Galeria Anny Nova
Założony: Petersburg, 2005
Twórca: Anna Nova
Założycielka Anna Nova— o własnych motywach angażowania się w sztukę współczesną, kształtowaniu się ekosystemu galerii, nietypowych podejściach i idealnych kolekcjonerach.
Od „namiętnej dziecięcej chęci pomocy” po setki wystaw
W latach 2004-2005, kiedy stało się jasne, że otwieramy galerię, było wrażenie, że płynę z prądem w pewnym nurcie, jakby coś działo się niezależnie ode mnie, a ja działałem jak przewodnik. W tym czasie zacząłem aktywnie poznawać ludzi ze świata sztuki i designu, w moim życiu pojawili się projektant Dmitrij Szarapow, artyści Vladimir Dukhovlinov, Alexander Gerasimov, Wiaczesław Michajłow - galeria praktycznie z nimi nie pracowała, ale mój znajomy sztuka zaczęła się właśnie od tych artystów. Poprzez Dmitrija Szarapowa poznałem Natalię Erszową i mieliśmy wspólny pomysł na otwarcie galerii sztuki współczesnej.
Na początku nie byłam pewna, czy to moja droga, ale zawsze lubiłam pomagać utalentowanym ludziom i wspierać ich. Nie bez znaczenia były też wspomnienia mojego dziadka ze strony ojca i brata mojego ojca, wujka Saszy, którzy byli członkami Związku Artystów. Choć w latach 80. byłem jeszcze dzieckiem, dobrze pamiętam, jak trudno było wówczas artystom i jak mało było miejsca na autoekspresję. Teraz, znając historię naszego kraju i złożone relacje między sztuką a władzami sowieckimi, oceniam sytuację bardziej trzeźwo, ale to żarliwe pragnienie dzieciństwa, aby pomóc artystom w przyszłości zrealizować swój talent, silnie wpłynęło na moją decyzję o podjęciu trudny interes galerii.
Na samym początku nie do końca rozumiałem, jak się to rozwinie i co mnie czeka w przyszłości, ale spotkałem ludzi, w których wierzyłem. Wsparcie zarówno mojego męża, jak i Natalii Erszowej, która została dyrektorem artystycznym galerii i zgromadziła zespół, stało się dla mnie swego rodzaju fundamentem. Ta inicjatywa przerodziła się w ogromny projekt. Przez 15 lat zespół zmieniał się nie raz, a galeria zdaje się żyć sama. Tak się dzieje, gdy matka rodzi dziecko: na początku masz ochotę na coś bardzo ważnego i czujesz się bardzo odpowiedzialna („czy dobrze zrobiłeś?”), ale potem zaczyna się proces, a Ty znajdujesz nie tylko siebie uczestnikiem, ale także uczniem. Uczyłem się na błędach, pojawiły się nowe doświadczenia, nowa wiedza, nowe doznania, nowa percepcja – w przenośni zacząłem znowu chodzić. Patrząc wstecz widzę, jaką przebyliśmy kolosalną drogę: odbyło się ponad 100 wystaw, uczestniczyliśmy w ponad 20 targach, zorganizowaliśmy 7 konkursów dla młodych artystów i wydaliśmy 9 numerów magazynu Booklet.
Każdy etap tych piętnastu lat dał coś dla mojego rozwoju osobistego i powstania galerii. Na początku byłem bardziej obserwatorem, widzem i może motywatorem - nie ingerowałem w zespół, do którego miałem pełne zaufanie. Właściwym krokiem było zaproszenie krytyka sztuki Ekateriny Andreevy, która przez pierwsze pięć lat była właściwie komisarzem galerii i polegaliśmy na jej wizji. Naszym pierwszym projektem była wystawa Eleny Figuriny, a kilka lat później mieliśmy odwagę zwrócić uwagę na młodych artystów konceptualnych, którzy nie byli jeszcze na rosyjskiej scenie artystycznej w 2005 roku.
Moja prawdziwa znajomość ze sztuką współczesną rozpoczęła się na początku lat 2000, kiedy po raz pierwszy pojechałam na Biennale w Wenecji i ARCO. Otworzył się przede mną zupełnie nowy świat i chciałem zmienić sytuację w Rosji na lepsze. Po 15 latach rozumiem, że właśnie to robimy: wnosimy swój wkład w rozwój sztuki współczesnej.
O partnerstwie galerii z artystą
Weźmy artystów, z którymi obecnie pracujemy - Denis Patrakeev, Vlad Kulkov, Alexander Dashevsky, Egor Kraft... W sumie jest 10-15 nazwisk i reprezentują one różne trendy, ponieważ chcemy pokazać różnych artystów. Gdyby w Petersburgu istniało sto galerii, które specjalizują się w dziedzinach, to prawdopodobnie skupilibyśmy się na jednej, ale w naszym mieście jest bardzo mało galerii, praktycznie żadnej, więc podejmujemy misję pokazania całej różnorodności aktualnej sztuki praktyki. Nie potrafię wyróżnić jednego z artystów. Różnią się bardzo nie tylko techniką, ale także karierą: niektórzy są zorientowani na zachód, inni są bardziej związani z lokalnym kontekstem. Ich strategie mogą być różne, ale dla mnie „idealnym artystą” nadal jest ktoś, kto aktywnie angażuje się w budowanie własnej kariery. Nie jest bierny, nie oczekuje, że galeria zrobi za niego wszystko – w dzisiejszych rosyjskich realiach jest to prawie niemożliwe. Musi istnieć praca partnerska, w której zarówno galeria, jak i artysta pełnią swoją funkcję, a co za tym idzie, motywujemy się nawzajem do dalszego rozwoju.
O nietypowych podejściach i wystawach konceptualnych
Byliśmy jednymi z pierwszych w Petersburgu, którzy pojechali na zachodnie targi sztuki - chcieliśmy skoncentrować się na rynku światowym i promować naszych artystów na arenie światowej. Nadal to robimy, pomimo wszystkich trudności.
