Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy korzystający z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.
Hostowane na http://www.allbest.ru
" Sztuka muzycznauhnie obchodzi mnie toPoświetlenie"
Uczniowie grupy 1ESTO
Syrovatchenko Olgau
EpokaPoświetlenie
Epoka Oświecenia to jedna z kluczowych epok w dziejach kultury europejskiej, związana z rozwojem myśli naukowej, filozoficznej i społecznej. Ten ruch intelektualny opierał się na racjonalizmie i wolnomyślicielstwie. Począwszy od Anglii, ruch ten rozprzestrzenił się na Francję, Niemcy, Rosję i inne kraje europejskie. Szczególnie wpływowe było francuskie oświecenie, które stało się „władcami myśli”.
Sztukę muzyczną można zrównać ze sztuką teatralną i literacką. Na temat dzieł wielkich pisarzy i dramaturgów napisano opery i inne utwory muzyczne.
W drugiej połowie XVIII wieku rozwinęła się sztuka wiedeńskiej szkoły muzyki klasycznej, która odegrała decydującą rolę w całej późniejszej europejskiej kulturze muzycznej.
Rozwój sztuki muzycznej kojarzony jest przede wszystkim z nazwiskami tak wielkich kompozytorów jak I.S. Bacha, G.F. Haendel, J. Haydn, V.A. Mozarta, LW Beethovena.
Franciszek Józef Haydn
Franz Joseph Haydn (31.03.1732 - 31.05.1809) był kompozytorem austriackim, przedstawicielem wiedeńskiej szkoły klasycznej, jednym z twórców takich gatunków muzycznych jak symfonia i kwartet smyczkowy. Twórca melodii, która później stała się podstawą hymnów Niemiec i Austro-Węgier.
Młodzież. Joseph Haydn (kompozytor nigdy nie nazywał się Franz) urodził się 31 marca 1732 r. w majątku hrabiów Harrach, w dolnoaustriackiej wsi Rorau, niedaleko granicy z Węgrami, w rodzinie Matthiasa Haydna (1699 -1763). Rodzice, którzy poważnie upodobali sobie śpiew i amatorskie muzykowanie, odkryli w chłopcu zdolności muzyczne iw 1737 r. wysłali go do krewnych w mieście Hainburg-nad Dunajem, gdzie Josef zaczął uczyć się śpiewu chóralnego i muzyki. W 1740 roku Józefa zauważył Georg von Reutter, dyrektor kaplicy wiedeńskiej katedry św. Stefana. Reutter zabrał utalentowanego chłopca do kaplicy i przez dziewięć lat śpiewał w chórze (w tym kilka lat z młodszymi braćmi).
Śpiewanie w chórze było dobre dla Haydna, ale jedynej szkoły. W miarę rozwoju umiejętności przypisywano mu trudne partie solowe. Wraz z chórem Haydn często występował na uroczystościach miejskich, weselach, pogrzebach, brał udział w uroczystościach dworskich.
W 1749 głos Josefa zaczął się łamać i został wyrzucony z chóru. Następne dziesięć lat było dla niego bardzo trudne. Josef podejmował różne prace, m.in. był sługą włoskiego kompozytora Nicola Porpory, od którego pobierał również lekcje kompozycji. Haydn starał się wypełnić luki w swoim wykształceniu muzycznym, pilnie studiując twórczość Emmanuela Bacha i teorię kompozycji. Napisane przez niego wówczas sonaty na klawesyn zostały wydane i wzbudziły zainteresowanie. Jego pierwszymi ważnymi kompozycjami były dwie msze brevis, F-dur i G-dur, napisane przez Haydna w 1749 roku, jeszcze zanim opuścił kaplicę św. Szczepana; opera Lame Demon (nie zachowana); około tuzina kwartetów (1755), pierwsza symfonia (1759).
W 1759 roku kompozytor otrzymał stanowisko kapelmistrza na dworze hrabiego Karola von Morzin, gdzie Haydn miał pod swoim dowództwem małą orkiestrę, dla której kompozytor skomponował swoje pierwsze symfonie. Wkrótce jednak von Morzin zaczął doświadczać trudności finansowych i zaprzestał działalności swojego projektu muzycznego.
W 1760 Haydn poślubił Marie-Anne Keller. Nie mieli dzieci, czego bardzo żałował kompozytor.
Obsługa w Esterhazy. W 1761 roku w życiu Haydna doszło do brzemiennego w skutki wydarzenia - został drugim kapelmistrzem na dworze książąt Esterhazy, jednego z najbardziej wpływowych i wpływowych rodów arystokratycznych w Austrii. Do obowiązków kapelmistrza należało komponowanie muzyki, kierowanie orkiestrą, granie kameralistyki przed patronem oraz wystawianie oper.
W czasie swojej prawie trzydziestoletniej kariery na dworze Esterhazego kompozytor skomponował wiele utworów, jego sława rośnie. W 1781 roku podczas pobytu w Wiedniu Haydn poznał i zaprzyjaźnił się z Mozartem. Udzielał lekcji muzyki Zygmuntowi von Neukomowi, który później stał się jego bliskim przyjacielem.
11 lutego 1785 Haydn został inicjowany do loży masońskiej „Do prawdziwej harmonii” („Zur wahren Eintracht”). Mozart nie mógł przybyć na uroczystość, ponieważ był na koncercie swojego ojca Leopolda.
W XVIII wieku w wielu krajach (Włochy, Niemcy, Austria, Francja i inne) następowały procesy formowania się nowych gatunków i form muzyki instrumentalnej, które ostatecznie ukształtowały się i osiągnęły swój szczyt w tzw. szkoła” - w twórczości Haydna, Mozarta i Beethovena. Zamiast faktury polifonicznej duże znaczenie zyskała faktura homofoniczno-harmoniczna, ale jednocześnie w dużych utworach instrumentalnych często pojawiały się epizody polifoniczne dynamizujące tkankę muzyczną.
Znowu wolny muzyk. W 1790 r. zmarł książę Nikołaj Esterhazy (angielski) Rosjanin, a jego syn i następca, książę Anton (angielski) rosyjski, nie będąc miłośnikiem muzyki, rozwiązał orkiestrę. W 1791 Haydn otrzymał kontrakt na pracę w Anglii. Następnie pracował intensywnie w Austrii i Wielkiej Brytanii. Dwa wyjazdy do Londynu, gdzie napisał swoje najlepsze symfonie na koncerty Solomona, dodatkowo wzmocniły sławę Haydna.
Przejeżdżając przez Bonn w 1792 r. spotkał młodego Beethovena i przyjął go na ucznia.
Następnie Haydn osiadł w Wiedniu, gdzie napisał swoje dwa słynne oratoria: Stworzenie świata (1799) i Pory roku (1801).
Haydn próbował swoich sił we wszystkich rodzajach kompozycji muzycznych, ale nie wszystkie gatunki jego twórczości manifestowały się z taką samą siłą.
W dziedzinie muzyki instrumentalnej słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów drugiej połowy XVIII i początku XIX wieku.
Wielkość Haydna jako kompozytora objawiła się maksymalnie w jego dwóch ostatnich dziełach: wielkich oratoriach - Stworzeniu Świata (1798) i Pory roku (1801). Oratorium „Pory roku” może być wzorcowym wzorcem muzycznego klasycyzmu. Pod koniec życia Haydn cieszył się ogromną popularnością.
Praca nad oratoriami podkopała siłę kompozytora. Jego ostatnimi utworami były Harmoniemesse (1802) oraz niedokończony kwartet smyczkowy op. 103 (1802). Ostatnie szkice pochodzą z 1806 roku, po którym Haydn nic nie napisał. Kompozytor zmarł w Wiedniu 31 maja 1809 r.
Dorobek twórczy kompozytora obejmuje 104 symfonie, 83 kwartety, 52 sonaty fortepianowe, oratoria („Stworzenie świata” i „Pory roku”), 14 mszy, 24 opery.
Lista kompozycji:
Muzyka kameralna:
§ 12 sonat na skrzypce i fortepian (m.in. sonata e-moll, sonata D-dur)
§ 83 kwartet smyczkowy na dwoje skrzypiec, altówkę i wiolonczelę
§ 7 duetów na skrzypce i altówkę
§ 40 trio na fortepian, skrzypce (lub flet) i wiolonczelę
§ 21 trio na 2 skrzypiec i wiolonczelę
§ 126 trio na baryton, altówkę (skrzypce) i wiolonczelę
§ 11 trio na mieszane instrumenty dęte i smyczkowe
35 koncertów na jeden lub więcej instrumentów z orkiestrą, w tym:
§ cztery koncerty na skrzypce i orkiestrę
§ dwa koncerty na wiolonczelę i orkiestrę
§ dwa koncerty na róg i orkiestrę
§ 11 Koncerty fortepianowe
§ 6 koncertów organowych
§ 5 koncertów na liry dwukołowe
§ 4 koncerty na baryton i orkiestrę
§ koncert na kontrabas i orkiestrę
§ koncert na flet i orkiestrę
§ koncert na trąbkę i orkiestrę
§ 13 divertisses z clavier
W sumie są 24 opery, w tym:
§ Kulawy Demon (Der krumme Teufel), 1751
§ „Prawdziwa trwałość”
§ „Orfeusz i Eurydyka, czyli dusza filozofa”, 1791
§ „Asmodeusz, czyli Nowy Kulawy Imp”
§ „Aptekarz”
§ „Acis i Galatea”, 1762
§ „Wyspa bezludna” (L „lsola disabitata)
§ „Armida”, 1783
§ Rybaczki (Le Pescatrici), 1769
§ „Oszukana niewierność” (L „Infedelta delusa)
§ „Nieprzewidziane spotkanie” (L „Incontro impproviso), 1775
§ Księżycowy Świat (II Mondo della luna), 1777
§ „Prawdziwa stałość” (La Vera costanza), 1776
§ Nagrodzona lojalność (La Fedelta premiata)
§ „Roland Paladin” (Orlando Raladino), opera heroiczno-komiczna oparta na fabule wiersza Ariosta „Wściekły Roland”
14 oratoriów, w tym:
§ „Tworzenie świata”
§ "Pory roku"
§ „Siedem słów Zbawiciela na krzyżu”
§ „Powrót Tobiasza”
§ Alegoryczna kantata-oratorium „Oklaski”
§ Hymn oratoryjny Stabat Mater
14 mszy, w tym:
§ mała masa (Missa brevis, F-dur, ok. 1750)
§ Wielka Msza Organowa Es-dur (1766)
§ Msza św. Mikołaj (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)
§ Msza św. Beznogie (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, między 1769 a 1773)
§ mała msza organowa (B-dur, 1778)
§ Msza Mariazelle (Mariazellermesse, C-dur, 1782)
§ Msza z kotłami, czyli Msza w czasie wojny (Paukenmesse, C-dur, 1796)
§ Msza Heiligmesse (B-dur, 1796)
§ Nelson-Messe (Nelson-Messe, d-moll, 1798)
§ Msza Teresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)
§ msza z tematem z oratorium „Stworzenie” (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)
§ Msza blaszana (Harmoniemesse, B-dur, 1802)
Łącznie 104 symfonie, w tym:
§ „Symfonia pożegnalna”
§ „Symfonia oksfordzka”
§ „Symfonia żałobna”
§ 6 Symfonii Paryskich (1785-1786)
§ 12 London Symphonies (1791-1792, 1794-1795), w tym Symfonia nr 103 „Timpani Tremolo”
§ 66 dywersje i kasacje
Utwory na fortepian:
§ Fantazje, wariacje
§ 52 sonaty fortepianowe
Ludwigwpl Beethoven
Ludwig van Beethoven to niemiecki kompozytor, dyrygent i pianista, jeden z trzech „klasyków wiedeńskich”.
