История на танца за деца. Танци на първобитните народи. Историята на възникването и развитието на танца. Танц на сабя

Разговор за по-малки ученици

"История на възникването и развитието на танца"

(в рамките на естетическото развитие)

Скъпи момчета, чудили ли сте се някога: „Какво е танцът?“ - когато видяхте балетно представление на сцената или по телевизията, красив народен или поп танц. „Откъде идва произходът му? Как да овладеете това изкуство? Днес ще научите историята на възникването и развитието на танцовото изкуство.

Дори в най-древните времена танцът е един от първите езици, на които хората могат да изразяват чувствата си.

Знаете ли, че първите танци от древността са били далеч от това, което днес се нарича тази дума? Древният човек е предавал впечатленията си от заобикалящия го свят с различни движения и жестове, влагайки в тях своето настроение, душевно състояние. Викове, пеене, игра на пантомима бяха взаимосвързани с танца. Тези действия са имали ритуално значение. ИПървите танци са били от ритуален характер.

Танцът винаги е бил тясно свързан с живота и бита на хората. Следователно всеки танц съответства на характера, духа на хората, от които произлиза. С промяната на обществения строй се променят условията на живот, природата и темите на изкуството, променя се и танцът.

Експресивните танци бяха от голямо значение както в ежедневието, така и в обществения живот. Много често празненствата започваха и бяха съпроводени с танци. С развитието на обществото се развиват и танците, появяват се различни форми: още при древните гърци танците могат да бъдат разделени на свещени (ритуални, ритуални), военни, сценични, социални и домашни. Приблизително същите характерни танци са били сред другите народи.

В Русия произходът на различни танци датира от древни времена. Най-древният руски народен танц беше кръгъл танц - това е масов танц, неговият модел е прост кръг, олицетворяващ движението на Слънцето около Земята. По-късно се появяват кадрили, ланцети, шестици и т.н.

Но първите професионални танци, първите балети възникват в средновековна Франция. Именно там от танци с люлеене и тропане, скокове и скокове, наречени бранлес (от думата Branle - люлеене, хоровод), с времето възниква френската хореография. И до днес в професионалната хореография терминологията е запазена на френски език.

В Русия хореографията възниква през 6 век. пр.н.е. и дълго време съществуват различни учения и методи на преподаване, докато преди повече от сто години балерината и учител А.Я. Ваганова не създаде логично ясна система на класическия танц. Именно тази система от много години обучава децата на класически танци в балетни и хореографски школи, ателиета и катедри. Това е системата на А.Я. Ваганова е в основата на професионалния танц.

Визуализация:

Методическа разработка

„Особености на обучението по народно-сценични танци в различни възрастови групи на детска хореографска група“

Учител - хореограф

Чеснокова Т.Е

1. Въведение
2. Значението на народната култура и фолклорно - сценичния танц в естетическото възпитание на децата.
3. Изграждане на урок по народно-сценичен танц в детска хореографска група.
4. Възрастови особености на обучението по народно - сценични танци.

Народното творчество е прекрасна неизчерпаема съкровищница, от която творците на танци са черпили и ще черпят материал за творчеството си. Само обичайки, разбирайки и познавайки народното изкуство, човек може да го използва и да му бъде от полза.

Танцът е своеобразна хроника на живота на хората. Трансформациите в бита на народа намират отражение в развитието на народното творчество. В хореографията идват нови теми, сюжети, образи. Напоследък сценичният танц значително се обогати с техника, стана по-изразителен и сложен. Но както и преди, в тези танци се отразява душата на хората, подчертава се един или друг начин на изпълнение.

Едно от съкровищата на народното творчество ефолклорен танц.

И тъй като тук ще говорим за детска фолклорна група, трябва да се отбележи, че народният танц е едно от най-важните средства за естетическо възпитание на децата.

Работата с деца означава ежедневно, ежечасно, от година на година да давате на детето своя житейски духовен опит, оформяйки неговата личност, развита всестранно и хармонично.

Една от връзките в образователния процес като цяло може да се счита за урокфолклорен сценичен танц,в които образованието и обучението са неразделни.

Прогресивната преподавателска практика подчертава основните направления на образователния процес: „трябва да преподавате лесно, приятно, задълбочено“, „трябва да преподавате по достъпен и траен начин“.

Въз основа на това е възможно да се отделят основните принципи на учебния процес, които трябва да се използват при изграждането на урок по фолклорен сценичен танц:

1. От просто към сложно;
2. Наличност.

Например, когато изучаваме елемент от украинския танц - движението „бегач“, първо научаваме това движение в кръг в неговата „чиста форма“, едва след това може да се изпълнява в комбинация с други движения: различни завои, позиции на ръцете , а след това в по-сложни комбинации.

Най-добре е новият материал да се обясни просто, ясно и лаконично.

В основата на урока по фолклорни сценични танци е изграждането на урок по класически танци, който включва упражнение на лоста и в средата.

Като се вземат предвид особеностите на народния танц като цяло, урокът е изграден малко по-различно, по-точно втората половина на урока. Ако в класическия танц „средата” е адажио и алегро, то в народно-сценичния танц е изучаването на индивидуални танцови комбинации и етюди. Редът на упражненията на лоста е зададен на принципа на редуващи се движения, които тренират различни мускулни групи.

В завършен вид урокът по фолклорни сценични танци може да изглежда така:

1) demi и grand plie.

2) Плъзгане на крака по пода (battement tendu)

3) Упражнения за пети, които работят върху петата

Поддържащ крак.

4) Малки хвърляния (battement tendu jete)

5) Упражнение с отпуснат крак (flic-flac)

6) Подготовка за "въжето"

7) Ниски и високи завои на коляното (battement fondu)

8) Фракционна перкусия

9) Ротационни движения на крака (rond de jambe)

10) 90 градуса отваряне на крака (devolope)

11) Зигзаги

12) Големи хвърляния на работния крак на 90 градуса (гран

Battement tendu jete)

13) Упражнения с лице към машината

14) Скачане

15) Клек

Упражнение в средата:

1. Завъртания
2. Изучаване на индивидуални танцови комбинации, движения
3. Етюди

Но в тази форма урок може да бъде изграден само в работа с възрастен.

екип, тъй като тялото на детето не може да издържи такова натоварване.

От горния урок по народно-сценични танци е необходимо да се изберат само онези познати елементи от урока, на които детето е способно и да помогне за развитието на стабилност, координация, музикалност, като в същото време се поддържа цялостната структура на урока.

Децата на различни възрасти се различават значително едно от друго по степен на умствено, морално и физическо развитие. Отчитайки възрастовите особености, силните страни и възможностите на децата, учителят-хореограф трябва да изгради урок по народно-сценичен танц, представящ оптимални изисквания за всяка възраст.

Известно е, че функциятапо-млада възрасте неговата емоционална активност, желанието за конкретна, относително кратка дейност. Тоест за по-малките деца урокът може да бъде изграден върху игрови елементи. В този случай всеки обяснен материал ще бъде по-добре усвоен, поради психологическите особености на по-малките деца, тоест способността за активна, емоционална конкретна дейност. Невъзможно е да се фокусира вниманието на детето върху изработването на едни и същи елементи за дълго време. В този случай той се уморява физически, вниманието е разпръснато. Детето се нуждае от емоционално освобождаване, промяна на действията, промяна на информацията.

AT юношеска възрастважно е да се вземе предвид желанието за зряла възраст, независимост, по-ясно осъзнаване на своите действия. Тук около 1/3 от урока се дава на упражнения на лоста, след което можете да преминете към „средата“. Урокът не трябва да бъде монотонен, от всеки от него, макар и кратък раздел, който е интересен за детето именно поради своята новост, човек трябва да се възползва. Самият учител трябва да реши какво е специфичното тегло на всяко движение по време на урока и да определи съотношението на частите на урока. Първите, най-прости движения предвиждат по-сложни и са необходими, за да може детето да танцува правилно и красиво по-късно. В началото не е необходимо да задържате вниманието на децата върху едно движение дълго време. Престояването на барре твърде дълго може да причини скука и дори загуба на интерес. Препоръчително е да започнете „средата“ с някои упражнения, завършени на лоста. Тук се обръща голямо внимание на координацията на движението на краката, с движенията на тялото и главата. Постепенно часовете в „средата“ стават по-сложни: преминатите отделни движения ще бъдат комбинирани в малки изследвания.

В детската групапо-напреднала възраступражненията на лоста стават по-трудни технически и емоционално. Времето, отредено за занимания в "среда", постепенно се увеличава чрез намаляване на упражненията на лоста. Упражненията, както в лоста, така и в средата, се променят, темпото на тяхното изпълнение се ускорява, а обучението става по-сложно. Всички нови елементи не трябва да се „раздават“ наведнъж, по време на един урок е необходимо внимателно да се даде възможност на децата да овладеят някои от елементите; след това оставете настрана научения материал за известно време, като го замените с нов. Правилността, яснотата, точността на изпълнение на елементите на народния танц трябва да влязат в подсъзнанието на детето, да се фиксират в мускулната му памет, да се превърнат в един вид рефлекс. Само в този случай е възможно да се създадат необходимите предпоставки за успешна работа по различни танцови номера.

Музикалното съдържание на урока е от първостепенно значение. Именно по време на последователна поредица от уроци децата свикват с един вид мелодично мислене. Съответно, за средната и по-старата възраст музиката се избира по-разнообразна със сложен ритмичен модел и мелодично оцветяване. В екип от малки деца е необходимо да изберете изключително ясни мелодии, ярки, образни, особено в началото. Музикалният съпровод в уроците трябва да бъде органично свързан с изпълняваните движения, трябва да съответства на естеството на движенията, стила и националността, трябва да бъде ясно съобразен с ритъма.

Всичко взето заедно, възпитава както музикалната култура, така и вкуса на децата, което е от немалко значение в бъдеще.

Сериозно място в изграждането на урок по фолклорно-сценични танци в детски колектив е и подборът на репертоар и изучаваните националности, тъй като не всички националности могат да бъдат взети за изучаване в детски отбор. Например елементи на руски, беларуски танци в детски отборпо-млада възрастще се усвоят по-лесно от елементите на полския, узбекския танц. В детската групасредна и по-стара възрастсъответно репертоарът трябва да се разшири. Вече е възможно да се вземат елементи от украински, татарски, башкирски танци и други за изучаване.

Децата са способни да научат невероятно много. Те активно, нетърпеливо и с благодарност отговарят на думата на учителя.

Всичко казано по-горе ни позволява да заключим, че не само към изграждането на урок по фолклорни сценични танци, но и към цялата работа с детска танцова група като цяло трябва да се подхожда чувствително, професионално, компетентно, като се вземат предвид всички специфични особености на детството, с любов към децата и към собствените професии.

литература

1. Иноземцева G.V. "Народен танц" - М., 1971

2. Резникова З.П. "Танци на народите по света" - М., 1959

3. Стуколкина Н.М. „Четири упражнения. Уроци по характерен танц "-

М., 1972г

4. Уралская V.I. "Природа на танца" - М., 1981

5. Голейзовски К.Я. "Образи на руската народна хореография" - М.,

1964

1. Гусев Г.П. „Методика на преподаване на народен танц“ – М., 2004
2. Телегина Л.А. "Народно - сценично хоро" - Самара, 2002г
3. Гусев Г.П. „Методика на преподаване на народни танци: - Упражнения на бара“ – М., 2003 г.
4. Уралская V.I. "Раждането на танца" - М., 2982

Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу

Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.

публикувано на http://www.allbest.ru/

Федерална държавна бюджетна образователна институция за висше професионално образование

МОСКОВСКИЯ ДЪРЖАВЕН УНИВЕРСИТЕТ ЗА КУЛТУРА И ИЗКУСТВА

Факултет по социални и културни дейности

Отдел Културно-развлекателни дейности

КУРСОВА РАБОТА

на тема: история на танца

по учебна дисциплина: "История и теория на социокултурните дейности"

Москва 2013г

Въведение

Раздел 1 Произходът на танца: от древни времена до зараждането на балета

1.1 Причини за появата на танца и неговия произход

1.2 Древен Египет, Китай, Индия, Гърция, Рим

1.3 Народни танци в Европа от Средновековието до Ренесанса

Раздел 2 Ерата на балета в чужбина и в Русия

2.1 Балет на Запад

2.2 Руски балет

Раздел 3 Модерни танцови направления

3.1 Джаз танц

3.2 Модерен танц и модерен джаз

3.3 Съвременна класика в чужбина

3.4 Бални танци

Заключение

Източници и литература

Въведение

Да поговорим за танца. В наше време, времето на електрониката, бързия ритъм, мнозинството ще нарече танц това, което се случва в нощните заведения, когато движението е сведено до примитивното. Танцът обаче се състои не само в „две тропа, три тропа“. Тя има своя история, тя е една от най-старите форми на изкуство наред с музиката, може би дори по-стара, въпросът е спорен. Танцът премина през дълъг път на промяна, като се раздели на много разклонения със стил. Ето защо въпросът в самото начало на нашето пътуване е още по-актуален: какво е танц?

