łące” (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele animalistyki w sztukach wizualnych.
Martwa natura
W gatunku martwej natury przedstawiane są przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione zgrupowane razem. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na obrazie przedstawiono tylko owoce) lub mogą być heterogeniczne (owoce, przybory, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).
„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosiusa Bosschaerta Starszego
Martwa natura jako niezależny gatunek ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżniają się szkoły martwej natury: flamandzka i holenderska. Przedstawiciele różnych stylów malowali swoje obrazy w tym gatunku, od realizmu po kubizm. Niektóre z najsłynniejszych martwych natur namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Portret
Portret - gatunek malarstwa, który jest jednym z najbardziej powszechnych w sztukach wizualnych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrznych uczuć i nastroju portretowanej osoby.
Portrety są pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który niekiedy wyróżnia się jako odrębny gatunek. A najbardziej znanym portretem wszechczasów jest prawdopodobnie obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret pani Lisy del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.
„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci
Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w starożytnym Egipcie – były to wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszechczasów parała się tym gatunkiem w taki czy inny sposób. Gatunki malarstwa portretowego i historycznego mogą się również krzyżować: obraz wielkiej postaci historycznej zostanie uznany za dzieło gatunku historycznego, chociaż oddaje wygląd i charakter tej osoby jako portret.
nagi
Celem gatunku nago jest przedstawienie nagiego ciała osoby. Okres renesansu uważany jest za moment powstania i rozwoju tego typu malarstwa, a głównym obiektem malarstwa wówczas najczęściej stawało się kobiece ciało, które ucieleśniało piękno epoki.
„Koncert wiejski” (1510)
tycjanowski
Tycjan, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso to najbardziej znani artyści malujący w gatunku aktów.
Sceneria
Tematem przewodnim gatunku pejzażowego jest przyroda, środowiskiem jest miasto, wieś lub bezdroża. Pierwsze pejzaże pojawiły się w starożytności przy malowaniu pałaców i świątyń, tworzeniu miniatur i ikon. Jako niezależny gatunek krajobraz kształtuje się już w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunki malarskie.
Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratiewicza Sawrasowa, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Lewitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.
„Złota jesień” (1895)
Izaak Lewitan
Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki, jak pejzaże morskie i miejskie.
Weduta
Weduta to pejzaż, którego celem jest przedstawienie wyglądu obszaru miejskiego oraz oddanie jego piękna i koloru. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski przechodzi w krajobraz przemysłowy.
„Plac Świętego Marka” (1730)
Canaletta
Krajobrazy miejskie można docenić, zapoznając się z twórczością Canaletta, Pietera Brueghela, Fiodora Jakowlewicza Aleksiejewa, Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina.
przystań
Pejzaż morski lub marina przedstawia naturę żywiołu morza, jego wielkość. Być może najbardziej znanym malarzem morskim na świecie jest Ivan Konstantinovich Aivazovsky, którego obraz Dziewiąta fala można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Okres rozkwitu mariny nastąpił równocześnie z rozwojem samego krajobrazu.
„Żaglówka podczas burzy” (1886)
Jamesa Butterswortha
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexei Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio i Rafael Montleon Torres są również znani ze swoich pejzaży morskich.
Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o tym, jak powstały i rozwijały się gatunki malarstwa w sztuce, obejrzyj poniższy film:
Weź to, powiedz znajomym!
Przeczytaj także na naszej stronie:
Pokaż więcej
Bardzo różnorodny i wieloaspektowy. Pojedyncza zasada myślenia artystycznego jest bardzo kluczową cechą, według której dzieła mistrzów można przypisać do jednego lub drugiego nurtu. Historycznie główne nurty w malarstwie zmieniały się w zależności od zmiany postrzegania sztuki. Pewne wydarzenia również odegrały rolę w tej kwestii.