Beethoven jest kluczową postacią zachodniej muzyki klasycznej pomiędzy klasycyzmem a romantyzmem oraz jednym z najbardziej szanowanych i wykonywanych kompozytorów na świecie. Pisał we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, w tym operze, muzyce do spektakli dramatycznych, utworach chóralnych. Za najważniejsze w jego dorobku uważa się utwory instrumentalne: sonaty fortepianowe, skrzypcowe i wiolonczelowe, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórczość Beethovena miała znaczący wpływ na muzykę symfoniczną XIX i XX wieku.
Ludwig van Beethoven urodził się w grudniu 1770 w Bonn. Dokładna data urodzenia nie została ustalona, przypuszczalnie jest to 16 grudnia, znana jest jedynie data chrztu - 17 grudnia 1770 w Bonn w kościele katolickim św. Remigiusza. Jego ojciec Johann Johann van Beethoven, 1740-1792) była śpiewaczką, tenorem, w kaplicy dworskiej, matką Marią Magdaleną, przed ślubem Keverich ( Maria Magdalena Keverich, 1748-1787), była córką nadwornego kucharza w Koblencji, pobrali się w 1767 r. Dziadek Ludwig (1712-1773) służył w tej samej kaplicy co Johann, najpierw jako śpiewak, bas, potem kapelmistrz. Pochodził z Mechelen w południowej Holandii, stąd przedrostek „van” przed jego nazwiskiem. Ojciec kompozytora chciał zrobić z syna drugiego Mozarta i zaczął uczyć go gry na klawesynie i skrzypcach. W 1778 r. w Kolonii odbył się pierwszy występ chłopca. Beethoven nie stał się jednak cudownym dzieckiem, ojciec powierzył chłopca swoim kolegom i przyjaciołom. Jeden nauczył Ludwiga gry na organach, drugi na skrzypcach.
W 1780 roku do Bonn przybył organista i kompozytor Christian Gottlob Nefe. Stał się prawdziwym nauczycielem Beethovena. Nefe natychmiast zorientowała się, że chłopak ma talent. Zapoznał Ludwiga z Clavierem Well Tempered Bacha i dziełami Haendla, a także z muzyką starszych współczesnych: F.E. Bacha, Haydna i Mozarta. Dzięki Nefe ukazała się także pierwsza kompozycja Beethovena, wariacja na temat marsza Dresslera. Beethoven miał wtedy dwanaście lat i pracował już jako asystent organisty sądowego.
Po śmierci dziadka sytuacja finansowa rodziny uległa pogorszeniu. Ludwig musiał wcześniej opuścić szkołę, ale nauczył się łaciny, uczył się włoskiego i francuskiego i dużo czytał. Już jako osoba dorosła kompozytor przyznał w jednym ze swoich listów:
Do ulubionych pisarzy Beethovena należą starożytni autorzy greccy Homer i Plutarch, angielski dramaturg Szekspir, niemieccy poeci Goethe i Schiller.
W tym czasie Beethoven zaczął komponować muzykę, ale nie spieszył się z publikacją swoich dzieł. Wiele z tego, co napisał w Bonn, zostało później przez niego zrewidowane. Z młodzieńczych dzieł kompozytora znane są trzy sonaty dziecięce i kilka piosenek, w tym „Świstak”.
Beethoven dowiedział się o chorobie matki i wrócił do Bonn. Zmarła 17 lipca 1787 r. Siedemnastoletni chłopiec został zmuszony do zostania głową rodziny i opiekowania się młodszymi braćmi. Do orkiestry dołączył jako altowiolista. Są tu wystawiane opery włoskie, francuskie i niemieckie. Szczególnie silne wrażenie wywarły na młodym człowieku opery Glucka i Mozarta.
W 1789 Beethoven, chcąc kontynuować naukę, zaczął uczęszczać na wykłady na uniwersytecie. Właśnie w tym czasie do Bonn dociera wiadomość o rewolucji we Francji. Jeden z profesorów uniwersyteckich publikuje zbiór wierszy gloryfikujących rewolucję. Beethoven podpisuje się pod nim. Następnie komponuje „Pieśń Wolnego Człowieka”, w której znajdują się słowa: „Wolny jest ten, dla którego zalety urodzenia i tytułu nic nie znaczą”.
Podczas swojego życia w Bonn wstąpił do masonerii. Nie ma dokładnej daty jego rozpoczęcia. Wiadomo tylko, że został masonem, gdy był jeszcze młodym mężczyzną. Dowodem masonerii Beethovena jest list napisany przez kompozytora do masona Franza Wegelera, w którym wyraża on zgodę na zadedykowanie masonerii jednej ze swoich kantat, znanej jako „Das Werk beginnt!” Wiadomo też, że Beethoven z czasem stracił zainteresowanie masonerią i nie brał czynnego udziału w jej działalności.
Haydn zatrzymał się w drodze z Anglii do Bonn. Z aprobatą mówił o eksperymentach kompozytorskich Beethovena. Młody człowiek postanawia wyjechać do Wiednia na lekcje u słynnego kompozytora, a Haydn staje się jeszcze bardziej sławny po powrocie z Anglii. Jesienią 1792 Beethoven opuszcza Bonn.
Pierwsze dziesięć lat w Wiedniu. Po przybyciu do Wiednia Beethoven rozpoczął zajęcia z Haydnem, twierdząc następnie, że Haydn niczego go nie nauczył; zajęcia szybko zawiodły zarówno ucznia, jak i nauczyciela. Beethoven uważał, że Haydn nie był wystarczająco uważny na jego wysiłki; Haydna przerażały nie tylko śmiałe wówczas poglądy Ludwiga, ale także dość ponure melodie, co w tamtych latach nie było powszechne.
Wkrótce Haydn wyjechał do Anglii i oddał swojego ucznia słynnemu nauczycielowi i teoretykowi Albrechtsbergerowi. W końcu sam Beethoven wybrał swojego mentora – Antonio Salieri.
Już w pierwszych latach życia w Wiedniu Beethoven zdobył sławę jako pianista-wirtuoz. Jego gra zachwyciła publiczność.
Beethoven odważnie przeciwstawiał się skrajnym rejestrom (a w tym czasie grali głównie w środku), szeroko używał pedału (wtedy też rzadko go używano), stosował masywne harmonie akordowe. W rzeczywistości stworzył styl fortepianowy daleko od przepięknie koronkowej maniery klawesynistów.
Styl ten można znaleźć w jego sonatach fortepianowych nr 8 „Patetyczna” (tytuł nadany przez samego kompozytora), nr 13 i nr 14. Obie mają podtytuły autorskie Sonata quasi una Fantasia(„w duchu fantazji”). Sonata nr 14, poeta Relshtab nazwał później „Księżycową” i choć ta nazwa pasuje tylko do części pierwszej, a nie do finału, została przypisana do całego dzieła.
Beethoven wyróżniał się również swoim wyglądem wśród pań i panów tamtych czasów. Niemal zawsze znajdowano go niedbale ubranego i zaniedbanego.
Innym razem Beethoven odwiedzał księcia Lichnowskiego. Likhnovsky bardzo szanował kompozytora i był fanem jego muzyki. Chciał, żeby Beethoven grał przed publicznością. Kompozytor odmówił. Likhnovsky zaczął nalegać, a nawet kazał wyłamać drzwi do pokoju, w którym zamknął się Beethoven. Oburzony kompozytor opuścił majątek i wrócił do Wiednia. Następnego ranka Beethoven wysłał list do Lichnowskiego: „ Książę! To, czym jestem, zawdzięczam sobie. Są i będą tysiące książąt, ale Beethoven - tylko jeden!»
Kompozycje Beethovena zaczęły być szeroko publikowane i cieszyły się powodzeniem. W ciągu pierwszych dziesięciu lat spędzonych w Wiedniu dwadzieścia sonat fortepianowych i trzy koncerty fortepianowe, osiem sonat na skrzypce, kwartety i inne utwory kameralne, oratorium „Chrystus na Górze Oliwnej”, balet „Stworzenia Prometeusza”, I i II Symfonie zostały napisane.
W 1796 Beethoven zaczyna tracić słuch. Dochodzi do zapalenia uszu, zapalenia ucha wewnętrznego prowadzącego do dzwonienia w uszach. Za radą lekarzy odszedł na długo na emeryturę w małym miasteczku Heiligenstadt. Jednak cisza i spokój nie poprawiają jego samopoczucia. Beethoven zaczyna zdawać sobie sprawę, że głuchota jest nieuleczalna. W tych tragicznych dniach pisze list, który później zostanie nazwany testamentem z Heiligenstadt. Kompozytor opowiada o swoich przeżyciach, przyznaje, że był bliski samobójstwa:
W Heiligenstadt kompozytor rozpoczyna pracę nad nową III Symfonią, którą nazwie Heroic.
W wyniku głuchoty Beethovena zachowały się unikalne dokumenty historyczne: „zeszyty rozmów”, w których przyjaciele Beethovena zapisywali mu swoje kwestie, na które odpowiadał ustnie lub w odpowiedzi.
Jednak muzyk Schindler, który miał dwa zeszyty z zapisami rozmów Beethovena, najprawdopodobniej je spalił, ponieważ „zawierały najbardziej niegrzeczne, zaciekłe ataki na cesarza, a także następcę tronu i innych wysokich rangą urzędników. Był to niestety ulubiony temat Beethovena; w rozmowie Beethoven nieustannie nienawidził rządzących, ich praw i przepisów.
Późniejsze lata (1802-1815). Kiedy Beethoven miał 34 lata, Napoleon porzucił ideały rewolucji francuskiej i ogłosił się cesarzem. Dlatego Beethoven porzucił zamiary dedykowania mu III Symfonii: „Ten Napoleon to też zwykły człowiek. Teraz podepcze wszystkie prawa człowieka i stanie się tyranem”.
W utworze fortepianowym już we wczesnych sonatach zauważalny jest własny styl kompozytora, ale w symfonii dojrzałość przyszła do niego później. Według Czajkowskiego dopiero w III symfonii ” po raz pierwszy ujawniono całą ogromną, niesamowitą moc twórczego geniuszu Beethovena».
Z powodu głuchoty Beethoven rzadko wychodzi z domu, traci percepcję dźwięku. Staje się ponury, wycofany. W tych latach kompozytor, jeden po drugim, tworzy swoje najsłynniejsze dzieła. W tych samych latach Beethoven pracował nad swoją jedyną operą Fidelio. Ta opera należy do gatunku opery horroru i ratunku. Sukces Fidelia przyszedł dopiero w 1814 roku, kiedy opera została wystawiona najpierw w Wiedniu, potem w Pradze, gdzie dyrygował nią słynny niemiecki kompozytor Weber, a na końcu w Berlinie.
Tuż przed śmiercią kompozytor przekazał swojemu przyjacielowi i sekretarzowi Schindlerowi rękopis „Fidelia” ze słowami: „ To dziecko mojego ducha zostało przyniesione na świat w straszniejszych mękach niż inne i przysporzyło mi największego smutku. Dlatego jest dla mnie najcenniejszy...»