Танцувай- ритмични, изразителни движения на тялото, обикновено вградени в определена композиция и изпълнени с музикален съпровод. Танцът, както бе споменато по-горе, е може би най-старото от изкуствата: той отразява нуждата на човек, датиращ от най-ранните времена, да предаде на други хора своята радост или скръб чрез тялото си. Освен това танцът е демократичен. Той приканва тялото да говори, дава му възможност да говори. Танцът помага да се разшири творческия и личен потенциал, да се отървете от различни комплекси, да изчезне страхът от публично говорене, учи ви да се отпуснете.

Танцът възниква от различни движения и жестове, свързани с трудовите процеси и емоционалните впечатления на човек от заобикалящия го свят. Движенията постепенно се подлагат на художествено обобщение, в резултат на което се формира танцът, едно от най-старите прояви на народното творчество. Първоначално свързан със словото и песента, танцът постепенно придобива самостоятелно значение. Почти всички важни събития в живота на първобитния човек се празнуваха с танци: раждане, смърт, война, избор на нов водач, изцеление на болен човек. Танцът изразявал молитви за дъжд, слънчева светлина, плодородие, защита и прошка, бил е неразделна част от различни тайнства, мистерии, от примитивните общества до Египет, Китай, Гърция. Какъв беше резултатът от танца? Как беше систематизирано? Образувано "па".

Танцовият pas (фр. pas - "стъпка") произхожда от основните форми на човешкото движение - ходене, бягане, скачане, скачане, скачане, плъзгане, завъртане и люлеене. Комбинациите от такива движения постепенно се превърнаха в па от традиционни танци.

Основните характеристики на танца са:

Ритъм - относително бързо или сравнително бавно повторение и вариация на основните движения;

Рисуване - комбинация от движения в композицията; динамика - вариране на обхвата и интензивността на движенията;

Техниката е степента на владеене на тялото и овладяване при изпълнението на основни па и позиции. В много танци жестовете също са от голямо значение, особено движенията на ръцете.

В момента хореографското изкуство обхваща както традиционното народно, така и професионалното сценично изкуство. Танцовото изкуство присъства в различна степен, форми в културата на всеки етнос, етнос. И това явление не може да бъде случайно, то има обективен характер, тъй като традиционната народна хореография заема първостепенно място в социалния живот на обществото както в ранните етапи на човешкото развитие, така и сега, когато изпълнява една от функциите на културата. , той е една от своеобразните институции за социализация на хората и преди всичко на децата, юношите и младежите, а също така изпълнява и редица други функции, присъщи на културата като цяло.

история на танца народен балет

1. Произходът на танца: от древни времена до раждането на балета

1.1 Причини за възникването на танца и неговият произход

И така, откъде идва танцът, как човек е развил копнеж за движение в определен ритъм? Много интересна статия на Константин Петрович Черников за това какво представлява танцът и всъщност неговият произход ще разкаже за това перфектно.

Всъщност танцът, като чисто обществено, социално явление е цял пласт, който отразява чрез своите методи и техники историческото, социалното и културното развитие на човешкото общество. Този пласт е много интересен и недостатъчно дълбок, според мен, "разораван" от съвременната наука. Историците се фокусират повече върху аспектите на икономическото и социално-политическото развитие на обществото, изкуствоведите обръщат много повече внимание на архитектурата или живописта, а на съвременните театрални и особено поп сцени танцът играе далеч от първа роля в сравнение с вокалите или същият разговорен жанр. Защо такъв позор? В крайна сметка хореографското изкуство е може би най-старото в света, оцеляло е хилядолетия, зародило се в човешката среда във времена, когато по същество не е имало цивилизовано общество с неговата икономика и политика. Защо танцът, който в зората на човешката история, наред с култа и магията, беше най-важният от всички видове умствени и социокултурни дейности на хората, сега отстъпва на заден план? Кога и защо се случи това? В цялото това разнообразие от въпроси ще се опитаме да го разберем.

Ясно е, че танците не са нещо, без което човек не може да живее, като например без вода или храна. Човекът като вид е минал през дълъг и много труден път на еволюция, по който основната му задача е била оцеляването.

Това означава, че ако един древен човек е прекарвал част от ценното си време не за получаване на храна или уреждане на живот, а за практикуване на тези много ритмични движения на тялото, то това наистина е било много важно за него. Какво може да е толкова важно за нашите далечни предци? Мнозина са склонни да вярват, че това са ритуални обреди. Да, логично е. Боговете и демоните не са за шега. Те трябва непрекъснато да бъдат почитани, умилостивявани, да се правят жертви, но, видите ли, за почит и жертвоприношение изобщо не е необходимо да скачате, скачате, да се въртите и да се въртите с определено темпо и ритъм. Можете да направите всичко много по-рационално и с по-малко усилия, които все пак ще са необходими на лов или във война със съседи. Най-вероятно причината за танца се крие малко по-дълбоко, отколкото се смята.

Ако вярвате на тълковните речници и енциклопедии, които са многобройни днес, тогава най-общо можете да определите танца като форма на изкуство, която показва външните прояви на живота във фигуративна и художествена форма, чрез движенията на човешкото тяло, израженията на лицето и пантомимата. Танцувай. Не е ли той това, което виждаме? Да, така е, но не наистина. Не всичко може да се обясни само с проста реакция на човек към света около него. Какъв е външният вид на живата природа, ако не е постоянно променящо се проявление на вътрешното? Танцът се основава на действие. Но не може да има външно действие без вътрешно действие. Всички външни действия, изразяващи се в движения, жестове, пози, танцови стъпки, се раждат и формират вътре – в мисли, усещания, чувства, преживявания. Ето че стигаме, струва ми се, до извора. Основната причина за появата на танца, както и на религиозния култ, беше психиката, вътрешният, духовен свят на човек.

Психиката става инициатор за появата на танца като социално явление. Разбира се, в началото тя беше тясно преплетена с култа и магията, беше невъзможно да ги отделите един от друг. Разделянето и по-тясната специализация на тези явления настъпва много по-късно. И култът постепенно взе надмощие.

Превъзходството на култа се обяснява с факта, че магьосниците и свещениците бяха умни хора и креативни по свой начин, така че не им беше трудно да разберат как да „измамят“ и да окажат натиск върху близките си, а основният мотиватор в този въпрос е страх от непозната сила.

При тези условия танцът избледнява на заден план и започва само да „обслужва” ритуалите, да ги украсява и да засилва фактора на психологическо и енергийно-емоционално въздействие върху участниците в религиозните обреди и церемонии. Ще говорим за влиянието на танца върху човешкото тяло, но сега да се върнем на въпроса за причините за възникването му.

Кога започна танцът? Според логиката на нещата, най-вероятно, в хронологичен смисъл, времето на възникване на танцовите традиции е периодът на Мадлен (преди 15 - 10 хиляди години).

Именно през този период примитивното изкуство и преди всичко пещерната живопис достига най-високото си ниво на развитие. Логично е да се предположи, че именно през този период, когато все по-сложната човешка психика и комуникация инициира появата на нужда от изобразително изкуство, може да има нужда от други форми на изкуство - включително танци, скални рисунки в пещерите на Франция и Испания служат като потвърждение за това, където от 1794 рисунки - 512 изобразяват хора в различни пози и моменти на движение, които периодично се повтарят, освен това около 100 рисунки са посветени на някакъв вид човекоподобни същества. Като се има предвид, че пещерната живопис е много реалистична, дори фотографска, художникът все още не можеше да мисли абстрактно, не е измислил нищо и е нарисувал това, което е видял със собствените си очи, тогава можете да попитате - какво е видял? Ако отхвърлим версията за извънземни или мутанти, тогава най-вероятно това са хора, облечени в животни или някакъв вид духове, които имитират.

Древният човек е рисувал имитация на животни и дух. Но ако хората го направиха тогава, какво е, ако не танц? В същото време се случва раждането на музиката и музикалните инструменти. Всички видове изкуство бяха много тясно свързани, следователно музиката беше свързана и с танца. Отговорът на първия въпрос е даден. Танцът не оставя толкова точен „паметник“ като живописта или архитектурата, но раждането на танца едва ли би могло да се случи преди. Обществото не беше готово. Следващият въпрос е: как възниква произходът на танцовата култура?

Вече казахме, че танцовото изкуство възниква в дълбините на все по-сложната човешка психика и се превръща във външна проява на потребността на човек от определен вид движения на тялото. С такива нужди ние се срещаме с вас през цялото време. Освен инстинкт и естествени рефлекси, човек има биомеханична памет. Човек не може да живее без движение на мускулите! Ако някой орган по една или друга причина е неактивен за определено време, тогава той неизбежно ще атрофира. Имаме нужда от движение, за да живеем! Всичко в този свят е в постоянно движение, всичко вибрира и се променя. Човекът е дете на този свят и не може да съществува извън обективните му закони. „Нищо не трае вечно”, „Всичко тече, всичко се променя” – казва народната мъдрост. Следователно, човек е бил принуден, освен необходимите производствени движения, слушайки гласа на природата, да прави допълнителни движения, за да поддържа жизнеността си. Изглежда, защо трябва да прави това, тъй като примитивният живот беше физически труден и пълен с опасности, човек вече е получил много физическа активност и очевидно не е страдал от хиподинамия. Но не!

Ние сме същества със сложна и силно организирана психика, нашите чувства и мисли влияят на нашите енергийни полета и затова умственият, духовен заряд е дори по-важен за нас от физическия, тъй като психиката е тази, която контролира всички физически процеси в тялото ни. чрез биоелектрически импулси. Убеден съм, че именно тази нужда от периодично умствено презареждане е инициирала най-ранната потребност на човека от ритмични движения на тялото. Обърнете внимание – не в прости, а в ритмични движения на тялото. Защо така? Да, защото всички наши вътрешни органи, цялото тяло и нервната система са в постоянна вибрация и пулсация, които имат свой ритъм: сърцето бие в определен ритъм, дихателният цикъл също се осъществява строго ритмично и т.н. Затова и психоенергийното зареждане трябва да се извършва ритмично, за да не изпадне в дисонанс с естествените биологични ритми на тялото. В случая не говорим за познати ни танци, а за културата на най-ранните форми на ритмични движения на тялото, придружени от примитивен, най-вероятно гласов и шумов акомпанимент, който може да се класифицира като самото начало на танцовата култура.

Освен всичко друго, слушането на приятна музика и движението за удоволствие произвежда хормона на щастието, който е една от косвените причини за танца.

Самата психика на древния човек става инициатор на танцовото изкуство. Нуждата от себепознание, света, себеизразяване и удоволствие. И представители на култа не пропуснаха възможността, използвайки танца в ритуали. Най-вероятно те са били масивни, което засилва ефекта чрез „ефекта на стадото“. В примитивното общество беше почти невъзможно да не се подчини на този ефект, така че жреците и водачите диктуват правилата.

Първите танци от древността са далеч от това, което днес се нарича тази дума. Те имаха съвсем различно значение. С различни движения и жестове човек предава впечатленията си от заобикалящия го свят, влагайки в тях своето настроение, душевно състояние. Викове, пеене, игра на пантомима бяха взаимосвързани с танца. Самият танц винаги и по всяко време е бил тясно свързан с живота и бита на хората. Следователно всеки танц съответства на характера, духа на хората, от които произлиза. С промяната на обществения строй се променят условията на живот, природата и темите на изкуството, променя се и танцът. Корените му са дълбоко вкоренени в народното творчество.

Танците са били много разпространени сред народите на древния свят. Танцьорите се стремяха всяко движение, жест, изражение на лицето да изразява някаква мисъл, действие, постъпка. Експресивните танци бяха от голямо значение както в ежедневието, така и в обществения живот.

