Jaki nurt muzyczny reprezentuje Beethoven? Wiek klasycyzmu. Ogólna charakterystyka epoki

L.Karankova

1. Charakterystyka stylu twórczego Beethovena.

L. V. Beethoven to niemiecki kompozytor, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej (urodzony w Bonn, ale większość życia spędził w Wiedniu – od 1792 r.).

Muzyczne myślenie Beethovena jest złożoną syntezą:

dorobek twórczy klasyków wiedeńskich (Gluck, Haydn, Mozart);

sztuka rewolucji francuskiej;

Nowość, która pojawiła się w latach 20. XIX wiek ruch artystyczny - romantyzm.

Dzieła Beethovena noszą piętno ideologii, estetyki i sztuki Oświecenia. To w dużej mierze wyjaśnia logiczne myślenie kompozytora, klarowność form, przemyślaność całej koncepcji artystycznej i poszczególnych szczegółów dzieł.

Warto też zauważyć, że Beethoven najpełniej dał się poznać w gatunkach sonatowych i symfonicznych (gatunkach charakterystycznych dla klasyki). Beethoven jako pierwszy zastosował tzw „symfonizm konfliktowy”, oparty na opozycji i zderzeniu jaskrawo kontrastujących obrazów muzycznych. Im bardziej dramatyczny konflikt, tym bardziej złożony jest proces rozwoju, który dla Beethovena staje się główną siłą napędową.

Idee i sztuka Wielkiej Rewolucji Francuskiej odcisnęły piętno na wielu dziełach Beethovena. Z oper Cherubiniego prowadzi prosta droga do Fidelio Beethovena.

Dzieła kompozytora charakteryzują się ujmującą intonacją i precyzyjnym rytmem, szerokim oddechem melodycznym i potężną instrumentacją hymnów pieśni, marszów i oper tej epoki. Zmienili styl Beethovena. Dlatego język muzyczny kompozytora, choć kojarzony ze sztuką klasyków wiedeńskich, jednocześnie mocno się od niej różnił. W twórczości Beethovena, w odróżnieniu od Haydna i Mozarta, rzadko spotyka się wyrafinowaną zdobnictwo, gładkie wzory rytmiczne, kameralność, przejrzystą fakturę, równowagę i symetrię tematów muzycznych.

Kompozytor nowej ery, Beethoven znajduje różne intonacje dla wyrażenia swoich myśli - dynamiczne, niespokojne, szorstkie. Brzmienie jego muzyki staje się znacznie bogatsze, gęstsze i dramatycznie kontrastujące. Jego tematy muzyczne zyskują niespotykaną dotychczas lakoniczność i surową prostotę.

Słuchacze wychowani na XVIII-wiecznym klasycyzmie byli zdumieni i często niezrozumieni emocjonalną siłą muzyki Beethovena, przejawiającą się albo w brutalnym dramacie, albo we wspaniałym, epickim rozmachu, albo w uduchowionym liryzmie. Ale to właśnie te cechy sztuki Beethovena zachwycały muzyków romantycznych. I choć związek Beethovena z romantyzmem jest niezaprzeczalny, jego sztuka w swoich głównych zarysach nie jest z nim zbieżna. Nie do końca wpisuje się w ramy klasycyzmu. Bo Beethoven, jak mało kto, jest wyjątkowy, indywidualny i wieloaspektowy.

Tematyka twórczości Beethovena:

Beethoven koncentruje się na życiu bohatera, które toczy się w nieustannej walce o uniwersalną, piękną przyszłość. Idea heroiczna przewija się niczym czerwona nić przez całe dzieło Beethovena. Bohater Beethovena jest nierozerwalnie związany z ludźmi. W służbie ludzkości, w wywalczeniu dla niej wolności, widzi cel swojego życia. Ale droga do celu wiedzie przez ciernie, walkę i cierpienie. Często bohater umiera, ale jego śmierć uwieńczona jest zwycięstwem, przynosząc szczęście wyzwolonej ludzkości. Zainteresowanie Beethovena obrazami heroicznymi i ideą walki wynika z jednej strony z jego osobowości, trudnego losu, zmagania się z nim i ciągłego pokonywania trudności; z drugiej strony wpływ idei Wielkiej Rewolucji Francuskiej na światopogląd kompozytora.

Temat natury znalazł także bogate odzwierciedlenie w twórczości Beethovena (VI symfonia „Pastoralna”, sonata nr 15 „Pastoralna”, sonata nr 21 „Aurora”, IV symfonia, wiele wolnych części sonat, symfonii, kwartetów). Bierna kontemplacja jest obca Beethovenowi: cisza i spokój natury pomaga głęboko zrozumieć ekscytujące kwestie, zebrać myśli i wewnętrzną siłę do walki o życie.

Beethoven wnika także głęboko w sferę ludzkich uczuć. Ale odsłaniając świat wewnętrznego, emocjonalnego życia człowieka, Beethoven rysuje tego samego bohatera, zdolnego podporządkować spontaniczność uczuć wymogom rozumu.

Główne cechy języka muzycznego:

Melodyka. Podstawą jego melodii są sygnały trąbkowe i fanfary, zachęcające okrzyki oratorskie i zwroty marszowe. Często wykorzystuje się ruch wzdłuż dźwięków triady (G.P. „Eroic Symphony”; temat finału V symfonii, G.P. I część 9 symfonii). Cezury Beethovena to znaki interpunkcyjne w mowie. Fermaty Beethovena to pauzy po żałosnych pytaniach. Motywy muzyczne Beethovena często składają się z kontrastujących elementów. Kontrastową strukturę tematów można spotkać także u poprzedników Beethovena (zwłaszcza Mozarta), jednak u Beethovena staje się to już wzorem. Kontrast w temacie przeradza się w konflikt G.P. i P.P. w formie sonatowej, dynamizuje wszystkie części allegra sonatowego.

Metrorytm. Rytmy Beethovena rodzą się z tego samego źródła. Rytm niesie ze sobą ładunek męskości, woli i aktywności.

Rytmy marszowe są niezwykle powszechne

Rytmy taneczne (na obrazach ludowej zabawy – finał VII symfonii, finał sonaty Aurora, gdy po wielu cierpieniach i zmaganiach nadchodzi chwila triumfu i radości).

Harmonia. Dzięki prostocie pionu akordowego (akordy głównych funkcji, lakoniczne użycie dźwięków nieakordowych) następuje kontrastowa i dramatyczna interpretacja ciągu harmonicznego (powiązanie z zasadą dramaturgii konfliktu). Ostre, odważne modulacje w odległe tonacje (w przeciwieństwie do modulacji plastycznych Mozarta). W swoich późniejszych dziełach Beethoven antycypuje cechy harmonii romantycznej: polifoniczną tkaninę, bogactwo nieakordowych dźwięków, wykwintne sekwencje harmoniczne.

Formy muzyczne dzieł Beethovena to wspaniałe struktury. „To jest Szekspir mas” – pisał o Beethovenie W. Stasow. „Mozart był odpowiedzialny tylko za jednostki… Beethoven myślał o historii i całej ludzkości”. Beethoven jest twórcą formy swobodnych wariacji (finał 30 sonaty fortepianowej, wariacje na temat Diabellego, III i IV część IX symfonii). Przypisuje mu się wprowadzenie formy wariacyjnej do dużej formy.

Gatunki muzyczne. Beethoven rozwinął większość istniejących gatunków muzycznych. Podstawą jego twórczości jest muzyka instrumentalna.

Lista dzieł Beethovena:

Muzyka orkiestrowa:

Symfonie - 9;

Uwertury: „Coriolanus”, „Egmont”, „Leonora” – 4 opcje do opery „Fidelio”;

Koncerty: 5 fortepianów, 1 skrzypce, 1 potrójny - na skrzypce, wiolonczelę i fortepian.

Muzyka fortepianowa:

32 sonaty;

22 cykle wariacyjne (w tym 32 wariacje w c-moll);

Bagatele (w tym „Fur Elise”).

Muzyka zespołu kameralnego:

Sonaty na skrzypce i fortepian (m.in. „Kreutzerova” nr 9); wiolonczele i fortepian;

16 kwartetów smyczkowych.

Muzyka wokalna:

Opera „Fidelio”;

Piosenki, m.in. cykl „Do dalekiego ukochanego”, adaptacje pieśni ludowych: szkockiej, irlandzkiej itp.;

2 Msze: C-dur i Msza uroczysta;

oratorium „Chrystus na Górze Oliwnej”.

2. Życie i droga twórcza Beethovena.

Okres boński. Dzieciństwo i młodość.

Beethoven urodził się 16 grudnia 1770 roku w Bonn. W jego żyłach, oprócz niemieckiej, płynęła krew flamandzka (ze strony ojca).

Beethoven dorastał w biedzie. Ojciec przepijał swoją skromną pensję; uczył syna gry na skrzypcach i fortepianie w nadziei, że zostanie cudownym dzieckiem, nowym Mozartem i zapewni utrzymanie rodzinie. Z czasem pensję ojca podwyższono w oczekiwaniu na przyszłość utalentowanego i pracowitego syna.

Ogólna edukacja Beethovena była równie niesystematyczna, jak jego edukacja muzyczna. W tym ostatnim jednak dużą rolę odegrała praktyka: grał na altówce w orkiestrze dworskiej i występował jako wykonawca na instrumentach klawiszowych, w tym na organach, które szybko opanował. KG. Nefe, organistka nadworna w Bonn, została pierwszym prawdziwym nauczycielem Beethovena (między innymi przeszedł z nim cały „HTK” S. Bacha).

W 1787 roku Beethovenowi udało się po raz pierwszy odwiedzić Wiedeń – wówczas muzyczną stolicę Europy. Według opowieści Mozart, po wysłuchaniu gry młodego człowieka, bardzo docenił jego improwizacje i przepowiedział mu wspaniałą przyszłość. Ale wkrótce Beethoven musiał wrócić do domu – jego matka umierała. Pozostał jedynym żywicielem rodziny składającej się z rozwiązłego ojca i dwóch młodszych braci.

Talent młodego człowieka, jego zachłanność muzycznych wrażeń, jego żarliwa i otwarta natura przyciągały uwagę niektórych światłych rodzin bońskich, a jego błyskotliwe improwizacje na fortepianie zapewniały mu swobodny wstęp na wszelkie muzyczne spotkania. Szczególnie wiele dla niego zrobiła rodzina Breuningów.

Pierwszy okres wiedeński (1792 - 1802).

W Wiedniu, dokąd Beethoven przyjechał w 1792 roku po raz drugi i gdzie pozostał do końca swoich dni, szybko znalazł utytułowanych przyjaciół i mecenasów sztuki.

Osoby, które spotkały młodego Beethovena, opisywały dwudziestoletniego kompozytora jako krępego młodzieńca ze zamiłowaniem do polotu, czasem zuchwałego, ale dobrodusznego i miłego w relacjach z przyjaciółmi. Zdając sobie sprawę z nieadekwatności swojego wykształcenia, udał się do Josepha Haydna, uznanego wiedeńskiego autorytetu w dziedzinie muzyki instrumentalnej (Mozart zmarł rok wcześniej) i przez pewien czas przynosił mu na sprawdzian ćwiczenia kontrapunktu. Haydn jednak szybko stracił zainteresowanie upartym uczniem, a Beethoven w tajemnicy przed nim zaczął pobierać lekcje u I. Schencka, a następnie u bardziej dogłębnego I. G. Albrechtsbergera. Ponadto chcąc doskonalić swój warsztat wokalny, przez kilka lat odwiedzał słynnego kompozytora operowego Antonio Salieri. Wkrótce dołączył do grona zrzeszającego utytułowanych amatorów i zawodowych muzyków. Książę Karol Lichnowsky wprowadził młodego prowincjała w krąg swoich przyjaciół.

Życie polityczne i społeczne ówczesnej Europy było niepokojące: kiedy w 1792 r. Beethoven przybył do Wiednia, miastem zawrzały wieści o rewolucji we Francji. Beethoven z entuzjazmem przyjmował rewolucyjne hasła i wychwalał wolność w swojej muzyce. Wulkaniczny, wybuchowy charakter jego twórczości jest niewątpliwie ucieleśnieniem ducha czasu, ale tylko w tym sensie, że charakter twórcy został w pewnym stopniu ukształtowany przez ten czas. Odważne łamanie ogólnie przyjętych norm, potężna autoafirmacja, grzmiąca atmosfera muzyki Beethovena – to wszystko byłoby nie do pomyślenia w epoce Mozarta.

Jednak wczesne dzieła Beethovena w dużej mierze wpisują się w kanony XVIII wieku: dotyczy to triów (smyczkowych i fortepianu), sonat skrzypcowych, fortepianowych i wiolonczelowych. Fortepian był wówczas najbliższym instrumentem Beethovena, w swoich utworach fortepianowych wyrażał on z największą szczerością swoje najintymniejsze uczucia. Pierwsza symfonia (1801) to pierwsze czysto orkiestrowe dzieło Beethovena.

Zbliża się głuchota.

Możemy się tylko domyślać, w jakim stopniu głuchota Beethovena wpłynęła na jego twórczość. Choroba rozwijała się stopniowo. Już w 1798 roku skarżył się na szumy uszne, miał trudności z rozróżnieniem wysokich tonów i zrozumieniem rozmowy prowadzonej szeptem. Przerażony perspektywą stania się obiektem litości – głuchym kompozytorem, opowiedział o swojej chorobie swojemu bliskiemu przyjacielowi Karlowi Amendzie, a także lekarzom, którzy doradzili mu, aby jak najbardziej chronił słuch. Nadal obracał się w kręgu swoich wiedeńskich przyjaciół, brał udział w wieczorach muzycznych, dużo komponował. Udało mu się tak dobrze ukryć głuchotę, że aż do 1812 roku nawet ludzie, którzy często go spotykali, nie podejrzewali, jak poważna jest jego choroba. To, że podczas rozmowy często odpowiadał niewłaściwie, przypisywano złemu humorowi lub roztargnieniu.

Latem 1802 roku Beethoven udał się na spokojne przedmieście Wiednia – Heiligenstadt. Pojawił się tam oszałamiający dokument – ​​„Testament Heiligenstadt”, bolesne wyznanie dręczonego chorobą muzyka. Testament adresowany jest do braci Beethovena (z poleceniem odczytania i wykonania po jego śmierci); opowiada w nim o swoim cierpieniu psychicznym: to bolesne, gdy „osoba stojąca obok mnie słyszy z daleka, dla mnie niesłyszalną, grę na flecie; albo gdy ktoś słyszy śpiew pasterza, a ja nie jestem w stanie rozróżnić żadnego dźwięku. Ale potem w liście do doktora Wegelera woła: „Wezmę los za gardło!”, A muzyka, którą nadal pisze, potwierdza tę decyzję: tego samego lata jasna II Symfonia i wspaniałe sonaty fortepianowe op. . 31 i trzy sonaty skrzypcowe op. trzydzieści.

Okres dojrzałej twórczości. „Nowa droga” (1803–1812).

Pierwszy decydujący przełom w kierunku tego, co sam Beethoven nazwał „nową drogą”, nastąpił w III Symfonii (Eroica, 1803-1804). Jej czas trwania jest trzykrotnie dłuższy niż w przypadku jakiejkolwiek innej symfonii napisanej wcześniej. Często podnosi się (i nie bez powodu), że Beethoven początkowo zadedykował „Eroikę” Napoleonowi, jednak dowiedziawszy się, że ogłosił się cesarzem, odwołał tę dedykację. „Teraz będzie deptał prawa człowieka i zaspokajał jedynie własne ambicje” – to według podań słowa Beethovena, gdy podarł z dedykacją stronę tytułową partytury. Ostatecznie „Heroic” zadedykowany został jednemu z mecenasów sztuki – księciu Lobkowitzowi.

Przez te lata spod jego pióra wychodziły jedna po drugiej genialne dzieła. Główne dzieła kompozytora tworzą niesamowity strumień genialnej muzyki, ten wyimaginowany świat dźwiękowy zastępuje swojemu twórcy świat realnych dźwięków, który go opuszcza. Była to zwycięska autoafirmacja, odzwierciedlenie ciężkiej pracy myśli, dowód bogatego życia wewnętrznego muzyka.

Utwory drugiego okresu: Sonata skrzypcowa A-dur op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); Trzecia Symfonia (Eroiczna, 1802-1805); oratorium Chrystus na Górze Oliwnej op. 85 (1803); sonaty fortepianowe: „Waldstein”, op. 53; „Appassionata” (1803-1815); IV koncert fortepianowy G-dur (1805-1806); Jedyną operą Beethovena jest Fidelio (1805, wydanie drugie 1806); trzy kwartety „rosyjskie” op. 59 (poświęcony hrabiemu Razumowskiemu; 1805-1806); Czwarta Symfonia (1806); Uwertura do tragedii Collina „Koriolan” op. 62 (1807); Msza C-dur (1807); Piąta Symfonia (1804-1808); VI Symfonia (pastoralna, 1807-1808); muzyka do tragedii Goethego Egmont (1809) itp.

Źródłem inspiracji dla wielu kompozycji były romantyczne uczucia, jakie Beethoven żywił do niektórych swoich uczniów z wyższych sfer. Sonata, znana później jako „Księżycowa”, jest dedykowana hrabinie Giulietcie Guicciardi. Beethoven myślał nawet o oświadczeniu się jej, ale z czasem zdał sobie sprawę, że głuchy muzyk nie pasuje do zalotnej urody towarzyskiej. Inne znane mu panie odrzuciły go; jeden z nich nazwał go „dziwakiem” i „pół szalonym”. Inaczej wyglądała sytuacja w rodzinie Brunszwików, w której Beethoven udzielał lekcji muzyki swoim dwóm starszym siostrom, Teresie i Józefinie. Od dawna zaprzeczano, jakoby adresatem przesłania do „Nieśmiertelnej Ukochanej” znalezionego w dokumentach Beethovena po jego śmierci była Teresa, choć współcześni badacze nie wykluczają, że adresatem tym była Józefina. W każdym razie idylliczna IV Symfonia zawdzięcza swój pomysł pobytowi Beethovena w węgierskiej posiadłości Brunszwiku latem 1806 roku.

