Биолозите и когнитивистите вярват, че идеите за хармония са вградени в нашия мозък, което ни позволява да бъдем чувствителни към красотата на формите в природата. Предполага се, че харесваме ярки цветове, защото способността да ги различаваме е един от адаптивните механизми, които са позволили на нашия вид да оцелее. Интуитивно сме доволни от симетрични лица и хармонични модели, а образът на радостни, положителни истории предизвиква естествено удоволствие.
В същото време ние не изискваме от художника той със сигурност да ни „направи красиви“ с работата си.
За предметите на изкуството се прилагат по-широки критерии, а самото понятие за красота като оценъчна категория в съвременното изкуство е деконструирано. Красив ли е Черният квадрат? Какво ще кажете за фонтана на Марсел Дюшан? Какво ще кажете за изпълнението на Марина Абрамович "Ритъм 0"? Всяко от тези произведения на изкуството е идея, въплътена в материал или действие и в никакъв случай художникът не се е стремял да угоди на чуждите рецептори.
Художниците винаги са имали причини да изобразяват сложното, грозното или странното. В същото време популярното мнение казва, че „по-ранните“ (в условната класическа епоха) художниците все още не са изкривили същността на изкуството и са предпочели да „рисуват красиво“. В европейската култура обаче художествената концепция за грозното се появява много по-рано от модерното изкуство.
Философи и теолози за грозното
В допълнение към теорията за красивото, отразена във философските концепции и произведения на изкуството, винаги е продължавала да съществува теорията за грозното, в която грозното и грозното би могло да бъде сюжет, достоен за изобразяване. Грозното като предмет на изкуството вече представлява интерес за средновековните хора - ако говорим за талантлив образ, който напълно предава идеята за грозотата. В такъв случай предмет на възхищение няма да бъде самият ужасен или отблъскващ образ, а умението, с което е направен.
Йохан Хейзинга отбелязва, че едва през 1400 г. живописта достига нивото на умение за пълно предаване на такива теми. По-специално, той свързва с това относително късното въвеждане в живописта на такива широко разпространени теми като "Триумфът на смъртта" и "Страшният съд". Приблизително същото се случи и с изображенията на страданието на мъчениците.
Мъката на светиите: болка и красота
„Естетиката на мъченичеството”, проявена в най-висока степен в образите на Христовите страсти, процъфтява в епохата на зрялото Средновековие и преминава в ренесансовото изкуство. В ранното средновековие е било по-често да се срещат опростени изображения на разпятието, отколкото детайлни картини. Същото важи и за снимките на мъченията на мъченици.
Антропоцентричният модел обаче предвиждаше интерес към човек и съответно лично преживяване на страдание.
Ако през Средновековието въпросът се разглежда от назидателна страна, тогава художниците от Ренесанса започват да се интересуват от чисто живописни моменти: правилното предаване на анатомия, перспектива. Повишено внимание към телесността се проявява в изображенията на страдащи светци - това е законен начин да се рисуват голи човешки тела и да се обръща внимание на физическите преживявания.
Това обяснява тенденцията към известна естетизация на телесните мъки на светците. Коригирани композиции, изящни пози на мъченици - това са признаците на такива изображения. Телесната красота се превърна в обект на внимателно изследване. Художествената култура на тази епоха отразява интереса към човек в различни прояви, включително страдание.
Удивително и странно
Има още една област на естетическо изживяване, отчасти съседна на грозното - но без толкова мрачно оцветяване. Този опит е бил търсен както през Средновековието, когато всички предмети са носили символични значения, така и в културата на Ренесанса с нейния интерес към различни явления от материалния свят. Говорим за категорията невероятни, причудливи и странни.
Хората от миналото малко разделяха „чудесата“ по произход – мистичните образи и странностите на природата се възприемаха като еднородни явления.
Страстта към колекционирането на любопитни неща, която отличава както натуралистите, така и монарсите, демонстрира желание да се докоснат до тайните на Вселената. Например колекцията на император Рудолф II съдържа както произведения на изкуството, така и фрагменти от телата на легендарни животни. Магическо и научно, символично и естетическо - тези понятия бяха тясно преплетени в шкафовете с любопитни неща.
Днес имаме достъп до всякакъв визуален материал, а хората от минали епохи са имали много по-малко от него. Ниската социална мобилност, заседналият начин на живот на повечето хора и неграмотността не позволиха да се разшири картината на света. Следователно новите изображения - в снимки или истории - бяха много търсени и направиха невероятно впечатление.
Много популярен средновековен жанр бяха разказите за пътуване в далечни страни. Приказките за пътуването на изток представят много измислени същества, които, макар и да не са направо плашещи и грозни, остават легендарни и нарушават обичайните канони. Разказите бяха придружени от подходящи изображения, направени в съответствие с чутото. Възхищението, което предизвикват тези изображения, е от естетически характер – освен това много от изобразените същества или явления не са никак красиви. Забавната сила, която идва с тях, предлагането на зрелище, легендарният статут - това е, което привлича зрителя към тях.