За човек от примитивното общество танцът е начин на мислене и живот. При танци, изобразяващи животни, се практикуват ловни техники; танцът изразява молитви за плодородие, дъжд и други неотложни нужди на племето. Любовта, работата и ритуалът са въплътени в танцовите движения. Танцът в този случай е толкова свързан с живота, че на езика на мексиканските индианци Тарахумара понятията „труд“ и „танц“ се изразяват с една и съща дума. Дълбоко възприемайки ритмите на природата, хората от първобитното общество не можеха да не ги имитират в своите танци.

Примитивните танци обикновено се изпълняват в групи. Кръглите имат специфично значение, конкретни цели: да изгонят злите духове, да лекуват болни, да прогонят нещастието от племето. Най-разпространеното движение тук е тропането, може би защото кара земята да трепери и да се подчинява на човека. В примитивните общества танците на клека са често срещани; танцьорите обичат да се въртят, потрепват и скачат. Скокове и въртене довеждат танцьорите в екстатично състояние, понякога завършващо със загуба на съзнание. Танцьорите обикновено не носят дрехи, но носят маски, сложни шапки и често рисуват телата си. Като акомпанимент се използва тропане, пляскане, както и свирене на всякакви барабани и тръби от естествени материали.

Примитивните племена нямат регламентирана танцова техника, но отличната физическа подготовка позволява на танцьорите да се отдадат напълно на танца и да танцуват с абсолютна отдаденост, до лудост. Танци от този вид все още могат да се видят на островите в южната част на Тихия океан, в Африка и в Централна и Южна Америка.

1.2 Древен Египет, Китай, Индия, Гърция, Рим

Така танцът започна да се развива. В различни страни, култури, но навсякъде имаше място да бъде, освен това играеше важна роля.

Културата на Древен Египет, в която нивото на обществото беше доста високо, беше наситена с музика и танци. Египтяните много обичаха забавленията и нито един празник и нито едно събитие не мина без танци под музикален съпровод. В древен Египет танцовото изкуство е било високо ценено. И въз основа на факта, че тази държава е била изолирана за дълго време поради определено географско местоположение, културата на техния танц се развива самостоятелно и без намесата на други народи и култури. Следователно танците в древен Египет са били специални и не приличат на нищо друго. През дългите години на културно развитие по времето на фараоните възникват голям брой видове хореография: танци за забавление, харем, ритуални, религиозни и дори военни танци.

Важна визуална информация за развитието на танца в древен Египет може да бъде извлечена от йероглифни записи, дървени релефи, изображения, издълбани в камък, скулптура и различни предмети от древни гробници. В Абидос - мястото, където според вярванията на египтяните е бил погребан богът на мъртвите Озирис - по време на лятното слънцестоене се провеждали ритуали с танци и музика. Групи от певци и танцьори живеели в храмовете и участвали в поклонението на боговете. Един от основните празници бил обредът, посветен на бика Апис, с тайни танци, изпълнявани от „слугите” на бика.

Усещането за театралност е било много силно в хората от Древен Египет. Дори храмовите им танцьори изпълняваха акробатични номера, а на релефите се вижда как жена прави шпагат, или жена, която се хвърля във въздуха и след това е вдигната от двама партньори, и мъж, стоящ на един крак и се кани да прави пирует.

Погребалните и церемониалните танци се отличаваха със строгост и простота, но с течение на времето започнаха да се появяват други, по-декоративни видове танци. Робините и робините бяха научени да танцуват за домашно забавление. В Египет бяха доведени танцьори от други страни. Имаше пътуващи трупи от професионални актьори, които разиграваха пантомими, изпълняваха акробатични номера под съпровода на тамбури и кастанети. Известно време танците на черни пигмеи бяха популярни.

В произведенията на древни поети, писатели, художници се срещат имената на танците и техните участници, описани са правилата за изпълнение.

Когато говорим за народни танци в китайската култура, повечето хора веднага се сещат за колоритните танцови съчетания на представители на различни етнически групи, различни от хан. Междувременно от най-древни времена онези племена, които по-късно започнаха да се обединяват с едно общо име - народността Хан, имаха различни форми на ритуални танци. Ранните народни танци в Китай, както и други форми на примитивно изкуство, са били главно ритуална форма на различни суеверия и вярвания. Тези танци се изпълнявали, за да поискат от боговете добра реколта или добър лов.

Много по-късно, по време на династията Хан (206 г. пр. н. е. - 220 г.), се развиват народните танци на повечето от етническите групи, населяващи Китай. Народните танци, които се появяват по това време, също отразяват суеверията и вярванията на хората. Те вярвали, че като правят ритуални приношения на боговете, могат да ги убедят да им осигурят още по-големи ползи в бъдеще.

Основните китайски народни танци са образите и лъвският танц. Първоначално те са били част от културното наследство само на народа Хан, но с течение на времето представители на други етнически групи, живеещи в Китай, започват да изпълняват тези танци. В допълнение към това, една от по-фините форми на китайския народен танц е придворният танц, понякога наричан още дворцов танц. Първоначално възниква в двора на императорите Хан по време на управлението на династията Цин (221 г. пр. н. е. - 206 г. пр. н. е.). Други китайски императори, включително тези с монголски и манджурски корени, продължават да развиват този вид танцово изкуство. Танцът на дракона и танцът на лъва обикновено се изпълняват по време на празненствата на Лунната Нова година.

Въз основа на интерпретациите на индуистката митология, произходът на танца се е случил именно в Индия, а създателят е бог Шива, който, танцувайки, превърна общия хаос във Вселената. Смятало се, че само небесните имат право да танцуват и в никакъв случай простосмъртните. На тържествата в небесния дворец красиви полубожествени танцьори се гърчеха в хорото, радвайки и радвайки всички наоколо. Самият бог Шива се смяташе за най-отличен танцьор, всички други божества имаха честта да му съставят акомпанимент. Танците станаха достъпни за обикновените земни хора едва след като великият мъдрец Бхарата, който спечели правото да посети божествения дворец и да се наслади на спектакъла на танца чрез своите добри дела, се обърна към боговете Брахма и Шива с молба да научи обикновените хора на това изкуство .

В древна Индия танцът се смята за израз на душата, вътрешното състояние в най-висша форма. Поради специалното отношение на индуизма към всяко изкуство като олицетворение на божествената вътрешна красота в човека, изкуството е еднакво приравнено с религията. Ето защо не е изненадващо, че хората от Древен Индостан, много преди да се научат да пишат, четат и създават каменни скулптури, изразяват вярата си в боговете и подчинението си към тях с помощта на движения на тялото. Танцът за индусите в древния свят е бил неразделна част от религиозните обреди и ритуали. Първоначално тези хореографски композиции бяха доста примитивни, но скоро придобиха почти съвършенство. Като цяло се смята, че класическият индийски танц е вид йога форма, която хармонично съчетава духовна енергия и физическа издръжливост. Фактът, че танцът в Древна Индия е бил неразделна част от живота и живота на хората, се потвърждава в многобройни писания, истории на мъдреци и в различни фигурки, изобразяващи танцьори, застинали в сложни пози.

Струва си да се отбележи, че индийските танци не са просто красив набор от различни движения, а пълноценна история на определена история. Тази характеристика е запазена и до днес. Съвременните танцьори използват строго определени стъпки, люлки, движения на ръцете, ръцете и дори поглед, които отразяват определени чувства, действия или дори цели събития. Дори в древна Индия млади и красиви специално подбрани момичета, които все още не са достигнали пубертета, стават съпруги на боговете, на които е посветен храмът. Те изпълняваха танци голи, което беше демонстрация на чувствата им към божеството.

Друга забележителна особеност на танцовата култура на древните индуси е интерпретацията на текстове под съпровод на хореографски стъпки. Всеки танцьор изпълни истории и танци благодарение на своите умения и особен възглед. Това действие беше напълно наситено с едно или друго семантично натоварване и просветлението на другите.

След известно време танците в Индия започват да губят религиозната си същност и още през Средновековието танците се изпълняват главно като придворно забавление и цветно действие. Участниците в танците пеели не боговете, а своите покровители. Съвременният индуистки танц притежава невероятна елегантност, грация и богатство на чувства. Индийската хореография е специална и без аналог в целия свят.

Свещените танци според легендата са пренесени в Гърция от Египет от Орфей. Той ги видя по време на храмовите празници на египтяните. Но той подчини движенията, жестовете на собствения си ритъм и те започнаха да отговарят повече на характера и духа на гърците. Тези танци се изпълняваха под звуците на лирата и се отличаваха със строгата си красота. Празниците, а оттам и танците, често са били посветени на различни богове: Дионис, богинята Афродита, Атина. Те отразяваха определени дни от трудовата календарна година.

Военните танци в древна Гърция са играли голяма роля за внушаването на смелост, патриотизъм и чувство за дълг сред младежите. Обикновено военните, пирови танци се изпълняваха от двама. Имаше такива масови пирии, в които танцуваха само млади мъже, а понякога и момичета танцуваха заедно с младежите. Военните танци възпроизвеждаха битката, различни бойни формирования, това бяха сложни хореографски композиции. В ръцете на танцьорите имаха лъкове, стрели, щитове, запалени факли, мечове, копия, стрели. В сюжетите на героичните танци, като правило, се отразяват митове и легенди за герои.

Танците в чест на гръцкия бог на плодородието и винопроизводството Дионис се отличаваха с неконтролируемо и бурно забавление. Дионисий се празнувал през пролетта, когато лозята започнали да зеленеят и природата оживявала. В пурпурно-златна роба те носеха статуя на Дионис отпред, следвани от кукери: полуголи нимфи ​​и наяди с цветя и лозови листа в пуснати коси и сатири с кози рога в животински кожи. Вероятно Дионисия са били първите маскаради.

Сценичните старогръцки танци бяха част от театралните представления, където всеки жанр имаше свои собствени танци. По време на танците изпълнителите удряха времето с крака, за което обуваха специални железни или дървени сандали, удряха времето с ръце с помощта на кастанети, черупки от стриди, носени на средните пръсти.

По време на упадъка на Римската империя танците и пантомимите се превърнаха в неморални зрелища и бяха третирани с презрение от почтените граждани на Рим. Цицерон и Хорас пишат за танците на римляните в своите трактати.

1.3 Народните танци в Европа от Средновековието до Ренесанса

Средна възраст. Тази ера се характеризира с остро чувство на страх от смъртта; образът на смъртта, подобно на дявола, постоянно се среща в средновековната символика. Образът на танцуващата смърт възниква още в древни времена; фигурата на смъртта се появява и в танците на много примитивни общества. Но именно през Средновековието образът на смъртта се превръща в символ на огромна сила. „Танцът на смъртта“ (danse macabre) е бил особено разпространен в Европа през 14 век, по време на периодите на чума. В социален смисъл този танц, подобно на самата смърт, изравнява представителите на различни класи. През годините на чумата "танцът на смъртта" често се превръща в истерично забавление. Обикновено започваше с бърз танц; тогава един от танцьорите внезапно падна на земята, представяйки мъртвите, а останалите продължиха да танцуват около него, представяйки по пародичен начин траура на мъртвите. Ако мъртвецът е изобразяван от мъж, той се връща към живот от целувките на момичетата; ако е момиче, мъжете я целуват. След „възкресението” последва общ хоровод.

Много истории са дошли от Средновековието за маниакална мания по танца. По време на християнските празници хората изведнъж започват да пеят и танцуват в храмовете, пречейки на църковната служба, която се провежда в тях. Тези луди танци се наблюдаваха във всички страни. В Германия те се наричат ​​„Танцът на Св. Witta", а в Италия - "тарантела".

Танцът беше не само необходимо средство за релаксация, но и основното забавление. Средновековният танц все още беше до голяма степен импровизирано действие. Хората обичаха хорото, но нямаше стабилни танцови правила. Танците бяха приета форма на ухажване; техните изпълнители съпроводиха танца с пеене; движенията бяха най-прости. През XII век. култът към романтичната любов и рицарството до голяма степен трансформира танца, заглушавайки неговите откровено еротични черти. Танците бяха една от обичайните дейности за рицар и действаха като един вид домашен паралел на турнирите на открито. Обикновено танцът се водеше от една двойка, към която се присъединиха и други, бавно движещи се в кръг; видът на този танц в много отношения напомняше полонезата.

