Ci, którzy byli w słynnych paryskich katedrach, musieli odczuć tego szczególnego ducha, niepowtarzalną atmosferę, która jest tam obecna.
„Na tej ławce 2 czerwca 1937 r. podczas swojego 1750 koncertu zmarł Louis Vierne”,
- napisane na tablicy przymocowanej do starej ławy organowej, przeniesionej do organów w katedrze Notre Dame. Vierne, słynny organista i kompozytor niewidomy od urodzenia, był organistą Notre Dame przez 37 lat.
Vierne był uczniem genialnego Césara Francka, patriarchy francuskiej szkoły organowej, według R. Rollanda „tego świętego muzyki”.
Przez ponad trzydzieści lat Franck był organistą kościoła św. Klotyldy. Do końca swoich dni regularnie występował tam z natchnionymi improwizacjami organowymi, które gromadziły licznych słuchaczy, wśród których byli znani muzycy. Był wśród nich F. Liszt, który był zszokowany grą Franka.
Młodszy współczesny Franckowi, Camille Saint-Saens, pracował przez 20 lat jako organista w innym paryskim kościele, Madeleine, a Alexandre Gilman przez ponad 30 lat pracował w kościele Świętej Trójcy.
Wielki Olivier Messiaen był także przez wiele lat organistą Kościoła Świętej Trójcy. Opuszczając to stanowisko w 1992 roku, wyznaczył na swojego następcę Naji Hakima, wybitnego żyjącego wirtuoza organisty i kompozytora.
Organistą kościoła św. Klotyldy był także Jean Lenglet, niewidomy organista i kompozytor, współczesny i przyjaciel O. Messiaena oraz nauczyciel N. Hakima.
A legendarny Marcel Dupré był przez 37 lat organistą katedry Saint-Sulpice, w której znajdują się jedne z najwspanialszych organów romantycznych we Francji.
Cechą twórczości wszystkich tych muzyków jest połączenie w jednej osobie kompozytora-twórcy i wykonawcy. Z entuzjazmem wykonywali zarówno własne, jak i cudze kompozycje. Jako wykonawca cudzych kompozycji M. Dupre stał się szczególnie sławny. W swoich triumfalnych podróżach po Europie i Ameryce wykonywał na pamięć wszystkie dzieła organowe Bacha.
Inną cechą tych muzyków jest zainteresowanie nie tylko solową grą na organach, ale także różnego rodzaju zespołowym muzykowaniem. W przeciwieństwie do mistrzów poprzednich epok znacznie częściej włączają organy do różnych zespołów: od duetów z różnymi instrumentami po konkurs organów z orkiestrą symfoniczną (np. słynna „Symfonia z organami” św. -Saens.)
3 lutego 2016 w Małej Sali Konserwatorium Moskiewskiego. P. I. Czajkowski wykona kompozycje dla takich zespołów. Koncert rozpocznie się o godzinie 19.00.
Program:
I dział
L. Vierne - Marsz triumfalny ku pamięci Napoleona Bonaparte op.46 na trzy trąbki, trzy puzony, kotły i organy;
C. Saint-Saens - „Modlitwa” op.158 na wiolonczelę i organy;
S. Frank - Preludium, fuga i wariacja op.18 na fortepian i organy;
N. Hakim - Sonata na trąbkę i organy.
II oddział
A. Gilman - Utwór symfoniczny op.88 na puzon i organy;
J. Lenglet - Trzy chorały na obój i organy, Dyptyk na fortepian i organy;
M. Dupre - Poemat heroiczny op.33 (poświęcony bitwie pod Verdun) na trzy trąbki, trzy puzony, perkusję i organy.
Artyści:
- Czczony Artysta Rosji Ludmiła Golub (organy),
- Artysta Ludowy Rosji Aleksander Rudin (wiolonczela),
- Czczony Artysta Rosji Olga Tomiłowa (obój),
- Jakow Katsnelson (fortepian)
- Vladislav Lavrik (trąbka)
- Arkady Starkow (puzon),
- Zespół solistów Orkiestry Filharmonii Narodowej Rosji.
