Историята на френското изкуство обхваща огромен исторически период, от епохата на античността до нашето време.
Франция е невероятна страна, която се характеризира с мистерия и изтънченост, блясък и изтънченост, възвишеност и специален жажда за всичко красиво. И историята на формирането на неговото уникално, превърнало се в стандарт, толкова разнообразно и уникално изкуство е не по-малко невероятно от самата държава.
Предпоставки за образуването на Франкското кралство
За да разберем особеностите на възникването и развитието на френското изкуство, е необходимо да направим екскурзия в историята на древния период, когато територията на съвременната френска държава е била част от Великата Римска империя. През 4 век започват активни движения на варварски племена от бреговете на Рейн до границите на империята. Техните атаки и периодични нашествия в римските земи, които са опустошени, силно подкопават държавата на латините. А през 395 г. самата Римска империя е разделена между синовете на сегашния император на две части: Теодосий завещава най-богатата източна част от своите територии на най-големия си син Аркадий, а западната прехвърля на най-малкия си син Хонорий. Разделянето на Великата Римска империя на части отслабва и без това крехката римска държава и я прави по-уязвима за външни врагове.
Територията на съвременна Франция е била част от западната част на бившата Велика Римска империя. Силен удар през 410 г. е нанесен на Рим от войските на вестготите, водени от Аларик. Последният римски император на слаба държава се скри в Равена, оставяйки вечния Рим зад себе си. Именно там той е настигнат от армията на Одоакър, един от водещите военачалници на племето визиготи. Именно с това събитие, станало през 476 г., се свързва окончателното падане на Римската империя. В резултат на началото на Великото преселение на народите по отвоюваните земи започват да възникват варварски държави. През V в. в част от Галия възниква и държавата на франките.
Франкската държава и развитието на френското изкуство
Франките са група племена, заселили се по бреговете на Рейн в долното му течение и по крайбрежието на Балтийско море от древни времена. Основателят на първото франкско кралство в Европа е младият водач на франките Хлодвиг Меровинг, който разбива армията на римския управител в Галия в битката при Соасон и завзема подвластните му територии. На новите територии той преселва своите съратници - франките, дарявайки ги със земя, извършва редица държавни реформи както в областта на държавната администрация, така и в съдебната и законодателната сфера, въвеждайки в сила уникален документ - "Salic Истина“, съставен въз основа на племенните порядки на племето salic francs. Освен това Хлодвиг обърна специално внимание на избора на вяра. Приемането на християнството не само укрепва новата държава, но и оказва влияние върху формирането на франкското изкуство.
След като династията на Меровингите става мързелива по въпросите на управлението, животът в кралството става все по-труден. Благородството завзе кралските земи. Позволеността процъфтява в управлението на благородството на техните дялове и селяни. Обедняването на населението нараства. През VIII век надвисва и външна заплаха от номадските арабски племена. Един от администраторите на последния меровингски крал, Карл Мартел, взе властта в свои ръце. Той извърши редица реформи, които помогнаха за укрепването на държавата и победиха арабите. А синът на Пипин Късия е избран от съвета на благородниците за нов крал на франките. Този избор беше потвърден от папата. А първият франкски император е синът на Пипин Ниския Карл, наречен в историята Великия. Именно на Чарлз Франкската империя дължи специален етап от разцвета на културата и изкуството, който се нарича Каролингски Ренесанс.
Изкуството на "оригиналните" франки
Ако разберем особеностите на раждането и формирането на франкската държава, тогава става ясна съдбата на културното наследство, което се намира във франкските територии от древни времена. Това е главно развитието на древната цивилизация: мостове, жилищна и храмова архитектура, скулптура и литература, театър и изкуства и занаяти. Християнските църковници обаче не считат за необходимо да запазят тези културни богатства, а използват онази част от тях, която може да бъде адаптирана към религиозната практика и към живота на миряните. Така богослужението в християнските църкви се извършвало на латински, църковните книги били написани на същия език.
Беше необходимо да се използват архитектурните находки на Античността, за да се започне строителството на храмове и манастири, използването на знанията по астрономия помогна да се изчислят датите на църковния календар, който през Средновековието обяви живота на цялото царство. Франките също адаптират образователната система на късната Римска империя към своите нужди. Прави впечатление, че комплексът от предмети, изучавани във франкските училища, се нарича За какви изкуства говорим? Така нареченият тривиум включва науките за словото: граматика, реторика и диалектика. Квадривиумът включваше науките за числата: аритметика, геометрия, музика като изчисляване на музикални интервали и астрономия.
Изкуствата и занаятите са доминирани от традициите на варварското творчество, което се характеризира с използването на растителни и животински орнаменти и изображения на чудовища или същества, които не съществуват в действителност и често имат доста плашещ външен вид като основни мотиви. Този вид изкуство се нарича тератологично или чудовищно.
Изкуство и култура на Каролингския ренесанс
Управлението на Карл Велики се характеризира с безпрецедентен възход на културата. Една от причините за това е самата личност на императора – добре образован и висококултурен човек. Той говореше и четеше латински свободно, разбираше гръцки и обичаше теологията и философията. Една от уникалните архитектурни структури на този период е дворцовата църква в Аахен, невероятна в своя художествен дизайн.
Развива се и изкуството да се създават ръкописни книги: те са написани с почти калиграфски почерк и украсени с красиви миниатюри. Сред книгите имаше както богословски писания, така и летописи - базиран на времето запис на събитията, случили се във Франкската империя през годините.
В империята се откриват училища, насочени към начално и елитно образование. Създателят на първия е сътрудник на Карл Алкуин. А елитното училище, открито в Аахен, обедини учените, семейството на императора и целия двор на Карл Велики. В училището, наречено "Придворна академия", се провеждали философски беседи, изучавали Библията и културата на Античността, правели гатанки и съчинявали стихотворения. И един от членовете на Академията написа първата светска биография „Животът на Карл Велики“.
През епохата на Каролингския ренесанс са положени основите за запазване и възраждане на традициите на античната култура и основата за по-нататъшното развитие на културата на франките.
Образуване на Франция като държава
По време на управлението на потомците на Карл Велики империята, която той създава, все повече отслабва. Когато империята беше разделена между синовете на Чарлз, западната й част отиде при най-големия син Лотар. И неговите потомци продължиха да отслабват разпокъсаната държава. Империята падна. Последните от Каролингите окончателно губят влиянието си и са свалени. Благородството прехвърля правото на управление на могъщия тогава парижки граф Хю Капет. Именно източната част на бившата Франкска империя започва да се нарича Франция. Благодарение на управлението на Капетингите новата държава не само се възроди, но и получи нови възможности за своето развитие, включително културни.
Народно изкуство на средновековна Франция
В театъра и музиката от средновековния период също настъпват редица промени в сравнение с античния. Християнската църква смята актьорите за съучастници на дявола и по всякакъв възможен начин преследва артистичното братство. В резултат на това театърът престава да съществува като масово явление, сградите на театрите и стадионите постепенно се рушат, а актьорите започват да сформират странстващи трупи и да играят за хората по кръстопътища, панаири и площади. Мобилните групи от универсални актьори - хистриони бяха по-малко удобен обект за преследване от църквата и властите, които бяха подчинени на нея и преследваха своите цели в същото време поради особеността на посоката на творчеството на хистрионите и трубадурите - странстващи музиканти. Специална група беше съставена от скитници - бивши ученици или монаси, които притежаваха стихосложение и основите на музикалното изкуство, които се скитаха сами по пътищата и в произведенията си или пееха за плътската любов, или изобличаваха разлагащата се църква и гнилата държава.
Три сфери на развитие на средновековното изкуство
9/10 от населението на средновековна Франция са били селяни. Следователно основната култура на държавата може да се определи като селска. По-голямата част от деня средновековният селянин прекарва в труд на земята на феодала. Но това изобщо не означава, че той не е имал необходимостта и времето да общува с културата и изкуството. Основно това беше песенно и танцово творчество, състезания по сила и сръчност. Специално място в общуването с изкуството заемаха гледането на представления на хистри. Развива се и устното народно творчество. Мъдростта на народа е отразена във фолклора: приказки, песни, пословици и поговорки. Основната тема на разказвачите беше срамът на глупавия богат човек от бедния, но мил бедняк, който по правило произхождаше от селско семейство. Приказките бяха остро социални: те разкриваха пороците на обществото в сферата на отношенията между благородството и селяните, а също така разказваха за тежкото положение на селяните. Създадени са и легенди и балади, прославящи подвизите на народните герои, борещи се за честта и достойнството на обикновения човек и срещу феодалния произвол.