В късното средновековие се появява разлика между танца на придворната двойка и танца на селската група. В социално отношение все още не е съществувал твърд вододел. Селяните можели да имитират придворното хоро, а рицарите понякога обичали да се включват в селския хоровод. Селяните танцуваха с необуздана спонтанност, рицарите танцуваха по-строго, следвайки придворния етикет. Народното хоро все още беше импровизирано, докато придворното ставаше все по-кампово. Основната форма на дворцовото изкуство е фигурният танц, където група танцьори последователно формират танцови формации.

От голямо значение за развитието на придворния танц е появата на професионални учители по танци, които не само обучават благородниците, но и действат като арбитри в областта на етикета и маниерите и обикновено оказват голямо влияние върху атмосферата в двора.

Танцът е бил редовна част от религиозните практики в повечето основни религии и е бил често срещан в християнството до 13-ти век. Считаше се за допълнение към музикалното поклонение, било то вокално или инструментално. Социалните събития и светските тържества, които често се свързваха с религиозни тържества, също включваха танци, както и официалните церемонии като кралски посещения и коронации. Но тази физическа проява на радост и похвала не се ограничаваше до специални поводи. Танците също бяха част от ежедневието. Има много съобщения за следобедни танци и използването на танци за създаване на здраво тяло. Това свързваше танците с военни упражнения, повечето от които се правеха на крака и изискваха не само физическа издръжливост, но и ловкост и бърза работа с краката.

В Ренесанса ежедневният танц придобива голямо значение. Не само балове, вечери, но и великолепни улични тържества, понякога достигащи необикновена яркост и блясък, не могат без това. В дворцовите зали на италианските благородници се подреждат театрални интермедии с песни и танци. Танците са в основата на тези разкошни зрелища.

Развитието на театралния танц през Ренесанса се свързва главно със Северна Италия, въпреки че малко по-късно, когато танцът се разпространява в цяла Европа, френските дворове стават източник на неговата изящна стилизация и барокова красота. Управниците на италианските градове-държави обръщали все повече внимание на великолепните зрелища. Постепенно се развива набор от танцови техники с редица задължителни правила. Оживеното селско хоро не подхождаше на придворните дами и господа. Облеклото им, подобно на залите или градините, в които танцуваха, самата структура на мислите им абсолютно не позволяваха неорганизирано движение. За възстановяване на реда и укрепване на дисциплината имаше специални танцови майстори, за които танцът беше олицетворение на сдържаност и изтънченост. Сега в него не беше останало нищо „популярно“; танцът ставаше все по-театрален. Професионалните майстори на танца репетираха предварително отделни па и фигури с благородниците и ръководеха движенията на групи танцьори, докато други придворни бяха зрители.

Развитието на музикалното изкуство през Ренесанса е тясно свързано с развитието на танца, тъй като почти всички големи композитори се фокусират върху танца в своите композиции.

Маскаради, момерии и карнавални шествия, любими забавления през Средновековието, особено разпространени през Ренесанса. Най-вече през Ренесанса те обичат маскарадите, тоест маскираните танци, а маските са от особено значение в тази епоха. Хората, които пожелаха да останат инкогнито, пътуваха с маски; представители на воюващите благороднически фамилии скриха лицата си под маски. Най-яркият пример е Ромео, който влезе в бала Капулет (трагедията на Шекспир „Ромео и Жулиета”).

Карнавалите също имат голям принос за танца като обществено забавление. Най-великолепните от тях бяха така наречените триумфи - представления на митологични сюжети с умело изпълнени декори. Малко по-скромни бяха къритата, маскарадите на занаятчии и търговци в италианските градове, където тълпи от маскирани хора маршируваха зад декоративните символи на своите професии.

Разновидности на средновековния танц.

Бас танц - от фр. basse danse - "нисък танц" - общото име на плъзгащите се "танци без скокове" от 16 век; те се появяват за първи път в бургундския двор. "Low dance" - контрастира с "high dance" (danse haute), който се характеризира с високи скокове и подскачане. Бас танцът бил церемониален танц, подобен на полонеза, т.е. свързан повече с ходене, отколкото с танци като такива. Бас танцът се счита за предшественик на естампи. Танцът може да се изпълнява както в двучастен (обикновено), така и в тричастен метър. Бас танцът се състоеше от три части: самият бас танц, неговото повторение и тордионът – танц на скачане. Басовият танц изчезва през 16 век, изместен от павана.

Естампи (estampie), или estampida - средновековна инструментална форма и танц от Прованс. Средновековните автори споменават стантип, вероятно латинизирано име на estampida. Всеки стантип се състоеше от поредица от „точки“ (puncti): всеки punctum (точка) се състоеше от две части със същото начало (apertum) и различни окончания (clausum). Допълнение към стантипа беше дукцията, която също се състоеше от „точки“, под които танцуваха. Естампи може да се счита за един от основните танци на Средновековието.

Салтарело е енергичен италиански танц в бързо темпо, в тричаст, понякога двучастен метър. Името идва от saltare - "да скача". Saltarello е особено разпространен през 16-17 век, но се среща в английски и италиански ръкописи още през 14 век. През XVI век. Saltarello беше съчетано с бас танц и пасамецо (след тях). Днес салтарелото се танцува в Италия и Испания по същия начин като тарантелата.

Мореска (мориско) е пантомимичен танц, известен още от ранното Средновековие. Танцьорите, в съответствие със силно романтизирания образ на маврите, носеха гротескни костюми със звънчета до глезените; музиката беше доминирана от пунктирани ритми и екзотични тембри. Често лицата на един или повече от танцьорите бяха боядисани в черно. В Европа танцът се разпространява в онези региони, където е имало контакт между мюсюлмани и християни. Европейското море произхожда от Испания, където се споменава още през 15 век.

Courante е танц в двучастен метър, първоначално пантомимичен, известен от 16 век. Постепенно камбанката придобива тричастен метър и през 17 век. започва да се изпълнява в тандем с алемандата (след нея). Характерна особеност на камбанките от XVII век. са чести смени на метър от 3/2 на 6/4 и обратно, което съответства на редуването на двете основни танцови фигури – pas de courante и pas de coupe.

Gigue е английски танц, популярен през 16 век. Името идва или от старофренската дума giguer („да танцувам“), или от староанглийската дума giga (народна цигулка). Първоначално гигата беше в такт 4/4, по-късно gigi бяха съставени в такт 6/8 с прекъснати осми ноти.

Паване - танцът, който открива баловете от 16-17 век, в размер от две части (понякога в три части), който представляваше бавно, величествено шествие. Павана идва от Испания, името му се свързва с думата pavo ("паун"); може би паване е късна форма на бас танц. През 17 век паванът обикновено беше последван от бърз, скачащ галиард. В Италия и Германия padovana (от името на италианския град Падуа) често е действала като синоним на pavanes. Немските композитори в периода след 1600 г. написват тържествени, великолепни композиции, които наричат ​​"павани". Pavanes са композирани и от английските мадригалисти У. Бърд, Дж. Бул, О. Гибънс и Дж. Дауланд.

Галиарда е весел, оживен танц от 16-17 век, отначало доста бърз, по-късно изпълняван в по-сдържано темпо, в три метра. Първоначално съставен от две части, галиардът след това сменя метъра си и се превръща в „чифт“ към паване или пасамецо (изпълнено след тях). Галиард е един от любимите европейски танци от 17-ти век.

Branle е родово име за танци от 16-17 век. В различни провинции на Франция имало различни варианти на трици – Бургундия, Поату, Шампан, Пикардия, Лотарингия, Обара, Бретан. През XV век. бранле завършва басовия танц през XVI-XVII век. се превърна в самостоятелен танц, чиито разновидности бяха комбинирани в сюити. Редът на частите в комплекта бранле е както следва: бранле двойно, бранле просто, бранле весело, монтиране и гавот; редът може да се промени, но гавота винаги идва в края. Бранле често е включван в барокови балети, дори когато самият танц вече е излязъл от употреба.

Бергамаска - танц от XVI-XVII век. в размер 2/4 или 4/4, идват от италианския град Бергамо. Шекспир споменава бергамаската в „Сън в лятна нощ“, така че този танц вече е бил известен в Англия през 16 век. В ръкописите от онова време бергамаска има специфична мелодия, която често е басо остинато (т.е. постоянно повтарящ се бас) с вариации.

Чаконе е испански танц от 16-18 век, близо до пасакалията. Според описанията на авторите от 16-ти и 17-ти век танцът идва в Испания от Западна Индия. В оригиналния си вид, чувствен и темпераментен, чаконата през 17 век. превърната в бавен величествен танц, музикално - с вариационно развитие на базата на basso ostinato.

Allemande - от фр. allemand - "немски" - танц от 16-18 век, както подсказва името му - от немски произход. Подобно на паване, алемандата е танц с умерено темпо в два такта. Този спокоен танц обикновено беше последван от оживен тритактов звън.

В епохата на Ренесанса светските забавления, капка по капка, стават все по-изискани и изискани. Елементи на театъра и танца проникнаха както в старите, така и в младите сфери на живота на феодалите - понякога пиршествата в замъците приличаха на театрално представление: в средата на сервирането на отделни ястия, поканени артисти и музиканти играеха малки танцови и пантомими сцени, пееха арии и свири на музикални инструменти. До 15-ти век танците се промениха малко - станаха по-сложни, станаха по-силни, по-бързи и по-подвижни, днес се изпълняваха скокове и дори леки повдигания - рано или късно една дама с помощта на джентълмен се издига във въздуха. Появиха се много нови танци, всеки имаше определени движения (pa). Освен това беше необходимо да ги познаваме - както танците, така и движенията - по същия начин като правилата на етикета.

Така танцът се превърна в това, което наричаме балет или класически танц. Нека разгледаме по-отблизо неговата история.

2. Ерата на балета в чужбина и в Русия

2.1 Балет на Запад

През петнадесети век, в самия край на Средновековието, се появява интерес към древна Гърция към културата, което води до такава концепция като Ренесанса. По време на Ренесанса приоритетите в културния живот се променят и танцьорите се свързват с идеални хора. Балетът се ражда, подобно на самия Ренесанс в Италия. Самото име "балет" също е тясно свързано с Италия, защото бало означава танц. В дворците се поставяха представления за местното благородство, а танцьорите украсяваха това театрално представление. В най-ранните етапи на балета, в края на представлението, се включи публиката. Разбира се, в сравнение със съвременния балет, през Средновековието хореографията е много по-слаба. Основните движения се състояха от стъпки, базирани на придворни танци. Това се обяснява и с факта, че имаше много малко хора, които биха могли да се считат за хореографи.

Благодарение на Катрин де Медичи, италианка, която се омъжи за френския крал Хенри II, балетното изкуство започва да се разпространява извън Италия. Тя изцяло подкрепяше и финансираше производството на танцови представления. По принцип представленията бяха поставени на добре познати държавни събития, например пристигането на полски посланици. По-късно балетът е изцяло подкрепен от френските и италианските монарси и започват да се създават специални театри, които да играят за пари пред обикновени зрители.

В началото беше като танцова сцена, обединена от едно действие или настроение, епизод от музикален спектакъл, опера. Взаимстван от Италия, придворният балет процъфтява във Франция като великолепен тържествен спектакъл. За началото на балетната ера във Франция и по целия свят трябва да се счита 15 октомври 1581 г., когато във френския двор е изнесен спектакъл, който се счита за първия балет - "Комедийният балет на кралицата" (или " Cerce“), поставена от италиански цигулар, „главният интендант Музика“ от Балтазарини де Белджиозо. Музикалната основа на първите балети са придворни танци, които са част от старата сюита. През втората половина на 17 век се появяват нови театрални жанрове като комедия-балет, опера-балет, в които значително място се отделя на балетната музика и се правят опити за драматизирането й. Но балетът се превръща в самостоятелен вид сценично изкуство едва през втората половина на 18 век благодарение на реформите, извършени от френския хореограф Жан Жорж Новер (особено важно е неговото произведение „Писма за танца“). Въз основа на естетиката на френското Просвещение той създава спектакли, в които съдържанието се разкрива в драматични изразителни образи, утвърждава активната роля на музиката като „програма, която определя движенията и действията на танцьора”.