Kierunki w malarstwie XIX wieku
W XIX wieku Francja pozostawała czołowym krajem, który wniósł znaczący wkład w rozwój kultury europejskiej. Na pierwszym miejscu w życiu artystycznym zajmowało się malarstwo. Kierunki w malarstwie XIX wieku to klasycyzm, romantyzm, realizm, akademizm i dekadencja. Eugene Delacroix był uważany za główną postać romantyzmu. Jego najsłynniejszy obraz, Wolność na barykadach, został oparty na prawdziwych wydarzeniach. W połowie XIX wieku głównymi nurtami w malarstwie były klasycyzm i realizm. Pozycję realizmu w Europie umocnił Gustave Courbet. A w drugiej połowie stulecia te same prądy przeniosły się z Francji do Rosji. Tendencje w sztuce, malarstwie, architekturze i innych dziedzinach życia kulturalnego w Europie w tym stuleciu są dość zróżnicowane. Ostatnia trzecia część XIX wieku balansowała na granicy realizmu i dekadencji. W wyniku tego balansowania powstał zupełnie nowy kierunek - impresjonizm. Ale głównym nurtem rosyjskiego malarstwa tego okresu pozostał realizm.
Klasycyzm
Kierunek ten rozwijał się we Francji od XVII do XIX wieku. Cechowała go harmonia i dążenie do ideału. Klasycyzm zdefiniował własną hierarchię, według której wysoko uplasowały się religijne gatunki historyczne i mitologiczne. Ale portret, martwa natura i pejzaż były uważane za nieistotne, a nawet codzienne. Zakazano łączenia gatunków. Wiele tradycji artystów zawdzięcza swój wygląd klasycyzmowi. W szczególności mówimy o kompletności kompozycji i skoordynowanych formach. Dzieła klasycyzmu domagają się harmonii i współbrzmienia.
akademizm
Kierunki w malarstwie zmieniały się nie tylko z biegiem czasu. Przenikały się nawzajem, ściśle się przeplatały i podążały razem przez jakiś czas. I często zdarzało się, że jeden kierunek wynikał z drugiego. Tak stało się ze środowiskiem akademickim. Powstał jako konsekwencja sztuki klasycznej. To wciąż ten sam klasycyzm, ale już bardziej rozbudowany i usystematyzowany. Kluczowymi punktami, które w pełni charakteryzują ten trend, była idealizacja natury, a także wysokie umiejętności techniczne. Najbardziej znanymi artystami tego nurtu byli K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche i inni. Oczywiście współczesny akademizm nie pełni już (wiodącej) roli, jaką przypisywano mu w momencie narodzin tego stylu.
Romantyzm
Nie sposób omówić główne kierunki malarstwa XIX wieku bez wzmianki o romantyzmie. Era romantyzmu narodziła się w Niemczech. Stopniowo przeniknął do Anglii, Francji, Rosji i innych krajów. Dzięki temu wstępowi świat malarstwa i sztuki wzbogacił się o jaskrawe kolory, nowe wątki fabularne i odważne przedstawienia aktów. Artyści tego nurtu przedstawiali wszystkie ludzkie emocje i uczucia w jasnych kolorach. Wywrócili na lewą stronę wszystkie wewnętrzne lęki, miłość i nienawiść, wzbogacając płótna ogromną liczbą efektów specjalnych.
Realizm
Biorąc pod uwagę główne kierunki malarstwa drugiej połowy XIX wieku, wymienić należy przede wszystkim realizm. I choć powstanie tego stylu datuje się na wiek XVIII, to jednak jego największy rozkwit przypada na połowę i drugą połowę XIX wieku. Główną zasadą realizmu tego okresu było przedstawianie współczesnej rzeczywistości w całej jej różnorodności przejawów. Ogromny wpływ na ukształtowanie się tego nurtu w malarstwie miała rewolucja, która miała miejsce we Francji w 1848 roku. Ale w Rosji rozwój tego nurtu w sztuce był ściśle związany z nurtem idei demokratycznych.
Dekadencja
Okres dekadencji charakteryzuje się przedstawieniami beznadziejności i rozczarowania. Ten styl sztuki jest nasycony schyłkiem witalności. Pojawiła się pod koniec XIX wieku jako forma oporu wobec moralności publicznej. I choć dekadencja nie uformowała się w odrębny kierunek w malarstwie, to jednak historia sztuki wyróżnia poszczególnych twórców w tej dziedzinie sztuki. Na przykład Aubrey Beardsley czy Michaił Vrubel. Trzeba jednak zauważyć, że dekadenccy artyści, nie bojący się eksperymentować z umysłem, często balansowali na krawędzi. Ale właśnie to pozwoliło im zaszokować opinię publiczną swoją wizją świata.
