Произведения на театралното изкуство. Театърът като вид изкуство. Неговите художествени средства. Някои термини на античния театър

Никой не знае точно кога се е появило театралното изкуство. Беше актуално и беше индикатор за висока култура почти през цялото време. Каква е стойността Защо не губи популярността си днес?

Театърът е известен с уникалната си приказна атмосфера. Това е сложно изкуство, защото е колективно. За една театрална постановка е необходимо хармонично взаимодействие на много детайли. Това е и декорите, и актьорската игра, и самият сценарий.

Театралното изкуство е наистина уникално дори в нашата съвременна епоха, богата на разнообразни забавления. Каква е основната му разлика от другите видове културен отдих? Театърът не отделя актьора от публиката. Това определено е живо изкуство. Публиката и актьорите по време на представлението са почти едно цяло. Това е особеното очарование на театъра.

Зрителят вижда със собствените си очи как актьорът свиква с ролята. Публиката, може да се каже, има уникалната възможност да види процеса на създаване. Актьорът, като истински художник, създава необходимия образ и всичко това е тук и сега, точно пред възхитения зрител.

За разлика от повечето други форми на изкуство, театърът не прави аутсайдери от публиката си. Във всяка продукция е важно не само изпълнението на актьорите, но и реакцията на публиката. Театралното изкуство сякаш кара публиката да почувства, че е и неразделна част от себе си. Трудно е да си представим постановка без възхитени аплодисменти или пред равнодушна тишина.

Някои древни мислители отидоха още по-далеч в мислите за обединението на зрителя и актьора. По-рано имаше идея, според която човек, който идва на представление, виждайки на сцената концентриран израз на всички мощни емоции, изпитва някакъв катарзис. Тоест зрителят се идентифицира с актьора и усеща освобождаването на всичките им потиснати чувства. Времето, когато се смяташе, че театралното изкуство не само доставя естетическо удоволствие, но е и вид лекарство за душата. И дори сега можете да намерите много истина в тази теория.

Ако споменем театъра, почти всеки човек ще си представи обичайната постановка. Има обаче и други разновидности на това изкуство. На първо място, това е опера. Какво е? Операта е своеобразен и уникален спектакъл, в който актьорите изразяват емоциите си с пеене, а не с думи. Освен това този жанр не може да съществува без гениална музика. Операта, за разлика от конвенционалните театрални постановки, е по-поетична. То не засяга рационалното и логическо ниво на човешкото съзнание, а директно върху емоциите и интуицията. Този вид театрално изкуство трябва да се възприема не чрез мислене, а чрез чувства. Може би затова не всеки харесва такъв жанр като операта, той има както противници, така и възхитени фенове.

Какви други видове театрални изкуства съществуват? Разбира се, тук не може да се пренебрегне балетът. Това е двойно уникално, тук всички чувства се изразяват не само чрез музика, но и чрез танц. Това е уникалната магия и атракция на балета. Всяко страхотно произведение може да бъде изразено чрез танц. Въпреки това, когато посещава балет, зрителят трябва да бъде изключително концентриран и ангажиран. Публиката трябва да бъде изключително възприемчива, за да може да „прочете” посланието, което се съдържа във всяко движение.

Без съмнение театралното изкуство дори след известно време ще се радва на голяма любов на хората. Това наистина е културен празник във висшата си проява, който не само изпълва зрителя с нови емоции, но и служи за образователни, развлекателни и дори образователни цели.

Театърът като вид изкуство. Спецификата на театралното творчество.

Театърът като вид изкуство.

Театралното изкуство е едно от най-сложните, най-ефективните и най-старите изкуства. Освен това е хетерогенен, синтетичен. Като компоненти театралното изкуство включва архитектура, живопис и скулптура (декорация) и музика (тя звучи не само в мюзикъл, но често и в драматично представление), и хореография (отново не само в балета, но и в драмата). ), и литература (текстът, върху който се изгражда драматичен спектакъл), и актьорско изкуство и т. н. Измежду всичко изброено, актьорското изкуство е основното, определящо за театъра.

Театралното изкуство, за разлика от другите изкуства, е живо изкуство. Това се случва само в часа на срещата със зрителя. Основава се на незаменимия емоционален, духовен контакт между сцената и публиката. Няма такъв контакт, което означава, че няма спектакъл, който да живее по собствените си естетически закони.

Театърът е двойно колективно изкуство. Зрителят възприема театрална постановка, сценично действие не самостоятелно, а колективно, „усещайки лакътя на съседа”, което до голяма степен засилва впечатлението, художествената зараза от случващото се на сцената. В същото време самото впечатление идва не от един човек-актьор, а от група актьори. И на сцената, и в залата, от двете страни на рампата, те живеят, чувстват и действат - не отделни индивиди, а хора, общество от хора, свързани помежду си за известно време чрез общо внимание, цел, общо действие .

До голяма степен именно това определя огромната социална и образователна роля на театъра. Изкуството, което се създава и възприема заедно, се превръща в школа в истинския смисъл на думата. „Театърът“, пише известният испански поет Гарсия Лорка, „е училище за сълзи и смях, безплатна платформа, от която хората могат да изобличат остарелия или фалшив морал и да обяснят, използвайки живи примери, вечните закони на човешкото сърце и човешкия усещане."

Човек се обръща към театъра като отражение на съвестта си, на душата си – той разпознава себе си в театъра, своето време и своя живот. Театърът открива пред него невероятни възможности за духовно и нравствено себепознание.

^ Спецификата на театралното творчество.

Всяко изкуство, притежавайки специални средства за въздействие, може и трябва да даде своя принос в общата система на естетическото възпитание.

Театърът, като никоя друга форма на изкуство, има най-голям „капацитет“. Тя включва способността на литературата да пресъздава живота във външните и вътрешните му проявления в една дума, но тази дума не е разказ, а живо звучаща, пряко въздействаща. В същото време, за разлика от литературата, театърът пресъздава реалността не в съзнанието на читателя, а като обективно съществуващи картини на живота (спектакъл), разположени в пространството. И в това отношение театърът се доближава до живописта. Но театралното действие е в постоянно движение, развива се във времето – и това е близко до музиката. Потапянето в света на преживяванията на зрителя е подобно на състоянието, което изпитва слушателят на музика, потопен в собствения си свят на субективно възприемане на звуци.

Разбира се, театърът в никакъв случай не е заместител на другите форми на изкуството. Спецификата на театъра е, че носи „свойствата” на литературата, живописта и музиката чрез образа на жив актьор. Този пряк човешки материал за други форми на изкуството е само отправната точка на творчеството. За театъра "природата" служи не само като материал, но се запазва и в непосредствената си жизненост. Както отбелязва философът Г. Г. Шпет: „Актьорът твори от себе си в двоен смисъл: 1) като всеки художник, от творческото си въображение; и 2) конкретно притежаващ в свое лице материала, от който е създаден художественият образ.

Изкуството на театъра има удивителна способност да се слива с живота. Сценичният спектакъл, въпреки че се развива от другата страна на рампата, в моменти на високо напрежение размива границата между изкуство и живот и се възприема от публиката като самата реалност. Привлекателната сила на театъра е в това, че „животът на сцената” свободно се утвърждава във въображението на зрителя.

Такъв психологически обрат се получава, защото театърът не само е надарен с особеностите на действителността, но сам по себе си е художествено създадена реалност. Театралната реалност, създаваща впечатлението за реалност, има свои особени закони. Истината на театъра не може да бъде измерена с критериите за правдоподобност на живота. Психологическото натоварване, което героят на драмата поема върху себе си, не може да бъде издържан от човек в живота, тъй като в театъра има изключително уплътняване на цели цикли от събития. Героят на пиесата често преживява вътрешния си живот като куп страсти и висока концентрация на мисли. И всичко това се приема от публиката за даденост. „Невероятно“ според нормите на обективната реалност изобщо не е признак на ненадеждно изкуство. В театъра „истината” и „неистината” имат различни критерии и се определят от закона на образното мислене. „Изкуството се преживява като реалност чрез пълнотата на нашите психични „механизми“, но в същото време се оценява в своето специфично качество като създадена от човека игра, „нереална“, както казват децата, илюзорно удвояване на реалността. ”

Посетителят на театъра се превръща в театрален зрител, когато възприеме този двоен аспект на сценичното действие, като не само вижда жизненоважно конкретно действие пред себе си, но и разбира вътрешния смисъл на този акт. Случващото се на сцената се усеща и като истината на живота, и като негово образно пресъздаване. В същото време е важно да се отбележи, че зрителят, без да губи усещане за реалността, започва да живее в света на театъра. Връзката между реалната и театралната реалност е доста сложна. Има три фази в този процес:

1. Реалността на обективно показаната действителност, претворена от въображението на драматурга в драматична творба.

2. Драматична творба, въплътена от театъра (режисьор, актьори) в сценичния живот – представление.

3. Сценичният живот, възприет от публиката и станал част от техния опит, се сля с живота на публиката и по този начин отново се връща в реалността.

Но „връщането“ не е аналогично на първоизточника, сега е обогатено духовно и естетически. „Произведението на изкуството е създадено, за да живее – да живее почти буквално

Тази дума, т.е. влезли, като преживяни събития от реалния живот,

В духовния опит на всеки човек и цялото човечество.

Кръстосването на два вида активно въображение - на актьора и на публиката - поражда това, което се нарича "магията на театъра". Предимството на театралното изкуство е в това, че въплъщава въображаемото в живо действие, разгръщащо се на сцената с яснота и конкретност. В други изкуства въображаемият свят или се появява в човешкото въображение, както в литературата и музиката, или е изобразен в камък или върху платно, като в скулптурата или живописта. В театъра зрителят вижда въображаемото. „Всяко изпълнение съдържа някои физически и обективни елементи, достъпни за всеки зрител“ .

Сценичното изкуство по своята същност предполага не пасивен, а активен ентусиазъм към публиката, тъй като в никое друго изкуство няма такава зависимост на творческия процес от неговото възприемане, както в театъра. При Г. Д. Гачев публиката е „като небесни, като хилядооки Аргус<...>разпалват действието на сцената<...>тъй като самият свят на сцената възниква, появява се, но в същата степен е и работата на зрителя.

Основният закон на театъра - вътрешното съучастие на публиката в събитията, протичащи на сцената - включва вълнението на въображението, независимото, вътрешно творчество у всеки от зрителите. Това увлечение от действието отличава зрителя от безразличния наблюдател, който се среща и в театралните зали. Зрителят, за разлика от актьора, активният артист, е съзерцателен артист.

Активното въображение на публиката съвсем не е някакво особено духовно свойство на избраните любители на изкуството. Разбира се, развитият художествен вкус е от голямо значение, но това е въпрос на развитие на онези емоционални принципи, които са присъщи на всеки човек. „Художественият вкус отваря пътя на читателя, слушателя, зрителя от външната форма към вътрешната и от нея към съдържанието на произведението. За да бъде изминат успешно този път, е необходимо участието на въображението и паметта, емоционалните и интелектуални сили на психиката, волята и вниманието и накрая, вярата и любовта, тоест същия интегрален умствен комплекс от духовни сили, които осъществяват творчески акт, е необходим.

Съзнанието за художествената реалност в процеса на възприемане е толкова по-дълбоко, колкото по-пълно е потопен зрителят в сферата на опита, толкова по-многопластово изкуство навлиза в човешката душа. В тази връзка на две сфери – несъзнателното преживяване и съзнателното възприемане на изкуството съществува въображението. То е присъщо на човешката психика изначално, органично, достъпно за всеки човек и може да бъде значително развито в хода на натрупването на естетически опит.

Естетическото възприятие е творчеството на зрителя и може да достигне голяма интензивност. Колкото по-богата е природата на самия зрител, толкова по-развито е естетическото му чувство, по-пълно е неговото художествено преживяване, толкова по-активно е въображението му и по-богати са театралните му впечатления.

Естетиката на възприятието до голяма степен е насочена към идеалния зрител. В действителност съзнателният процес на възпитание на театрална култура вероятно ще насърчи зрителя към придобиване на знания за изкуството и овладяване на определени умения за възприятие. Един образован зрител може да:

Познайте театъра в неговите собствени закони;

Познайте театъра в неговите съвременни процеси;

Познайте театъра в неговото историческо развитие.

В същото време трябва да се знае, че механично сгънатите в главата на зрителя знания не са гаранция за пълноценно възприятие. Процесът на формиране на зрителска култура до известна степен има свойствата на „черна кутия”, в която количествените моменти не винаги се събират по права линия в определени качествени явления.

Театърът е невероятно изкуство. Дори само защото през миналия век няколко пъти му предричаха неизбежна смърт. Той беше заплашен от Великия мълчалив, който беше намерил говор – изглежда, че звуковото кино ще отнеме цялата публика от театъра. Тогава заплахата дойде от телевизията, когато спектакълът дойде директно в къщата, по-късно започна да се страхува от мощното разпространение на видео и интернет.

Ако обаче се спрем на общите тенденции в съществуването на театралното изкуство в света, тогава няма нищо изненадващо във факта, че в началото на 21 век театърът не само се запази, но започна ясно да набляга на не- масовия характер и в известен смисъл „елитарността” на неговото изкуство. Но в същия смисъл може да се говори за елитарност на визуалните изкуства или класическата музика, ако сравним милионната публика, която се събират популярни изпълнители, с ограничен брой хора в консерваторията.

В синтетичния театър на новото време традиционното съотношение на доминиращите принципи – истината и фикцията – се явява в своеобразно неразривно единство. Този синтез се осъществява както като акт на преживяване (възприемане на истината за живота), така и като акт на естетическа наслада (възприемане на театралната поезия). Тогава зрителят става не само психологически участник в действието, тоест човек, който "поглъща" съдбата на героя и духовно се обогатява, но и творец, който извършва творческо действие във въображението си, едновременно с това, което се случва на сцената. Този последен момент е изключително важен и в естетическото възпитание на публиката заема централно място.

Разбира се, всеки зрител може да има своя собствена представа за идеално изпълнение. Но във всички случаи се основава на определена „програма” от изисквания към чл. Този вид „знание” предполага известна зрялост на културата на публиката.

Културата на зрителя до голяма степен зависи от естеството на изкуството, което се предлага на зрителя. Колкото по-трудна е задачата, поставена пред него – естетическа, етична, философска, колкото по-напрегната е мисълта, толкова по-остро е преживяването, толкова по-фино е проявлението на вкуса на зрителя. Защото това, което наричаме култура на читателя, слушателя, зрителя, е пряко свързано с развитието на самата личност на човек, зависи от неговото духовно израстване и влияе върху неговото по-нататъшно духовно израстване.

Значението на задачата, която театърът поставя пред зрителя в психологически план се състои във факта, че художественият образ, даден в цялата му сложност и непоследователност, се възприема от зрителя първо като реален, обективно съществуващ персонаж, а след това, като свикнеш с образа и разсъждаваш върху него.действия, разкрива (като ли самостоятелно) вътрешната му същност, обобщаващото му значение.

В естетическо отношение сложността на задачата се състои в това, че зрителят възприема сценичната образност не само според критериите на истината, но и знае как (научил се) да дешифрира нейното поетическо метафорично значение.

И така, спецификата на театралното изкуство е жив човек, като пряко преживяващ герой и като пряко създаващ художник-художник, а най-важният закон на театъра е прякото въздействие върху зрителя.

„Ефектът на театъра”, неговата яснота се определя не само от достойнството на самото изкуство, но и от достойнството, естетическата култура на зрителната зала. За зрителя като задължителен сътворец на спектакъла най-често се пише и говори от самите театрални дейци (режисьори и актьори): „Няма театрално представление без участието на публиката, а пиесата има шанс само за успех ако самият зрител „загуби“ играта, т.е. ... приема нейните правила и играе ролята на човек, който съпреживява или се оттегля.

Но пробуждането на твореца в зрителя настъпва само ако зрителят е в състояние да възприеме напълно съдържанието, присъщо на спектакъла, ако успее да разшири естетическия си диапазон и да се научи да вижда новото в изкуството, ако остане верен на любимият му артистичен стил, той не се оказва глух и за други творчески посоки, ако успее да види нов прочит на класическо произведение и умее да отдели режисьорското намерение от изпълнението му от актьорите... Там има още много такива "ако". Следователно, за да може зрителят да се включи в творчеството, така че художникът да се събуди в него, на настоящия етап от развитието на нашия театър е необходимо общо повишаване на художествената култура на зрителя.

Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу

Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.

публикувано на http://www.allbest.ru/

театъркакизгледизкуство,инеговатаместенразликаотдругивидовеизкуства

театрален художествен апартамент

Както всяка друга форма на изкуство (музика, живопис, литература), театърът има свои собствени особености. Това изкуство е синтетично: театралното произведение (спектакъл) се състои от текста на пиесата, работата на режисьора, актьора, художника и композитора. Музиката играе решаваща роля в операта и балета.

Театърът е колективно изкуство. Спектакълът е резултат от дейността на много хора, не само тези, които излизат на сцената, но и тези, които шият костюми, правят реквизит, поставят светлината, срещат публиката. Нищо чудно, че има дефиниция за „работници в театрална работилница“: представлението е едновременно творчество и продукция.

Театърът предлага собствен начин на разбиране на околния свят и съответно свой набор от художествени средства. Спектакълът е както специално действие, разиграно в пространството на сцената, така и особено образно мислене, различно от, да речем, музиката.

Театърът, като никоя друга форма на изкуство, има най-голям „капацитет“. Тя включва способността на литературата да пресъздава живота във външните и вътрешните му проявления в една дума, но тази дума не е разказ, а живо звучаща, пряко въздействаща. В същото време, за разлика от литературата, театърът пресъздава реалността не в съзнанието на читателя, а като обективно съществуващи картини на живота (спектакъл), разположени в пространството. И в това отношение театърът се доближава до живописта. Но театралното действие е в постоянно движение, развива се във времето – и това е близко до музиката. Потапянето в света на преживяванията на зрителя е подобно на състоянието, което изпитва слушателят на музика, потопен в собствения си свят на субективно възприемане на звуци.

Разбира се, театърът в никакъв случай не е заместител на другите форми на изкуството. Спецификата на театъра е, че носи „свойствата” на литературата, живописта и музиката чрез образа на жив актьор. Този пряк човешки материал за други форми на изкуството е само отправната точка на творчеството. За театъра "природата" служи не само като материал, но се запазва и в непосредствената си жизненост.

Изкуството на театъра има удивителна способност да се слива с живота. Сценичният спектакъл, въпреки че се развива от другата страна на рампата, в моменти на високо напрежение размива границата между изкуство и живот и се възприема от публиката като самата реалност. Привлекателната сила на театъра е в това, че „животът на сцената” свободно се утвърждава във въображението на зрителя.

Такъв психологически обрат се получава, защото театърът не само е надарен с особеностите на действителността, но сам по себе си е художествено създадена реалност. Театралната реалност, създаваща впечатлението за реалност, има свои особени закони. Истината на театъра не може да бъде измерена с критериите за правдоподобност на живота. Психологическото натоварване, което героят на драмата поема върху себе си, не може да бъде издържан от човек в живота, тъй като в театъра има изключително уплътняване на цели цикли от събития. Героят на пиесата често преживява вътрешния си живот като куп страсти и висока концентрация на мисли. И всичко това се приема от публиката за даденост. „Невероятно“ според нормите на обективната реалност изобщо не е признак на ненадеждно изкуство. В театъра „истината” и „неистината” имат различни критерии и се определят от закона на образното мислене. „Изкуството се преживява като реалност чрез пълнотата на нашите психични „механизми“, но в същото време се оценява в своето специфично качество като създадена от човека игра, „нереална“, както казват децата, илюзорно удвояване на реалността. ”

Посетителят на театъра се превръща в театрален зрител, когато възприеме този двоен аспект на сценичното действие, като не само вижда жизненоважно конкретно действие пред себе си, но и разбира вътрешния смисъл на този акт. Случващото се на сцената се усеща и като истината на живота, и като негово образно пресъздаване. В същото време е важно да се отбележи, че зрителят, без да губи усещане за реалността, започва да живее в света на театъра. Връзката между реалната и театралната реалност е доста сложна. Има три фази в този процес:

1. Реалността на обективно показаната действителност, претворена от въображението на драматурга в драматична творба.

2. Драматична творба, въплътена от театъра (режисьор, актьори) в сценичния живот - представление.

3. Сценичният живот, възприет от публиката и станал част от техния опит, се сля с живота на публиката и по този начин отново се връща в реалността.

Основният закон на театъра - вътрешното съучастие на публиката в събитията, протичащи на сцената - включва вълнението на въображението, независимото, вътрешно творчество у всеки от зрителите. Това увлечение от действието отличава зрителя от безразличния наблюдател, който се среща и в театралните зали. Зрителят, за разлика от актьора, активният артист, е съзерцателен артист.

Активното въображение на зрителите съвсем не е някакво особено духовно свойство на избраните любители на изкуството. Разбира се, развитият художествен вкус е от голямо значение, но това е въпрос на развитие на онези емоционални принципи, които са присъщи на всеки човек.

Съзнанието за художествената реалност в процеса на възприемане е толкова по-дълбоко, колкото по-пълно е потопен зрителят в сферата на опита, толкова по-многопластово изкуство навлиза в човешката душа. В тази връзка на две сфери – несъзнателното преживяване и съзнателното възприемане на изкуството съществува въображението. То е присъщо на човешката психика изначално, органично, достъпно за всеки човек и може да бъде значително развито в хода на натрупването на естетически опит.

Естетическото възприятие е творчеството на зрителя и може да достигне голяма интензивност. Колкото по-богата е природата на самия зрител, толкова по-развито е естетическото му чувство, по-пълно е неговото художествено преживяване, толкова по-активно е въображението му и по-богати са театралните му впечатления.

Естетиката на възприятието до голяма степен е насочена към идеалния зрител. В действителност съзнателният процес на възпитание на театрална култура вероятно ще насърчи зрителя към придобиване на знания за изкуството и овладяване на определени умения за възприятие.

В синтетичния театър на новото време традиционното съотношение на доминиращите принципи – истината и фикцията – се явява в своеобразно неразривно единство. Този синтез се осъществява както като акт на преживяване (възприемане на истината за живота), така и като акт на естетическа наслада (възприемане на театралната поезия). Тогава зрителят става не само психологически участник в действието, тоест човек, който "поглъща" съдбата на героя и духовно се обогатява, но и творец, който извършва творческо действие във въображението си, едновременно с това, което се случва на сцената. Този последен момент е изключително важен и в естетическото възпитание на публиката заема централно място.

Разбира се, всеки зрител може да има своя собствена представа за идеално изпълнение. Но във всички случаи се основава на определена „програма” от изисквания към чл. Този вид „знание” предполага известна зрялост на културата на публиката.

Културата на зрителя до голяма степен зависи от естеството на изкуството, което се предлага на зрителя. Колкото по-трудна е поставена пред него задачата – естетическа, етична, философска, толкова по-засилена е мисълта, толкова по-остро е преживяването, толкова по-фино е проявлението на вкуса на зрителя. Защото това, което наричаме култура на читателя, слушателя, зрителя, е пряко свързано с развитието на самата личност на човек, зависи от неговото духовно израстване и влияе върху неговото по-нататъшно духовно израстване.

Значението на задачата, която театърът поставя пред зрителя в психологически план се състои във факта, че художественият образ, даден в цялата му сложност и непоследователност, се възприема от зрителя първо като реален, обективно съществуващ персонаж, а след това, като свикнеш с образа и разсъждаваш върху него.действия, разкрива (като ли самостоятелно) вътрешната му същност, обобщаващото му значение.

В естетическо отношение сложността на задачата се състои в това, че зрителят възприема сценичната образност не само според критериите на истината, но и знае как (научил се) да дешифрира нейното поетическо метафорично значение.

И така, спецификата на театралното изкуство е жив човек, като пряко преживяващ герой и като пряко създаващ художник-художник, а най-важният закон на театъра е прякото въздействие върху зрителя.

„Ефектът на театъра”, неговата яснота се определя не само от достойнството на самото изкуство, но и от достойнството, естетическата култура на зрителната зала. Но пробуждането на твореца в зрителя настъпва само ако зрителят е в състояние да възприеме напълно съдържанието, присъщо на спектакъла, ако успее да разшири естетическия си диапазон и да се научи да вижда новото в изкуството, ако остане верен на любимият му артистичен стил, той не се оказва глух и за други творчески посоки, ако успее да види нов прочит на класическо произведение и умее да отдели режисьорското намерение от изпълнението му от актьорите... Там има още много такива "ако". Следователно, за да може зрителят да се включи в творчеството, така че художникът да се събуди в него, на настоящия етап от развитието на нашия театър е необходимо общо повишаване на художествената култура на зрителя.

Театралното представление се основава на текст, като пиеса за драматичен спектакъл. Дори в онези сценични постановки, където думата като такава отсъства, текстът е необходим; по-специално балетът, а понякога и пантомимата има сценарий - либрето. Процесът на работа по спектакъла се състои в пренасяне на драматичния текст на сцената – това е своеобразен „превод“ от един език на друг. В резултат на това литературното слово се превръща в сценично слово.

Първото нещо, което зрителят вижда, след като завесата се отвори (или се вдигне), е сценичното пространство, в което е поставена декорацията. Те показват мястото на действие, историческото време, отразяват националния колорит. С помощта на пространствени конструкции може да се предаде дори настроението на героите (например в епизод на страданието на героя, потопете сцената в тъмнина или затегнете фона й с черен цвят). По време на действието, с помощта на специална техника, декорът се променя: денят се превръща в нощ, зимата в лято, улицата в стая. Тази техника се е развила заедно с научната мисъл на човечеството. Механизмите за повдигане, щитове и люкове, които в древни времена са се задвижвали ръчно, сега се повдигат и спускат по електронен път. Свещите и газовите лампи се заменят с електрически лампи; често се използват лазери.

Още в древността се формират два типа сцена и зрителна зала: сцена на ложата и сцена на амфитеатра. Сцената на бокса предвижда нива и сергии, а публиката заобикаля сцената на амфитеатъра от три страни. Сега в света се използват и двата вида. Съвременните технологии позволяват да се промени театралното пространство - да се подреди платформа в средата на залата, да се настани зрителят на сцената и да се играе представлението в залата.На сградата на театъра винаги е било отдавано голямо значение. Театрите обикновено се строяха на централния площад на града; архитектите искаха сградите да бъдат красиви, да привличат внимание. Идвайки в театъра, зрителят се отказва от ежедневието, сякаш се издига над реалността. Ето защо не е случайно, че стълбище, украсено с огледала, често води към залата.

Музиката помага да се засили емоционалното въздействие на драматично представление. Понякога звучи не само по време на действието, но и по време на антракта – за да поддържа интереса на публиката. Главното лице в пиесата е актьорът. Зрителят вижда пред себе си човек, мистериозно превърнат в художествен образ – своеобразно произведение на изкуството. Разбира се, произведение на изкуството не е самият изпълнител, а неговата роля. Тя е творение на актьор, създаден от глас, нерви и нещо неусетно – дух, душа. За да бъде възприето действието на сцената като цяло, е необходимо да се организира обмислено и последователно. Тези задължения в съвременния театър се изпълняват от режисьора. Разбира се, много зависи от таланта на актьорите в представлението, но въпреки това те са подчинени на волята на лидера - режисьора. Хората, както преди много векове, идват в театъра. От сцената се чува текстът на пиесите, претворен от силите и чувствата на изпълнителите. Художниците водят свой собствен диалог – и не само вербален. Това е разговор на жестове, пози, погледи и изражения на лицето. Фантазията на декоратора с помощта на цвят, светлина, архитектурни структури на обекта кара пространството на сцената да "говори". И всичко заедно е затворено в строга рамка на режисьорското намерение, което придава на разнородните елементи завършеност и цялост.

Зрителят съзнателно (а понякога и несъзнателно, сякаш против волята си) оценява актьорската и режисьорската игра, съответствието на решението на театралното пространство с общия план. Но основното е, че той, зрителят, се присъединява към изкуството, за разлика от другите, създадени тук и сега. Осмисляйки смисъла на представлението, той разбира смисъла на живота.

Намерениехореографскивърши работа(сценаилиапартамент)

Сюита (от френски Suite - „ред“, „последователност“) е циклична музикална форма, състояща се от няколко независими контрастни части, обединени от обща идея.

Това е цикъл от няколко части, състоящ се от независими, контрастиращи парчета, обединени от обща художествена идея. Понякога вместо името "сюита" композиторите използват друго, също често срещано - "партита".

Сюитата се отличава от сонатата и симфонията с голямата независимост на частите, а не с такава строгост, редовността на тяхното съотношение. Терминът "сюита" е въведен през втората половина на 17 век от френски композитори. Апартаментите от 17-18 век са танцови апартаменти; През 19 век се появяват оркестрови нетанцови сюити (най-известните са „Шехерезада“ от Н. А. Римски-Корсаков, „Картини на изложба“ от М. П. Мусоргски).

В Германия в края на 17 век се формира точна последователност от части:

Сюитата се характеризира с живописно изобразяване, тясна връзка с песента и танца. Доста често сюитите са съставени от музика, написана за балети, опери и театрални постановки. Има и два специални вида сюита – вокална и хорова.

Предшественикът на сюитата може да се счита за сдвоена комбинация от танци, обичайни в края на Ренесанса - бавни, важни (например паванът) и по-оживени (например галиард). По-късно този цикъл става четиричастен. Немският композитор Йохан Якоб Фробергер (1616-1667) създава модел на инструментална танцова сюита: алеманда в умерено темпо и двоен метър - изящен звън - gigue - премерена сарабанда.

Исторически, първата е стара танцова сюита, ​​която е написана за един инструмент или оркестър. Първоначално имаше два танца: величествен паване и бърз галиард. Те са свирени един след друг - така възникват първите образци на старата инструментална сюита, ​​която получава най-голямо разпространение през 2-ра половина на 17-ти век. - 1-ва половина на XVIII век. В класическия си вид той се утвърждава в творчеството на австрийския композитор И. Я. Фробергер. Той се основава на четири различни танца: алеманда, куранте, сарабанда, джиг. Постепенно композиторите започват да включват и други танци в сюитата и изборът им варира свободно. Това могат да бъдат: менует, пасакалия, полонез, чакона, ригодон и др. Понякога в сюитата се въвеждаха нетанцови пиеси – арии, прелюдии, увертюри, токати. Така общият брой на стаите в апартамента не беше регулиран. По-важни бяха средствата, които обединяваха отделни парчета в един цикъл, например контрастите на темпо, метър и ритъм.

Сюитата като жанр се развива под влиянието на операта и балета. Има нови танцови и песенни части в духа на арията; възникнаха сюити, състоящи се от оркестрови фрагменти от музикални и театрални произведения. Важен елемент от сюитата беше френската увертюра – уводната част, състояща се от бавно тържествено начало и бързо завършек на фугата. В някои случаи терминът "увертюра" заменя термина "сюита" в заглавията на произведенията; други синоними бяха термините "порядък" ("порядък") от Ф. Куперен и "partita" от Й. С. Бах.

Истинският връх в развитието на жанра е достигнат в творчеството на Й. С. Бах. Композиторът изпълва музиката на многобройните си сюити (клавир, цигулка, виолончело, оркестър) с такова проникновено усещане, прави тези произведения толкова разнообразни и дълбоки в настроение, организира ги в толкова хармонично цяло, че преосмисля жанра, отваря нови изразни възможности, съдържащи се в простите танцови форми., както и в самата основа на цикъла на сюитата („Чакона” от партитата в ре минор).

В средата на 1700-те сюитата се слива със сонатата и самият термин престава да се използва, въпреки че структурата на сюитата продължава да живее в такива жанрове като серенада, дивертисмент и други. Означението „сюита“ започва да се появява отново в края на 19-ти век, като често означава, както преди, колекция от инструментални фрагменти от опера (сюита от Кармен Г. Бизе), от балет (сюита от Лешникотрошачката от П. И. Чайковски), от музика към драматична пиеса (сюита на Пеер Гюнт от музиката на Е. Григ до драмата на Ибсен). Някои композитори съставиха самостоятелни програмни сюити - сред тях, например, Шехерезада Н. А. Римски-Корсаков въз основа на ориенталски приказки.

Композитори от 19-20 век, запазвайки основните черти на жанра - цикличност, контраст на части и др., им дават различна образна интерпретация. Танцувалността вече не е задължителен атрибут. Сюитът използва разнообразен музикален материал, често съдържанието му се определя от програмата. В същото време танцовата музика не е изгонена от сюитата, напротив, в нея се въвеждат нови, модерни танци, например „Puppet Cake Walk“ в сюитата на К. Дебюси „Children's Corner“. Появяват се сюити, съставени от музика за театрални постановки (Пер Гюнт от Е. Григ), балети (Лешникотрошачката и Спящата красавица от П. И. Чайковски, Ромео и Жулиета от С. С. Прокофиев), опери (Приказката за цар Салтан“ от Н. А. Римски-Корсаков). ). В средата на XX век. сюитите са съставени и от музика за филми („Хамлет“ от Д. Д. Шостакович).

Във вокално-симфоничните сюити наред с музиката се чува и словото (Зимният огън на Прокофиев). Понякога композиторите наричат ​​определени вокални цикли вокални сюити (Шест стихотворения от М. Цветаева от Шостакович).

Списъкизползванизточници

1. Гачев Г. Д. Съдържание на художествените форми. Епос. Текстове на песни. театър. М., 2008г

2. Каган. М. С. Естетиката като философска наука. Университетски курс на лекции. Санкт Петербург, 2007 г.

3. Соснова М.Л. Изкуството на актьора. М. Академик Авеню; Tricksta, 2007 г.

4. Шпет Г. Г. Театърът като изкуство // Въпроси на философията, 1989, No 11.

Хоствано на Allbest.ru

Подобни документи

Театърът като изкуство и социално-психологически феномен. Механизми на художествения диалог в театъра. Психологизмът в системата на К.С. Станиславски. „Условен театър“ Слънце. Мейерхолд. Епичен театър за зрителя Б. Брехт. А. Арто и неговият „Театър на жестокостта”.

дисертация, добавена на 16.02.2011г


Изследване на особеностите на възникването и формирането на руския театър. Буфоните са първите представители на професионалния театър. Появата на училищна драма и училищно-църковни представления. Театър от ерата на сантиментализма. модерни театрални групи.

презентация, добавена на 20.11.2013


Произходът на руския театър. Първото доказателство за шута. Формиране на руско оригинално шутовско изкуство. Театър от ерата на сантиментализма. Разделяне на театъра на две трупи. Руски театър от постсъветския период. История на Малия театър.

презентация, добавена на 12/09/2012


Руска народна драма и народно театрално изкуство. Видове фолклорен театър. Буфони като основоположници на руското народно изкуство. Театър "Жив актьор". Коледни и карнавални игри. Съвременни тенденции във фолклорното движение в Русия.

курсова работа, добавена на 16.04.2012


Буфони като първите древни руски скитащи актьори. Народен панаирен театър, куклен театър-вертеп. Училищна драма "Възкресение на мъртвите". Характеристики на музикалността на украинския театър. Дейността на крепостните театри през втората половина на 18 век.

презентация, добавена на 11/03/2013


Първите театри в Санкт Петербург, театралното изкуство и културно-просветния образ на града. Ролята на театъра в развитието на културните възгледи на населението, развитието на научните и културните връзки между Русия и други страни. Оперна симфонична музика.

резюме, добавен на 13.04.2012


Ролята на театъра и театралните произведения в живота на S.A. Юриев, влиянието му върху драматичното изкуство на Русия в края на 19 век. Основните етапи на биографията. Театрален опит. Успешни постановки на пиеси от Лопе де Вега. Теоретични трудове на S.A. Юриев за театъра.

резюме, добавен на 01.08.2017


Описание на терминологията на графитите. Примери за използване на графити като акт на вандализъм на обществени места, по стените на музей и обществени сгради. Заявление като протест. Изкуството на графитите като най-висша форма на себеизразяване. Графити фестивали.

презентация, добавена на 02/12/2010


Характеристики на развитието на театралното изкуство от 18 век, когато в Италия се утвърждава моделът на организиране на театралното пространство, известен като „сцена-кутия”. Авангардно изкуство от началото на 20 век и промени в театъра. Участие на зрителите.

резюме, добавен на 24.07.2016


Феномен, който съчетава изкуство и технологии. Възникването и развитието на индустриалния дизайн, европейския дизайн и проблемите на преподаване на неговите основи. Преодоляване на пропастта между намерението и изпълнението. Произход на американския дизайн.

ТЕАТЪРЪТ КАТО ВИД ИЗКУСТВО

Както всяка друга форма на изкуство (музика, живопис, литература), театърът има свои собствени особености. Това изкуство е синтетично: театралното произведение (спектакъл) се състои от текста на пиесата, работата на режисьора, актьора, художника и композитора. Музиката играе решаваща роля в операта и балета.

Театърът е колективно изкуство. Спектакълът е резултат от дейността на много хора, не само тези, които излизат на сцената, но и тези, които шият костюми, правят реквизит, поставят светлината, срещат публиката. Нищо чудно, че има дефиниция за „работници на театралния цех“: представлението е едновременно творчество и продукция.

Театърът предлага собствен начин на разбиране на околния свят и съответно свой набор от художествени средства. Спектакълът е както специално действие, разиграно в пространството на сцената, така и особено образно мислене, различно от, да речем, музиката.

Театралното представление се основава на текст, като пиеса за драматичен спектакъл. Дори в онези сценични постановки, където думата като такава отсъства, текстът е необходим; по-специално балетът, а понякога и пантомимата има сценарий - либрето. Процесът на работа върху представление се състои в пренасяне на драматичния текст на сцената – това е един вид „превод”; от един език на друг. В резултат на това литературното слово се превръща в сценично слово.

Първото нещо, което зрителят вижда, след като завесата се отвори (или се вдигне), е сценичното пространство, в което е поставена декорацията. Те показват мястото на действие, историческото време, отразяват националния колорит. С помощта на пространствени конструкции може да се предаде дори настроението на героите (например в епизод на страданието на героя, потопете сцената в тъмнина или затегнете фона й с черен цвят). По време на действието, с помощта на специална техника, декорът се променя: денят се превръща в нощ, зимата в лято, улицата в стая. Тази техника се е развила заедно с научната мисъл на човечеството. Механизмите за повдигане, щитове и люкове, които в древни времена са се задвижвали ръчно, сега се повдигат и спускат по електронен път. Свещите и газовите лампи се заменят с електрически лампи; често се използват лазери.

Още в древността се формират два типа сцена и зрителна зала: сцена на ложата и сцена на амфитеатра. Сцената на бокса предвижда нива и сергии, а публиката заобикаля сцената на амфитеатъра от три страни. Сега в света се използват и двата вида. Съвременните технологии позволяват да се промени театралното пространство - да се подреди платформа в средата на залата, да се настани зрителят на сцената и да се играе представлението в залата.На сградата на театъра винаги е било отдавано голямо значение. Театрите обикновено се строяха на централния площад на града; архитектите искаха сградите да бъдат красиви, да привличат внимание. Идвайки в театъра, зрителят се отказва от ежедневието, сякаш се издига над реалността. Ето защо не е случайно, че стълбище, украсено с огледала, често води към залата.

Музиката помага да се засили емоционалното въздействие на драматично представление. Понякога звучи не само по време на действието, но и по време на антракта – за да поддържа интереса на публиката. Главното лице в пиесата е актьорът. Зрителят вижда пред себе си човек, мистериозно превърнат в художествен образ – своеобразно произведение на изкуството. Разбира се, произведение на изкуството не е самият изпълнител, а неговата роля. Тя е творение на актьор, създаден от глас, нерви и нещо неусетно – дух, душа. За да бъде възприето действието на сцената като цяло, е необходимо да се организира обмислено и последователно. Тези задължения в съвременния театър се изпълняват от режисьора. Разбира се, много зависи от таланта на актьорите в представлението, но въпреки това те са подчинени на волята на лидера - режисьора. Хората, както преди много векове, идват в театъра. От сцената се чува текстът на пиесите, претворен от силите и чувствата на изпълнителите. Художниците водят свой собствен диалог – и не само вербален. Това е разговор на жестове, пози, погледи и изражения на лицето. Фантазията на декоратора с помощта на цвят, светлина, архитектурни структури на обекта кара сценичното пространство да "говори". И всичко заедно е затворено в строга рамка на режисьорското намерение, което придава на разнородните елементи завършеност и цялост.

Зрителят съзнателно (а понякога и несъзнателно, сякаш против волята си) оценява актьорската и режисьорската игра, съответствието на решението на театралното пространство с общия план. Но основното е, че той, зрителят, се присъединява към изкуството, за разлика от другите, създадени тук и сега. Осмисляйки смисъла на представлението, той разбира смисъла на живота. Историята на театъра продължава.

ВИДОВЕ ТЕАТЪР

Първите театрални представления включват слово и пеене, танц и движение. Музиката и жестовете подсилват значението на думите, танците понякога стават самостоятелни ";но мерки";. Такива действия се отличават със синкретизъм (от гръцки "; syncretismos"; - "; връзка";), тоест такава степен на сливане на съставните части (на първо място музиката и думите), че зрителят не може да ги изолира в неговия ум и оценявайте всяка форма поотделно. Постепенно публиката се научи да прави разлика между елементите на представлението и с течение на времето от тях се развиват познатите ни видове театър. Синкретизмът е заменен от синтез - съзнателното съчетаване на различни форми.

Най-често срещаният и популярен тип - драматичен т театър Основното изразно средство е думата (не случайно този театър понякога се нарича разговорен). Значението на събитията, протичащи на сцената, характерите на героите се разкриват с помощта на думи, които допълват текста (може да бъде прозаичен или поетичен). Друг вид театрално изкуство е операта (виж статията „Музиката на Италия“; в раздела „Музика“); В операта конвенционалността на театъра е особено очевидна - в крайна сметка в реалния живот хората не пеят, за да говорят за техните чувства. Основното нещо в операта е музиката. Но партитурата (музикалната нотация) трябва да бъде представена, изиграна на сцената: съдържанието на произведението ще бъде напълно разкрито само в сценичното пространство. Такова изпълнение изисква специално умение от изпълнителите: те трябва не само да могат да пеят, но и да имат актьорски умения. С помощта на звуци актьорът-певец е в състояние да изрази най-сложните чувства. Въздействието на едно музикално изпълнение - със силен състав певци, добър оркестър, професионална режисура - може да бъде силно, дори опияняващо. Подчинява зрителя, отвежда го в света на божествените звуци.

През XVI век. на основата на придворни и народни танци започват да се формират балет театър. Самата дума "балет"; идва от къснолатински ballare - "танцувам";. В балета събитията и взаимоотношенията на героите са разказани от движенията и танците, които артистите изпълняват по музиката, композирана на базата на либретото. В края на XX век. широко разпространени станаха безсюжетни изпълнения, създадени по музика на симфонични произведения. Хореографът поставя такива изпълнения. ";Хорея"; в превод от старогръцки означава "танц"; и ";графика"; - ";писване";. Следователно хореографът „пише представлението“; с помощта на танца той изгражда пластични композиции в съответствие с музиката и сюжета.

В балетните представления като правило са заети солисти, както и светила - така в руския театър се наричаше главният артист на балета, който танцуваше на първа линия, по-близо до публиката. Кордебалетът се нарича участници в масовите сцени. История оперети обхваща малко повече от век и половина. В науката има две гледни точки за оперетата. Някои учени го смятат за независим вид театрално изкуство, други - за жанр (същото може да се каже и за мюзикъла).

Първите представления, предимно с комично съдържание, се появяват през втората половина на 19 век. в парижкия театър "; Buff Parisien";. Сюжетите на оперетите обикновено са комедийни, разговорните диалози се редуват с пеене и танци. Понякога музикалните номера не са свързани със сюжета, те са интерлюдии (виж статията "; Жак Офенбах, Йохан Щраус и лека музика от втория половината на 19 век"; в раздела " ;Музика";).

В края на 19 век САЩ музикален. Това е сценична творба (както комична, така и драматична по сюжет), която използва формите на поп арт, драматичен театър, балет и опера и ежедневен танц. В оперета могат да се вмъкнат музикални фрагменти, в мюзикъл -. никога, те са "разтворени"; В действие. Музикалът е изкуство за всеки. Сюжетите обикновено са прости, а мелодиите често се превръщат в хитове. Историята на мюзикъла започва през 1866 г. – тогава в Ню Йорк е показан музикален драматичен спектакъл „Черният разбойник“; (в друг превод "; Злодей мошеник";). Успехът беше огромен и неочакван. Мюзикълът обаче заема своето достойно място сред другите видове театрално изкуство едва през 20-те години. XX век. Подобни представления започват да се появяват първо в САЩ, а след Втората световна война - на сцените на Англия, Австрия, Франция. Заснети са най-успешните мюзикъли (";Кабаре";, ";Шербурските чадъри";, ";Звук на музика";).

Най-древният вид театрални представления - пантомима (от гръцки "; pantbmimos"; - "; всичко възпроизвеждано чрез имитация";). Това изкуство възниква в древността. Съвременна пантомима - представления без думи: това са или кратки номера, или подробно сценично действие със сюжет. През 19 век изкуството на пантомимата е прославено от английския клоун Джоузеф Грималди (1778-1837) и френския Пиеро - Жан Гаспар Дебюро (1796-1846). Традицията е продължена от Étienne Decroux (1898-1985) и Jean Louis Barraud (19 10-1994). Декру основава школа на така наречената чиста пантомима – да се прави на сцената „само това, което друго изкуство не може да направи“; Поддръжниците на подобни идеи вярваха, че жестът е по-правдив и по-ярък от думата. Традициите на Barro и Decroux са продължени от известния френски мим Марсел Марсо (роден през 1923 г.). В Москва Хайнрих Мацкевичус организира Театъра на пластичната драма, чийто репертоар включва сложни и задълбочени представления на митологични и библейски теми.

През последната четвърт на XIX век. в цяла Европа, но предимно във Франция, започват да се създават кабаретни театри , който съчетаваше формите на театрално, сценично, ресторантско пеене. Най-известните и популярни бяха "Черната котка"; в Париж, „Единадесетте палачи“; в Мюнхен, ";Върви по дяволите"; в Берлин, ";Криво огледало"; В Петербург.

В помещенията на кафенето се събраха хора на изкуството и това създаде специална атмосфера. Пространството за подобни репрезентации може да бъде най-необичайното, но най-често се избираше мазето – като нещо обикновено, но в същото време мистериозно, малко забранено, под земята. С кабаретните изпълнения (кратки сцени, пародии или песни), както за публиката, така и за изпълнителите, се свързваше едно особено изживяване – усещане за необуздана свобода. Усещането за мистерия обикновено се засилваше от факта, че подобни изпълнения се давали късно, понякога през нощта. И до днес в различни градове по света има истински кабарета.

Специален вид театрално представление - куклено шоу. В Европа се появява в ерата на античността. В Древна Гърция и Рим се играеха домашни представления. От това време театърът, разбира се, се е променил, но основното остава - само кукли участват в такива представления. Въпреки това през последните години куклите често „споделят“; сцена с актьори.

Всяка нация има свои собствени куклени герои, по някакъв начин сходни, но различни. Но всички те имат едно общо нещо: на сцената се шегуват, шегуват се, осмиват недостатъците на хората. Куклите се различават една от друга, както по "външен вид", така и по устройство. Най-често срещаните кукли са тези, които се управляват с помощта на конци, кукли и тръстикови кукли. Представленията на куклен театър изискват специално оборудване и специална сцена. Първоначално това беше просто кутия с дупки, направени отдолу (или отгоре). През Средновековието на площада се провеждали представления - тогава между два стълба се дръпнала завеса, зад която се скрили кукловодите. През 19 век представленията започват да се играят в специално изградени помещения.

Специална форма на кукления театър е театърът на куклите, дървените кукли. За кукления театър бяха написани специални сценарии. Историята на световния куклен театър познава много известни имена. Изпълненията на С. В. Образцов имаха огромен успех. Реваз Леванович Габриадзе (роден през 1936 г.), грузински кукловод и драматург, предлага нови решения в своите фантазии.

ПРОИЗХОДЪТ НА ТЕАТЪРА.

Театърът е изкуство, което "изчезва" и е трудно за описание. Спектакълът оставя следа в паметта на публиката и много малко материални, материални следи. Ето защо науката за театъра - театрознание - възниква късно, в края на 19 век. В същото време се появяват две теории за произхода на театъра. Според първото изкуството на Сиена (и западно, и източно) се е развило от обреди и магически ритуали. В подобни действия винаги имаше игра, участниците често използваха маски и специални костюми. Човекът ";играл"; (изобразен например божество), за да повлияе на света около нас - хора, природа, богове. С течение на времето някои обреди се превърнаха в светски игри и започнаха да служат за забавление; по-късно участниците в подобни игри се отделиха от зрителите.

Друга теория свързва възникването на европейския театър с израстването на самосъзнанието на индивида. Човек има нужда да изразява себе си чрез зрелищно изкуство, което има мощно емоционално въздействие.

";ИГРАЙТЕ КАТО ВЪЗРАСТЕН, САМО ПО-ДОБРЕ";

Идеята, че в АЛА трябва да се създават специални театри за деца, се появи отдавна. Един от първите "детски"; постановките станаха дело на Московския художествен театър. През 1908 г. К. С. Станиславски поставя пиесата „Синята птица“, приказка на белгийския драматург Морис Метерлинк, и оттогава известният спектакъл не напуска сиената на Московския художествен театър „Горки“. Тази постановка определи пътя на развитие на сценичните изкуства за деца - такъв театър трябва да бъде разбираем за детето, но в никакъв случай примитивен, не едноизмерен.

В Русия детските театри започват да се появяват след октомври 1917 г. Още през 1918 г. в Москва е открит Първият детски театър на Московския съвет. Н. И. Сатс стана организатор и режисьор, прекрасни художници В. А. Фаворски и И. С. Ефимов проектираха представленията, тук работи известният хореограф К. Я. Голейзовски. Наталия Илинична Сац (1903-1993) посвети целия си творчески живот на театъра за деца. През 1921-1937г. тя е художествен ръководител на Московския театър за деца (сега Централен детски театър). Последното й дете е Московският детски музикален театър (на името на N.I. Sats). През февруари 1922 г. Театърът на младия зрител в Ленинград приема първите си зрители. Един от основателите и постоянен ръководител е режисьорът Александър Александрович Бряниев (1883-1961). Той вярваше, че в театъра е необходимо да се обединят артисти, които могат да мислят като учители, и учители, които могат да възприемат живота като артисти.

В детските театри са работили такива изключителни режисьори като Г. А. Товстоногов и М. О. Кнебел, както и И. В. Илински, Н. К. Черкасов, О. Н. Чирков. Понякога представленията се превръщат в събития в обществения живот, например постановката на пиесата „Моят приятел, Колка“; (режисьор А. В. Ефрос). Днес най-старите местни детски театри (Руският младежки театър и Театърът за млад зрител в Москва) се ръководят съответно от А. В. Бородин и Г. Я. Яновская - режисьори с интересно и оригинално мислене.

В първите театри имаше предимно драматизации на приказки. Постепенно се появяват драматурзи, които пишат специално за деца. Писателката Александра Яковлевна Бруштейн (1884-1968) - автор на популярните пиеси "Продължава"; (1933) и Синьо и розово; (1936). Творбите на Евгений Лвович Шварц (1896-1958) станаха класика в репертоара на детските театри. Неговите приказни пиеси са „Снежната кралица”; (1938), „Два клена”; (1953), "Голият крал"; (1934), "Сянка"; (1940) и други – вървят по кината от десетилетия. Пиесите на Шварц съчетават фантазия и истинност в изобразяването на герои. Виктор Сергеевич Розов (роден през 1913 г.) говори с талант за вътрешния свят на подрастващите. Пиеси "Нейните приятели"; (1949), "Страница от живота"; (1953), ";Добър ден"; (1954), "; В търсене на радост"; (1957) определя репертоара на детските театри през 50-те и 60-те години, някои от тях не напускат сиената и днес.

Съвременните режисьори се обръщат към много различни произведения. За най-малките се играят приказки, за тийнейджъри се играят пиеси, посветени на живота на младостта; има в театъра плакати и класика, местни и чуждестранни. И така, в репертоара на Московския театър за млади зрители пиесата „Пинокио ​​в страната на глупаците“ мирно съжителства; (Постановка на приказката от А. Н. Толстой), иронично представление по стихотворението на С. Я. Маршак "; Сбогом, Америка"; и "; Гръмотевична буря"; по пиесата на А. Н. Островски Създадени са театри за деца и младежи в много страни по света. През 1965 г. в Париж е създадена Международната асоциация, която подпомага тяхното развитие. Провеждат се международни фестивали на детските театри.

СЕРГЕЙ ВЛАДИМИРОВИЧ ОБПА3ЦОБ

Удивителен човек с уникална професия, кукловод, писател, драматург - всичко това е Сергей Владимирович Образцов (1901 - 1992). Името му е популярно както у нас, така и в чужбина. Творчеството и животът на художника са широко отразени в книги и статии. Неговите представления живеят днес в театъра, който с право носи името Образцов.

Такива прекрасни изпълнения като ";По команда на щуката"; (1936), "Вълшебната лампа на Аладин"; (1940), "Божествената комедия"; (1961), ";Изключителен концерт"; (1968),";Дон Жуан82"; и други, служат за украса на репертоара на Централния куклен театър и до днес. Образцов, отличен разказвач, остроумен и наблюдателен художник, остави интересно литературно наследство в книгите си "; Актьор с кукла";, "; Моята професия";, "; Щафета на изкуствата"; кабинет за любопитства"; и т.н.

Детството на Образцов преминава в интелигентно московско семейство: баща му е пътеводител, учен, по-късно академик, майка му е учителка, учителка по руски език. Способност да рисува, рисува и рисува, учи при художниците Абрам Ефимович Архипов (1862-1930) и Владимир Андреевич Фаворски (1886-1964), уроци по пеене, уроци по актьорско майсторство в Музикалния театър под ръководството на В. И. Немирович Данченко, изпълнение на малки характерни роли в Московския художествен театър, комуникация с К. С. Станиславски, наблюдение на навиците на животни, птици, риби - всичко това влезе в творческата касичка. Апартаментът на известния майстор беше пълен с рафтове от аквариуми с различни риби. Стаята беше изпълнена с глъч на необичайни птици.

Всичко започна в детството с подаръка на майката – малка кукла Bibabo, която постави началото на цяла поредица от различни версии на кукли, които се наричат ​​кукли за ръкавици. Носят се на ръката като ръкавици и са известни още от времето на комедиите за Петрушка. Подобни кукли са съществували в Китай, Индия и Древна Гърция и са имали имена.

Музиката стана постоянен спътник на изпълненията на Образцов. Преносим екран с вътрешни джобове, корепетитор - и сега театърът на един актьор е готов! Наклонностите на художника помогнаха на Образцов в създаването на куклен образ. Това може да бъде титулярният съветник в постановката на романса от А. С. Даргомижски, пиещ огромна бутилка скръб, или негърът и старата жена в романса „Седяхме с вас край спящата река“, или забавни кукли на маймуни изпълнявайки романса "; Минута"; , имитирайки А. Н. Вертински.

Образцов непрекъснато се стремеше да се учи. Неуспехи или грешни изчисления станаха причина за нови открития и търсения. Широтата на ерудицията в професията му беше подсилена от запознаването с различни куклени спектакли по време на чуждестранни турнета. И така, в Англия Образцов се запознава с куклата Punch, в Германия - с Ханс Вурст, в Чехословакия - с Каспарек и т. н. Характерно е, че, оценявайки високо изкуството на своите колеги, той иска да остане верен на своята оригиналност. Обхватът и разнообразието на личния репертоар не можеха да не доведат до създаването на театъра. Едно след друго се раждат нови изпълнения, пренасящи публиката или в приказка, или в атмосферата на поп концерт. В пиесата "; Необичаен концерт"; участваха голяма група актьори - ученици на Образцов. Тук прозвуча „цигански хор“, беше изпълнен оперетен дует, имаше забавен артист (куклата беше озвучена от актьора Зиновий Ефимович Гердт, 1916-1998). Това представление е минавало безброй пъти, гледано е от публиката в много страни. Хорът, оркестърът, декорацията доближиха кукления театър до актьорския, но спецификата на кукления театър остана. Забавните човечета предизвикаха смях и съпричастност на публиката от всички възрасти. В края на представлението иззад екраните излязоха кукловоди и се появи главният режисьор Сергей Образцов, душата на театъра.

изглед изкуство(музика, живопис, литература), театърима свои собствени особености. то изкуство... рисуване. В съвременен театървзаимодействащи техники и методи на различни видовеизкуство. Можете да бъдете иновативни...

Страница 1

Театралното изкуство е едно от най-сложните, най-ефективните и най-старите изкуства. Освен това е хетерогенен, синтетичен. Като компоненти театралното изкуство включва архитектура, живопис и скулптура (декорация) и музика (тя звучи не само в мюзикъл, но често и в драматично представление), и хореография (отново не само в балета, но и в драмата). ), и литература (текстът, върху който се изгражда драматичен спектакъл), и актьорско изкуство и т. н. Измежду всичко изброено, актьорското изкуство е основното определящо за театъра. Известният съветски режисьор А. Таиров пише: „... в историята на театъра е имало дълги периоди, когато той е съществувал без пиеси, когато е без декорация, но не е имало нито един момент, в който театърът да е без актьор." Транспортирането на тялото на починалия до друг град е основният транспорт на починалия.

Актьорът в театъра е главният артист, който създава това, което се нарича сценичен образ. По-точно, актьорът в театъра е едновременно и художник-творец, и материалът на творчеството, и неговият резултат - образ. Изкуството на актьора ни позволява да видим със собствените си очи не само образа в неговия окончателен израз, но и самия процес на неговото създаване, формиране. Актьорът създава образ от себе си, като в същото време го създава в присъствието на зрителя, пред очите му. Това е може би основната специфика на сценичния, театралния образ – и тук е източникът на специалното и неповторимо художествено удоволствие, което доставя на зрителя. Зрителят в театъра, повече от където и да е другаде в изкуството, е пряко въвлечен в чудото на творението.

Театралното изкуство, за разлика от другите изкуства, е живо изкуство. Това се случва само в часа на срещата със зрителя. Основава се на незаменимия емоционален, духовен контакт между сцената и публиката. Ако този контакт не съществува, това означава, че няма спектакъл, който да живее според собствените си естетически закони.

Голяма мъка е за един актьор да играе пред празна зала, без нито един зрител. За него такова състояние е равносилно на това да се намира в пространство, затворено от целия свят. В часа на представлението душата на актьора е насочена към зрителя, както душата на зрителя е насочена към актьора. Изкуството на театъра живее, диша, вълнува и улавя зрителя в онези щастливи моменти, когато чрез невидимите проводници на високоволтовите предавания се осъществява активен обмен на две духовни енергии, взаимно устремени една към друга - от актьор до зрител, от зрител до актьор.

Четейки книга, застанал пред картина, читателят, зрителят не вижда писателя, художника. И само в театъра човек се среща очи в очи с творчески артист, среща го в момента на творението. Той отгатва появата и движението на сърцето си, изживява с него всички превратности на събитията, случили се на сцената.

Читателят сам, сам с ценната книга, може да изживее вълнуващи, щастливи моменти. И театърът не оставя на мира публиката си. Всичко в театъра се основава на активно емоционално взаимодействие между онези, които създават произведение на изкуството на сцената същата вечер, и тези, за които е създадено.

Зрителят идва на театрално представление не като външен наблюдател. Той не може да не изрази отношението си към случващото се на сцената. Взрив от одобрителни аплодисменти, весел смях, напрегната, необезпокоявана тишина, въздишка на облекчение, тихо възмущение - съучастието на зрителя в процеса на сценичното действие се проявява в най-богато разнообразие. Празнична атмосфера в театъра възниква, когато такава съучастничество, такава съпричастност достигне най-висока интензивност.

Това означава живото изкуство. Изкуство, в което се чува биенето на човешкото сърце, чувствително са уловени най-фините движения на душата и ума, в което е затворен целият свят на човешките чувства и мисли, надежди, мечти, желания.

Разбира се, когато мислим и говорим за актьор, разбираме колко важен за театъра е не просто актьорът, а ансамбълът от актьори, единството, творческото взаимодействие на актьорите. „Истинският театър“, пише Шаляпин, „е не само индивидуално творчество, но и колективно действие, което изисква пълна хармония на всички части“.

Театърът е двойно колективно изкуство. Зрителят възприема театрална постановка, сценично действие не самостоятелно, а колективно, „усещайки лакътя на съседа”, което до голяма степен засилва впечатлението, художествената зараза от случващото се на сцената. В същото време самото впечатление идва не от един човек-актьор, а от група актьори. И на сцената, и в залата, от двете страни на рампата, те живеят, чувстват и действат – не отделни индивиди, а хора, общество от хора, свързани помежду си за известно време с общо внимание, цел, общо действие.

До голяма степен именно това определя огромната социална и образователна роля на театъра. Изкуството, което се създава и възприема заедно, се превръща в школа в истинския смисъл на думата. „Театърът“, пише известният испански поет Гарсия Лорка, „е училище за сълзи и смях, безплатна платформа, от която хората могат да изобличат остарелия или фалшив морал и да обяснят, използвайки живи примери, вечните закони на човешкото сърце и човешкия усещане."

Друга информация:

руски стил
Какво всъщност е това, руски стил? Може ли да се издигне до висините на италианския дизайн? И как да направите руски интериор стилен, така че да не изглежда като илюстрация от детска приказка? Тежки колиби на север и грациозни московски имения; ...

Тринадесететажна каменна пагода
Донесено от Япония. Тя е на около 200 години. Пагодата е композиционният център на Японската градина – символ на будистки храм. Числото "тринадесет" е много важно: това е броят на жилищата на Буда, дошли в японския будизъм от Китай...

Наука и други области на културата
Научното познание за света се различава значително от естетическата форма на познание. Въпреки че науката и изкуството са отражение на реалността, но в науката това отражение се осъществява под формата на понятия и категории, а в изкуството - под формата на ...