Ostatnie lata. Po 1812 roku twórczość kompozytora na pewien czas upadła. Jednak po trzech latach zaczyna pracować z tą samą energią. W tym czasie powstały sonaty fortepianowe od 28 do 32, dwie sonaty wiolonczelowe, kwartety oraz cykl wokalny „Do ukochanej dalekiej”. Dużo czasu poświęca się przetwarzaniu pieśni ludowych. Oprócz Szkotów, Irlandczyków, Walijczyków są Rosjanie. Ale głównymi dziełami ostatnich lat są dwa najbardziej monumentalne dzieła Beethovena – „Msza uroczysta” i IX Symfonia z Chórem.
Dziewiąta symfonia została wykonana w 1824 roku. Publiczność zgotowała kompozytorowi owację na stojąco. Wiadomo, że Beethoven stał plecami do publiczności i nic nie słyszał, po czym jeden ze śpiewaków wziął go za rękę i odwrócił się do publiczności. Ludzie machali chusteczkami, czapkami, rękami, witając kompozytora. Owacja trwała tak długo, że obecni policjanci natychmiast zażądali jej przerwania. Takie pozdrowienia były dozwolone tylko w odniesieniu do osoby cesarza.
W Austrii, po klęsce Napoleona, ustanowiono reżim policyjny. Przerażony rewolucją rząd stłumił wszelkie „wolne myśli”. Liczni tajni agenci przeniknęli do wszystkich sektorów społeczeństwa. W konwersacyjnych notatnikach Beethovena od czasu do czasu pojawiają się ostrzeżenia: Cichy! Uważaj, tu jest szpieg! I chyba po jakiejś szczególnie śmiałej wypowiedzi kompozytora: Skończysz na szafocie!»
Jednak popularność Beethovena była tak duża, że rząd nie odważył się go dotknąć. Mimo głuchoty kompozytor nadal jest świadomy nie tylko nowinek politycznych, ale także muzycznych. Czyta (czyli słucha wewnętrznym uchem) partytury oper Rossiniego, przegląda zbiór pieśni Schuberta, poznaje opery niemieckiego kompozytora Webera „Magiczna strzelanka” i „Euryant”. Po przybyciu do Wiednia Weber odwiedził Beethovena. Zjedli razem lunch, a Beethoven, zwykle nieskłonny do ceremonii, zabiegał o swojego gościa.
Po śmierci młodszego brata kompozytor przejął opiekę nad synem. Beethoven umieszcza swojego siostrzeńca w najlepszych szkołach z internatem i każe swojemu uczniowi Carlowi Czernemu uczyć się z nim muzyki. Kompozytor chciał, aby chłopiec został naukowcem lub artystą, ale pociągała go nie sztuka, a karty i bilard. Uwikłany w długi, próbował popełnić samobójstwo. Ta próba nie wyrządziła większych szkód: kula tylko nieznacznie zadrapała skórę na głowie. Beethoven bardzo się tym martwił. Jego zdrowie gwałtownie się pogorszyło. Kompozytor zapada na ciężką chorobę wątroby.
Beethoven zmarł 26 marca 1827 r. Za jego trumną podążało ponad dwadzieścia tysięcy osób. Podczas pogrzebu wykonano ulubioną przez Beethovena Mszę Requiem c-moll Luigiego Cherubiniego.
Dzieła sztuki:
§ 9 symfonii: nr 1 (1799-1800), nr 2 (1803), nr 3 „Heroiczne” (1803-1804), nr 4 (1806), nr 5 (1804-1808), nr. 6 „Duszpasterska” (1808), nr 7 (1812), nr 8 (1812), nr 9 (1824).
§ 11 uwertur symfonicznych, m.in. Coriolanus, Egmont, Leonore nr 3.
§ 5 koncertów na fortepian i orkiestrę.
§ 6 sonat młodzieżowych na fortepian.
§ 32 sonaty fortepianowe, 32 wariacje i około 60 utworów fortepianowych.
§ 10 sonat na skrzypce i fortepian.
§ koncert na skrzypce i orkiestrę, koncert na fortepian, skrzypce i wiolonczelę z orkiestrą („koncert potrójny”).
§ 5 sonat na wiolonczelę i fortepian.
§ 16 kwartetów smyczkowych.
§ Balet „Stworzenia Prometeusza”.
§ Opera Fidelio.
§ Uroczysta Msza św.
§ Cykl wokalny „Dalej ukochanej”.
§ Pieśni do wierszy różnych poetów, opracowania pieśni ludowych.
Wolfgang Amadeusz Mozart
oświecenie sztuki muzycznej mozart beethoven
Wolfgang Amadeus Mozart (27 stycznia 1756, Salzburg - 5 grudnia 1791, Wiedeń) - austriacki kompozytor, kapelmistrz, skrzypek-wirtuoz, klawesynista, organista. Według współczesnych miał fenomenalne wyczucie muzyki, pamięć i umiejętność improwizacji. Mozart jest powszechnie uznawany za jednego z największych kompozytorów: jego wyjątkowość polega na tym, że pracował we wszystkich formach muzycznych swoich czasów i osiągnął największy sukces. Wraz z Haydnem i Beethovenem należy do najważniejszych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej.
Mozart urodził się 27 stycznia 1756 r. w Salzburgu, wówczas stolicy arcybiskupstwa salzburskiego, teraz to miasto znajduje się na terytorium Austrii. Drugiego dnia po urodzeniu został ochrzczony w katedrze św. Ruperta. Wpis w księdze chrztów podaje jego imię po łacinie as Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. W tych nazwach dwa pierwsze słowa to imię św. Jana Chryzostoma, które nie jest używane w życiu codziennym, a czwarte za życia Mozarta zmieniało się: łac. Amadeusz, Niemiecki Gottlieb, Włoski Amadeo co oznacza „umiłowany przez Boga”. Sam Mozart wolał nazywać się Wolfgang.
Zdolności muzyczne Mozarta ujawniły się w bardzo młodym wieku, gdy miał około trzech lat. Jego ojciec Leopold był jednym z czołowych europejskich pedagogów muzycznych. Jego książka "Doświadczenie solidnej szkoły skrzypcowej" została wydana w 1756 roku - roku narodzin Mozarta, doczekała się wielu wydań i została przetłumaczona na wiele języków, w tym rosyjski. Ojciec nauczył Wolfganga podstaw gry na klawesynie, skrzypcach i organach.
W Londynie młody Mozart był obiektem badań naukowych, aw Holandii, gdzie muzyka była surowo zakazana podczas postów, dla Mozarta zrobiono wyjątek, gdyż duchowni widzieli palec Boży w jego niezwykłym talencie.
W 1762 roku ojciec Mozarta odbył wraz z synem i córką Anną, również wspaniałą klawesynistką, podróż artystyczną do Monachium, Paryża, Londynu i Wiednia, a następnie do wielu innych miast w Niemczech, Holandii i Szwajcarii. W tym samym roku młody Mozart napisał swoją pierwszą kompozycję. Wszędzie budził zdziwienie i zachwyt, wychodząc zwycięsko z najtrudniejszych prób, jakie proponowali mu ludzie zarówno muzyczni, jak i amatorzy. W 1763 roku w Paryżu ukazały się pierwsze sonaty Mozarta na klawesyn i skrzypce. Od 1766 do 1769, mieszkając w Salzburgu i Wiedniu, Mozart studiował dzieła Haendla, Stradella, Carissimiego, Durante i innych wielkich mistrzów. Na zlecenie cesarza Józefa II Mozart w kilka tygodni napisał operę dla trupy włoskiej. „Wyimaginowany prostak”(ital. Próbka La Finta), ale piosenkarze nie lubili kompozycji 12-letniego kompozytora, ich uparta odmowa wykonania opery ostatecznie zmusiła Leopolda Mozarta do wycofania się i nie nalegania. W przyszłości śpiewacy będą nieustannie narzekać, że Mozart w swoich operach zagłusza ich „zbyt masywnym akompaniamentem”.
Mozart spędził lata 1770-1774 we Włoszech. W 1770 r. poznał w Bolonii niezwykle popularnego wówczas we Włoszech kompozytora Josefa Myslivechka; Wpływ „Boskiej Cyganki” okazał się tak duży, że później, ze względu na podobieństwo stylów, niektóre jego kompozycje przypisywano Mozartowi, w tym oratorium „Abraham i Izaak”.
W 1771 r. w Mediolanie, ponownie przy sprzeciwie teatralnych impresariów, wystawiono jednak operę Mozarta. « Mitrydates, król Pontu» (ital. Mitridate, Re di Ponto), który został przyjęty z wielkim entuzjazmem przez publiczność. Z takim samym sukcesem wydano jego drugą operę, Lucio Sulla (Lucius Sulla) (1772). Do Salzburga napisał Mozart „Sen Scypiona”(ital. Il sogno di Scipione), z okazji wyboru nowego arcybiskupa, 1772, dla Monachium - opera „La bella finta Giardiniera”, 2 msze, ofiarowanie (1774). Kiedy miał 17 lat, wśród jego dzieł znalazły się już 4 opery, kilka utworów duchowych, 13 symfonii, 24 sonaty, nie mówiąc już o masie mniejszych kompozycji.
W latach 1775-1780, mimo obaw o wsparcie materialne, bezowocnego wyjazdu do Monachium, Mannheimu i Paryża, utraty matki Mozart napisał m.in. 6 sonat clavier, koncert na flet i harfę, dużą symfonię nr 31 w D-dur, nazywany paryskim, kilka chórów duchowych, 12 numerów baletowych.
W 1779 Mozart otrzymał stanowisko organisty dworskiego w Salzburgu (współpracował z Michaelem Haydnem). 26 stycznia 1781 roku w Monachium z wielkim sukcesem wystawiono opera Idomeneo, wyznaczając pewien zwrot w twórczości Mozarta. W tej operze ślady starowłoskiego opera seria(duża ilość arii koloraturowych, partia Idamante, napisanych dla kastrata), ale w recytatywach, a zwłaszcza w chórach, wyczuwalny jest nowy nurt. Duży krok naprzód widać także w oprzyrządowaniu. Podczas pobytu w Monachium Mozart napisał ofertę dla monachijskiej kaplicy „Misericordias Domini”- jeden z najlepszych przykładów muzyki kościelnej końca XVIII wieku.
Okres wiedeński. W 1781 Mozart ostatecznie osiadł w Wiedniu. Na przełomie lat 70. i 80. cesarz Józef II był zafascynowany ideą opracowania niemieckiej opery narodowej Singspiel, dla której Opera Włoska została zamknięta w Wiedniu w 1776 roku. Z rozkazu cesarza w 1782 roku Mozart napisał dla trupy niemieckiej singspiel „Uprowadzenie z seraju” (niem.). Die Entführung aus dem Serail), entuzjastycznie przyjęty w Wiedniu i wkrótce rozpowszechniony w Niemczech. Mozart jednak nie odniósł sukcesu: w tym samym 1782 roku zakończył się eksperyment z Singspielem, a cesarz zwrócił włoską trupę do Wiednia.
W tym samym roku Mozart poślubił Constance Weber, siostrę Aloysii Weber, w której zakochał się podczas pobytu w Mannheim. W pierwszych latach Mozart zyskał dużą popularność w Wiedniu; jego „akademie” cieszyły się popularnością, gdyż w Wiedniu nazywano publiczne koncerty autorskie, na których wykonywano dzieła jednego kompozytora, często sam. To dla tych „akademii” napisano większość jego koncertów clavier. W latach 1783-1785 powstało 6 słynnych kwartetów smyczkowych, które Mozart zadedykował mistrzowi tego gatunku Josephowi Haydnowi i które przyjął z największym szacunkiem. Jego oratorium należy do tego samego okresu. „Dawid pokutnik”» (Dawid Skruszony).