Przez 15 lat kolekcjonerzy, ich gusta i upodobania bardzo się zmieniły, targi stały się inne – teraz coraz częściej trzeba zaskakiwać publiczność, a często stoisko galerii staje się konceptualną wystawą. Czasami podejmujemy ryzyko i tworzymy projekty specjalne. Np. na ostatnim viennacontemporary nie zajęliśmy standardowego stoiska, na naszą prośbę organizatorzy po raz pierwszy wykonali dwie długie gabloty po obu stronach nawy, w każdej z nich zaprezentowaliśmy solowy pokaz artystów Aljoschy i Egora Krafta . Okazało się niejako dwie niezależne wystawy, połączone wspólnym tematem - tematem przyszłości. Między dwiema ekspozycjami był dialog, ale jednocześnie nie przeszkadzały sobie nawzajem. Eksperyment ten był bardzo udany i przyciągnął uwagę osób, które nie spodziewały się takiej prezentacji muzealnej na targach sztuki. Wielu zatrzymało się i zadało pytania, ale nie dlatego, że było coś niezrozumiałego - byli zainteresowani.
O kolekcjonerach idealnych i wszystkich, którym nie jest obojętne
Wydaje mi się, że nasi kolekcjonerzy nie mają wystarczającej obserwacji - ważne jest, aby więcej podróżować po świecie, aby zrozumieć i zobaczyć, jak powstają prywatne kolekcje na Zachodzie. Wielu brakuje też holistycznego spojrzenia i strategicznego myślenia. Jeśli nazwać kolekcjonera idealnego, to moim zdaniem jest to Roman Babichev, choć nie kolekcjonuje sztuki współczesnej, to jego kolekcję wyróżnia wysoka jakość wykonania i przemyślana koncepcja. Cieszę się, że takie osoby pojawią się na polu sztuki współczesnej w Petersburgu i przyczynią się do rozwoju rynku sztuki.
W zeszłym roku w Cosmoscow cieszyliśmy się dużym zainteresowaniem sztuką młodych ludzi, którzy byli gotowi zacząć kupować. Nie mogliśmy nawet odejść od stoiska, a nasi artyści byli cały czas zajęci rozmową z publicznością. Publiczność chce poznawać sztukę, jest gotowa do komunikacji i dialogu, a targi są dla nich jedną z takich okazji. To bardzo dobry trend w ostatnim czasie.
Chciałbym, żeby było więcej kolekcjonerów. Znamy młodych ludzi w wieku 30 i 35 lat, którzy przychodzą do galerii i zaczynają zagłębiać się w sztukę współczesną, zadawać pytania i kupować drobne dzieła. Uczymy kolekcjonowania sztuki - od kilku lat współpracujemy z wybranym artystą, wydając limitowaną edycję niektórych prac jako spersonalizowane prezenty noworoczne.
Budujemy ekosystem skupiony wokół galerii, ale równolegle z nim rozwijają się nasze inne projekty: Booklet, magazyn o sztuce współczesnej, Nova Art, konkurs dla młodych artystów i platforma internetowa 28bugs. Nie tak dawno na trzecim piętrze galerii pojawił się salon kolekcjonerów, w którym możemy wchodzić w interakcje z ludźmi z innych sfer. Tutaj organizujemy różne wydarzenia, których celem jest przekazanie ludziom wartości sztuki współczesnej, aby mogli zrozumieć i poczuć, dlaczego tak ważne jest jej wspieranie i bycie częścią ekscytującego procesu artystycznego. Pomaga to w stworzeniu nowego kolekcjonera: ci, którzy teraz kontaktują się ze mną i są gotowi do kolekcjonowania sztuki ze względów reputacyjnych lub inwestycyjnych, zaczynają ufać galerii i naszemu gustowi. Dziś galeria zrzesza artystów, kolekcjonerów, koneserów sztuki, biznesu, środowisko zawodowe oraz osoby po prostu zainteresowane opieką.
O artyście prezentowanym na aukcji
— Opowiedz nam o nowej przestrzeni w swojej galerii. Jak narodził się pomysł, jaki był powód?
— Galeria istnieje od 12 lat, zaczynaliśmy od jednego piętra, potem zaczęliśmy się rozwijać. Teraz pierwsze i drugie piętro to przestrzeń wystawiennicza, dodatkowo znajduje się tam również biuro i magazyn, do którego również wpada część kolekcjonerów. Niedawno zdaliśmy sobie sprawę, że nie dysponujemy przestrzenią, w której moglibyśmy zaprosić gości na pogawędkę w spokojnej i kameralnej atmosferze – i postanowiliśmy ją stworzyć.
— Czy to była potrzeba klientów?
— TAk. Łatwiej jest spojrzeć na sztukę we wnętrzu: widzisz, jak ta lub inna praca jest wbudowana w twój dom lub mieszkanie. Prace pokazujemy nie tylko na białej ścianie, ale wpisane w przytulne wnętrze. W Salon kolekcjonerski tworzymy swobodną atmosferę, organizujemy tam przyjacielskie i kameralne spotkania.
Najpierw kolacja? Bądź ciekawy Martell w wykonaniu petersburskiego duetu kucharzy Dwuzakresowy- Dmitrij Blinov i Renata Malikov ( Tatarbar, Duo gastrobar). Zebraliśmy przyjaciół, kolekcjonerów. Wypróbowaliśmy nową przestrzeń i świetnie się bawiliśmy. W przyszłości planujemy tu prowadzić wykłady, pokazy mody, już zwracają się do nas marki, które chcą organizować wydarzenia w galeriach lub w zasadzie współpracować ze sztuką. Zorganizujemy również wystawy kameralne w formacie zamkniętym, stworzymy system klubowy. Pomysłów jest dużo i nie chcę teraz wszystkiego zdradzać.