Посланието на св. Йоан от XII век има огромен успех и оказва голямо влияние върху умовете на неговите съвременници, както в естетически, така и в политически смисъл. Известната книга на Марко Поло е посветена на далечни скитания. Освен данни, които могат да се сбъркат с реална историческа информация, има достатъчно преувеличения и любопитства. Например, в описанието на Java Minor (Суматра), Поло твърди, че е видял еднорог, но той не е бил толкова красив и кротък, колкото казват за него, и затова е донесъл едно разочарование.
Тук се срещат диви слонове и еднорози, не по-малко от слоновете; косите им са като на бивол, а краката на слон, в средата на челото има дебел и черен рог; хапят ви, казвам ви, с езика си; имат дълги шипове на езика си и хапят с езиците си. На външен вид животното е грозно. Те не са като начина, по който ги описваме; те няма да се поддадат на девица: изобщо не това, което ни казват за тях.
Марко Поло Книга на чудесата на света
Във визуалните изкуства пример за причудливото са илюстрациите към книга на римския автор Юлий Обсекуент, датираща от 15-ти век. Майсторът, който ги е създал, се нарича майстор Бусико - по името на друга поредица от произведения, създадени от него („Часовете на маршал Бусико“). За хората от Ренесанса трактатът се четеше като смесица от учебник по история и фантастичен роман - дори някои от тях да се съмняват, че каменен дъжд наистина вали над някои от провинциите, беше интересно да се прочете за него. Какво да кажа за изображенията на чудовищни същества!
Миниатюрите в книгите по география и история изобразяват легендарни същества - еднорози, крилати и безкрили дракони, циноцефали (псиглавци), циклопи, едноноги хешиаподи. Класическият естетически канон в изображенията на същества без съмнение е изкривен: едва ли на някой ще му хрумне да нарече привлекателни герои с лице, разположено на гърдите.
В същото време те не носят заплахата, която е присъща на образите на адските мъки, и предизвикват интерес. Лесно е да си представим ренесансов учен, който с отворена уста алчно разглежда подобни образи.
Познаваме по-сложни начини за естетическо преживяване от просто „красиво“. Ние намираме скучни, „прашни цветове“ за изтънчени и ценим радикалното черно. Въображението ни се вълнува от контрасти – елегантни и груби, възвишени и ниски. Можем да видим красотата в недостатъците и недостатъците, вярвайки, че понякога те правят нещо перфектно наистина уникално. Виждаме вълнуващото в страховито и обичаме да гъделичкаме нервите ни. Есенните дъждове и горещата лава от вулкани ни се струват красиви.
Естетическият усет е бил сложен и нееднозначен в различни епохи – включително тези, когато са създавани книжни миниатюри и класически платна.
Гледайки на нещата през очите на хората от друго време, ще забележим, че те също са добре осъзнавали сложните преживявания на ръба на отхвърлянето и интереса, любопитството на изследователя и възхищението от артистичния талант на майстора, независимо какво той изобразява.
Би било интересно да знам колко сред моите читатели има такива, които искаха да се опитат да пишат и да се заемат сериозно с рисуването, но спряха не поради липса на време или въображение, а поради широко разпространения стереотип, че успехът в рисуването може да се постигне само след дълги години художествено образование?
Много хора смятат, че самоуките художници могат да пишат само като хоби, но не могат да разчитат на успех, признание и богатство.
В разговорите си с много хора чувам това мнение под различни форми. Дори познавам много художници, които пишат ентусиазирано и много добре, но смятат картините си за забавление само защото самите те не са получили художествено образование.
По някаква причина те мислят така художникът е професия, която със сигурност трябва да бъде потвърдена с диплома и оценки.И докато няма диплома, невъзможно е да станеш художник, не можеш да нарисуваш добри картини и дори да напишеш произведение „за себе си“, тогава дори е забранено дори да мислиш да го продадеш или да го изложиш на обществена преценка .
Твърди се, че картините на самоуки художници веднага са признати от експерти като непрофесионални и ще предизвикат само критики и подигравки.
Смея да твърдя – всичко това са глупости!Не защото аз съм единственият, който мисли така. Но защото историята познава десетки успешни самоуки художници, чиито картини са заели полагащото им се място в историята на живописта!
Освен това някои от тези художници успяха да станат известни приживе и работата им повлия на целия свят на живописта. Освен това сред тях има както художници от минали векове, така и съвременни самоуки художници.
Например ще ви разкажа само за някои от тези самоучители.
1. Пол Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin
Може би един от най-големите самоуки художници. Пътят му към света на живописта започва с факта, че той, работейки като брокер и печелейки добри пари, започва да придобива картини на съвременни художници.
Това хоби го очарова, той се научи да разбира добре рисуването и в един момент започва да се опитва да рисува сам. Изкуството толкова го очарова, че започва да отделя все по-малко време на работа и все повече и повече да пише.