Jednak wraz z operą Mozarta w kolejnych latach w Wiedniu nie rozwijała się ona najlepiej. opery „L”oca del Cairo”(1783) i „Lo sposo deluso”(1784) pozostał niedokończony. Wreszcie w 1786 r. powstała i została wystawiona opera Wesele Figara, której librettem był Lorenzo da Ponte. Została dobrze przyjęta w Wiedniu, ale po kilku przedstawieniach została wycofana i wystawiona dopiero w 1789 r., kiedy produkcję wznowił Antonio Salieri, który Wesele Figara uznał za najlepszą operę Mozarta. Ale w Pradze „Wesele Figara” odniosło oszałamiający sukces, melodie z niego śpiewano na ulicach iw tawernach. Dzięki temu sukcesowi Mozart otrzymał nowe zamówienie, tym razem z Pragi. W 1787 roku światło dzienne ujrzała nowa opera, stworzona we współpracy z Da Ponte - Don Giovanni (Don Giovanni). Utwór ten, wciąż uważany za jeden z najlepszych na świecie repertuaru operowego, odniósł w Pradze jeszcze większy sukces niż Le nozze di Figaro.
Znacznie mniejszy sukces przypadł udziałowi tej opery w Wiedniu, w ogóle od czasów Le Figaro ochłodziła się ona w stosunku do twórczości Mozarta. Od cesarza Józefa Mozart otrzymał za Don Giovanniego 50 dukatów i według J. Rice'a w latach 1782-1792 był to jedyny przypadek, kiedy kompozytor otrzymał zapłatę za operę zamówioną poza Wiedniem. Jednak opinia publiczna jako całość pozostała obojętna. Od 1787 r. przestały działać jego „akademie”, Mozart nie zorganizował wykonania trzech ostatnich, obecnie najsłynniejszych symfonii: nr 39 Es-dur (KV 543), nr 40 g-moll (KV 550) i nr 41 C-dur „Jowisz” (KV 551), napisany w ciągu półtora miesiąca w 1788 r.; już trzy lata później jedną z nich, 40. Symfonię, wykonał A. Salieri na koncertach charytatywnych.
Pod koniec 1787 r., po śmierci Christopha Willibalda Glucka, Mozart otrzymał stanowisko „cesarskiego i królewskiego kameralisty” z pensją 800 florenów, ale jego obowiązki sprowadzały się głównie do komponowania tańców na maskarady, operowo – komiczne, na fabule z życia świeckiego - została zamówiona przez Mozarta tylko raz i stała się „Kosmiczny fan tutte”(1790).
Zawartość 800 florenów nie mogła w pełni zapewnić Mozarta; oczywiście już w tym czasie zaczął narastać długi, spotęgowane kosztami leczenia chorej żony. Mozart rekrutował studentów, jednak zdaniem ekspertów nie było ich wielu. W 1789 roku kompozytor chciał opuścić Wiedeń, ale podróż na północ, w tym do Berlina, nie spełniła jego nadziei i nie poprawiła jego sytuacji materialnej.
Opowieść o tym, jak w Berlinie otrzymał zaproszenie na kierownika nadwornej kaplicy Fryderyka Wilhelma II o wartości 3 tys. talarów, Alfred Einstein odwołuje się do krainy fantazji, a także sentymentalnego powodu odmowy – jak jeśli z szacunku dla Józefa II. Fryderyk Wilhelm II zamówił tylko sześć prostych sonat fortepianowych dla swojej córki i sześć kwartetów smyczkowych dla siebie.
Podczas podróży zarobiono niewiele pieniędzy. Ledwo starczyło na spłatę długu w wysokości 100 guldenów, które zabrano bratu Mason Hofmedel na pokrycie kosztów podróży. W 1789 Mozart zadedykował królowi pruskiemu kwartet smyczkowy z koncertową partią wiolonczeli (D-dur).
Według J. Rice'a od momentu przybycia Mozarta do Wiednia cesarz Józef objął go patronatem większym niż jakikolwiek inny muzyk wiedeński, z wyjątkiem Salieriego. W lutym 1790 zmarł Józef; wraz z wstąpieniem na tron Leopolda II Mozart początkowo miał duże nadzieje; jednak muzycy nie mieli dostępu do nowego cesarza. W maju 1790 r. Mozart pisał do swojego syna, arcyksięcia Franciszka: „... Moja miłość do pracy i świadomość moich umiejętności pozwalają mi zwrócić się do Państwa z prośbą o nadanie mi stanowiska kapelmistrza, zwłaszcza od czasu Salieriego, choć doświadczonego kapelmistrz, nigdy nie zajmujący się muzyką kościelną…”. Ale jego nadzieje okazały się nieuzasadnione, Salieri pozostał na swoim stanowisku, a sytuacja finansowa Mozarta okazała się tak beznadziejna, że musiał opuścić Wiedeń przed prześladowaniami wierzycieli, aby nieco poprawić swoje sprawy artystyczną podróżą.
Ostatni rok. Ostatnie opery Mozarta były « Wszyscy to robią» (1790) « Miłosierdzie Tytusa» (1791), zawierający cudowne strony, mimo że powstał w 18 dni, i wreszcie, « magiczny flet» (1791). Wystawiona we wrześniu 1791 r. w Pradze, z okazji koronacji Leopolda II na króla czeskiego, chłodno przyjęto operę Miłosierdzie Tytusa; Wręcz przeciwnie, Czarodziejski flet, wystawiony w tym samym miesiącu w Wiedniu, w podmiejskim teatrze, odniósł taki sukces, że Mozart nie znał w stolicy Austrii od wielu lat. W rozległej i różnorodnej działalności Mozarta ta baśniowa opera zajmuje szczególne miejsce.
W maju 1791 Mozart został przyjęty na nieodpłatne stanowisko asystenta kapelmistrza katedry św. stanowisko to dawało mu prawo do zostania kapelmistrzem po śmierci ciężko chorego Leopolda Hoffmanna; Hoffmann przeżył jednak Mozarta.
Mozart, jak większość jemu współczesnych, przywiązywał dużą wagę do muzyki sakralnej, ale pozostawił w tej dziedzinie kilka świetnych przykładów: poza „Misericordias Domini” - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), napisane w zupełnie nietypowym dla Mozarta stylu, oraz majestatycznie żałosne Requiem (KV 626), nad którym Mozart pracował w ostatnich miesiącach życia. Ciekawa jest historia pisania Requiem. W lipcu 1791 roku tajemniczy nieznajomy w szarym kolorze odwiedził Mozarta i zamówił mu Requiem (mszę pogrzebową za zmarłych). Jak ustalili biografowie kompozytora, był to posłaniec hrabiego Franza von Walsegga-Stuppacha, muzyka-amatora, który uwielbiał wykonywać cudze dzieła w swoim pałacu za pomocą swojej kaplicy, kupując od kompozytorów autorstwo; chciał uczcić pamięć swojej zmarłej żony requiem. Pracę nad niedokończonym „Requiem”, które wciąż szokuje słuchaczy żałobnym liryzmem i tragiczną wyrazistością, ukończył jego uczeń Franz Xaver Süssmeier, który wcześniej brał udział w komponowaniu opery „Miłosierdzie Tytusa”.
Śmierć Mozarta. Mozart zmarł 5 grudnia 1791 r., około godziny po północy (w trzydziestym szóstym roku życia). Przyczyna śmierci Mozarta jest wciąż przedmiotem kontrowersji. Większość badaczy uważa, że Mozart naprawdę zmarł, jak wskazano w raporcie medycznym, na gorączkę reumatyczną (proso), prawdopodobnie powikłaną ostrą niewydolnością serca lub nerek. Słynna legenda o otruciu Mozarta przez kompozytora Salieriego jest wciąż popierana przez kilku muzykologów, ale nie ma przekonujących dowodów na tę wersję. W maju 1997 r. sąd w mediolańskim Pałacu Sprawiedliwości, po rozpatrzeniu sprawy Antonia Salieriego pod zarzutem zamordowania Mozarta, uniewinnił go.
Data pochówku Mozarta jest kontrowersyjna (6 lub 7 grudnia). Około godziny 15 ciało Mozarta zostało przewiezione do katedry św. Szczepana. Tutaj, w małej kaplicy, odbyła się skromna ceremonia religijna. Kto z przyjaciół i krewnych był przy tym obecny, pozostaje nieznany. Karawan pojechał na cmentarz po szóstej wieczorem, czyli już po ciemku. Ci, którzy towarzyszyli trumnie, nie wyszli za nim poza bramy miasta. Miejscem pochówku Mozarta był Cmentarz św. Marka.
Pogrzeb Mozarta odbył się w trzeciej kategorii. Tylko bardzo bogaci ludzie i przedstawiciele szlachty mogli być pochowani w osobnym grobie z nagrobkiem lub pomnikiem. W trzeciej kategorii zaprojektowano wspólne groby dla 5-6 osób. Pogrzeb Mozarta nie był niczym niezwykłym jak na tamte czasy. To nie był pogrzeb żebraka. Imponujący (choć drugiej kategorii) pogrzeb Beethovena w 1827 roku odbył się w innej epoce, a ponadto odzwierciedlał gwałtownie podniesiony status społeczny muzyków, o który sam Mozart walczył przez całe życie.
Dla Wiedeńczyków śmierć Mozarta minęła prawie niezauważalnie, jednak w Pradze, z dużym tłumem ludzi (około 4000 osób), ku pamięci Mozarta, 9 dni po jego śmierci, 120 muzyków wystąpiło ze specjalnymi dodatkami, spisanymi w 1776 ” Requiem” Antonio Rosettiego.
Dzieła sztuki:
Opery:
§ « Obowiązek pierwszego przykazania” (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratorium teatralne
§ „Apollo i Hiacynt” (Apollo et Hyacinthus), 1767 – studencki dramat muzyczny w tekście łacińskim
§ „Bastien i Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Kolejna rzecz studencka, singspiel. Niemiecka wersja słynnej opery komicznej J.-J. Rousseau - "Wiejski czarownik"
§ „Udawana prosta dziewczyna” (La finta semplice), 1768 – ćwiczenie z gatunku opery buffa na libretto Goldoniego
§ „Mitrydates, król Pontu” (Mitridate, re di Ponto), 1770 – w tradycji włoskiej opery seria, opartej na tragedii Racine
§ „Ascanio in Alba” (Ascanio in Alba), 1771. Serenada operowa (duszpasterska)
§ Betulia Liberata, 1771 – oratorium. Na podstawie historii Judyty i Holofernesa
§ „Sen Scypiona” (Il sogno di Scipione), 1772. Serenada operowa (duszpasterska)
§ „Lucio Sulla” (Lucio Silla), 1772. Cykl operowy
§ „Tamos, król Egiptu” (Tamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Muzyka do dramatu Geblera
§ „Wyimaginowany ogrodnik” (La finta giardiniera), 1774-5 – ponownie powrót do tradycji operowego buffa
§ „Pasterz Król” (Il Re Pastore), 1775. Serenada operowa (duszpasterska)
§ Zaide, 1779 (zrekonstruowany przez H. Chernovin, 2006)
§ „Idomeneo, król Krety” (Idomeneo), 1781
§ Uprowadzenie z Seraju (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel
§ „Gęś Kairska” (L „oca del Cairo), 1783
§ „Oszukany małżonek” (Lo sposo deluso)
§ Dyrektor teatru (Der Schhauspieldirektor), 1786. Komedia muzyczna
§ Wesele Figara (Le nozze di Figaro), 1786. Pierwsza z 3 wielkich oper. W gatunku miłośników opery.