W 1804 roku Beethoven chętnie przyjął zlecenie skomponowania opery, gdyż w Wiedniu sukces na scenie operowej oznaczał sławę i pieniądze. Fabuła w skrócie wyglądała następująco: odważna, przedsiębiorcza kobieta, ubrana w męski strój, ratuje ukochanego męża, uwięzionego przez okrutnego tyrana, i wystawia go przed ludem. Aby uniknąć pomyłki z istniejącą wcześniej operą opartą na tej fabule, Leonorą Gaveau, dzieło Beethovena nazwano Fidelio, od imienia przyjętego przez bohaterkę w przebraniu. Oczywiście Beethoven nie miał doświadczenia w komponowaniu dla teatru. Kulminacyjne momenty melodramatu naznaczone są znakomitą muzyką, w pozostałych zaś brak polotu dramatycznego nie pozwala kompozytorowi wznieść się ponad operową rutynę (choć bardzo się o to starał: w „Fidelio” są fragmenty przerobione aż do osiemnaście razy). Mimo to opera stopniowo zdobywała sobie sympatię słuchaczy (za życia kompozytora odbyły się jej trzy inscenizacje w różnych wydaniach – w latach 1805, 1806 i 1814). Można postawić tezę, że w żadną inną kompozycję kompozytor nie włożył tyle wysiłku.

Beethoven, jak już wspomniano, darzył głębokim szacunkiem twórczość Goethego, skomponował na podstawie jego tekstów kilka pieśni, muzykę do swojej tragedii Egmont, ale Goethego poznał dopiero latem 1812 roku, kiedy razem wylądowali w kurorcie w Teplitz. Wyrafinowane maniery wielkiego poety i surowe zachowanie kompozytora nie przyczyniły się do ich zbliżenia. „Jego talent niezwykle mnie zadziwił, ale niestety ma niezłomny temperament, a świat wydaje mu się tworem odrażającym” – mówi Goethe w jednym ze swoich listów.

Przyjaźń Beethovena z Rudolfem, austriackim arcyksięcia i przyrodnim bratem cesarza, to jedna z najciekawszych historii historycznych. Około 1804 roku 16-letni arcyksiążę zaczął pobierać lekcje gry na fortepianie u kompozytora. Pomimo ogromnej różnicy w statusie społecznym, nauczyciel i uczeń żywili do siebie szczere uczucie. Występując na lekcje w pałacu arcyksięcia, Beethoven musiał mijać niezliczonych lokajów, zwracać się do swojego ucznia „Wasza Wysokość” i walczyć ze swoim amatorskim podejściem do muzyki. A wszystko to robił z niesamowitą cierpliwością, choć nigdy nie wahał się odwoływać lekcji, jeśli był zajęty komponowaniem. Na zlecenie arcyksięcia powstały takie dzieła jak sonata fortepianowa „Pożegnanie”, Koncert potrójny, ostatni i najwspanialszy V Koncert fortepianowy oraz Msza uroczysta (Missa solemnis). Arcyksiążę, książę Kinski i książę Lobkowitz ustanowili swego rodzaju stypendium dla kompozytora, który przyniósł chwałę Wiedniu, ale nie otrzymał wsparcia ze strony władz miasta, a arcyksiążę okazał się najbardziej godnym zaufania z trójki mecenasów.

Ostatnie lata.

Sytuacja finansowa kompozytora wyraźnie się poprawiła. Wydawcy polowali na jego partytury i zamawiali dzieła, m.in. duże wariacje na fortepian na temat walca Diabellego (1823). Kiedy w 1815 roku zmarł jego brat Kaspar, kompozytor stał się jednym z opiekunów swojego dziesięcioletniego siostrzeńca Karola. Miłość Beethovena do chłopca i chęć zapewnienia mu przyszłości zderzyły się z nieufnością, jaką kompozytor żywił do matki Karla; w rezultacie tylko z obydwoma się kłócił i ta sytuacja nadała tragiczny blask ostatniemu okresowi jego życia. W latach, gdy Beethoven zabiegał o pełną opiekę, niewiele komponował.

Głuchota Beethovena stała się prawie całkowita. Do 1819 roku musiał całkowicie przejść na komunikowanie się z rozmówcami za pomocą tablicy łupkowej lub papieru i ołówka (zachowały się tzw. zeszyty rozmów Beethovena). Całkowicie pogrążony w takich dziełach, jak majestatyczna Msza uroczysta D-dur (1818) czy IX Symfonia, zachowywał się dziwnie, budząc niepokój obcych: „śpiewał, wył, tupał nogami i w ogóle zdawał się toczyć śmiertelną walkę z niewidzialnym wrogiem” (Schindler). Genialne ostatnie kwartety, pięć ostatnich sonat fortepianowych – imponujące pod względem skali, niezwykłe w formie i stylu – wielu współczesnym wydawały się dziełami szaleńca. A jednak wiedeńscy słuchacze uznali szlachetność i wielkość muzyki Beethovena, czuli, że mają do czynienia z geniuszem. W 1824 roku podczas wykonania IX Symfonii z chóralnym finałem opartym na tekście ody Schillera „Do radości” Beethoven stanął obok dyrygenta. Salę urzekła potężna kulminacja na zakończenie symfonii, publiczność oszalała, ale głuchy Beethoven się nie odwrócił. Jeden ze śpiewaków musiał go chwycić za rękaw i odwrócić twarzą do publiczności, tak aby kompozytor się ukłonił.

Losy innych późniejszych dzieł były bardziej skomplikowane. Minęło wiele lat od śmierci Beethovena i dopiero wtedy najbardziej otwarci muzycy zaczęli wykonywać jego ostatnie kwartety i ostatnie sonaty fortepianowe, odsłaniając ludziom najwyższe, najpiękniejsze osiągnięcia Beethovena. Czasami późny styl Beethovena charakteryzuje się kontemplacją, abstrakcyjnością, a w niektórych przypadkach lekceważeniem praw eufonii.

Beethoven zmarł w Wiedniu 26 marca 1827 roku na zapalenie płuc, powikłane żółtaczką i opuchlizną.

3. Dzieło fortepianowe Beethovena

Dziedzictwo muzyki fortepianowej Beethovena jest wspaniałe:

32 sonaty;

22 cykle wariacyjne (w tym „32 wariacje c-moll”);

bagatele, tańce, ronda;

wiele drobnych prac.

Beethoven był genialnym pianistą-wirtuozem, który improwizował na każdy temat z niewyczerpaną kreatywnością. Koncertowe występy Beethovena bardzo szybko ujawniły jego potężną, gigantyczną naturę i ogromną emocjonalną siłę wyrazu. To już nie był styl kameralnego salonu, ale wielkiej sceny koncertowej, na której muzyk potrafił odsłaniać nie tylko liryczne, ale i monumentalne, heroiczne obrazy, do których z pasją się przyciągał. Wkrótce wszystko to wyraźnie przejawiło się w jego kompozycjach. Co więcej, indywidualność Beethovena ujawniała się przede wszystkim w jego dziełach fortepianowych: Beethoven zaczynał od skromnego, klasycystycznego stylu fortepianowego, wciąż w dużej mierze kojarzonego ze sztuką gry na klawesynie, a kończył na muzyce na fortepian współczesny.

Innowacyjne techniki stylu fortepianowego Beethovena:

rozszerzenie do granic zakresu dźwięku, odsłaniając w ten sposób nieznane dotąd środki wyrazu skrajnych rejestrów. Stąd wrażenie dużej przestrzeni powietrznej uzyskane poprzez zestawienie odległych rejestrów;

przeniesienie melodii do niskich rejestrów;

zastosowanie masywnych akordów, bogata faktura;

wzbogacenie technologii pedałów.

Wśród bogatego dziedzictwa fortepianowego Beethovena wyróżniają się jego 32 sonaty. Sonata Beethovena stała się niczym symfonia na fortepian. Jeśli dla Beethovena symfonia była sferą monumentalnych idei i szerokich „całkowicie ludzkich” problemów, to w sonatach kompozytor odtworzył świat wewnętrznych przeżyć i uczuć człowieka. Zdaniem B. Asafiewa „Sonaty Beethovena to całe życie człowieka. Wydaje się, że nie ma stanów emocjonalnych, które nie znalazłyby tu w ten czy inny sposób odzwierciedlenia.”

Beethoven interpretuje swoje sonaty w duchu różnych tradycji gatunkowych:

symfonie („Appassionata”);

fantasy („Księżycowy”);

Uwertura („Patetyka”).

W wielu sonatach Beethoven łamie klasyczny schemat trzech części, umieszczając dodatkową część – menuet lub scherzo – pomiędzy częścią wolną a finałem, upodabniając w ten sposób sonatę do symfonii. Wśród późniejszych sonat znajdują się dwie części.

Sonata nr 8 „Pathetique” (c-moll, 1798).

Nazwę „Pathetique” nadał sam Beethoven, bardzo trafnie określając główny ton, jaki dominuje w muzyce tego dzieła. „Żałosny” - przetłumaczony z greckiego. - namiętny, podekscytowany, pełen patosu. Znane są tylko dwie sonaty, których tytuły należą do samego Beethovena: „Pathetique” i „Pożegnanie” (Es-dur, op. 81 a). Spośród wczesnych sonat Beethovena (sprzed 1802 r.) Pathétique jest najbardziej dojrzała.

Sonata nr 14 „Światło księżyca” (cis-moll, 1801).

Nazwę „Lunar” nadał współczesny poeta Beethovena L. Relshtab (Schubert napisał wiele pieśni na podstawie swoich wierszy), ponieważ Muzyka tej sonaty kojarzyła się z ciszą i tajemnicą księżycowej nocy. Sam Beethoven określił ją mianem „Sonata quasi una fantasia” (sonata jakby była fantazją), co uzasadniało przegrupowanie części cyklu:

Część I – Adagio, napisana w formie dowolnej;

Część II - Allegretto w konwencji preludium-improwizacji;

Część III – Finał, w formie sonatowej.

Oryginalność kompozycji sonaty wynika z jej poetyckiego zamysłu. Dramat psychiczny, spowodowane nim przejścia stanów - od żałobnego zaabsorbowania sobą do gwałtownej aktywności.

Część I (cis-moll) - żałobny monolog-refleksja. Przypomina wysublimowany chorał, marsz żałobny. Najwyraźniej sonata ta oddawała nastrój tragicznej samotności, jaki ogarniał Beethovena w momencie upadku jego miłości do Juliet Guicciardi.

Z jej wizerunkiem często kojarzona jest część II sonaty (Des major). Pełne wdzięcznych motywów, gry światła i cienia Allegretto różni się znacznie od części I i finału. Według definicji F. Lista jest to „kwiat pomiędzy dwiema przepaściami”.

Finał sonaty to burza, która zmiata wszystko na swojej drodze, szalejący pierwiastek uczuć. Finał Sonaty księżycowej wyprzedza Appassionatę.

Sonata nr 21 „Aurora” (C-dur, 1804).

W tej kompozycji odsłania się nowe oblicze Beethovena, słabego od burzliwych namiętności. Wszystko tutaj oddycha nieskazitelną czystością i świeci olśniewającym światłem. Nic dziwnego, że nazywano ją „Aurorą” (w mitologii starożytnego Rzymu - boginią świtu, taką samą jak Eos w starożytnej Grecji). „Biała Sonata” – nazywa ją Romain Rolland. Pojawiają się tu obrazy natury w całej okazałości.

Część I ma charakter monumentalny, nawiązujący do idei królewskiego obrazu wschodu słońca.

R. Rolland część II określa jako „stan duszy Beethovena wśród spokojnych pól”.

Finał to zachwyt nad nieopisanym pięknem otaczającego nas świata.

Sonata nr 23 „Appassionata” (f-moll, 1805).

Imię „Appassionata” (namiętny) nie należy do Beethovena, zostało wymyślone przez hamburskiego wydawcę Kranza. Wściekłość uczuć, szalejący potok myśli i namiętności o iście tytanicznej mocy ucieleśniają się tu w klasycznie czystych, doskonałych formach (namiętności powstrzymuje żelazna wola). R. Rolland definiuje „Appassionatę” jako „ognisty strumień w granitowej kierownicy”. Kiedy uczeń Beethovena, Schindler, zapytał nauczyciela o treść tej sonaty, Beethoven odpowiedział: „Przeczytaj Burzę Szekspira”. Ale Beethoven ma własną interpretację dzieła Szekspira: w jego dziele tytaniczna walka człowieka z naturą nabiera wyraźnego wydźwięku społecznego (walka z tyranią i przemocą).

„Appassionata” to ulubione dzieło W. Lenina: „Nie znam nic lepszego niż „Appassionata”, jestem gotowy słuchać go codziennie. Niesamowita, nieludzka muzyka. Zawsze myślę z dumą, może naiwnie: oto cuda, których ludzie mogą dokonać!”

Sonata kończy się tragicznie, ale jednocześnie zyskuje sens życia. „Appassionata” staje się pierwszą „optymistyczną tragedią” Beethovena. Pojawienie się w kodzie finału nowego obrazu (epizodu w rytmie ciężkiego masowego tańca), który u Beethovena ma znaczenie symboliczne, tworzy niespotykanie jasny kontrast nadziei, impulsu ku światłu i ponurej rozpaczy.

Jedną z charakterystycznych cech „Appassionaty” jest jej niezwykła dynamika, która rozszerzyła jej zakres do kolosalnych rozmiarów. Rozwój formy allegro sonatowego następuje w wyniku rozwoju, przenikającego do wszystkich sekcji formy, m.in. i ekspozycja. Sam rozwój urasta do gigantycznych rozmiarów i bez cezury zamienia się w powtórkę. Koda przechodzi w drugi rozwój, w którym osiąga się kulminację całej części.

Sonaty, które powstały po Appassionacie, stanowiły punkt zwrotny, zwrot w stronę nowego, późnego stylu Beethovena, który pod wieloma względami wyprzedzał twórczość kompozytorów romantycznych XIX wieku.

4. Dzieła symfoniczne Beethovena.

Beethoven jako pierwszy nadał symfonii cel społeczny i podniósł ją do poziomu filozofii. To w symfonii rewolucyjno-demokratyczny światopogląd kompozytora ucieleśniał się z największą głębią.

Beethoven stworzył w swoich dziełach symfonicznych majestatyczne tragedie i dramaty. Symfonia Beethovena, adresowana do ogromnych mas ludzkich, ma monumentalne formy. Tym samym pierwsza część symfonii „Eroica” jest prawie dwukrotnie większa od pierwszej części największej symfonii Mozarta „Jowisz”, a gigantyczne wymiary IX symfonii są w zasadzie niewspółmierne z żadnym z wcześniej napisanych dzieł symfonicznych.

Do 30. roku życia Beethoven w ogóle nie napisał symfonii. Każde dzieło symfoniczne Beethovena jest owocem najdłuższej pracy. Tak więc stworzenie „Eroiki” zajęło 1,5 roku, Piątej Symfonii - 3 lata, Dziewiątej - 10 lat. Większość symfonii (od III do IX) przypada na okres największego rozkwitu twórczości Beethovena.

Symfonia I podsumowuje poszukiwania wczesnego okresu. Zdaniem Berlioza „to już nie jest Haydn, ale jeszcze nie Beethoven”. W drugim, trzecim i piątym wyrażone są obrazy rewolucyjnego bohaterstwa. Czwarty, szósty, siódmy i ósmy wyróżniają się cechami lirycznymi, gatunkowymi, scherzo-humorystycznymi. W IX Symfonii Beethoven po raz ostatni powraca do tematu tragicznej walki i optymistycznej afirmacji życia.

Trzecia Symfonia „Eroica” (1804).

Prawdziwy rozkwit twórczości Beethovena wiąże się z jego III Symfonią (okresem dojrzałej twórczości). Pojawienie się tego dzieła poprzedziły tragiczne wydarzenia w życiu kompozytora – początek głuchoty. Zdając sobie sprawę, że nie ma już nadziei na wyzdrowienie, pogrążył się w rozpaczy, myśli o śmierci nie opuściły go. W 1802 roku Beethoven spisał testament dla swoich braci, zwany Heiligenstadt.

To właśnie w tym strasznym dla artysty momencie narodził się pomysł III Symfonii i rozpoczął się duchowy punkt zwrotny, od którego rozpoczął się najbardziej owocny okres w twórczym życiu Beethovena.

Utwór ten odzwierciedlał zamiłowanie Beethovena do ideałów Rewolucji Francuskiej i Napoleona, który uosabiał w jego umyśle obraz prawdziwego bohatera ludowego. Po ukończeniu symfonii Beethoven nazwał ją „Buonaparte”. Wkrótce jednak do Wiednia dotarła wiadomość, że Napoleon zdradził rewolucję i ogłosił się cesarzem. Dowiedziawszy się o tym, Beethoven wpadł we wściekłość i wykrzyknął: „To także zwykły człowiek! Teraz zdepcze wszelkie prawa człowieka, będzie kierował się wyłącznie swoimi ambicjami, postawi się ponad wszystkich i stanie się tyranem! Według naocznych świadków Beethoven podszedł do stołu, chwycił stronę tytułową, podarł ją od góry do dołu i rzucił na podłogę. Następnie kompozytor nadał symfonii nową nazwę - „Heroic”.

Wraz z III Symfonią rozpoczęła się nowa era w historii światowej symfonii. Znaczenie dzieła jest następujące: podczas tytanicznej walki bohater umiera, ale jego wyczyn jest nieśmiertelny.

Część I - Allegro con brio (Es-dur). G.P. to obraz bohatera i walki.

Część II - marsz żałobny (c-moll).

Część III – Scherzo.

Część IV – Finał – poczucie wszechogarniającej ludowej zabawy.

Piąta Symfonia c-moll (1808).

Symfonia ta kontynuuje ideę bohaterskiej walki III Symfonii. „Przez ciemność do światła” – tak zdefiniował to pojęcie A. Serow. Kompozytor nie nadał tej symfonii tytułu. Ale jego treść wiąże się ze słowami Beethovena, który w liście do przyjaciela powiedział: „Nie potrzeba pokoju! Nie znam innego spokoju niż sen... Złapię los za gardło. Nie będzie w stanie mnie całkowicie zgiąć. To właśnie idea zmagania się z losem, z losem, zdeterminowała treść V Symfonii.

Po wspaniałej epopei (Trzecia Symfonia) Beethoven tworzy lakoniczny dramat. Jeśli Trzecią porównuje się do Iliady Homera, to Piątą Symfonię porównuje się do klasycystycznej tragedii i oper Glucka.

Część 4 symfonii jest postrzegana jako 4 akty tragedii. Łączy je motyw przewodni, od którego rozpoczyna się dzieło, o którym sam Beethoven powiedział: „Tak los puka do drzwi”. Temat ten opisany jest niezwykle lapidarnie, niczym motto (4 dźwięki), z ostro uderzającym rytmem. To symbol zła, które tragicznie wdziera się w życie człowieka, niczym przeszkoda, której pokonanie wymaga niesamowitego wysiłku.

W części I dominuje motyw rocka.

W części II czasem niepokojące jest jego „stukanie”.

W części III – Allegro – (Beethoven odrzuca tu zarówno tradycyjny menuet, jak i scherzo („żart”), bo muzyka jest tu niepokojąca i sprzeczna) – brzmi z nową goryczą.