Картината "Шивашка" е нарисувана от Гоген, когато е бил борсов брокер
В някакъв момент Гоген решава да се посвети изцяло на творчеството, напуска семейството си и заминава за Франция, за да общува със съмишленици и да работи. Тук той започва да рисува наистина значими платна, но тук започват и финансовите му проблеми.
Общуването с артистичния елит и работата с други художници се превръща в единствената му школа.
Накрая Гоген решава напълно да скъса с цивилизацията и да се слее с природата, за да създаде в рая, както смята, условия. За да направи това, той отплава до тихоокеанските острови, първо до Таити, след това до Маркизките острови.
Тук той е разочарован от простотата и дивото на „тропическия рай“, постепенно полудява и... пише най-добрите си снимки.
Картини на Пол Гоген
Уви, признанието дойде на Гоген след смъртта му. Три години след смъртта му, през 1906 г., в Париж е организирана изложба на негови картини, които са напълно разпродадени и по-късно влизат в най-скъпите колекции в света. Неговата работа "Кога е сватбата?" включен в класацията на най-скъпите картини в света.
2. Джак Ветриано (известен още като Джак Хоган)
Историята на този майстор е в известен смисъл противоположна на предишния. Ако Гоген умря в бедност, рисувайки картините си под игото на непризнатите, тогава Хоган успя да спечели милиони през живота сии да стане филантроп само за сметка на картините си.
В същото време той започва да рисува на 21-годишна възраст, когато приятел му подарява комплект акварели. Новият бизнес го очарова толкова много той започва да се опитва да копира произведенията на известни майстори в музеите. И тогава той започна да рисува картини на свои собствени теми.
В резултат на първата му изложба всички картини бяха разпродадени, а по-късно работата му „Пеещият иконом“ стана сензация в света на изкуството: беше купена за 1,3 милиона долара. Холивудски звезди и руски олигарси купуват картините на Хоган, въпреки че повечето изкуствоведи ги смятат за пълен лош вкус.
Картина от Джак Ветриано
Големите доходи позволяват на Джак да плаща стипендии за надарени студенти с ниски доходи и да се занимава с благотворителна дейност. И всичко това – без академично образование- На 16 години младият Хоган започва да работи като миньор, след което официално не учи никъде.
3. Анри Русо / Анри Жулиен Феликс Русо
Един от най-известните представители на примитивизма в живописта,Русо е роден в семейство на водопроводчици, след като завършва училище, той служи в армията, след това работи в митниците.
По това време той започва да рисува и именно липсата на образование му позволява да формира своя собствена техника, в която богатството на цветовете, ярките сюжети и наситеността на платното се съчетават с простотата и примитивността на самото изображение .
Картини на Анри Русо
Още по време на живота на художника картините му са високо оценени от Гийом Аполинер и Гертруд Щайн.
4 Морис Утрило
Друг френски автодидакт художник, без художествено образование, той успява да стане световноизвестна знаменитост.Майка му беше модел в художествени работилници, тя също му предложи основните принципи на рисуването.
По-късно всичките му уроци се състоеше в това да наблюдава как великите художници рисуват в Монмартър. Дълго време картините му не бяха признати от сериозните критици и той беше прекъсван само от случайни продажби на произведенията му на широката публика.
Картина от Морис Утрило
Но вече на 30-годишна възраст работата му започва да се забелязва, на четиридесет години той става известен, а на 42 получава Почетния легион за приноса си към изкуствата във Франция. След това още 26 години работи и изобщо не се притеснява от липсата на диплома за художествено образование.
5 Морис дьо Вламинк
Самоук френски артист, чието цялостно формално образование завършва в музикално училище - родителите му искаха да го видят като виолончелист. Като тийнейджър започва да рисува, на 17-годишна възраст се занимава със самообразование с приятеля си Анри Ригалон и на 30 продаде първите си картини.
Картина от Морис дьо Вламинк
Дотогава той успява да изхранва себе си и съпругата си с уроци по виолончело и изпълнения с музикални групи в различни ресторанти. С идването на славата той напълно се отдава на рисуването и неговата картини, в стил фовизъм, в бъдеще сериозно повлияха на работата на импресионистите от 20-ти век.
6. Aimo Katayainen / Aimo Katajainen
Финландски съвременен художник, чието творчество принадлежи към жанра "наивно изкуство". В картините има много син цвят – ултрамарин, който от своя страна е много успокояващ... Сюжетите на картините са спокойни и умиротворени.
Картини на Аймо Катаджайнен
Преди да стане художник, той учи финанси, работи в клиника за рехабилитация на алкохолици, но рисува през цялото това време като хоби, докато картините му започнаха да се продават и да носят добри доходи, достатъчни за живеене.
7. Иван Генералич / Иван Генералич
Хърватски примитивен художник, който си направи име с картини на селския живот. Става известен случайно, когато един от студентите на Загребската академия забеляза картините му и го покани да направи изложба.