Втората страна на средновековната култура и изкуство е животът на градовете, чийто растеж и разцвет се наблюдават от 9 век. Появата на такава класа като буржоа е началото на развитието на буржоазната култура. Уменията на занаятчиите се подобряват бързо. Променени са принципите на тяхната работа и качеството на създаваните продукти, много от които днес са високо ценени като шедьоври на декоративно-приложното изкуство. От това време в ежедневието ни влезе такава дума като "шедьовър". Всеки майстор, присъединил се към братството на гилдията, трябваше да демонстрира уменията си и да направи перфектния продукт. Това беше шедьовърът. Постепенно се формира система за взаимодействие и съревнование между работилниците, която първоначално се превръща в мотиватор в развитието на занаятите. С течение на времето обаче работилниците започнаха да пречат на развитието на занаятите, тъй като конкурентите не искаха да бъдат заобиколени от най-талантливите занаятчии, а понякога не искаха тайната на производствения процес на продукт или материал за него попадат в ръцете на конкуренти. Често членовете на гилдийното братство дори унищожаваха изобретения, а понякога и преследваха създателите им.
Третата страна на средновековната култура и изкуство е съществуването на отделен свят на аристокрацията - феодалите. По правило всички феодали носеха военна служба на краля, като негови лични васали. По-малките феодали бяха васали на своите владетели - барони, графове и др. Носещи конна военна служба, те представляваха такова явление на средновековното общество като рицарството. Рицарската култура също се характеризира със своето специално изкуство. Това включва изкуството за създаване на рицарски гербове - триизмерни идентификационни знаци на рицарско семейство или отделен рицар. Те изработвали гербове от скъпи материали - злато и сребро, емайл и кожа на куница или катерица. Всеки герб беше важен исторически извор и много ценно произведение на изкуството.
Освен това в рамките на момчетата - бъдещи рицари - те се обучаваха на изкуства като пеене и танци, свирене на музикални инструменти. Те бяха научени на добри маниери от детството, знаеха много стихотворения и много от самите рицари написаха стихове, посвещавайки ги на красива дама. И разбира се, трябва да запомните уникалните паметници на средновековната архитектура - рицарски замъци, построени в романски стил, както и невероятни храмове, построени във всички градове на Франция, първо в романски, а по-късно в готически стил. Най-известните храмове са катедралата Нотр Дам в Париж и мястото, където са коронясвани френските монарси.
Изкуството на Франция: Ренесанс
Ренесансът, свързан с нов кръг на интерес към античното културно наследство и изкуство, възниква в слънчева Италия през 14 век. Във Франция тенденциите на Ренесанса се отразяват в културата и изобразителното изкуство едва в края на 15 век. Но този период също продължава по-дълго във Франция, отколкото в Италия: не до 16, а до 17 век. Подемът в областта на културата и изкуството във френската държава е свързан със завършването на обединението на страната при Луи XI.
Откъсването от готическите традиции в изкуството на Франция се случи във връзка с честите пътувания на кралете до Италия, където те се запознаха с невероятното италианско изкуство от Ренесанса. Въпреки това, за разлика от Италия, изкуството от този период във Франция е по-придворно, отколкото народно.
Що се отнася до националността на френското изкуство, един забележителен поет, който създава образни, остроумни и весели поетични произведения, става негов ярък представител в литературата.
Ако говорим за изобразителното изкуство от този период, трябва да се отбележи, че реалистичните тенденции са въплътени в теологичните миниатюри и светската литература. Първият художник от този период в развитието на френското изкуство е Жан Фуке, който остави на потомството огромно наследство под формата на портрети на аристократи и кралското семейство, книжни миниатюри, пейзажи, диптихи, изобразяващи Мадоната.
Тя също покани италиански ренесансови майстори във Франция: Росо и Приматичио, които станаха основатели на школата Фонтенбло - тенденция във френското живописно изкуство, възникнала в имението Фонтенбло. Тази тенденция се основава на принципите на маниеризма, който първоначално е представен от основателите на училището, и се характеризира с използването на митологични сюжети и сложни алегории. Запазени са източници, които дават други имена на майсторите, участвали в проектирането на замъка Фонтенбло: италианците Пелегрино и Жюст дьо Юст, французите Симон Лероа, Клод Бадуен, Шарл Дорини, фламандецът Леонард Тири и др.
През 16 век във Франция активно се развива жанрът на портрета, картината и молива. Особено интересни са произведенията на Жан Клуе, който рисува портрети на почти целия френски двор.
Скулптурата от този период във Франция се свързва с името на Мишел Коломб, който умело изпълнява, наред с други неща, релефни изображения и философски интерпретации на надгробната плоча. Интересни са и произведенията на Жан Гужон, пропити с особена музикалност и поетичност на образите и начина на изпълнение.
Работата на друг скулптор от този период, Жермен Пилон, се превръща в противовес на хармоничното и идеално в своята красота и изящество творчество на Гужон. Те са близки по своята експресия и хипертрофия на предадените чувства и преживявания с произведенията на експресионистите от 19 век. Всичките му герои са дълбоко реалистични, дори натуралистични, драматични и мрачни.
Изкуството на Франция: 17 век
16-ти век е епоха на войни и опустошения за френската държава. През първата четвърт на 17 век властта във Франция се засилва. Процесът на централизация на властта върви особено бързо при Луи XIII, когато кардинал Ришельо управлява всичко в страната. Народът стенеше под игото на аристокрацията и несгодите на ежедневния труд. Но абсолютистката монархия допринесе не само за укрепването и увеличаването на властта на Франция, но и за факта, че през този период страната стана една от водещите сред другите европейски държави. Това несъмнено даде отражение в развитието и основните тенденции на културата и изкуството в страната.
Изкуството на Франция през 17 век може грубо да се определи като официалния двор, което се изразява в помпозния и декоративен бароков стил.
За разлика от великолепието и преувеличената декоративност на барока, във френското изкуство се появиха две направления: реализъм и класицизъм. Първият от тях беше апел към отражението на реалния живот такъв, какъвто беше, без разкрасяване. В рамките на това направление се развиват битов жанр и портрет, библейски и митологични жанрове.
Класицизмът в изкуството на Франция отразява преди всичко темата за гражданския дълг, победата на обществото над индивида, идеалите на разума. Те са позиционирани като противопоставяне на несъвършенството на реалния живот, идеал, към който човек трябва да се стреми, жертвайки дори лични интереси. Всичко това е свързано основно с изобразителното изкуство на Франция. Основата за изкуството на класицизма беше традицията на античното изкуство. И това е най-отразено в класическата архитектура. Освен това архитектурата беше най-зависима от практическите интереси на държавата и беше напълно подчинена на абсолютизма.
Периодът на 17 век във френската държава се характеризира с изграждането на голям брой градообразуващи архитектурни ансамбли и дворцови структури. През този период на преден план излиза светската архитектура.
Ако говорим за отразяването на горните тенденции във визуалните изкуства, тогава трябва да споменем работата на Никола Пусен - невероятен представител на епохата, чиято живопис въплъщава както обобщението на светогледа, така и неукротимата енергия на живота на древността изкуство.
Изкуството на Франция: 18 век
Новият подем на културата беше свързан с огромно влияние върху творчеството на народния принцип, който беше предимно ясно изразен в музиката. В театъра комедията започва да играе главна роля, панаирният театър на маските и оперното изкуство се развиват активно. Все по-малко творци се обръщат към религиозни теми, светското изкуство се развива все по-активно. Френската култура от този период е много разнообразна и пълна с контрасти. Изкуството на реализма се обърна към разкриване на света на човек от различни класи: към неговите чувства и преживявания, ежедневната страна на живота и психологически анализ.
Френско изкуство от 19 век
Продължаваме напред. Нека поговорим накратко за изкуството на Франция през 19 век. Животът на държавата от онова време се характеризира с нов кръг от нарастващо недоволство сред хората и изразени революционни настроения след възстановяването на френската монархия. Темата за борбата и героизма става една от водещите в изобразителното изкуство. Това се отразява в новите посоки на живописта - историзъм и романтизъм. Но в изобразителното изкуство от този период има борба с академизма.
Изследването на цветовия фактор в живописта води до активно развитие на пейзажния жанр и до преразглеждане на всички системи на френската живопис.
През този период изкуствата и занаятите получават особено развитие като най-отразяващи стремежите на хората. Lubok става много популярен, позволявайки най-простата техника, използвайки сатирични образи, да разкрие пороците и проблемите на обществото.
Всъщност офортът се превръща в документален исторически източник на епохата. Офортите могат да се използват за изучаване на историята на Франция през 19 век.
Изкуството на Франция, както виждаме, е многостранно и разнообразно и е тясно свързано с особеностите на развитието на френската държава. Всяка епоха е огромен блок, който изисква специално разкриване, което не може да се направи в рамките на една статия.
Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу
Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.
Хоствано на http://www.allbest.ru/
Пlan
Въведение
Ренесансова култура
Ренесансова култура във Франция
Френска ренесансова живопис:
Животът и творчеството на Франсоа Клуе
Животът и творчеството на Франсоа Клуе Младши
Животът и творчеството на Жан Фуке
Списък на използваната литература
Въведение
Ренесанс - епоха в историята на европейската култура от 13-16 век, която бележи началото на Новата ера.