Ludmiła Golub
Genialny niemiecki kompozytor Johann Sebastian Bach urodził się w Eeyenakh (Niemcy) 31 marca 1685 r. w rodzinie dziedzicznego muzyka I. A. Bacha. Chłopiec od najmłodszych lat śpiewał w chórze, uczył się gry na skrzypcach u ojca, po którego śmierci przeniósł się do brata w Ohrdruf, a następnie do Lüneburga.
Podczas nauki w szkole młody człowiek wstąpił do chóru i orkiestry, studiował utwory muzyczne, przepisując je dla siebie, pojechał do Hamburga, aby posłuchać słynnego organisty I.A. Reinken. Ale nawet po ukończeniu szkoły (1703), rozpoczynając samodzielną pracę jako skrzypek w Weimarze, a następnie jako organista w Arnstadt, Bach kontynuował naukę. Otrzymawszy przepustkę, udał się pieszo do Lubeki, aby posłuchać sztuki najwybitniejszego kompozytora i organisty D. Buxtehudego.
Udoskonalając się w grze na organach, Bach osiągnął niezrównane wyżyny artystyczne, stał się powszechnie znany jako organista i koneser organów - zapraszano go do wykonywania muzyki oraz otrzymywał nowe i unowocześnione organy. W 1717 roku Bach zgodził się przyjechać do Drezna, aby wziąć udział w konkursie z francuskim organistą L. Marchandem, który jednak uniknął konkursu, potajemnie opuszczając miasto. Bach grał sam muzykę przed królem i jego dworzanami, zachwycając publiczność.
W Arnstadt, Mühlhausen (1707-1708) i Weimarze (1708-1717) twórczość muzyczna Bacha rozwijała się intensywnie, a pierwsze eksperymenty przeprowadzono już w Ohrdruf. Na przestrzeni lat powstało wiele kompozycji na organy, clavier oraz na wokal (kantatę). Pod koniec 1717 roku Bach przeniósł się do Köthen, obejmując stanowisko kapelmistrza orkiestry książęcej.
Okres Köthen w życiu Bacha (1717-1723) charakteryzuje się najszerszym zakresem komponowania muzyki instrumentalnej. Preludia, fugi, toccaty, fantazje, sonaty, partity, suity, wynalazki na klawesyn, na skrzypce (solo), wiolonczelę (solo), na te same instrumenty z clavierem, na orkiestrę, słynna kolekcja „Klawiusz dobrze usposobiony” ( tom pierwszy - 24 preludia i fugi), koncerty skrzypcowe, 6 koncertów brandenburskich na orkiestrę, kantaty, Pasja wg Jana napisana w Köthen - ok. 170 utworów.
W 1722 r. Bach zajął miejsce kantora (regenta i nauczyciela) przy kościele św. Tomasza w Lipsku. Odbyła się tu Pasja według Jana, jedno z największych dzieł Bacha.
W latach lipskich powstało około 250 kantat (zachowało się ponad 180), motety, msza, pasja Mateusza, pasja Marka (utracona), oratoria bożonarodzeniowe, wielkanocne, uwertury na orkiestrę, preludia i fugi, w tym II tom Clavier Well Tempered, sonaty organowe, koncerty clavier i inne. Bach prowadził chór, orkiestrę, grał na organach, wykonywał dużo pracy pedagogicznej w Thomaskirche School. U niego studiowali także jego synowie, później stając się sławnymi kompozytorami, organistami i klawesynistami, którzy chwilowo przyćmili chwałę swojego ojca.
Za życia Bacha iw drugiej połowie XVIII wieku. niewiele z jego prac było znanych. Odrodzenie spuścizny Bacha wiąże się z nazwiskiem F. Mendelssohna, który wykonał Pasję według św. Mateusza w 1829 roku, 100 lat po ich prawykonaniu. Dzieła Bacha zaczęły być publikowane, wykonywane i zdobywały światową sławę.