Картина на Иван Генералич
След провеждането на самостоятелни изложби в София, Париж, Баден-Баден, Сао Пауло и Брюксел, той се превръща в един от най-известните хърватски представители на примитивизма.
8 Анна Мери Робъртсън Мойсей(известна още като баба Моисей)
Известен американски художник, който започва да рисува на 67-годишна възрастслед смъртта на съпруга си, вече страдащ от артрит. Тя нямала художествено образование, но колекционер от Ню Йорк случайно забелязал нейната картина на прозореца на къщата.
Картина от Анна Мозес
Той предложи да направи изложба на нейните творби. Картините на баба Мозес бързо стават толкова популярни, че нейните изложби се провеждат в много европейски страни, а по-късно и в Япония. На 89-годишна възраст баба получи награда от президента на САЩ Хари Труман. Прави впечатление, че художникът е живял 101 години!
9. Екатерина Медведева
Най-известният представител на съвременното наивно изкуство в Русия,Екатерина Медведева не получава художествено образование, но започва да пише, когато работи на непълно работно време в пощата. Днес тя е включена в класацията на 10 000 най-добри художници в света от 18 век насам.
Картина от Екатерина Медведева
10. Кирън Уилямс / Киърън Уилямсън
Английски чудо автодидакт, който започва да рисува в стила на импресионизма на 5-годишна възраст, а на 8 пуска картините си на търг за първи път. На 13 години той продаде 33 от картините си на търг за 235 хиляди долара за половин час, а днес (вече е на 18) е доларов милионер.
Картини от Киърън Уилямс
Кирон рисува по 6 картини седмично и работата му постоянно се подрежда. Той просто няма време за образование.
11. Пол Ледент / Пол Ледент
Белгийски самоук художник и творческа личност.Започва да се интересува от изобразително изкуство по-близо до 40 години. Съдейки по снимките, той много експериментира. Учих самостоятелно рисуване ... и веднага приложих знанията на практика.
Въпреки че Пол взе няколко урока по рисуване, по-голямата част от хобито му се изучава сам. Участва в изложби, рисува картини по поръчка.
Картини на Пол Ледент
според моя опит, креативно мислещите хора пишат интересно и свободно,чиято глава не е натъпкана с академични художествени знания. И между другото, те постигат известен успех в художествената ниша не по-малко от професионалните художници. Просто такива хора не се страхуват да погледнат малко по-широко на обикновените неща.
12. Хорхе Масиел / ХОРХЕ МАСИЕЛ
Бразилски самоук, съвременен талантлив самоук художник. Той произвежда прекрасни цветя и цветни натюрморти.
Картини от Хорхе Масиел
Този списък от самоуки художници може да бъде продължен много дълго време. Може да се каже, че Ван Гог, един от най-влиятелните художници в света,не получава официално образование, учи спорадично при различни майстори и така и не се научи да рисува човешката фигура (което, между другото, оформя стила му).
Можете да си спомните Филип Малявин, Нико Пиросмани, Бил Трейлър и много други имена: много известни художници бяха самоуки, тоест учеха сами!
Всички те са потвърждение на факта, че не е необходимо да имате специално художествено образование, за да успеете в рисуването.
Да, с него е по-лесно, но можеш да станеш добър художник и без него. В крайна сметка никой не е отменил самообразованието ... Както и без талант - вече говорихме за това .. Основното нещо е да имате горещо желание да се учите сами и да откриете всички ярки аспекти на рисуването на практика .
Момчета, влагаме душата си в сайта. Благодаря за това
за откриването на тази красота. Благодаря за вдъхновението и настръхването.
Присъединете се към нас в Facebookи Във връзка с
Високото изкуство е сложно и неразбираемо нещо за мнозина. Ренесансовата живопис с идеалния си образ привлича много почитатели, но не е лесно за всеки да повярва, че творбите на Пикасо и Кандински наистина могат да струват страхотни пари. Изобилието от голи хора на снимката е друга загадка, както и парадоксът, че добрите картини не трябва да са красиви.
уебсайтОтговорите на няколко любопитни въпроса за живописта научих, като се вгледах в произведенията на изкуствоведи и културолози.
1. Наистина ли рисуването е толкова скъпо?
От време на време чуваме за лудите суми, заложени за тази или онази картина. Но всъщност тези пари са част от много малко произведения. Повечето художници никога не са виждали огромни суми пари. Историкът на изкуството Джонатан Бинсток смята, че в света има само около 40 автори, чиито картини се оценяват със сума с много нули.
Марките управляват изкуството
Ето може би най-яркият пример. Сигурно сте чували за графити художника Банкси. Острата социална насоченост на творбите и биографията, покрити с ореол на мистерия, свършиха своята работа. Днес Банкси е художник, чието творчество се оценява на многоцифрени суми. Картината му "Момиче с балон" беше продадена за £1,042 млн. И целият свят започна да говори за представлението, за да го унищожи веднага след продажбата.