Основателят, родоначалник на балета е и Луи XIV, Кралят Слънце, който обичаше да танцува. На дванадесетгодишна възраст (1651) той дебютира в т. нар. „ballets de cour” – придворни балети, които се поставят ежегодно по време на карнавала.

Карнавалът на бароковата епоха не е просто празник и забавление, а възможност за игра в „обърнатия свят“. Например, кралят за няколко часа се превърна в шут, художник или шут, в същото време шутът може да си позволи да се появи под формата на крал. В едно от балетните представления, наречено "Балетът на нощта", младият Луи има възможност да се появи за първи път пред своите поданици под формата на Изгряващото слънце (1653), а след това и Аполон - Богът на слънцето (1654 г.).

Когато Луи XIV започва да управлява самостоятелно (1661), жанрът на придворния балет е поставен в услуга на държавните интереси, помагайки на краля не само да създаде своя представителен образ, но и да управлява придворното общество (въпреки това, подобно на други изкуства). Ролите в тези постановки са разпределени само от краля и неговия приятел, граф дьо Сент-Айнян.

През 1661 г. Луи XIV основава първата балетна школа в света – Кралската академия за танци. Ръководител на училището е Люли, който определя развитието на балета за следващия век. Тъй като Лули е композитор, той решава зависимостта на танцовите движения от изграждането на музикалните фрази, а естеството на танцовите движения - от естеството на музиката. В сътрудничество с Молиер и Пиер Бошан, учителя по танци на Луи XIV, са създадени теоретичните и практически основи на балетното изкуство. Пиер Бошан започва да създава терминологията на класическия танц. И до днес термините за обозначаване и описание на основните балетни позиции и комбинации се използват на френски език.

По-нататъшното развитие и разцвет на балета пада върху ерата на романтизма. Още през 30-те години на XVIII век. Френската балерина Камарго скъси полата си и изостави токчетата, което й позволи да въведе чехли в танца си. До края на XVIII век. балетният костюм става много по-лек и свободен, което до голяма степен допринася за бързото развитие на танцовата техника. Драматизацията на балета изисква развитието на балетната музика. Бетовен в своя балет „Творенията на Прометей“ (1801) прави първия опит за симфонизиране на балет. Романтичната посока се утвърждава в балетите на Адам Жизел (1841) и Корсар (1856). Балетите на Делиб Копелия (1870) и Силвия (1876) се считат за първите симфонични балети. В същото време се очертава и опростен подход към балетната музика (в балетите на К. Пуня, Л. Минкус, Р. Дриго и др.), като мелодична музика, ясна в ритъма, служеща само като акомпанимент на танца .

В края на 18 век се заражда ново течение в изкуството - романтизмът, който оказва силно влияние върху балета. Опитвайки се да направят танца си по-въздушен, изпълнителите се опитаха да застанат на върха на пръстите си, което доведе до изобретяването на пуантите. В бъдеще техниката на пръстите на женския танц се развива активно. Първата, която използва танца на пуант като изразно средство, е Мария Талиони. Танцьорката изостави тежките тоалети, присъщи на балета, перуките и грима, танцувайки само в скромна лека рокля. В Парижката Гранд Опера през март 1832 г. се състоя премиерата на балета Силфида, която бележи началото на ерата на балетния романтизъм. Тогава Талиони представи балетна пачка и пуант. Преди Мария хубави балерини покориха публиката с виртуозна танцова техника и женствен чар. Талиони, в никакъв случай красавица, създава нов тип балерина – духовна и мистериозна. В La Sylphide тя въплъщава образа на неземно същество, олицетворяващо идеал, недостижима мечта за красота. В плавна бяла рокля, излитаща с леки скокове и замръзнала на върха на пръстите си, Талиони стана първата балерина, която използва пуант и ги направи неразделна част от класическия балет. По това време се появиха много прекрасни балети, но, за съжаление, романтичният балет беше последният разцвет на танцовото изкуство на Запад. От втората половина на 19 век балетът, загубил предишното си значение, се превръща в придатък към операта. Едва през 30-те години на миналия век под влиянието на руския балет започва възраждането на тази форма на изкуство в Европа.

2.2 руски балет

Несъмнено руският балет ще остане в историята от векове. Пълно е с танцови гении, балетна класика, хореографи и неокласическо, модерно, но това не е темата на нашата работа, така че нека подчертаем най-важните събития, които развиха руската „класика“ и я популяризираха в света.

Първото балетно представление в Русия, според И. Е. Забелин, се състоя на Масленица на 17 февруари 1672 г. в двора на цар Алексей Михайлович в Преображенски. Райтенфелс датира това представление на 8 февруари 1675 г. Постановката на балета за Орфей от композитора Г. Шуц е режисирана от Николай Лима. Преди началото на представлението актьор, изобразяващ Орфей, излезе на сцената и изпя немски куплети, преведени на царя от преводач, в които бяха възхвалявани красивите свойства на душата на Алексей Михайлович. По това време от двете страни на Орфей имаше две пирамиди, украсени със знамена и осветени с разноцветни светлини, които след песента на Орфей започнаха да танцуват.

По-късно, със специален указ на император Петър Велики, танците стават неразделна част от придворния етикет. През 1730 г в Санкт Петербург, в двора на Анна Ивановна, се организираха редовни представления на оперни и балетни представления. Танцови сцени в опери са хореографирани от J. B. Lande и A. Rinaldi (по прякор Fossano). Благородните младежи бяха задължени да се научат на танци, така че в Санкт Петербург балните танци станаха задължителна дисциплина в дворянския кадетски корпус. С откриването на летния театър в Лятната градина и на зимния театър в крилото на Зимния дворец кадетите започват да участват в балетни танци. Инструктор по танци в сградата беше Жан-Батист Ланде. Той добре съзнаваше, че благородниците няма да се посветят на балетното изкуство в бъдеще, въпреки че танцуваха в балети заедно с професионалисти. Ланде, като никой друг, видя нуждата от руски балетен театър. През септември 1737 г. той подава петиция, в която успява да обоснове необходимостта от създаване на ново специално училище, където момичета и момчета от прост произход да изучават хореографско изкуство. Скоро беше дадено такова разрешение. Така през 1738 г. е открито първото училище за балетни танци в Русия (сега Академията за руски балет на А. Я. Ваганова). Дванадесет момичета и дванадесет стройни млади мъже бяха избрани от дворцовите слуги, които Ланде започна да обучава. От 1743 г. бившите ученици на Ланде започват да получават заплати като балерини. Училището много бързо успя да даде на руската сцена отлични кордебалети и отлични солисти. Имената на най-добрите ученици от първия набор останаха в историята: Аксиня Сергеева, Авдотя Тимофеева, Елизавета Зорина, Афанасий Топорков, Андрей Нестеров.

В началото на 19 век руското балетно изкуство достига своята творческа зрялост. Руски танцьори внесоха изразителност и духовност в танца.

Балетът по това време заема привилегировано положение сред другите видове театрално изкуство. В историята на нашия балетен театър често се срещат имената на чуждестранни майстори, изиграли значителна роля в развитието на руския балет. На първо място, това са Шарл Дидело, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Те помогнаха за създаването на руската балетна школа. Но талантливите руски художници също дадоха възможност да разкрият талантите на своите учители. Това неизменно привличаше най-големите хореографи на Европа в Москва и Санкт Петербург. Никъде по света не можеха да срещнат толкова голяма, талантлива и добре обучена трупа, както в Русия. В средата на 19 век реализмът идва в руската литература и изкуство. Хореографите трескаво, но безуспешно, се опитваха да създават реалистични представления. Те не са взели предвид, че балетът е условно изкуство и реализмът в балета се различава значително от реализма в живописта и литературата. Започна кризата на балетното изкуство. Съдържанието на изпълненията беше примитивно, неусложнените сюжети служеха само като извинение за зрелищни танци, в които артистите демонстрираха своите умения. За танцьорите основното беше усъвършенстването на формата и техниката на класическия танц и в това те постигнаха виртуозност. Нов етап в историята на руския балет започва, когато великият руски композитор П. Чайковски за първи път композира музика за балета. Беше Лебедово езеро. Преди това балетната музика не се приемаше сериозно. Тя се смяташе за най-ниската форма на музикално творчество, просто за съпровод на танци. Благодарение на Чайковски балетната музика се превръща в сериозно изкуство наред с оперната и симфоничната музика. Преди това музиката беше изцяло зависима от танца, сега танцът трябваше да се подчинява на музиката. Необходими бяха нови изразни средства и нов подход за създаване на представление. По-нататъшното развитие на руския балет е свързано с името на московския хореограф А. Горски, който, изоставяйки остарелите техники на пантомима, използва техниките на съвременната режисура в балетно представление. Придавайки голямо значение на изобразителното оформление на представлението, той привлича към работа най-добрите художници. Но истинският реформатор на балетното изкуство е Михаил Фокин, който се разбунтува срещу традиционното изграждане на балетно представление. Той твърди, че темата на представлението, неговата музика, ерата, в която се развива действието, всеки път изискват различни танцови движения, различен танцов модел. При постановката на балета „Египетски нощи“ Фокин е вдъхновен от поезията на В. Брюсов и древноегипетски рисунки, а образите на балета „Петрушка“ са вдъхновени от поезията на А. Блок. В балета „Дафнис и Хлоя“ той изоставя танците на пуант и в свободни, пластични движения възражда антични фрески. Неговата "Шопениана" възроди атмосферата на романтичния балет.

...

Подобни документи

Историята на появата и развитието на придворния бален танц: полонез, кадрил, галоп, pas de patiner („модерна полка“), pas de Grace, chaconne, cotillon. Изследване на историята на балните танци през 20-ти век: европейски и латиноамерикански бални танци.

курсова работа, добавена на 27.10.2010


Историята на развитието на танца като много специален вид изкуство. Танцът е една от най-ефективните форми на магически (свещен) ритуал. Магически танц вчера и днес, пози и пози. Символика на танца. Основни положения и понятия. История на коремния танц.

резюме, добавен на 28.04.2011


Историята на създаването на грузинския фолклорен танцов ансамбъл. Еволюция и реформа на грузинския танц, националният характер на балета. Грузински фолклорен танцов ансамбъл на съвременен етап. Ансамбъл за народни песни и танци "Ерисини", грузински полифонични мелодии.

резюме, добавено на 12.07.2010 г


Определение на танца, неговите направления и видове. Кратко описание на творческия път на балетист Игор Моисеев. Народни сценични танци. Спецификата на хореографското показване на действителността. Ролята на вълшебния танц в образованието на академичността при децата.

резюме, добавен на 04.08.2009


Произходът на ориенталския танц като сливане на човешкото тяло с музика. Сравнителна оценка на различни стилове коремни танци: египетски, ливански, турски, персийски, арабски, гръцки, американски. Изпълнение на танц с шал, чинели и саби.

тест, добавен на 28.04.2012


Предистория и причини за възникването на балните танци в Русия, развитието му на руска земя. Модерните бални танци като синтез на спорт и изкуство. Особености на работата на учителя с различни категории ученици. Влиянието на танца върху развитието на личността.

курсова работа, добавена на 25.06.2011


Джазът като художествено явление. Развитието на джаз танците през 30-50-те години. XX век. Основните разновидности на джаз танца. Развитието на джаза през 60-те години. Появата на джаз модерния танц. Значението на импровизацията в джаз танца. Същност и особености на техниката на джаз танца.

резюме, добавен на 16.05.2012


Класически, народни, характерни, исторически и битови, бални и вариететни танци. Произход на съвременния руски балет. Професионализиране на руския народен танц. Появата на театралния танц в Русия. Началото на хореографското образование в Русия.

резюме, добавен на 20.04.2015


Балет и разновидности на сценични танци. Създаване на хореографски образ на сцената. Танцови техники и стилове от XX-началото на XXI век, формирани на базата на американски и европейски танци Модерен и танцов постмодерн. Безплатен пластичен танц.

презентация, добавена на 16.10.2014


Шаманският танц като предпоставка за възникването на алтайския танц, историята на неговото развитие. Ролята на фолклорните групи в превода на национални традиции. Танцов театър "Алтам" като първата професионална група за хореографско изкуство на Република Алтай.