Ренесанс - епоха в историята на културата и изкуството, отразяваща началото на прехода от феодализъм към капитализъм. В класически форми Ренесансът се оформя в Западна Европа, предимно в Италия, но подобни процеси протичат в Източна Европа и Азия. Във всяка страна този тип култура имаше свои собствени характеристики, свързани с нейните етнически характеристики, специфични традиции и влиянието на други национални култури. Възраждането е свързано с процеса на формиране на светска култура, хуманистично съзнание. При сходни условия подобни процеси се развиват в изкуството, философията, науката, морала, социалната психология и идеологията. Италианските хуманисти от 15 век се ръководят от възраждането на античната култура, чийто мироглед и естетически принципи са признати за идеал, достоен за подражание. В други страни подобна ориентация към древното наследство може да не е била, но същността на процеса на човешко освобождение и утвърждаването на силата, интелигентността, красотата, индивидуалната свобода, единството на човека и природата са характерни за всички култури на ренесансов тип.
В развитието на ренесансовата култура се разграничават следните етапи: Ранен Ренесанс, чиито представители са Петрарка, Бокачо, Донатело, Ботичели, Джото и др.; Високият Ренесанс, представен от Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаело, Франсоа Рабле и Късният Ренесанс, когато се разкрива кризата на хуманизма (Шекспир, Сервантес). Основната характеристика на Ренесанса е целостта и многостранността в разбирането за човека, живота и културата. Рязкото нарастване на авторитета на изкуството не води до неговото противопоставяне на науката и занаята, а се възприема като еквивалентност и равноправност на различните форми на човешка дейност. През тази епоха приложните изкуства и архитектурата достигат високо ниво, съчетавайки художественото творчество с техническия дизайн и занаятите. Особеността на ренесансовото изкуство е, че то има подчертан демократичен и реалистичен характер, в центъра на което са човекът и природата. Художниците достигат широк обхват на реалността и успяват да изложат правдиво основните тенденции на своето време. Те търсят най-ефективните средства и начини за възпроизвеждане на богатството и разнообразието от прояви на реалния свят. Красотата, хармонията, благодатта се считат за свойства на реалния свят.
Ренесансова култура
В различните страни културата на Ренесанса се развива с различни темпове. В Италия Ренесансът се приписва на XIV-XVI век, в други страни - на XV-XVI век. Най-високата точка в развитието на ренесансовата култура пада през 16 век - Високият или класически Ренесанс, когато Ренесансът се разпространява в други европейски страни.
Идеите на хуманизма обединяват културата на различни европейски народи. Принципът на хуманизма, т.е. най-високото културно и морално развитие на човешките способности, най-пълно изразява основния фокус на европейската култура от XIV-XVI век. Идеите на хуманизма обхващат всички слоеве на обществото - търговски кръгове, религиозни сфери, маси. Появява се нова светска интелигенция. Хуманизмът утвърждава вярата в неограничените възможности на човека. Благодарение на хуманистите свободата на преценката, независимостта по отношение на властите и смелият критичен дух идват в духовната култура. Личността, силна и красива, става център на идеологическата сфера. Важна характеристика на културата на Ренесанса е привличането към античното наследство. Възроден е античният идеал за човека, разбирането за красотата като хармония и мярка, реалистичният език на пластичните изкуства, за разлика от средновековния символизъм. Художници, скулптори и поети от Ренесанса са привлечени от сюжетите на древната митология и история, древните езици - латински и гръцки. Изобретяването на печата изигра важна роля в разпространението на древното наследство.
Културата на Ренесанса е повлияна от средновековната култура с нейната дълга история и силни традиции, но хуманистите критикуват културата на Средновековието, считайки я за варварска; през Ренесанса се появяват огромен брой писания срещу църквата и нейните служители. В същото време Ренесансът не е напълно светска култура. Някои фигури искаха да примирят християнството с античността или да създадат нова, единна религия, да я преосмислят. Изкуството на Ренесанса е своеобразен синтез на антична физическа красота и християнска духовност. До края на XV век. във Франция се установяват устойчиви ренесансови тенденции в литературата, живописта, скулптурата и др. Повечето френски изследователи приписват завършването на Ренесанса във Франция на 70-80 години. XVI век, като се има предвид края на XVI век. като преход от Ренесанса през маниеризма към барока и по-късно класицизма.
Възрожденската култура вФранция
Ранният френски Ренесанс се характеризира с развитие на античното наследство, задълбочаване на културните контакти с Италия.
От края на XV век. Във Франция идват италиански писатели, художници, историографи, филолози: поетът Фаусто Андренини, гръцкият учен Джон Ласкарис, филологът Юлий Цезар Слапигер, художниците Бенвенуто Челини, Леонардо да Винчи. Благодарение на елегантността на стила, работата на Павел Емин "10 книги за делата на франките" служи като пример за по-младите поколения френски хуманисти.
Млади мъже от благородни и богати семейства се стремят към Италия, за да възприемат богатството на италианската култура. Това се отразява в характера на френския Ренесанс, особено в неговия начален етап, придавайки му забележим аристократичен и благороден отпечатък, което се отразява в усвояването от благороднически семейства, на първо място, на външните елементи на италианската култура Ренесанс и широкото покровителство на френския кралски двор. Покровителството на нововъзникващата френска интелигенция е осигурено от Анна Бретанска, Франциск I; традициите на литературния кръг на Анна от Бретан впоследствие са продължени от Маргьорит Наварска, която привлича към нея Рабле, Лефевр д'Етал, младия Калвин, Клеман, Маро, Бонавентура и др.
И все пак няма причина спецификата на френския Ренесанс да се свежда само до аристокрацията, както и да се извежда генезисът му само от италианските влияния. Културата на френския Ренесанс израства преди всичко само на собствена почва. В основата на възникването му е завършването на политическото обединение на страната, формирането на вътрешния пазар и постепенното превръщане на Париж в икономически, политически и културен център, към който гравитират най-отдалечените региони. Краят на Стогодишната война, който предизвика растеж на националното съзнание, също послужи като мощен стимул за развитието на френската култура.
Развитието на хуманистична култура би било невъзможно без повишаване на общото ниво на образование. Грамотността на населението, особено на градското, се доказва от огромен брой ръкописни книги. Видно място сред тях (с изключение на Библията и колекциите от средновековни фаблио) заемат ръкописи, близки по вид до италианската хуманистична новела („Великият пример за нови новели“ от Никола де Троа, „100 нови новели“, съчетавайки влиянието на Декамерона на Бокачо с традициите на народната култура от Средновековието), които отварят нова посока в народната литература на френския Ренесанс. Разпространението на книгопечатането допринася и за развитието на културата във Франция.
Френска ренесансова живопис
Ренесансът е важен етап в развитието на френската култура. По това време в страната бързо се развиват буржоазните отношения и се укрепва монархическата власт. Религиозната идеология на Средновековието постепенно се измества на заден план от хуманистичния мироглед. Светското изкуство започва да играе важна роля в културния живот на Франция. Реализмът на френското изкуство, връзката с научните познания, обръщението към идеите и образите на античността го доближават до италианския. В същото време Ренесансът във Франция има особен облик, в който ренесансовият хуманизъм се съчетава с елементи на трагизъм, роден от противоречията на ситуацията в страната.
В резултат на многото поражения на Франция по време на Стогодишната война с Англия, продължила от 1337 до 1453 г., в страната царува феодална анархия. Селячеството, смазано от непосилните данъци и зверствата на нашествениците, се вдига на борба срещу своите потисници. С особена сила освободителното движение пламна в момента, когато британските войски, които бяха превзели северната част на Франция, се насочиха към Орлеан. Патриотичните настроения доведоха до представянето на френските селяни и рицари, водени от Жана д'Арк, срещу английските войски.Въстаниците спечелиха няколко блестящи победи.Движението не спря дори когато Жана д'Арк беше заловена и с мълчаливото съгласие на френският крал Шарл VII, изгорен от църковници на клада.
В резултат на дългата борба на народа срещу чуждите нашественици Франция е освободена. Монархията използва тази победа за свои цели, докато положението на победилия народ остава все още трудно.
През втората половина на XV век. благодарение на усилията на Луи XI Франция става политически обединена. Икономиката на страната се развива, науката и образованието се подобряват, установяват се търговски връзки с други държави и особено с Италия, от която културата прониква във Франция. През 1470 г. в Париж е открита печатница, която заедно с други книги започва да отпечатва произведенията на италианските хуманисти.
Развива се изкуството на книжната миниатюра, в която мистичните и религиозни образи са заменени от реалистични представи за околния свят. В двора на херцога на Бургундия работят талантливите художници, споменати по-горе, братята Лимбург. Известни холандски майстори са работили в Бургундия (художници братя ван Ейк, скулптор Слутер), така че в тази провинция влиянието на холандския Ренесанс е забележимо в изкуството на френските майстори, докато в други провинции, например в Прованс, влиянието на италианския Ренесансът се е увеличил.