Banksy е марка и марки се продават добре. По този начин, Цената на една картина до голяма степен се определя от славата на нейния автор.
Успешната продажба на една картина е ключът към успеха на други
Художникът може да няма късмет за дълго време, той ще вегетира в бедност и неизвестност, без да може изгодно да продаде работата си. Но щом той успее да продаде една от картините си за много пари, можете да сте сигурни, че цената на другите му творби ще скочи до небето.
Рядкост, оскъдност, уникалност
Холандският художник Ян Вермеер днес се нарича безценен. Не толкова много картини принадлежат на четката му - само 36. Художникът пише доста бавно. Изгубената през 1990 г. картина на холандеца "Концерт" сега се оценява на около 200 милиона долара. Рядкост и недостигплатна се отразява на факта, че цените им са просто небесни.
Легендарният Ван Гог е супер марка. Малко са картините на художника и това е очевидно той вече нищо няма да направи. Неговото творчество е уникално.
Преди 10 години Супрематичната композиция на Малевич беше продадена за $60 млн. Може би, ако не беше кризата, щеше да се продаде за $100 млн. Картини на Малевич в частни колекции без изключение, а кога следващия път нещо от този клас се появи на пазара не е известно. Може би след 10 години, може би след 100.
Като цяло е очевидно: купувачите са готови да платят страхотни пари за изключително редки артикули.
Иновацията е скъпа
Едно от произведенията на Ричард Принс в посока "художествено заемане".
Живописът поема функцията на забележителност
Днес нивото на културния туризъм нараства, а живописта изпълнява функцията Атракция. Туристите се редят с часове в известни музеи. А за да се обяви и да претендира за световна слава, галерията със сигурност трябва да притежава оригиналите на известни и популярни художници.
Изкуствено създадените центрове на културен туризъм също се разрастват, например в Близкия изток и Китай. Наскоро кралското семейство Катарсключи частна сделка за $ 250 милиона- всичко, за да има картина на страната Сезан "Играчите на карти".
Когато има всичко, изкуството започва да тегли
През 2017 г. милиардерът Дмитрий Риболовлев продаде тази картина на Леонардо да Винчи за $450 млн. Сега това е най-скъпата сделка в света на живописта.
Когато имаш 4 къщи и самолет G5, какво друго има да правиш? Остава само да се инвестира в боядисване, защото е така една от най-силните валути».
Според данни за 2015 г. в света има 34 милиона милионери. И дори да си представим, че само 1% от тях се интересуват от изкуство, се оказва, че в света те живеят 340 хиляди души, които са готови да платят кръгли суми за картини. А самите картини на известни автори, както писахме по-горе, са много малко, особено в сравнение с броя на милионерите. Освен това дори тези, които не се интересуват от рисуване, са готови да инвестират в него в името на престижа или стабилността на такава инвестиция.
Така се оказва, че високата цена на боядисването до голяма степен се дължи на факта, че твърде много пари гонят твърде малко.
2. Всички картини имат ли нужда от рамки?
Картина на Жорж Сьора "Канал при Гравелин, Великата крепост Филип".
Книгата на Сузи Ходж Защо има толкова много голи хора в изкуството говори за предназначението на рамките. Да те са защитавайте ръбовете на картината и привличайте вниманието към нея. Някои рамки са фантастични, други са доста прости, не отвличат вниманието от съзерцанието. Целта на рамката е да допълни картината и да я покаже по възможно най-добрия начин.
Ето един абстрактен художник Пит Мондриансравнени рамки с стена, която стои между зрителя и картината. Искаше да премахне това чувство за дистанция. И художникът пише по самите краища на платната и дори на страничната стена.
Жорж Сера не харесваше сянката, който се хвърля от рамката на снимката. И самият той често рисуваше рамки от малки точки с различни цветове. Между другото, според подобен принцип на картините на Сьора, цветен телевизор ще работи след половин век.
3. Защо има толкова много голи хора на снимките?
Фрагмент от фреската на Микеланджело „Създаването на Адам“.
Дори древните гърци са вярвали, че голото тяло е невероятно красиво.
В изкуството най-често голотата - това е символ. Символ на нов живот, искреност, безпомощност на живо същество, както и живот и смърт.
Освен това нищо не причинява толкова силни емоциизрителят, като голотата. Това може да бъде интерес, срам, срам или възхищение.
4. Защо всичко е толкова плоско и като цяло нереалистично?
Картина на чешкия художник Бохумил Кубишта “Хипнотизаторът”.
Може би едно от най-честите обвинения срещу съвременните майстори звучи така: художниците са забравили как изглежда да предават реалността. Оттук и погрешното схващане, че обектите изглеждат плоски.
Но нека погледнем, например, платната кубисти. Те нарушават перспективата, но изобразяват обекти едновременно от различни ъгли и дори в различно време. Следователно не може да се каже, че изображението на платното е двуизмерно.
Вече не е необходимо да рисувате „изглежда“ - снимка може да направи това. Следователно е необходимо да се търси отговор на въпроса защо художникът в тази или онази картина е изобразил реалността като плоска, необходимо е в самото авторска идея. Премахвайки някои детайли от изображението, художникът се фокусира върху други. Опростявайки картината, той
Но професионално авангардисти от 19-20 векимаха зад гърба си художествено образование и силна база. Те са може да пише по всякакъв начинно в един момент реши да го направя по този начинподражавайки на примитивистите. Както се казва, това е било замислено, защото това е напълно нов (и следователно интересен за тези, които са уморени от старото) начин за влияние на зрителя.
Художниците биха свършили чудесна работа с картина в духа на академичния класицизъм и затова им беше скучно. Младият Пикасо рисува трогателни и доста реалистични портрети. Но зрял художник е избрал за себе си път, който шокира, ободрява окото, което помага да се демонстрира хладен колористичен усет и усещане за форма.
6. Картините трябва ли да са красиви?
Красиво не означава изкуство, а самото изкуство не винаги изобразява красотата. Всеки има различна представа за красотата и мнението на един човек не може да се счита за стандарт.
Да се отклоним от рисуването и да направим паралел с киното. Сред изкуствоведите срещаме такова мнение: да кажеш, че картините със сигурност трябва да са красиви, е същото като да кажеш, че истинският филм е само романтична комедия или мелодрама с щастлив край. И психологически драми, екшън филми, трилъри - това изобщо не е филм. Съгласете се, има логика в това.
Изкуството (включително живописта) трябва да говори езика на своето време. И за да се насладите на всяка картина, дори реалистична, трябва да знаете какво е изобразено на нея. На изложби обикновено четем надписите към платната и дори използваме аудиогида.
Коя живопис ви е близка?
Руска студентска пролет-2017
Направление: журналистика
Номинация: Най-добър редакторски материал
Защо творческите хора са малко странни?
„Едва ли има по-високо удоволствие от удоволствието да създаваш.”
Н.В. Гогол
Сигурно сте чували израза „креативен човек“ поне веднъж в живота си и обикновено той има леко иронична конотация със значението „необичаен, прекрасен“. Творческите личности мислят, действат и понякога дори говорят различно от обикновените хора. Имат странни, неразбираеми навици и ежедневие. Те могат да се обличат нелепо и да бъдат прекалено емоционални, инфантилни и ексцентрични. Но най-изненадващо е, че те изобщо не се смятат за странни. Те просто нямат време да обръщат внимание на подобни дреболии, защото са напълно погълнати от творчеството си и дори ако в очите на публиката човек като цяло е лишен от талант, самият той много обича работата си, независимо от всичко.
Защо творческите хора са странни? За тях често се казва, че „летят в облаците“ или „не от този свят“. И това е абсолютно вярно. Творчеството в човек се проявява преди всичко чрез неговото въображение. Въображението беше в основата на музиката на Бах, поезията на Пушкин и картините на Пикасо. Поради повишената чувствителност творецът в ежедневието си непрекъснато се сблъсква с несъвършенството на света, дисхармонията, хаоса и противоречията, поради което с помощта на въображението си той се премества в един прекрасен измислен свят, в който няма място за ежедневни проблеми и трудности. Там е много хубаво и тук творецът отива всеки път, когато вземе четка / обуе пуанти / сяда на пианото (подчертайте, ако е необходимо). Самият процес на творчество му носи голямо удоволствие, така че той работи ден и нощ, забравяйки за съня и храната. И се стреми да покаже резултатите от творческите си импулси на другите, за да им даде част от своя идеален свят, за да направи живота им по-хармоничен, съвършен и по-красив. Във всеки творец живее романтик, който мечтае да промени реалността към по-добро.
Друго качество на творческите хора е способността да виждат необичайното в обикновеното. Създателите, като децата, са готови да бъдат изненадани от всичко! Те са много наблюдателни, любознателни и обичат да учат. Постоянното желание да се опитват нови неща отличава креативния човек от обикновения. Творческият човек трябва постоянно да се развива и расте, подобрявайки уменията си.
Понякога креативните личности се възприемат неадекватно в обществото поради тяхната независимост в преценката и творческа смелост. Създателят винаги има свое собствено мнение, а мнението на другите му влияе много по-малко от типичния лаик. Създателят не се интересува какво мислят другите за него, а пренебрегването на общественото мнение често предизвиква негативни преценки отвън. Творчеството само по себе си надхвърля стереотипите и моделите и подобно поведение, както знаете, не се приветства от тълпата. Тълпата има свои собствени правила и креативните хора определено не се вписват в тях.
Друга характеристика на творческите хора психолозите наричат положително отношение към сложните задачи. Трудностите само ги мотивират да работят още по-усилено. Между другото, заслужава да се спомене ефективността на създателите. Със сигурност няма да избягат от работа веднага щом удари шест часа вечерта. По отношение на личния си живот може да изглеждат небрежни мързеливи, но в бизнеса си са много дисциплинирани, задължителни и трудолюбиви.
И накрая, може би най-важното качество на един творец е талантът. Талантът е заложен в човек по природа в неговите умствени способности и анатомични свойства. „Талантът е като брадавица - или го има, или го няма“, каза Фаина Раневская. Още в детството родителите забелязват, че детето им прави нещо по-добре от другите деца. Вероятно сега ще кажа една обща истина, но талантът може да изчезне завинаги, ако не бъде подбран навреме и развит с упорит труд. Освен талант, креативните хора обикновено имат повишено желание за красота, така да се каже, развито естетическо чувство.
Обобщавайки, бих искал да кажа, че в края на краищата творческите личности не се раждат, а стават. Има огромен брой примери, когато самодисциплината и старанието създават истински гении, не по-лоши от тези, които първоначално са били талантливи. Сега има много обучения за развиване на креативност и тестове за разпознаване на творческите ви наклонности. Но като цяло всичко това няма значение дали работата, която вършите, ви носи удоволствие. И, дори и да не знаете как да танцувате, но наистина го харесвате, никой не смее да ви спре!
Източник на снимката: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/
Нека още веднъж помислим за изкуството и такива неразбираеми, но често интересни художници. Кои са тези мистериозни хора с техните вътрешни светове? Защо постоянно рисуват нещо и кому е нужно?
Откакто за първи път започнах да се наричам художник и да показвам работата си на публиката, събрах малко над дузина митове, с които трябваше да се справя. И трябва да кажа, че някои от тях наистина са съществували, но преди 100-200 години. Да, за съжаление, представите на обществото за художници (на територията на бившия СССР) са много остарели. Върху това трябва да се работи. И ви предлагам да започнете да го правите веднага, може би вие сте този, който все още вярва в тях. И така, митове за художниците:
мит №1:За да нарисувате картина, трябва да изчакате вдъхновение (муза).
реалност:Все още често се приписва на това - пийте, пушете. Твърди се, че творчеството е толкова капризно по природа, че се нуждае от подхранване.
Така че никакво вдъхновение не идва от нищото. За да направите нещо, трябва да го направите, колкото и банално да звучи. Да, има източници на вдъхновение, но те са много индивидуални за всеки. А алкохолът или някои наркотици не допринасят за това, освен краткотрайна смелост и прилив на енергия. Като цяло, ако постоянно се подхранвате с нещо, ставате зависими и раздразнителни. А това означава, че винаги ще трябва да търсите презареждане и да умрете преждевременно, без да създавате най-гениалния си шедьовър.
"Художникът не е този, който е вдъхновен, а този, който вдъхновява."
Салвадор Дали
мит №2:Всички художници са алкохолици.
реалност:Не всеки художник е алкохолик, не всеки алкохолик е художник. Като цяло този мит е малко верен, но само малко. Нека започнем с факта, че артистите също са хора и са склонни да празнуват празници, понякога пият нещо алкохолно. И може би този принцип „не пиеш, но искаш да си художник“ наистина работи и все още работи. Но все пак сега виждам все повече сред младите хора привърженици на здравословния начин на живот, правилното хранене, спорта и т.н. И все по-малко са хората, които обичат да пият много и да „разхождат”. Може би това е така, защото все повече жени навлизат в изкуството. И жените, мисля, не са толкова склонни да унищожават здравето си.
мит №3:Художниците живеят живота си в бедност и за да станеш известен, трябва да умреш.
реалност:В масовото съзнание има образ на „беден и зависим художник“, възникнал отчасти благодарение на класическата руска литература. Реално работата на художника винаги е била заплащана адекватно. Например, Иля Репин, все още неизвестен 19-годишен провинциал, рисува изображения за глуха селска църква и получава по пет рубли за всяка (той плаща същата сума на месец за стая в Санкт Петербург). Но, както и сега, имаше непризнати гении, които умряха в бедност (Пол Гоген, Винсент ван Гог, Амадео Модилиани). Само че сега няма нищи художници, защото човек обикновено търси други начини да печели пари (дизайн, декорация, преподаване).
мит №4:Художниците не са от този свят.
реалност:Защо възниква такава мисъл? Със сигурност този образ е възникнал от романи, истории за луди хора, които са били обсебени от творчеството, летят на Марс за нова енергия и не могат да намерят контакт със своите съвременници. Искам да повторя – и художниците са хора. Може би по някакъв начин не са като другите – в манията по работата си, по възхищението на красотата, която ги заобикаля. Но какво лошо има да се потопиш в това, което обичаш и правиш. Повечето успешни артисти се разбират добре с обществото и осъществяват контакт.
мит №5:За да създадете качествена картина, трябва да отделите много време.