W finale (uroczystość, marsz triumfalny) temat rocka brzmi jak wspomnienie dramatycznych wydarzeń z przeszłości. Finał to wielka apoteoza, osiągająca apogeum w kodzie wyrażającej zwycięską radość mas ogarniętych bohaterskim porywem.

VI Symfonia „Pastoralna” (F-dur, 1808).

Natura i zjednoczenie się z nią, poczucie spokoju, obrazy życia ludowego – oto treść tej symfonii. Spośród dziewięciu symfonii Beethovena szósta jest jedyną programową, tj. ma ogólną nazwę i każda część nosi tytuł:

Część I – „Radosne uczucia po przybyciu do wioski”

Część II – „Scena nad potokiem”

Część III – „Wesołe zgromadzenie mieszkańców wsi”

Część IV – „Burza”

Część V – „Pieśń pasterska. Pieśń dziękczynna dla bóstwa po burzy.

Beethoven starał się unikać naiwnej figuratywności i w podtytule tytułu podkreślał – „bardziej wyraz uczuć niż malarstwo”.

Natura niejako godzi Beethovena z życiem: w swoim uwielbieniu dla natury stara się znaleźć zapomnienie od smutków i niepokojów, źródło radości i inspiracji. Głuchy Beethoven, z dala od ludzi, często błąkał się po lasach na obrzeżach Wiednia: „Wszechmogący! Jestem szczęśliwy w lasach, gdzie każde drzewo mówi o Tobie. Tam w spokoju możemy Ci służyć.”

Symfonię „pastoralną” często uważa się za zwiastun muzycznego romantyzmu. „Swobodna” interpretacja cyklu symfonicznego (5 części jednocześnie, gdyż trzy ostatnie części wykonywane są bez przerwy, są trzy części), a także rodzaj programowania antycypującego twórczość Berlioza, Liszta i inni romantycy.

IX Symfonia (d-moll, 1824).

IX Symfonia to jedno z arcydzieł światowej kultury muzycznej. Tutaj Beethoven ponownie powraca do tematu heroicznej walki, która przybiera skalę ogólnoludzką, uniwersalną. Pod względem wielkości koncepcji artystycznej IX Symfonia przewyższa wszystkie wcześniejsze dzieła Beethovena. Nie bez powodu A. Sierow napisał, że „cała wielka działalność genialnego symfonisty zmierzała w stronę tej „dziewiątej fali”.

Wzniosła idea etyczna dzieła – apel do całej ludzkości z wezwaniem do przyjaźni, do braterskiej jedności milionów – ucieleśnia się w finale, który stanowi semantyczne centrum symfonii. To tutaj Beethoven po raz pierwszy przedstawia chór i śpiewaków solowych. Z tego odkrycia Beethovena korzystali nie raz kompozytorzy XIX i XX wieku (Berlioz, Mahler, Szostakowicz). Beethoven wykorzystał wersety z ody Schillera „Do radości” (idea wolności, braterstwa, szczęścia ludzkości):

Ludzie są między sobą braćmi!

Uściski, miliony!

Dołącz do radości jednego!

Beethoven potrzebował słowa, bo patos oratorium ma zwiększoną siłę oddziaływania.

Dziewiąta Symfonia zawiera funkcje programowe. Finał powtarza wszystkie wątki poprzednich części – jest to swego rodzaju muzyczne wyjaśnienie koncepcji symfonii, po którym następuje słowne wyjaśnienie.

Ciekawa jest także dramaturgia cyklu: najpierw są dwie szybkie części z dramatycznymi obrazami, potem trzecia część jest wolna i finał. Zatem cały ciągły rozwój figuratywny zmierza stopniowo do finału - wyniku zmagań życiowych, których różne aspekty podano w poprzednich częściach.

Sukces prawykonania IX Symfonii w 1824 roku był triumfalny. Beethovena powitano pięcioma brawami, podczas gdy nawet rodzinę cesarską, zgodnie z etykietą, należało witać tylko trzykrotnie. Głuchy Beethoven nie słyszał już aplauzu. Dopiero gdy odwrócił się twarzą do publiczności, był w stanie dostrzec zachwyt, jaki ogarnął słuchaczy.

Ale mimo to drugie wykonanie symfonii odbyło się kilka dni później w na wpół pustej sali.

Zabiegi.

W sumie Beethoven ma 11 uwertur. Prawie wszystkie pojawiały się jako wstęp do opery, baletu lub spektaklu teatralnego. Jeśli wcześniej celem uwertury było przygotowanie do odbioru akcji muzycznej i dramatycznej, to u Beethovena uwertura rozwija się w samodzielne dzieło. U Beethovena uwertura przestaje być wstępem do dalszej akcji, a staje się niezależnym gatunkiem, podlegającym własnym wewnętrznym prawom rozwoju.

Najlepsze uwertury Beethovena to Coriolanus, Leonora nr 2, Egmont. Uwertura „Egmont” – na podstawie tragedii Goethego. Jego tematem jest walka Holendrów z hiszpańskimi niewolnikami w XVI wieku. Bohater Egmont, walczący o wolność, umiera. W uwerturze wszelki rozwój ponownie przechodzi od ciemności do światła, od cierpienia do radości (jak w V i IX Symfonii).

Bibliografia

Późny styl Adorno T. Beethovena // MZh. 1988, nr 6.

Alschwanga A.Ludwiga Van Beethovena. M., 1977.

Bryantseva V. Jean Philippe Rameau i francuski teatr muzyczny. M., 1981.

VA Mozarta. W 200. rocznicę śmierci: art. różni autorzy // SM 1991, nr 12.

Ginzburg L., Grigoriev V. Historia sztuki skrzypcowej. Tom. 1. M., 1990.

Gozenpud A.A. Krótki słownik operowy. Kijów, 1986.

Gruber R.I. Ogólna historia muzyki. Część 1. M., 1960.

Gurevich E. L. Historia muzyki zagranicznej: Popularne wykłady: Dla studentów. wyższy i środa pe. podręcznik zakłady. M., 2000.

Druskin M. S. I. S. Bach. M., „Muzyka”, 1982.

Historia muzyki zagranicznej. Tom. 1. Do połowy XVIII wieku / komp. Rosenshield K.K.M., 1978.

Historia muzyki zagranicznej. Tom. 2. Druga połowa XVIII wieku. / komp. Levik B.V. M., 1987.

Historia muzyki zagranicznej. Tom. 3. Niemcy, Austria, Włochy, Francja, Polska od 1789 r. do połowy XIX w. / Por. Konen V.D. M., 1989.

Historia muzyki zagranicznej. Tom. 6 / wyd. Smirnova V.V. Petersburg, 1999.

Kabanova I. Guido d’Arezzo // Rocznik pamiętnych dat i wydarzeń muzycznych. M., 1990.

Konena V. Monteverdiego. - M., 1971.

Levik B. Historia muzyki zagranicznej: Podręcznik. Tom. 2. M.: Muzyka, 1980.

Livanova T. Muzyka zachodnioeuropejska XVII - XVIII wieku wśród sztuk. M., „Muzyka”, 1977.

Livanova T.I. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku: Podręcznik. W 2 tomach T. 1. Według XVIII w. M., 1983.

Lobanova M. Zachodnioeuropejski barok muzyczny: problemy estetyki i poetyki. M., 1994.

Marchesi G. Opera. Przewodnik. Od początków do współczesności. M., 1990.

Martynov V.F. Światowa kultura artystyczna: Podręcznik. dodatek. - wyd. 3. - Mn.: TetraSystems, 2000.

Mathieu M.E. Historia sztuki starożytnego Wschodu. W 2 tomach T.1 - L., 1941.

Milshtein Ya. Dobrze hartowany clavier J. S. Bacha i cechy jego wykonania. M., „Muzyka”, 1967.

Estetyka muzyczna krajów Wschodu / Ogólne. wyd. V.P.Szestakowa. - L.: Muzyka, 1967.

Morozow SA Bach. - wyd. 2 - M.: Mol. Guard, 1984. - (Życie niezwykłych ludzi. Ser. biogr. Wydanie 5).

Novak L. Joseph Haydn. M., 1973.

Libretta operowe: Krótkie podsumowanie treści oper. M., 2000.

Od Lully do dnia dzisiejszego: sob. artykuły / komp. B.J. Konen. M., 1967.

Rollanda R. Handla. M., 1984.

Rolland R. Grétry // Rolland R. Dziedzictwo muzyczne i historyczne. Tom. 3. M., 1988.

Rytsarev S.A. K.V. Usterka. M., 1987.

Smirnov M. Emocjonalny świat muzyki. M., 1990.

Twórcze portrety kompozytorów. Popularny podręcznik. M., 1990.

Westrepa J. Purcella. L., 1980.

Filimonova S.V. Historia światowej kultury artystycznej: Podręcznik dla uczniów szkół średnich i uniwersytetów. Części 1-4. Mozyr, 1997, 1998.

Forkel I. N. O życiu, sztuce i twórczości Jana Sebastiana Bacha. M., „Muzyka”, 1974.

Hammerschlag I. Gdyby Bach prowadził dziennik. Budapeszt, Korwina, 1965.

Chubow G. N. Sebastian Bach. wyd. 4. M., 1963.

Schweitzer A. Johann Sebastian Bach. M., 1966.

Eskina N. Barok // MJ. 1991, nr 1, 2.

http://www.musarticles.ru

Bagatelle (z francuskiego – „bibelot”) to niewielki, łatwy do wykonania utwór muzyczny, przeznaczony głównie na instrument klawiszowy. Nazwy tej użył po raz pierwszy Couperin. Bagatele pisali Beethoven, Liszt, Sibelius i Dvorak.

W sumie są 4 uwertury Leonory. Powstały jako 4 wersje uwertury do opery „Fidelio”.

Ryabchinskaya Inga Borysowna
Stanowisko: nauczyciel gry na fortepianie, akompaniator
Instytucja edukacyjna: Dziecięca Szkoła Muzyczna MBU DO im. D.D. Szostakowicz
Lokalizacja: miasto Wołgodońsk, obwód rostowski
Nazwa materiału: opracowanie metodologiczne
Temat: „Epoki historyczne. Style muzyczne” (klasycyzm, romantyzm)
Data publikacji: 16.09.2015

Część tekstowa publikacji

Miejska budżetowa instytucja edukacji dodatkowej Dziecięca szkoła muzyczna im. D. D. Szostakowicza, Wołgodońsk
Rozwój metodologiczny na ten temat:

„Epoki historyczne.

Style muzyczne »
klasycyzm, romantyzm
) Opracowanie przeprowadziła Inga Borisovna Ryabchinskaya, nauczycielka pierwszej kategorii, akompaniator najwyższej kategorii
Styl i epoka to dwa powiązane ze sobą pojęcia. Każdy styl jest nierozerwalnie związany z atmosferą historyczną i kulturową, w której powstał. Najważniejsze nurty stylistyczne pojawiały się, istniały i zanikały w sekwencji historycznej. W każdym z nich wyraźnie manifestowały się ogólne zasady artystyczne i figuratywne, środki wyrazu i metody twórcze.
KLASYCYZM
Słowa „klasyczny”, „klasycyzm”, „klasyczny” pochodzą od łacińskiego rdzenia - classicus, czyli wzorowy. Kiedy artystę, pisarza, poetę, kompozytora nazywamy klasykiem, mamy na myśli to, że osiągnął on najwyższe mistrzostwo i doskonałość w sztuce. Jego praca jest wysoce profesjonalna i jest dla nas
próbka.
Istnieją dwa historyczne etapy powstawania i rozwoju klasycyzmu.
Pierwszy etap
sięga XVII wieku. Klasycyzm XVII wieku wyrósł ze sztuki renesansowej. rozwijał się równolegle z barokiem, częściowo w walce, częściowo w interakcji z nim i w tym okresie osiągnął największy rozwój we Francji. Dla klasyków tego okresu niezrównanymi przykładami twórczości artystycznej były dzieła sztuki starożytnej, gdzie ideałem był porządek, racjonalność i harmonia. W swoich dziełach poszukiwali piękna i prawdy, przejrzystości, harmonii, kompletności konstrukcji.
Druga faza
- późny klasycyzm, od połowy XVIII do początków XIX wieku, kojarzony jest przede wszystkim z
wiedeńska szkoła klasyczna
. Do historii kultury europejskiej wszedł jako
Wiek Oświecenia
lub Wiek Rozumu. Człowiek przywiązywał wielką wagę do wiedzy i wierzył w możliwość wyjaśniania świata. Główny bohater to osoba gotowa do bohaterskich czynów, podporządkowująca swoje interesy – ogólne, duchowe
klasycyzm

klasycyzm

jasne

Harmonia

jasne

Harmonia

ścisły

formy

ścisły

formy

zrównoważony

uczucia

zrównoważony

uczucia

Impulsy są głosem rozsądku. Wyróżnia go niezłomność moralna, odwaga, prawdomówność i oddanie obowiązkom. Racjonalna estetyka klasycyzmu znalazła odzwierciedlenie we wszystkich rodzajach sztuki.
Architektura
Okres ten charakteryzuje się uporządkowaniem, funkcjonalnością, proporcjonalnością części, tendencją do równowagi i symetrii, przejrzystością planów i konstrukcji, ścisłą organizacją. Z tego punktu widzenia symbolem klasycyzmu jest geometryczny układ parku królewskiego w Wersalu, gdzie zgodnie z prawami symetrii rozmieszczono drzewa, krzewy, rzeźby i fontanny. Pałac Taurydów, wzniesiony przez I. Starowa, stał się standardem rosyjskiej surowej klasyki.
W malarstwie
Główne znaczenie nabrało logicznego rozwoju fabuły, jasnej, zrównoważonej kompozycji, wyraźnego przeniesienia objętości, podrzędnej roli koloru za pomocą światłocienia i wykorzystania lokalnych barw (N. Poussin, C. Lorrain, J. Dawid).
W sztuce poetyckiej
Istniał podział na gatunki „wysokie” (tragedia, oda, epopeja) i „niskie” (komedia, baśń, satyra). Wybitni przedstawiciele literatury francuskiej P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere mieli ogromny wpływ na kształtowanie się klasycyzmu w innych krajach. Ważnym punktem tego okresu było powstanie różnorodnych akademii: nauk ścisłych, malarstwa, rzeźby, architektury, inskrypcji, muzyki i tańca.
Styl muzyczny klasycyzmu
Klasycyzm w muzyce różnił się od klasycyzmu w sztukach pokrewnych i powstał w latach 1730–1820. W różnych kulturach narodowych style muzyczne upowszechniały się w różnym czasie; Nie ulega wątpliwości, że w połowie XVIII wieku niemal wszędzie zatriumfował klasycyzm. Treść utworów muzycznych związana jest ze światem ludzkich uczuć, które nie podlegają ścisłej kontroli umysłu. Jednak kompozytorzy tej epoki stworzyli bardzo harmonijny i logiczny system zasad konstruowania dzieła. W epoce klasycyzmu ukształtowały się i osiągnęły doskonałość takie gatunki jak opera, symfonia i sonata. Prawdziwą rewolucją była operowa reforma Christophe'a Glucka. Jego program twórczy opierał się na trzech wielkich zasadach – prostocie, prawdzie, naturalności. W dramacie muzycznym szukał sensu, a nie słodyczy. Gluck usuwa z opery wszystko, co zbędne: dekoracje, wspaniałe efekty, nadaje poezji większą siłę wyrazu, a muzyka jest całkowicie podporządkowana ujawnieniu wewnętrznego świata bohaterów. Opera „Orfeusz i Eurydyka” była pierwszym dziełem, w którym Gluck wprowadził nowe pomysły i zapoczątkowała reformę operową. Surowość, proporcjonalność formy, szlachetna prostota bez pretensjonalności, wyczucie
środek artystyczny w twórczości Glucka przypomina harmonię form rzeźby antycznej. Arie, recytatywy i chóry tworzą dużą kompozycję operową. Okres rozkwitu klasycyzmu muzycznego rozpoczął się w drugiej połowie XVIII wieku w Wiedniu. Austria była wówczas potężnym imperium. Wielonarodowość kraju wpłynęła także na jego kulturę artystyczną. Najwyższym wyrazem klasycyzmu była twórczość Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta, Ludwiga van Beethovena, którzy działali w Wiedniu i tworzyli kierunek w kulturze muzycznej – wiedeńską szkołę klasyczną.
Twórcy klasycyzmu wiedeńskiego w

muzyka

W. Mozarta

J.Haydn L.