— Jak wybieracie artystów do galerii? Czy celujesz w młodych pisarzy?
— Zajmujemy się konceptualną sztuką współczesną, a nasi artyści są w zupełnie innym wieku. Najmłodszym był chyba Staś Bags, wtedy my sami dopiero zaczynaliśmy pracę. Teraz limity wiekowe zaczynają się od 25-26 lat, choć niektórzy z naszych artystów mają już ponad 70 lat.
— W moim rozumieniu nawet w wieku 70 lat możesz być młodym artystą, jeśli dopiero zaczynasz.
— Oczywiście. Znamy świetne przykłady artystów, projektantów, architektów, którzy swoje pierwsze arcydzieła tworzą już w wieku dorosłym.
Jeśli nie ma się do czego przyczepić, nie da się z tego czegoś wyrosnąć.
— Jak ustalasz, którzy artyści są dla Ciebie odpowiedni? Czy są jakieś kryteria, które muszą spełnić?
— Myślę, że to jakiś rodzaj intuicji. W Marinie ( Vinogradova, dyrektor artystyczny galerii, - ok. wyd.) doskonałe wykształcenie z historii sztuki, wszyscy w naszym zespole mają podobne pochodzenie. Poza mną. Pierwotnie mam wykształcenie finansowe i ekonomiczne.
W doborze artystów - iw zasadzie do pracy w galerii - bardzo ważna jest pewna obserwacja. Jest zrozumienie czym jest sztuka współczesna, jakie są kryteria, jak je spełniać.
Abyśmy mogli rozpocząć pracę z artystą, trzeba ułożyć puzzle: trafność, poczucie, że na Zachodzie będzie ciekawie, ważne jest, aby znaleźć się we właściwym miejscu o właściwym czasie. Ale artysta i jego twórczość wciąż stoją na czele. Jeśli nie ma się do czego przyczepić, nie da się z tego czegoś wyrosnąć. Trzeba wierzyć w: widza, kolekcjonera, właściciela galerii.
Konkurs dla młodych artystów, który organizujemy już po raz szósty, pomaga nam w poszukiwaniach „własnych” autorów. Razem z jurorami dokonujemy przeglądu zgłoszeń, tym razem było ich około 350! Część jest od razu odcięta, ale można znaleźć bardzo ciekawe projekty.
galeria anna nova serwis prasowy
— Chciałbym dowiedzieć się od Ciebie więcej o tym konkursie.
— Konkurs nazywa się „Nowe projekty dla Galerii Anna Nova”. Jesteśmy zainteresowani zewnętrzną oceną obiektywną i tworzymy niezależne jury, wraz z którym wybieramy zwycięski projekt. ( Absolwent zwycięzcy w tym roku IPSI Alice Kern, której wystawa odbędzie się jesienią 2017 roku – ok. godz. wyd.).
Wszystko zaczęło się bardzo łatwo i organicznie, jakby układano puzzle. Otwarto galerię, potem pracowała dla nas Katya Andreeva, która wybrała artystów i zorganizowała konkurs. Wymyśliła pierwsze tematy, opracowała jego regulamin. A potem tak organicznie wpasował się w naszą egzystencję, że zaczął się rozwijać sam. To już szósty konkurs w ciągu 12 lat i widzimy silne zmiany. Z lokalnego, stało się międzynarodowe: zgłoszenia pochodzą z Turcji, Belgii i Stanów Zjednoczonych. Pomaga w tym również międzynarodowe jury, poważne nazwiska przyciągają artystów. W tym roku w jury zasiadała Caroline Christov-Bakardzhiev, ona była kuratorką 13. dokument, Joanna de Vos, belgijska kuratorka i współkuratorka wystawy Jana Fabre Pustelnia. Byli też Dmitrij Ozerkow, Valentin Dyakonov.
— A w przyszłości? Czy konkurs można stworzyć jako odrębną organizację?
— Nie odmówiłbym, gdyby przejął np. "Maneż". Chciałbym przenieść konkurencję w pewne ręce. Albo zrób to z kimś. Nastya Kuryokhina ma wspaniałą nagrodę... Już teraz jest nam trudno zrobić wszystko samemu. Mamy radę powierniczą, wystawę, nagrodę. Dajemy artystom możliwość wyjazdu do rezydencji, zrobienia dodatkowej wystawy - według uznania rady powierniczej. Które, nawiasem mówiąc, istniejemy dopiero drugi rok. Powinno być więcej grantów i konkursów dla artystów w naszym kraju.
— Bierzesz udział w targach Cosmoscow. Czy to dla ciebie uczciwe, jeśli chodzi o wizerunek? A może to także dochodowy biznes?
— Okazało się, że dla nas dwa ostatnie targi Kosmos bardzo opłacalne, generalnie całe stoisko jest na sprzedaż. Obrazy Daszewskiego, Kulkowa, obiekty Aljoscha cieszą się dużym zainteresowaniem moskiewskich kolekcjonerów, zarówno doświadczonych, jak i początkujących.
I nie tylko nasi zwykli kolekcjonerzy kupują, ale także ci, od których się nie spodziewasz. Na rodzimym rynku rośnie zainteresowanie sztuką współczesną, co bardzo mnie cieszy - widzimy, że wszystkie nasze starania przynoszą owoce. Ciężko pracujemy, aby zwiększyć popyt na sztukę współczesną. Nasza działalność jest do pewnego stopnia misyjna: oprócz konkursu organizujemy okrągłe stoły, spotkania, robimy wystawy poza galerią. Niedawno pojechaliśmy do Soczi, gdzie zrobiliśmy wystawę. Teraz w Soczi chcą z nami współpracować, abyśmy mogli dalej organizować wystawy, chcą wystawiać sztukę publiczną na swoich stronach.
Praca artysty Aljoscha(Alosza)
annanova-gallery.ru
— Ale czy jest to prywatny interes? Prywatna firma?
— Tak, o ile jest prywatny.