Impresjonizm
Chociaż impresjonizm jest uważany za początkowy etap sztuki współczesnej, przesłanki dla tego kierunku powstały w XIX wieku. Romantyzm był początkiem impresjonizmu. Bo to on w centrum sztuki umieścił indywidualną osobowość. W 1872 roku Monet namalował swój obraz „Impresja. Wschód słońca". To właśnie ta praca nadała nazwę całemu kierunkowi. Cały impresjonizm opierał się na percepcji. Artyści, którzy pracowali w tym stylu, nie zamierzali zajmować się filozoficznymi problemami ludzkości. Najważniejsze było nie to, co przedstawiać, ale jak to robić. Każde zdjęcie miało odsłaniać wewnętrzny świat artysty. Ale impresjoniści również chcieli uznania. Dlatego starali się znaleźć tematy kompromisowe, które byłyby interesujące dla wszystkich segmentów populacji. Artyści przedstawiali na swoich płótnach święta lub przyjęcia. A jeśli codzienne sytuacje znalazły swoje miejsce w ich obrazach, to były ukazane tylko z pozytywnej strony. Tak więc impresjonizm można nazwać romantyzmem „wewnętrznym”.
Główne kierunki malarstwa rosyjskiego XIX wieku (pierwsza połowa)
Pierwsza połowa XIX wieku jest uważana za szczególnie jasną stronę w kulturze Rosji. Na samym początku wieku klasycyzm pozostał głównym nurtem w malarstwie rosyjskim. Ale w latach trzydziestych jego znaczenie zostało utracone. Wraz z nadejściem romantyzmu cała kultura Rosji tchnęła nowy oddech. Jego głównym postulatem było uznanie indywidualnej osobowości, a także myśli ludzkiej za nadrzędną wartość w całej sztuce. Szczególne zainteresowanie budził wewnętrzny świat człowieka. Kierunkom malarstwa rosyjskiego pierwszej połowy XIX wieku przewodzi romantyzm. Co więcej, początkowo miał charakter heroiczny, później przekształcił się w tragiczny romantyzm.
Mówiąc o pierwszej połowie XIX wieku w dziejach kultury rosyjskiej, badacze dzielą ją na dwie ćwiartki. Ale bez względu na to, jakie podziały istnieją, nadal prawie niemożliwe jest określenie linii czasowej między trzema stylami w sztukach wizualnych. Kierunki malarstwa rosyjskiego XIX wieku (klasycyzm, romantyzm i realizm) w pierwszej połowie były ze sobą tak silnie splecione, że rozróżnienie między nimi jest możliwe tylko warunkowo.
Można z całą pewnością stwierdzić, że w pierwszej połowie XIX wieku malarstwo zajmowało znacznie większe miejsce w życiu społecznym niż w wieku XVIII. Dzięki zwycięstwu w wojnie 1812 r. rosyjska samoświadomość otrzymała silny impuls do rozwoju, w wyniku czego znacznie wzrosło zainteresowanie ludu własną kulturą. Po raz pierwszy w społeczeństwie powstały organizacje, które za swoje podstawowe zadanie uznały rozwój sztuki domowej. Pojawiły się pierwsze czasopisma, które mówiły o malarstwie współczesnych, a także pierwsze próby urządzania wystaw prac artystów.
W tym okresie malarstwo portretowe osiągnęło wybitne osiągnięcia. Ten gatunek najbardziej zjednoczył artystę i społeczeństwo. Wynika to z faktu, że najwięcej zamówień w tym okresie dotyczyło gatunku portretowego. Jednym z najwybitniejszych portrecistów pierwszej połowy XIX wieku był Władimir Borowikowski. Należy również zwrócić uwagę na tak znanych artystów, jak A. Orłowski, W. Tropinin i O. Kiprensky.
Na początku wieku rozwinęło się także rosyjskie malarstwo pejzażowe. Wśród artystów, którzy pracowali w tym gatunku, należy przede wszystkim wyróżnić Fiodora Aleksiejewa. Był mistrzem pejzażu miejskiego, a także jednym z twórców tego gatunku w malarstwie rosyjskim. Innymi znanymi pejzażystami wspomnianego okresu byli Szczedrin i Ajwazowski.