Beethovena
Estetyka klasycyzmu opierała się na wierze w racjonalność i harmonię porządku świata, co objawiało się dbałością o równowagę części dzieła, starannym wykończeniem detali i wypracowaniem podstawowych kanonów formy muzycznej. To właśnie w tym okresie ukształtowała się ostatecznie forma sonatowa, oparta na rozwoju i opozycji dwóch kontrastujących ze sobą tematów, oraz ustalono klasyczną kompozycję części sonaty i symfonii.
wiedeński

klasycyzm

wiedeński

klasycyzm

Forma sonatowa
Sonata – (z włoskiego sonare – dźwięk) to jedna z form kameralnej muzyki instrumentalnej, która składa się z kilku części. Sonatina - (włoska sonatina - zdrobnienie od sonata) - mała sonata, bardziej zwięzła pod względem treści, znacznie prostsza w treści i łatwiejsza technicznie. Instrumentami, dla których pierwotnie skomponowano sonaty, są skrzypce, flet, clavier – ogólna nazwa wszystkich instrumentów klawiszowych – klawesyn, klawikord, fortepian. Gatunek sonaty clavier (fortepianowej) osiągnął swój największy rozkwit w epoce klasycyzmu. W tym czasie popularne było odtwarzanie muzyki w domu. Największym napięciem i ostrością odznacza się pierwsza część sonaty, przedstawiona w formie sonatowej. Część pierwsza (allegro sonatowe) składa się z trzech części: Pierwsza część allegra sonatowego obejmuje część główną i wtórną, łączącą i końcową: repryzę, rozwinięcie, ekspozycję
Druga część allegra sonatowego - rozwinięcie Trzecia część allegra sonatowego - repryza:
ekspozycja

dom

przesyłka

Główny

klucz

strona

przesyłka

Klucz

dominujące

rozwój

rozwój

sprzeciw

imprezy

sprzeciw

imprezy

modyfikacja

imprezy

modyfikacja

imprezy

"splot"

imprezy

"splot"

imprezy

Możliwy fragment kodu allegro sonatowego:
Druga część
forma sonatowa – powolna. Muzyka przekazuje spokojny tok myśli, wychwala piękno uczuć i maluje przepiękny krajobraz.
Trzecia część
sonaty (finał). Finały sonat wykonywane są zazwyczaj w szybkim tempie i mają charakter taneczny, np. menuet. Często finały klasycznych sonat są zapisane w formie
rondo
(z włoskiego rondo - koło). Powtarzająca się część -
A
-
refren
(Główny temat),
B, C, D
- kontrastowy
odcinki
.
potrącenie od dochodu

dom

przesyłka

Główny

klucz

strona

przesyłka

Główny

klucz
partia wiążąca partia końcowa
kod

kod

tonacja jest stała

tonacja jest stała

kontrasty są usuwane

kontrasty są usuwane

brzmią główne motywy

brzmią główne motywy

Józefa Haydna

„Haydn, którego imię tak jasno błyszczy w świątyni harmonii…”
Joseph Haydn jest twórcą klasycyzmu wiedeńskiego, ruchu, który zastąpił barok. Jego życie nadal będzie toczyć się głównie na dworze władców świeckich, a w jego twórczości kształtują się nowe zasady muzyczne, pojawią się nowe gatunki. To wszystko
zachowuje swoje znaczenie w naszych czasach... Haydn nazywany jest twórcą klasycznej muzyki instrumentalnej, założycielem współczesnej orkiestry symfonicznej i ojcem symfonii. Ustanowił prawa symfonii klasycznej: nadał jej harmonijny, pełny wygląd, ustalił porządek ich ułożenia, który w jej zasadniczych cechach zachował się do dziś. Symfonia klasyczna ma cykl czterocyfrowy. Pierwsza część przebiega w szybkim tempie i najczęściej brzmi energicznie i podekscytowaniu. Druga część jest powolna. Jej muzyka oddaje liryczny nastrój człowieka. Trzecia część – menuet – to jeden z ulubionych tańców epoki Haydna. Czwarta część to finał. To wynik całego cyklu, wniosek ze wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, odczute w poprzednich częściach. Muzyka finału jest zwykle skierowana w górę, jest afirmująca życie, uroczysta i zwycięska. W symfonii klasycznej odnaleziono formę idealną, która może zawierać bardzo głęboką treść. W twórczości Haydna ugruntowany jest także typ klasycznej sonaty trzyczęściowej. Dzieła kompozytora cechuje piękno, porządek, subtelna i szlachetna prostota. Jego muzyka jest bardzo jasna, lekka, przeważnie w tonacji durowej, pełna pogody, cudownej ziemskiej radości i niewyczerpanego humoru. Jego przodkami byli chłopi i robotnicy, po których zamiłowanie do życia, wytrwałość i optymizm odziedziczył klasyk. „Mój zmarły ojciec z zawodu był powozem, poddanym hrabiego Harracha, a z natury zagorzałym miłośnikiem muzyki”. Haydn zainteresował się muzyką już jako dziecko. Widząc talent syna, rodzice wysłali go na studia do innego miasta – tam chłopiec mieszkał pod opieką krewnej. Haydn następnie przeniósł się do innego miasta, gdzie śpiewał w chórze. W rzeczywistości od 6 roku życia Joseph Haydn prowadził niezależne życie. Można powiedzieć, że był samoukiem, gdyż nie miał pieniędzy ani koneksji na systematyczną naukę u znanych nauczycieli. W miarę jak dorastał, jego głos stawał się coraz bardziej szorstki i bardzo młody Haydn znalazł się na ulicy bez dachu nad głową. Zarabiał na życie udzielając lekcji, które sam sobie udzielił. Kontynuacja samodzielnej nauki: Haydn uważnie studiuje muzykę C.F.E. Bach (syn J.S. Bacha) słucha dobiegających z ulicy pieśni (w tym melodii słowiańskich), a Haydn zaczyna komponować. Zostaje zauważony. W Europie szlachta prześcigała się w zatrudnianiu najlepszych muzyków. Lata, które młody Haydn spędził jako wolny artysta, były owocne, ale nadal było to trudne życie. Żonaty już Haydn (wszyscy określają to małżeństwo jako skrajnie nieudane) przyjmuje zaproszenie księcia Esterhazy’ego. W rzeczywistości na dworze Esterhazy’ego Haydn
będzie trwać 30 lat. Do jego obowiązków należy komponowanie muzyki i kierowanie orkiestrą książęcą. Książę Esterhazy (lub Esterhazy) był według wszelkich relacji porządnym człowiekiem i wielkim miłośnikiem muzyki. Haydn mógł robić to, co kochał. Muzykę pisano na zamówienie – żadnej „swobody twórczej”, ale w tamtych czasach była to powszechna praktyka. Poza tym zamawianie ma znaczną zaletę: zamówiona muzyka z pewnością została wykonana natychmiast. Na stole nie było nic napisane.
Od pierwszego oficjalnego porozumienia między księciem Esterhazy i

Wicekapelmistrz Joseph Haydn:
„Na mocy pierwszego rozkazu Jego Lordowskiej Mości Wielkiego Księcia wicekapelmistrz (Haydn) zobowiązuje się komponować dowolną muzykę, jaką sobie życzy Jego Wysokość, nie pokazywać nikomu nowych utworów, a tym bardziej nie pozwalać nikomu ich kopiować, ale zachować je wyłącznie dla Jego Wysokości i bez jego wiedzy i łaskawego pozwolenia, aby nie komponować niczego dla nikogo. Józef Haydn ma obowiązek codziennie stawić się w sali (czy to w Wiedniu, czy w którymkolwiek z majątków książęcych) przed i po obiedzie oraz meldować się, gdyby jego lordowska mość raczył zarządzić wykonanie lub skomponowanie muzyki. Poczekaj, a po otrzymaniu zamówienia zwróć na niego uwagę pozostałych muzyków. Mając takie zaufanie, Jego Najjaśniejsza Wysokość przyznaje mu, wicekapelmistrzowi, roczny dodatek w wysokości 400 guldenów reńskich, który będzie otrzymywał kwartalnie w skarbcu głównym. Co więcej, jemu, Josephowi Haydnowi, przysługiwało prawo do otrzymywania na koszt mistrza koszta ze stołu oficerskiego lub pół guldena dziennie z pieniędzy stołowych. (Wynagrodzenie zostało następnie kilkakrotnie zwiększone). Haydn uważał trzydzieści lat służby u książąt Esterhazy za dobry okres w swoim życiu. Jednak zawsze był optymistą. Ponadto Joseph Haydn miał wszelkie możliwości komponowania, a zawsze pisał szybko i dużo. To właśnie podczas służby na dworze książąt Esterhazy Haydn zyskał sławę. Relację Esterhazy’ego i Haydna doskonale ilustruje słynny przypadek Symfonii pożegnalnej. Członkowie orkiestry zwrócili się do Haydna z prośbą o wpływ na księcia: ich mieszkania okazały się za małe, aby przenieść rodziny. Muzycy tęsknili za swoimi rodzinami. Haydn wywarł wpływ na muzykę: napisał symfonię z jeszcze jedną częścią. A kiedy zabrzmi ta część, muzycy stopniowo odchodzą. Zostaje dwóch skrzypków, ale oni też gasią świece i wychodzą. Książę zrozumiał wskazówkę i spełnił „żądania” muzyków.
W roku 1790 umiera książę Esterhazy, Miklos Wspaniały. Nowy książę Anton nie był w nastroju do muzyki. Nie, Anton opuścił muzyków pułkowych, ale rozwiązał orkiestrę. Haydn pozostał bez pracy, choć otrzymywał dużą emeryturę, którą przyznał mu Miklos. A jeszcze było mnóstwo twórczej energii. W ten sposób Haydn ponownie stał się wolnym artystą. I pojedzie do Anglii na zaproszenie. Haydn niedługo skończy 60 lat, nie zna języków! Wyjeżdża jednak do Anglii. I znowu – triumf! „Mój język jest doskonale rozumiany na całym świecie” – powiedział o sobie kompozytor. W Anglii Haydn odniósł nie tylko oszałamiający sukces. Stamtąd przywiózł 12 kolejnych symfonii i oratoriów. Haydn był świadkiem własnej chwały – a to zdarza się bardzo rzadko. Twórca klasycyzmu wiedeńskiego pozostawił po sobie ogromną liczbę dzieł i jest to muzyka podtrzymująca życie, zrównoważona. Oratorium „Stworzenie świata” jest jednym z najsłynniejszych dzieł Haydna. To monumentalne malarstwo muzyczne, że tak powiem, kontemplacja wszechświata… Haydn ma ponad 100 symfonii, które Hoffmann nazwał „Dziecięcą radością duszy”. Duża liczba sonat, koncertów, kwartetów, oper... Joseph Haydn jest autorem niemieckiego hymnu narodowego.

Wolfgang Amadeusz Mozart

27 stycznia 1756 - 5 grudnia 1791
Twórczość Haydna wywarła ogromny wpływ na ukształtowanie się stylu symfonicznego i kameralnego Wolfganga Mozarta. Polegając na
Jego osiągnięcia w dziedzinie muzyki sonatowej i symfonicznej Mozart wniósł wiele nowych, ciekawych, oryginalnych rzeczy. Cała historia sztuki nie zna bardziej uderzającej osobowości niż on. Mozart miał fenomenalną pamięć i słuch, miał genialne umiejętności improwizacji, pięknie grał na skrzypcach i organach i nikt nie był w stanie podważyć jego prymatu jako klawesynisty. Był najpopularniejszym, najbardziej rozpoznawalnym i ukochanym muzykiem w Wiedniu. Jego opery mają wielką wartość artystyczną. Od dwóch stuleci „Wesele Figara” (opera buffa, ale realistyczna i z elementami lirycznymi) oraz „Don Giovanni” (opera określana jako „wesoły dramat” – to zarówno komedia, jak i tragedia o bardzo silnym i złożone obrazy) odniosły sukces.Uroczo elegancka melodia, prostota, luksusowa harmonia. A „Czarodziejski flet” (opera – singspiel, ale jednocześnie baśń filozoficzna o walce dobra ze złem) przeszedł do historii muzyki jako „łabędzi śpiew” Mozarta, jako dzieło najpełniej i żywo ujawnia swój światopogląd, swoje cenne myśli. Sztuka Mozarta jest doskonała pod względem umiejętności i absolutnie naturalna. Dał nam mądrość, radość, światło i dobroć. Johann Chryzostom Wolfgang Teofil Mozart urodził się 27 stycznia 1756 roku w Salzburgu. Amadeusz jest łacińskim odpowiednikiem greckiego imienia Teofil – „ulubieniec Boga”. Mozart jest zwykle nazywany dwoma imionami. Wolfgang Amadeus to cudowne dziecko. Ojciec Mozarta, Leopold Mozart, sam był znanym muzykiem, pedagogiem i dość płodnym kompozytorem. W rodzinie urodziło się 7 dzieci, przeżyło dwoje: Nannerl, starsza siostra Mozarta i sam Wolfgang. Leopold zaczął uczyć oboje dzieci od wczesnego dzieciństwa i jeździł z nimi w trasy koncertowe. To był prawdziwy okres wędrówki. Wyjazdów było kilka, w sumie trwały ponad 10 lat (z przerwami na powrót do domu lub choroby wieku dziecięcego). Ojciec nie tylko oprowadzał dzieci po Europie, w tym także monarchów. Szukał kontaktów, które pozwolą jego dojrzałemu synowi zdobyć przyszłą pracę zgodną ze swoim bystrym talentem. Mozart zaczął komponować już we wczesnym dzieciństwie, a jego muzyka dawna wykonywana jest niemal tak samo często, jak muzyka dojrzała. Ponadto podczas podróży ojciec zatrudnił dla swojego syna najlepszych nauczycieli w Europie (w Anglii był to najmłodszy syn J. S. Bacha - „London Bach”, we Włoszech - słynny Padre Martini, nawiasem mówiąc, od którego się uczył i jeden z założycieli profesjonalnych szkół kompozytorskich w Rosji Maksyma Bieriezowskiego). W tych samych Włoszech bardzo młody Mozart popełnił „straszny grzech”, który jest zawarty we wszystkich biografiach: w Kaplicy Sykstyńskiej, usłyszawszy to raz, całkowicie zapamiętał i spisał strzeżone
Dzieło Watykanu „Miserere” Allegriego. „I tutaj Wolfgang zdał słynny „egzamin” na subtelność słuchu i dokładność pamięci. Zapisał z pamięci słynne „Miserere” Gregorio Allegriego, które usłyszał. Utwór ten powszechnie uznawano za zwieńczenie gatunku i szczyt muzyki papieskiej na Wielki Piątek. Nic więc dziwnego, że kaplica bardzo dbała o zabezpieczenie tego dzieła przed nieproszonymi kopistami. To, czego Wolfgangowi udało się naturalnie dokonać, wywołało wielką sensację. Ojcu udało się uspokoić matkę i siostrę w Salzburgu, które obawiały się, że nagrywając „Miserere” Wolfgang zgrzeszył i może wpaść w kłopoty.” Mozart nie tylko nie ukończył uniwersytetu, ale nawet nie chodził do szkoły. Ojciec uczył go także edukacji ogólnej (matematyki, języków obcych). Ale wtedy dorastali wcześnie i we wszystkich warstwach społeczeństwa. Nie było czasu na subkulturę młodzieżową. Dzieci oczywiście były bardzo zmęczone. Wreszcie dorosły, co oznaczało, że przestały być cudownymi dziećmi, że społeczeństwo straciło nimi zainteresowanie. Tak naprawdę Mozart musiał ponownie „podbić” publiczność, już jako dorosły muzyk. W 1773 roku młody Mozart rozpoczął pracę dla arcybiskupa Salzburga. Mógł nadal podróżować i oczywiście ciężko pracować. Za kolejnego arcybiskupa Mozart opuścił stanowisko dworskie i stał się wolnym artystą. Po dzieciństwie wypełnionym ciągłymi podróżami po Europie i służbą u arcybiskupa Mozart przeniósł się do Wiednia. Nadal okresowo podróżuje do innych europejskich miast, ale stolica Austrii stanie się jego stałym domem. „Mozart był pierwszym z najważniejszych muzyków, który pozostał artystą wolnym i był pierwszym w historii kompozytorem – przedstawicielem bohemy artystycznej. Oczywiście praca na wolnym rynku oznaczała biedę”. Życie „na darmowym chlebie” wcale nie jest tak proste i różowe, jak mogłoby się wydawać. W muzyce dojrzałego Mozarta wyczuwalna jest tragedia jego świetlanego losu, poprzez blask i piękno muzyki uwydatnia się smutek i zrozumienie, ekspresja, pasja i dramat. Wolfgang Mozart w swoim krótkim życiu pozostawił ponad 600 dzieł. Musisz zrozumieć, że mówimy o dziełach na dużą skalę: operach, koncertach, symfoniach. Mozart to kompozytor uniwersalny. Tworzył zarówno muzykę instrumentalną, jak i wokalną, czyli we wszystkich gatunkach i formach istniejących w jego czasach. W przyszłości taki uniwersalizm stanie się zjawiskiem rzadkim. Ale Mozart jest uniwersalny nie tylko z tego powodu: „Jego muzyka zawiera w sobie ogromny świat: zawiera niebo i ziemię, naturę i człowieka, komedię i tragedię, namiętność we wszystkich jej postaciach i głębokie
spokój wewnętrzny” (K. Barth). Wystarczy przypomnieć niektóre jego dzieła: opery, symfonie, koncerty, sonaty. Dzieła fortepianowe Mozarta były ściśle związane z jego praktyką pedagogiczną i wykonawczą. Był największym pianistą swoich czasów. W XVIII wieku Byli oczywiście muzycy, którzy wirtuozerią nie ustępowali Mozartowi (pod tym względem jego głównym rywalem był Muzio Clementi), ale nikt nie mógł się z nim równać w głębokim znaczeniu jego wykonania. Życie Mozarta przypadło na czas, gdy klawesyn, klawikord i fortepian (jak wcześniej nazywano fortepian) były powszechne w życiu muzycznym. A jeśli w odniesieniu do wczesnej twórczości Mozarta zwyczajowo mówi się o stylu clavier, to od końca lat 70. XVIII wieku kompozytor niewątpliwie pisał na fortepian. Jego innowacyjność najwyraźniej przejawiała się w żałosnych utworach klawiszowych. Mozart to jeden z najwybitniejszych melodystów. Jego muzyka łączy w sobie cechy austriackiej i niemieckiej pieśni ludowej z melodyjnością pieśni włoskich. Pomimo tego, że jego dzieła wyróżniają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o wielkim patosie dramatycznym i elementach kontrastujących. Kameralną twórczość instrumentalną Mozarta reprezentują różnorodne zespoły (od duetów po kwintety) i dzieła na fortepian (sonaty, wariacje, fantazje). Styl fortepianowy Mozarta wyróżnia się elegancją, przejrzystością i starannym wykończeniem melodii i akompaniamentu. V. Mozart napisał 27 koncertów na fortepian i orkiestrę, 19 sonat, 15 cykli wariacyjnych, 4 fantazje (dwie fantazje c-moll, jedna C-dur w połączeniu z fugą i jeszcze jedna d-moll). Oprócz cykli na dużą skalę twórczość Mozarta zawiera wiele małych sztuk, do których on sam nie zawsze przywiązywał należytą wagę. Są to osobne menuety, ronda, Adagio, fugi. Opera była sztuką o znaczeniu społecznym. Do XVIII w. oprócz oper dworskich istniały już dwa rodzaje oper ogólnodostępnych: poważna i komiczna – codzienna (seria i buffa). Ale w Niemczech i Austrii Singspiel rozkwitł. Wśród ogromnej liczby dzieł stworzonych przez geniusz Mozarta opery są jego ulubionymi dziełami. Jego twórczość ukazuje bogatą galerię żywych obrazów oper – seria, buffa i singspiel, wzniosłych i komicznych, delikatnych i złośliwych, inteligentnych i rustykalnych – wszystkie ukazane są naturalnie i psychologicznie autentycznie. Muzyka Wolfganga Amadeusza Mozarta harmonijnie łączy kult rozumu, ideał szlachetnej prostoty i kult serca, ideał wolnej osobowości. Styl Mozarta zawsze był uważany za uosobienie wdzięku, lekkości, żywotności umysłu i iście arystokratycznego wyrafinowania.
P.I. Czajkowski napisał: „Mozart jest najwyższym, kulminacyjnym punktem, do którego dotarło piękno w sferze muzyki… co nazywamy ideałem”.
Ludwiga van Beethovena