Muzyka Bacha jest przepojona ideami humanizmu, najgłębszą sympatią dla cierpiącego człowieka i nadzieją na lepszą przyszłość. Narodowość, przywiązanie do wysokich klasycznych tradycji sztuki niemieckiej, włoskiej, francuskiej inspirowały Bacha, stworzyły grunt, na którym rozkwitła jego niezwykle bogata twórczość. Radość i smutek, radość i smutek, wzniosłość i pomieszanie – to wszystko jest nieodłączne od muzyki Bacha. Emocjonalne przeżycia kompozytorki znalazły w niej tak prawdziwe ucieleśnienie, że się nie starzeje, nowe pokolenia odnajdują w niej coś zgodnego ze swoimi uczuciami i aspiracjami.W muzyce Bacha sztuka polifonii (polifoniczny magazyn muzyki) osiągnęła najwyższą doskonałość.
- Ładowanie... jakie stanowisko zajmowały różne siły polityczne w Rosji w związku z I wojną światową? Z wypowiedzi liberałów o stosunku do kadetów wojennych: Cokolwiek...
- Ładowanie... D. s w biologii. Pomoc proszę. 1) Oddychanie jest niezbędnym procesem, ponieważ dzięki niemu zachodzi utlenianie substancji organicznych, w wyniku czego ...
- Ładowanie... Czym są przypisy w streszczeniu i jak je wykonać??? przypisy to literatura wykorzystana podczas pisania streszczenia. są napisane na dole arkusza i po ...
- Ładowanie... Dobrzy ludzie!!!Kto przeczytał wiersz Kto powinien dobrze żyć w Rosji! Poszukaj Niekrasowa, ma to w wierszu „Do kogo ...
- Ładowanie... Proszę napisać esej na podstawie opowiadania "Lekcje francuskiego" Opowieść Lekcje francuskiego oparta jest na wydarzeniach z życia samego autora. Zadedykował go matce innego rosyjskiego pisarza...
- Ładowanie... Jakie były stosunki między Bizancjum a Rosją? Zawarli różne umowy handlowe, spójrz tutaj: Traktaty Rosji z Bizancjum to pierwsze znane międzynarodowe traktaty starożytnej Rosji, zawarte w ...
- Ładowanie... Czy możesz mi powiedzieć, jak wymówić słowo build? Słowo jest wprowadzane do http://translate.google.com/ tłumacza. W prawym dolnym rogu tego okna znajduje się ikona głośności mikrofonu. Kliknij i posłuchaj...
Jak wielu melomanów, w każdym sezonie koncertowym jeden z moich abonamentów dotyczy koncertów organowych.
W tym sezonie - w Małej Sali Konserwatorium.
Numer abonamentu 14. JEST. Bacha i światowa kultura organowa
Cykl składa się z czterech koncertów, 9 grudnia to drugi koncert, wykonawca -
Konstantin Volostnov (organy)
W programie:
I część koncertu - I.S. Kawaler
Preludium i fuga A-dur, BWV 536
Wariacje chóralne, BWV 769
Pastorał F-dur BWV 590
Passacaglia c-moll BWV 582
II część koncertu:
A. Gedické
Preludium i fuga Es-dur op. 34 #2
S. Taneev
Wariacje chóralne
S. Lapunowa
preludium pastoralne
H. Kushnarev
Passacaglia i fuga fis-moll
Zwróć uwagę na tytuły utworów w pierwszej i drugiej części koncertu!
Każdemu utworowi Bacha wykonanemu w pierwszej części odpowiada:
muzyka rosyjskiego kompozytora o tym samym nazwisku, wykonana w drugiej części.
Z czym to się wiąże, wyjaśnię poniżej.
Pod koniec XIX wieku abbé Joubert zaczął wydawać Antologię współczesnej muzyki organowej, niestety nie było muzyki organowej rosyjskich kompozytorów! Następnie organista Jacques Gandshin, który pracował w tym czasie w Rosji, zasugerował, że kilku rosyjskich kompozytorów napisało muzykę organową i tak się stało!
Wykonywane na koncercie opusy są wynikiem zamówienia Jouberta, dla każdego z kompozytorów twórczość Bacha stała się standardem.
Wszystkie utwory rosyjskich kompozytorów wykonane w drugiej części koncertu były bardzo dobre, obrazy są tak żywe, że zamykając oczy i słuchając tej muzyki, wyobrażałem sobie albo pasterkę grającą na flecie, albo damy i panowie tańczące w średniowieczu. kostiumy, czy szalejące morze, które wypełniło salę i całą moją istotę potężnymi dźwiękami szalejących żywiołów...