Един от най-големите представители на френския Ренесанс е художникът Anguerrand Charonton, който работи в Прованс, който рисува монументални и композиционно сложни платна, в които, въпреки религиозните теми, интересът към човека и заобикалящата го реалност е ярко изразен („Мадона“ на милостта”, „Коронацията на Мария” , 1453). Въпреки че картините на Шаронтън се отличават със своя декоративен ефект (изтънчени линии, комбинирани в странен орнамент, симетрия на композицията), но важно място в тях заемат подробни ежедневни сцени, пейзажи и човешки фигури. На лицата на светците и Мария зрителят може да прочете чувствата и мислите, които ги притежават, да научи много за характера на героите.
Същият интерес към пейзажа, към внимателното прехвърляне на всички детайли на композицията, отличава олтарните картини на друг художник от Прованс - Никола Фромент ("Възкресението на Лазар", "Горещият храст", 1476 г.).
Характеристиките на новото във френското изкуство бяха особено ясно проявени в творчеството на художниците от школата на Лоара, които работеха в централната част на Франция (в долината на река Лоара). Много представители на тази школа са живели в град Тур, в който през 15в. е била резиденция на френския крал. Жител на Тур е един от най-значимите художници на тази епоха, Жан Фуке.
Един от най-известните художници от края на XV век. беше Жан Клуе Стария, известен също като Майстора на Мулен. Преди 1475г той работи в Брюксел и след това се премества в Мулен. Около 1498-1499г Жан Клуе Стари изпълнява най-значимото си произведение - триптих за катедралата Мулен, на чието централно крило е представена сцената "Дева Мария в слава", а отстрани - портрети на клиенти със светци покровители.
В централната част е изобразена Мадоната с младенеца, над чиято глава ангели държат корона. Вероятно Клуе е моделиран за образа на Мария от френско момиче, крехко и красиво. В същото време абстрактността на намерението на автора, декоративните ефекти (концентрични кръгове около Мария, ангели, образуващи венец по краищата на платното) придават на произведението известна прилика с готическото изкуство.
Голям интерес представляват красивите пейзажи, които Жан Клуе Стари поставя в композиции с религиозна тематика. До фигурите на светци в тези произведения има портретни изображения на клиенти. Например в платното „Рождество Христово“ (1480 г.), вдясно от Мария, можете да видите канцлера Ролен, скръстил молитвено ръце.
През втората половина на XV век. Симон Мармион също работи във Франция, който изпълнява редица олтарни композиции и миниатюри, сред които най-известната му работа са илюстрациите за Великите френски хроники, и Жан Бурдишон, портретист и миниатюрист, който създава прекрасни миниатюри за Часовете на Анна от бретонски.
Най-големият художник от това време е Жан Переал, който оглавява школата по живопис в Лион. Той беше не само художник, но и писател, архитект и математик. Славата за него надхвърли Франция и се разнесе в Англия, Германия, Италия. Переал е служил при крал Чарлз VIII и Франциск I, в Лион е заемал позицията на експерт по строителството. Запазени са редица негови портретни творби, включително портрет на Мария Тюдор (1514), Луи XII, Карл VIII. Едно от най-добрите произведения на Perreal е очарователното и поетично момиче с цвете. Интересни са и неговите картини на катедралата в Пюи, върху които, наред с религиозни и антични изображения, художникът поставя портрети на френски хуманисти, сред които се откроява образът на Еразъм Ротердамски.
В началото на XVI век. Франция беше най-голямата (по площ и население) държава в Западна Европа. По това време положението на селяните беше донякъде облекчено и се появиха първите капиталистически форми на производство. Но френската буржоазия все още не е достигнала нивото, за да заеме властови позиции в страната, както беше в италианските градове през XIV-XV век.
Тази епоха бе белязана не само от трансформации в икономиката и политиката на Франция, но и от широкото разпространение на ренесансовите хуманистични идеи, които бяха най-пълно представени в литературата, в писанията на Ронсар, Рабле, Монтен, Дю Беле. Монтен, например, смята изкуството за основно средство за възпитание на човек.
Както и в Германия, развитието на изкуството е тясно свързано с реформаторското движение срещу католическата църква. Това движение беше посетено от селяните, недоволни от своето положение, както и от градските нисши класове и буржоазията. След дълга борба тя е потисната, католицизмът запазва позициите си. Въпреки че Реформацията има само известно влияние върху изкуството, нейните идеи проникват в средата на хуманистичните художници. Много френски художници и скулптори са били протестанти.
Центровете на ренесансовата култура са градове като Париж, Фонтенбло, Тур, Поатие, Бурж, Лион. Крал Франциск I играе важна роля в разпространението на ренесансовите идеи, канейки френски художници, поети и учени в своя двор. В продължение на няколко години Леонардо да Винчи и Андреа дел Сарто работят в кралския двор. Около сестрата на Франциск, Маргарет Наварска, която се занимаваше с литературна дейност, се обединиха поети и писатели хуманисти, насърчавайки нови възгледи за изкуството и световния ред. През 1530г във Фонтенбло италианските маниеристи основават школа за светска живопис, която оказва значително влияние върху развитието на френското изобразително изкуство.
Важно място в живописта на Франция през първата половина на XVI век. заема изкуството на художниците Джовани Батиста Росо, Николо дел Абате и Франческо Приматичо, поканени от Италия да рисуват кралския дворец във Фонтенбло. Централно място в техните стенописи заемат митологични, алегорични и исторически сюжети, които включват изображения на голи женски фигури, които не се срещат в картините на френските майстори от онова време. Изисканото и елегантно, макар и донякъде маниерно изкуство на италианците оказа голямо влияние върху много френски художници, които дадоха началото на посоката, наречена школа Фонтенбло.
Голям интерес представлява портретното изкуство от този период. Френските портретисти продължават най-добрите традиции на майсторите от 15 век и преди всичко Жан Фуке и Жан Клуе Стария.
Портретите бяха широко разпространени не само в двора, изображенията с молив служеха като модерни снимки в много френски семейства. Тези рисунки често се отличават с виртуозност на изпълнение и надеждност при предаването на черти на човешкия характер.
Портретите с молив бяха популярни в други европейски страни, например в Германия и Холандия, но там те играха ролята на скица, която предшества живописния портрет, а във Франция такива произведения станаха независим жанр.
Най-великият френски портретист от тази епоха е Жан Клуе Младши.
Корнел де Лион, който работи в Лион, е отличен портретист, който рисува фини и одухотворени женски образи („Портрет на Беатрис Пачеко“, 1545 г.; „Портрет на кралица Клод“), отличаващи се с почти миниатюрно изпълнение и фино остъкляване и звучни цветове.
Простите и искрени портрети на деца и мъже от Корней дьо Лион се характеризират със способността да се разкрие дълбочината на вътрешния свят на модела, истинността и естествеността на позите и жестовете („Портрет на момче“, „Портрет на непознато“ Човек с черна брада”).
От средата на XVI век. във Франция работят талантливи майстори на портрети с молив: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, които продължават традициите на известния Франсоа Клуе. Отлични портретисти, които са работили в графичната техника, са братята Етиен и Пиер Дюмустие.
Животът и творчеството на Франсоа Клуе
възрожденско изкуство живопис френски
Франсоа Клуе е роден около 1516 г. в Тур. Учи при баща си Жан Клуе Младши, помага му при изпълнението на поръчки. След смъртта на баща си той наследява длъжността му на придворен художник на краля.
Въпреки че влиянието на Жан Клуе Младши, както и на италианските майстори, се забелязва в творчеството на Франсоа Клуе, неговият художествен стил се отличава със своята оригиналност и ярка индивидуалност.
Една от най-добрите творби на Франсоа Клуе е картината „Къпещата се жена“ (ок. 1571 г.), която по своя начин на изпълнение е малко като картината на училището Фонтенбло. В същото време, за разлика от митологичните композиции на тази школа, тя гравитира към портретния жанр. Някои историци на изкуството смятат, че на картината е изобразена Диана Поатие, а други смятат, че това е любимата на Чарлз IX Мари Туше. Композицията съдържа елементи на жанра: картината изобразява жена във вана, до която стои дете и кърмачка с бебе на ръце; на заден план е прислужница, която загрява водата за къпане. В същото време, благодарение на специалната композиционна конструкция и ясния портрет в интерпретацията на образа на млада жена, гледаща към зрителя със студена усмивка на блестяща светска дама, платното не създава впечатление за обикновено ежедневие сцена.
Забележителното умение на Франсоа Клуе се проявява в неговата портретна работа. Ранните му портрети в много отношения напомнят на творбите на баща му Жан Клуе Младши. В по-зрелите произведения се усеща оригиналният маниер на френския майстор. Въпреки че в по-голямата си част тези портрети се отличават с величие и тържественост, блясъкът на аксесоарите и луксът на костюмите и драпериите не пречат на художника да представи на зрителя ярките индивидуални характеристики на своите модели.