16 grudnia 1770 - 26 marca 1827
Ludwig van Beethoven zasłynął jako największy symfonista. Jego twórczość przesiąknięta jest patosem walki. Realizował zaawansowane idee Oświecenia, które ustanawiały prawa i godność osoby ludzkiej. Był właścicielem dziewięciu symfonii, szeregu uwertur symfonicznych („Egmont”, „Coriolanus”) i trzydziestu dwóch sonat fortepianowych utworzyło epokę w muzyce fortepianowej. Świat obrazów Beethovena jest różnorodny. Jego bohater jest nie tylko odważny i pełen pasji, ale także obdarzony doskonale rozwiniętym intelektem. Jest wojownikiem i myślicielem. W jego muzyce życie objawia się w całej swojej różnorodności - gwałtowne namiętności i bezstronne marzenia, dramatyczny patos i liryczne wyznania, obrazy natury i sceny z życia codziennego. Zamykając epokę klasycyzmu, Ludwig van Beethoven otworzył jednocześnie drogę na nadchodzące stulecie. Beethoven jest o półtorej dekady młodszy od Mozarta. Ale to jest jakościowo inna muzyka. Należy do „klasyków”, jednak w swoich dojrzałych dziełach bliski jest romantyzmowi. Styl muzyczny Beethovena to przejście od klasycyzmu do romantyzmu. Aby jednak zrozumieć jego twórczość, trzeba najpierw przyjrzeć się panoramie życia społecznego i muzycznego tamtych czasów. Pod koniec XVIII wieku narodziło się i rozwinęło zjawisko „Sturm und Drang” (Sturm und Drang) – okres łamania standardów
klasycyzm na rzecz większej emocjonalności i otwartości. Zjawisko to ogarnęło wszystkie dziedziny literatury i sztuki, ma nawet ciekawą nazwę: kontroświecenie. Największymi przedstawicielami Sturm und Drang byli Johann Wolfgang Goethe i Friedrich Schiller, a sam okres ten antycypował pojawienie się romantyzmu. Ładunek energii i intensywność uczuć w muzyce Beethovena są nierozerwalnie związane z wymienionymi zjawiskami w życiu społecznym ówczesnej Europy Zachodniej oraz z okolicznościami życia osobistego geniusza. Ludwig van Beethoven urodził się w Bonn. Rodzina nie była bogata, z pochodzenia Flamandowie, z zawodu muzycy. Ojcu bardzo zależało na tym, aby syn stał się „drugim Mozartem”, jednak kariera koncertowego wirtuoza w roli cudownego dziecka nie powiodła się, a przy instrumencie było ciągłe „ćwiczenie”. Już jako dziecko Ludwig zaczyna dorabiać (musiał rzucić szkołę), a w wieku 17 lat bierze odpowiedzialność za rodzinę: pracuje za stałą pensję i udziela prywatnych lekcji. Ojciec uzależnił się od alkoholu, matka wcześnie zmarła, a młodsi bracia pozostali w rodzinie. Mimo to Beethoven znajduje czas i jako wolontariusz studiuje na Uniwersytecie w Bonn. Cała młodzież uniwersytecka została wówczas schwytana przez rewolucyjny impuls płynący z Francji. Młody geniusz podziwiał ideały Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Zadedykował nawet swoją III Symfonię „Eroiczną” Napoleonowi Bonaparte, jednak potem skreślił tę dedykację, rozczarowany „ziemskim ucieleśnieniem ideałów”, i zamiast tego wskazał: „Pamięci wielkiego człowieka”. „Nikt nie jest tak drobny jak duzi ludzie” – słynne słowa Beethovena. Ideały „wolności, równości, braterstwa” na zawsze pozostały ideałami Beethovena - a to oznaczało także wielkie rozczarowania życiowe. Ludwig van Beethoven dokładnie przestudiował i szanował twórczość J. S. Bacha. W Wiedniu występuje przed Mozartem, który bardzo chwali młodego muzyka. Wkrótce Beethoven przeniósł się całkowicie do Wiednia, a następnie pomógł przenieść się tam swoim młodszym braciom. Całe jego życie będzie związane z tym miastem. W Wiedniu pobiera lekcje przedmiotów specjalnych, wśród jego nauczycieli są Haydn i Salieri (Salieriemu dedykowane są trzy sonaty skrzypcowe Beethovena). Występuje na salonach arystokracji wiedeńskiej, a następnie na własnych koncertach, przed szeroką publicznością. Jego palce na klawiaturze nazwano „demonicznymi”. „Chcę chwycić los za gardło, na pewno nie będzie w stanie mnie całkowicie przygnieść do ziemi” (z listów Beethovena). Już w młodości Beethoven zdawał sobie sprawę, że traci słuch („Od dwóch lat starannie unikam wszelkiego towarzystwa, bo nie potrafię ludziom powiedzieć: «Jestem głuchy!» „Byłoby to nadal możliwe, gdybyśmy to zrobili
Mam inny zawód, ale przy moim rzemiośle nie ma nic straszniejszego” (z listów Beethovena). Okresowe interwencje lekarzy nie przyniosły wyleczenia, a głuchota postępowała. Pod koniec życia już nic nie słyszał. Ale słuch wewnętrzny pozostał - nie można było już jednak usłyszeć „osobiście” tego, co słyszano w środku. A komunikacja z ludźmi była niezwykle trudna, z przyjaciółmi ćwiczyłam pisanie w zeszytach „rozmownych”. Wszystkosłyszący głuchy – tak go czasami nazywano. I usłyszał najważniejsze: nie tylko muzykę, ale także pomysły i uczucia. Słyszał i rozumiał ludzi. „Ta miłość, cierpienie, wytrwałość woli, te naprzemienne przygnębienie i duma, wewnętrzne dramaty - wszystko to znajdujemy w wielkich dziełach Beethovena”… (Romain Rolland). Znane są uczucia Beethovena: młoda hrabina Giulietta Guicciardi. Ale pozostał samotny. Nie wiadomo dokładnie, kim był jego „nieśmiertelny ukochany”, do którego odnaleziono list po śmierci kompozytora. Jednak niektórzy badacze uważają Teresę Brunswik, uczennicę L. Beethovena, za „nieśmiertelną ukochaną”. Miała talent muzyczny – pięknie grała na pianinie, śpiewała, a nawet dyrygowała. Ludwig van Beethoven przyjaźnił się z Teresą od dawna. W 1814 roku Beethoven zyskał światową sławę. Rozpoczyna się Kongres Wiedeński – po zwycięstwie nad Napoleonem i wkroczeniu wojsk rosyjskich, austriackich i pruskich do Paryża – a od opery Fidelio Beethovena rozpoczyna się słynny pokojowy Kongres Wiedeński. Beethoven staje się europejską gwiazdą. Zostaje zaproszony do pałacu cesarskiego na uroczystość z okazji imienin rosyjskiej cesarzowej, której wręcza prezent: napisany przez siebie Polonez. Ludwig van Beethoven dużo komponował.
32 sonaty fortepianowe
Sonata fortepianowa była dla Beethovena najbardziej bezpośrednią formą wyrazu ekscytujących go myśli i uczuć, jego głównych dążeń artystycznych. Jego pociąg do tego gatunku był szczególnie silny. Jeśli symfonie powstały w wyniku uogólnienia długiego okresu poszukiwań, to sonata fortepianowa bezpośrednio odzwierciedlała całą różnorodność poszukiwań twórczych. Beethoven, jako wybitny wirtuoz fortepianu, improwizował nawet najczęściej w formie sonatowej. W ognistych, oryginalnych, nieokiełznanych improwizacjach Beethovena zrodziły się obrazy jego przyszłych wielkich dzieł. Każda sonata Beethovena jest kompletnym dziełem sztuki; razem tworzą prawdziwy skarb klasycznej myśli w muzyce. Beethoven zinterpretował sonatę fortepianową jako gatunek wszechstronny, zdolny odzwierciedlić różnorodność stylów muzycznych naszych czasów. W
Pod tym względem można go porównać do Philippa Emanuela Bacha (syna J.S. Bacha). Ten kompozytor, dziś już prawie zapomniany, jako pierwszy nadał XVIII-wiecznej sonacie klawiszowej swój charakter znaczenie jednego z czołowych rodzajów sztuki muzycznej, nasycając jego dzieła klawiszowe głębokimi przemyśleniami. Beethoven jako pierwszy poszedł drogą F. E. Bacha, przewyższając jednak swojego poprzednika w zakresie, różnorodności i znaczeniu idei wyrażanych w sonatach fortepianowych, ich artystycznej doskonałości i znaczeniu. Ogromna gama obrazów i nastrojów – od delikatnej sielankowej po żałosną powagę, od lirycznego wylewu po rewolucyjną apoteozę, od wyżyn myśli filozoficznej po momenty gatunku ludowego, od tragedii po humor – charakteryzuje trzydzieści dwie sonaty fortepianowe Beethovena, stworzone przez niego na przestrzeni lat ćwierć wieku. Droga od pierwszej (1792) do ostatniej (1822) sonaty Beethovena wyznacza całą epokę w historii światowej muzyki fortepianowej. Beethoven zaczął od skromnego, klasycystycznego stylu fortepianowego (wciąż w dużej mierze kojarzonego ze sztuką gry na klawesynie), a zakończył muzyką na nowoczesny fortepian, z jego ogromną rozpiętością brzmieniową i wieloma nowymi możliwościami wyrazu. Nazywając swoje ostatnie sonaty „utworem na instrument młotkowy” (Hammerklavier), kompozytor podkreślał ich nowoczesność
pianista
wyrazistość. W 1822 roku, tworząc trzydziestą drugą Sonatę, Beethoven zakończył swoją długą podróż w tej dziedzinie twórczości. Ludwig van Beethoven dużo pracował nad problematyką wirtuozerii fortepianowej. W poszukiwaniu niepowtarzalnego obrazu dźwiękowego niestrudzenie rozwijał swój oryginalny styl fortepianowy. Wrażenie szerokiej przestrzeni powietrznej osiągnięte poprzez zestawienie odległych rejestrów, masywnych akordów, gęstej, bogatej, wieloaspektowej faktury, technik barwowo-instrumentalnych, bogatego wykorzystania efektów pedałowych (w szczególności lewego pedału) – to tylko niektóre z charakterystycznych innowacyjnych technik Styl fortepianowy Beethovena. Począwszy od pierwszej sonaty, Beethoven przeciwstawiał muzykę kameralną XVIII-wiecznej muzyce klawiszowej. ich majestatyczne dźwiękowe murale pomalowane odważnymi, dużymi pociągnięciami. Sonata Beethovena zaczęła przypominać symfonię na fortepian. Co najmniej jedna trzecia z 32 sonat fortepianowych jest dobrze znana nawet osobom uważającym się za „nieamatorów”. Wśród nich: Sonata „Pathétique” nr 8. Początek władczy, dumny, tragiczny – i fale muzyki. Cały wiersz w trzech częściach, z których każda jest piękna. Radość, cierpienie, bunt i walka – typowy dla Beethovena krąg obrazów, wyrażony tu zarówno gwałtownie, jak i z wielkim
szlachta. To wspaniała muzyka, jak każda sonata czy symfonia Beethovena. „Quasi una fantasia”, tzw. sonata „Moonlight” nr 14, dedykowana młodej hrabinie Giulietcie Guicciardi, uczennicy Beethovena. Kompozytor zainteresował się Julią i nawet myślał o małżeństwie, ona jednak wolała kogoś innego. Zwykle słuchacze ograniczają się do pierwszej części, nie wiedząc, jakie będzie zakończenie – „wznoszący się wodospad” – jak w przenośni ujął to jeden z badaczy. Jest też „Appassionata” (nr 23), „Burza” (nr 17), „Aurora” (nr 21)… Sonaty fortepianowe to jedna z najlepszych i najcenniejszych części genialnego dziedzictwa Beethovena. W długim i ekscytującym ciągu ich wspaniałych obrazów mija przed nami całe życie wielkiego talentu, wielkiego umysłu i wielkiego serca, nie obce niczemu ludzkiemu, ale właśnie z tego powodu oddał wszystkie swoje uderzenia najdroższym , najświętsze ideały zaawansowanej ludzkości. L. Beethoven jest następcą tradycji Mozarta. Ale jego muzyka nabiera zupełnie nowego wyrazu: dramat w muzyce dochodzi do tragedii, humor do ironii, a teksty stają się objawieniem cierpiącej duszy, filozoficzną refleksją nad losem i światem. Muzyka fortepianowa Beethovena jest przykładem gustu artystycznego. Współcześni często porównywali emocjonalny nastrój sonat Beethovena z patosem tragedii Schillera. Oprócz 32 sonat na fortepian istnieją także sonaty na skrzypce. Jedna z pewnością znana jest wielu przynajmniej z nazwy – „Kreutzer Sonata” – IX Sonata na skrzypce i fortepian. A potem są słynne kwartety smyczkowe Beethovena. Spośród nich szczególnie popularne są „Kwartety rosyjskie”. Rzeczywiście słychać w nich rosyjskie melodie („Ach, talent, mój talent”, „Chwała” – te pieśni ze lwowskich zbiorów Beethovenowi szczególnie dobrze się kojarzyły). To nie przypadek: kwartety powstały na zlecenie rosyjskiego dyplomaty Andrieja Razumowskiego, który przez długi czas mieszkał w Wiedniu i był patronem Beethovena. Razumowskiemu poświęcone są dwie symfonie kompozytora. Beethoven ma dziewięć symfonii, większość z nich jest znana publiczności. Przypomnę III (bohaterską) Symfonię, V Symfonię ze słynnym tematem losu. Te „ciosy losu” padają i padają, los wciąż puka do drzwi. A walka nie kończy się na pierwszej części. Rezultat widać dopiero w finale, gdzie temat losu zamienia się w uniesienie radości zwycięstwa. Pastoralna (VI symfonia) – już sama nazwa sugeruje celebrację natury. Oszałamiająca VII Symfonia jest wreszcie najsłynniejszą,
epokową IX Symfonię, której pomysł Beethoven przygotowywał od dawna. Beethoven także wiódł życie „wolnego artysty” (choć od Mozarta stało się to normą) ze wszystkimi jego trudami i niepewnością. Kilkakrotnie Beethoven próbował opuścić Wiedeń, wtedy austriacka szlachta oferowała mu pensję, jeśli tylko nie opuści Wiednia. A Beethoven pozostał w Wiedniu. Tutaj odniósł swój główny triumf. Z samej otchłani smutku Beethoven postanowił wysławić Radość. (Rollanda). Beethoven był już bardzo chory. To nie tylko początek głuchoty, u kompozytora zapada na ciężką chorobę wątroby. Brakowało też pieniędzy, a w życiu osobistym były problemy (wychowywanie siostrzeńca). W tych warunkach narodziło się to, co czasami trudno było uznać za twór ludzki. Uściski, miliony! (Beethoven. IX Symfonia, finał). Nazywana jest także Symfonią Chorałową, gdyż w finale zabrzmi dobrze już znany chór do słów Friedricha Schillera – „Ody do radości”, które okresowo stawały się różnymi hymnami, obecnie jest to Hymn Europy Unia. Beethoven zmarł 26 marca 1827 r. W 2007 r. wiedeński patolog i specjalista medycyny sądowej Christian Reiter (profesor nadzwyczajny na Wydziale Medycyny Sądowej Uniwersytetu Medycznego w Wiedniu) zasugerował, że śmierć Beethovena została nieumyślnie przyspieszona przez jego lekarza Andreasa Wavrucha, który wielokrotnie przekłuł otrzewną pacjenta (w celu usunięcia płynu), po czym nałożył na rany płyny zawierające ołów. Badania włosów przeprowadzone przez Reutera wykazały, że poziom ołowiu u Beethovena gwałtownie wzrastał przy każdej wizycie u lekarza.
Beethoven – nauczyciel
Beethoven zaczął udzielać lekcji muzyki jeszcze w Bonn. Najbardziej oddanym przyjacielem kompozytora pozostał do końca jego dni jego uczeń z Bonn, Stefan Breuning. Breuning pomagał Beethovenowi w rewizji libretta Fidelio. W Wiedniu uczennicą Beethovena została młoda hrabina Julia Guicciardi, na Węgrzech, gdzie Beethoven przebywał w posiadłości Brunszwik, uczyła się u niego Teresa Brunswik. Uczennicą Beethovena była także Dorothea Ertmann, jedna z najlepszych pianistek w Niemczech. D. Ertman zasłynęła wykonaniem dzieł Beethovena. Kompozytor zadedykował jej Sonatę nr 28. Beethoven, dowiedziawszy się o śmierci dziecka Dorothei, długo dla niej grał. Karl Czerny również rozpoczął naukę u Beethovena. Karl był prawdopodobnie jedynym dzieckiem wśród uczniów Beethovena. Miał zaledwie dziewięć lat, ale już występował na koncertach. Czerny uczył się u Beethovena przez pięć lat, po czym kompozytor dał mu dokument, w którym to zanotował
„Wyjątkowe osiągnięcia ucznia i jego niesamowita pamięć muzyczna”. Pamięć Cherny'ego była naprawdę niesamowita: znał na pamięć wszystkie dzieła fortepianowe swojego nauczyciela. Czerny wcześnie rozpoczął karierę pedagogiczną i wkrótce stał się jednym z najlepszych nauczycieli w Wiedniu. Wśród jego uczniów był Teodor Leszetycki, którego można nazwać jednym z założycieli rosyjskiej szkoły fortepianowej. Leshetitsky, po przeprowadzce do Rosji do Petersburga, był z kolei nauczycielem A. N. Esipowej, V. I. Safonowa, S. M. Maikapary. Franciszek Liszt uczył się u K. Czernego przez półtora roku. Jego sukces był tak wielki, że jego nauczyciel pozwolił mu przemawiać publicznie. Beethoven był obecny na koncercie. Odgadł talent chłopca i pocałował go. Liszt zachował pamięć o tym pocałunku przez całe życie. To Liszt, a nie Czerny, odziedziczył styl gry Beethovena. Podobnie jak Beethoven, Liszt interpretuje fortepian jako orkiestrę. Podróżując po Europie promował twórczość Beethovena, wykonując nie tylko jego dzieła fortepianowe, ale także symfonie, które zaadaptował na fortepian. Muzyka Beethovena, zwłaszcza symfoniczna, była wówczas jeszcze nieznana szerokiemu gronu odbiorców. To dzięki staraniom F. Liszta w 1839 roku w Bonn wzniesiono pomnik kompozytora Ludwiga van Beethovena. Muzyki Beethovena nie sposób nie poznać. Lakonizm i ulga melodii, dynamika, wyraźny rytm mięśniowy – to łatwo rozpoznawalny styl heroiczno-dramatyczny. Nawet w wolnych częściach (w których Beethoven zastanawia się) rozbrzmiewa główny temat Beethovena: przez cierpienie do radości, „przez ciernie do gwiazd”. M. I. Glinka uważał Beethovena za szczyt wiedeńskiego klasycyzmu, za artystę, który najgłębiej przeniknął do głębi ludzkiej duszy i doskonale wyraził ją dźwiękami. Beethoven powiedział: „Muzyka powinna rozpalać ogień w duszy ludzkiej!”
Wniosek
Wzrost wolności w społeczeństwie doprowadził do pojawienia się pierwszych publicznych koncertów, a w głównych miastach Europy powstały stowarzyszenia i orkiestry muzyczne. Rozwój nowej kultury muzycznej w połowie XVIII wieku. dał początek wielu prywatnym salonom i przedstawieniom operowym. Kultura muzyczna klasycyzmu związana jest z powstaniem wielu gatunków muzyki instrumentalnej – takich jak sonata, symfonia, kwartet. W tej epoce wykrystalizował się gatunek koncertu klasycznego i formy wariacyjnej, przeprowadzono reformę gatunków operowych.
Zasadnicze zmiany zaszły w orkiestrach, nie był już potrzebny klawesyn czy organy jako główne instrumenty muzyczne, a wręcz przeciwnie, ich miejsce w orkiestrze zajęły instrumenty dęte – klarnet, flet, trąbka i inne, tworząc nową, specjalny dźwięk. Nowy skład orkiestry doprowadził do powstania symfonii, najważniejszego gatunku muzycznego. Jednym z pierwszych kompozytorów, który zastosował format symfoniczny, był syn I.S. Bach – Carl Philipp Emmanuel Bach. Wraz z nowym składem orkiestry pojawia się