Organista grał w taki sposób, w jaki nikt przed nim nie grał z wielu, których miałem okazję usłyszeć!
Nikt nigdy!
Młody organista (pianista, klawesynista) Konstantin Volostnov (ur. 1979, Moskwa) wydobył z instrumentu dźwięki o niezwykłej czystości i pięknie, podbił salę, bez dźwięku, bez kaszlu, bez skrzypienia podczas występu, owacji i okrzyków „brawo” po każdym opusie.
Konstantin Volostnov był uczniem szkoły muzycznej, następnie studiował w Konserwatorium Moskiewskim, w jego szkole podyplomowej w Wyższej Szkole Muzycznej w Stuttgarcie (Niemcy).
Sukces przyszedł w 2008 roku - zwycięstwo na prestiżowych zawodach w Niemczech i Rosji na A.F. Gedike „za najlepsze wykonanie muzyki autorów krajowych”.
A w 2009 roku - triumf organisty - zwycięstwo na najbardziej prestiżowym międzynarodowym konkursie w Wielkiej Brytanii, Konstantin Volostnov został zwycięzcą 25-lecia międzynarodowego festiwalu organowego w St. Albans (Międzynarodowy Festiwal Organowy w St. Albans).
Rosyjska szkoła organowa po raz pierwszy otrzymała najwyższą notę na największym międzynarodowym konkursie, gdzie Wołostnow otrzymał nie tylko pierwszą nagrodę, ale także nagrodę za najlepsze wykonanie utworów Bacha, nagrodę za najlepsze wykonanie prawykonania (kompozycja Johna Kasken) oraz nagroda publiczna.
Po tym wielu recenzentów muzycznych nazwało Volostnova najlepszym organistą na świecie!
Na tym koncercie publiczność przyjęła organistę bardzo ciepło, na zakończenie koncertu owacją na stojąco, nie puszczając organisty, zagrał bis, najpierw chorał Bacha, potem własną fugę, publiczność raz po raz dzwoniła do maestro, dopiero gdy na sali zapaliły się światła, niechętnie zaczęli się rozchodzić…
Niestety tym razem nie możemy zadowolić czytelnika naszymi ekskluzywnymi nagraniami z tego koncertu, ale możecie posłuchać gry Volostnov!
Poniżej znajdują się jego nagrania dokonane w Domu Muzyki i Pałacu na Yauza, a także wywiady z nim.
Wykonano także przenośne przenośne urządzenia. Taki instrument był zawieszony na szyi. Wykonawca jedną ręką pompował powietrze, drugą grał nieskomplikowane melodie.
Wraz z wynalezieniem piszczałek stroikowych zaczęto budować małe organy stołowe z samymi registrami. Oni dzwonili regalia. Ze względu na ostry dźwięk, król chętnie był wykorzystywany podczas procesji do wspierania chóru.
Różni przedstawiciele rozgałęzionej rodziny organów, która rozpowszechniła się w praktyce muzycznej epoki, stanowili bazę materialną, na podstawie której możliwy był rozwój specjalnej twórczości organowej i wykonawczej. Jednak przez długi czas muzyka organowa nie odbiegała stylistycznie od tej tworzonej dla jego współczesnych klawiszowców (klawesyn, klawikord, clavicembalo, virginela) i łączona była z nią pod wspólną nazwą - muzyka na clavier. Przez długi czas stopniowo krystalizowały się niezależne style organowe i klawesynowe. Nawet J. S. Bach w zbiorze opublikowanym pod ogólnym tytułem „Ćwiczenia Claviera” („Klavierubung”) zawiera utwory na organy i klawesyn. Jednocześnie wraz z rozwojem wielkich form polifonii chóralnej w muzyce kościelnej i przenikaniem technik polifonicznych do świeckiej pieśni polifonicznej, już w XV w. coraz wyraźniej odczuwana była sfera organowa. Istnieją tabulatury organowe zawierające utwory różnych kompozytorów. Budowane są nowe organy. W 1490 roku w katedrze św. Marka w Wenecji. Budynki kościelne z ich dźwięczną akustyką były najlepszym miejscem do budowy wielkich organów, a publiczność parafian z różnych grup społecznych i pozycji zmuszała ich do żywego obrazowania i pewności form muzycznych przy tworzeniu dzieł organowych.