§ „Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787
§ „Wszyscy to robią” (Cosm fan tutte), 1789
§ « Łaska tytan» (La clemenza di Tito), 1791
§ « magiczny flet» (Czarowy flet), 1791. Singspiel
17 mszy, w tym:
§ "Koronacja", KV 317 (1779)
§ „Wielka Msza” c-moll, KV 427 (1782)
§ „Requiem”, KV 626 (1791)
§ 41 symfonia, w tym:
§ „Paryski” (1778)
§ nr 35, KV 385 „Haffner” (1782)
§ nr 36, KV 425 „Linzskaya” (1783)
§ nr 38, KV 504 „Praga” (1786)
§ nr 39, KV 543 (1788)
§ nr 40, KV 550 (1788)
§ nr 41, KV 551 „Jowisz” (1788)
§ 27 koncertów na fortepian i orkiestrę
§ 6 koncertów na skrzypce i orkiestrę
§ Koncert na dwoje skrzypiec i orkiestrę (1774)
§ Koncert na skrzypce i altówkę z orkiestrą (1779)
§ 2 koncerty na flet i orkiestrę (1778)
§ nr 1 G-dur KV 313 (1778)
§ nr 2 w D-dur KV 314
§ Koncert na obój i orkiestrę C-dur KV 314 (1777)
§ Koncert klarnetowy A-dur KV 622 (1791)
§ Koncert na fagot i orkiestrę B-dur KV 191 (1774)
§ 4 koncerty na róg i orkiestrę:
§ nr 1 D-dur KV 412 (1791)
§ nr 2 Es-dur KV 417 (1783)
§ nr 3 Es-dur KV 447 (między 1784 a 1787)
§ nr 4 Es-dur KV 495 (1786)
§ 10 serenad na orkiestrę smyczkową, w tym:
§ „Mała nocna serenada” (1787)
§ 7 divertisses na orkiestrę
§ Różne zespoły instrumentów dętych
§ Sonaty na różne instrumenty, tria, duety
§ 19 sonat fortepianowych
§ 15 cykli wariacji na fortepian
§ Rondo, fantazje, sztuki
§ Ponad 50 arii
§ Zespoły, chóry, pieśni
Hostowane na Allbest.ru
Podobne dokumenty
Utalentowana rodzina Mozartów, wybitne talenty dzieci z tej rodziny. Dzieciństwo Wolfganga Amadeusza, wczesne utwory i szkolenia u najlepszych kompozytorów w Europie. Samodzielna działalność, kondycja finansowa. Twórczość instrumentalna Mozarta i opery.
raport, dodany 11.10.2010
Listuvannya Mozart z ojcem. Vidatnye zdіbnosti Wolfgang Amadeusz Mozart. Wislovlyuvannya suchasniki o wielkim znaczeniu dzieł Mozarta. Radosny efekt, niczym pokusa wszystkich dzieł Mozarta. Zwycięstwo in-moll, chromatyczność, przerwała rewolucje w sonatach.
prezentacja, dodano 23.11.2017
Szczegółowa biografia Wolfganga Amadeusza Mozarta i jego pierwsze „kroki” do muzyki, legendy o przyczynach śmierci, analiza twórczości i tematyka utworów. Charakterystyczne cechy muzyki kameralnej, clavier i kościelnej Mozarta, a także jego sztuki improwizacji.
streszczenie, dodane 27.12.2009
Informacje o rodzicach V.A. Mozart, jego twórcze osiągnięcia w dzieciństwie. Cechy postaci austriackiego kompozytora. Słynne opery: „Wesele Figara”, „Don Giovanni”, „Czarodziejski flet”. Requiem to ostatni utwór Mozarta.
prezentacja, dodano 19.11.2013
Praca P.I. Pieśń Skowronka Czajkowskiego. Tworzenie narzędzia marakosha. Aranżacja muzyczna nawiązująca do wzorów „zima”, „lato”, „wiosna” i „jesień”. Wpływ muzycznego geniuszu Wolfganga Amadeusza Mozarta na słuchacza.
praca twórcza, dodano 27.06.2013
Rozwój percepcji muzyki podczas nauki gry na pianinie. Pojęcie semantyki muzycznej. Teatr instrumentalny Haydna: przestrzeń metamorfoz. Haydn w szkole muzycznej. Pracuj nad poprawnym odczytaniem tekstu. Interpretacja utworu muzycznego.
streszczenie, dodane 04.10.2014
Okresy rozwoju sztuki muzycznej i jej gatunków. Kreatywny geniusz M.I. Glinka. Rozwój muzyki chóralnej i kameralnej. Szczyty muzycznego romantyzmu, dzieło P.I. Czajkowski. Nowy kierunek w rosyjskiej muzyce sakralnej, „tajemnica” A.N. Skriabin.
streszczenie, dodane 04.10.2009
Zapoznanie z cechami muzyki barokowej, zasadami jej przejść i kontrastów. Uwzględnienie muzycznego dziedzictwa Claudio Monteverdiego, Antonio Vivaldiego, Wolfganga Amadeusza Mozarta, George'a Friderica Haendla. Zdobnictwo, odmiany baroku rosyjskiego.
prezentacja, dodana 18.10.2015
Biografia życia i wyjątkowej twórczości Wolfganga Amadeusza Mozarta. Umiejętności muzyczne wielkiego austriackiego kompozytora. Związek jego muzyki z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską). Popularność tragedii Puszkina „Mozart i Salieri”.
prezentacja, dodano 22.12.2013
Zapoznanie się z krótką biografią V.A. Mozart, analiza działalności twórczej. Ogólna charakterystyka pracy „Ave verum corpus”. Motet jako polifoniczna kompozycja wokalna, gatunek profesjonalnej sztuki muzycznej.
Sztukę muzyczną można zrównać ze sztuką teatralną i literacką. Na temat dzieł wielkich pisarzy i dramaturgów napisano opery i inne utwory muzyczne.
Rozwój sztuki muzycznej kojarzony jest przede wszystkim z nazwiskami tak wielkich kompozytorów jak: J. S. Bach, G. F. Haendel, J. Haydn, W. A. Mozart, L. W. Beethoven itd.
Niezrównanym mistrzem polifonii był niemiecki kompozytor, organista i klawesynista Jan Sebastian Bach (1685-1750). Jego prace były przesiąknięte głębokim znaczeniem filozoficznym i wysoką etyką. Potrafił podsumować osiągnięcia w sztuce muzycznej, jakie osiągnęli jego poprzednicy. Do jego najbardziej znanych kompozycji należą: Clavier Well Tempered Clavier (1722–1744), Pasja Jana (1724), Pasja Mateusza (1727 i 1729), wiele koncertów i kantat, Msza Siminor (1747–1749) i inne.
W przeciwieństwie do J.S. Bacha, który nie napisał ani jednej opery, niemiecki kompozytor i organista Georg Friedrich Haendel (1685-1759) należą do ponad czterdziestu oper. Oraz prace na tematy biblijne (oratoria „Izrael w Egipcie” (1739), „Saul” (1739), „Mesjasz” (1742), „Samson” (1743), „Judas Machabeusz” (1747) itd.) , koncerty organowe, sonaty, suity itp.
Mistrzem klasycznych gatunków instrumentalnych, takich jak symfonie, kwartety, a także form sonatowych był wielki kompozytor austriacki
Józefa Haydna (1732-1809). To dzięki niemu powstał klasyczny skład orkiestry. Jest właścicielem kilku oratoriów („Pory roku” (1801), „Stworzenie świata” (1798)), 104 symfonie, 83 kwartety, 52 sonaty fortepianowe, 14 messit.d.
Inny austriacki kompozytor Wolfgang Amadeusz Mozart (1756–1791), był cudownym dzieckiem, dzięki któremu zasłynął we wczesnym dzieciństwie. Posiada ponad 20 oper, w tym słynne Wesele Figara (1786), Don Giovanni (1787), Czarodziejski flet (1791), ponad 50 symfonii, wiele koncertów, utwory fortepianowe (sonaty, fantazje, wariacje), niedokończone „Requiem” (1791), pieśni, msze itp.
Trudny los, który odcisnął piętno na wszelkiej twórczości, był z niemieckim kompozytorem Ludwig van Beethoven (1770-1827). Jego geniusz objawił się już w dzieciństwie i nie pozostawił go nawet w strasznych kłopotach dla żadnego kompozytora i muzyka - ubytkiem słuchu. Filozoficzny charakter można doszukiwać się w jego pracach. Wiele utworów było pod wpływem jego republikańskich poglądów jako kompozytora. Beethoven jest właścicielem dziewięciu symfonii, sonat instrumentalnych (Moonlight, Pathetique), szesnastu kwartetów smyczkowych, zespołów, opery Fidelio, uwertur (Egmont, Coriolanus), koncertów fortepianowych i innych utworów.
Jego słynne powiedzenie: „Muzyka powinna palić ludzkie serca”. Realizował tę ideę do końca życia.
Klasycyzm
Klasycyzm zaczął nabierać kształtu w XVII wieku. Charakteryzował się powrotem do dokonań świata antycznego.
Głównymi zasadami klasycyzmu były racjonalizm filozoficzny, racjonalność, prawidłowość, uszlachetnione piękno. Ważną rolę odgrywała edukacja. Jednocześnie publiczność została postawiona ponad osobistym. Bohaterowie klasycyzmu zmagali się ze swoimi pasjami dla dobra społeczeństwa, obowiązku itp.
W literaturze klasycyzm znalazł odzwierciedlenie w twórczości takich mistrzów, jak niemiecki poeta, dramaturg Johann Friedrich Schiller (1759-1805)(„Mary Stuart”, „Maid of Orleans”, „William Tell” itp.), francuski poeta i dramaturg Maria Józef Chénier (1764-1811)(„Karol IX, czyli lekcja dla królów”, „Kai Gracchus” itp.), jego brat, poeta i dramaturg André Marie Chenier (1762-1794)(cykl „Yamba”).
Klasycyzm w malarstwie kojarzy się przede wszystkim z malarzem francuskim Jacques Louis David (1748-1825). Przyjmując starożytny przykład, stworzył prawdziwe arcydzieła malarstwa klasycyzmu: Przysięga Horatii (1784), Śmierć Marata (1793), Sabina (1799), Andromacha w łóżku Hektora (1783). ), portrety „ Doktor A. Leroy” (1783), „Greenmaker”, „Stary człowiek w czarnym kapeluszu” itp.
Uczeń J.-L. David był znakomitym portrecistą, malarzem francuskim Jean Auguts Ingres (1780-1867)(„Portret artysty” (ok. 1800), „Portret Bertina” (1832), „Madame Devose” (1807)).
Sztuka muzyczna klasycyzmu w związku z rewolucją francuską przybrała nieco nowe formy. Przede wszystkim wynika to z pojawienia się nowych ideałów, pragnienia masowości. Powstanie nowego gatunku muzycznego „opery zbawienia” było możliwe dzięki dwóm kompozytorom tej epoki: Franciszek Józef Gossecou (1734-1829)(opera Triumf Republiki, czyli Obóz w Grand Pre, 1793) i Etienne Megule(pieśni na uroczystości rewolucyjne, opera Stratonika (1792), Joseph (1807) itp.).