Няколко портрета на Карл IX от Франсоа Клуе са оцелели. В ранен портрет с молив от 1559 г. художникът изобразява самодоволен тийнейджър, гледащ важно към зрителя. Рисунката от 1561 г. представлява затворен, леко ограничен млад мъж, облечен в пълна рокля. Живописен портрет, изпълнен през 1566 г., показва зрителя Чарлз IX в пълен растеж. В крехка фигура и бледо лице художникът забеляза основните черти на неговия характер: нерешителност, липса на воля, раздразнителност, егоистична упоритост.
Едно от най-забележителните произведения на френското изкуство от XVI век. се превърна в живописен портрет на Елизабет Австрийска, написан от Франсоа Клуе около 1571 г. Картината изобразява млада жена в великолепна рокля, украсена с искрящи скъпоценни камъни. Красивото й лице е обърнато към зрителя, а изразителните тъмни очи изглеждат предпазливи и недоверчиви. Богатството и хармонията на цветовете правят платното истински шедьовър на френската живопис.
По различен начин е написан интимен портрет, в който Франсоа Клуе изобразява своя приятел, фармацевта Пиер Куте (1562 г.). Художникът постави героя в обичайната си офис среда, близо до масата, на която лежи хербариумът. В сравнение с предишната работа, картината се отличава с по-сдържана цветова схема, изградена върху комбинация от златисти, зелени и черни нюанси.
Голям интерес представляват портретите с молив на Франсоа Клуе, сред които се откроява портретът на Жана д'Албре, представяща елегантно младо момиче, в чиито очи зрителят може да придобие силен и решителен характер.
В периода от 1550 до 1560 г. Франсоа Клуе създава много графични портрети, включително красиви рисунки, изобразяващи малкия Франциск II, жизнено и очарователно момиче Маргьорит от Валоа, Мария Стюарт, Гаспар Колини, Анри II. Въпреки че някои изображения са донякъде идеализирани, основната характеристика на портретите е техният реализъм и правдивост. Художникът използва разнообразни техники: сангина, акварел, малки и леки щрихи.
Франсоа Клуе умира през 1572 г. в Париж. Изкуството му оказва голямо влияние върху съвременните художници и графици, както и върху френските майстори от следващите поколения.
Животът и творчеството на Франсоа Клуе Младши
Жан Клуе Младши, син на Жан Клуе Стари, е роден около 1485 г. Баща и става негов първи учител по рисуване. Има малко информация за живота на художника, известно е само, че от 1516 г. Жан Клуе Младши работи в Тур, а от 1529 г. в Париж, където заема длъжността придворен художник.
Портретите на Жан Клуе Младши са удивително автентични и правдиви. Това са изображенията с молив на придворните: Даян Поатие, Гийом Гуфие, Анна Монморанси. Художникът е рисувал някои от сподвижниците на краля повече от веднъж: три портрета на Гайо де Генуяк, участник в битката при Мариняно, направени през 1516, 1525 и 1526 г., два портрета на маршал Брисак, датиращи от 1531 и 1537 г., са оцелели. до този ден. Един от най-добрите му портрети с молив е образът на граф д'Итан (ок. 1519 г.), в който се забелязва желанието на майстора да проникне в дълбините на вътрешния свят на човека. Забележителен е и портретът на Еразъм Ротердамски (1520 г.). , изненадващо витален и духовен.
Жан Клуе Младият владее не само молива, но и четката. Това се доказва от няколко платна, оцелели до наши дни. Сред тях е портрет на дофин Франциск (ок. 1519), херцог Клод от Гиз (ок. 1525), Луи дьо Клев (1530).
Образите са донякъде идеализирани в тържествените церемониални портрети на малката Шарлот от Франция (ок. 1520 г.) и Франциск I на кон (1540 г.) прост и строг портрет на непознат мъж с том на Петрарка в ръка.
Някои изследователи смятат, че портретът на Франциск I, съхраняван в момента в Лувъра, принадлежи на четката на Жан Клуе Младши. Тази версия се потвърждава от рисунка, направена от художника, въпреки че е възможно той да е послужил като модел на един от учениците на Жан Клуе Младши (например синът му Франсоа Клуе) за създаване на живописен портрет на краля.
Портретът на Франциск I от Лувъра съчетава тържественост, декоративност и желание да се отразят индивидуалните черти на модела - кралят-рицар, както Франциск е наричан от съвременниците си. Великолепието на фона и богатото облекло на краля, блясъкът на аксесоарите - всичко това придава на картината великолепие, но не засенчва разнообразната гама от човешки чувства и черти на характера, които могат да се прочетат в очите на Франциск: измама, суета, амбиция, смелост. Портретът показа наблюдателността на художника, способността му точно и вярно да забележи онова уникално нещо, което отличава един човек от друг.
Жан Клуе Младият умира през 1541 г. Неговата работа (особено рисунките) има голямо влияние върху многобройни ученици и последователи, сред които може би най-талантливият е синът му Франсоа Клуе, когото Ронсар в своята „Елегия към Жан“ (съвременниците на Жан наричат всички представители на семейство Клуе), наречени „честта на нашата Франция“.
Животът и творчеството на Жан Фуке
Жан Фуке е роден около 1420 г. в Тур в семейството на свещеник. Учи живопис в Париж и, вероятно, в Нант. Работил е в Тур като придворен художник на крал Чарлз VII, след това на Луи XI. Той имаше голяма работилница, в която се изпълняваха поръчките на кралския двор.
Няколко години Фуке живее в Италия, в Рим, където се запознава с работата на италианските майстори. Но въпреки факта, че в неговите творби, особено ранните, се забелязва влиянието на италианското и холандското изкуство, художникът бързо развива свой собствен, уникален стил.
Изкуството на Фуке се проявява най-ярко в портретния жанр. Създадените от художника портрети на Карл VII и неговите министри са реалистични и правдиви, не съдържат нито ласкателство, нито идеализация. Въпреки че начинът на изпълнение на тези произведения в много отношения прилича на картините на холандските художници, портретите на Фуке са по-монументални и значими.
Най-често Фуке изобразява своите модели в моменти на молитва, така че героите на творбите му изглеждат потопени в собствените си мисли, сякаш не забелязват какво се случва около тях или публиката. Неговите портрети не се отличават с церемониален блясък и лукс на аксесоарите, изображенията върху тях са обикновени, прозаични и статични по готически начин.
Върху портрета на Шарл VII (ок. 1445 г.) има надпис: „Най-победоносният крал на Франция“. Но Фуке изобрази краля толкова надеждно и правдиво, че няма абсолютно никакви признаци за неговата победа: картината показва крехък и грозен човек, в чийто външен вид няма нищо героично. Зрителят вижда пред себе си егоист, преситен от живота и уморен от развлечения с малки очи, голям нос и месести устни.
Също толкова верен и дори безмилостен е портретът на един от най-влиятелните придворни на краля Ювенел дес Юрзен (ок. 1460 г.). Картината изобразява дебел мъж с подуто лице и самодоволно изражение. Портретът на Луи XI също е реалистичен. Художникът не се стреми по някакъв начин да украси моделите си, той ги изобразява точно както са били в живота. Това се потвърждава от многобройните рисунки с молив, предшестващи живописните портрети.
Шедьовърът на Фуке е диптих, написан около 1450 г., една част от който изобразява Етиен Шевалие със Св. Стефан, а от другата - Мадоната с младенеца Исус. Мария поразява със своята грация и спокойна красота. Бледите тела на Мадоната с Младенеца, сиво-синята рокля и хермелиновата роба на Мария контрастират рязко с яркочервените фигури на малките ангелчета, заобикалящи трона. Ясните линии, лаконичното и строго оцветяване на картината придават на изображението тържественост и изразителност.
Образите от втората част на диптиха се отличават със същата строга яснота и вътрешна дълбочина. Героите му са замислени и спокойни, погледите им отразяват ярки черти на характера. Стефан стои свободно и просто, изобразен като реална личност, а не като светец. Ръката му лежи покровителствено върху рамото на леко окования Етиен Шевалие, който е представен от художника в момента на молитва. Шевалие е мъж на средна възраст с набръчкано лице, крив нос и строг поглед в малките си очи. Вероятно така е изглеждал в реалния живот. Подобно на картината с Мадоната, тази част от диптиха се отличава с целостта на композицията, богатството и звучността на цвета, базирани на червени, златни и лилави нюанси.
Голямо място в творчеството на Фуке заемат миниатюрите. Тези произведения на художника са много подобни на произведенията на братята Лимбург, но те са по-реалистични в изобразяването на света около тях.
Фуке създава чудесни илюстрации за „Големите френски хроники“ (края на 1450-те), Книгата на часовете на Етиен Шевалие (1452-1460), „Романите“ на Бокачо (ок. 1460 г.), „Еврейските антики“ на Йосиф Флавий (ок. 1470 г.). ). В миниатюри, изобразяващи религиозни, антични сцени или италиански живот, съвременните френски градове с тихи улици и големи площади, поляни, хълмове, речни брегове на красивата родина на художника, забележителни архитектурни паметници на Франция са отгатнати от художника, включително катедралата Нотр Дам , Сен Шапел.