Paryski wydawca Pierre Attenyan wydaje pierwsze zbiory muzyczne. Cztery z nich zawierają pieśni i tańce, trzy zawierają repertuar liturgiczny na organy i szpinet - jest to układ chóralnych części mszy, preludiów itp.
W okresie renesansu zaczyna się formowanie narodowych szkół organowych, wyłaniających się z działalności wybitnych ówczesnych organistów. Najstarszym z nich jest florencki poeta i kompozytor, przedstawiciel włoskiej ars nova Francesco Landino (1325-1397). „Boski Francesco”, „Cieco degli Organi” („niewidomy organista”) – tak go nazywali współcześni. Syn artysty, który stracił wzrok w dzieciństwie, Francesco został poetą, ukoronowany w 1364 wieńcem laurowym z rąk Petrarki i natchnionym improwizatorem na organach. W kościele San Lorenzo grał muzykę sakralną na wielkich organach. Na dworze książęcym Francesco Landino grał muzykę na przenośnym, grając utwory świeckie i towarzyszących im śpiewaków. Po Landino największą sławę we Włoszech zasłynął Antonio Squacialuppi (zm. ok. 1471), słynny XV-wieczny włoski organista. Z jego kompozycji nie zachowało się nic, poza zbiorem utworów innych kompozytorów, które wydał.
Najlepsze postacie renesansowej kultury organowej nominowali Niemcy. Są to kompozytorzy Konrad Paumann (1410-1475), Heinrich Isaac (1450-1517), Paul Hofheimer (1459-1537), Arnold Schlick (ok. 1455-1525).
Wśród nich wyróżnia się postać słynnego norymberskiego organisty Konrada Paumanna. Wielki talent muzyczny i wyjątkowa pamięć pozwoliły niewidomemu od urodzenia Paumanowi opanować grę na organach, lutni, skrzypcach, flecie i innych instrumentach. Częste wyjazdy poza Norymbergę przynoszą Paumanowi szeroką sławę: w wieku 37 lat staje się wybitną osobowością w swoim rodzinnym mieście. W uznaniu zasług muzycznych otrzymał tytuł rycerski. Fakt ten jest szczególnie istotny, ponieważ Pauman pochodził z dołu. Później rycerstwo otrzymał organista arcyksięcia Zygmunta w Innsbrucku Raoul Hofheimer.
O wielkim szacunku, jakim cieszyli się ówcześni organiści, świadczy znany fakt historyczny: niektórzy z nich zostali wybrani na burmistrzów, a objęciu funkcji organisty miejskiego towarzyszyła wspaniała uroczystość. Już na starość Paumann został zaproszony do Monachium przez nadwornego organistę księcia Albrechta III. W monachijskim Frauenkirche, gdzie Paumann grał na słynnych organach, zachował się nagrobek przedstawiający wielkiego organistę z przenośnym aparatem.
Działalność twórcza Paumana nabrała również znaczenia historycznego. Jego główne dzieło Fundamentum Organisandi (1452-1455) było pierwszym podręcznikiem gry na organach i techniki opracowań instrumentalnych. Zawiera dużą ilość aranżacji pieśni świeckich i duchowych. Po raz pierwszy podano przykłady instrumentalnej interpretacji melodii wokalnych z wykorzystaniem tzw. kolorowania (melodycznej kolorystyki melodii głównej). Postanowienia Paumanna kontynuował i uzupełniał organista z Heidelbergu Arnold Schlick w dziele „Zwierciadło organmistrzów i organistów”. Prace Paumana i Schlicka świadczą o rosnącym pragnieniu „teoretycznego zrozumienia procesów zachodzących w dziedzinie kultury organowej.
W połowie XVI wieku wielką sławę zyskała wenecka szkoła kompozycji, której założycielem był Fleming Adrian Willart (zm. 1562). Muzykę organową tej szkoły najlepiej reprezentują twórczość Andrei Gabrieli (1510-1586), a zwłaszcza jego ucznia i bratanka Giovanniego Gabrieliego (1557-1612). Pisząc muzykę wokalną i instrumentalną w różnych gatunkach, obaj Gabrielowie na polu muzyki organowej preferowali polifoniczne formy canzona i ricercara. U J. Gabrieliego znajdujemy, według wszelkiego prawdopodobieństwa, pierwszy przykład fugi quint z przerywnikami, którą jednak tradycyjnie nazywa on ricercar.