kwartet smyczkowy składający się z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli. Kompozycje tworzone są specjalnie na kwartet smyczkowy, z własnym standardem czterech temp. Powstała wieloczęściowa forma sonatowo-symfoniczna (cykl 4-częściowy), która do dziś stanowi podstawę wielu kompozycji instrumentalnych. W tej samej epoce powstał fortepian, którego konstrukcja pochodzi z XVIII wieku. ulega znaczącym zmianom, poprawiono mechanizm młoteczkowy klawiatury, wprowadzono żeliwną ramę, pedały i mechanizm „podwójnej próby”, zmienia się układ strun i poszerza się zakres. Wszystkie te ewolucyjne innowacje umożliwiły pianistom łatwiejsze wykonywanie utworów wirtuozowskich w różnych wersjach, z wykorzystaniem różnorodnych środków wyrazu i wzbogaconej dynamiki. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeusz Mozart i Ludwig van Beethoven – trzy wielkie nazwiska, trzej „Tytani”, którzy przeszli do historii jako
wiedeński

klasyka
. Kompozytorzy szkoły wiedeńskiej po mistrzowsku opanowali różnorodne gatunki muzyczne - od pieśni codziennych po symfonie. Wysoki styl muzyczny, w którym bogate treści figuratywne zawarte są w prostej, ale doskonałej formie artystycznej, to główna cecha twórczości klasyków wiedeńskich. To kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej wynieśli na najwyższy poziom gatunek sonaty fortepianowej i koncertu klasycznego. Odkrycie klasycyzmu polegało na wyrażeniu pragnienia najwyższego ideału doskonałości, niebiańskiej struktury duszy i życia. Haydn powiedział, że Bóg nie obrazi się na niego za to, że będzie Go chwalił w nowym, jasnym i wyraźnym stylu. Kultura muzyczna klasycyzmu, podobnie jak literatura, a także sztuki piękne, gloryfikuje działania człowieka, jego emocje i uczucia, nad którymi panuje rozum. Twórczych artystów w swoich pracach cechuje logiczne myślenie, harmonia i klarowność formy. Klasycyzm to styl historycznie specyficznej epoki. Jednak jego ideał harmonii i proporcjonalności do dziś pozostaje wzorem dla kolejnych pokoleń.
Tymczasem wieki klasycyzmu już odchodziły; w niespotykanej polistylistyce „Don Juana” i w buntowniczym duchu „Egmonta” wyczuwało się stulecie romantyzmu z jego tragiczną ironią, nieuporządkowaną świadomością artystyczną i swobodą lirycznej intymności.
Zasady klasycyzmu
1. Podstawą wszystkiego jest rozum. Piękne jest tylko to, co rozsądne. 2. Głównym zadaniem jest wzmocnienie monarchii absolutnej, monarcha jest ucieleśnieniem rozumu. 3. Tematem przewodnim jest konflikt interesów osobistych i obywatelskich, uczuć i obowiązków. 4. Najwyższą godnością człowieka jest wypełnianie obowiązku, służba idei państwa. 5. Dziedziczenie starożytności jako model. 6. Imitacja „dekorowanej” natury. 7. Główną kategorią jest piękno.
Literatura
Keldysh Yu V. – Klasycyzm. Encyklopedia muzyczna, Moskwa: Encyklopedia radziecka, z „Kompozytora radzieckiego”, 1973–1982. Klasycyzm - duży słownik encyklopedyczny, 2000 Yu. A. Kremlev - Sonaty fortepianowe Beethovena, wydawnictwo radzieckich kompozytorów, Moskwa 1970 .
Kompozytorzy epoki klasycznej

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskowski Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Diabelli Alexander Lev Ovic Gurilev Jan Ladislav Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Aleksander Iwanowicz Dubuk Lew Stepanowicz Gurilew Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Evstigneus Fo min Johann Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bułachow Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Michaił Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTYZM
Romantyzm to ruch ideologiczno-artystyczny, który powstał w kulturze europejskiej i amerykańskiej pod koniec XVIII wieku. - pierwsza połowa XIX w. - była reakcją na estetykę klasycyzmu, swoistą reakcją na epokę oświecenia z jej kultem rozumu. Pojawienie się romantyzmu wynikało z różnych powodów. Najważniejszy z nich
-
rozczarowanie wynikami rewolucji francuskiej
,
nie spełnił pokładanych w nim oczekiwań. Romantyczny światopogląd charakteryzuje się ostrym konfliktem między rzeczywistością a snami. Rzeczywistość jest niska i pozbawiona duchowości, przesiąknięta duchem filistynizmu, filistynizmu i zasługuje jedynie na zaprzeczenie. Sen jest czymś pięknym, doskonałym, ale nieosiągalnym i niezrozumiałym dla rozumu. Romantyzm pojawił się i rozwinął w latach dziewięćdziesiątych XVIII wieku. w Niemczech w kręgu pisarzy i filozofów szkoły jeneńskiej, za których przedstawicieli uważa się W. G. Wackenrodera, Ludwiga Tiecka, Novalisa, braci F. i A. Schlegelów). Filozofia romantyzmu została usystematyzowana w pracach F. Schlegla i F. Schellinga i polegała na tym, że istnieje pozytywna przyjemność w pięknie, wyrażającym się w spokojnej kontemplacji, oraz negatywna przyjemność w tym, co wzniosłe, bezkształtne, nieskończone, powodujące nie radość, ale zdumienie i zrozumienie. Śpiewanie o wzniosłości wiąże się z zainteresowaniem romantyzmu złem, jego uszlachetnianiem i dialektyką dobra i zła. W XVIII wieku Wszystko, co dziwne, malownicze i istniejące w książkach, a nie w rzeczywistości, nazywano romantycznym. Na początku. XIX wiek Romantyzm stał się wyznacznikiem nowego kierunku, przeciwnego klasycyzmowi i oświeceniu. Z epoki do epoki, od stylu do kolejnego stylu w dziedzinie sztuki, możesz „zbudować most” i wyrazić odpowiedni
definicja ruchów artystycznych: barok to kazanie, romantyzm to wyznanie. Są więc „rozciągnięte” na boki od harmonijnego i uporządkowanego klasycyzmu. W sztuce baroku człowiek zwraca się do człowieka (głosi) z czymś ważnym na skalę światową, w romantyzmie człowiek zwraca się do świata, deklarując mu, że najmniejsze przeżycia jego duszy są nie mniej ważne niż wszystko inne. I tu jest nie tylko prawo do indywidualnego uczucia, ale także prawo do działania. Romantyzm, zastępując epokę oświecenia, zbiega się z rewolucją przemysłową, naznaczoną pojawieniem się lokomotywy parowej, lokomotywy, parowca, fotografii i przedmieść fabryk. O ile Oświecenie charakteryzuje się kultem rozumu i cywilizacji opartej na jej zasadach, to romantyzm afirmuje kult natury, uczuć i tego, co naturalne w człowieku. To w epoce romantyzmu ukształtowały się zjawiska turystyki, wspinaczki górskiej i pikników, mające na celu przywrócenie jedności człowieka i przyrody. Pożądany jest wizerunek „szlachetnego dzikusa”, uzbrojonego w „mądrość ludową” i nie zepsutego przez cywilizację. Romantyzm przeciwstawia się edukacyjnej idei postępu zainteresowaniem folklorem, mitem, baśniami, zwykłym człowiekiem, powrotem do korzeni i natury. W swoim dalszym rozwoju niemiecki romantyzm wyróżniał się zainteresowaniem motywami baśniowymi i mitologicznymi, co szczególnie wyraźnie znalazło wyraz w twórczości braci Wilhelma i Jacoba Grimmów oraz Hoffmanna. G. Heine, rozpoczynając swoje dzieło w ramach romantyzmu, poddał je później krytycznej rewizji. Romantyzm filozoficzny wzywa do ponownego przemyślenia religii i dążenia do ateizmu. „Prawdziwa religia to uczucie i smak nieskończoności”. Później w latach dwudziestych XIX wieku styl romantyczny rozprzestrzenił się na Anglię, Francję i inne kraje. Angielski romantyzm obejmuje dzieła pisarzy Racine’a, Johna Keatsa i Williama Blake’a. Romantyzm w literaturze rozpowszechnił się w innych krajach Europy, np.: we Francji – Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; we Włoszech – N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, w Polsce – Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasiński, Cyprian Norwid; w USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W.C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
W rosyjskim romantyzmie pojawia się wolność od klasycznych konwencji, powstaje ballada i dramat romantyczny. Rodzi się nowe wyobrażenie o istocie i znaczeniu poezji, która jest uznawana za samodzielną sferę życia, wyraz najwyższych, idealnych dążeń człowieka. Romantyzm literatury rosyjskiej ukazuje cierpienie i samotność głównego bohatera. W Rosji V. A. Żukowski, K. N. Batiuszkow, E. A. Baratyński, N. M. Jazykow można również uznać za poetów romantycznych. Wczesna poezja A. S. Puszkina rozwinęła się także w ramach romantyzmu. Poezję M. Yu Lermontowa można uznać za szczyt rosyjskiego romantyzmu. Teksty filozoficzne F. I. Tyutczewa są zarówno dopełnieniem, jak i przezwyciężeniem romantyzmu w Rosji. Romantyzm rozpoczął się jako ruch literacki, ale miał znaczący wpływ na muzykę i malarstwo. W sztukach plastycznych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej w architekturze. Rozwój romantyzmu w malarstwie przebiegał w ostrej polemice ze zwolennikami klasycyzmu. Romantycy zarzucali swoim poprzednikom „zimną racjonalność” i brak „ruchu życia”. W XVIII wieku ulubionym motywem artystów były górskie pejzaże i malownicze ruiny. Jego głównymi cechami są dynamiczna kompozycja, wolumetryczna przestrzenność, bogata kolorystyka, światłocień (m.in. prace Turnera, Géricaulta i Delacroix). W latach 20. i 30. twórczość wielu artystów charakteryzowała się patosem i nerwowym podekscytowaniem; wykazywały skłonność do egzotycznych motywów i zabawy wyobraźnią, potrafiącą oderwać się od „nudnej codzienności”. Walka z zamrożonymi normami klasycystycznymi trwała długo, bo prawie pół wieku. Pierwszym, któremu udało się utrwalić nowy kierunek i „usprawiedliwić” romantyzm, był Theodore Gericault. Przedstawiciele malarstwa: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTYZM W MUZYCE
Muzyka okresu romantyzmu to okres w historii muzyki europejskiej, który z grubsza obejmuje lata 1800 – 1910. W muzyce kierunek romantyzm wyłonił się w latach dwudziestych XIX wieku, jego rozwój trwał przez cały wiek XIX. - stulecie rozkwitu kultury muzycznej Europy Zachodniej. Romantyzm to nie tylko teksty, ale dominacja uczuć, namiętności, pierwiastków duchowych, które poznajemy jedynie w zakamarkach własnej duszy. Prawdziwy artysta identyfikuje je za pomocą błyskotliwej intuicji.
Muzyka tego okresu rozwinęła się z form, gatunków i idei muzycznych ustalonych we wcześniejszych okresach, takich jak okres klasyczny. Kompozytorzy romantyczni starali się wyrazić głębię i bogactwo wewnętrznego świata człowieka za pomocą środków muzycznych. Muzyka staje się bardziej wyrazista i indywidualna. Rozwijane są gatunki piosenek, w tym ballady. Idee i struktura dzieł, które powstały lub dopiero powstawały we wcześniejszych okresach, rozwinęły się w okresie romantyzmu. Dzięki temu dzieła nawiązujące do romantyzmu odbierane są przez słuchaczy jako bardziej namiętne i wyraziste emocjonalnie. Powszechnie przyjmuje się, że bezpośrednimi poprzednikami romantyzmu byli Ludwig van Beethoven – w muzyce austro-niemieckiej i Luigi Cherubini – w języku francuskim; Wielu romantyków (na przykład Schubert, Wagner, Berlioz) uważało K.V. Glucka za swojego bardziej odległego poprzednika. Okres przejścia od klasycyzmu do romantyzmu uważany jest za okres przedromantyczny – stosunkowo krótki okres w historii muzyki i sztuki. Jeśli w literaturze i malarstwie ruch romantyczny w zasadzie kończy swój rozwój w połowie XIX wieku, to życie muzycznego romantyzmu w Europie jest znacznie dłuższe. Romantyzm muzyczny jako nurt powstał na początku XIX wieku i rozwijał się w ścisłym powiązaniu z różnymi ruchami w literaturze, malarstwie i teatrze. Główni przedstawiciele romantyzmu w muzyce to: w Austrii – Franz Schubert, oraz późni romantycy – Anton Bruckner i Gustav Mahler; w Niemczech – Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; w Anglii – Edward Elgar; na Węgrzech – Franz Liszt; w Norwegii – Edward Grieg; we Włoszech – Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, wczesny Giuseppe Verdi; w Hiszpanii – Felipe Pedrel; we Francji – D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer i przedstawiciel późnego romantyzmu Cesar Frank; w Polsce – Fryderyk Chopin, Stanisław Moniuszko; w Czechach – Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
w Rosji Aleksander Alabyev, Michaił Glinka, Aleksander Dargomyżski, Miły Bałakiriew, N.A. Rimski-Korsakow, Modest Musorgski, Aleksander Borodin, Cezar Cui, P.I. Czajkowski pracowali zgodnie z romantyzmem.

Nieprzypadkowo za idealną formę sztuki uznano muzykę, która ze względu na swoją specyfikę najpełniej wyraża poruszenia duszy. Wiodące miejsce w systemie sztuki zajęła muzyka epoki romantyzmu. Romantyzm w muzyce charakteryzuje się odwołaniem do wewnętrznego świata człowieka. Muzyka ma zdolność wyrażania niepoznawalnego, przekazywania tego, czego nie potrafią wyrazić słowa. Romantyzm zawsze stara się uciec od rzeczywistości. Dotknięcie życia zwykłych ludzi, zrozumienie ich uczuć, oparcie się na muzyce - pomogło przedstawicielom muzycznego romantyzmu uczynić ich dzieła realistycznymi. Głównym problemem muzyki romantycznej jest problem osobowości, w nowym świetle – jej konfliktu ze światem zewnętrznym. Bohater romantyczny zawsze jest samotny, gdy jest osobą niezwykłą, utalentowaną. Temat samotności jest chyba najpopularniejszy w całej sztuce romantycznej. Artysta, poeta, muzyk to ulubieni bohaterowie twórczości romantyków („Miłość poety” Schumanna, „Symfonia fantastyczna” Berlioza z podtytułem „Epizod z życia artysty”). Ujawnienie osobistego dramatu często nabrało u romantyków charakteru autobiograficznego, co nadało muzyce szczególną szczerość. Na przykład wiele dzieł fortepianowych Schumanna wiąże się z historią jego miłości do Klary Wieck. Ryszard Wagner mocno podkreślał autobiograficzny charakter swoich oper. Dbałość o uczucia prowadzi do zmiany gatunkowej – dominującą pozycję zyskują teksty, w których dominują obrazy miłości. Temat natury bardzo często splata się z tematem „spowiedzi lirycznej”. Rozwój symfonizmu gatunkowego i liryczno-epickiego jest ściśle powiązany z obrazami natury (jednym z pierwszych dzieł jest „wielka” symfonia C-dur F. Schuberta). Temat fantasy stał się prawdziwym odkryciem dla kompozytorów romantycznych. Muzyka po raz pierwszy nauczyła się ucieleśniać bajecznie fantastyczne obrazy za pomocą środków czysto muzycznych. W operach XVII - XVIII wieku. postacie „nieziemskie” (np. Królowa Nocy z „Czarodziejskiego fletu” Mozarta) przemawiały „konwencjonalnym”
język muzyczny, niewiele wyróżniający się na tle prawdziwych ludzi. Kompozytorzy romantyczni nauczyli się oddawać świat fantasy jako coś zupełnie specyficznego (za pomocą niezwykłych barw orkiestrowych i harmonicznych). Godnym uwagi przykładem jest „Scena z Wilczego Wąwozu” w „Magicznej strzelance” Webera. Zainteresowanie sztuką ludową jest cechą charakterystyczną romantyzmu muzycznego. Podobnie jak poeci romantyczni, którzy poprzez folklor wzbogacali i aktualizowali język literacki, tak muzycy szeroko sięgnęli po folklor narodowy – pieśni ludowe, ballady, eposy (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Griega). Wszystko, co słychać w uszach, natychmiast przekładało się na kreatywność. Folklor - pieśni, tańce, legendy - jest przetwarzany, stamtąd czerpie się tematy, wątki, intonacje. Wśród romantyków piosenka (w Rosji - romans) nabiera szczególnej wartości. Pojawiają się nowe tańce – mazurki, polonezy, walce. Uosabiając obrazy narodowej literatury, historii i rodzimej przyrody, oparli się na intonacjach i rytmach narodowego folkloru, wskrzeszając starożytne tryby diatoniczne. Pod wpływem folkloru treść muzyki europejskiej uległa radykalnej zmianie
.
Nowe tematy i obrazy wymagały od romantyków opracowania nowych środków języka muzycznego i zasad formacji, poszerzenia barwy i palety harmonicznej muzyki (naturalne tryby, barwne porównania dur i moll). A w środkach wyrazu to, co ogólne, coraz częściej ustępuje miejsca indywidualności.