Миниатюрите почти винаги включват човешки фигури. Фуке обичаше да изобразява сцени от селски, градски и дворцов живот, епизоди от битките на наскоро приключилата война. На някои миниатюри можете да видите портрети на съвременници на художника („Изобразяване на Дева Мария от Етиен Шевалие“).
Фуке е талантлив летописец, произведенията му описват исторически събития с невероятна точност, детайлност и истина. Такава е миниатюрата „Процесът срещу херцога на Алансон през 1458 г.“, представляваща повече от двеста знака на един лист. Въпреки огромния брой фигури, изображението не се слива и композицията остава ясна и ясна. Героите на преден план изглеждат особено живи и естествени - жителите на града, дошли да се взират в съдията, охраната, сдържаща натиска на тълпата. Цветовото решение е много сполучливо: централната част на композицията е подчертана от синия фон на килима, който покрива мястото на съда. Други килими с красиви орнаменти, гоблени и растения подчертават изразителността на миниатюрата и й придават особена красота.
Творбите на Фуке свидетелстват за способността на техния автор майсторски да предава пространството. Така например неговата миниатюра „Св. Мартин“ (Книга на часовете на Етиен Шевалие) изобразява моста, насипа, къщите и мостовете толкова точно и надеждно, че е лесно да се възстанови облика на Париж по време на управлението на Карл VII.
Много от миниатюрите на Фуке се отличават с тънък лиризъм, който се създава благодарение на поетичния и спокоен пейзаж (листът „Давид научава за смъртта на Саул“ от „Еврейските антики“).
Фуке умира между 1477-1481 г. Много популярен приживе, художникът бързо е забравен от сънародниците си. Изкуството му получава достойна оценка едва много години по-късно, в края на 19 век.
Узаключение
Изкуството през Възраждането е основна форма на духовна дейност. Безразлични към изкуството почти нямаше. Художествените творби най-пълно изразяват както идеала за хармоничен свят, така и мястото на човека в него. Всички форми на изкуството са подчинени на тази задача в различна степен.
Идеалите на Ренесанса са най-пълно изразени от архитектурата, скулптурата, живописта, като живописта в този период излиза на преден план, изтласквайки архитектурата настрана. Това се обяснява с факта, че живописта има повече възможности да покаже реалния свят, неговата красота, богатство и разнообразие.
Характерна черта на културата на Ренесанса е тясната връзка между науката и изкуството. Художниците, стремейки се да отразяват най-пълно всички природни форми, се обръщат към научните познания. Разработва се нова система за художествено виждане на света. Ренесансовите художници развиват принципите на линейната перспектива. Това откритие помогна да се разшири обхватът на изобразените явления, да се включат пейзажът и архитектурата в живописното пространство, превръщайки картината в своеобразен прозорец към света. Съчетаването на учен и художник в една творческа личност е възможно само през Ренесанса. През Ренесанса се раждат и развиват нови стилове и направления, които до голяма степен определят както разцвета на съвременната култура, така и нейното по-нататъшно развитие.
ОТсписък на използваната литература
1) Гуревич П.С. Културология: Учебник. - М., 1996.
3) Културология / ред. Радугина А.А. - М., 1996.
4) Изкуството на ранния Ренесанс. - М.: Изкуство, 1980. - 257 с.
5) История на изкуството: Ренесанс. - М.: AST, 2003. - 503 с.
6) Яйленко Е. В. Италиански ренесанс. - М.: ОЛМА-ПРЕС, 2005. - 128 с.
7) Яйленко Е. В. Италиански ренесанс. - М.: ОЛМА-ПРЕС, 2005. - 128 с.
8) Лившиц Н.А. Френско изкуство 15-18 век Л., 1967.
9) Петрусевич Н.Б. Изкуството на Франция 15-16 век. М., 1973.
10) Каменская Т.Д. Новоселская И.Н. Френска рисунка 15-16 век. Л., 1969.
Хоствано на Allbest.ru
Подобни документи
Характеристики на Ренесанса. Раждането на ренесансовата култура в Холандия. Работата на Питер Брьогел и Ян ван Ейк. Портретна техника от Франсоа Клуе. Работата на майсторите от школата на Фонтенбло. Отличителни черти на художествената култура на Северния Ренесанс.
курсова работа, добавена на 30.09.2015 г
Обща характеристика на Ренесанса, неговите отличителни черти. Основните периоди и човек на Ренесанса. Развитието на системата от знания, философията на Ренесанса. Характеристики на шедьоврите на художествената култура от периода на най-високия разцвет на ренесансовото изкуство.
творческа работа, добавена на 17.05.2010 г
Периодизация на Ренесанса и неговите характеристики. Особеността на материалната култура на Ренесанса. Естеството на производството на предмети на материалната култура. Основните черти на стила, художествения облик на епохата. Характеристики на материалната култура.
курсова работа, добавена на 25.04.2012 г
Развитието на художествената култура на Ренесанса в Италия. Жизненият път и творчеството на Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело Буонароти. Творчеството на великите майстори на късния Ренесанс - Паладио, Веронезе, Тинторето. Изкуството на високия ренесанс.
резюме, добавено на 13.03.2011 г
Социално-икономически произход, духовен произход и характерни черти на културата на Възраждането. Развитието на италианската култура през периодите на Проторенесанса, Ранния, Високия и Късния Ренесанс. Характеристики на епохата на Възраждането в славянските държави.
резюме, добавено на 09.05.2011 г
Определяне на степента на влияние на Средновековието върху културата на Ренесанса. Анализ на основните етапи в развитието на художествената култура на Възраждането. Отличителни черти на Ренесанса в различни страни на Западна Европа. Характеристики на културата на беларуския Ренесанс.
курсова работа, добавена на 23.04.2011 г
Ренесансът като епоха в историята на Европа. Историята на появата на това явление, характеристики на ранния Ренесанс. Разцветът на Ренесанса в Холандия, Германия и Франция. Изкуство на Северния Ренесанс, наука, философия и литература. Архитектура и музика.
презентация, добавена на 15.12.2014 г
Хронологична рамка на Ренесанса, неговите отличителни черти. Светският характер на културата и нейният интерес към човека и неговите дейности. Етапи на развитие на Ренесанса, характеристики на неговото проявление в Русия. Възраждането на живописта, науката и мирогледа.
презентация, добавена на 24.10.2015 г
Хуманизмът като идеология на Ренесанса. Проявите на хуманизма в различни епохи. Отличителни черти на Ренесанса. Творческа дейност на италианския поет Франческо Петрарка. Еразъм Ротердамски - най-големият учен от Северния Ренесанс.
презентация, добавена на 12.10.2016 г
Проблемът за Ренесанса в съвременната културология. Основните характеристики на Ренесанса. Естеството на културата на Ренесанса. Хуманизмът на Ренесанса. Свободомислие и светски индивидуализъм. Наука на Ренесанса. Учението за обществото и държавата.
Лувърът - дело на архитекта Пиер Леско и скулптора Жан Гужон - е един от най-съвършените паметници на френската ренесансова архитектура. Почти век и половина го дели от миниатюрата с крепостта Лувър - периодът, през който културата на Франция изминава трудния път от аскетичното отричане на ценността на земното битие до възхвалата на неговата красота. Как се случи това?
Кълновете на новото си пробиха път тук през почвата, много по-сурова от почвата на градовете-републики на Италия и Холандия: Франция беше страната на класическите форми на феодализма и родното място на готическия стил (в Европа той се нарича „френски маниер“). Неговите градове никога не са се радвали на независимостта, която са имали техните северни и южни съседи. А готическите традиции, особено в архитектурата, остават непоклатими до началото на 16 век.
И все пак, вече на границата на XIV и XV век, в духовния живот на френското общество се забелязват фундаментални промени. В изобразителното изкуство те се срещат особено ясно в "илюминациите" (както се наричаха миниатюрите в онези дни), които украсяваха ръкописни книги. Основният център за производство на ръкописи беше Париж - една от най-големите столици на културна Европа. Писари, книговезци, майстори на пергамент, художници заемаха цял блок в града в съседство със Сорбоната - Парижкия университет. Техните публикации бяха много търсени. Поръчвани са научни трактати, рицарски романи, поетични произведения, преводи на антични автори, библии, учебници. Всички книги бяха украсени с елегантни орнаменти и цветни миниатюри. Културата на украса беше на високо ниво. Данте и Петрарка говореха с възхищение за парижките ръкописи.
 |
J. Sourdo, D. Sourdo, J. Gobero, P. Neve. Замъкът Шамбор. 1519-1559. (Нагоре) Братята Лимбург. "Октомври". Миниатюра от Великолепната книга с часове на херцога на Бери. Водни бои. 1411 - 1416. На заден план - Лувъра от началото на 15 век. (На дясно) А. Картон. Коронясване на Богородица. Масло. 1453. |
Ренесанс - в превод от френски означава "Ренесанс". Така те наричат цялата епоха, символизираща интелектуалния и артистичен разцвет на европейската култура. Ренесансът възниква в Италия в началото на 14-ти век, възвестявайки упадъка на епохата на културен упадък и Средновековието, което се основава на варварството и невежеството и, развивайки се, достига своя връх през 16-ти век.