реалност:В този случай всичко е индивидуално. Някои са свикнали да работят бързо, други бавно. За някой е възможно да се създаде шедьовър за 30 минути, някой няма достатъчно живот. Но никога не трябва да сравнявате изкуството с други клонове на живота. Например, ако искам да направя качествен инженерен проект, първо трябва да мисля, да събера информация и след това да работя. В изкуството всичко често е спонтанно и дори материалът за работа да се събира дълго време, самата творба често се пише бързо.
Мит №6:Невъзможно е да се правят пари с изкуство или „ти си на 30 години - иди си намери нормална работа!
реалност:Възможно е да се правят пари с изкуство! И е много важно, когато художникът е подкрепян от близки хора, семейство. Знаете ли какъв въпрос следва след презентацията „Аз съм художник”? Обикновено те питат: "Къде работиш?" Тези. по принцип никой дори не предполага, че има хора, които си изкарват хляба от това. Разбира се, сега е все по-трудно да си художник на свободна практика. Това се крие в слабата платежоспособност на обществото и некачествената културизация на населението. Художникът е трудна професия. Преди това, по времето на Леонардо да Винчи, художниците носеха значката на Бивол, която сравняваше работата им с тази на едър бивол.
Мит №7:Всички художници носят бради/барети/пръстени/шапки.
реалност:Дори не мога да си представя защо този мит е все още жив в 21 век. Съгласен съм също, че художниците обичат да се открояват, да носят нестандартни неща, да създават образ. Но за да носят брада и барета... Между другото, много млади хора сега носят брада и не всички от тях са художници.
Мит № 8:Рисуването е лесно, не е разтоварване на вагони.
реалност:Художникът е професия и призвание едновременно. Творчеството, разбира се, не е сравнимо с тежкото физическо натоварване, но като цяло живеем в 21-ви век и се опитваме да работим повече умствено. А работата в изкуството и създаването на картини/проекти е същата интелектуална работа, която изисква отдаденост и дълбока мисъл.
Мит № 9:Ако сте художник, тогава трябва да ме нарисувате точно сега и тук! Безплатно!
реалност:Всичко изглежда просто. И нека се опитаме да кажем на всички „Здравей. Вие програмист ли сте? И ми направи сайт по бърз начин. И какво друго трябва да платите за това? Звучи нелепо? Също толкова озадачен и понякога с гняв, художникът гледа хората, които питат „и нарисувай ме“.
Мит № 10:Художникът трябва да е гладен.
реалност:За съжаление сега този израз се приема толкова буквално, че ме натъжава. Най-вероятно създателят на тази фраза е имал предвид глада - като постоянно желание за създаване, а не като мисли за храна. В крайна сметка всички ходят на работа всеки ден, не винаги работят продуктивно, понякога просто прекарват времето си и им се плаща за това. Съответно всяка работа трябва да бъде платена.
Мит № 11:Художникът може да рисува за всеки безплатно или срещу символична такса (тук - благотворителни проекти и участие в съмнителни томболи с награди).
реалност:Това, за съжаление, е мит, в който почти всеки живее в суровата ни реалност. Бих искал да добавя, че най-често човек, предлагащ невероятен „късмет“, паднал на съдбата на нещастен художник, е изненадан от отказа, казва, че работата ще остане в историята, ще остане за векове и никой никога няма да забрави великото име на създателя. Колкото и да е странно, подобни оферти идват почти всеки ден.
Мит № 12:Художникът трябва да рисува маслени картини (предимно пейзажи с водопади и портрети на великолепни жени).
реалност:Изкуството не стои неподвижно, то непрекъснато се развива. Появяват се нови видове и форми на изразяване на мисълта чрез изкуството. Средният неспециалист в най-добрия случай познава Айвазовски и Репин. Съответно изкуството според тях е точно това. А белег за най-високото умение е умението да рисувате „като живо същество“. Хората често се чувстват не на място, когато влязат в контакт с изкуство, което не могат да разберат бързо и лесно, не могат да гледат на нещата неформално, в резултат на това се задейства реакцията на отричане на изкуството само защото е неразбираемо.
Мит № 13:Съвременното изкуство (съвременното изкуство) е абсолютна глупост. „Като Пикасо и Малевич, аз също мога да рисувам!“
реалност:Обикновено в такива случаи предлагам незабавно да нарисувате „точно като Пикасо“ и да отидете в музея с тази рисунка (или поне да погледнете репродукцията в книгата), за сравнение. Дори не искам да казвам повече. Следващия път, когато помислите така, сравнете рисунката си с Пикасо.
Сигурен съм, че списъкът с митове далеч не е изчерпан. И наистина се надявам, че тази информация ви е помогнала поне малко да разберете света на изкуството. Колкото по-добре опознаете този свят, толкова повече удоволствие ще донесе той.
P.S.Казват също, че художниците са суеверни хора. Може би е така, може би не, но всеки има свое мнение по този въпрос ...
В статията са използвани илюстрации на Татяна Раменская и Александра По.
(в) Юлия Пастухова