Wybitny organista i klawesynista z Brescii Claudio Merulo (1533-1604) znany jest z toccat organowych, ricercarów, canzonas, świadczących o wpływie tradycji muzyki chóralnej na styl organowy. W 1557 młody muzyk został zaproszony do Wenecji jako drugi organista św. Mark i wkroczył w galaktykę kompozytorów szkoły weneckiej.
Rozkwit muzyki kościelnej w Anglii za panowania króla Henryka VIII spowodował powstanie angielskiej szkoły organowej. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XVI w. na pierwszy plan wysuwał się organista i kompozytor John Merbeck (zm. 1585). Historia zachowała nazwiska organistów i kompozytorów – jemu współczesnych. Są to Christoph Tee (zm. 1572), Robert White (zm. 1574), Thomas Tallis (zm. 1585).
Klasykiem francuskiej muzyki organowej jest Jean Titluz (1563-1633). Był znanym organistą wykonawczym i autorem zbiorów utworów organowych. W przedmowie do swoich utworów J. Titluz pisze, że jego celem było rozdysponowanie organów z dwoma manuałami i pedałem do oddzielnego, wyraźnego wykonywania polifonii, zwłaszcza gdy głosy były skrzyżowane.
Daleko, w głąb wieków, sięgają tradycje gry na organach w Hiszpanii. Istnieją dowody na to, że około 1254 roku Uniwersytet w Salamance potrzebował organmistrza. Znane są nazwiska organistów XIV-XV wieku. Wśród nich są nie tylko Hiszpanie, ale także przedstawiciele organistów innych narodowości. Nawet na tle ogólnego rozkwitu kultury muzycznej Hiszpanii w XVI wieku wyróżniają się osiągnięcia w dziedzinie muzyki organowej. Wybitny teoretyk Juan Bermudo (1510 - zmarł po 1555) napisał obszerny traktat - "Księga wzywająca do nauki instrumentów muzycznych" ("Libro llamado declaracion de instrumentos musicales", 1549-1555), w szczególności o instrumentach klawiszowych.
Okazami wierzchołkowymi są dzieła Antonio de Cabezona (1510-1566), niewidomego cebalisty i nadwornego organisty hiszpańskiego króla Filipa II. Towarzysząc królowi w podróżach, Cabezon podróżował przez Włochy, Anglię i Holandię. Wśród jego prac znaczące miejsce, podobnie jak Paumana, zajmują prace o charakterze pedagogicznym. Spośród dzieł muzycznych Cabezona najbardziej przyciągało tiento (z hiszpańskiego tiento - „dotyk” lub „personel niewidomych”). Są to duże, polifoniczne utwory, podobne w formie do ricercarów i antycznej fugi. Oprócz tiento w twórczości kompozytorów hiszpańskich XVI wieku popularne były małe utwory, takie jak preludia. Nazywano je verso lub versiglio - termin zapożyczony ze sfery poezji (verso - werset).
Zachowana polska tabulatura organowa klasztoru św. Duch w Krakowie (1548), Jan z Lublina (1548) i inni dają wyobrażenie o muzyce organowej Polski w XVI wieku z dość wyraźnym narodowym smakiem. Znane są nazwiska wielu kompozytorów XVI wieku. Są to Mikołaj z Krakowa, Marcin Leopolita, Wacław z Szamotula i inni.