За първи път за Ренесанса пише историограф от италиански произход, художник и автор на трудове за живота на известни художници, скулптори и архитекти в началото на 16 век.
Първоначално терминът "Ренесанс" означава определен период (началото на XIV век) на формирането на нова вълна на изкуството. Но след известно време това понятие придоби по-широко тълкуване и започна да обозначава цяла епоха на развитие и формиране на култура, противоположна на феодализма.
Периодът на Ренесанса е тясно свързан с появата на нови стилове и техники на рисуване в Италия. Има интерес към древните изображения. Секуларизмът и антропоцентризмът са неразделни характеристики, които изпълват скулптурата и живописта от онова време. Ренесансът заменя аскетизма, който характеризира средновековната епоха. Появява се интерес към всичко светско, към безграничната красота на природата и, разбира се, към човека. Ренесансовите художници подхождат към визията на човешкото тяло от научна гледна точка, опитвайки се да изработят всичко до най-малкия детайл. Снимките стават реалистични. Картината е изпълнена с уникален стил. Тя установи основните канони на вкуса в изкуството. Широко разпространена е нова мирогледна концепция, наречена "хуманизъм", според която човек се счита за най-висша ценност.
Ренесансов период
Духът на разцвет е широко изразен в картините от онова време и изпълва картината с особена чувственост. Ренесансът свързва културата с науката. Художниците започват да разглеждат изкуството като клон на знанието, изучавайки в детайли физиологията на човека и света около него. Това беше направено с цел по-реалистично отразяване на истината за Божието творение и събитията, които се случват върху техните платна. Много внимание се отделя на изобразяването на религиозни сюжети, които придобиват земно съдържание благодарение на умението на гении като Леонардо да Винчи.
Има пет етапа в развитието на италианското ренесансово изкуство.
Международна (дворна) готика
Възникнала в началото на 13 век, придворната готика (дученто) се характеризира с прекомерен блясък, пищност и претенциозност. Основният вид живопис е миниатюра, изобразяваща олтарни сцени. Художниците използват темперни бои, за да създават своите картини. Ренесансът е богат на известни представители на този период, като италианските художници Виторе Карпачо и Сандро Ботичели.
Предренесансов период (Проторенесанс)
Следващият етап, който се смята за предшестващ Ренесанса, се нарича Проторенесанс (треченто) и се пада в края на XIII - началото на XIV век. Във връзка с бързото развитие на хуманистичния светоглед, живописта от този исторически период разкрива вътрешния свят на човек, неговата душа, има дълбоко психологическо значение, но в същото време има проста и ясна структура. Религиозните сюжети избледняват на заден план, а светските стават водещи, а човек със своите чувства, изражение на лицето и жестове действа като главен герой. Появяват се първите портрети от италианския Ренесанс, които заемат мястото на иконите. Известни художници от този период са Джото, Пиетро Лоренцети.
Ранен Ренесанс
В началото започва етапът на ранния Ренесанс (куатроченто), символизиращ разцвета на живописта с отсъствието на религиозни сюжети. Лицата на иконите придобиват човешки облик, а пейзажът като жанр в живописта заема отделна ниша. Основателят на художествената култура на ранния Ренесанс е Мосачо, чиято концепция се основава на интелектуалността. Картините му са силно реалистични. Великите майстори са изследвали линейната и въздушна перспектива, анатомията и са използвали знанията в своите творения, които могат да се видят в правилното триизмерно пространство. Представители на ранния Ренесанс са Сандро Ботичели, Пиеро дела Франческа, Полайоло, Верокио.
Висок Ренесанс или "Златен век"
От края на 15 век започва етапът на високия Ренесанс (чинкученто) и не продължава дълго, до началото на 16 век. Негов център стават Венеция и Рим. Художниците разширяват своите идейни хоризонти и се интересуват от космоса. Човек се появява в образа на герой, съвършен както духовно, така и физически. Фигури от тази епоха са Леонардо да Винчи, Рафаело, Тициан Вечелио, Микеланджело Буонароти и др. Великият художник Леонардо да Винчи е бил "универсален човек" и е бил в постоянно търсене на истината. Занимавайки се със скулптура, драматургия, различни научни експерименти, той успява да намери време и за рисуване. Творението "Мадона в скалите" ясно отразява стила на светлосенката, създаден от художника, където комбинацията от светлина и сянка създава триизмерен ефект, а известната "Джоконда" е направена с техниката "смуфато", която създава илюзията за мъгла.
Късен Ренесанс
По време на късния Ренесанс, който пада в началото на 16 век, град Рим е превзет и разграбен от германските войски. Това събитие бележи началото на ерата на изчезване. Римският културен център престана да бъде покровител на най-известните фигури и те бяха принудени да се разпръснат в други градове в Европа. В резултат на нарастващото несъответствие във възгледите между християнската вяра и хуманизма в края на 15 век, маниеризмът става преобладаващият стил, който характеризира живописта. Ренесансът постепенно завършва, тъй като основата на този стил се счита за красив начин, който засенчва идеите за хармонията на света, истината и всемогъществото на ума. Творчеството става сложно и придобива характеристиките на конфронтация на различни посоки. Брилянтни творби принадлежат на такива известни художници като Паоло Веронезе, Тинорето, Якопо Понтормо (Каручи).
Италия става културен център на живописта и дарява света с брилянтни художници от този период, чиито картини и до днес предизвикват емоционална наслада.
Освен в Италия, развитието на изкуството и живописта имаше важно място и в други европейски страни. Тази тенденция е наречена.Особено забележителна е живописта на ренесансова Франция, която расте на собствена почва. Краят на Стогодишната война предизвика растеж на универсалното съзнание и развитието на хуманизма. В него има реализъм, връзка с научното познание, влечение към образите на античността. Всички горепосочени характеристики го доближават до италианския, но наличието на трагична нотка в платната е съществена разлика. Известни ренесансови художници във Франция - Ангуеран Шаронтон, Никола Фроман, Жан Фуке, Жан Клуе Стария.
Възраждане (Ренесанс). Италия. XV-XVI век. ранен капитализъм. Страната се управлява от богати банкери. Интересуват се от изкуство и наука.
Богатите и силните събират около себе си талантливите и мъдрите. Поети, философи, художници и скулптори водят ежедневни разговори със своите покровители. В един момент изглежда, че хората са управлявани от мъдреци, както иска Платон.
Спомнете си древните римляни и гърци. Те също така изградиха общество на свободни граждани, където основната ценност е човек (без да броим робите, разбира се).
Ренесансът не е просто копиране на изкуството на древните цивилизации. Това е смес. Митология и християнство. Реализъм на природата и искреност на образите. Красота физическа и духовна.
Беше просто проблясък. Периодът на Високия Ренесанс е около 30 години! От 1490-те до 1527 г От началото на разцвета на творчеството на Леонардо. Преди разграбването на Рим.
Миражът на един идеален свят бързо избледня. Италия беше твърде крехка. Скоро тя била поробена от друг диктатор.
Тези 30 години обаче определят основните характеристики на европейската живопис за 500 години напред! До .
Реализъм на изображението. Антропоцентризъм (когато центърът на света е човекът). Линейна перспектива. Маслени бои. Портрет. пейзаж...
Невероятно, но през тези 30 години няколко блестящи майстори са работили наведнъж. В други случаи се раждат едно на 1000 години.
Леонардо, Микеланджело, Рафаело и Тициан са титаните на Ренесанса. Но е невъзможно да не споменем двамата им предшественици: Джото и Мазачио. Без които нямаше да има Ренесанс.
1. Джото (1267-1337)
Паоло Учело. Джото да Бондони. Фрагмент от картината „Петимата майстори на флорентинския Ренесанс“. Началото на 16 век. . XIV век. Проторенесанс. Главният й герой е Джото. Това е майстор, който сам направи революция в изкуството. 200 години преди Високия Ренесанс. Ако не беше той, ерата, с която човечеството толкова се гордее, едва ли щеше да настъпи.
Преди Джото е имало икони и фрески. Създадени са според византийските канони. Лица вместо лица. плоски фигури. Пропорционално несъответствие. Вместо пейзаж - златен фон. Както, например, на тази икона.
Гуидо да Сиена. Поклонение на влъхвите. 1275-1280 Алтенбург, музей Линденау, Германия. И изведнъж се появяват фреските на Джото. Имат големи фигури. Лицата на знатни хора. Стари и млади. тъжно Жален. Изненадан. различни.
Фрески от Джото в църквата Скровени в Падуа (1302-1305). Вляво: Оплакването на Христос. В средата: Целувката на Юда (детайл). Вдясно: Благовещение на св. Анна (майката на Мария), фрагмент.
Основното творение на Джото е цикъл от неговите стенописи в параклиса Скровени в Падуа. Когато тази църква се отвори за енориаши, тълпи от хора се изляха в нея. Те никога не са виждали това.
В крайна сметка Джото направи нещо безпрецедентно. Той превежда библейските истории на прост, разбираем език. И станаха много по-достъпни за обикновените хора.
Джото. Поклонение на влъхвите. 1303-1305 Фреска в параклиса Скровени в Падуа, Италия. Това ще бъде характерно за много майстори на Ренесанса. Лаконизъм на образите. Живи емоции на героите. Реализъм.
Прочетете повече за стенописите на майстора в статията.
Джото беше възхитен. Но неговата иновация не беше доразвита. Модата на международната готика дойде в Италия.
Едва след 100 години ще се появи достоен наследник на Джото.
2. Мазачо (1401-1428)
Мазачио. Автопортрет (фрагмент от фреската „Свети Петър на амвона“). 1425-1427 Параклисът Бранкачи в Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия. Началото на 15 век. Така нареченият Ранен Ренесанс. Още един новатор излиза на сцената.
Мазачио е първият художник, който използва линейна перспектива. Той е проектиран от неговия приятел, архитекта Брунелески. Сега изобразеният свят е станал подобен на реалния. Архитектурата на играчките е нещо от миналото.
Мазачио. Свети Петър лекува със сянката си. 1425-1427 Параклисът Бранкачи в Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия. Той възприема реализма на Джото. Въпреки това, за разлика от своя предшественик, той вече познаваше добре анатомията.
Вместо блокадни герои, Джото е красиво изградени хора. Също като древните гърци.
Мазачио. Кръщение на неофитите. 1426-1427 Параклис Бранкачи, църква Санта Мария дел Кармине във Флоренция, Италия. 
Мазачио. Изгнание от Рая. 1426-1427 Фреска в параклиса Бранкачи, Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия. Мазачо живя кратък живот. Той умря, подобно на баща си, неочаквано. На 27 години.
Той обаче имаше много последователи. Майстори от следващите поколения ходели в параклиса Бранкачи, за да се учат от стенописите му.
Така иновацията на Мазачио е възприета от всички велики художници на Високия Ренесанс.
3. Леонардо да Винчи (1452-1519)
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 Кралска библиотека в Торино, Италия. Леонардо да Винчи е един от титаните на Ренесанса. Той оказва голямо влияние върху развитието на живописта.
Да Винчи издигна статута на самия художник. Благодарение на него представителите на тази професия вече не са просто занаятчии. Това са творците и аристократите на духа.
Леонардо прави пробив предимно в портрета.
Той вярваше, че нищо не трябва да отвлича вниманието от основния образ. Окото не трябва да се лута от един детайл към друг. Така се появяват прочутите му портрети. Кратко. Хармонично.
Леонардо да Винчи. Дама с хермелин. 1489-1490 Музей Черториски, Краков. Основната иновация на Леонардо е, че той е намерил начин да направи изображенията ... живи.
Пред него героите в портретите изглеждаха като манекени. Линиите бяха ясни. Всички детайли са внимателно изчертани. Една нарисувана рисунка не би могла да бъде жива.
Леонардо изобретил метода сфумато. Той замъгли линиите. Направи прехода от светлина към сянка много мек. Героите му сякаш са покрити с едва забележима мъгла. Героите оживяха.
. 1503-1519 Лувър, Париж. Сфумато ще влезе в активния речник на всички големи творци на бъдещето.
Често има мнение, че Леонардо, разбира се, е гений, но не е знаел как да доведе нищо до края. И често не завършваше рисуването. И много от неговите проекти останаха на хартия (между другото, в 24 тома). Като цяло той беше хвърлен в медицината, след това в музиката. Дори изкуството на сервирането по едно време беше любимо.
Все пак помислете сами. 19 картини - и той е най-великият художник на всички времена и народи. И някой дори не е близо до величието, докато пише 6000 платна за цял живот. Очевидно кой има по-висока ефективност.
Прочетете за най-известната картина на майстора в статията.
4. Микеланджело (1475-1564)
Даниеле да Волтера. Микеланджело (детайл). 1544 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк. Микеланджело се смяташе за скулптор. Но той беше универсален майстор. Както и другите му колеги от Възраждането. Затова живописното му наследство е не по-малко грандиозно.
Той е разпознаваем преди всичко по физически развитите характери. Той изобразява съвършен човек, в който физическата красота означава духовна красота.
Затова всичките му герои са толкова мускулести, издръжливи. Дори жени и стари хора.
Микеланджело. Фрагменти от фреската на Страшния съд в Сикстинската капела, Ватикана.
Често Микеланджело рисува героя гол. И тогава добавих дрехи отгоре. За да направите тялото възможно най-релефно.
Той сам рисува тавана на Сикстинската капела. Въпреки че това са няколкостотин цифри! Дори не даваше на никого да трие боята. Да, той беше необщителен. Той имаше твърд и свадлив характер. Но най-вече беше недоволен от... себе си.
Микеланджело. Фрагмент от фреската "Сътворението на Адам". 1511 Сикстинската капела, Ватикана. Микеланджело е живял дълъг живот. Преживява упадъка на Ренесанса. За него това беше лична трагедия. По-късните му творби са пълни с тъга и скръб.
Като цяло творческият път на Микеланджело е уникален. Ранните му произведения са възхвала на човешкия герой. Свободен и смел. В най-добрите традиции на Древна Гърция. Като неговия Давид.
През последните години от живота - това са трагични образи. Нарочно грубо дялан камък. Сякаш пред нас са паметници на жертвите на фашизма от 20 век. Вижте неговата "Пиета".
Скулптури на Микеланджело в Академията за изящни изкуства във Флоренция. Вляво: Дейвид. 1504 Вдясно: Пиета от Палестрина. 1555 г
Как е възможно? Един художник е преминал през всички етапи на изкуството от Ренесанса до 20 век за един живот. Какво ще правят следващите поколения? Вървете по своя път. Знаейки, че летвата е поставена много високо.
5. Рафаел (1483-1520)
. 1506 Галерия Уфици, Флоренция, Италия. Рафаел никога не е бил забравен. Неговият гений винаги е бил признат: както приживе, така и след смъртта.
Героите му са надарени с чувствена, лирична красота. Именно той с право се счита за най-красивите женски образи, създавани някога. Външната красота отразява духовната красота на героините. Тяхната кротост. Тяхната саможертва.
Рафаел. . 1513 Галерия на старите майстори, Дрезден, Германия. Известните думи „Красотата ще спаси света“ са казал именно Фьодор Достоевски. Това беше любимата му снимка.
Чувствените образи обаче не са единствената силна страна на Рафаел. Той много внимателно обмисляше композицията на своите картини. Той беше ненадминат архитект в живописта. Освен това той винаги намираше най-простото и хармонично решение в организацията на пространството. Изглежда, че не може да бъде иначе.
Рафаел. Атинско училище. 1509-1511 Фреска в стаите на Апостолическия дворец, Ватикана. Рафаел е живял само 37 години. Той почина внезапно. От настинки и лекарски грешки. Но неговото наследство не може да бъде надценено. Много художници идолизираха този майстор. И умножиха чувствените му образи в хиляди свои платна..
Тициан беше ненадминат колорист. Експериментира много и с композицията. Като цяло той беше смел новатор.
Заради такъв блясък на таланта всички го обичаха. Наричан "кралят на художниците и художникът на кралете".
Говорейки за Тициан, искам да сложа удивителен знак след всяко изречение. В края на краищата той внесе динамика в живописта. Патос. Ентусиазъм. Ярък цвят. Блясък от цветове.
Тициан. Възнесение на Мария. 1515-1518 Църква Санта Мария Глориози дей Фрари, Венеция. Към края на живота си той развива необичайна техника на писане. Ударите са бързи и плътни. Боята се нанасяше с четка или с пръсти. От това – образите са още по-живи, дишащи. А сюжетите са още по-динамични и драматични.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 Музей Фицуилям, Кеймбридж, Англия. Това не ви ли напомня за нищо? Разбира се, това е техника. И техниката на художниците от XIX век: Барбизон и. Тициан, подобно на Микеланджело, ще премине през 500 години рисуване в един живот. Ето защо той е гений.
Прочетете за известния шедьовър на майстора в статията.
Ренесансовите художници са собственици на големи знания. За да оставиш такова наследство, беше необходимо да учиш много. В областта на историята, астрологията, физиката и т.н.
Затова всеки техен образ ни кара да се замислим. Защо е показано? Какво е криптираното съобщение тук?
Те почти никога не грешат. Защото са обмислили добре бъдещата си работа. Те използваха целия багаж на знанията си.
Те бяха повече от артисти. Те са били философи. Те ни обясняваха света чрез рисуване.
Ето защо те винаги ще бъдат дълбоко интересни за нас.