Министерство на културата на Руската федерация

Министерство на културата на Свердловска област

GOU SPO Свердловска област

Азбестов колеж по изкуствата

Хореографско представление „Свързани“

Финална квалификационна работа

Изпълнител:

Хазова Дария Алексеевна,

студент 4-та година

хореографски отдел

________ ____________

дата подпис

Квалификационна работа Научен ръководител:

Допуснат до защита Ляшченко Н.А., учител

Глава отделение на хореографския отдел на хореограф

творчество творчество

________ ________________ ______ ________________

дата N.A. Lyashchenko дата подпис

Азбест 2015 г

Глава 1. Обосновка на избора на хореографска постановка………..……….3

1.1. Историята на създаването на танца, стила………………………………………….…..3

1.2. Източници и мотивация за избор на тема на продукцията………….13

Глава 2. Музикален и хореографски сценарий……………………………………..16

2.1. Идеологически и тематичен анализ……………………………………………………..16

2.2. Творческата концепция на продукцията……………………………………………….17

Глава 3. Практическа значимост…………………………………………………………...24

Източници на информация…………………………………………………………26

Приложения…………………………………………………………………………………27

Глава 1. Обосновка на избора на хореографска постановка

"обвързан"

Историята на създаването на модерния танц

Модерният танц е самостоятелна форма на изкуство, където движенията, музиката, светлината и цветовете се съчетават по нов начин, където тялото наистина е придобило своя пълнокръвен език. Модерният танц убеждава хората, че изкуството е продължение на живота и самореализацията.

Модерният танц е относително, моментно понятие. Всеки период от време има своя собствена музикална култура, която поражда нови видове танци. Всеки танц може да се нарече модерен, но за времето си. Така че модерният танц е модерен танц, модерен и актуален за времето си. Целта на съвременния танц е да изрази чувствата и настроенията на човек. Това е доста свободен, гъвкав танцов стил, който няма ясни стандарти. Хореографите, опитвайки се да предадат мислите и чувствата на хората, са в постоянно търсене и измислят нови движения, често смесвайки различни техники, стилове и посоки.

Модерният танц има своите корени в класическия балет. От една страна, модерният танц е създаден като реакция срещу формалните, строги ограничения на класическия балет (например, акцентът в този стил пада върху свободните, изразителни движения, което не е случаят в класическия балет, в който всичко е подчинено според определени правила), от друга страна, съвременният танц е погълнал много от движенията и стъпките от класическия балет, които са влезли в репертоара на съвременния танц.

Причината за възникването на модерното направление хореография е кризата на класическата балетна школа в началото на 20 век. Танцьорите от онова време се нуждаеха от нови техники, за да изразят нови идеи за човешката свобода, далеч от традициите на класическия танц.

Концепцията на модерния танц се крие в свободата и изразителността на движенията, които предоставят невероятна възможност да изразите чувствата си в най-ярките цветове.

През 20-ти век се появяват много различни направления, модерният танц включва такива области като: модерен танц, контактна импровизация, джаз модерен, съвременен танц, свободна пластика, заключване, поп заключване, брейкденс, хип-хоп, джаз, фънк и много други .

Идеите на модерния танц са предвидени още през 1830 г. от известния френски учител и теоретик на сценичните движения Франсоа Делсарт, който изучава връзката между глас, жест и емоция. Той твърди, че само жест, освободен от конвенции и стилизация, е способен да предаде вярно всички нюанси на човешките преживявания.

Праисторията на модерния танц започва в началото на 20-ти век, трите музи на ранния модерен танц в Америка са Айседора Дънкан, Рут Сейнт Денис и Лой Фулър. Те създават свои собствени школи за модерен балет – изкуство, свободно от условности. Импровизацията и свободната хореография са основният принцип на модерното танцово изкуство. Те съчетават философия, драматургия, водевил и антична история в танците си по различни начини, което послужи като отправна точка за създаване на основите на съвременния танц. 20-ти век донесе много нови танцови видове и стилове, най-известните от които са буги-вуги, джаз танци, блус, чарлстън, рок енд рол, макарена, степ, ламбада, латиноамерикански танци. В края на 20-ти век се разпространяват диско танците, хип-хопът, брейкдансът, хъстъл, крамп, тектоника, ритъм енд блус и други.

Айседора Дънкан и няколко нейни съмишленици решиха да оспорят традиционната хореография. Откриват свои училища, където преподават основите на съвременния балет. Основната идея на това танцово направление беше свободната хореография, базирана на импровизация и изразяване на собствени емоции. Общопризнатият основател на модерния танц е Айседора Дънкан. Тя започва своята дейност в края на 19 век. Айседора Дънкан е новатор и реформатор на хореографията, която в своите танци, освободени от формалистичните класически балетни форми, даде пластично въплъщение на музикалното съдържание. Тя контрастира класическата балетна школа със свободния пластичен танц. Използвала е древногръцка пластмаса, танцувала е в туника и без обувки. Един от първите, които използват симфонична музика за танци, включително Шопен, Глук, Шуберт, Бетовен, Вагнер. Айседора мечтаеше да създаде нов човек, за когото танците биха били нещо повече от естествено. С танца си тя възстанови хармонията на душата и тялото. Тя отвори танца към хората в най-чистия му вид, „самоценен само по себе си”, изграден по законите на чистото изкуство. В хармоничното танцово изкуство на Айседора Дънкан желанието за хармония и красота е изразено в идеална форма. Започвайки от музиката, тя се задвижи към хармоничния канон и затова се превърна в главен и единствен основател на целия танцов модерен. Дънкан е постигнал перфектно съвпадение на емоционалната изразителност на музикалните и танцови образи. Движението се ражда от музиката, а не го предшества. Езикът на танците на Дънкан беше езикът на естествените, изразителни, свободни движения. Необичайно експресивна и музикална, Айседора използва свободни, освободени движения на тялото в своите импровизационни танци. Главният бог Дънкан беше естествеността. В свое име тя отрече техника, изтощително упражнение. Художествената практика на Дънкан изумява съвременниците с невероятно сливане на света на емоционалните преживявания, пластичността и музиката.

Второто поколение в областта на модерния танц са такива хореографи като: Марта Греъм, Дорис Хъмфри, Чарлз Вайдман, Хелън Тамирис, Ханя Холм. Тяхната заслуга се крие преди всичко във факта, че всеки от тях беше не само брилянтен хореограф и изпълнител, но и учител, създал своя система за обучение на танцьори. М. Греъм е първият учител, хореограф и изпълнител, който последователно създава танцова система. Успехът на нейната група вече е донесен от първите продукции в Ню Йорк през 1926 г. „Еретик“ и „Примитивните мистерии“. Греъм създава представления, базирани на легендарната епична тема, върху сюжетите на древната и библейската митология. На първо място, тя се стреми да създаде драматичен език на танца, способен да предаде целия комплекс от човешки преживявания. Вторият най-важен хореограф и учител е Дорис Хъмфри. Обръщайки голямо внимание на пластичната финес и техничност на танца, Дорис Хъмфри в същото време се противопоставя на красотата и изискания танц на Сен Дени. Творчеството й е повлияно от фолклора на американските индианци и негри, както и от изкуството на Изтока. Тя е първата в Съединените щати, която преподава танцова композиция и обобщава опита си в книгата The Art of Dance.

През 50-те години на миналия век започва да създава третото поколение. След Втората световна война младите изпълнители и хореографи са изправени пред доста остър въпрос: да продължат традициите на по-старото поколение или да търсят свои собствени начини за развитие на танцовото изкуство. Някои от хореографите напълно изоставиха опита на предишните поколения и се гмурнаха с глава в експеримента. Много от тях отричаха обичайното сценично пространство и пренасяха изпълненията си по улиците, парковете и т.н., отричаха формата на представлението, въвличайки зрителя в театралното действие. Промени се отношението към костюмите, музиката и другите компоненти на театралното действие. Много хореографи напълно са изоставили музикалния съпровод и са използвали само ударни инструменти или шумове. Композиторите често стават съ-създатели на хореографа, създавайки музика едновременно с движението. Един от тези, които продължиха традициите на предишното поколение, беше Хосе Лимон. Неговата хореография е сложен синтез на американския модерен танц и испанско-мексикански традиции с остри контрасти на лирично и драматично начало. Героите се изобразяват в моменти на най-високо напрежение, изключително духовно издигане, когато подсъзнанието ръководи действията им. Най-голяма популярност печелят спектаклите му "Паванът на мавра", "Танци за Айседора", "Меса на военните времена". Мърс Кънингам несъмнено беше духовният „баща“ на хореографския авангард. Той беше един от онези, които тръгнаха по своя път и основаха собствена танцова школа. Изпълненията му удивиха с неочакван подход към движението. Кънингам гледа на представлението като на съюз от независимо създадени, независими елементи. М. Кънингам вярвал, че всяко движение може да бъде танц, а композицията на танца е изградена според законите на случайността. Основната задача на хореографа е да създаде моментна хореография, в която всеки изпълнител има свой собствен ритъм и движение. Точно като М. Греъм и Д. Хъмфри, М. Кънингам създава своя собствена техника и школа за танци. Така до началото на 70-те години на ХХ век се развиват няколко основни танцови школи – модерни: техниката на М. Греъм, Д. Хъмфри и Х. Лимън, техниката на М. Кънингам. В същото време се развива и подобрява системата на джаз танца.

Джаз танцът се развива от танците на африканските племена. Джаз танцът е пренесен в Америка от роби от Африка през 17-ти и 18-ти век. Веднъж в Америка, те бързо възстановиха своите празници и обичаи и се адаптираха: вместо барабани, използваха пляскане с ръце и удряне на ритъма с краката си. В продължение на няколко века имаше сливане на две култури, африканска и американска, и в резултат на това се появи уникален запалителен танц. През 20-те години. През 20-ти век джаз музиката и танците придобиват огромна популярност. На сцената започват да се изявяват професионални танцьори, които внасят нови техники в джаз стила и започват да преподават джаз на други. В същото време джазът беше обогатен с елементи на европейски танци.

През 40-50-те години. популярната музика претърпя значителни промени, а танцът се промени с нея. През този период се появяват стилове на съвременния джаз. Днес има много стилове джаз, които танцуват на различни видове музика. Но всички тези стилове съчетават енергични и ритмични движения. Ритъмът и координацията са най-важните аспекти на джаз танца. Характерна особеност на джаза е синкопирането - акцентират се не само силните удари на бита, но и слабите бийта на бита. Джаз танцът често използва движенията на бедрата и таза, те придават на танца специална изразителност. Изолираните движения са основната характеристика на джаз танца. Естествено, учители и хореографи все повече синтезират различни техники и стилове на танци в своите уроци и изпълнения. Първият учител и хореограф, който съчетава техниките на съвременния танц и джаз танца в своето творчество е Луиджи (Юджийн Луис), който синтезира техниката на класическия танц и джаза. Гус Джордано през 1966 г. публикува първия учебник по съвременна джаз техника. Постепенно интересът към съвременния джаз танц нараства, американските учители провеждат първите семинари. Така до началото на 70-те години възниква нова посока - модерен джаз. Джаз танцът, преминавайки от ежедневния, фолклорен танц през сценичен, театрален, постепенно се превръща в специален вид танцово изкуство и завладява цяла Европа.Тази школа е завладяла много страни по света, тя ви позволява да образовате тялото на танцьора в най-изчерпателният начин. Джаз танцът непрекъснато се променя, отчасти поради това. Че танцьорите могат да внесат свои собствени движения в танца, а също и защото джазът се танцува на голямо разнообразие от музика. В момента има видове джаз: класически джаз или традиционен. Това са ранни форми на джаз танц, изпълняван от африканци.

Afrojazz е опит да се свърже днешният джаз с неговия африкански прародител. Получи името си от името на улицата в Ню Йорк, където се намират много театри.

До края на 60-те години джаз танцът твърдо заема своето място в редица области на съвременната хореография и в същото време започва процесът на сливане на основните школи на модерната хореография. Първият учител и хореограф, който съчетава техниките на съвременния танц и джаз танца в своето творчество е Джак Коул Луиджи (Юджийн Луис), който синтезира техниката на класическия танц и джаза. Гус Джордано през 1966 г. публикува първия учебник по техниката на съвременния джаз танц. Интересът към съвременния джаз танц постепенно нараства в Западна Европа, американските учители провеждат първите семинари.

През 70-те години на 19 век стилове на улични танци като заключване, брейкденс, хип-хоп стават популярни в Америка, през 90-те стилове като фънк, крамп. В самото начало тези танци имаха спонтанен характер: младите хора, събирайки се заедно, организираха свои собствени танцови състезания, наричайки ги битки. След това те започнаха да се подготвят за битките предварително, канейки зрители и групи за подкрепа. В наши дни подобни състезания вече се провеждат на международно ниво на различни места на нашата планета.