Jednocześnie wysokiemu rozwojowi europejskiej kultury organowej w okresie renesansu towarzyszyły okresy ciężkich prób. Organy, tak szeroko stosowane w krajach Europy Zachodniej, były wielokrotnie wyrzucane z kościoła. Burzliwe wydarzenia antyfeudalnych powstań i wojen często przybierały formę walki religijnej z ówczesnym Kościołem katolickim i papiestwem. Protestantyzm zaciekle sprzeciwiał się nie tylko ideologicznym, politycznym, teologicznym i organizacyjnym stanowiskom katolicyzmu, ale także wszelkim zewnętrznym przejawom kultu katolickiego. Prześladowano wszystko, co nadało splendoru i wielkości kultowi. Zniszczono posągi, zniszczono ikony, polifoniczne msze zastąpiły proste melodie chóralne, zamiast łacińskich tekstów wprowadzono do kultu język narodowy. Okrutny los spotkał organy. Tak więc w Anglii wspaniały instrument Opactwa Westminsterskiego został całkowicie zniszczony, a jego fajki, wykonane z drogiego stopu metalu, sprzedano w tawernie za kufel piwa. Wojna trzydziestoletnia w Niemczech doprowadziła do zubożenia kraju, licznych zniszczeń i upadku kultury muzycznej. W klasztorach i katedrach ograniczyli się do śpiewania pieśni luterańskich, które wykonywała cała społeczność. Jednocześnie w tym czasie wykształcił się nowy intonacyjny styl, którego kulminacją była twórczość J.S. Bacha. F. Engels pisał: „Luter oczyścił stajnie augejskie nie tylko z kościoła, ale także z języka niemieckiego, stworzył współczesną prozę niemiecką oraz skomponował tekst i melodię tego chorału przepojonego ufnością w zwycięstwo, który stał się Marsylianką XVI wiek. (Engels F. Dialektyka przyrody. Wstęp. M., 1950, s. 4).
W muzyce organowej od dawna spotyka się aranżacje melodii chorału gregoriańskiego. Obecnie podstawą takich aranżacji w twórczości kompozytorów niemieckich są melodie protestanckich melodii chóralnych. Szeroko rozwija się gatunek preludium chóralnego, fantazji chóralnej, wariacji chóralnych.
ZŁOTY WIEK MUZYKI ORGANICZNEJ
Pod koniec XVI i w pierwszej połowie XVII wieku najważniejszymi postaciami europejskiej kultury organowej było trzech kompozytorów: Holender Jan Peterson Sweelinck, Włoch Girolamo Frescobaldi i Niemiec Samuel Scheidt. Niewątpliwie wpływ na ukształtowanie się organów miała również twórczość Heinricha Schutza (1585-1672), twórcy muzyki sakralnej na gruncie kultury narodowej, najważniejszego poprzednika Bacha w dziedzinie gatunków kantatowo-oratoryjnych. styl. Sweelinck (1562-1621) był w swojej dziedzinie spadkobiercą holenderskiej szkoły polifonicznej, która od XV wieku utrzymywała dominację stylu wokalno-chóralnego. Działalność twórcza i sceniczna Sweelincka miała miejsce w Amsterdamie. Jako organista kościelny skomponował kultową muzykę chóralną. Będąc wybitnym wykonawcą, Sweelinck coraz bardziej indywidualizuje partię organów, wprowadzając do niej elementy wirtuozerii. W kościele w Amsterdamie organizuje niezależne koncerty organowe, zamieniając budynek kościoła w salę promującą nowe formy muzykowania. Sweelinck wykonuje swoje toccaty, capriccios, słynną Fantazję Chromatyczną. Na klawesynie i małym pozytywie gra z wariacjami na temat melodii ludowych oraz aranżacjami pieśni i tańców ludowych. Pod kierunkiem Sweelincka studiowało wielu znanych północnoniemieckich organistów: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jakob Praetorius i inni. Wśród jego uczniów widzimy największego mistrza niemieckiej muzyki organowej pierwszej połowy XVII wieku, Samuila Scheidta.
Samuel Scheidt (1587-1654) - twórca środkowoniemieckiej szkoły organowej (należał do niej wuj J.S. Bacha - Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel i inni). Pracował w Halle, był kompozytorem i pedagogiem, organistą dworskim i kościelnym, kapelmistrzem, był miejskim dyrektorem muzycznym. Jego największym dziełem była trzytomowa „Nowa tabulatura” (1614-1653) na organy i clavier, w której znalazły się toccaty, fugi, wariacje na temat melodii chorałów i pieśni ludowych, fantazje itp. Scheidt zasłynął zwłaszcza jako mistrz formy wariacyjnej i autor rozmaitych aranżacji chóralnych.