Rozczarowanie rewolucją, kataklizmy społeczne doprowadziły do zmiany ideałów. Obrzydzenie do systemu burżuazyjnego z jego racjonalizmem i oświeceniem doprowadziło do tego, że klasycyzm zaczął się dezaktualizować. Został zastąpiony nowym kierunkiem - romantyzm.
Romantyzm. Realizm
Romantycy zaczęli porzucać obiektywność na rzecz subiektywnej wyobraźni twórczej.
Wśród pisarzy romantyzmu warto to podkreślić Jana Pawła (1763-1825), twórca etyki romantycznej, autor powieści Hesperus, Siebenkaes itp., a także romantyk, genialny pisarz niemiecki Ernst Theodor Hoffmann (1776-1822).
Szczytem angielskiego romantyzmu był autor tekstów George Noel Gordon Byron (1766-1824). Jego prace nacechowane są protestem. Bohater, buntownik i indywidualista, dążący do wolności, często pesymistą.
W 19-stym wieku We Francji zaczął się wyróżniać progresywny romantyzm. Jego zwolennikami są pisarze Wiktor Hugo (1802-1885).
Wśród kompozytorów romantycznych szczególne miejsce zajmuje F. Schubert, K.M. Weber, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Chopin, F. Liszt.
austriacki kompozytor Franz Schubert (1797-1828) jest twórcą romantycznych piosenek i ballad, posiada kilka cykli wokalnych, symfonii, zespołów. Jest słusznie nazywany największym przedstawicielem wczesnego romantyzmu.
Założyciel niemieckiej opery romantycznej jest kompozytorem i dyrygentem, a także krytykiem muzycznym Carla Marii von Webera.
Inny niemiecki kompozytor i dyrygent wniósł do opery innowacje Ryszarda Wagnera (1813-1883). W swoich operach nadawał muzycznemu podkładowi znaczenie poetyckie i filozoficzne.
Romantyzm znalazł odzwierciedlenie także w sztukach wizualnych. We Francji romantyzm kojarzy się przede wszystkim z malarzem Teodor Géricault (1791 - 1824). Jego prace wyróżnia dramatyczne napięcie, psychologizm.
Innym malarzem romantycznym jest rodak T. Gericault Eugeniusz Delacroix (1798-1863) prace przesycone są duchem umiłowania wolności, napięcia, ekscytacji.
Ale romantyzm nie trwał wiecznie. Nadszedł czas, kiedy całkowicie się wyczerpał. Następnie został zastąpiony nowym kierunkiem sztuki - realizm. Zaczęło nabierać kształtu w latach trzydziestych XIX wieku. A w połowie stulecia staje się dominującym nurtem w sztuce New Age. Charakteryzuje się przekazywaniem prawdy życia.
W literaturze realizm osiągnął swój szczyt w twórczości francuskiego pisarza Honore de Balzac (1799-1850).
Inny pisarz-realista, Francuz Prosper Merimee (1803-1870) słusznie uważany za mistrza powieści. Jego prace są eleganckie, treściwe, mają wyrafinowaną formę.
Największym realistą w Anglii jest pisarz Karol Dickens (1812-1870) pionier nowego trendu realizm krytyczny. Opisując różne warstwy społeczeństwa angielskiego, wyśmiewa jego wady i niedociągnięcia.
W sztuce muzycznej realizm charakteryzuje się pojawieniem się nowego kierunku - weryzm.
Rozwój filozofii, nauki, sztuk pięknych, literatury. Francuscy encyklopedyści J.J. Rousseau i D. Diderot to wybitni przedstawiciele ruchu edukacyjnego. Estetyczne poglądy encyklopedystów.
Przejście od sztuki polifonicznej do magazynu homofoniczno-harmonicznego pisania w muzyce.
Sztuka operowa. Kryzys włoskiej opery seria i francuskiej tragedii lirycznej, który wpłynął na dramaturgię, sceniczne wcielenie spektaklu i praktykę wykonawstwa wokalnego. Gatunek opery buffa. Jego tematyka, obrazy, związek z muzyką ludową. Giovanni Pergolesi (1710-1736) i jego opera Kochanka służąca to klasyczny przykład nowego gatunku. Cechy rozwoju akcji i kompozycji muzycznej, zasady rozwoju tematycznego. Podstawowe formy wokalne, rola orkiestry.
francuska opera komiczna. Odpusty ludowe i wodewil jako jego początki. Fabuły oper. Pieśń francuska jako podstawa treści intonacyjnych. Struktura kupletowo-stroficzna arii, gatunkowo-obrazowe wykorzystanie orkiestry. „Wojna błaznów”. Opera „Wiejski czarownik” Jeana Jacquesa Rousseau (1712-1778), utworzenie nowego magazynu melodycznego. Opery F. Philidora, P. Monsigny. Opera André Grétry (1741-1813) „Richard the Lionheart” to opera gatunkowo-domowa w kierunku lirycznym.
Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Znaczenie sztuki K.V. Gluck w historii rozwoju opery. Kreatywny sposób. Pierwszymi nowatorskimi dramatami muzycznymi były Orfeusz i Alceste. Walka „glukistów” z „pichinistami”. Estetyczne widoki K.V. Gluck. Zasady dramaturgii operowej. Odnowa intonacji i dramatyzacja partii wokalnych. Rola chóru, baletu, orkiestry. Historyczne znaczenie K.V. Gluck do dalszego rozwoju teatru muzycznego.
Muzyka instrumentalna XVIII wieku. Formacja w warunkach różnych kultur narodowych gatunków sonatowo-symfonicznych i koncertowych. Rozwój zasad tworzenia sonat w instrumentalizmie XVIII wieku. Powstanie klasycznego składu orkiestry symfonicznej. Znaczenie w rozwoju muzyki instrumentalnej XVIII wieku szkoły symfonicznej stworzonej przez kompozytorów czeskich. Frantisek Vaclav Micha (1694-1744) - twórca jednej z pierwszych symfonii. Przedstawiciele szkoły mannheimskiej: Jan Stamitz (1717-1757), Frantisek Richter (1709-1789). Antona Filza (1730-1760). Charakterystyczne obrazy muzyczne, cechy przedmiotu, zasady rozwoju i formy. Innowacyjność dynamicznego sposobu wykonania muzycznego. Wpływ szkoły J. Stamitza na twórczość I.K. Bacha, V.A. Mozart i inni kompozytorzy.
Muzyczny klasycyzm i główne etapy jego rozwoju
Klasycyzm (od łac. classicus - wzorowy) - styl w sztuce XVII-XVIII wieku. Nazwa „klasycyzm” pochodzi od odwołania się do klasycznej starożytności jako najwyższego standardu estetycznej doskonałości. Przedstawiciele klasycyzmu czerpali swój ideał estetyczny z próbek sztuki antycznej. Klasycyzm opierał się na wierze w sens bytu, w obecność ładu i harmonii w przyrodzie i wewnętrznym świecie człowieka. Estetyka klasycyzmu zawiera sumę bezwzględnie obowiązujących, ścisłych reguł, których musi przestrzegać dzieło sztuki. Najważniejsze z nich to postulat balansu piękna i prawdy, logicznej klarowności, harmonii i kompletności kompozycji, ścisłych proporcji i wyraźnego rozróżnienia gatunkowego.
W rozwoju klasycyzmu odnotowuje się 2 etapy:
Klasycyzm XVII wieku, który rozwinął się częściowo w walce ze sztuką baroku, częściowo w interakcji z nią.
Oświeceniowy klasycyzm XVIII wieku.
Klasycyzm XVII wieku jest pod wieloma względami antytezą baroku. Najpełniejszy wyraz uzyskuje we Francji. Był to okres rozkwitu monarchii absolutnej, która otaczała sztukę dworską najwyższym patronatem i żądała od niej przepychu i splendoru. Tragedie Corneille'a i Racine'a, a także komedie Moliera, na których twórczości polegał Lully, stały się szczytem francuskiego klasycyzmu w dziedzinie sztuki teatralnej. Jego "tragedie liryczne" noszą ślady oddziaływania klasycyzmu (ścisła logika konstrukcji, heroizm, powściągliwość), choć mają też cechy barokowe - przepych jego oper, obfitość tańców, procesji, chórów.
Klasycyzm XVIII wieku zbiegł się z epoką Oświecenia. Oświecenie - szeroki ruch w filozofii, literaturze, sztuce, obejmujący wszystkie kraje europejskie. Nazwę „Oświecenie” tłumaczy fakt, że filozofowie tej epoki (Voltaire, Diderot, Rousseau) starali się edukować swoich współobywateli, próbowali rozwiązać problemy dotyczące struktury społeczeństwa ludzkiego, natury ludzkiej i jego praw. Oświeceni wywodzili się z idei wszechmocy ludzkiego umysłu. Wiara w człowieka, w jego umyśle, determinuje jasny, optymistyczny nastrój tkwiący w poglądach postaci Oświecenia.
Opera znajduje się w centrum sporów muzycznych i estetycznych. Francuscy encyklopedyści uważali go za gatunek, w którym należy przywrócić syntezę sztuk, która istniała w teatrze antycznym. Ta idea stanowiła podstawę K.V. Gluck.
Wielkim osiągnięciem klasycyzmu oświeceniowego jest stworzenie gatunku symfonii (cykl sonatowo-symfoniczny) i formy sonatowej, która kojarzy się z twórczością kompozytorów szkoły mannheimskiej. Szkoła mannheimska powstała w mieście Mannheim (Niemcy) w połowie XVIII wieku na bazie dworskiej kaplicy, w której pracowali głównie czescy muzycy (największym przedstawicielem był Czech Jan Stamitz). W twórczości kompozytorów szkoły mannheimskiej ustalono czterogłosową strukturę symfonii i klasyczny skład orkiestry.
Szkoła mannheimska stała się prekursorem wiedeńskiej szkoły klasycznej - kierunku muzycznego oznaczającego twórczość Haydna, Mozarta, Beethovena. W twórczości klasyków wiedeńskich ostatecznie ukształtował się cykl sonatowo-symfoniczny, który stał się klasykiem, a także gatunki: zespół kameralny i koncert.
Wśród gatunków instrumentalnych szczególnie popularne były różne rodzaje muzyki rozrywkowej na co dzień - serenady, divertissementy, które wieczorem rozbrzmiewały pod gołym niebem. Divertimento (rozrywka francuska) - wielogłosowe utwory instrumentalne na zespół kameralny lub orkiestrę, łączące cechy sonaty i suity, zbliżone do serenady, nokturnu.
K. V. Gluck - wielki reformator opery
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - Niemiec z urodzenia (urodzony w Erasbach (Bawaria, Niemcy)), jest jednak jednym z wybitnych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej.
Działania reformatorskie Glucka odbywały się w Wiedniu i Paryżu i przebiegały zgodnie z estetyką klasycyzmu. W sumie Gluck napisał około 40 oper - włoskiej i francuskiej, buffa i seria, tradycyjnej i innowacyjnej. To dzięki temu ostatniemu zapewnił sobie poczesne miejsce w historii muzyki.
Zasady reformy Glucka nakreślił w przedmowie do partytury opery Alceste. Sprowadzają się do tego:
Muzyka musi wyrażać poetycki tekst opery, nie może istnieć sama, poza akcją dramatyczną. W ten sposób Gluck znacząco wzmacnia rolę literackiego i dramatycznego podłoża opery, podporządkowując muzykę dramatowi.