Заключване - технически, заключването е много близко до своя родоначалник на хип-хопа, така че много елементи са заимствани от там - резки и интензивни движения, различни хвърляния и ръкостискане, скокове от различни видове и нива. Заключването е синтез на движение и неподвижност.

Хип-хопът е културна тенденция, възникнала сред работническата класа в Ню Йорк в края на 70-те години. Това е танцов стил, на основата на който се изгражда целият съвременен речник на клубните танци. Весел и енергичен, неагресивен танц, базиран на техниката на "люлеене" на тялото, скокове, комбинация от малки движения с ръце и крака. Музиката се откроява с разчупен, динамичен ритъм на средна скорост с кратки вложки от инструменти.

Breakdance – първата част представя т.нар горно прекъсване, който има практически безкрайни възможности, ограничени само от въображението на изпълнителя или екипа от изпълнители. В него можете напълно и широко да се разкриете, като импровизирате както в движение, така и преди представлението, създавайки и измисляйки нови елементи и движения. Движенията в тази посока изискват известна подготовка от танцьора и се отличават със спецификата на изпълнение и имитират необичайни видове движения за човек в ежедневието: механични с фиксиране в определени точки, или артикулирани, подобни на движенията на играчки с часовников механизъм, също и имитация на роботизирани движения или движения на гумени крайници. Втората основна част, наречена счупване, наричан понякога долния брейк денс, ни се струва, както беше посочено по-горе, като активен, енергичен и изисква прилична физическа подготовка от изпълнителя. Долната пауза изглежда много впечатляваща и е изпълнена с акробатични елементи.

Crump е развитие на стила "Clowning" или "Clown Dance". Неговата отличителна черта е силата и силата на изпълнителя, насочена към освобождаване на танцьора от негативната енергия, чрез изпръскване на емоциите му от сцената. Танцът на клоуна е създаден в началото на 90-те от Томас Джонсън или Томи Клоуна. През 1992 г. Джонсън започва да комбинира различни местни танцови елементи и да създава уникален, гъвкав стил, който също му помага да преследва собствената си кариера като клоун за деца. Кръмп танцьорите взаимодействат повече помежду си и работят с теглото на партньора. Изпълнители като Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, използвайки krumping в своите видеоклипове, направиха танца известен по целия свят.

Контактната импровизация се появява през 1972 г. Контактната импровизация е танц, при който импровизацията се изгражда около точката на контакт с партньор. Контактната импровизация е форма на свободен танц. Американецът Стив Пакстън се смята за основател на школата за контактна импровизация. Като хореограф и танцьор той изучава съвременни и класически танци, прави гимнастика и айкидо, а също така отделя много време на изследване на танцовата импровизация. При контактната импровизация движението следва изместването на допирната точка между телата на партньорите. Движението преобладава при контакт на две тела, търсенето на взаимни пространствени траектории при взаимодействие с тежестта на тялото. Танцът се ръководи от чувствата на партньорите, намерението им да поддържат или не поддържат физически контакт и да продължат търсенето на взаимна подкрепа.

Hustle е танц по двойки, базиран на импровизация и "водене".

В превод от английски hustle "hustle, crush." Това е колективно наименование за танцуване под диско музика, популярна през 80-те години на миналия век, като диско лисица, диско суинг и бъркотията.
Това е „социален“ танц - тоест, той е основно изключително прост, танцува в четири броя (диско-лисица за три) на почти всяка музика, не изисква дълго обучение и позволява на всеки, който иска да танцува след малко практика.

Колкото по-богата и разнообразна става музиката с появата на нови електрически музикални инструменти, толкова повече се появяват различни музикални направления, а с тях и различни стилове на танци. В края на 80-те и началото на 90-те години някои стилове придобиха популярност с появата на видеоклипове. Творчеството на Майкъл Джексън, който тогава беше наричан крал на поп музиката и крал на танца, даде началото на нов тип изпълнение - "а ла Джаксън". Най-известните му клипове от албумите "Thriller", "Bad", използват движенията на диско, брейк, хип-хоп.

През 20-ти век се появява терминът "вариете танц" - това е продукт на светската история на изкуството, отразява преди всичко мястото, където влиза изпълнителят. Тоест не театрална сцена, а платформа за вариете или концертна зала. Понятието „естратен танц“ включва и стилизации на народни танци, спортни танци, демикласика, танци в стиловете битова хореография, степ, в момента на сцената виждаме доста изпълнения, решени чрез джаз денс или модерен танц. По този начин понятието "естратен танц" обединява доста области на хореографското изкуство. В момента обаче в много университети и институти за култура и изкуство са отворени катедри по точно „естрадно“ танц. За съжаление, нищо не може да се направи за това терминологично объркване.

Може да се каже с пълна увереност, че 20-ти век беше истински творчески пробив в хореографията и своеобразна революция в културата на танца.

Обобщавайки, можем да кажем, че съвременният танц е относително, моментно понятие и всеки период от време има своя собствена музикална култура, която поражда нови видове танци. Съвременните танцови стилове обаче имат доста разнообразни елементи, което ги прави по-демократични и достъпни за хора с определени ограничения в пластичността и гъвкавостта.

Хореографският спектакъл „Въже” е поставен на базата на направлението модерен танц – свободна пластика.

Разхлабена пластмаса- движение, възникнало в началото на ХХ век за освобождаване от рамката на класическия танц и сливане на танца с живота. В този стил са формулирани принципите, на които се основават модерният и джаз-модерният танц, съвременната и дори контактната импровизация. Изидора Дънкан стана основател на безплатната пластмаса.

Един от идеологическите източници на свободния танц е движението за физическо съвършенство, еманципация на тялото, отричане на рамки и граници, смесване на танцови направления и стилове. Основателите на свободния денс вярваха, че всеки може и трябва да танцува и че танцът ще помогне на всеки да се развие и промени живота си. Безплатната пластмаса винаги е еманципация, себеизразяване, „полет“, тя е специално отношение към себе си, тялото си, специален начин на мислене. Свободната пластичност ви позволява да бъдете едновременно спонтанни и съзнателни; дава възможност за изява в творчеството, да се усети радостта от движението, хармонията на тялото с музика и ритъм. Свободната пластичност е направление в съвременната хореография. Един вид сценичен танц, в който по невероятен начин се съчетават елементи от джаз хореография, модерен стил и класическа танцова техника.

1.2. Източници и мотивация за избор на тема на хореографския спектакъл "The Bound"

Темата на сюжета на хореографския спектакъл "The Bound" е базиран на късометражния филм "Въже". Краткият сюжет на филма (по-скоро дори скечове) е следният: млад мъж и момиче „се вразумяват“ насред улицата, те са вързани гръб до гръб с въже и не могат да се освободят. Момичето се съпротивлява, а момчето върви по предвидения път. Минувачите, които срещат, показват различни реакции на ситуацията им: някои игнорират, други се подиграват. Последният срещнат ги развързва, той гали лицето на момичето и я развързва. Освен това момичето осъзнава какво се е случило и разбира, че не може да бъде без млад мъж. Младият мъж, когато бил развързан, искал да удари освободителя, но просто го изгонил, върнал се при момичето и заедно започнали да се връзват отново с въже.

Всъщност този филм е метафора. Въжето, като символ на взаимоотношенията, някаква несъзнателна или съзнателна зависимост в отношенията с половинката - точно това е основната тема на този филм.

Подобна символика често се среща в киното, а в литературата, в писането на песни на съвременните музиканти, белезници, вериги, окови могат да бъдат вариация на въжето. Подобни сюжети се срещат и в митологията на Платон: идеални същества с четири ръце, четири крака и две глави, които са били разделени от създателя и които цял живот търсят своята сродна душа на земята.

Друга второстепенна тема във филма е отношението на хората около тях към ситуацията, която наблюдават, реакцията им. Хората около тях получават удовлетворение, като наблюдават мъките на двама души, свързани помежду си. Те са двама минувачи, които се подиграват с тях, опитват се да ги изобразят, докато самочувствието им се повишава от това, което виждат. По-нататък по пътя си срещат двама хулигани, които се опитват да им се подиграят, да ги унижат. Само един човек показа съчувствие и своята помощ.

В края на филма, който е по-интересен за разбиране на смисъла, който авторът влага: героите вървят заедно, хванати се за ръце, тя поставя глава на рамото му. Всеки зрител, който е гледал филма, ще направи своите изводи: някой ще каже, че любовта в една връзка трябва да върви ръка за ръка със свободата на двамата партньори, а някой ще разбере любовта вече не като свобода, а като зависимост.

Пристрастяването се случва не само в отношенията, основани на любов, но и в отношенията между родители и деца, в приятелства между приятели, между хора, които по някаква причина са принудени да бъдат заедно. Моята продукция показва психологическата зависимост между двама приятели. Осъзнаване на зависимост един от друг, когато приятелите преминаха определена граница в отношенията си помежду си и те развиха такава степен на психологическа интимност, в която и двамата или единият от двамата се изгубиха и това обстоятелство започна да натоварва всеки един от тях. Например, такова чувство може да възникне от съпричастност един към друг в някои трудни ситуации. Да предположим, че съпруг или годеник напусна един от нейните приятели - тогава вторият приятел става "всичко" за първия - и утешител, и съветник, и майка. В същото време утешителят се радва на своята нужда и значимост, чувства се силна, зряла и мъдра – в края на краищата приятелката й се нуждае от нейните съвети, която с готовност ги използва.

Утешителят, забравяйки за себе си и своите близки (съпруг, деца), по цял ден преживява събития от живота на приятеля си като свои, почти не различавайки живота си от живота на своя приятел. Така че има загуба на себе си в отношенията на приятелките и възниква пристрастяване. Идва момент, в който всичко в живота започва да се подобрява за "нещастната" приятелка (например се появява мъж), тя постепенно се отдалечава от утешителя - в края на краищата тя вече не е необходима.

И тук утешителят изпитва истински мъки - чувства празнота, самота (въпреки присъствието на съпруг и близки), болка и ревнува приятелката си за новия си избраник, което предизвиква раздразнение и нежелание на приятелката й да общува. Отвън това може да изглежда комично, но всъщност това е много болезнена ситуация, която може да завърши с невроза, депресия и загуба на интерес към живота за изоставения утешител. Често, освен това, бивши приятелки се разделят, преставайки да се виждат и общуват помежду си. И приятелството им, в което имаше много добро и искрено, приключва.

Произходът на танцовото изкуство е в древни времена. Доказателство за това са скалните рисунки, изобразяващи танцуващи фигури, създадени вероятно през неолита (8 - 5 хил. години пр. н. е.).

Досега няма консенсус относно първичността на раждането на танца, песента или музиката, едно е неоспоримо – появата на танца се свързва с осъзнаването на ритъма като съпровод на определена последователност от движения на тялото. Тези ритмични движения на тялото можеха да носят различно съдържание, което впоследствие послужи като повод за създаването на много теории за произхода на танца (предшествениците му се наричаха игра, магически или религиозни ритуали, еротични инстинкти и др.). Всяка от теориите има право на съществуване и също така не може да се счита за единствената вярна. Внимателното им проучване потвърждава заключението – танцът винаги е бил от голямо значение в социалния живот на човека, в неговото хармонично, естетическо и физическо развитие.

Още на първия етап от своето съществуване танцът се опитва да отрази реалността в социална форма, да подбере най-типичните й черти, да им придаде определен образ. Първата музика за танцьорите бяха звуците на барабани, шумът от звънене на гривни и амулети, първият грим беше рисуване на лице, имитиращо кръв, а първото преживяване на актьорска изразителност беше имитация на различни животни. Всичко това се случи на изследователи в началото на 20-ти век сред индианците от Бразилия и някои индиански племена от Северна Америка.

Освен подражателна, танцът е имал и възпитателна функция. Американски изследовател улови пример за изпълнение на боен танц в 33 реда от по 33 души всяка. Тази огромна маса танцьори, действащи изненадващо добре координирани, показа силата и мощта на войските.