W orkiestracji zasada grup zespołowych ustąpiła miejsca solówce prawie wszystkich głosów orkiestrowych. W okresie rozkwitu romantyzmu powstało wiele nowych gatunków muzycznych, w tym gatunki muzyki programowej (poematy symfoniczne, ballady, fantazje, gatunki pieśni). Najważniejszym aspektem estetyki romantyzmu muzycznego była idea syntezy sztuk, która znalazła swój najżywszy wyraz w twórczości operowej R. Wagnera oraz w muzyce programowej G. Berlioza, R. Schumanna, F. Liszta.
WNIOSEK
Na pojawienie się romantyzmu wpłynęły trzy główne wydarzenia: Wielka Rewolucja Francuska, wojny napoleońskie i powstanie ruchu narodowowyzwoleńczego w Europie. Romantyzm jako metoda i kierunek w muzyce i kulturze artystycznej był zjawiskiem złożonym i sprzecznym. W każdym kraju miał jasność
ekspresja narodowa. Romantycy zbuntowali się przeciwko skutkom rewolucji burżuazyjnej, ale buntowali się na różne sposoby, gdyż każdy miał swój własny ideał. Ale przy wszystkich swoich twarzach i różnorodności romantyzm ma trwałe cechy: rozczarowanie otaczającym nas światem, poczucie przynależności do Wszechświata, niezadowolenie z siebie, poszukiwanie harmonii, konflikt ze społeczeństwem. Wszystkie wywodziły się z zaprzeczenia Oświeceniu i racjonalistycznym kanonom klasycyzmu, które krępowały inicjatywę twórczą. Zainteresowanie silną osobowością, która przeciwstawia się całemu otaczającemu światu i polega tylko na sobie, oraz dbałość o wewnętrzny świat człowieka. Idea syntezy sztuk znalazła wyraz w ideologii i praktyce romantyzmu. Zindywidualizowana, osobista wizja świata doprowadziła do powstania nowych gatunków muzycznych. W połączeniu z trendem rozwoju muzykologii domowej, wykonawstwa kameralnego, nieprzeznaczonego dla masowego odbiorcy i doskonałej techniki wykonawczej, dało to początek powstaniu gatunku miniatur fortepianowych – improwizowanych, momentów muzycznych, nokturnów, preludiów, wielu gatunki taneczne, które wcześniej nie występowały w muzyce profesjonalnej. Romantyczne motywy, motywy i techniki wyrazu weszły do ​​sztuki różnych stylów, trendów i skojarzeń twórczych. Siły przeciwstawiające się romantyzmowi zaczęły pojawiać się w drugiej połowie XIX wieku (Brahms, Brückner, Mahler). Wraz z ich pojawieniem się pojawiła się tendencja do powrotu do świata realnego, obiektywizmu i odrzucenia tego, co subiektywne. Ale mimo to romantyczny światopogląd lub światopogląd okazał się jednym z najbardziej owocnych artystycznych ruchów stylistycznych. Romantyzm jako postawa ogólna, charakterystyczna głównie dla młodych ludzi, jako pragnienie wolności idealnej i twórczej, jest wciąż żywy w sztuce światowej.
LITERATURA
Rapatskaya L. A. Romantyzm w kulturze artystycznej Europy XIX wieku: odkrycie „człowieka wewnętrznego” // Światowa kultura artystyczna. 11 Klasa w 2 częściach. M.: Włados, 2008
Bryantseva V.N. Literatura muzyczna obcych krajów – wyd. „Muzyka” 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets Drogi rozwoju ukraińskiej i zagranicznej sztuki muzycznej. - Kh.: Osnova, 2001. Berkovsky N.Ya. Romantyzm w Niemczech / Artykuł wprowadzający A. Aniksta. - L.: „Fikcja”, 1973

Ludwig van Beethoven Beethoven to kluczowa postać zachodniej muzyki klasycznej okresu między klasycyzmem a romantyzmem, jeden z najbardziej szanowanych i wykonywanych kompozytorów na świecie. Pisał we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, włączając w to operę, muzykę do przedstawień dramatycznych i dzieła chóralne.

Jego ojciec Johann (Johann van Beethoven) był śpiewakiem, tenorem w kaplicy dworskiej, jego matka, Maria Magdalena, przed ślubem, Keverich (Maria Magdalena Keverich,) była córką nadwornego szefa kuchni w Koblencji, pobrali się w 1767.

Nauczyciele Beethovena Ojciec kompozytora chciał zrobić ze swojego syna drugiego Mozarta i zaczął uczyć go gry na klawesynie i skrzypcach. W 1778 r. w Kolonii odbył się pierwszy występ chłopca. Jednak Beethoven jakimś cudem nie stał się dzieckiem, ojciec powierzył chłopca swoim kolegom i przyjaciołom. Jeden uczył Ludwiga gry na organach, drugi gry na skrzypcach. W 1780 roku do Bonn przybył organista i kompozytor Christian Gottlob Nefe. Stał się prawdziwym nauczycielem Beethovena

Pierwsze dziesięć lat w Wiedniu W 1787 roku Beethoven odwiedził Wiedeń. Po wysłuchaniu improwizacji Beethovena Mozart wykrzyknął. Sprawi, że wszyscy będą mówić o sobie! Po przybyciu do Wiednia Beethoven rozpoczął naukę u Haydna, a następnie twierdził, że Haydn niczego go nie nauczył; Zajęcia szybko rozczarowały zarówno ucznia, jak i nauczyciela. Beethoven uważał, że Haydn nie był wystarczająco uważny na jego wysiłki; Haydna przeraziły nie tylko śmiałe wówczas poglądy Ludwiga, ale także dość ponure melodie, co było rzadkością w tamtych latach. Haydn napisał kiedyś do Beethovena. Twoje rzeczy są piękne, są nawet cudowne, ale tu i ówdzie jest w nich coś dziwnego, ponurego, bo ty sam jesteś trochę ponury i dziwny; a styl muzyka to zawsze on sam. Wkrótce Haydn wyjechał do Anglii i przekazał swojego ucznia słynnemu nauczycielowi i teoretykowi Albrechtsbergerowi. Ostatecznie sam Beethoven wybrał Antonio Salieriego na swojego mentora.

Późniejsze lata () Kiedy Beethoven miał 34 lata, Napoleon porzucił ideały rewolucji francuskiej i ogłosił się cesarzem. Dlatego Beethoven porzucił zamiar zadedykowania mu III Symfonii: „Ten Napoleon to też zwykły człowiek. Teraz zdepcze wszelkie prawa człowieka i stanie się tyranem”. Z powodu głuchoty Beethoven rzadko wychodzi z domu i jest pozbawiony percepcji dźwięku. Staje się ponury i wycofany. To właśnie w tych latach kompozytor tworzył jedno po drugim swoje najsłynniejsze dzieła. W tych samych latach Beethoven pracował nad swoją jedyną operą Fidelio. Opera ta należy do gatunku oper „horroru i ratunku”. Sukces „Fidelio” nastąpił dopiero w 1814 roku, kiedy operę wystawiono najpierw w Wiedniu, następnie w Pradze, gdzie dyrygował nią słynny niemiecki kompozytor Weber, a wreszcie w Berlinie.

Ostatnie lata Na krótko przed śmiercią kompozytor przekazał rękopis „Fidelio” swemu przyjacielowi i sekretarzowi Schindlerowi ze słowami: „To dziecko mojego ducha narodziło się w większych mękach niż inne i sprawiło mi największy smutek. Dlatego jest mi ona droższa niż ktokolwiek inny…”. Po 1812 roku działalność twórcza kompozytora na pewien czas przyhamowała. Jednak po trzech latach zaczyna pracować z tą samą energią. W tym czasie powstały sonaty fortepianowe od 28 do 32, dwie sonaty wiolonczelowe, kwartety i cykl wokalny „To a Distant Beloved”. Dużo czasu poświęca się także adaptacjom pieśni ludowych. Oprócz Szkotów, Irlandczyków, Walijczyków są też Rosjanie. Jednak głównymi dziełami ostatnich lat są dwa najbardziej monumentalne dzieła Beethovena: „Msza uroczysta” i IX Symfonia z chórem.

Giulietcie Guicciardi, której kompozytor zadedykował Sonatę księżycową, w 1824 roku wykonano IX Symfonię. Publiczność zgotowała kompozytorowi owację na stojąco. Wiadomo, że Beethoven stał tyłem do publiczności i nic nie słyszał, po czym jeden ze śpiewaków chwycił go za rękę i odwrócił twarzą do publiczności. Ludzie machali szalikami, czapkami i rękami, pozdrawiając kompozytora. Brawa trwała tak długo, że zażądali jej obecni na sali funkcjonariusze policji.
Dzieła 9 symfonii: 1 (), 2 (1803), 3 „Eroiczne” (), 4 (1806), 5 (), 6 „Pastoralne” (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( 1824). 11 uwertur symfonicznych, m.in. Coriolanus, Egmont, Leonora 3. 5 koncertów fortepianowych. 6 sonat młodzieżowych na fortepian. 32 sonaty fortepianowe, 32 wariacje i około 60 utworów na fortepian. 10 sonat na skrzypce i fortepian. koncert na skrzypce i orkiestrę, koncert na fortepian, skrzypce i wiolonczelę oraz orkiestrę („koncert potrójny”). 5 sonat na wiolonczelę i fortepian. 16 kwartetów smyczkowych. 6 trójek. Balet „Twory Prometeusza”. Opera „Fidelio”. Uroczysta Msza św. Cykl wokalny „Do dalekiej ukochanej”. Pieśni na podstawie wierszy różnych poetów, adaptacje pieśni ludowych.

Klasycy wiedeńscy weszli do światowej historii muzyki jako główni reformatorzy, a ich twórczość jest nie tylko wyjątkowa sama w sobie, ale także cenna, ponieważ zdeterminowała dalszy rozwój teatru muzycznego, gatunków, stylów i ruchów. Ich kompozycje położyły podwaliny pod to, co obecnie uważa się za muzykę klasyczną.

Ogólna charakterystyka epoki

Autorów tych łączy fakt, że tworzyli na przełomie dwóch głównych epok kulturowo-historycznych: klasycyzmu i romantyzmu. Klasycy wiedeńscy żyli w okresie przejściowym, kiedy aktywnie poszukiwano nowych form nie tylko w muzyce, ale także w fikcji, malarstwie i architekturze. Wszystko to w dużej mierze determinowało kierunek ich działalności i problematykę ich pisarstwa. Wiek XVIII – pierwsza połowa XIX to okres poważnych wstrząsów politycznych, wojen, które dosłownie wywróciły mapę Europy do góry nogami i wywarły silny wpływ na świadomość współczesnej inteligencji i wykształconych kręgów społeczeństwa. Klasyka wiedeńska nie była wyjątkiem. Na przykład powszechnie wiadomo, że wojny napoleońskie wywarły ogromny wpływ na twórczość Beethovena, który w swojej słynnej IX symfonii („Chór”) przekazał ideę powszechnej jedności i pokoju. Była to swego rodzaju odpowiedź na wszystkie kataklizmy, które w omawianym przez nas momencie wstrząsnęły kontynentem europejskim.

Życie kulturalne

Klasyka wiedeńska żyła w czasach, gdy barok schodził na dalszy plan, a rolę wiodącą zaczął odgrywać nowy kierunek. Dążył do harmonii form, jedności kompozycji i dlatego porzucił wspaniałe formy poprzedniej epoki. Klasycyzm zaczął determinować wygląd kulturowy wielu państw europejskich. Ale jednocześnie już wtedy istniała tendencja do przełamywania sztywnych form tego ruchu i tworzenia potężnych dzieł z elementami dramatu, a nawet tragedii. Były to pierwsze oznaki pojawienia się romantyzmu, który zdeterminował rozwój kulturalny całego XIX wieku.

Reforma opery

Klasyka wiedeńska odegrała decydującą rolę w rozwoju wszystkich gatunków muzycznych omawianego okresu. Każdy z nich, że tak powiem, specjalizował się w jakimś stylu czy formie muzycznej, ale wszystkie ich osiągnięcia znalazły się na złotym funduszu muzyki światowej. Gluck (kompozytor) był największym i jednym z najbardziej znanych autorów swoich czasów. Trudno przecenić jego rolę w rozwoju teatru: wszak to on nadał gatunkowi operowemu gotową formę, w jakiej go znamy dzisiaj. Zasługą Krzysztofa Glucka jest to, że jako pierwszy odszedł od rozumienia opery jako dzieła mającego na celu wykazanie się umiejętnościami wokalnymi, ale podporządkował zasadę muzyczną dramaturgii.

Oznaczający

Gluck to kompozytor, który uczynił z opery prawdziwe przedstawienie. W jego twórczości, a także w twórczości jego następców, wokal zaczął w dużej mierze zależeć od słowa. Fabuła i kompozycja, a przede wszystkim dramaturgia, zaczęły determinować rozwój linii muzycznej. Tym samym opera przestała być gatunkiem wyłącznie rozrywkowym, ale stała się poważnym rodzajem twórczości muzycznej o złożonej dramaturgii, ciekawych z psychologicznego punktu widzenia postaciach i fascynującej kompozycji.

Dzieła kompozytora

Wiedeńska szkoła klasyczna stała się podstawą całego światowego teatru muzycznego. Duża w tym zasługa Glucka. Przełomem w tym gatunku stała się jego opera „Orfeusz i Eurydyka”. Autorka skupiła się w nim nie na wirtuozerii wykonania, ale na dramatyzmie bohaterów, dzięki czemu utwór nabrał takiego brzmienia i jest wykonywany do dziś. Nowością w muzyce światowej była także inna opera, Alceste. Austriacki kompozytor ponownie postawił na rozwój fabuły, dzięki czemu utwór nabrał silnego wydźwięku psychologicznego. Utwór do dziś wystawiany jest na najlepszych scenach świata, co sugeruje, że przeprowadzona przez Glucka reforma gatunku opery miała fundamentalne znaczenie dla ewolucji teatru muzycznego jako całości i zdeterminowała dalszy rozwój opery w tym kierunku.

Kolejny etap rozwoju

Do słynnego grona autorów, którzy wnieśli znaczący wkład w reformę gatunków muzycznych, należy także austriacki kompozytor Haydn. Najbardziej znany jest jako twórca symfonii i kwartetów. Dzięki nim maestro zyskało szeroką popularność nie tylko w krajach Europy Środkowej, ale także poza jej granicami. Najbardziej znane są jego dzieła, które wchodzą do światowego repertuaru pod nazwą „Twelve London Symphonies”. Wyróżnia ich poczucie optymizmu i pogody ducha, charakterystyczne jednak dla niemal wszystkich dzieł tego kompozytora.

Cechy kreatywności

Cechą charakterystyczną twórczości Josepha Haydna był ich związek z folklorem. W twórczości kompozytora często można usłyszeć motywy pieśni i tańca, co uczyniło jego dzieła tak rozpoznawalnymi. Odzwierciedlało to światopogląd autora, który w dużej mierze naśladował Mozarta, uważając go za najlepszego kompozytora na świecie. Od niego zapożyczał radosne, lekkie melodie, dzięki czemu jego dzieła były niezwykle wyraziste i jasne w brzmieniu.

Inne prace autora

Opery Haydna nie cieszą się tak dużą popularnością jak jego kwartety i symfonie. Niemniej jednak ten gatunek muzyczny zajmuje w twórczości austriackiego kompozytora poczesne miejsce, dlatego warto wspomnieć o szeregu jego dzieł tego rodzaju, zwłaszcza że stanowią one zauważalny etap w jego twórczej biografii. Jedna z jego oper nosi tytuł „Apteczny” i została napisana z okazji otwarcia nowego teatru. Haydn stworzył także jeszcze kilka tego typu dzieł dla nowych budynków teatru. Pisał głównie w stylu włoskiej opery buffa, czasami łącząc elementy komiczne i dramatyczne.

Najbardziej znane dzieła

Kwartety Haydna słusznie nazywane są perłą światowej muzyki klasycznej. Łączą w sobie podstawowe zasady kompozytora: elegancję formy, wirtuozerię wykonania, optymistyczne brzmienie, różnorodność tematyczną i oryginalny sposób wykonania. Jeden ze słynnych cykli nosi nazwę „Rosyjski”, ponieważ jest poświęcony carewiczowi Pawłowi Pietrowiczowi, przyszłemu cesarzowi rosyjskiemu Pawłowi I. Kolejna grupa kwartetów przeznaczona jest dla króla pruskiego. Kompozycje te zostały napisane w nowy sposób, wyróżniały się niezwykłą elastycznością brzmienia i bogactwem kontrastujących odcieni muzycznych. To właśnie dzięki temu gatunkowi muzycznemu nazwisko kompozytora zyskało światowe znaczenie. Warto w tym miejscu zaznaczyć, że autor często w swoich kompozycjach sięgał po tzw. „niespodzianki”, dokonując nieoczekiwanych fragmentów muzycznych w miejscach, gdzie słuchacze najmniej się tego spodziewali. Do takich niezwykłych dzieł należy „Symfonia dziecięca” Haydna.

Ogólna charakterystyka twórczości Mozarta

To jeden z najsłynniejszych autorów muzyki, który do dziś cieszy się niezwykłą popularnością wśród miłośników klasyki i jest kochany na całym świecie. Sukces jego dzieł tłumaczy się tym, że wyróżniają się one logiczną harmonią i kompletnością. Pod tym względem wielu badaczy przypisuje jego twórczość epoce klasycyzmu. Inni jednak uważają, że wiedeński kompozytor stał się zwiastunem romantyzmu: wszak w jego twórczości pojawiła się już wyraźna tendencja do przedstawiania mocnych, niezwykłych obrazów, a także głębokie psychologiczne studium postaci (mówimy w tym przypadku o operze sprawa). Tak czy inaczej, dzieła mistrza wyróżniają się głębią, a jednocześnie niezwykłą łatwością percepcji, dramatyzmem i optymizmem. Są łatwe i przystępne dla każdego, a jednocześnie bardzo poważne i filozoficzne w swojej treści i brzmieniu. To jest właśnie fenomen jego sukcesu.

Opery kompozytora

Decydującą rolę w rozwoju gatunku operowego odegrała wiedeńska szkoła klasyczna. Ogromna zasługa w tym należy do Mozarta. Spektakle do jego muzyki nadal cieszą się ogromnym zainteresowaniem nie tylko prawdziwych melomanów, ale także masowej publiczności. Być może jest to jedyny kompozytor, którego muzyka jest znana wszystkim w taki czy inny sposób, nawet jeśli mają najmniejsze pojęcie o jego twórczości.

Najbardziej znaną operą jest chyba Wesele Figara. To chyba najweselsze i zarazem niezwykle zabawne dzieło autora. Humor słychać niemal w każdej części, co uczyniło go tak popularnym. Słynna aria głównego bohatera już następnego dnia stała się prawdziwym hitem. Muzyka Mozarta – jasna, zabawna, zabawna, ale jednocześnie niezwykle mądra w swojej prostocie – od razu zyskała powszechną miłość i uznanie.

Inną znaną operą autora jest „Don Giovanni”. Pod względem popularności nie ustępuje chyba wyżej wymienionemu: inscenizacje tego przedstawienia można oglądać już w naszych czasach. Znaczące jest, że kompozytor przedstawił dość złożoną historię tego człowieka w bardzo prostej, a zarazem poważnej formie, tym samym po raz kolejny dając dowód głębokiego zrozumienia życia. W ten sposób geniusz był w stanie pokazać zarówno elementy dramatyczne, jak i optymistyczne, które są ze sobą nierozerwalnie powiązane we wszystkich jego dziełach.

Dziś nie mniej znana jest opera „Czarodziejski flet”. Muzyka Mozarta osiągnęła apogeum w swojej wyrazistości. Jest w tym utworze lekki, zwiewny, wesoły, a jednocześnie niezwykle poważny, więc można się tylko zastanawiać, jak autorowi udało się przekazać cały system filozoficzny w tak prostych, harmonijnych dźwiękach. Znane są także inne opery kompozytora, obecnie cyklicznie można usłyszeć La Clemenza di Titus, zarówno w przedstawieniach teatralnych, jak i koncertowych. Tym samym gatunek operowy zajmował jedno z głównych miejsc w twórczości genialnego kompozytora.

Wybrane prace

Kompozytor działał w różnych kierunkach i stworzył wiele dzieł muzycznych. Mozart, którego na przykład „Nocna serenada” już dawno wyszła poza zakres wykonań koncertowych i stała się powszechnie znana, pisał bardzo prostym i przystępnym językiem. Być może dlatego często nazywany jest geniuszem harmonii. Nawet w utworach tragicznych pojawiał się motyw nadziei. W „Requiem” wyraził swoje przemyślenia na temat lepszej przyszłości życia, aby pomimo tragicznego wydźwięku muzyki dzieło pozostawiło poczucie oświeconego spokoju.

Koncert Mozarta wyróżnia się także harmonijną harmonią i logiczną kompletnością. Wszystkie części podporządkowane są jednemu tematowi, a łączy wspólny motyw, który nadaje ton całemu dziełu. Dlatego jego muzyki słucha się jednym tchem. W tego typu gatunku ucieleśnione są podstawowe zasady twórczości kompozytora: harmonijne połączenie dźwięków i partii, jasne, a jednocześnie wirtuozowskie brzmienie orkiestry. Nikt inny nie potrafił tak harmonijnie ułożyć swojej twórczości muzycznej jak Mozart. Kompozytorska „Nocna Serenada” jest swego rodzaju standardem harmonijnego łączenia części o różnych dźwiękach. Wesołe i głośne pasaże bardzo rytmicznie ustępują ledwo słyszalnym partiom wirtuozowskim.

Na szczególną uwagę zasługują msze autorskie. Zajmują poczesne miejsce w jego twórczości i, podobnie jak inne dzieła, przepojone są poczuciem jasnej nadziei i oświeconej radości. Warto także wspomnieć o słynnym „Rondo Tureckim”, które wykroczyło poza ramy wykonań koncertowych, dzięki czemu często można je usłyszeć nawet w reklamach telewizyjnych. Być może jednak największe poczucie harmonii można odnaleźć w koncercie Mozarta, w którym zasada logicznej kompletności osiągnęła najwyższy stopień.

Krótko o twórczości Beethovena

Kompozytor ten w całości należy do epoki dominacji romantyzmu. Jeśli Johann Amadeus Mozart stoi niejako na progu klasycyzmu i nowego kierunku, to Ludwig Van Beethoven całkowicie przeszedł na przedstawianie w swoich dziełach silnych pasji, potężnych uczuć i niezwykłych osobowości. Stał się bodaj najwybitniejszym przedstawicielem romantyzmu. Znamienne, że podejmując tematy dramatyczne, tragiczne, napisał tylko jedną operę. Głównym gatunkiem dla niego pozostały symfonie i sonaty. Przypisuje mu się zreformowanie tych dzieł, podobnie jak Gluck w swoich czasach zreformował spektakle operowe.

Cechą uderzającą w twórczości kompozytora było to, że motywem przewodnim jego dzieł był obraz potężnej, tytanicznej woli jednostki, która ogromnym wysiłkiem woli pokonuje trudności i wszelkie przeszkody. L. V. Beethoven także wiele miejsca w swoich kompozycjach poświęcał tematyce walki i konfrontacji, a także motywowi powszechnej jedności.

Kilka faktów biograficznych

Pochodził z rodziny muzyków. Ojciec chciał, aby chłopiec został sławnym kompozytorem, więc pracował z nim dość surowymi metodami. Być może dlatego dziecko dorastało z natury ponure i surowe, co później wpłynęło na jego kreatywność. Beethoven pracował i mieszkał w Wiedniu, gdzie studiował u Haydna, jednak studia te bardzo szybko rozczarowały zarówno ucznia, jak i nauczyciela. Ten ostatni zwracał uwagę na fakt, że u młodego autora dominowały motywy raczej mroczne, co nie było wówczas akceptowane.

Biografia Beethovena także pokrótce opowiada o okresie jego pasji walki wyzwoleńczej. Początkowo z entuzjazmem przyjmował wojny napoleońskie, jednak później, gdy Bonaparte ogłosił się cesarzem, porzucił pomysł napisania symfonii na jego cześć. W 1796 roku Ludwig zaczął tracić słuch. Nie przerwało to jednak jego działalności twórczej. Już całkowicie głuchy napisał swoją słynną IX Symfonię, która stała się prawdziwym arcydziełem w światowym repertuarze muzycznym. (nie sposób o tym krótko mówić) zawiera także informacje o przyjaźni mistrza z wybitnymi ludźmi swoich czasów. Mimo powściągliwego i surowego charakteru kompozytor przyjaźnił się z Weberem, Goethem i innymi postaciami epoki klasycyzmu.

Najbardziej znane dzieła

Mówiliśmy już powyżej, że cechą charakterystyczną twórczości L. V. Beethovena była chęć ukazywania silnych, emocjonalnych postaci, walka namiętności i pokonywanie trudności. Wśród dzieł tego gatunku na szczególną uwagę zasługuje „Appassionata”, która pod względem intensywności uczuć i emocji jest być może jedną z najpotężniejszych. Kompozytor zapytany o ideę jego powstania, nawiązał do sztuki Szekspira „Burza”, która jego zdaniem była dla niego inspiracją. Autor dokonał paraleli pomiędzy motywami tytanicznych impulsów w twórczości dramaturga a jego muzyczną interpretacją tego tematu.

Jednym z najpopularniejszych dzieł autora jest „Sonata księżycowa”, która wręcz przeciwnie, przepojona jest poczuciem harmonii i spokoju, jakby kontrastująca z dramatyczną melodią jego symfonii. Znamienne, że już współcześni kompozytorowi nadali nazwę temu utworowi, być może dlatego, że muzyka przypominała blask morza w cichą noc. Takie skojarzenia zrodziły się u większości słuchaczy podczas słuchania tej sonaty. Nie mniej, a może nawet bardziej popularna jest słynna kompozycja „Für Eliza”, którą kompozytor zadedykował żonie cesarza rosyjskiego Aleksandra I, Elizawiecie Aleksiejewnej (Luizie). Dzieło to uderza niesamowitym połączeniem lekkich motywów i poważnych dramatycznych fragmentów w środku. Szczególne miejsce w twórczości mistrza zajmuje jego jedyna opera „Fidelio” (w tłumaczeniu z języka włoskiego „Wierni”). Dzieło to, jak wiele innych, przepojone jest patosem umiłowania wolności i wołaniem o wolność. „Fidelio” wciąż nie schodzi ze sceny prezenterów, choć opera nie od razu zyskała uznanie, jak to prawie zawsze ma miejsce.

IX Symfonia

Utwór ten jest chyba najsłynniejszym spośród innych dzieł kompozytora. Został napisany na trzy lata przed śmiercią, w 1824 roku. IX Symfonia stanowi zwieńczenie długich i wieloletnich poszukiwań kompozytora doskonałego dzieła symfonicznego. Różni się od wszystkich poprzednich tym, że po pierwsze wprowadził część chóralną (do słynnej „Ody do radości” F. Schillera), a po drugie, kompozytor zreformował w niej strukturę gatunku symfonicznego. Temat główny ujawnia się stopniowo w każdej części dzieła. Początek symfonii jest dość ponury i ciężki, ale nawet wtedy pobrzmiewa odległy motyw pojednania i oświecenia, który narasta w miarę rozwoju kompozycji muzycznej. Wreszcie na sam koniec rozbrzmiewa dość mocny wokal chóralny, wzywający wszystkich ludzi na świecie do zjednoczenia. W ten sposób kompozytor jeszcze bardziej podkreślił główną ideę swojego dzieła. Chciał, aby jego myśli były wyrażone jak najdokładniej, dlatego nie ograniczył się tylko do muzyki, ale wprowadził także występy śpiewaków. Symfonia odniosła ogromny sukces: podczas prawykonania publiczność nagrodziła kompozytora owacją na stojąco. Znamienne jest, że L.V. Beethoven skomponował go, gdy był już osobą całkowicie głuchą.

Znaczenie szkoły wiedeńskiej

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven stali się twórcami muzyki klasycznej, mając ogromny wpływ na całą późniejszą historię muzyczną nie tylko Europy, ale i świata. Znaczenie tych kompozytorów i ich wkład w reformę teatru muzycznego jest nie do przecenienia. Działając w różnorodnych gatunkach, stworzyli kręgosłup i formę dzieł, na bazie których ich następcy komponowali nowe dzieła. Wiele z ich twórczości już dawno przekroczyło zakres wykonań koncertowych i jest szeroko słyszalne w filmach i telewizji. „Rondo tureckie”, „Sonata księżycowa” i wiele innych dzieł tych autorów znane są nie tylko melomanom, ale nawet tym, którzy z muzyką klasyczną nie są zaznajomieni. Wielu badaczy słusznie nazywa wiedeński etap rozwoju klasyki definiującym w historii muzyki, gdyż to właśnie w tym okresie zostały ustalone podstawowe zasady tworzenia i pisania oper, symfonii, sonat i kwartetów.

L. V. Beethoven to niemiecki kompozytor, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej (urodzony w Bonn, ale większość życia spędził w Wiedniu – od 1792 r.).

Muzyczne myślenie Beethovena jest złożoną syntezą:

Ø dorobek twórczy klasyków wiedeńskich (Gluck, Haydn, Mozart);

Ø sztuka rewolucji francuskiej;

Ø nowość, która pojawiła się w latach 20-tych. XIX wiek ruch artystyczny - romantyzm.

Dzieła Beethovena noszą piętno ideologii, estetyki i sztuki Oświecenia. To w dużej mierze wyjaśnia logiczne myślenie kompozytora, klarowność form, przemyślaność całej koncepcji artystycznej i poszczególnych szczegółów dzieł.

Warto również zauważyć, że Beethoven najpełniej pokazał się w gatunkach sonaty i symfonie(gatunki typowe dla klasyki) . Beethoven jako pierwszy zastosował tzw „symfonizm konfliktu” opiera się na zestawieniu i zderzeniu jaskrawo kontrastujących obrazów muzycznych. Im bardziej dramatyczny konflikt, tym bardziej złożony jest proces rozwoju, który dla Beethovena staje się główną siłą napędową.

Idee i sztuka Wielkiej Rewolucji Francuskiej odcisnęły piętno na wielu dziełach Beethovena. Z oper Cherubiniego prowadzi prosta droga do Fidelio Beethovena.

Dzieła kompozytora charakteryzują się ujmującą intonacją i precyzyjnym rytmem, szerokim oddechem melodycznym i potężną instrumentacją hymnów pieśni, marszów i oper tej epoki. Zmienili styl Beethovena. Dlatego język muzyczny kompozytora, choć kojarzony ze sztuką klasyków wiedeńskich, jednocześnie mocno się od niej różnił. W twórczości Beethovena, w odróżnieniu od Haydna i Mozarta, rzadko spotyka się wyrafinowaną zdobnictwo, gładkie wzory rytmiczne, kameralność, przejrzystą fakturę, równowagę i symetrię tematów muzycznych.

Kompozytor nowej ery, Beethoven znajduje różne intonacje dla wyrażenia swoich myśli - dynamiczne, niespokojne, szorstkie. Brzmienie jego muzyki staje się znacznie bogatsze, gęstsze i dramatycznie kontrastujące. Jego tematy muzyczne zyskują niespotykaną dotychczas lakoniczność i surową prostotę.

Słuchacze wychowani na XVIII-wiecznym klasycyzmie byli zdumieni i często powodowali nieporozumienia siła emocjonalna Muzyka Beethovena przejawiająca się albo w brutalnym dramacie, albo we wspaniałym, epickim rozmachu, albo w uduchowionych tekstach. Ale to właśnie te cechy sztuki Beethovena zachwycały muzyków romantycznych. I choć związek Beethovena z romantyzmem jest niezaprzeczalny, jego sztuka w swoich głównych zarysach nie jest z nim zbieżna. Nie do końca wpisuje się w ramy klasycyzmu. Bo Beethoven, jak mało kto, jest wyjątkowy, indywidualny i wieloaspektowy.

Tematyka twórczości Beethovena:

Ø Skoncentruj się na Beethovenie – życie bohatera, które toczy się w nieustannej walce o uniwersalną, piękną przyszłość. Idea heroiczna przewija się niczym czerwona nić przez całe dzieło Beethovena. Bohater Beethovena jest nierozerwalnie związany z ludźmi. W służbie ludzkości, w wywalczeniu dla niej wolności, widzi cel swojego życia. Ale droga do celu wiedzie przez ciernie, walkę i cierpienie. Często bohater umiera, ale jego śmierć uwieńczona jest zwycięstwem, przynosząc szczęście wyzwolonej ludzkości. Zainteresowanie Beethovena obrazami heroicznymi i ideą walki wynika z jednej strony z jego osobowości, trudnego losu, zmagania się z nim i ciągłego pokonywania trudności; z drugiej strony wpływ idei Wielkiej Rewolucji Francuskiej na światopogląd kompozytora.

Ø Znalazłem najbogatsze odbicie w dziełach Beethovena i motyw natury(VI symfonia „Pastoral”, sonata nr 15 „Pastoral”, sonata nr 21 „Aurora”, IV symfonia, wiele wolnych części sonat, symfonii, kwartetów). Bierna kontemplacja jest obca Beethovenowi: cisza i spokój natury pomaga głęboko zrozumieć ekscytujące kwestie, zebrać myśli i wewnętrzną siłę do walki o życie.

Ø Beethoven wnika głęboko sfera ludzkich uczuć. Ale odsłaniając świat wewnętrznego, emocjonalnego życia człowieka, Beethoven rysuje tego samego bohatera, zdolnego podporządkować spontaniczność uczuć wymogom rozumu.

Główne cechy języka muzycznego:

Ø Melodyka . Podstawą jego melodii są sygnały trąbkowe i fanfary, zachęcające okrzyki oratorskie i zwroty marszowe. Często wykorzystuje się ruch wzdłuż dźwięków triady (G.P. „Eroic Symphony”; temat finału V symfonii, G.P. I część 9 symfonii). Cezury Beethovena to znaki interpunkcyjne w mowie. Fermaty Beethovena to pauzy po żałosnych pytaniach. Motywy muzyczne Beethovena często składają się z kontrastujących elementów. Kontrastową strukturę tematów można spotkać także u poprzedników Beethovena (zwłaszcza Mozarta), jednak u Beethovena staje się to już wzorem. Kontrast w temacie przeradza się w konflikt G.P. i P.P. w formie sonatowej, dynamizuje wszystkie części allegra sonatowego.

Ø Metrorytm. Rytmy Beethovena rodzą się z tego samego źródła. Rytm niesie ze sobą ładunek męskości, woli i aktywności.

§ Marszowe rytmy niezwykle powszechne

§ Rytmy taneczne(na obrazach ludowej zabawy - finał VII symfonii, finał sonaty Aurora, kiedy po wielu cierpieniach i zmaganiach nadchodzi chwila triumfu i radości.

Ø Harmonia. Dzięki prostocie pionu akordowego (akordy głównych funkcji, lakoniczne użycie dźwięków nieakordowych) następuje kontrastowa i dramatyczna interpretacja ciągu harmonicznego (powiązanie z zasadą dramaturgii konfliktu). Ostre, odważne modulacje w odległe tonacje (w przeciwieństwie do modulacji plastycznych Mozarta). W swoich późniejszych dziełach Beethoven antycypuje cechy harmonii romantycznej: polifoniczną tkaninę, bogactwo nieakordowych dźwięków, wykwintne sekwencje harmoniczne.

Ø Formy muzyczne Dzieła Beethovena to wspaniałe konstrukcje. „To jest Szekspir mas” – pisał o Beethovenie W. Stasow. „Mozart był odpowiedzialny tylko za jednostki… Beethoven myślał o historii i całej ludzkości”. Beethoven jest twórcą formy darmowe odmiany(finał 30. sonaty fortepianowej, wariacje na temat Diabellego, III i IV część IX symfonii). Przypisuje mu się wprowadzenie formy wariacyjnej do dużej formy.

Ø Gatunki muzyczne. Beethoven rozwinął większość istniejących gatunków muzycznych. Podstawą jego twórczości jest muzyka instrumentalna.

Lista dzieł Beethovena:

Muzyka orkiestrowa:

Symfonie – 9;

Uwertury: „Coriolanus”, „Egmont”, „Leonora” – 4 opcje do opery „Fidelio”;

Koncerty: 5 fortepianów, 1 skrzypce, 1 potrójny – na skrzypce, wiolonczelę i fortepian.

Muzyka fortepianowa:

32 sonaty;

22 cykle wariacyjne (w tym 32 wariacje w c-moll);

Bagatele (w tym „Fur Elise”).

Muzyka zespołu kameralnego:

Sonaty na skrzypce i fortepian (m.in. „Kreutzerova” nr 9); wiolonczele i fortepian;

16 kwartetów smyczkowych.

Muzyka wokalna:

Opera „Fidelio”;

Piosenki, m.in. cykl „Do dalekiego ukochanego”, adaptacje pieśni ludowych: szkockiej, irlandzkiej itp.;

2 Msze: C-dur i Msza uroczysta;

oratorium „Chrystus na Górze Oliwnej”.