— Chciałem też omówić okres letni w Petersburgu. Dziwne, że wszystkie tamtejsze domy nie zamieniły się jeszcze w hotele, bo o tej porze roku jest naprawdę bardzo aktywnie. Czy masz dużo, powiedzmy, „przypadkowych” klientów, którzy przychodzą do Ciebie latem? To znaczy turyści?
—
TAk. Poszedł i kupił. Dla Europejczyków to normalna praktyka, jesteśmy 50 lat za nami.
—
A potem wracają tacy turyści, którzy przypadkiem weszli?
— Jak dotąd nie sądzę. Ale komunikujemy się, kontaktujemy, przesyłamy informacje.
— Tak, to się zgadza. O galeriach moskiewskich, dla porównania, nie słyszałem takich historii, a zazwyczaj zamykają się na lato.
— Mieliśmy taką samą praktykę, zamknęliśmy na sierpień. Przez pierwsze pięć lat pracowaliśmy w tym trybie, a potem zdałem sobie sprawę, że w Petersburgu to jedyny czas, kiedy coś się aktywnie dzieje. Lepiej wyjechać na wakacje, powiedzmy, w lutym.
— Gdzie byłoby dla Ciebie bardziej interesujące przejście - do Europy, Azji ...?
— Ameryka jest w naszych planach. Jednak Azja interesuje się również sztuką rosyjską. Nie sądziłem nawet, że tak ich pociągała nasza sztuka, zwykle wspierają własną, rozwijają się, kupują. W Azji panuje obecnie ogólnie duże zainteresowanie kulturą, są gotowi inwestować we wszystkie światowej klasy marki, które przynoszą dobre zyski.
— Ale czy nadal myślisz o Ameryce?
— Azja jest statystycznie największym rynkiem sztuki. Po prostu uczestnictwo jest dla nas drogie. Chciałabym jak najwięcej podróżować wszędzie, ale skoro państwo nie zapewnia żadnego wsparcia, musimy jakoś sobie z tym poradzić, a logistyka wciąż jest dla nas trochę droga.
Praca artysty Aljoscha (Alyosha)
annanova-gallery.ru
— Z jakimi artystami chciałbyś pracować w przyszłości? Będziesz pracować z rosyjskimi artystami za granicą?
— Chcemy pokazywać dobrą sztukę, nie mamy za cel pokazywać tylko artystów rosyjskich. Chcielibyśmy również współpracować z niektórymi galeriami, które są albo wyżej oceniane, albo na równi z nami. A może połączymy nasze wysiłki, aby uzyskać większy zasięg.
Od czasu do czasu robimy takie projekty - tego lata z Amerykanami pracowaliśmy z artystami polskimi, z francuskimi, w zeszłym roku współpracowaliśmy z Aljoscha(Alosza). Pochodzi z Ukrainy, ale od wielu lat mieszka w Niemczech. Nawiasem mówiąc, jego wystawa była jedną z najczęściej odwiedzanych, przychodzili ludzie, którzy prawdopodobnie nawet nie wiedzieli o istnieniu galerii Anna Nova. Swoimi jasnymi, niezwykłymi przedmiotami przyciągał młodych ludzi, studentów.
— Tak, konieczne jest odpowiednie kształcenie młodych kolekcjonerów.
„Oczywiście w momencie powstawania pracy nie miałem pojęcia, z jakimi wydarzeniami będzie musiał się zmierzyć cały świat” – w wywiadzie dla @lofficielrussia Jonathan Monaghan opowiada o swojej pracy i o tym, jak należy je postrzegać, a dzieli się także swoimi przemyśleniami na temat pandemii. Przeczytaj artykuł pod linkiem w profilu! --- W wywiadzie dla @lofficielrussia Jonathan Monaghan opowiada o swoich pracach i ich znaczeniu oraz dzieli się przemyśleniami na temat pandemii. Przeczytaj przez link w bio (tekst rosyjski).
Do nagrody nominowany został projekt grupy North-7 Lost & Found North-7 Expedition. Sergey Kuryokhin jako najlepsze dzieło sztuki wizualnej! ⠀ Sever-7 zaprezentował projekt wczesną jesienią 2019 na @mhkamuseum w Antwerpii. Lost & Found to muzeum w muzeum, które nie ma nic wspólnego z przestrzenią „białego sześcianu” i jest podobne do ruiny, świątyni lub teatru. Wewnątrz tej przestrzeni, niczym artefakty w prowincjonalnym muzeum, gromadzone są prace członków zespołu, a także dokumentacja ich wcześniejszych projektów i występów. ––– Projekt Ekspedycja Lost & Found North-7 jest na długiej liście do nagrody Sergeya Kurekhina jako najlepsze dzieło sztuki wizualnej! Kolektyw North-7 zaprezentował projekt jesienią ubiegłego roku w @mhkamuseum w Antwerpii. Lost & Found to muzeum w muzeum przypominające klasyczną ruinę, a nie przestrzeń z białym sześcianem. Wewnątrz tego muzeum zwiedzający mogli zobaczyć wszelkiego rodzaju dokumentację i archiwalia testujące dotychczasowe projekty artystyczne i działalność grupy.
Przyjaciele! Bezpieczeństwo pracowników i odwiedzających galerię jest dla nas najwyższym priorytetem. Ze względu na niekorzystną sytuację epidemiologiczną podjęliśmy decyzję o zawieszeniu wystawy od 24 marca do 6 kwietnia. Przepraszamy za wszelkie niedogodności i mamy nadzieję, że każdy, kto chciał odwiedzić wystawę, będzie miał na to czas. Biuro galerii będzie kontynuować pracę zdalnie. Przygotowujemy dla Was nowe filmy i inne materiały na wystawę „Śladami przyszłości”, więc bądźcie czujni! W przypadku jakichkolwiek pytań napisz do nas [e-mail chroniony]--- Drodzy przyjaciele! Bezpieczeństwo naszego zespołu i gości jest naszym najwyższym priorytetem. W odpowiedzi na obecną sytuację związaną z COVID-19 podjęliśmy decyzję o czasowym zamknięciu wystawy Ślad pozostawiony przez przyszłość od 24 marca do 6 kwietnia. Przepraszamy za wszelkie niedogodności i mamy nadzieję, że każdy, kto planował odwiedzić wystawę, będzie mógł Zrób to. Biuro galerii kontynuuje pracę z domu. Proszę o kontakt [e-mail chroniony] Jeśli masz jakieś pytania.
Wciąż rozmawiamy o różnych projektach internetowych związanych ze sztuką. Tym razem odbędzie wirtualną wycieczkę po muzeum DSL Collection. DSL Collection to pierwsza na świecie prywatna kolekcja prezentowana w wirtualnej rzeczywistości, która obejmuje malarstwo, rzeźbę, sztukę wideo i instalacje ponad dwustu chińskich artystów. Jej założyciele, Domenic i Sylvian Levy, kolekcjonują sztukę od ponad 30 lat, ale 15 lat temu postanowili skupić się na chińskiej sztuce współczesnej i udostępnić swoją kolekcję publiczności. Na stronie internetowej DSL Collection można przeglądać katalog i czytać o każdej pracy w kolekcji. Ale najciekawsze jest wirtualne muzeum, w którym można spacerować i oglądać wszystkie prace w okularach VR. Chociaż nie każdy dom ma takie technologie, więc kliknij link w profilu, aby obejrzeć film i wyobrazić sobie, jak imponująco może wyglądać! --- Dzisiaj odbywa się wirtualna wycieczka po Muzeum Kolekcji DSL. Kolekcja DSL to pierwsza na świecie prywatna kolekcja prezentowana w wirtualnej rzeczywistości. Obejmuje malarstwo, rzeźbę, sztukę wideo i instalacje ponad dwustu chińskich artystów. Jej założyciele, Domenic i Sylvian Levy, kolekcjonują sztukę od ponad 30 lat 15 lat temu postanowili skupić się na współczesnej sztuce chińskiej i udostępnić swoją kolekcję wszystkim, gdzie można spacerować i oglądać wszystkie prace, mając na sobie tylko gogle VR.
ZMIANY TRYBU PRACY GALERII Drodzy przyjaciele! Rozumiemy, że wiele osób chciało jak najszybciej zobaczyć nową wystawę, ale ze względu na obecną sytuację dziś, 21 marca, galeria będzie nieczynna. Opracowujemy specjalny tryb działania galerii i podejmujemy niezbędne działania, aby pobyt odwiedzających i pracowników galerii był bezpieczny. Nowe godziny pracy zostaną ogłoszone w poniedziałek. --- Drodzy przyjaciele! Rozumiemy, że wielu z Was jest podekscytowanych nowym programem. Niestety w odpowiedzi na obecną sytuację dziś, 21 marca, galeria będzie nieczynna. Rozmawiamy o nowym czasie pracy i wdrażamy środki ostrożności, aby nasi goście i pracownicy galerii byli zdrowi i bezpieczni. Dalsze informacje zostaną opublikowane w poniedziałek.
W swojej pracy amerykański artysta Jonathan Monaghan @jonmonaghan odzwierciedla obawy ludzkości związane z przyszłością high-tech i krytykuje społeczeństwo konsumpcyjne, kulturę „wielkich marek” i system kapitalistyczny. Zajmuje się technologiami cyfrowymi, tworzy filmy, druki i obiekty. W tym filmie Jonathan oprowadza po swojej wystawie i szczegółowo opowiada o prezentowanej pracy i procesie jej tworzenia. /// Amerykański artysta Jonathan Monaghan @jonmonaghan wykorzystuje technologie cyfrowe do tworzenia wideo, grafik i rzeźb. W swoich pracach Jonathan odkrywa nasze obawy i niepokoje związane z coraz bardziej technologiczną przyszłością, krytykując kapitalistyczne społeczeństwo, kulturę wielkich marek i konsumpcjonizm. Ten film to wirtualna wycieczka po jego solowym pokazie, więc oglądaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o pracach Jonathana i procesie tworzenia.
Już dziś zaprezentujemy w IGTV wystawę Jonathana Monaghana „The Footprint of the Future”! Artysta oprowadzi po wystawie i opowie więcej o projekcie i swojej praktyce. Bądźcie czujni! --- Dziś prezentujemy A Trace Left by the Future, pierwszą indywidualną wystawę w Rosji Jonathana Monaghana. Nie przegap wycieczki artysty po wystawie w IGTV. Bądźcie czujni!
Nagranie wideo z internetowego wykładu publicznego „Metamodernizm i ponowoczesność” można już oglądać na Vimeo @artschoolmasters. Jeśli nie miałeś wczoraj czasu, aby do nas dołączyć, kliknij link w profilu! Na zdjęciu praca Jonathana Monaghana z serii „Ślad przyszłości” --- Wykład publiczny „Metamodernizm i postwspółczesność” jest już dostępny na Vimeo @artschoolmasters. Sprawdź link w bio! Na zdjęciu: Jonathan Monaghan, prace z serii A Trace Left by the Future, 2019.
Przyjaciele! Z przyjemnością informujemy, że mimo wszystko odbędzie się wykład publiczny „Metamodernizm i ponowoczesność” z @jonmonaghan i @dimitriozerkov, ale w formacie online. Włącz transmisję @artschoolmasters za pośrednictwem linku w profilu! --- Drodzy przyjaciele! Z radością ogłaszamy transmisję rozmowy publicznej z Jonathanem Monaghanem i Dmitrijem Ozerkowem. Dołącz do nas przez link w bio.