Opera powinna mieć moralny wpływ na człowieka, stąd odwołanie się do antycznych tematów z ich wysokim patosem i szlachetnością („Orfeusz i Eurydyka”, „Paryż i Helena”, „Ifigenia w Aulidzie”). G. Berlioz nazwał Glucka „Ajschylosem muzyki”.
Opera musi przestrzegać „trzech wielkich zasad piękna we wszystkich sztukach” – „prostoty, prawdy i naturalności”. Trzeba wyzbyć się w operze nadmiernej wirtuozerii i wokalnej ornamentyki (właściwej operze włoskiej), zawiłych fabuł.
Nie powinno być ostrego kontrastu między arią a recytatywem. Gluck zastępuje recytatyw secco akompaniamentem, przez co zbliża się do arii (w tradycyjnej operze seria recytatywy służyły jedynie jako łącznik między numerami koncertów).
Gluck także interpretuje arie w nowy sposób: wprowadza cechy swobody improwizacji, łączy rozwój materiału muzycznego ze zmianą stanu psychicznego bohatera. Arie, recytatywy i chóry łączą się w duże sceny dramatyczne.
Uwertura powinna antycypować treść opery, wprowadzać słuchaczy w jej klimat.
Balet nie powinien być numerem pełnoekranowym, niezwiązanym z akcją opery. Jej wprowadzenie musi być zdeterminowane przebiegiem akcji dramatycznej.
Większość z tych zasad została zawarta w operze Orfeusz i Eurydyka (premiera w 1762 r.). Opera ta wyznacza początek nowego etapu nie tylko w twórczości Glucka, ale także w historii całej opery europejskiej. Po Orfeuszu nastąpiła inna z jego pionierskich oper, Alceste (1767).
W Paryżu Gluck napisał inne opery reformistyczne: Ifigenia w Aulidzie (1774), Armida (1777), Ifigenia w Taurydzie (1779). Inscenizacja każdego z nich przerodziła się w wielkie wydarzenie w życiu Paryża, wywołując gorący spór między „glukistami” a „picchinistami” – zwolennikami tradycyjnej włoskiej opery, której uosobieniem był neapolitański kompozytor Nicolo Picchini (1728 – 1800). Zwycięstwo Glucka w tej kontrowersji oznaczał triumf jego opery Ifigenia w Taurydzie.
W ten sposób Gluck uczynił z opery sztukę wzniosłych ideałów edukacyjnych, nasycając ją głęboką treścią moralną i ujawniając na scenie prawdziwe ludzkie uczucia. Reforma operowa Glucka wywarła owocny wpływ zarówno na współczesnych, jak i na kolejne pokolenia kompozytorów (zwłaszcza klasyków wiedeńskich).
Federalna Agencja ds. EdukacjiUniwersytet Państwowy w Permie
Katedra Historii Nowożytnej i Współczesnej
Streszczenie na ten temat
Muzyka Oświecenia we Francji
Ukończone przez: studenta III roku
1 grupa IPF
Efimova Marina
Wstęp
Oświecenie - ruch intelektualny i duchowy końca XVII - początku XIX wieku. w Europie i Ameryce Północnej. Była to naturalna kontynuacja humanizmu renesansu i racjonalizmu początku New Age, które położyły podwaliny światopoglądu oświeceniowego: odrzucenie światopoglądu religijnego i odwołanie się do rozumu jako jedynego kryterium poznania człowiek i społeczeństwo.
Francja stała się centrum ruchu oświecenia w XVIII wieku. W pierwszym etapie francuskiego oświecenia głównymi postaciami byli Monteskiusz (1689-1755) i Wolter (1694-1778). W pracach Montesquieu rozwinięto doktrynę Locke'a dotyczącą rządów prawa. Wolter miał różne poglądy polityczne. Był ideologiem oświeconego absolutyzmu i starał się zaszczepić idee Oświecenia monarchom Europy. Wyróżniał się wyraźnie wyrażoną działalnością antyklerykalną, przeciwstawianiem się fanatyzmowi religijnemu i zakłamaniu, dogmatyzmowi Kościoła oraz prymatowi Kościoła nad państwem i społeczeństwem. Diderot (1713 - 1784) i encyklopedyści odegrali główną rolę w drugim etapie francuskiego oświecenia. Encyclopedia lub Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts, 1751-1780 była pierwszą encyklopedią naukową, w której przedstawiono podstawowe pojęcia z zakresu nauk fizycznych i matematycznych, nauk przyrodniczych, ekonomii, polityki, inżynierii i sztuki. W większości przypadków artykuły były wyczerpujące i odzwierciedlały najnowszy stan wiedzy.
Trzeci okres wysunął postać J.-J. Rousseau (1712 - 1778). Stał się najwybitniejszym popularyzatorem idei Oświecenia. Rousseau zaproponował własną drogę politycznej struktury społeczeństwa. Idee Rousseau znalazły swój dalszy rozwój w teorii i praktyce ideologów Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Oświecenie wywarło ogromny wpływ na sztukę i kulturę całej Europy, aw szczególności na muzykę Francji jako centrum Oświecenia.
Celem tego streszczenia jest ogólny przegląd muzyki ówczesnej Francji.
Wiek XVII i początek XVIII to jeden ze znaczących i błyskotliwych okresów w historii muzyki francuskiej. Cały okres rozwoju sztuki muzycznej związany ze „starym reżimem” odchodził w przeszłość; Skończyła się epoka ostatniego Ludwika, epoka klasycyzmu i rokoko. Rozpoczął się Wiek Oświecenia. Style z jednej strony odgraniczone; z drugiej strony układały się warstwowo, łączyły się ze sobą, tworząc dziwne hybrydy, trudne do analizy. Wygląd intonacyjny i struktura figuratywna muzyki francuskiej były zmienne i różnorodne. Ale wiodący nurt, który biegł w kierunku zbliżającej się rewolucji, wyłonił się z nieubłaganą wyrazistością.
Pod koniec XVII - początek XVIII wieku. dworu i stał się głównym odbiorcą pisania spektakli muzycznych (pojawia się monopol), w związku z czym główną funkcją francuskiej muzyki doby Oświecenia było służenie potrzebom francuskiego dworu - tańcom i różnorodnym przedstawieniom.
Opera francuska była w pewnym sensie dziełem klasycyzmu. Jej narodziny były ważnym wydarzeniem w historii kultury narodowej kraju, który do drugiej połowy XVII wieku prawie nie znał żadnej innej sztuki operowej poza importowaną włoską. Jednak gleba francuskiej kultury artystycznej wcale nie była dla niej obca i jałowa. Opera opierała się na narodowych przesłankach gatunkowo-historycznych i dość organicznie asymilowała ich nabytki 2 .
Jean Baptiste Lully (1632 - 1687), kompozytor, skrzypek, tancerz, dyrygent i nauczyciel pochodzenia włoskiego, słusznie można uznać za ojca francuskiej opery; doradca i sekretarz króla, rodu królewskiego i korony francuskiej; nadinspektor muzyki Jego Królewskiej Mości.
3 marca 1671 odbyła się w Paryżu premiera pierwszej francuskiej opery Pomona, autorstwa Pierre'a Perrina i Roberta Camberta. Nie była to nawet opera, a raczej duszpasterska, ale odniosła fantastyczny sukces publiczności, wytrzymując w Akademii Operowej, na którą Perrin miał 15-letni przywilej królewski, 146 przedstawień. Mimo to Perrin zbankrutował i trafił do więzienia. Lully, blisko króla, bardzo subtelnie wyczuwał nastroje publiczności i, co ważniejsze, króla. Porzuca Moliera, odkupuje w 1672 r. przywilej z Perrin i otrzymawszy od króla szereg specjalnych patentów, przejmuje całkowitą kontrolę nad francuską sceną operową.
Pierwszą „tragedią opartą na muzyce” była tragedia „Kadmus i Hermiona”, napisana do wierszy Philipa Kino. Fabuła została wybrana przez króla. Prapremiera opery odbyła się 27 kwietnia 1673 w Palais-Royal, po śmierci Moliera została przekazana Lully'emu. Główną cechą jego oper była szczególna ekspresja melodii: komponując je, Lully idzie oglądać grę wielkich aktorów tragicznych. Ich dramatyczną recytację zapisuje w nutach, a następnie odtwarza w swoich kompozycjach. Dobiera własnych muzyków i aktorów, kształci ich. Sam ćwiczy swoje opery i sam je dyryguje ze skrzypcami w ręku. W sumie skomponował i wystawił 13 „tragedii w muzyce” w teatrze: Kadmus i Hermiona (1673), Alceste (1674), Tezeusz (1675), Atys (1676), Izyda (1677), Psyche (1678, wersja operowa). komedio-baletu 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseusz (1682), Faeton (1683), Amadis (1684) ), „Roland” (1685) i „Armida” (1687). Opera Achilles i Polyxena (1687) została ukończona przez Pascala Colasa 3 po śmierci Lully'ego.
Pierwsza tercja XVIII wieku był bardzo trudny dla sztuki operowej. Można je nazwać czasami ponadczasowości, zamętu estetycznego, swoistej decentralizacji opery – zarówno pod względem zarządzania operą, jak i artystycznie. Duże jednostki kreatywne praktycznie się nie pojawiają 4 . Wśród wielu kompozytorów, którzy występowali w operze, najważniejszy jest Andre Campra (1660 - 1744). Był po Lullym jedynym kompozytorem, który mógł go przynajmniej częściowo zastąpić. Dopiero pojawienie się Rameau nieco zepchnęło prace Campry na dalszy plan. Wielkim sukcesem cieszyły się Pasticcio Campra (czyli opery złożone z fragmentów oper różnych kompozytorów, które odniosły największy sukces) – „Fragments de Lulli”, „Telemaque ou les fragments des modernes”. Z oryginalnych prac Campry wyróżnia się „La serenade vénétienne ou le jaloux trompé”. Campra napisała na scenę 28 utworów; Komponował także kantaty i motety. 5
W czasach Ludwika XV na operę francuską działały zupełnie inne, a nawet przeciwnie skierowane siły: bezwład heroizmu wykreowany przez klasycyzm XVII wieku; wpływy niezwykle eleganckiego, cienkiego jak biżuteria, a często idyllicznego rokoka; nowy, obywatelski i polemiczno-dydaktyczny klasycyzm Woltera dramaturga i jego szkoły; wreszcie estetyczne idee Encyklopedystów (D'Alembert, Diderot i inni). W stołecznym teatrze powstał tzw. „styl wersalski”, zachowujący fabułę i schemat klasycyzmu, ale rozpuszczający je w błyskotliwe, szykowne urozmaicenie i wyróżniający się szczególnie wyrafinowanym luksusem inscenizacji: scenografii, rekwizytów, kostiumów i dekoracji architektonicznej audytorium. Ważnym czynnikiem kształtowania się „stylu wersalskiego” z nieodłączną hegemonią baletu było ukształtowanie się i udoskonalenie w pierwszej połowie XVIII wieku nowej francuskiej szkoły sztuki choreograficznej – szkoły, która wyrosła na niezwykle wpływową kulturę i siły artystycznej i miał intensywny wpływ na operę 6.