Bryulłow, Fiedotow i A. Iwanow byli uważani za najlepszych artystów Rosji drugiej ćwierci XIX wieku. Każdy z nich wniósł szczególny wkład w rozwój malarstwa.
Karl Bryullov był nie tylko dość bystrym, ale także bardzo kontrowersyjnym malarzem. I choć głównym nurtem w malarstwie rosyjskim drugiej ćwierci XIX wieku był romantyzm, artysta pozostał wierny niektórym kanonom klasycyzmu. Być może dlatego jego twórczość została tak wysoko oceniona.
Aleksandrowi Iwanowowi udało się wzbogacić nie tylko rosyjskie, ale i europejskie malarstwo XIX wieku głębią myśli filozoficznej. Miał bardzo szeroki potencjał twórczy i był nie tylko innowatorem gatunku historycznego i malarstwa pejzażowego, ale także znakomitym portrecistą. Żaden z artystów jego pokolenia nie wiedział, jak postrzegać otaczający go świat w taki sam sposób, jak Iwanow i nie posiadał tak różnorodnej techniki.
Ważny etap w rozwoju malarstwa realistycznego w Rosji wiąże się z nazwiskiem Pawła Fiedotowa. Artysta ten jako pierwszy potrafił nadać gatunkowi codzienności krytyczny wyraz, gdyż miał talent satyryka. Bohaterami jego obrazów byli zazwyczaj mieszczanie: kupcy, oficerowie, biedota i inni.
Druga połowa XIX wieku
Pod koniec lat pięćdziesiątych XIX wieku rozpoczął się zupełnie nowy rozdział w historii malarstwa realistycznego w Rosji. Klęska carskiej Rosji w wojnie krymskiej miała globalny wpływ na te wydarzenia. To było przyczyną zrywu demokratycznego i reformy chłopskiej. W 1863 roku czternastu artystów zbuntowało się przeciwko żądaniom malowania na zadany temat i chcąc tworzyć wyłącznie według własnego uznania, stworzyło artystyczny artel na czele z Kramskojem. Jeśli realizm w Rosji w pierwszej połowie XIX wieku dążył do ujawnienia wyjątkowo pięknego w człowieku i został nazwany poetyckim, to ten, który go zastąpił w drugiej połowie wieku, został nazwany krytycznym. Ale poetycki początek nie opuścił tego nurtu. Teraz objawiło się to w oburzonych uczuciach twórcy, zainwestowanych przez niego w jego dzieło. Głównym nurtem malarstwa rosyjskiego drugiej połowy XIX wieku był realizm, kroczący drogą krytyki i potępienia. W rzeczywistości była to walka o uznanie gatunku codziennego, który odzwierciedlałby naturalny stan rzeczy w Rosji.
W latach siedemdziesiątych kierunek malarstwa nieco się zmienił. Artyści lat sześćdziesiątych w swoich pracach odzwierciedlali wiarę w nadejście dobra wspólnego po zniknięciu pańszczyzny. A lata siedemdziesiąte, które przybyły, by ich zastąpić, były rozczarowane klęskami chłopów, które nastąpiły po reformie, a ich pędzle były już skierowane przeciwko nadchodzącej nowej przyszłości. Jednym z najjaśniejszych przedstawicieli tego rodzaju malarstwa był Myasoedov, a jego najlepszy obraz, odzwierciedlający całą ówczesną rzeczywistość, nosił tytuł „Zemstvo je lunch”.
Lata osiemdziesiąte przeniosły uwagę sztuki z osoby, która martwiła się o ludzi, na samych ludzi. To okres rozkwitu twórczości I. Repina. Cała siła tego artysty tkwiła w obiektywizmie jego prac. Wszystkie obrazy jego obrazów były niezwykle przekonujące. Wiele jego obrazów poświęconych było tematyce rewolucyjnej. Swoją sztuką Repin próbował odpowiedzieć na wszystkie pytania, które dotyczą jego i reszty ludzi, które pojawiają się w życiu codziennym tamtej epoki. W tym samym czasie inni artyści szukali w przeszłości tych samych odpowiedzi. Na tym polegała osobliwość i siła sztuki wielkiego malarza. Innym znanym artystą tego okresu był Wasniecow. Jego twórczość opierała się na sztuce ludowej. Poprzez swoje płótna Vasnetsov próbował przekazać ideę wielkiej potęgi narodu rosyjskiego i jego heroicznej wielkości. Podstawą jego pracy były legendy i tradycje. W swoich kreacjach artysta nie tylko wykorzystał elementy stylizacji, ale także udało mu się osiągnąć integralność obrazu. Jako tło na swoich płótnach Wasniecow z reguły przedstawiał krajobraz centralnej Rosji.
W latach dziewięćdziesiątych koncepcja życia twórczego ponownie się zmienia. Teraz mosty zbudowane między sztuką a społeczeństwem należy bezlitośnie zniszczyć. Powstaje stowarzyszenie artystów pod nazwą „Świat Sztuki”, które propaguje czystość dzieł sztuki, czyli ich oddzielenie od codzienności. Cechą twórczego charakteru artystów zrzeszonych w tym stowarzyszeniu była ograniczona skala intymności. Aktywnie rozwija się działalność muzealna, której głównym zadaniem jest wzbudzanie zainteresowania zabytkami kultury. Tak więc na początku XX wieku coraz więcej artystów próbuje przekazać na swoich płótnach historyczną przeszłość Rosji. Postacie stowarzyszenia „Świat Sztuki” odegrały szczególną rolę w rozwoju sztuki ilustracji książkowej, sztuki teatralnej i dekoracyjnej. Somov był uważany za jednego z najlepszych artystów tego nurtu. W swoich pracach nigdy nie przedstawiał współczesnego życia. W skrajnych przypadkach potrafił to przekazać poprzez historyczną maskaradę. W ślad za Światem Sztuki zaczęły powstawać inne stowarzyszenia. Tworzyli je artyści, którzy mieli inny punkt widzenia na malarstwo.
Mistrzowie, którzy krytykowali twórczość twórców z wyżej opisanego związku, utworzyli (w opozycji do niego) stowarzyszenie Błękitna Róża. Domagali się powrotu jasnych kolorów do malarstwa i twierdzili, że sztuka powinna tylko jednostronnie oddawać wewnętrzne uczucia artysty. Najbardziej utalentowanym z tych postaci był Sapunow.
Wbrew Błękitnej Róży wkrótce pojawił się kolejny związek, który nazwano Waletem Diamentów. Miało to, szczerze mówiąc, antypoetycki sens. Ale jego zwolennicy w ogóle nie chcieli wracać do prawdziwych rzeczy. Poddali je wszelkiego rodzaju zniekształceniom i rozkładowi (na swój sposób). Tak więc, dzięki tym wszystkim walczącym sojuszom, powstaje rosyjski modernizm.
Nowoczesne trendy
Czas płynie, a wszystko, co wcześniej uważano za nowoczesne, staje się własnością historii, a sztuka nie jest wyjątkiem. Dziś termin „sztuka współczesna” odnosi się do wszystkiego, co zostało stworzone przez jednostki twórcze od 1970 roku. Nowe kierunki w malarstwie rozwijały się w dwóch etapach. Pierwszy to modernizm, drugi to postmodernizm. Rok siedemdziesiąty XX wieku uważany jest za przełom w całej sztuce. Od tego roku ruchy artystyczne są praktycznie nieklasyfikowalne. Jedyne, co można powiedzieć z absolutną pewnością, to to, że społeczna orientacja sztuki w ciągu ostatnich trzydziestu lat została wyrażona znacznie intensywniej niż we wszystkich minionych epokach. Jednocześnie malarstwo w sztuce współczesnej przestało zajmować czołowe miejsce. Coraz więcej artystów zwraca się teraz do fotografii, a także technologii komputerowej, aby zrealizować swoje pomysły i pomysły.
Mimo wszechstronności kierunków w malarstwie można powiedzieć, że głównym zadaniem życia artystycznego XIX wieku było jak najbardziej zbliżenie wszystkich gatunków sztuki do codzienności. I udało się to zrealizować poprzez apel mistrzów pędzla – i nie tylko – do współczesnych problemów ludzkości i wewnętrznego świata samego artysty. Wszystkie kierunki w malarstwie tego czasu pozwalają poczuć ducha epoki i zorientować się, jak żyli i czuli się ludzie w tamtych czasach.
Kontynuujemy sekcję Robótki” i podrozdział „ ” artykułu. Gdzie oferujemy definicje kilku znanych i nieznanych nowoczesnych i nie tak stylów, a także ilustrujemy je tak wyraźnie, jak to możliwe.
Style sztuki na obrazach są potrzebne w szczególności, abyś mógł dowiedzieć się, jakim stylem rysujesz (lub ogólnie robisz robótki ręczne) lub jaki styl najbardziej Ci odpowiada do rysowania.
Zacznijmy od stylu zwanego „realizmem”. Realizm- jest to stanowisko estetyczne, zgodnie z którym zadaniem sztuki jest możliwie najdokładniejsze i obiektywne uchwycenie rzeczywistości. Istnieje wiele podstylów realizmu - realizm krytyczny, socrealizm, hiperrealizm, naturalizm i wiele innych. W szerszym znaczeniu tego słowa realizm to zdolność sztuki do prawdziwego, nieupiększonego przedstawiania osoby i otaczającego ją świata w realistycznych, rozpoznawalnych obrazach, nie kopiując natury biernie i beznamiętnie, ale wybierając w niej najważniejsze i starając się przekazać w widocznych formach istotne cechy przedmiotów i zjawisk. .
Przykład: V. G. Khudyakov. Przemytnicy (kliknij, aby powiększyć):
Przejdźmy teraz do stylu zwanego „impresjonizmem”. Impresjonizm(francuski impresjonizm, od wrażenie - wrażenie) - styl, w którym artyści starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego ruchliwości i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm nie stawiał problemów filozoficznych i nawet nie próbował penetrować kolorowej powierzchni codzienności. Zamiast tego impresjonizm koncentruje się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia.
Przykład: J. William Turner (kliknij, aby powiększyć):
Następny na liście mamy znacznie mniej znany styl niż impresjonizm i realizm zwany fowizmem. fowizm(z francuskiego fauve – dziki) – nazwa powstała, gdyż obrazy pozostawiały widza z uczuciem energii i namiętności, a francuski krytyk Louis Vocell nazwał malarzy dzikimi zwierzętami (fr. les fauves). Taka była reakcja współczesnych na egzaltację koloru, która ich uderzyła, „dziką” ekspresję kolorów. Tak więc losowe stwierdzenie zostało ustalone jako nazwa całego trendu. Fowizm w malarstwie charakteryzuje się jaskrawością barw i uproszczeniem formy.
Następny styl jest nowoczesny. Nowoczesny- (z francuskiego moderne - nowoczesny), Art Nouveau (francuski secesja, dosł. „nowa sztuka”), Jugendstil (niem. Jugendstil – „młody styl”) – kierunek artystyczny w sztuce, którego podstawą było odrzucenie linii prostych i kąty na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych” linii, zainteresowanie nowymi technologiami. Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności.
Przykład architektury secesyjnej znajduje się w artykule „ Magiczne domy Gaudiego". Przykład obrazu w stylu Art Nouveau: A. Mucha "Zachód słońca" (kliknij aby powiększyć):
Więc przejdźmy dalej. Ekspresjonizm(z łac. expressio, „ekspresja”) - wyrażenie cech emocjonalnych obrazów (zwykle osoby lub grupy osób) lub stanu emocjonalnego samego artysty. W ekspresjonizmie idea oddziaływania emocjonalnego, afektacji została przeciwstawiona naturalizmowi i estetyzmowi. Podkreślono podmiotowość aktu twórczego.
Przykład: Van Gogh, „Gwiaździsta noc nad Rodanem”:
Następnym trendem, który poruszymy, jest kubizm. Kubizm(francuski kubizm) – kierunek w sztukach wizualnych, charakteryzujący się stosowaniem dobitnie zgeometryzowanych form warunkowych, chęcią „podziału” rzeczywistych obiektów na prymitywy stereometryczne.
Dalszy styl zwany „futuryzmem”. Nazwa stylu futuryzm pochodzi od łacińskiego futurum przyszły. Sama nazwa sugeruje kult przyszłości i dyskryminację przeszłości wraz z teraźniejszością. Futuryści dedykowali swoje obrazy pociągom, samochodom, samolotom - jednym słowem zwracano uwagę na wszelkie chwilowe osiągnięcia cywilizacji upojonej postępem technologicznym. Futuryzm odpychał się od fowizmu, zapożyczając od niego znaleziska kolorystyczne, oraz od kubizmu, od którego przejął formy artystyczne.
A teraz przechodzimy do stylu zwanego „abstrakcjonizmem”. Abstrakcjonizm(łac. abstractio - usunięcie, odwrócenie uwagi) - kierunek sztuki niefiguratywnej, który porzucił obraz form bliskich rzeczywistości w malarstwie i rzeźbie. Jednym z celów abstrakcjonizmu jest osiągnięcie „harmonizacji”, tworzenie określonych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów, aby wywołać u kontemplatora różne skojarzenia.
Przykład: V. Kandinsky:
Następny na liście jest nurt „dadaizmu”. dadaizm, czyli dada – nazwa nurtu pochodzi z kilku źródeł: w języku murzyńskiego plemienia Kru oznacza ogon świętej krowy, w niektórych rejonach Włoch jest to imię matki, może to być oznaczenie drewniany koń dla dzieci, pielęgniarka, podwójne stwierdzenie w języku rosyjskim i rumuńskim. Może to być również reprodukcja niespójnego gaworzenia niemowląt. W każdym razie dadaizm jest czymś zupełnie bez znaczenia, co od tej pory stało się najbardziej udaną nazwą dla całego ruchu.
A teraz zwracamy się do suprematyzmu. suprematyzm(od łac. supremus – najwyższy) – wyrażony w kombinacjach wielobarwnych płaszczyzn o najprostszych zarysach geometrycznych (w geometrycznych formach linii prostej, kwadratu, koła i prostokąta). Połączenie wielobarwnych i różnej wielkości figur geometrycznych tworzy wyważone, asymetryczne kompozycje suprematystyczne, przesiąknięte wewnętrznym ruchem.
Przykład: Kazimierz Malewicz:
Następnym ruchem, który pokrótce rozważymy, jest ruch o dziwnej nazwie „malarstwo metafizyczne”. Malarstwo metafizyczne (z włoskiego Pittura metafisica) - tutaj metafora i sen stają się podstawą myślenia wykraczającego poza zwykłą logikę, a kontrast między realistycznie wiernie odwzorowanym przedmiotem a dziwną atmosferą, w jakiej jest on umieszczony, potęgował surrealistyczny efekt.
Przykładem jest Giorgio Morandi. Martwa natura z manekinem:
A teraz przechodzimy do bardzo ciekawego nurtu zwanego „surrealizmem”. Surrealizm (fr. surréalisme - superrealizm) opiera się na połączeniu snu i rzeczywistości. Głównym celem surrealistów było duchowe wyniesienie i oddzielenie ducha od materii. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu w malarstwie był Salvador Dali.
Przykład: Salvador Dali:
Następnie przechodzimy do takiego trendu, jak aktywne malowanie. Malarstwo aktywne (malarstwo intuicyjne, tachisme, z francuskiego tachisme, od tache - plama) to nurt, czyli malowanie plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, ale wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, kreski i plamy w taszyzmie nakładane są na płótno szybkimi ruchami dłoni bez z góry przemyślanego planu.
Przedostatnim stylem na dziś jest pop-art. Pop-art (ang. pop-art, skrót od popularnej sztuki, etymologia związana jest również z angielskim pop - jerky blow, clap) generuje dzieła sztuki, w których wykorzystano elementy „kultury ludowej”. Oznacza to, że Obraz zapożyczony w kulturze masowej jest umieszczany w innym kontekście (na przykład zmiana skali i materiału; ujawnia się technika lub metoda techniczna; ujawnia się ingerencja informacyjna itp.).
Przykład: Richard Hamilton, „Co sprawia, że nasze domy są dziś tak różne, tak zachęcające?”:
W związku z tym ostatnim trendem na dziś jest minimalizm. Minimal art (Angielski Minimal art), także Minimalizm (angielski Minimalism), Art ABC (angielski ABC Art) to nurt obejmujący formy geometryczne, oczyszczone z wszelkiej symboliki i metafor, powtórzeń, neutralne powierzchnie, przemysłowe materiały i sposób produkcji.
Istnieje więc ogromna liczba stylów sztuki - które realizują własne cele.