Od dzisiaj w tym dziale zaczynamy rozmawiać o projektach internetowych związanych ze sztuką współczesną. Co tydzień wybierzemy dla Ciebie kolekcje muzealne, wykłady wideo, występy online i inne materiały, które możesz studiować w zaciszu swojego domu, dopóki sytuacja na świecie nie pozwoli Ci na ponowne podróżowanie i zwiedzanie muzeów i galerii. Pierwszą pozycją na naszej liście będzie @themuseumofmodernart. 1 marca nowojorskie Muzeum zaprezentowało retrospektywę słynnego przedstawiciela minimalizmu Donalda Judda. Na stronie wystawy można znaleźć nie tylko dużą ilość fotografii prac i ekspozycji, ale także audioprzewodnik nagrany przez kuratora oraz współczesnych artystów i pisarzy. W sumie przewodnik zawiera 21 utworów związanych z konkretnym dziełem, w każdym z których uczestnicy rozmowy zastanawiają się nad innowacjami, jakie Judd wniósł do sztuki w swoim czasie i wpływem, jaki jego twórczość wywiera do dziś. Na zdjęciu: Donald Judd, Bez tytułu, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork ––– Od dziś zaczyna odkrywać projekty online w dziedzinie sztuki współczesnej. Dopóki sytuacja na świecie nie stanie się bezpieczna i nie będzie można podróżować i odwiedzać muzea i galerie, będziemy publikować o kolekcjach muzealnych, wykładach wideo, występach online i innych materiałach, które można zwiedzać pozostając w domu. Pierwszym punktem na naszej liście jest strona @themuseumofmodernart. 1 marca muzeum zaprezentowało retrospektywę Donalda Judda. Na stronie wystawy można znaleźć liczne fotografie prac i ekspozycji oraz audioprzewodnik. Zawiera 21 utworów związanych z konkretnym utworem. Kurator wystawy rozmawia ze współczesnymi artystami i pisarzami, zastanawiając się nad innowacjami i wpływem twórczości Judda. Na zdjęciu: Donald Judd, Untitled, 1967 © 2020 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
W przeddzień otwarcia wystawy Jonathan Monaghan wspólnie z @artschoolmasters zorganizujemy w @manegespb wykład publiczny „Metamodernizm i ponowoczesność”. Dmitrij Ozerkow, kierownik Wydziału Sztuki Współczesnej Państwowego Ermitażu, porozmawia z artystą o najnowszych trendach we współczesnej sztuce. Do zobaczenia 17 marca o 18:30 w Manege! Wstęp jest bezpłatny, wymagana jest rejestracja poprzez link w profilu. Na zdjęciu fragment filmu „Out of the Abyss” Jonathana Monaghana, 2018. --- Dołącz do nas i @artschoolmasters podczas wykładu publicznego Metamodernism and Postmodernity na @manege. Jonathan Monaghan i Dmitry Ozerkov (kierownik Działu Sztuki Współczesnej Państwowego Muzeum Ermitażu) opowiedzą o nowych trendach we współczesnej sztuce cyfrowej. Do zobaczenia 17 marca o 18:30 w Manege Central Exhibition Hall! Rejestracja jest bezpłatna i dostępna poprzez link w bio. Na zdjęciu: zrzut ekranu z wideo Out of the Abyss, 2018, Jonathan Monaghan.
Aleksander Daszewski wszedł na długą listę XI Nagrody. Sergey Kuryokhin w nominacji „Najlepsze dzieło sztuki wizualnej” z projektem „Gang of Simulators”! ⠀ Wiosną 2019 roku odbyła się wystawa poświęcona dziesiątej rocznicy współpracy artystki z Galerią Anna Nova. Projekt, zgodnie z intencją autora, stał się trzecim odcinkiem pełnej akcji historii, po cykle „Straty Częściowe” oraz „Upadli i Upadli”, poświęcone mutacjom klasycznego formatu obrazu, będącego efektem działań artysty. Dla Aleksandra projekt ten jest nie tylko okazją do opowiedzenia o perypetiach twórczości współczesnego malarza, ale także próbą skorelowania powściągliwych, „poważnych”, antynarracyjnych dzieł z własnej przeszłości z wydarzeniami, które jego nowi bohaterowie i nowa przyczyna malarska. ––– Projekt Aleksandra Daszewskiego A Pack of Malingerers jest na długiej liście do XI nagrody Sergeya Kuryochin jako najlepsze dzieło sztuki wizualnej. Wiosną ubiegłego roku odbyła się wystawa Paczka malingererów z okazji 10-lecia współpracy artysty z galerią. Ekspozycja wydaje się być ironiczną biografią o praktyce artystycznej Aleksandra. Nowy projekt jest kontynuacją poprzednich serii Partial Losses oraz The Fallen and the Dropped Out i staje się trzecim odcinkiem pasjonującej opowieści o malarskich mutacjach gatunkowych powstałych w trakcie pracy artystów. Dla Aleksandra Daszewskiego projekt ten jest zarówno okazją do rozmowy o trudach współczesnego malarza, jak i próbą odniesienia powściągliwych, „poważnych”, antynarracyjnych prac z jego przeszłości do wpadek jego nowych postaci i nowych obrazów.
Przyjaciele! Informujemy, że do 20 marca Galeria Anna Nova jest nieczynna z powodu instalacji nowej wystawy. Z radością spotkamy się na wernisażu wystawy „Ślady pozostawione przez przyszłość” amerykańskiego artysty Jonathana Monaghana 20 marca o godzinie 19.00. Szczegóły dotyczące wystawy zostaną ogłoszone już wkrótce, więc bądźcie czujni! Na zdjęciu: Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019. --- Do 20 marca galeria Anna Nova jest zamknięta z powodu ponownej instalacji. Prosimy o dokładne zaplanowanie wizyty. Z radością powitamy Cię na otwarciu A Trace Left by the Future, indywidualnego pokazu amerykańskiego artysty Jonathana Monaghana, który odbędzie się 20 marca o 19:00. Bądź na bieżąco, aby uzyskać więcej informacji! Na zdjęciu – Jonathan Monaghan, Beam Me Up I, 2019.
W przestrzeni Boiling Point SUAI zaprezentowało projekt "Per Chlorophytum ad astra / Przez Chlorophytum do gwiazd", składający się z organicznej instalacji Anastazji Potemkiny i neonowego obiektu Jendy Fluid (Antonina Baever). Projekt opiera się na marzeniu o eksploracji kosmosu, które wyłoniło się z okresu modernizmu, zyskało szereg jakościowo nowych właściwości. Jednym z nich jest jasne zrozumienie potrzeby zwracania uwagi na to, co nas otacza na Ziemi. Nieludzkie formy życia, współistniejące w jednym związku ze społeczeństwem, coraz częściej znajdują się w strefie zwiększonego ryzyka, stając się środkiem do osiągnięcia przez ludzi ich celów – całkowita dysharmonia tej kompatybilności grozi m.in. katastrofą ekologiczną . Instalacja to sensoryczna fitowall z żywymi roślinami, w tym chlorophytum, szparagami, nefrolepsis i innymi gatunkami, które z łatwością znoszą życie w zamkniętych przestrzeniach. Wraz z roślinami w kompozycję wkomponowane są prawdziwe anteny satelitarne. Takie anteny służą do odbierania i przesyłania sygnałów radiowych między stacjami naziemnymi a sztucznymi satelitami Ziemi - pełnią funkcję łącza, nieożywionego środka komunikacji. Łącząc anteny z roślinami, artysta tworzy alternatywny ekosystem, w którym technologia współistnieje z naturalnym. Zdjęcia - Alisa Spirlidi.
Dziś zaprasza do miasta St. Ives na wielką wystawę prac konstruktywisty i jednego z pionierów sztuki kinetycznej, Nauma Gabo, w galerii @tate. Prawdziwe imię Gabo to Naum Borisovich Pevzner. Jeden z liderów artystycznej awangardy, wyemigrował z Rosji w 1922 roku, mieszkał w różnych okresach w Niemczech, Francji, Wielkiej Brytanii i USA, wykładał na VKhUTEMAS, Bauhausie i Harvardzie, współpracował z Diagilewem i utrzymywał bliskie kontakty z Pietem Mondrianem, Adolfem Oberländerem i innymi artystami. Wystawa w Tate zbiega się z stuleciem wydania „Manifestu Realistycznego” przeciwko kubizmowi i futuryzmowi, stworzonego przez artystę wraz z jego bratem Antonem Pevznerem. Bracia głosili przestrzeń i czas jako główne kategorie w sztuce, a także zwracali uwagę na znaczenie jej interakcji z osiągnięciami nauki i techniki. Ekspozycja ilustruje główną ideę artysty – „sztukę dla współczesnego świata” – i obejmuje ponad 80 prac z kolekcji Tate Gallery i kolekcji berlińskich. Wystawa potrwa do 3 maja 2020 r. --- Tym razem jedziemy do małego miasteczka St. Ives odwiedzi wystawę Nauma Gabo, jednego z pionierów konstruktywizmu i sztuki kinetycznej, w @tate. Prawdziwe nazwisko artysty to Naum Borisovich Pevzner. Jeden z liderów artystycznej awangardy, wyemigrował z Rosji w 1922 roku i mieszkał w Niemczech, Francji, Wielkiej Brytanii i USA, ucząc w VKhUTEMAS, Bauhausie i Harvardzie. Wystawa w Tate poświęcona jest 100. rocznicy „Manifestu Realistycznego” przeciwko kubizmowi i futuryzmowi, który Naum Gabo ustanowił wraz ze swoim bratem Antonem Pevznerem. Bracia głosili przestrzeń i czas jako główne kategorie w sztuce, a także zwracali uwagę na znaczenie jej interakcji z osiągnięciami nauki i techniki. Wystawę można oglądać do 3 maja 2020 r.
Jutro, 7 marca, wystawa Laboratorium Suggerere Valerii Abendrot jest otwarta ostatniego dnia! Czekamy na wszystkich, którzy nie mieli jeszcze czasu, aby zobaczyć projekt finalisty VII konkursu @novaartcontest, w godzinach od 12.00 do 19.00. Wstęp wolny! A jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o projekcie, przeczytaj nagranie dyskusji Sense of Humanity z udziałem artysty, kuratora i krytyka sztuki Stasia Savitsky'ego, Pavla Gershovicha, dyrektora Advanced Research w BIOCAD, oraz Anastasii Yaromosh, sztuki historyk, w Masters Journal @artschoolmasters poprzez link w profilu! --- Ostatnia szansa zobaczenia Laboratorium Suggerere Valerii Abendroth! Przyjdź, aby zobaczyć projekt finalisty VII @novaartcontest jutro do 19:00!
Od dzisiaj, 5 marca, w holenderskim mieście Maastricht otwierają się jedne z największych targów sztuki, TEFAF, na których prezentowane jest nowe dzieło @aljoscha.aljoscha. Perspektywa Policentryczna to trzymetrowa rzeźba wykonana z aluminium z kolorową powłoką, stworzona przez artystę w 2020 roku. W TEFAF można zobaczyć nie tylko dzieła sztuki współczesnej, ale także dzieła dawnych mistrzów, antyki, przedmioty designerskie i biżuterię. Targi potrwają do 15 marca. Zdjęcie: @beckeggeling --- Od dziś, 5 marca, targi sztuki TEFAF witają swoich gości w Maastricht w Holandii. Na targach można znaleźć nową pracę @aljoscha.aljoscha pt. Perspektywa policentryczna. Rzeźba o wysokości 3 metrów wykonana jest z malowanego aluminium i powstała właśnie w tym roku. Oprócz dzieł współczesnych artystów, TEFAF oferuje tradycyjne obrazy, antyki, biżuterię i wzornictwo XX wieku. Targi trwają do 15 marca. Zdjęcie
Anna Nova w swojej Galerii Anna Nova przy ulicy Żukowskiego 28 w Petersburgu. Na pierwszym planie rzeźba Denisa Patrakeeva „Świat płynie”, 2017. Na ścianie – dzieło Vlada Kulkova, 2017. Krzesło S-Chair, projekt Tom Dixon, Cappellini.
Architektura, w tym architektura wnętrz, jest jak zamrożona muzyka. Ale galeria sztuki potrzebuje całkowitej ciszy wizualnej, aby sztuka w niej brzmiała głośno i bez zakłóceń. Czy tak jest, dowiadujemy się od Anny Nova, założycielki galerii Anna Nova.
DEKORACJA ELLE W 2005 roku petersburskie media podały: piosenkarka Anna Nova otworzyła galerię...
ANNA NOVA Tak, zajmowałem się karierą solową, pracowałem również jako prezenter na kanale RTG. Ale po ukończeniu szkoły muzycznej na flecie, jak wielu ludzi mojego pokolenia, poszedłem na dyplom z ekonomii.
Jak narodził się pomysł otwarcia galerii? Zawsze otaczali mnie kreatywni ludzie. Jako dziecko często odwiedzałem wujka-artystę i byłem zaskoczony, że poważna sztuka, w którą zajmowali się artyści, nie była pożądana. W najlepszym razie musiałem zarabiać na życie, zamawiając plakaty. Zawsze chciałem pomóc artystom w realizacji ich potencjału. Pewnego dnia projektant Dmitrij Szarapow przedstawił mnie krytyczce sztuki Natalii Erszowej i zaproponował otwarcie galerii i tak to się wszystko zaczęło.
Przy oknie - praca Rostana Tavasieva "Russian Cosmism", 2015. Fotel wykonany z czarnego plastiku i skóry Pohjola, projekt Pekka Perjo, Haimi Oy, 1965, Finlandia.
Który artysta został zaproszony jako pierwszy? Otworzyliśmy wystawą Eleny Figuriny, wówczas już kultowej artystki. Wstępna koncepcja galerii została opracowana wspólnie z Natalią Erszową i Ekateriną Andreevą, krytyczką sztuki i czołową członkinią Działu Sztuki Współczesnej w Muzeum Rosyjskim. W 2006 roku ogłosiliśmy konkurs dla młodych artystów, aw 2007 jako pierwsi pojechaliśmy na zachodnie jarmarki.
W środku - Aleksander Daszewski, „Basen”, 2014. Po lewej - Rostan Tavasiev, „Episode 2”, 2017. Na stole - rzeźba Denisa Patrakeeva „Ślub milczenia”, 2015. W tle - dywan, lata 60. , Szwecja. Para plastikowych krzeseł, projekt Yuri Kukkapuro, Haimi, 1964, Finlandia. Fotel ze sklejki, projekt Soren Hansen, Anikarimobel fabrik, 1944, Szwecja. Składany drążek, Leif Alring dla C.F. Christensena, 1964, Dania.
Jak zaczęło się wnętrze galerii Anna Nova? Dziś z pierwotnego wnętrza nie pozostało prawie nic. Nie od razu doszliśmy do wniosku, że idealną przestrzenią dla galerii konceptualnej sztuki współczesnej jest pusty biały sześcian. Na początku popełniliśmy wiele błędów. Lada recepcji, kolorowe ściany, drewniany panel i szklana ścianka działowa zaczęły ingerować niemal natychmiast. Potrzebowaliśmy pustej przestrzeni, którą można łatwo przekształcić w wykłady i spektakle. Teraz wszystko jest inne.
Pierwsze dwa piętra to czysta przestrzeń, w której nic nie rozprasza uwagi. Niedawno pojawiło się trzecie piętro - salon kolekcjonerski, w którym organizujemy kameralne imprezy dla kolekcjonerów. Meble - klasyka wzornictwa amerykańskiego i skandynawskiego - kupowane na aukcjach. Ściany nie są białe, wielowarstwowy tynk wykonany jest przez artystę na podstawie pięciu skomplikowanych odcieni.
Sofa i fotel Sesann, projekt Gianfranco Frattini, Cassina, 1970, Włochy. Na ścianie - dzieło Denisa Patrakeeva „Rozdroża”, 2014.
Czy taka galeria mogłaby powstać w nowym budynku? Wtedy należałoby wybudować osobny budynek w stylu konstruktywizmu lub minimalizmu, albo grać na kontraście: stara architektura, a wewnątrz nowoczesna otwarta przestrzeń.
Dywan letniej nocy, projekt Ritva Puotila, lata 60., Finlandia.
Jak wybrać sztukę we wnętrzu? Wiele osób kupuje sztukę jako przedmiot dekoracyjny, skupiając się głównie na rozmiarze i kolorze. To jest z gruntu błędne. Sztuka wymaga świadomego podejścia. Musisz więcej chodzić i wyglądać - żeby rozwinąć smak. I oczywiście nie zaniedbuj praktyki wypożyczania obrazów.
Anna Nova w białym fotelu, zaprojektowanym przez Alberta Jacoba Tollera dla Grosfillex, 1970, Francja.Co do zawieszania obrazków, jakie są możliwe błędy? W razie wątpliwości powinieneś zaangażować kuratora. Głównym błędem jest standardowe zawieszanie obrazów. Jest wiele sposobów na to, żeby było ciekawie. Na przykład połącz sztukę klasyczną i współczesną lub połącz obrazy w panele. Ale tutaj ważne jest poczucie harmonii, podobnie jak w muzyce. W przeciwnym razie improwizacja zamieni się w kakofonię. www.nowa.annanova-gallery.ru
Na ścianie praca Vlada Kulkova „Bez tytułu”, 2014. Ławka wykonana z fragmentu oryginalnego drewnianego stropu, pozostałego po rekonstrukcji przestrzeni.