Раждането на танцовото изкуство

Първите танци от древността са далеч от това, което днес се нарича тази дума. Те имаха съвсем различно значение. С различни движения и жестове човек предава впечатленията си от заобикалящия го свят, влагайки в тях своето настроение, душевно състояние. Викове, пеене, игра на пантомима бяха взаимосвързани с танца. Самият танц винаги и по всяко време е бил тясно свързан с живота и бита на хората. Следователно всеки танц съответства на характера, духа на хората, от които произлиза. С промяната на обществения строй се променят условията на живот, природата и темите на изкуството, променя се и танцът. Корените му са дълбоко вкоренени в народното творчество.

Танците са били много разпространени сред народите на древния свят. Танцьорите се стремяха всяко движение, жест, изражение на лицето да изразява някаква мисъл, действие, постъпка. Експресивните танци бяха от голямо значение както в ежедневието, така и в обществения живот. Много често празненствата започваха и бяха съпроводени с танци.

За човек от примитивното общество танцът е начин на мислене и живот. При танци, изобразяващи животни, се практикуват ловни техники; танцът изразява молитви за плодородие, дъжд и други неотложни нужди на племето. Любовта, работата и ритуалът са въплътени в танцовите движения. Танцът в този случай е толкова свързан с живота, че на езика на мексиканските индианци Тарахумара понятията „труд“ и „танц“ се изразяват с една и съща дума. Дълбоко възприемайки ритмите на природата, хората от първобитното общество не можеха да не ги имитират в своите танци.

Примитивните танци обикновено се изпълняват в групи. Кръглите имат специфично значение, конкретни цели: да изгонят злите духове, да лекуват болни, да прогонят нещастието от племето. Най-разпространеното движение тук е тропането, може би защото кара земята да трепери и да се подчинява на човека. В примитивните общества танците на клека са често срещани; танцьорите обичат да се въртят, потрепват и скачат. Скокове и въртене довеждат танцьорите в екстатично състояние, понякога завършващо със загуба на съзнание. Танцьорите обикновено не носят дрехи, но носят маски, сложни шапки и често рисуват телата си. Като акомпанимент се използва тропане, пляскане, както и свирене на всякакви барабани и тръби от естествени материали.

Примитивните племена нямат регламентирана танцова техника, но отличната физическа подготовка позволява на танцьорите да се отдадат напълно на танца и да танцуват с абсолютна отдаденост, до лудост. Танци от този вид все още могат да се видят на островите в южната част на Тихия океан, в Африка и в Централна и Южна Америка.

Важна визуална информация за развитието на танца в древен Египет може да бъде извлечена от йероглифни записи, дървени релефи, изображения, издълбани в камък, скулптура и различни предмети от древни гробници. В Абидос - мястото, където според вярванията на египтяните е бил погребан богът на мъртвите Озирис - по време на лятното слънцестоене се провеждали ритуали с танци и музика. Групи от певци и танцьори живеели в храмовете и участвали в поклонението на боговете. Един от основните празници бил обредът, посветен на бика Апис, с тайни танци, изпълнявани от „слугите” на бика.

Усещането за театралност е било много силно в хората от Древен Египет. Дори храмовите им танцьори изпълняваха акробатични номера, а на релефите се вижда как жена прави шпагат, или жена, която се хвърля във въздуха и след това е вдигната от двама партньори, и мъж, стоящ на един крак и се кани да прави пирует.

Погребалните и церемониалните танци се отличаваха със строгост и простота, но с течение на времето започнаха да се появяват други, по-декоративни видове танци. Робините и робините бяха научени да танцуват за домашно забавление. В Египет бяха доведени танцьори от други страни. Имаше пътуващи трупи от професионални актьори, които разиграваха пантомими, изпълняваха акробатични номера под съпровода на тамбури и кастанети. Известно време танците на черни пигмеи бяха популярни.

В произведенията на древни поети, писатели, художници се срещат имената на танците и техните участници, описани са правилата за изпълнение.

Така например древногръцкият поет Омир в Илиада описва хоровод, а в Одисея - мъжки дует на фона на танцуващи млади мъже. Лукиан написа цял трактат „Диалогът за танца“. Описания на танци можем да открием и в Аристотел, Филострат, в трагедиите на Есхил, Софокъл, Еврипид, в комедиите на Аристофан. Многобройни изображения на танцьори и танцьори върху барелефи, във вазопис и в скулптурата също разказват за природата на древногръцките танци. Най-известни са барелефът „Танцуващи млади гъркини”, вазата „Кордакс” и „Сикинис”, скулптурите – „Танцуваща гъркиня”, „Танцуваща менада”, известните фигурки на Танагра, „Бягащ Меркурий”.

Танците на древните гърци могат да се разделят на сакрални (церемониални, ритуални), военни, сценични, социални и битови. Приблизително същите характерни танци са били сред другите народи.

Свещените танци според легендата са пренесени в Гърция от Египет от Орфей. Той ги видя по време на храмовите празници на египтяните. Но той подчини движенията, жестовете на собствения си ритъм и те започнаха да отговарят повече на характера и духа на гърците. Тези танци се изпълняваха под звуците на лирата и се отличаваха със строгата си красота. Празниците, а оттам и танците, често са били посветени на различни богове: Дионис, богинята Афродита, Атина. Те отразяваха определени дни от трудовата календарна година.

Военните танци в древна Гърция са играли голяма роля за внушаването на смелост, патриотизъм и чувство за дълг сред младежите. Обикновено военните, пирови танци се изпълняваха от двама. Имаше такива масови пирии, в които танцуваха само млади мъже, а понякога и момичета танцуваха заедно с младежите. Военните танци възпроизвеждаха битката, различни бойни формирования, това бяха сложни хореографски композиции. Танцьорите имаха лъкове, стрели, щитове, запалени факли, мечове, копия и стрели в пушките си. В сюжетите на героичните танци, като правило, се отразяват митове и легенди за герои.

Сценичните танци на древните гърци са били част от театрални представления и всеки жанр е имал свои собствени танци. По време на танците изпълнителите бият времето с краката си, за това обуват специални дървени или железни сандали, понякога удрят времето с ръце с помощта на особени кастанети - черупки от стриди, поставени на средните си пръсти.

Народните танци съпътстваха семейни и лични тържества, градски и национални празници. Танците бяха домашни, градски, селски. Те бяха разнообразни по тематика и композиционен рисунък, по състав на изпълнителите. Именно социалните танци оказаха голямо влияние върху появата на сценичния танц.

Строгите римски воини от първите векове на нашата ера особено обичаха войнствения танц в памет на отвличането на сабинките. Според легендата той е въведен от Ромул. Имаше и танци на жреците, прославящи боговете, приличаха повече на тържествена процесия.

По време на упадъка на Римската империя танците и пантомимите се превърнаха в неморални зрелища и бяха третирани с презрение от почтените граждани на Рим. Цицерон и Хорас пишат за танците на римляните в своите трактати.

Коремният танц е един от най-древните и мистериозни видове танцово изкуство. Неговата история е обвита в мистерии и мистерии. Източната култура винаги е привличала със своята красота и особен чар.

Сега има много легенди, свързани с историята на произхода на коремния танц и неговите изпълнители. Всеки може да си представи гъвкава красавица, движеща се хармонично на ритмична музика. Малко хора обаче могат уверено да отговорят на въпроса „откъде дойде коремният танц?“ и дали го разбираме правилно.

ВЕРСИИ ЗА ПРОИЗХОД НА BELLY DANCE. ИСТОРИЧЕСКИ КОРЕНИ.

Има интересна легенда, която описва появата на коремните танци като инцидент. Твърди се, че веднъж пчела прелетя под развиващите се дрехи на уличен танцьор. Насекомото беше объркано от красивия аромат на масла, излъчвани от момичето. Танцьорката, без да прекъсва представянето си, се опита да се отърве от досадната пчела, гърчейки се по време на танца. Момичето направи това много грациозно и пластично, така че случайните зрители го взеха за специален вид танц и бяха наистина възхитени. Умното момиче, забелязвайки успеха и вниманието, продължи да се движи по нов безпрецедентен начин, демонстрирайки красивите линии на тялото и ръцете си. Много харесаха този танц и започнаха да се разпространяват.

Разбира се, това е просто легенда. Историята на появата на коремните танци продължи много по-дълго от изпълнението на едно красиво момиче. Корените на ориенталския танц отиват дълбоко в историята и дори сега е невъзможно да се определи точното родно място на танца на корема.

Общоприето е, че основата на танца на корема са древни ритуални танци, които носят свещено значение. Те възхваляваха женствеността, богините на плодородието и жените като цяло. Танцът на корема символизира това, което в обществото от онова време се смяташе за божествена съдба на всяка жена: процеса на зачеване на дете, раждане на плод и самото раждане. Постепенно обаче танцът започва да губи свещеното си значение и придобива по-светска посока.

Ако говорим за мястото, където е възникнал танцът на корема, тогава много изследователи са склонни към Древен Египет. Заслужава да се отбележи обаче, че много нации са допринесли за създаването на този вид танц. И така, първоначално разнообразният и богат египетски танц беше допълнен от танцьори от Индия. Те бяха гъвкави и изискани баядерки, с отлична хореографска подготовка. Движенията на ръцете им бяха уникални и имаха специално значение. Също така повлияни от близките съседи на египтяните: персийци, сирийци, палестинци и някои африкански страни. Допринесли са и номадските цигани. Векове наред техните собствени фолклорни танци се съчетават с индийски, арабски, еврейски и испански традиции. В Гърция танцът изразяваше емоциите по-енергично, ярко и рязко. В Турция, успоредно с нарастването на територията, се появяват все повече народни танци, които постепенно се смесват един с друг. Благодарение на това се появи голямо разнообразие от движения, нови необичайни ритми и форми.

РАЗПРОСТРАНЕНИЕ И ПОПУЛЯРИЗАЦИЯ НА BELY DANCE. НЕПРАВИЛНО ИМЕ.

Египет е открит за Европа от Наполеон. Изтънчените европейци се интересуват от нова непозната култура. Интересът беше подхранен от писатели и художници, които първи посетиха мистериозната страна, които бързаха да опишат с всякакви цветове красотите на изтока, включително и родни танцьорки на красотата. Първите пътешественици не изоставаха, говорейки за ориенталската култура като за нещо магическо, екзотично и еротично. Следователно интересът беше голям и те успяха да го използват успешно.

Още през 1889 г. Париж вижда за първи път така наречения „ориенталски танц“. Няколко години по-късно един от импресариите на подобни предавания решава да привлече възможно най-много публика, използвайки на плакатите откровено и провокативно заглавие по стандартите на онова време - "Danse Du Ventre" ("коремен танц"). Очакваният ефект е постигнат. Мнозина бяха готови да платят всякакви пари, за да видят полуголи екзотични танцьори. Идеята и стилът на танца веднага се влюбиха в Холивуд. Това оказа силно влияние върху по-нататъшното разпространение на "коремния танц". Популярността на шоуто с участието на ориенталски танцьори нарасна, а името плътно „порасна“ до самия стил на техния танц.

По-късно това име се опита да се тълкува по различни начини, отново придавайки на танца дълбок смисъл. Например, някои се придържат към версията, че танцът на корема означава „танцът на живота“ (коремът се наричаше живот преди няколко века). А животът е свързан именно с жената, майката земя и плодородието.

Също така "коремният танц" може да бъде просто погрешно тълкуване на термина "baladi". Това означаваше „родина“ в най-широкия смисъл на думата. Това е египетски фолклорен танцов стил, който се танцува в селата по различни поводи, най-често в дома, в кръга на роднините.

В момента има повече от 50 стила ориенталски танци. Всеки от тях в различна степен е наситен с елементи, присъщи на този или онзи народен танц, който преди много векове е бил в основата на „коремния танц“.

ГРАФИК НА ЧАСОВИТЕ ПО ИЗТОЧНИ ТАНЦИ



ПОНЕДЕЛНИК

НЕДЕЛЯ

РАЗХОД НА ГРУПА

ПРОБЕН УРОК:

1
час
600 рубли.
200 рубли.

2
часа
1200 рубли.
300 рубли.

3
часа
1800 рубли.
400 рубли.

ЕДИНИЧНИ КЛАСОВЕ:

1
час
600 рубли.

АБОНАМЕНТИ: *

1
час на седмица
4-5 часа на месец
2 000 рубли.
1900 рубли.
438 рубли/час

2
часа седмично
8-10 часа на месец
4 000 рубли.
3200 рубли.
369 рубли/час