Innym francuskim kompozytorem, który znacząco wpłynął na muzykę Oświeceniowej Francji, jest Jean Philippe Rameau. Typ opery Rameau jest francuski, a nie włoski: rozwój muzyczny nie zostaje przerwany, przejście od skończonych numerów wokalnych do recytatywów jest wygładzone. W operach Rameau wirtuozeria wokalna nie zajmuje centralnego miejsca; mają dużo przerywników orkiestrowych i generalnie dużo uwagi przywiązuje się cały czas do partii orkiestrowej; Niezbędne są również chóry i rozbudowane sceny baletowe. W porównaniu do późniejszego klasycznego modelu operowego, Rameau ma mniej wokali i mniej więcej taką samą ilość orkiestry i chóru. Melodia Rameau zawsze podąża za tekstem, oddając jego znaczenie dokładniej niż aria włoska; chociaż był znakomitym melodystą, to linia wokalna w jego operach jest w zasadzie bliższa recytatywowi niż kantylenie. Głównym środkiem wyrazu nie jest melodia, ale bogate i wyraziste wykorzystanie harmonii - to oryginalność stylu operowego Rameau. Kompozytor wykorzystał w swoich partyturach możliwości współczesnej orkiestry Opery Paryskiej: smyczki, instrumenty dęte drewniane, rogi i perkusję, a szczególną uwagę zwrócił na instrumenty dęte drewniane, których barwy nadają operam Rameau oryginalny, orkiestrowy posmak. Pisanie chórów różni się w zależności od sytuacji na scenie, chóry są zawsze dramatyczne i często taneczne. Dla jego niekończących się tańców i scen baletowych typowe jest połączenie plastycznego piękna z emocjonalną ekspresją; to choreograficzne fragmenty oper Rameau od razu porywają słuchacza. Świat figuratywny tego kompozytora jest bardzo bogaty, a wszelkie stany emocjonalne podane w libretto znajdują odzwierciedlenie w muzyce. W ten sposób namiętny ociężałość ukazują m.in. clavierowe utwory Timide (La timide) i Rozmowa muz (L „Entretien des Muses”), a także w wielu scenach pastoralnych z jego oper i baletów operowych7.
Większość utworów kompozytora pisana jest w dawnych, już nieistniejących formach, co nie wpływa na wysokie uznanie jego spuścizny. Rameau można postawić obok G. Purcella, a jeśli chodzi o jego współczesnych, ustępuje mu tylko Bacha i Haendla. osiem
Spuścizna Rameau składa się z kilkudziesięciu książek i szeregu artykułów dotyczących muzyki i teorii akustycznej; cztery tomy utworów clavier (jeden z nich - Concert Pieces - na clavier i flet z altówką da gamba); kilka motetów i kantat solowych; 29 kompozycji scenicznych - oper, baletów operowych i pastorałek.
Rameau wyjaśnił użycie współczesnych mu akordów za pomocą harmonijnego systemu emanującego z fizycznej natury dźwięku i pod tym względem poszedł dalej niż znany akustyk J. Sauveur. Co prawda teoria Rameau, naświetlając istotę współbrzmień, pozostawia niewyjaśniony dysonans, który nie powstaje z elementów serii alikwotowej, a także możliwość sprowadzenia wszystkich zahartowanych dźwięków do jednej oktawy.
Dziś większe znaczenie mają nie teoretyczne badania Rameau, ale jego muzyka. Kompozytor współpracował w tym samym czasie z J.S.Bachem, G.F.Handlem, D.Scarlattim i przeżył ich wszystkich, ale twórczość Rameau różni się od muzyki jego wielkich współczesnych. Dziś jego utwory clavier są najbardziej znane, ale głównym polem działalności kompozytora była opera. Miał okazję pracować w gatunkach scenicznych już w wieku 50 lat, a w ciągu 12 lat stworzył swoje główne arcydzieła - tragedie liryczne Hipolit i Arisia (1733), Kastor i Pollux (1737) oraz Dardanus (dwie wydania - 1739 i 1744) ; balety operowe „Czarne Indie” (1735) i „Święta Hebe” (1739); komedia liryczna „Platea” (1745). Rameau komponował opery do 80 roku życia, aw każdej z nich znajdują się fragmenty potwierdzające jego sławę jako wielkiego dramaturga muzycznego 9 .
Idee encyklopedystów odegrały również znaczącą rolę w przygotowaniu reformy K. V. Glucka, która doprowadziła do stworzenia nowego stylu operowego, który ucieleśniał ideały estetyczne trzeciego stanu w przededniu rewolucji francuskiej. Wystawienie w Paryżu oper Glucka Ifigenia w Aulidzie (1774), Armida (1777) i Ifigenia w Taurydzie (1779) w Paryżu nasiliło walkę o kierunki. Zwolennicy starej francuskiej opery, a także przeciwstawiający się Gluckowi zwolennicy opery włoskiej, przeciwstawiali mu tradycyjne dzieło N. Piccinniego. Walka między „glukistami” a „picchinnistami” (Gluck zwyciężył) odzwierciedlała głębokie zmiany ideologiczne, które miały miejsce we Francji w drugiej połowie XVIII wieku.
W operach Lully'ego i Rameau wykształcił się szczególny rodzaj uwertury, nazwany później francuską. To duży i barwny utwór orkiestrowy, składający się z trzech części. Skrajne partie są powolne, uroczyste, obfitują w krótkie pasaże i inne wyszukane ozdobniki głównego tematu. Na środek utworu wybrano z reguły szybkie tempo (widoczne było, że autorzy znakomicie opanowali wszystkie techniki polifonii). Taka uwertura nie była już przemijającym utworem, pod którym spóźnialscy hałaśliwie siadali, ale poważną pracą, która wprawiła słuchacza w ruch i ujawniła bogate możliwości brzmieniowe orkiestry. Z oper francuska uwertura szybko przeszła do muzyki kameralnej, a później była często wykorzystywana w utworach niemieckich kompozytorów G. F. Haendla i J. S. Bacha. W dziedzinie muzyki instrumentalnej we Francji główne osiągnięcia związane są z clavierem. Muzyka klawiszowa jest reprezentowana przez dwa gatunki. Jednym z nich są prace miniaturowe, proste, eleganckie, wyrafinowane. Ważne są w nich drobne detale, próby oddania pejzażu czy sceny dźwiękami. Francuscy klawesyniści stworzyli specjalną melodię, pełną wykwintnych ozdób - melizmaty (z greckiego "melos" - "pieśń", "melodia"), które są "koronką" krótkich dźwięków, które można nawet złożyć w maleńką melodię. Było wiele odmian melizmatów; w tekście nutowym oznaczono je specjalnymi znakami. Ponieważ dźwięk klawesynu nie rozciąga się, melizmaty są często niezbędne do stworzenia ciągłej melodii lub frazy. Innym gatunkiem francuskiej muzyki clavier jest suita (od francuskiej suity - „row”, „sequence”). Dzieło takie składało się z kilku części - utworów tanecznych o kontrastującym charakterze; podążali za sobą. W każdej suity obowiązywały cztery główne tańce: allemande, courante, sarabande i gigue. Suitę można nazwać gatunkiem międzynarodowym, ponieważ zawierała tańce z różnych kultur narodowych. Allemande (z francuskiego allemande - „niemiecki”), na przykład pochodzenia niemieckiego, kuranty (z francuskiego courante - „bieganie”) - włoski, miejsce narodzin sarabandy (hiszpańska zarabanda) - Hiszpania, jig (angielski, jig) - Anglia . Każdy z tańców miał swój charakter, wielkość, rytm, tempo. Stopniowo obok tych tańców zaczęto włączać do suity inne liczby – menuet, gawot itp. Gatunek suity znalazł dojrzałe ucieleśnienie w utworach Haendla i Bacha 10 .
Rewolucja francuska miała również duży wpływ na muzykę. W tych latach rozpowszechniła się opera komiczna (choć pierwsze opery komiczne pojawiły się już pod koniec XVII wieku11) – głównie jednoaktowe przedstawienia oparte na muzyce ludowej. Gatunek ten był bardzo popularny wśród ludzi - motywy i słowa kupletów były łatwo zapamiętywane. W XIX wieku popularność zyskała także opera komiczna. Jednak nadal najpopularniejszym gatunkiem była bez wątpienia piosenka. Nowa społeczna funkcja muzyki, zrodzona z sytuacji rewolucyjnej, dała początek gatunkom masowym, w tym marszom i pieśniom (Pieśń Gosseka z 14 lipca), utworom na kilka chórów i orkiestr (Lesueur, Megül). Tworzył pieśni patriotyczne. W latach rewolucji (1789 - 1794) pojawiło się ponad 1500 nowych piosenek. Muzyka została częściowo zapożyczona z oper komicznych, pieśni ludowych XVI-XVII wieku. Szczególnie lubiane były 4 pieśni: „Saera” (1789), „Pieśń marszowa” (1794), „Carmagnola” (1792) – nazwa prawdopodobnie pochodzi od nazwy włoskiego miasta Carmagnola, gdzie ubodzy pracujący stanowili większość ludności, hymn rewolucyjny Marsylii; teraz hymn narodowy; skomponowany i dostrojony do muzyki Rouger de Lisle w Strasburgu po wypowiedzeniu wojny w kwietniu 1792 roku. Pod wpływem ideologii rewolucyjnej powstały nowe gatunki - agitacyjne wykonania z udziałem wielkich mszy chóralnych („Wybrany republikanin, czyli Święto Rozumu” Gretry, 1794, „Triumf republiki, czyli obóz w Grand Pre, Gossek, 1793), a także „opera ratunkowa” namalowana romansem rewolucyjnej walki z tyranią („Lodoiska”, 1791 i „Water Carrier”, 1800, Cherubini; „Jaskinia” Lesueura, 1793) 12. Rewolucyjne przemiany wpłynęły także na system edukacji muzycznej. Zniesiono szkoły kościelne (metrisy), a w 1793 w Paryżu, na bazie połączonej szkoły muzycznej Gwardii Narodowej i Królewskiej Szkoły Śpiewu i Recytacji, powstał Narodowy Instytut Muzyki (od 1795 – Konserwatorium Muzyczne i Recytacja). Paryż stał się najważniejszym ośrodkiem edukacji muzycznej.
Wniosek
Francuska muzyka Oświecenia ewoluowała zgodnie z samą epoką. W ten sposób francuska opera komiczna z wesołej komedii z muzyką stała się uznanym gatunkiem muzyczno-teatralnym o samodzielnym znaczeniu, reprezentowanym przez wielkie postacie artystyczne o różnych osobowościach, wiele odmian gatunkowych i wiele ciekawych, wpływowych dzieł.
Muzyka, jak poprzednio, rozwijała się równolegle w kilku kierunkach - oficjalnej i ludowej. Absolutyzm był zarówno katalizatorem, jak i hamulcem rozwoju muzyki oficjalnej, czyli operowej, baletowej, w ogóle teatralnej, z jednej strony istniał państwowy porządek pisania i wykonywania muzyki, z drugiej państwowe monopole , prawie uniemożliwiając rozwój nowych kompozytorów i trendów.
Z kolei muzyka ludowa zyskała szerokie rozpowszechnienie dzięki Wielkiej Rewolucji Francuskiej w hymnach, marszach i pieśniach, których autorstwo większości jest obecnie prawie niemożliwe do ustalenia, ale które nie straciły swojej wartości kulturowej z powodu ten.
Lista wykorzystanej literatury
K. K. Rosenshild Muzyka we Francji XVII - początek XVIII wieku, - M .: "Muzyka", 1979
Słownik encyklopedyczny Brockhausa i Efrona (1890-1907).
Wielka radziecka encyklopedia
Zasoby internetowe:
