Френски народни инструменти. Какъв първоначално е музикалният инструмент във Франция в края на XVII век? Избор на правилния инструмент

Изпратете вашата добра работа в базата от знания е лесно. Използвайте формуляра по-долу

Студенти, специализанти, млади учени, които използват базата от знания в своето обучение и работа, ще Ви бъдат много благодарни.

публикувано на http:// www. всичко най-добро. en/

Френската музика е една от най-интересните и влиятелни европейски музикални култури, която води началото си от фолклора на келтските и германските племена, живели в древни времена на територията на днешна Франция. С формирането на Франция през Средновековието, фолклорните музикални традиции на много региони на страната се сливат във френската музика. Френската музикална култура се развива, взаимодействайки и с музикалните култури на други европейски нации, по-специално италиански и немски. От втората половина на 20-ти век френската музикална сцена се обогатява от музикалните традиции на африканците. Тя не остава встрани от световната музикална култура, усвоява новите музикални тенденции и придава специален френски привкус на джаза, рока, хип-хопа и електронната музика.

Френската музикална култура започва да се оформя върху богат пласт народна песен. Въпреки че най-старите достоверни записи на песни, оцелели до наши дни, датират от 15 век, литературните и художествени материали сочат, че още от времето на Римската империя музиката и пеенето заемат видно място в ежедневието на хората. Църковната музика идва във френските земи с християнството. Първоначално латински, той постепенно се променя под влиянието на народната музика. Църквата използва материал за богослужение, който е разбираем за местните жители. Един от съществените слоеве на френската музикална култура е църковната музика, която става широко разпространена заедно с християнството. Химните проникват в църковната музика, развиват се собствени певчески обичаи и се появяват местни форми на литургия. френски композитор на музикални традиции

народна музика

В произведенията на френските фолклористи се разглеждат множество жанрове на народни песни: лирични, любовни, песни за оплакване (complaintes), танцови (rondes), сатирични, занаятчийски песни (chansons de metiers), календарни, например коледни (Noel); трудови, исторически, военни и др. Фолклорът включва и песни, свързани с галските и келтските вярвания. Сред лирическите жанрове особено място заемат пасторалите (идеализацията на селския живот). В произведенията с любовно съдържание преобладават темите за несподелена любов и раздяла. Много песни са посветени на децата - приспивни песни, игри, рими за броене (фр. комптини). Разнообразни са трудовите (песни на жетвари, орачи, лозари и др.), войнишки и рекрутски песни. Специална група са балади за кръстоносните походи, песни, разобличаващи жестокостта на феодали, крале и придворни, песни за селски въстания (изследователите наричат ​​тази група песни „поетичният епос от историята на Франция“).

И въпреки че френската музика е широко известна още от времето на Карл Велики, едва в епохата на барока се появяват композитори със световно значение: Жан-Филип Рамо, Луи Куперен, Жан-Батист Люли.

Жан-Филип Рамо.След като стана известен едва в зрелите си години, J.F. Rameau толкова рядко и пестеливо си спомняше детството и младостта си, че дори съпругата му не знаеше почти нищо за това. Само от документи и откъслечни спомени на съвременници можем да реконструираме пътя, който го е отвел до парижкия Олимп. Датата му на раждане не е известна и той е кръстен на 25 септември 1683 г. в Дижон. Бащата на Рамо работи като църковен органист и момчето получава първите си уроци от него. Музиката веднага се превръща в единствената му страст.

Жан-Батис Люли.Този изключителен музикант-композитор, диригент, цигулар, клавесин мина през изключително оригинален и в много отношения характерен за времето си житейски и творчески път. По това време неограничената кралска власт все още е силна, но вече започналият икономически и културен възход на буржоазията довежда до появата на хората от третото съсловие не само като "владетели на мислите" на литературата и изкуството, но и влиятелни фигури в официално-бюрократичните и дори съдебни среди.

Купрен.Франсоа Куперен - френски композитор и клавесин, като ненадминат майстор на свиренето на клавесин, той е удостоен със званието "Le Grand" - "Великият" от своите съвременници. Роден на 10 ноември 1668 г. в Париж, в потомствено музикално семейство. Баща му е Чарлз Куперен, църковен органист.

Френската класическа музика достига своя връх през 19 век. Епохата на романтизма във Франция е представена от произведенията на Хектор Берлиоз, преди всичко неговата симфонична музика. В средата на 19 век произведенията на композитори като Габриел Форе, Камил Сен-Санс и Сезар Франк стават известни. И в края на този век във Франция се появява ново направление в класическата музика - импресионизмът, който се свързва с имената на Клод Дебюси, Ерик Сатия Морис, Равел

През 20-те години на 20 век във Франция, джаз, чийто изключителен представител беше Стефан Грапели.

Във френската поп музика се е развил жанрът шансон, където ритъмът на песента повтаря ритъма на френския език, акцентът е както върху думите, така и върху мелодията. Благодарение на Мирей Матийо, Едит Пиаф и Шарл Азнавур, музиката на френския шансон стана изключително популярна и обичана по целия свят. Искам да ви разкажа за Едит Пиаф На 19 декември 2014 г. се навършват точно 99 години от раждането на певицата Едит Пиаф в Париж. Тя се роди в най-тежкото време, живя сляпа няколко години и започна да пее в най-злобните таверни. Постепенно, благодарение на таланта си, Пиаф завладява Франция, Америка, а след това и целия свят ...

Началото на 30-те години. Париж. От малко кино в покрайнините на града след вечерна прожекция излиза странно същество с мръсен пуловер и рошава пола. Устни, неравномерно намазани с ярко червено червило, кръгли очи предизвикателно гледат към мъжете. Тя гледа филм с Марлене Дитрих. И тя има коса точно като филмова звезда! Размахвайки кльощавите си бедра, самоуверена пигалина влиза в опушен бар и поръчва две чаши евтино вино – за себе си и за млад моряк, с когото седна на маса... Тази вулгарна улична девойка скоро ще стане Едит Пиаф.

През втората половина на 20-ти век във Франция става популярна поп музиката, известни изпълнители на която са Патриша Каас, Джо Дасен, Далида, Милен Фармър. Патриша Каамс (фр. Patricia Kaas; родена на 5 декември 1966 г., Форбах, департамент Мозел, Франция) е френска поп певица и актриса. Стилистично музиката на певицата е смесица от поп и джаз. След издаването на дебютния албум на Каас Мадмоазел пее блуса (на френски: Mademoiselle chante le blues) през 1988 г., повече от 17 милиона записа на нейни изпълнения са продадени по целия свят. Особено популярен във франкофонските и немскоговорящите страни, както и в Русия. Съществена част от нейната формула за успех е постоянното турне: Каас е на чуждестранни турнета почти през цялото време. Тя представляваше Франция на Евровизия през 2009 г. и завърши 8-ма.

Един от пионерите на електронната музика е френският композитор Жан-Мишел Жар, чийто албум Oxygene се превръща в класика на електронната музика. През 90-те години на 20-ти век във Франция се развиват и други жанрове на електронната музика, като хаус, трип-хоп, ню ейдж и др.

Хоствано на Allbest.ru

Подобни документи

Епохата на Жан Филип Рамо - един от най-видните композитори на родината си. Рамо и „великата” френска опера. „Войната на шутовете“. Френската лирическа трагедия като жанр. Лирически трагедии на Рамо. Рамо и Де Ла Брюер. Рамо - звучащ Версай.

курсова работа, добавена 02/12/2008


Предпоставки за разцвета на музиката на френските клавесинисти. Клавиатурни музикални инструменти от 18 век. Характеристики на стила рококо в музиката и други форми на творчество. Музикални образи на френски клавесинисти, музика на клавесин от J.F. Рамо и Ф. Куперен.

курсова работа, добавена на 06/12/2012


Общи характерни черти на изпълнението, дефиниция на френската клавирна музика. Метроритъм, мелизматика, динамика. Спецификата на изпълнението на френска клавирна музика на акордеон. Артикулация, механика и интонация, техника на мелизма.

резюме, добавен на 02.08.2011


Понятието "музикален термин" и неговите особености. Логико-концептуална схема на френската музикална терминология: произход и принципи на формиране. Еволюцията на френската музикална терминология на сценичните изкуства, чуждоезиковото влияние върху тази област.

дисертация, добавена на 01.12.2017г


Класификация на музикалните форми според изпълнителските композиции, предназначението на музиката и други принципи. Спецификата на стила на различните епохи. Додекафонна техника на музикална композиция. Естествен мажор и минор, характеристики на пентатоничната гама, използване на фолклорни ладове.

резюме, добавено на 14.01.2010 г


Формиране на музикални традиции в рамките на християнската църква, единна система от църковни ладове и ритми в средновековната западноевропейска култура. Художествени и стилови особености на духовната музика в творчеството на известни композитори от 18-20 век.

курсова работа, добавена на 17.06.2014


Животът и творчеството на V.F. Одоевски. Ролята на V.F. Одоевски в руската музикална култура. Анализ на църковната музика. Професионален анализ на спецификата на изразните музикални средства, особености на полифонията на Бах. Признаци на психологизъм в музиката.

резюме, добавен на 12.02.2013


Особености на съвременната социокултурна ситуация, която влияе върху процеса на формиране на музикалната и естетическата култура на ученика, технологията на нейното развитие в уроците по музика. Ефективни методи, които допринасят за възпитанието на музикалната култура при подрастващите.

дисертация, добавена на 12.07.2009г


Характеристики на възпитанието на музикалната култура на учениците. Вокално и хорово творчество. Изпълнителен репертоар на учениците. Слушане на музика. Метроритъм и игрови моменти. Междупредметни комуникации. Форми на контрол. „Трудови песни“. Фрагмент от урок по музика за 3 клас.

тест, добавен на 13.04.2015


Разновидности на северноамериканската народна музика. История на тенденциите в американската музика. История на джаза в Съединените щати през първата четвърт на 20-ти век. Основните течения на джаза и кънтри. Характерни особености на музикалния език на джаза. Каубойски балади от Дивия Запад.

Кадифеният звук на френската хармоника с френски чар създава пролетно настроение. Мелодията му връща в миналото на Франция, където гарсонът се суети около масите в кафенетата, мъже с шалове пият вино, жени с шапки се разхождат по тихите улици, а двойки танцуват валс и цъфтят кестени по набережната на Сена.

С други думи, акордеонът е специална емоция, претопена в градски звуци. Подобно на живописните ежедневни сцени на Реноар и Мане, градските студии на Моне, Дега и неговите танцьори, френският акордеон рисува картини на градския живот и живота на неговите герои.

Как се появи акордеонът във Франция

Синоним на парижкия начин на живот е музет (от френски - тръба) - традиционен френски танц на гайда, развит в двора на Краля Слънце. Парижките балове бяха олицетворение на Мюзета и имаха голям успех в началото на 20-ти век. След Първата световна война гайдарският мюзет отстъпва място на акордеона и новите танци – валс, фокстрот, кадрил. В новите форми на танца централно място е отредено на акордеона. Музикалният стил "musette" съчетава виртуозни пасажи, френски шансон и мелодии, попури. Акордеонът се развива като инструмент на масовата култура. Във Франция популярността му се определя от наличието и лекотата на възпроизвеждане на народни мелодии.

„Хармониката е инструмент за мъчение, използван от млади мъже, които вечер нарушават реда по улиците“ – така се описва силата и популярността на инструмента през 19 век.

Какво е френски акордеон

НО Акордеонът е модерна версия на ръчната хармоника, където има дясна и лява клавиатура. На този инструмент се свири с две ръце, изправено или седнало. Френският акордеон се различава от руския акордеон по големия си размер и клавиатурата, наподобяваща пиано с 2 реда бутони. Баян е друг вид акордеон, вече модернизиран. Това е бутонен инструмент, но с разширен звуков обхват. След промени в дизайна на акордеона, той става известен като акордеон бутон само в Русия.

Дизайнерската идея на народните майстори се развива в посока на оригиналния звук. И така, майсторите Дебен Бюсон и Летерм комбинираха 2 тембърни гласа, звучащи „противоречиво“. Такъв модел определя особена мелодия и прототип на съвременния акордеон. Подвластни са му грациозни валсове, лека полка, запалителни латино танци и танго. Джаз музиката е интересна област за овладяване на акордеона. Има достатъчно пространство и динамика за изпълнение на най-неочакваните интерпретации. С изразителна техника - интонация - акордеонът е способен да проникне в същността на джаз изкуството и свободно да импровизира.

В популярната музика от 30-50-те години. френският акордеон се проявява в творчеството на графове Гуидо и Пиетро Дейро, а през 70-90-те светът чува инструмента на виртуоза Мирон Флорин.

Ретро музиката на Jaeger de Montmartre, шансониер и акордеонист от Гренобъл, в момента пленява сърцата на московчани. Музикалната му кутия съдържа ретро мелодии, френски популярни песни, боса нова, джаз и блус композиции, които създават образа на разнообразен Париж.

Както показва репертоарът на съвременните изпълнители, акордеонното изкуство представлява огромен слой в инструменталната музика. Инструментът е тясно свързан с европейските традиции и масовото музициране. Той определя стойността на френската музикална култура и е мощно средство за съвременна комуникация.

Отговори: 8

Въпрос към познавачите: Какви музи са съществували. инструменти във Франция от 17 век и какви танци е имало?

С уважение ЮЛЧИК

Най-добри отговори

[връзка блокирана с решение на администрацията на проекта]
historydance.spb /index/articles/general/aid/2 е за танци
Седемнадесети век е прародител на следните танци: ригодон, менует, гавот, англез, екосез, кънтри танц, буре, канарче, сарабанда. В допълнение към тях остават в употреба танци, които станаха популярни през миналия век: алеманда, пасакалия, чакона, камбанка, джиг (или джиг). В края на седемнадесети век се появяват и паспий и каре.
.orpheusmusic /publ/322-1-0-28 - за ударните инструменти
.orpheusmusic /publ/322-1-0-26 - за духовите инструменти
.orpheusmusic /publ/322-1-0-24 - за лютнята
.orpheusmusic /publ/322-1-0-27 - за струните на лък
китара разбира се

Клавири, органи, струни.

в очакване на трамвая

да, почти всичко, което съществува сега, с изключение на някои духови инструменти .. само леко модернизирани версии, това беше тогава ... и менуетни танци, гавоти .. може би мазурки (братът на краля на Франция беше кралят на Полша) . .. вижте сайтовете за историята на танца ..

Марина Белая:

Във Франция през 17 век има същите инструменти като в други европейски страни: клавесин, клавикорд, цигулка, лютня, флейта, обой, орган и много други.
А известните френски танци от онова време са менуетът (танц с лъкове, танцът на „малката стъпка“), гавот, буре, паспие, ригодон, лур и много, много други.

Видео отговор

Това видео ще ви помогне да разберете

Експертни отговори

Викторич:

Уличен орган.
А историята на появата и усъвършенстването му е много интересна.

Няколко думи за устройството на този инструмент. Хърди-гурди има много общо с органа: звукът се появява, когато въздухът навлиза в специални звукови тръби. В допълнение към тези тръби вътре в цевния орган се поставят въздушни мехове в дървен или метален валяк с щифтове. Завъртайки дръжката, която се намираше извън инструмента, мелницата за органи отваря въздуха към тръбите и в същото време задейства духалото. Хърди-гурдито се появява във Франция в края на 17-ти век и първоначално се използва като инструмент за обучение на пойни птици да пеят, а вече през 18-ти век става незаменим спътник на пътуващи музиканти. Един от първите майстори, участващи в производството на бъчвен орган, е италианецът Джовани Барбери (оттук и френското име на този инструмент - orgue do Barbarie, буквално "орган от страната на варварите", изкривено orgue do Barbcri). Немските и английските имена на този инструмент също включват коренната морфема "орган". Да, и на руски език „орган“ често действа като синоним на „хърди-гурди“: „В стаята имаше и мелница за органи, с малък ръчен орган ...“ (Достоевски. Престъпление и наказание).
В Холандия има цял национален музей на хърди-гурди, джубокс в град Утреч. Странно е, по някакъв ненаучен, но направо магически начин тези звънтящи, тракащи, звучащи машини развеселяват човек.
Ако отидете в музея, първото впечатление ще бъде сякаш залата е посветена на историята на архитектурата – колони, балкони, мазилка, барелефи. Но се оказва, че всичко това са декорации от много големи хърди-гурди и се наричат ​​танцови органи.
За съжаление, hurdy-gurdy изсвири същата мелодия и това започна да притеснява. И някакъв Дж. Гавиоли изобретил перфокарти за музикални устройства. Те бяха събрани в книги, само че книгата не беше обърната, а сгъната или навита в тръба. Такива книги позволиха на апарата да се превърне в инструмент, който свири много мелодии. Това бяха валсове, полки, фокстроти и т.н.
По-късно този принцип беше подобрен, защото на хората винаги им липсваше музика. Родиха се метални дискове за джубокс. Принципът е същият, щипка.
И тогава италианският Barberi (да не се бърка с марката Burberry) измисли друг тип hurdy-gurdy. И това не беше щипков инструмент, а духов инструмент, един вид малък орган. Те бяха много популярни в Европа, не забравяйте, че дори татко Карло беше мелница на органи.

Въртеше се старото каране, търкаляше се колелото на живота.
Изпих вино за твоята милост и за миналото за всичко.
За това, че в миналото не се е случвало да умре на бойното поле,
И какво се разби - разби се, защо звъни с фрагменти?

Органомелачката беше в опърпано палто, той беше някъде в музиката се извиси.
Дланите ми, протегнати към теб, той не придаваше никакво значение.
Обичах те, но се заклех в миналото и той прегърна хърдито,
Думите ми, земни и вулгарни, слушаха меланхолията разсеяно.

Тази песен течеше като път, без да бърза през последните години.
Всички звуци в нея бяха от Бог - нито една жалка нотка от самата нея.
Но паднаха нещастни думи, унищожавайки музиката на живо:
Имаше само едно нещо от Бог, всичко останало – от самия него.

Булат Шалвович Окуджава, 1979г

rusmir.in /rus/247-poyavlenie-sharmanki-na-rusi
.liveinternet /users/anna_27/post112104116//
трансантичен /

Бука Вука:

Орган е името на различни малки музикални инструменти с автоматично навиване. „Поглеждайки по-отблизо кутията пред мен, разбрах, че в единия ъгъл се намира малък орган, способен да свири някои прости музикални парчета. »
От историята на откриването на жп гара Витебск: „На 30 октомври 1837 г. се състоя тържественото откриване на железницата и тя веднага се превърна в забележителност - тълпи от хора дойдоха да погледнат пристигащия парен локомотив и уплашено запушиха ушите си когато чуха свирката му. Скоро сигналните свирки бяха заменени с малки органови тръби и приятните мелодии започнаха да радват слуха на тези, които се срещнаха. "

Даря:

Да, това е Шарманка.
Трябва да знаете всичко това.
Всичко написано от интернет.
И знам това, защото трябва да се знае.

Татяна:

Клавесинът е предшественикът на пианофорте. Има клавиатура за пиано. Но този инструмент е коренно различен от пианото по отношение на звукопроизводството и тембъра. Първата проста клавиатура се появява през първата половина на 3 век пр.н.е. д. - воден орган. Негов създател е инженер от Александрия Ктезибий.
В резултат на усъвършенстването на хидравличната система - замяната на водното устройство с кожи - се появи пневматичен орган. През 14 век органът е подобрен: клавишите стават по-малки.
През 15-ти век клавиатурата е била свързана със струни. Най-ранното споменаване на някакъв Херман Пол, който конструира инструмент, наречен "клавицембало", датира от 1397 г. Познатата клавиатура на пиано се появи в музикален инструмент, наречен клавикорд. Клавесинът се появява през 16 век. Сега е невъзможно да се каже кой е създал този инструмент. Известно е само, че първото споменаване за него се среща в документи и писма от 1511 г. Устройството му беше революционно за онова време. Имаше струни с различна дължина и всяка отговаряше на определен ключ. При натискане на клавиша перото хваща струната и се чува рязък музикален звук. Звукът беше слаб и за да го усилят, започнаха да използват двойни и тройни струни. С течение на времето е изобретено специално устройство за скубане на струни - плектрумът.
В края на XVII-XVIII век. за да разнообразят звука, те изобретяват клавесин с две и три клавиатури или наръчници (от лат. manus - „ръка“). „Гласът“ на едното ръководство беше по-силен, на другия – по-тих. Този инструмент (и неговите разновидности) се наричаше клавесин във Франция. В Италия получава различно име - cembalo, в Англия - virginel, в Германия - kilfugel и т. н. Много композитори от края на 17-18 век пишат музика на клавесин.
Външно клавесинът е много интересен, имаше инструменти с различни форми: квадратни, петоъгълни, във формата на птиче крило и правоъгълни. Капакът и страничните панели можеха да бъдат украсени с резби, рисувани от художници, инкрустирани със скъпоценни камъни. В продължение на много години това беше най-популярният инструмент в много страни по света.

От 16-ти до 18-ти век клавесинът запазва своята популярност. Дори след изобретяването на пианото, което е по-лесно и удобно за свирене, музикантите продължават да използват клавесина. Отне около сто години, докато музикантите, забравили за клавесина, преминаха към пианото.
От средата на 18-ти век клавесинът започва да губи популярност и скоро изчезва напълно от сцените на концертните зали. Едва в средата на 19-ти век музикантите си спомнят за него, а сега много музикални образователни институции започват да обучават клавеснисти.
Клавесинът по чудо можеше да съчетае монументалния ("орган") стил с изящния и грациозен ("лютня") стил на миниатюрите. Синтезът на различни звукови качества позволи на клавесина да се превърне в соло, ансамблов и оркестров инструмент.

Лика:

Клавесинът е предшественикът на пианофорте.

Чернишев А.Ф. Мелачка за органи.

Сега едва ли някой си спомня за цевния орган, но някога беше много разпространен. Старец влизаше в двора с цветно изрисувана кутия на рамо, често със седнала маймуна. Беше мелница за органи. Той свали бремето си от рамото си, започна премерено да върти дръжката на харди-гурдито и със съскане и ридание се чуха звуците на валсове и полки, често несъответстващи и фалшиви.

Има легенда, че още през VI век пр.н.е. Конфуций прекарва седем дни непрекъснато, наслаждавайки се на звука на мелодии върху "тигрови ребра" (метални пластини, които издават звуци с различна височина), смята се, че този механизъм е изобретен през 1769 г. от швейцарския механик Антоан Фавр.

Хенри Уилям Бънбъри. 1785 г

В Западна Европа този механичен музикален инструмент се появява в края на 17 век. Първоначално това беше „птичи орган“ за обучение на пойни птици, а след това беше взет „на ръце“ от пътуващи музиканти.

Емил Орлик. 1901 г

Така че имаше музикален инструмент за тези, които не знаят как да свирят. Завъртете копчето и музиката звучи. Най-често звучеше тогавашният хит "Charmant Katarina" (на френски "Charmant Katarina") Името на инструмента идва от името на песента - уличния орган.

Един от първите майстори, участващи в производството на бъчвен орган, е италианецът Джовани Барбери (оттук и френското име на този инструмент - orgue do Barbarie, буквално "орган от страната на варварите", изкривено orgue do Barbcri). Немските и английските имена на този инструмент също включват коренната морфема "орган". Да, и на руски език „орган“ често действа като синоним на „хърди-гурди“: „В стаята имаше и мелница за органи, с малък ръчен орган...“ (Достоевски. Престъпление и наказание).

Хърди-гурди идва в Русия в началото на 19-ти век, а запознаването на руснаците с новия инструмент започва именно с френската песен „Charman Catherine“. Всички веднага харесаха песента много и името „катеринка“, украинското „катеринка“, беларуското „кацеринка“, полското „катаринка“ или „Lee hurdy-gurdy“ здраво се придържа към инструмента.

Има и предположение, че основното име не е било хърди-гурди, а ширманка.

„... И идваше от екраните, поради което Пулчинела, почти постоянен спътник на органомелачката, призовава зяпачи и любопитните със звучния си глас, органите, които се появиха у нас, бяха неразделни от куклената комедия“ ( есе „Петербургски мелчици на органи“ от „Физиология на Петербург“ от Д. В. Григорович).

В.Г. Перов. Мелачка за органи.

Холандците твърдят, че първото хърди-гурди се е появило в родината им. И това беше преди 500 години. От веществени доказателства обаче те имат само рисунка от края на 15 век - толкова порутена, че е трудно да се различи нещо по нея. От тези образци, които са достигнали до нас, най-старият е направен във Франция в началото на 17 век.

Р. Цинк. Фарандолът. 1850 г

Често ни се струва, че цевният орган е просто голяма музикална кутия и в него се ражда мелодия с помощта на валяк с щифтове и желязна плоча с „опашки“. Ролката се върти, щифтовете, подредени в правилния ред, докосват „опашките“ - тук имате „На хълмовете на Манджурия“. Не всичко обаче е толкова просто. Да, има бъчви-органи с такъв механизъм, та дори и с ксилофонен механизъм, когато щифтовете на ролката докосват музикалните чукове, които удрят металните клавиши, но това вече са производни.

Истинското хърди-гурди е почти орган, а подредбата му е много по-сложна, отколкото си мислим. За да свири цевният орган, първо трябва да завъртите дръжката му - портата. Тази дръжка задвижва два механизма наведнъж: щифт, който изпомпва въздух в меховете в долната част на инструмента, и музикален валяк с вдлъбнатини - щифтове. Ролката, въртяща се, привежда в движение лостовете, които, придържайки се към щифтовете, се движат нагоре и надолу в определен ред. От своя страна лостовете задействат тръстики, които отварят и затварят въздушните клапани. А клапаните контролират подаването на въздух към тръбите, подобно на органовите тръби, благодарение на които мелодията звучи.

Завъртайки дръжката, мелницата за орган може да изсвири 6-8 мелодии, записани на ролката. Такива "камерни устройства" са известни от древността: малки издатини - "гърбици" са монтирани на въртящи се цилиндри или дискове, като последователно включват звука на определена нота. На един валяк беше записана само една мелодия, но ролката не беше трудна за смяна.

През 20-ти век вместо ролки започват да се използват перфорирани хартиени ленти, на които на всеки звук отговаря определена дупка. Често hurdy-gurdy е оборудван с устройство, което специално прави звука прекъснат и треперещ, така че е по-добре да „изстискате сълза“ от слушателите. Но имаше и тръстикови бъчви-органи - сега те се срещат като детски играчки. С течение на времето колчетата на хърди-гурди бяха изтрити, звукът стана неясен и натрапчив - следователно „Е, започнах отново своето хърди-гурди! ..”

Репертоарът на хърди-гурди се състоеше от най-популярните песни от старото време, например: „Майка гълъб“, „Покрай Питерска“. Но хитът от началото на миналия век беше песента „Маруся се отрови“. Песента е издадена през 1911 г. на плоча от Нина Дулкевич, с авторство на Яков Пригожи, пианист и аранжор на ресторант Яр Москва.

Песента остава популярна от десетилетия. Има запис на цирковата клоунада от 1919 г. "Уличен орган", където звучи песента "Маруся се отрови" в изпълнение на известния клоун-акробат Виталий Лазаренко.

Омръзна ми да скача

И граждани, признавам ви,

Взех нещо друго:

Обикалям дворовете с харди-гурди.

Звуците на барел орган са мрачни,

И понякога бравура.

Всички знаете мотивите

Тя играе навсякъде!

За своите изпълнения кукловодите се обединиха с органомелчиците и от сутрин до вечер обикаляха от място на място, повтаряйки многократно приключенията на Петрушка. Органомелачката също действаше като „тласък” – представяше Петрушка на публиката, спореше с него, подканяше, предупреждаваше или се опитваше да го разубеди от лоши постъпки, свиреше на цевния орган или други музикални инструменти.

Преди 100-200 години мелничари на органи обикаляха из дворовете и свиреха популярни романси, валсове или обичани от масите песни като „Раздяла“. Жителите на съседните къщи слушаха улична музика и хвърляха дребни монети на мелницата за органи от прозорците. Понякога маймуна сядаше на рамото на органомелачката, която участваше в представлението - правеше гримаси, салтови се на земята и дори танцуваше на музиката.

Или спътник беше голям папагал или дресирана бяла мишка, която за стотинка извади от кутията навити билети „с щастие“ - на лист хартия беше написано какво очаква човек в бъдеще. Често едно много малко момче ходеше заедно с мелницата за органи и пееше скръбни песни с тънък глас (най-добре е да прочетете романа на Хектор Мало „Без семейство“ за съдбата на уличните музиканти).

От разказа на И. Т. Кокорев „Саввушка“ научаваме за онези музикални пиеси, които са били част от репертоара на органомелачките: „Смелата тройка“, „Няма да повярвате“, (Славей“, „Дама“, „полка“ ", "камериери". Тук се споменава още една изключително популярна мелодия - тя е изпълнена от известната хърди-гурди Ноздрьова в "Мъртви души". Както казва Гогол, "Хърди-гурдито свири не без приятно, а в средата на изглежда нещо се случи, защото мазурката завърши с песента: „Малбрук отиде на лагер“, а „Малбрук отиде на лагер“ неочаквано завърши с някакъв отдавна познат валс." Ноздрьов се опитва да подаде хърдито на Чичиков заедно с мъртви души, като същевременно твърди, че е направен „от махагон“.

По-късно в репертоара на органомелачките влязоха и други мелодии: чувствителни романси „Под вечерта на дъждовната есен“ и „Отвори прозореца, отвори“ [мемоарите на И. А. Белоусов „Изчезна Москва“]. А харди-гурдито, с което изпълниха героите от Куприн „Бял пудел“, изсвири „тъпия немски валс“ на композитора И. Ф. Ланер и галопа от операта „Пътуване до Китай“.

„Уличен орган“ се споменава повече от веднъж в произведенията на Ф. М. Достоевски. Героят на разказа „Бедни хора“ Макар Девушкин среща мелница на органи на улица Гороховая в Санкт Петербург, а художникът не само играе на хърди, но и демонстрира на публиката танцуващи кукли: „Един господин мина и хвърли малко дребна монета към мелницата за органи; монетата падна точно в онази кутия с малката градинка, в която е представен французинът, танцуващ с дамите.

Мелничките за органи бяха много популярни във Франция, Германия, Русия и Италия. Подробно описание на санкт-петербургския органомелач може да се прочете от Дмитрий Григорович: „Разкъсана шапка, изпод която в безпорядък избухва дълга, катраненочерна коса, засенчваща тънко, загоряло лице, яке без цвят и копчета , шал от гарус, небрежно увит около мургав врат, платнени панталони, осакатени ботуши и накрая огромен орган, който наведе тази фигура на три смъртни случая, всичко това принадлежи на най-нещастния от петербургските занаятчии - мелница за органи.

Корзухин Алексей Иванович Магданоз.

- „Хер Володя, вижте бележника!“

„Не четеш ли отново, лъжец?

Чакай, не смей да играеш

Nimmer mehr тази гадна мелница за органи!“

златни дневни лъчи

Затопляха тревата с топла ласка.

- "Грозно момче, научи глаголи!"

О, колко е трудно да се учи през април!..

Навеждайки се, гледайки през прозореца

Гувернантка в лилаво наметало.

Fräulein Else е тъжна днес

Въпреки че иска да бъде суров.

В него миналите мечти са свежи

Тези ехо от стари мелодии,

И сълзите отдавна треперят

На миглите на болния Володя.

Ян Михаел Руйтен

Инструментът е тромав, тромав:

Все пак е платено с мизерна сума!

Всеки е свободен: наемател-гимназиста,

И Наташа и Дорик с лопата,

И търговец с тежък поднос,

Какво продава пайове долу...

Fräulein Else, покрита с шал

И очила, и очи под очилата.

Слепият мелница за органи не напуска,

Лек вятър разклаща завесата,

И се променя: „Пей, птиче, пей“

Дръзкото предизвикателство на Тореадора.

Фройлайн вика: играта вълнува!

Момчето води писалката по попивката.

- „Не бъди тъжен, либер Юнге, време е

Разхождаме се по булевард Тверской.

Скрийте бележниците и книгите си!“

- „Ще помоля Альоша за бонбони!

Fräulein Else, къде е малката черна топка?

Къде са моите, фройлайн Елсе, галоши?

Не надмогвайте мъката на бонбоните!

О, голяма примамка на живота!

На двора без надежда, без край

Хърди-гурдито свири скръбно.

Марина Цветаева. Вечерен албум.

Маковски Владимир Егорович Мелачка за органи. 1879 г

Рупърт Бъни. Художник в Париж.

Валери Крилатов. Парижка мелница за органи. 1995 г

Николай Блохин. Търговец на щастие.

Карл Хенри д "Ункер.

Фриц фон Уде.

Маковски Владимир Егорович

Франсоа-Юбер Друе.

Произходът на F. m. датира от фолклора на келтските, галските и франкските племена, живели в древността на територията на днешна Франция. Нар.-песенното изкуство, както и гало-римската култура стават в основата на развитието на Ф. м. Антична лит. и изобразяват. материалите показват, че музиката, танцът са били възложени на същества. роля в живота на хората, музиката е важен елемент от семейния живот, религията. ритуали. Достоверни данни за действително Нар. Песента принадлежи към 15 век. (първите й оцелели записи датират от това време).

В произведенията на французите фолклористите се считат за многобройни. фолклорни жанрове. песни: лирични, любовни, оплаквателни песни (complaintes), танцови (rondes), сатирични, занаятчийски песни (chansons de metiers), календарни, напр. Коледа (ноел); трудови, исторически, военни и пр. Фолклорът включва и песни, свързани с галските и келтските вярвания – „песни за дела” (chansons de geste). Пасторалите (идеализацията на селския живот) заемат особено място сред лирическите. В любовните истории преобладават темите за несподелената любов и раздялата. Много песни са посветени на децата – приспивни песни, игри. Разнообразни са трудовите (песни на жетвари, орачи, лозари и др.), войнишки и рекрутски песни. Специална група са балади за кръстоносните походи, песни, разобличаващи жестокостта на феодали, крале и придворни, песни за селски въстания (изследователите наричат ​​тази група песни „поетичният епос от историята на Франция“).

За французите нар. песните се характеризират с елегантна и гъвкава мелодия, тясна връзка между музика и думи, ясна, често куплетна форма. Преобладаващите ладове са естествени мажор и минор. Типични са 2- и 3-частни размери, най-често срещаният метър е 6/8. Често сричките се повтарят в припеви, които нямат семантично значение: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron и др. Нар. песента е органично свързана с танца. Сред най-старите нар танци са различни хорове, групови и двойки, вкл. jig, bourre, rigaudon, farandel, branle, paspier.

Едно от съществата. Френски слоеве. музика културата беше църковна. музика, която получава широко разпространение заедно с християнството. Започвайки от 4в. към църквата музиката беше все по-определено повлияна от местните хора. влияние. Църквата е била принудена да използва народнопесен материал в богослужението, да адаптира лат. текстове към съществуващи нар. мелодии. В католическата църква химните проникват и в музиката (в Галия сред авторите им е известен Иларий от Поатие). Че. възникват местни форми на литургия и се формират собствени песнопения. обичаи (галикански мелодии). Центровете на галиканската култова музика са съсредоточени в Лугдун, Нарбо, Масилия. По време на няколко Векове наред те се противопоставяха на всепоглъщащата политика на Римската църква, която се противопоставяше на местните видове богослужение, за еднообразието на църквата. услуги. В тази борба Рим е подкрепен от франкските крале.

През 8-9 век. ранните галикански форми на християнската литургия са изместени от григорианската литургия, която окончателно се утвърждава през 11 век. Разпространението на григорианското песнопение по време на управлението на династията Каролинги (751-987) се свързва преди всичко с дейността на бенедиктинските манастири. католическа обслужваха абатствата Жюмиеж (на Сена, близо до Руан), Сен Марсиал (в Лимож), Сен Дени (близо до Париж), Клюни (в Бургундия), а също и в Поатие, Арл, Тур, Шартър и други градове като пропагандни центрове на църквата. музика, бяха центровете на проф. духовна и отчасти светска музика. култура. В много абатства имаше певци. училища (метриси), където преподавали правилата на григорианското песнопение, свирене на музика. инструменти. Тук са разработени принципите на нотацията (с навлизането на безсмисловата нотация в средата на 9 век учениците усвояват основите на тази нотация; виж Невмас), се оформя композиторското творчество.

През 9 век във връзка с разпадането на империята на Карл Велики и отслабването на позициите на папството в църквата. по-демократични, по същество "антигригориански" тенденции се появяват в музиката, развиват се нейните нови форми, в частност последователност (във Франция се нарича още проза). Създаването на тази форма се приписва на монаха от манастира Св. Гален (в Швейцария) Ноткер, който обаче посочва в предговора към своята „Книга на химните“, че е получил информация за поредици от монах от абатството на Жюмиеж. Впоследствие авторите на прозата Адам от абатството Сен Виктор (12 век) и П. Корбей (началото на 13 век, създател на известната „Магарешка проза“) стават особено известни във Франция.

Наред със секвенциите, тропите станаха широко разпространени. Първоначално тези вложки в средата на григорианското песнопение не се различават от него по характера на музиката, допълвайки основното. песнопение. В бъдеще чрез тропизация към църквата. светски мелодии проникваха в музиката. В същия период (в началото на 10 век) в дълбините на самото богослужение (в Лимож, Тур и други градове) се оформя литургическа драма, родена от диалогизирани тропи с редуващи се „въпроси“ и „отговори“ на две антифонни групи на хора. Постепенно литургично драмата все повече се отдалечава от култа (наред с образите от Евангелието се включват реалистични персонажи).

Накрая в едно. Григорианското песнопение започва да прониква в елементи на полифония, която е била позната в Нар. твърдение-ве от древни времена. Към първите образци на писмена полифония – органум, датиращи от 9 век. (те са открити именно на територията на Франция), принадлежи към записа, даден в работата на монаха от Сен-Аман (Фландрия) Гукбалд. В своите трактати (края на 9 - началото на 10 век) той очертава принципите на органума. В проф. музиката е създадена многоъгълна. стил, който е различен от музика практики. Явления като театрализацията на църквата. обред, въвеждането на поредици, тропи в богослужението, появата на литургични драми, кълнове на полифония в григорианското песнопение, свидетелстваха за влиянието на Нар. вкусове, запознаване с катол. църква съдебен процес.

Наред с култовата се развива и светската музика, която звучеше в нар. живот, в дворовете на франкските крале, в замъците на феодалите. Носителите на Нар. музика традициите на средновековието са гл. обр. скитащи музиканти – жонгльори, които били много популярни сред хората. Те пееха морализаторски, хумористични, сатирични. песни, танцувани под акомпанимента на декомп. инструменти, вкл. тамбура, барабан, флейта, щипков инструмент като лютнята (това допринесе за развитието на инстр. музика). Жонгльорите се изявявали на празници в селата, на феодални дворове и дори в манастири (те участвали в определени ритуали, театрални шествия, посветени на църковните празници, наречени коледа). Те били преследвани от католиците. църква като представители на враждебна светска култура. През 12-13 век. сред жонгльорите имаше социално разслоение. Някои от тях се заселват в рицарски замъци, изпадайки в пълна зависимост от феодалния рицар, други се заселват в градове. Така жонгльорите, изгубили свободата си на творчество, се превърнаха в установени менестрели в рицарски замъци и планини. музиканти. Този процес обаче в същото време допринесе за проникването в замъците и градовете на Нар. творчество, което става в основата на рицарското и бюргерското музикално-поетическо. съдебен процес. В епохата на късното средновековие, във връзка с общия възход на французите. културата започва да се развива бързо и музиката. иск. Във феодални замъци, базирани на легла. музиката процъфтява светски муз.-поетич. костюм от трубадури и трувери (11-14 век). За да кон. 11 в. на юг части от страната, в Прованс, който по това време е достигнал по-високо икономическо ниво. и културно ниво (на юг, по-рано, отколкото в други региони на Франция и Европа като цяло, имаше повратна точка в рицарския морал от грубо варварство до придворно поведение), имаше костюм от трубадури, който не беше просто рицарска култура , но нова светска лирика, която също попива и народно-песенните традиции. Известни сред трубадурите са Маркабру, Гийом IX – херцогът на Аквитания, Бернар дьо Вентадорн, Жофр Рудел (края на 11-12 век), Бертран дьо Борн, Жиро дьо Борней, Жиро Рикиер (края на 12-13 век).

На 2-ри етаж. 12 в. всичко в. региони на страната, възникна подобна посока - костюмът на панталоните, който първоначално беше рицарски, а по-късно все повече и повече влизаше в контакт с койката. креативност. Сред Trouvers, заедно с кралете, най-висшата аристокрация - Ричард Лъвското сърце, Thibault of Champagne (крал на Навара), представители на демократичната по-късно придобиват слава. слоеве на обществото – Жан Бодел, Жак Бретел, Пиер Монио и др.

В неговата Op. трубадури и трувери прославяха смелостта и благородството на воините, възпяваха любовта към „прекрасната дама”. В творчеството им преобладават рицарски теми, такива жанрове като пасища, алби (песни на зората), сирвенти, епич. песни, танци естампиди. Тяхното изкуство допринесе за развитието на редица музи. жанрове и форми – балади, виреле, ле, рондо; предвождаше определени изкуства. Ренесансови тенденции.

Във връзка с нарастването на градовете (Арас, Лимож, Монпелие, Тулуза и др.) в кон. 12-13 век се развили планини. музика изкуство, чиито създатели са поети-певци от планината. имоти (занаятчии, обикновени граждани, както и буржоа). Те донесоха собствените си характеристики в костюма на трубадурите и труверите, отдалечавайки се от неговата възвишено рицарска музикално-поетична. образи, усвоили народно-битови теми, създаващи характерен стил, свои жанрове. Най-големият господар на планините. музика култура от 13 век. е поетът и композитор Адам де ла Але, автор на песни, мотети, а също и пиесата за Робин и Марион (ок. 1283), популярна по онова време, пълна с планини. песни, танци (самата идея за създаване на светско театрално представление, пронизано с музика, вече беше необичайно). Той интерпретира традиционното едноглаво по нов начин. музикално-поетичен. жанрове на трубадурите, използващи полифония (сред творбите му има 3-голово рондо).

Укрепване на икономиката и културното значение на градовете, създаването на университети (включително Парижкия университет в началото на 13-ти век), където се обръща голямо внимание на музиката (това беше един от задължителните предмети, беше част от квадривиума), допринесоха за подобряването за ролята на музиката като изкуство ва. През 12 век един от центровете на музиката. Париж се превръща в култура и преди всичко своята Певческа школа на катедралата Нотр Дам (т.нар. Парижка школа), която обединява най-големите майстори – певци-композитори, учени. С това училище се свързва разцветът през 12-13 век. култова полифония (виж Ars antiqua), поява на нови муз. жанрове, открития в областта на музиката. теории.

гл. центровете на полифонията, възникнали през 9 в., са манастирите - в Шартър (тук се е образувала най-голямата севернофренска певческа школа), Сен Марсиал в Лимож и др. Ръкописите на тези манастири пресъздават етапите на историческото . развитие на органа (вж. Диафония, Високи честоти). Видни дейци на школата на катедралата Нотр Дам - дискантистите Леонин (12 век) и Перотин (края на 12 - 1 трета на 13 век) създават високи образци на полиголи. църква музика. Леонин има 2 гола. мелизматичен organums, в които за първи път използва ритмичен запис (установява ясен ритъм на движещия се горен глас – високите). Перотин развива постиженията на своя предшественик: той пише не само 2-, но и 3-, 4-гола. Прод., а Перотин усложнява и обогатява ритмично полифонията (той противопоставя долния глас - тенора с група ритмично организирани (по принципа на модуса), отличаващи се с по-бързо движение на горните гласове). Новият стил, разработен от представителите на училището на катедралата Нотр Дам, отрече принципите на григорианското песнопение. В производството При тези композитори самият григориански напев е претърпял промени: предишното ритмично свободно, гъвкаво песнопение придоби по-голяма редовност, плавност (оттук и името на такова песнопение cantus planus), което е продиктувано от многоцели. склад. Многоъгълно усложнение. тъкан и нейната ритмична структурите изискваха точно обозначаване на продължителността (представители на парижката школа от доктрината за модусите стигнаха до учението за скалата), подобрения в нотацията. През 13 век започва да се използва мензурна нотация (сред теоретиците, занимавали се с този проблем - Дж. Гарландия).

Полифонията оживява нови жанрове църковна и светска музика, вкл. поведение и мотет. В края на 12-13 век. се появи диригентство - свободно композирано песнопение в лат. текст (както с духовно, така и със светско съдържание), един вид троп. Той беше пълен с премиер. по време на празничната църква. услуги. Това е преходен жанр: отначало диригентите бяха включени в литургията, по-късно станаха чисто светски, придобивайки дори ежедневна конотация (пяха се на пирове, празници, имаше дирижиране с остроумни сатирични текстове). Сред авторите на провеждането - Перотин. На базата на проводника в кон. 12 в. във Франция се формира най-важният полицелен жанр. музика - мотет. Неговите ранни образци принадлежат и на майсторите от Парижката школа (Перотин, Франко от Кьолн, Пиер де ла Кроа). Мотет позволява свободата на комбиниране на li-turgich. и светски мелодии, текстове (всеки от гласовете обикновено имаше собствен текст и често тенорът се изпълняваше на латински, горните гласове на френски и неговите местни диалекти). От съюза на църквата. и песенните мелодии се раждат популярни през 13 век. шега мотет. Връзката на полифонията с ежедневните форми даде голямо изкуство. резултати.

Мотетът е широко използван в творчеството на представители на ars nova, прогресивно движение, възникнало през 14-ти век във философската музика. В този ранен светски проф. музика в изкуството се придава голямо значение на взаимодействието на „ежедневната“ и „научната“ музика (тоест песни и мотети). През 14 век песента заема водеща позиция сред музите. жанрове. Всички големи композитори се обръщаха към нея, в същото време тя имаше голямо влияние върху мотета. В началото. 14 в. появява се цикъл от песни на Жано дьо Лекурел – първият сборник от песни на един автор във Франция. Идеологът на ars nova е поетът-хуманист, композитор, музикален теоретик и математик Филип де Витри (приписва му се трактатът „Ars nova“, който дава името на движението), който обосновава принципите на „новото изкуство“ . Иновациите на Филип дьо Витри в областта на теорията са свързани по-специално с учението за консонансите и дисонансите (той обяви терциите и шестиците за консонанси). Той също така въвежда нови композиционни модели в своите музи. цит., създавайки изометрични. мотет. Този тип мотет е въплътен в творчеството на най-великия композитор и поет ars nova Guillaume de Machaux. В неговата продукция сякаш комбинирани изкуства. постижения на рицарската музика и поезия. съдебно дело със своя едноглав. песни и много цели. планини музика култура. Той притежава песните на хората. склад (lays), virele, рондо, балади (той първи развива жанра на многоглавите балади). В мотетите Машо използва (по-последователно от своите предшественици) музи. инструменти (вероятно долните гласове са били инструментални). Той е автор на първия френски полифонични маси. склад (1364). Като цяло французите ars nova означава. степен, свързана със стила на Средновековието. полифония (полифонично сложни произведения на майсторите от това направление – типично явление за зрялото средновековие).

През 15 век поради исторически причини (по време на Стогодишната война феодалите отново доминират в позицията, големите феодални съдилища се оказват културни центрове; традициите на средновековието на схоластиката се възраждат с нова сила) във Ф. м. Няма особено поразителни явления наблюдаваното. Водеща позиция в музиката. Френска култура от 15 век заети от представители на френско-фламандската (холандска) школа. Холандската школа, която се е развила като творческа. посоката на широко покритие, базирана на обобщаване на прогресивни тенденции във френски, английски, италиански. музика, има голямо влияние върху Европа. музика култура, вкл. и френски. В продължение на два века най-големите композитори на Холандия са работили във Франция. полифоничен училища: в сер. 15 в. - J. Benchois, G. Dufay, на 2-ри ет. 15 в. - I. Okegem, J. Obrecht, in con. 15 - нач. 16-ти век - Josquin Despres, на 2-ри етаж. 16 век - О. Ласо.

Беншоа и Дюфай се доказаха в областта на т.нар. Бургундски шансон (сформиран при двора на бургундските херцози в Дижон). Дюфай, един от основателите на Холандия. училища, заедно с многоцел. песни и други светски оп. (по-специално, разновидности на мотети) създават духовни продукти. Голям интерес представляват неговите меси, в които Нар е използван като cantus firmus. или светска песен (например любовната песен „Лицето й пребледня“ в маса с 4 гола, създадена около 1450 г.).

Изкусният контрапунктист Окегхем е бил не само музикант (в продължение на няколко години той е 1-ви капелан и капелмайстор на френския кралски двор), но и математик и философ. Майсторски владее техниката на имитацията и канона. букви, използвал го в масите си, както и бургундския шансон. Изискан и виртуозен стил, ярка емоционалност и блясък на музиката с релеф на мелодията (фолклорните мелодии са широко използвани в cantus firmus и други гласове на полифонични оп.), яснота на хармонията, яснота на ритъма се отличават с постановката. Обрехта - меси (включително т. нар. пародия), мотети, както и шансон, инстр. играе.

Жоскин Депрес (известно време е придворен музикант на Луи XII), разчитайки на постиженията на Обрехт и други майстори на Холандия. училище, отдаден в трудовите си качества. скок, подчертавайки естетиката. смисъла на иска. Като изключителен полифонист, той в същото време допринася за "хармоничното изясняване" на стила (в произведенията му, наситени с най-сложни полифонични техники, има подробни епизоди от чисто акордов склад). Josquin Despres е постигнал такава техническа свобода, когато умението вече става невидимо и напълно подчинено на разкриването на изкуството. намерение. В техните продукции (меси, мотети, светски песни, полифонични инстр. пиеси с изобразителен характер), всяка от които е ярко индивидуална, Жоскин Депрес отразява по-дълбоко, по-правдиво от своите предшественици. света на човека. Неговите песни са на френски език. текстовете са подготвени от французите полифоничен Песен от 16 век Този жанр е широко представен в произведенията на най-великия нидерл. Полифонист от 16 век Ласо са майстори на строгата полифония. Неговият многоъгълник. Френски песните ("За един стар съпруг", "На пазара в Арас" и др.) са остроумни, пикантни, спонтанни; те се характеризират с типично niderl. жанр в изобразяване на ежедневни сцени, добродушен, груб хумор. Стилът му беше стъпка напред по пътя към хармонията. яснота, той вече използва техниките на хомофоничното писане. Това се отнася преди всичко за светските продукции. (песни, виланели, мадригали). В духовни дела (мотети, меси, псалми) преобладава прозрачната полифония, в някои от тях се очертават принципите на фуговата форма. Ласо имаше ползотворен ефект върху F. m. Като цяло, niderl. училище 15-16 век става един от важните източници, които хранят французите. проф. музика иск.

В кон. 15 в. във Франция се утвърждава културата на Ренесанса. (Някои учени виждат ренесансови черти в изкуството ars nova, смятайки 14-ти век за ранния френски Ренесанс. Публикациите на светски музикални произведения в началото на 14-15 век, които се появяват през 1950-те години, свидетелстват за заблудата на такава позиция. ) Възраждането е подготвено от редица историци. процеси. За развитието на французите културата е била благоприятно повлияна от такива фактори като появата на буржоазията (15 век), борбата за обединение на Франция (приключила в края на 15 век) и създаването на централизирана военна държава. пътувания до Италия – страна на по-високи културни традиции, същества. непрестанният скрит растеж на койката също беше важен. творчеството и дейността на композиторите от френско-фламандската школа.

Най-важното проявление на културата на Ренесанса е хуманизмът. На преден план излиза човек със своето вътрешно аз. Светът. През 16 век ролята на музиката в обществото се е увеличила. живот. Франц. кралете създават големи параклиси в дворовете си, подреждат музи. празненства (например великолепен фестивал, организиран през 1518 г. от крал Франциск I в двора на Бастилията в чест на посланиците на английския крал). През 16 век крал. двор (окончателно е прехвърлен в Лувъра) става гл. огнище на музиката живот, около който проф. иск. Засилена ролята на адв. параклиси (виж Париж). През 1581 г. Хенри III утвърждава длъжността "главен интендант на музиката" в двора. Първият "интендант" - италианец. цигулар Балтазарини де Белджиозо (Balthazar de Beaujoieux) пост. в малкия бургундски дворец в Париж, съставен съвместно от него. с поета Лашене и музикантите Ж. дьо Болио и Ж. Салмон "Комедиен балет на кралицата" - първият опит за съчетаване на музика и танц със сцената. действие, което отвори нов жанр - адв. балет. Важни центрове на музиката. дело заедно с краля. дворът и църквата също са били аристократични. салони (например в Париж, салонът на графиня дьо Рец, където са се изявявали най-добрите музиканти от онова време), работилнически музи. сдружения на занаятчии.

Разцветът на Ренесанса, свързан с формирането на французите. нац. култура, попада в средата. 16 век Ярко проявление на Ренесанса е светският многоъгълник. песента е шансон, който, без да губи връзка с ежедневието, се превърна в жанр на проф. съдебен процес. полифоничен стил получава на френски език. песен нова интерпретация (в сравнение с песента на майсторите от холандската школа), съответстваща на други поетични. идеите на французите хуманизъм – към идеите на Рабле, К. Маро, П. Ронсар. Обикновено шансонът е песен със светски текст и народно-битова мелодия. Нейната история ще изрази. средства бяха свързани с ежедневните демократични. живот.

Изключителен френски композитор Ренесанс е К. Жанекен, който притежава повече от 200 полигола. песни. С Жанекин песента се превръща в детайлна композиция по реалистичен начин. сюжет (в един вид фантастична песен). Това са неговите "Лов", "Битка", "Птича песен", "Женска бърборене", "Парижски улични викове" и др. По сочността на жанровите скечове песните му с право се сравняват с произведенията. Ф. Рабле. Janequin също пише свещена музика (меси, мотети). Той обаче въвежда и характеристиките на светските уок в култовите жанрове. оп. Сред другите автори шансон - комп. Г. Котле, К. Сермизи.

Шансонът придоби слава не само във Франция, но и извън нейните граници. най-малкото благодарение на нотната грамота, която също допринесе за укрепването на музите. връзки между европейските държави. През 1528 г. в Париж П. Атенян съвместно. с П. Отен е основана музиката. издателство (съществува до 1557 г.); на 2-ри етаж. 16 век Голямо значение придобива фирмата на Р. Балард и А. Льо Рой (основана в Париж през 1551 г., по-късно оглавявана от синовете и внуците на Балард; фирмата заема водеща позиция в музикалното издаване до средата на 18 век). Вече от кон. 20-те години 16 век Атенян започва да издава сборници от песни, пиеси за лютня, а също и печатни табулатури за лютня, орган, а по-късно и други инструменти.

През Ренесанса ролята на инстр. музика. В музиката Виола, лютня, китара, цигулка (като народен инструмент) са били широко използвани в ежедневието. Инструмент жанровете проникват както в ежедневната музика (аранжименти и аранжименти на танци и песни), така и в професионалната, отчасти църковната музика (аранжименти на вокални полифонични произведения, аранжименти на хорови мелодии). Домакински танц. музиката е била предназначена за лютня или малък инструмент. ансамбъл, полифоничен прод. извършено върху органа. Лутни танци. пиесите се открояват сред доминиращите през 16 век. полифоничен прод. ритмичен пластичност, яснота на мелодиите, хомофоничен склад, прозрачност на текстурата. Характерно беше обединението на двама или повече. ритмични танци. контраст в особени цикли, които станаха основата на бъдещия танц. апартаменти, напр. дек. бранли (в сборниците, издавани от Атенян има такива цикли от 2, 3 танца).

По-независим. org също придоби значение. музика. Появата на орг. училища във Франция (края на 16 в.) се свързва с творчеството на органиста Ж. Титлуз.

Забележка. феноменът на французите култура на Ренесанса е Академията за поезия и музика, основана през 1570 г. от музикант, поет, който е част от творческата. общността на френските поети-хуманисти "Плеяди" от J. A. de Baif joint. със своите сподвижници (съществува до 1584 г.). Членовете на академията се стремят да възродят античната поетика и музи. метрика, защитава принципа на неразривната връзка между музиката и поезията. Те взеха решение. принос към еволюцията на някои музикални драми. форми. Но техните експерименти в подчиняването на ритъма на мелодията на метриката. структурата на стиха доведе до създаването на абстрактни музи. прод. Върху „премерените стихове“ на Байф, Ронсар (глави от „Плеядите“) музиката е написана от К. Льо Жен, Ж. Модуи и др.

Средства. слой в музиката. Френска култура от 16 век е била музиката на хугенотите – френски. представители на Реформацията (това са главните обр. благородници, които се стремят да запазят феодалните порядки и да намалят намесата в делата им от страна на цар. властта, както и част от буржоазията, която защитава древните си градски свободи). K сер. 16 век възникна една хугенотска песен: мелодии на популярно домакинство и койки. песни, адаптирани към преведените на френски език. език литургични текстове. Малко по-късно Relig. борбата във Франция поражда хугенотските псалми с характерното им пренасяне на мелодията на горния глас и отхвърлянето на полифоничното. сложности. Най-големите хугенотски композитори, които са композирали псалми, са К. Гудимел, Льо Жен. Като майстор на полифонията, Гудимел свири подло. роля в подготовката на хомофонични хармоници. склад, то-ри започва да преобладава във Ф. м. на Ренесанса. Споровете между протестанти и католици пораждат противоречия. песни. В резултат на широкото използване на тази масова демократична песенен жанр в религиозния период. войни нарасна нац. патриотичен Френски песен, която беше изява на нац. Френска идентичност.

17-18 век белязано от решителен превес на светската музика над духовната. През 17 век, през периода на установяването на абсолютна монархия във Франция, съдът е от голямо значение. изкуство, което определя посоката на развитие на най-важните жанрове на Ф. м. от онова време – операта и балета като синтет. декоративни зрелищни изпълнения, подчинени на идеята за прославяне на монархията.

Годините на управлението на Луи XIV бяха белязани от изключителен блясък на двора. живот, желанието на двора и феодалното благородство за лукс и изискани забавления. В тази връзка голяма роля беше отредена на адв. балет, представления на to-rogo се дават в Лувъра, Арсенал, t-re „Palais-Cardinal” (открит през 1641 г., от 1642 г. – „Palais-Royal”). Всички Р. 17-ти век в съда се засили италиански. тенденции. Засаждане на италиански. театър. Традициите бяха популяризирани от кардинал Мазарин, който покани композитори и певци от Рим, Венеция и Болоня в Париж. Италианците представиха французите. аристокрация с нов жанр - опера (при кралския двор има пост. няколко опери - "Въображаемата луда" Сакрати, 1645; "Орфей и Евридика" Л. Роси, 1647 и др.). Запознаване с италиански операта послужи като стимул за създаване на своя национална. опери. Първите експерименти в тази област принадлежат на музиканта E. Jacquet de la Guerre ("Триумф на любовта", 1654), комп. Р. Камбер и поетът П. Перин ("Пасторал", 1659). През 1661 г. е създадена „Кралската танцова академия” начело с хореографа П. Бошам (съществува до 1780 г.). През 1669 г. Камбър и Перин получават патент за организацията на постоянен оперен театър, който отваря врати през 1671 г. под името. „Крал. Музикална академия” (вижте „Гранд Опера”) с тяхната опера „Помона”. От 1672 г. театърът се оглавява от Ж. Б. Люли, който получава монопол върху оперните представления във Франция.

Най-големият френски композитор, основател на нац оперна школа, Люли в началото на творческата. начина, по който пише балетна музика за съда. празненства. Създава редица комедии-балети ("Брак неволно", 1664; "Любов лечителя", 1665; "Господин дьо Пурсоняк", 1669; "Търговецът на благородството", 1672; създава ги съвместно с Ж. Б. Молиер), от които се раждат опери-балети. Люли е родоначалник на жанра на лирическата трагедия (вид героично-трагична опера). Неговата лирика трагедии ("Кадъм и Хермиона", 1673; "Алцест", 1674; "Тезей", 1675; "Атис", 1676; "Персей", 1682 и др.) с тяхната висока героичност, силни страсти, конфликт между чувство и дълг по тяхната тема и DOS. стилистичен принципите са близки до класическите трагедии на П. Корней и Ж. Расин.

На Ф. м. 17 век. Рационализмът имаше силно влияние. естетиката на класицизма, която поставя изискванията за вкус, баланс между красота и истина, яснота на намерението, хармония на композицията. Класицизъм, който се развива по същото време. с бароков стил, получен във Франция през 17 век. пълно изражение, а Лули се превръща в най-яркия му представител в музиката. В същото време творчеството на този композитор има черти на бароковото изкуство, което се доказва от изобилието от зрелищни ефекти (танци, шествия, мистериозни трансформации и др.).

Приносът на Lully към instr. музика. Те създадоха вид френски. оперна увертюра (самият термин е установен през втората половина на 17 век във Франция). Многобройни танци от негови произведения. голяма форма (менует, гавот, сарабанда и др.) повлия на последващото формиране на орка. апартаменти. Творчество Lully - важен етап в еволюцията на музиката от старата полифонична. форми към соната-симфония. жанрове от 18 век.

В кон. 17 - 1-ви етаж. 18-ти век М. А. Шарпантие пише за t-ra (опера Медея, 1693 г. и др.; автор е и на първата френска кантата - Орфей слиза в ада, 1688 г.), А. Кампра (опера-балет " Галантна Европа", 1697 г.; „Венециански празници“, 1710 г.; лирическа трагедия „Танкред“, 1702 г. и др.), MR Delaland (дивертисмент „Дворецът на Флора“, 1689 г.; „Мелисерт“, 1698 г.; „Брак в провинцията“, 1700 г. и др.), AK Detush (лирическата трагедия "Амадис Гъркът", 1699; "Омфала", 1701; "Телемах и Калипсо", 1714; опера-балет "Карнавал и лудост", 1704 и др.). Сред наследниците на Lully условността на пришествието стана особено забележима. театър. стил. В производството тези композитори, които продължават да създават лирика. на преден план излязоха трагедии, декоративно-балетни, пасторално-идилични. страни на този жанр в ущърб на драмите. основите на операта, нейната героика. съдържание. От особено значение е началото на дивертисмента (вж. Дивертисмент, 3). Лирика. трагедията отстъпва място на нов жанр – опера-балет.

През 17 век във Франция са разработени разл. инстр. школи - лютня (Д. Готие, който повлия и върху стила на клавесин на J. A. Anglebert, J. Sh. de Chambonnière), клавесин (Chambonniere, L. Couperin), виола (гамбо играч M. Marin, който е първият във Франция, въвежда контрабас в оперния оркестър вместо контрабас виола). Френският получи най-голямо значение. училище по клавесин. Ранният стил на клавесин се оформи директно. влиянието на лютненото изкуство. В производството Chambonière е определен като характерен за французите. клавесинисти начинът на орнаментация на мелодията (виж Орнаментация) Изобилието от декорации даде на продукта. за клавесина, известна изтънченост, както и по-голяма съгласуваност, "мелодичност", "продължителност" на рязкото звучене на този инструмент. В инстр. музиката е широко използвана още през 16 век. съюзът на сдвоените танци (паван, галиард и др.), довел до 17 век. за създаване на апартамент. Към старите народни танци (courante, branle) се присъединяват танци от различни региони на Франция с изразени местни особености (paspier, burre, rigaudon), които заедно с менуета и гавота формират стабилна основа за французите. инстр. апартаменти.

През 20-30-те години. 18-ти век клавесинната сюита достига своя връх, отличаваща се с остротата на образите, финеса и елегантността на стила. Сред французите клавесинисти, изключителна роля принадлежи на представител на голямо семейство френски. музиканти Ф. Куперен („велик“), чието творчество е върхът на фр. музика претенции от периода на класицизма. В ранните си сюити той следва модела, установен от неговите предшественици, впоследствие преодолявайки нормите на стария танц. сюити, Куперен създава безплатни цикли, базирани на принципа на сходството и контраста на парчетата. Майстор на миниатюрата, той се отличи в въплъщението на разнообразно съдържание в този жанр, пионер на французите. клавесинисти. Музиката на Куперен се характеризира с неизчерпаема мелодия. изобретателност. Неговият инстр. Пиесите са изразителни. Повечето от пиесите са с програмни заглавия („Жътварки”, „Тръстика”, „Кукувица”, „Флорентинец”, „Флиртуващ” и др.). Със страхотни психологически в тях с тънкост са отпечатани изящни женски образи, дадени са опоетизирани жанрови скици. Наред с Купър голям принос за развитието на програмно-характерната сюита за клавесини имат и Ж. Ф. Дандрийо и особено Ж. Ф. Рамо, който в своята клавесин оп. често излизаше извън границите на интимността, стремейки се към по-декоративно писане, използвайки динамичното развитие на сонатния тип. Средства. крайъгълен камък във формирането на французите. скр. школа, която се развива в тясна връзка с италианската, е дело на J. M. Leclerc („старши“), който създава ярки образци на Skr. сонати и концерти от 18 век и К. дьо Мондонвил, който първи въвежда в Skr. част естествени хармоници, а също и в своите "Пиеси за клавесин под формата на сонати с акомпанимент на цигулка" (1734) той за първи път развива облигатната (виж Облигато, 1) част на клавесина.

Във Ф. м. 18 век. първото място принадлежи на музикалния театър. жанрове. През 30-60-те години. водеща позиция в адв. опера - "Кралят на Музикалната академия" е заета от Рамо, в творчеството на който жанрът на лириката. трагедията достигна връхната си точка. развитие. Създава редица изключителни оперни постановки. - лирика. трагедиите Иполит и Аризия (1733 г.), Кастор и Полукс (1737 г., 2-ро издание 1754 г.), Дардан (1739 г., 2-ро издание 1744 г.), Зороастър (1749 г., 2-ро издание . 1756 г.), опера-балети "Галант 5" (173 г.). и др. Най-големият музикант от 18-ти век, Рамо актуализира музикалния израз. оперен жанр. Неговото уок.-рецитиране. стилът е обогатен от засилената мелодична хармоника. израз и органично преведен италиански. възникнали форми. По-разнообразно съдържание придобива от него 2-частна увертюра от типа люлист, той се обръща и към 3-частна увертюра, близка до италианската. оперна симфония. В редица опери Рамо предвижда много по-късни завоевания в областта на музиката. драма, проправяща пътя за оперната реформа на К. В. Глук. Но поради исторически условия той не успя да реформира из основи остарялата лирика. трагедия, за да я преодолее галантно аристократично. естетика. Големи са заслугите на Рамо в областта на музиката. теории. Изключителна музика. теоретик, той разработи хармонична научна. система, редица разпоредби на която послужиха за основа на учението за хармонията ("Трактат за хармонията", 1722 г.; "Произходът на хармонията", 1750 г. и др.). Героично-митологичен. опери от Люли, Рамо и други автори до средата. 18-ти век престана да отговаря на естетиката. искания на буржоа публика. Популярни бяха панаирни представления, които бяха остро сатирични по своята ориентация (парижките панаирни търговски центрове бяха широко известни от края на 17 век), осмиващи нравите на „висшите“ слоеве на обществото, както и пародиращи съдилищата. опера. Първите автори на подобни комедии. Опери бяха драматурзите A. R. Lesage и C. S. Favard, които умело подбираха музика за своите изпълнения, състояща се от куплетни песни - "voix de ville" (букв. - "Гласове на града"; вижте Водевил) и други популярни типове планини фолклор. В недрата на панаирния т-ра е узрял нов французин. оперен жанр - оперен комик. Укрепването на позицията на оперния комик е улеснено от пристигането в Париж през 1752 г. на италианеца. оперна трупа, поставила редица оперни любители, вкл. „Слугиня-господарка“ Перголези и полемиката по въпросите на оперното изкуство, която се разгоря между привържениците (буржоазно-демократичните кръгове) и противниците (представители на аристокрацията) италианците. буфа опери, - т.нар. "война на скафите".

В разгорещена политическа атмосфера на Париж, този спор стана особено остър, получи огромна общност. резонанс. Френски дейци взеха активно участие в него. Просвещение, което подкрепяше демократичното. изкуството на „буфонистите” – Д. Дидро, Ж. Ж. Русо, Ф. М. Грим и др. Блестящата им остро-полемична. брошури и научни трактати (Русо - статии за музиката в "Енциклопедия, или обяснителен речник на науките, изкуствата и занаятите"; "Музикален речник", 1768 г.; "Писма за френската музика...", 1753 г.; Грим - "Писма върху Омфал", 1752; „Малкият пророк от Бьомиш-Брод“, 1758; Дидро – „Разговори за „лошия син““, 1757 и др.) са насочени срещу условностите на французите. нар. т-ра. Прокламираният от тях лозунг "имитация на природата" оказва голямо влияние върху формирането на французите. оперен стил от 18 век. Тези произведения съдържат и ценна естетика. и музикално-теоретичен. обобщения.

В своята дейност енциклопедистите не се ограничаваха до лит. противоречие. Важна роля в утвърждаването на нов тип музика. Спектакълът е изигран от пасторала на Русо „Селският магьосник“ (1752), който е първият френски. комичен опера. От това време оперният комик започва да процъфтява, той се превръща във водещ жанр на FM (изпълненията се дават в театъра на Комичната опера; вижте „Оперен комик“). Сред първите автори на фр комичен опери - Е. Дуня, Ф. А. Филидор. Италиански композиторът Дуня, който работи в Париж от 1757 г., създава повече от 20 произведения в този жанр. („Двама ловци и една млекарка”, 1763 г.; „Жътварки”, 1768 г. и др.).

Комикс. Оперите на Филидор са предимно ежедневни опери, много от тях съдържат колоритни жанрови картини (Ковачът, 1761; Дърворезачът, 1763; Том Джоунс, 1765 и др.). Развивайки, разширявайки обхвата на своите сюжети (постепенно се включват мелодраматични и героични теми), оперният комик продължи самостоятелно. начин, без да се влияе от лириката. трагедия. Обогатен и усложнен от нейните музи. език, но той остава демократичен. съдебен процес. През 1760-те години комичен операта се доближава до „сериозната комедия“, както я мисли Дидро. Характерен представител на това направление е П. А. Монсини, чието творчество е близко до тогавашния сантиментализъм („Дезертьор“, 1769; „Феликс, или Foundling“, 1777 и др.). Неговата продукция. свидетелстват за просветителския хуманизъм на комикса. опера, за нейното обществено направление, типично за предреволюц. десетилетия. Изобразително изкуство. сферата на комичното Операта е значително отдалечена от А. Е. М. Гретри, който въвежда в нея черти на лириката. поетизация и предромантика. цвят ("Люсил", 1769; "Ричард Лъвското сърце", 1784; "Раул Синя брада", 1789 и др.). Френски идеи. Просвещението играеше същества. роля в подготовката на оперната реформа на Глук. Започвайки реформата си през 1760 г. във Виена („Орфей и Евридика“, 1762; „Алцест“, 1767), завършва го в Париж. Постановката в Париж на оперите Ифигения в Авлида (1774), Армида (1777), Ифигения в Таврида (1779), които въплъщават идеите за героизъм и гражданска доблест, изтъкнати от напредналите кръгове на предреволюционния период. Франция, стана причина за ожесточена борба на посоките във Ф. м. Срещу Глюк бяха и привърженици на старите французи. опери (признавайки само оперите на Люли, Рамо), и фенове на италианците. опери, в рояк от чиста музика. страната надделя над драмата. Оперният стил на Глук (подкрепяха го дейци на прогресивното изкуство) беше аристократичен. кръгове, привърженици на стария хедонист. Оперната естетика (J. F. Marmontel, J. F. La Harpe и др.) се противопоставя на оперното творчество на италианците. комп. Н. Пичини. Борбата между „глюкистите“ и „пичинистите“ (първите победиха) отразява дълбоките идеологически промени, настъпили във Франция през второто полувреме. 18-ти век

Във връзка с нарастващото влияние на буржоазията през 18 век. възникват нови форми на музикални общества. живот. Постепенно концертите излизат отвъд дворцовите зали и аристократични. салони. През 1725 г. А. Филидор (Даникан) организира редовни публични „Духовни концерти” в Париж, а през 1770 г. Ф. Ж. Госек основава дружество „Аматьорски концерти”. Академичните вечери бяха от по-закрит характер. Дружество "Приятели на Аполон" (основано през 1741 г.), на което музикални са професионалисти и любители аристократи. Годишни цикли от концерти бяха организирани от „Кралска музикална академия”. Страхотен френски. Революцията донесе огромни промени във всички области на музиката. съдебно-ва, до-рое под влиянието на творчеството на революц. масите придобива гражданско-демократичен. характер. Музиката става неразделна част от всички средства. революционни събития. време - военно. победи, революционни тържества. празненства, траурни церемонии (Бастилията падна под звуците на музика, хората съчиняваха песни за свалянето на монархията, за приетата конституция, погребението на героите се превърна в масови шествия, съпроводени от духове. оркестри и др.).

Тази нова социална функция на музите. арт-ва (той се превърна в активно средство за гражданско образование, в обществена сила, обслужваща интересите на държавата) допринесе за утвърждаването на масови жанрове – песни, химни, маршове и пр. В първите фр. революционен В песните се използва музиката на популярни мелодии, които вече съществуват сред хората: например песента на французите. sans-culottes "Za ira" - това е своеобразна реинтонация на мелодията на "National Carillon" Bekur. Широко използвани са и песни, които обобщават характерните интонации на наровете. музика, - "Карманьола" и др. Висока, най-яркият пример за революц. Песента на Франция е Марсилиезата, създадена от Си Ж. Руже дьо Лил (1792 г.; от 1795 г., с прекъсване, националният химн на Франция). Ренесансът в героичната музика. образи, призив към масовата публика, оживиха изкуството на революцията. класицизъм. Идеите за борбата срещу тиранията, свободата на човешката личност, които хранеха музите. съдебно дело, допринесе за търсенето на нова музика. финансови средства. За уок. и инстр. типични стават музика (от различни автори), ораторски интонации, мелодия, която се отличава с "големи контури" (често съдържаща фанфарни интонации), преследвани ритми, маршируване, тежка лапидарност на модалните хармоници. склад. Най-големите композитори от онова време - Госек, Е. Мегул, Ж. Ф. Лесюер, Л. Керубини, се обръщат към писането на песни, химни, маршове ("Песен на 14 юли", хор "Събудете се, хора!", "Скръбен марш" за духовен оркестър и други произведения на Госек, "Песен на похода", "Песен на победата" от Мегул, "Песен за триумфите на Френската република", "Химн на 9-ти термидор" от Лесюер; "Химн на братството" , "Песни на десети август" от Керубини). Тези композитори бяха най-видните музи. водачи на великите французи революция, по-специално, те ръководят организацията на грандиозни масови музи. празненства (дирижираха хорове, оркестри по площадите на Париж). Един от създателите на музика. стилът на революцията е Gossec, чието творчество поставя основата на нови жанрове, вкл. революционно патриотичен. масова песен, юнашка погребален марш, агитация опера на революцията. Той е и основателят на французите симфонии (1-ва симфония, 1754). Въз основа на постиженията на французите опери (предимно Рамо), Госек актуализира и разшири композицията на симфонията. оркестър (въведени кларинети и валдхорни в партитурата). обществата. атмосферата на епохата, превърната в подло. влияние върху музиката. т-р. Революционно. идеологията допринесе за появата на нови жанрове - апотеоз, агитация. изпълнения с помощта на големи хорове. маси (Госек - апотеозът "Дарът на свободата", 1792 г.; операта "Триумфът на републиката, или Лагерът на Гранд Пре", 1793 г.; Гретри - агит. опери „Републиканският избраник, или Празникът на добродетелта“, „Тиран Дионисий“, и двете 1794 г. и др.).

През годините на революцията „операта на спасението“ (тя се формира още преди революцията) получава специално развитие, повдигайки темите за борбата срещу тиранията, разобличавайки духовенството, прославяйки лоялността и предаността. Този нов героичен жанр синтезира възвишения героизъм и ежедневния реализъм, черти на комикса. опери и героични трагедията на Глук. Ярки примери за „операта на спасението“ са създадени от Керубини („Лодойска“, 1791; „Елиза“, 1794; „Водонос“, 1800), Бретон („Ужасите на манастира“, 1790), Лесюер (“ Пещерата", 1793 г.). Композитори от ерата на Великите французи. Революциите са допринесли много за развитието на оперния жанр: обогатяват неговия израз. средства (Херубини използва принципите на мелодрамата в кулминациите), характерни похвати (формирането на лайтмотивизма от Гретри, Лесюер, Керубини, Мегул; вижте Leitmotiv), дават нова интерпретация на някои оперни форми. Редица опери на Гретри („Ричард Лъвското сърце“, „Раул Синята брада“) и Керубини (включително „Медея“, 1797), в които авторите се стремят да покажат вътрешното. човешките преживявания съдържат романтични. тенденции. Тези произведения проправиха пътя за романтичната опера през 19 век.

През 80-те години. 18-ти век разгънати конц. дейността на G. B. Viotti - най-големият представител на героичната епоха. класицизъм в скр. претенд-ве, което повлия на формирането на фр. скр. училища от 19 век През годините на революцията, поради особеното си значение, той придобива военен дух. музика (звучала по време на тържества, тържества, церемонии, погребални шествия), беше организиран Народният оркестър. Гвардейци (1789 г., основател Б. Сарет). Революционно. Музикалната система също претърпя трансформации. образование. Показателите бяха премахнати; през 1792 г. отваря врати Музите. училище на нац охрана за военно обучение. музиканти. На базата на това училище и краля. училища по пеене и рецитиране (основана от държавния секретар, 1784 г.) през 1793 г. Нац. музика ин-т (от 1795 г. - Парижката консерватория). Голяма заслуга в организацията на консерваторията принадлежи на Сарет, сред първите й инспектори и учители - Госек, Гретри, Керубини, Лесуер, Мегул.

През периода на диктатурата на Наполеон (1799-1814) и Реставрацията (1814-15, 1815-30), идеологическият упадък на Ф. м. Семирамида" Кател, 1802 г. и др.). Тези години не са дали (с малки изключения) средства. композиции. На фона на буйни, фалшиво героични. прод. се открояват оперите „Осиан, или Бардове” от Лесюер (пост. 1804), „Йосиф” от Мегул (1807).

Г. Спонтини е типичен представител на външно ефектен оперен стил, чието творчество най-пълно отразява изискванията и вкусовете на времето. В оперите си („Весталката“, 1805; „Фернан Кортес, или Превземането на Мексико“, 1809 и др.) той продължава героичното. традиция, идваща от Глук. музи. драматургията на "весталките" изобразени същества. влияние върху формирането на жанра на голямата опера.

До края на периода на реставрацията в обстановката на началото на обществото. След подемът, довел до Юлската революция от 1830 г., възраждане се наблюдава и в областта на културата. В борбата срещу акад. делото на Наполеоновата империя е образувано от французите. романтичен опера, до-рая през 20-30-те години. заемаше господстващо положение. Романтичен. тенденции се проявяват в желанието за идейно насищане, лир. непосредственост на изразяване, демократизация и колоритност на музите. език. На романтизация е подложен и оперният жанр, оперният комик, който е най-разпространен през тези години. За най-добрия комик. Оперите от тази посока принадлежат към произведенията. А. Боилдийо, чието най-високо постижение е операта „Бялата дама“ (1825) с нейната патриархална идилия. ежедневни сцени и романтични. фантазия. Допълнителна романтизация на комикса. операта предизвика увеличаване на нейната лирика. начало, по-широко използване на нар. мелодии, а също така обогатява нейния стил. Нов вид комикс опери с трогателни сюжети, бързо развиващ се екшън, музика. езикът на който е наситен с интонациите на ежедневните песни и танци, е създаден от Ф. Обер („Fra Diavolo“, 1830; „Бронзовият кон“, 1835; „Черно домино“, 1837 и др.). В комедийния жанр. в опери са работили и други композитори – Ф. Херолд („Цампа, или мраморната булка“, 1831), Ф. Халеви („Светкавица“, 1835), А. Адам („Пощальонът от Лонджюмо“, 1836), който по-късно одобрен също романтично. режисура в балета ("Жизел, или Уилис", 1841; "Корсар", 1856).

През същите години се оформя жанрът на гранд опера за историческо и патриотично изкуство. и героичен истории. През 1828 г. има пост. операта „Мом от Портичи” („Фенела”) от Обер, чийто сюжет отговаряше на обществото. настроения в навечерието на Юлската революция от 1830 г. Това е първата голяма опера, в която играят обикновени хора вместо древни герои. Самата музика се различаваше от тържествеността на старата героика. жанрове. „Неми от Портичи“ стимулира по-нататъшното развитие на фолк-героичното. и романтично. опери. В Гранд опера са се реализирали определени драматурзи. техники, използвани от Дж. Росини в операта „Уилям Тел” (1829), написана от него за Париж. Работейки във Франция, Росини взе много от своята култура, като в същото време оказа влияние върху творчеството на французите. музиканти, по-специално J. Meyerbeer.

На френски голямата опера от 1830-те и 1840-те, генерирана от ерата на романтизма, героична. патосът, въодушевлението на чувствата бяха съчетани с купища сценични изяви. ефекти, външен декоративен ефект. В това отношение особено показателно е творчеството на Майербер, най-видния представител на великия исторически и романтизъм. опера, дълги години свързана с фр. култура. За неговото производство типични са внимателно написаните, изпъкнали характеристики на героите, закачлив начин на писане, ясна музика. драматургия (открояване на общата кулминация и ключови моменти от развитието на действието). С добре познатия еклектизъм на музиката. стил (музикалният му език се формира под влиянието на различни национални култури), Майербер създава опери, които улавят действието с интензивна драма, грандиозен театър. ефектност. Характерно за цялата история на Ф. м. връзката е театърът. и музика. art-va се проявява в творчеството на Майербер, който е повлиян от романтиката. драми, особено В. Хюго. (Това означава, че ролята във формирането на оперния стил на Майербер принадлежи на великия драматург от онова време Е. Скриб, който става негов постоянен либретист.) Парижките опери на Майербер – „Роберт Дявола“ (1830), където структурата на се формира великите французи. опера, най-добрата му творба. „Хугеноти“ (1835 г.), който се превръща в най-яркия пример на французите. романтичен оперите „Пророкът” (1849) и „Африканската жена” (1864), в които вече има признаци на упадък на този жанр, – въпреки всичките си достойнства, те свидетелстват за непоследователността на творческата работа. Методът на Майербер и самият жанр на голямата опера с външните му ефекти в ущърб на достоверността. Голямата опера се свързва с творчеството на редица французи. композитори, вкл. Халеви ("Жидовка", 1835 г.; "Кипърска кралица", 1841 г.; "Карл VI", 1843 г.).

Прогресивен френски. музика романтизмът намира своя най-ярък и пълен израз в творчеството на Г. Берлиоз, един от най-големите композитори на 19 век. Берлиоз е създателят на софтуерния романтик. симфония - "Фантастична симфония" (1830), която се превръща в своеобразен манифест за французите. музика романтизъм, "Харолд в Италия" (1834). Особеността на симфонията Творчеството на Берлиоз се дължи на пречупването в неговата музика на лит. образи на Вергилий, У. Шекспир, Дж. Байрон, Дж. В. Гьоте, сближаването на симф. жанрове с театър. Проблемът с театрализацията е решен във всяка негова постановка. поотделно: драм. симфонията "Ромео и Жулиета" (1839) е сродна на ораторията (поради въвеждането на солисти и хор) и съдържа елементи от оперно действие; драма легендата „Осъждането на Фауст” (за солисти, хор и оркестър, 1846 г.) е сложна опера-оратория-симфония. жанр. До известна степен е свързан и широко използваният от Берлиоз в симфониите принцип на монотематизма, който в случая произлиза от лайтмотивните характеристики в операта. С програмния си симфонизъм Берлиоз очертава един от най-важните пътища за развитие на Европа. симп. музика (вижте Програмна музика). В музиката му, наред с интимните текстове, фантастично. а жанровите образи упорито се въплъщават гражданско-революционни. тема; той възражда традициите на масовото и демократичното. претенциите на великите французи. Революция (Реквием, 1837; Погребално-триумфална симфония, 1840) Голям новатор, Берлиоз създава нов тип нац. мелодика (мелодиите му се отличават със склонността си към стари ладове, особен ритъм, който е повлиян от влиянието на особеностите на френската реч; някои от мелодиите му наподобяват издигната ораторска реч). Той направи големи иновации в областта на музиката. форма, направи революция в областта на инструментацията (важна роля в създаването на образа играе оркестрово-тембърният елемент, на който са подчинени други компоненти на музикалния език - ритъм, хармония, форма, текстура). Донякъде специална позиция на френски. музика t-re заема оперите на Берлиоз: неговата опера "Бенвенуто Челини" (1837) продължава традицията на комичното. опери, дилогията "Троянци" (1859) - героиката на Глук, боядисана в романтични тонове.

Най-големият диригент и изключителна музика. критик, Берлиоз, заедно с Вагнер, е основател на нова школа по дирижиране, написва редица забележителни произведения, в т.ч. посветен на Л. Бетовен, Глук, въпросите на дирижирането на изкуството (сред тях - трактатът "Директорът на оркестъра", 1856 г.) и оркестрацията ("Великият трактат за инструментариума", 1844 г.).

Работата на Берлиоз засенчи дейността на редица французи. композитори сер. 19 век, работещ в областта на симфонията. жанр. Някои от тях обаче, вкл. Ф. Дейвид, взе решение. принос към музиката иск във Франция. Автор на едносимфониите Пустинята (1844), Христофор Колумб (1847) и други произведения, той положи основите на ориентализма във Ф. м.

През 30-40-те години. 19 век Париж се превръща в един от центровете на световната музика. култура, която привлича музиканти от други страни. Тук се разгръща творчеството, съзрява пианизмът на Ф. Шопен и Ф. Лист, процъфтява изкуството на певците П. Виардо-Гарсия, М. Малибран, изнасят концерти Н. Паганини и други изявени изпълнители.

От началото 19 век европейски слава придоби френски. цигулка, т.нар. Парижка школа – П. Роде, П. М. Байо, Р. Кройцер; плеяда певци, свързани с романтичното, излезе на преден план. опера, сред тях - певците Л. Даморо-Чинти, Д. Арто, певците А. Нури, Ж. Л. Дюпре. Появиха се редица първокласни музи. екипи. През 1828 г. реж. Ф. Хабенек основава в Париж „Дружеството на концертите на Парижката консерватория”, симфон. чиито концерти играят голяма роля за популяризирането на творчеството на Бетовен във Франция (през 1828-31 г. в Париж се провежда цикъл, включващ всички симфонии на Бетовен), както и Берлиоз (Фантастичната симфония, Ромео и Жулиета са изпълнени за първи път в концертите на Общество“, „Харолд в Италия“). Берлиоз ръководи широка диригентска дейност, той организира симфонията. концерти-фестивали (по-късно е диригент на създадената по негова инициатива Голяма парижка филхармония, 1850-51). Средства. развива се и хорът. представление, което постепенно преминава от църкви към конц. зали. Огромен брой любители на хора. пеенето беше обединено от Орфеонското дружество. За музика. Животът на Франция през годините на Втората империя (1852-70) се характеризира със страст към кафе-концерти, театър. ревю, съдебен шансоние. През тези години многобройни t-ry на леките жанрове, където се поставят водевили и фарсове. Навсякъде звучеше забавно, забавно. музика. Въпреки това опитът, натрупан от комикса. операта в изобразяването на ежедневието, в създаването на реални образи, допринесе за формирането на нов театър. жанрове - оперета и лирическа опера.

Парижката оперета е типичен продукт на Втората империя. Израсна от спектакли-ревюта (ревюта), създадени по темите на днешния ден. Оперетата се отличава преди всичко с наситеността на модерното. съдържание и актуална музика. интонации. Той се основаваше на пикантни куплети и танци. дивертисменти, примесени с разговорни диалози. Сред създателите на парижката оперета са Ж. Офенбах, П. Ерве. Оперети на най-големия майстор на този жанр Офенбах, разнообразни по сюжет („Орфей в ада“, 1858 г.; „Женевиева от Брабант“, 1859 г.; „Красива Елена“, 1864 г.; „Синя брада“ и „Парижки живот“, 1866 г.; " Перикола“, 1868 г. и др.) са подчинени на гл. тема - образът на модерността. Офенбах разширява идейното изкуство. жанрова гама; оперетата му придобива остра актуалност, социална насоченост (в редица произведения се осмива моралът на буржоазно-аристократичното общество). Музиката в оперетите на Офенбах се превръща в най-важната драматургия. фактор.

Впоследствие (през 70-те години, в условията на Трета република) оперетата губи своята сатира, пародия и злободневност, а преобладават историко-битовите и лирико-романтичните. сюжети, в музиката лириката излезе на преден план. началото ("Мадам Фавар", 1878 г. и "Дъщерята на тамбур майора", 1879 г., Офенбах; "Мадмоазел Нитуш" Ерве, 1889 г. и др.); тя е ясно изразена в оперетите на К. Лекок („Дъщерята на мадам Анго“, 1872; „Жирофле-Гирофля“, 1874), Р. Планкет („Корневилските камбани“, 1877). Няколко оперни театри бяха открити за оперетни представления в Париж. t-ditch - "Buff-Parisien" (1855, основател - Offenbach), "Foli Dramatic" (1862), "Foli Bergère" (1872; по-късно - мюзикхол) и др.

До 50-те години. 19 век на френски език твърдение-ве усилени реалистични. тенденции. В операта това се проявява в желанието за обикновени сюжети, за образа на не изключително, романтично. герои, но обикновени хора с техните интимни преживявания. В кон. 50-те - 60-те години заражда се лирическият жанр. опери. Най-добрите му образци се характеризират с задълбочен психологизъм, фино разкриване на вътрешното. на човешкия свят, истински образ на ситуацията, на фона на която се развива действието. Въпреки това, лириката в операта липсваше широта на идейното изкуство. обобщения. Често осветен. основата на оперите бяха произведенията. световна класика, но акцентирани в тях преим. лирика драматургията, сюжетите се тълкуват в битово отношение, идеологическите проблеми се стесняват, философското съдържание на лит. оригинален източник. Лирика. операта се отличава с поетичност. скица на сцената. образи, проста разбираема музика, привлекателност, изящество на мелодията, демократизация на музите. език, който се доближава до ежедневната лирика (широко използвани са градският фолклор, различни жанрове от ежедневието, включително романс, валс).

Лирика. операта получава най-цялостното и художествено съвършено въплъщение в творчеството на Ш. Гуно. Операта „Фауст“ (1859, 2-ро издание 1869), която бележи раждането на нов жанр, служи като нейна класика. проба. Гуно създаде още 2 ярки лирики. опери - "Мирейл" (1863, 2-ро издание 1864) и "Ромео и Жулиета" (1865, 2-ро издание 1888). Сред композиторите, писали в този жанр, лириката се откроява със своя оригинал. талант, изящество на музиката. стил Ж. Масне, автор на популярните опери "Манон" (1884), "Вертер" (1886). Широко известна такава лирика. опери като "Mignon" (1866) и "Hamlet" (1868) от Томас, "The Pearl Seekers" (1863), "The Beauty of Perth" (1866) и "Jamile" (1871) от Bizet, "Lakme" от Делиб (1883). Наречени опери от Ж. Бизе и Л. Делиб на екзотика. "Ориенталските" сюжети, както и "Самсон и Далила" от Сен-Санс (1876) са сред най-добрите френски. лирико-ориенталски произведения. Много лирика оперите се поставят в Лирическия театър (основан през 1851 г.).

През 70-те години. 19 век реалистичен. тенденции се появяват и в жанра на балета. Делиб е новатор в тази област, то-ри в балетите Копелия, или Момичето с емайлирани очи (1870), Силвия, или Нимфата на Даяна (1876) подсилват драмата. започвайки в танца, разширява обхвата на лирико-псих. изразителност на традицията. балетни форми, използвани чрез развитието на музиката.-xopeografich. действия, достигащи до симфонизиране на балетната музика. Вдлъбнатината е реалистична. лирически принципи. операта се свързва с творчеството на Бизе. Най-добрите му творения - музиката към драмата на А. Доде "Арлезианецът" (1872) и операта "Кармен" (1874) се отличават с реализъм. разкриване на драмата на хората от народа, силата на изобразяване на житейски конфликти, истината на човешките страсти, динамизма на образите, драми. изразителност на музиката, ярко пресъздаване на нац. цвят, мелодичен богатство, оригиналност на муз. език, комбинация от интензитет symf. развитие от традицията. Френски форми. комичен опери („Кармен“ е официално написана в този жанр). "Кармен" - върхът на реализма на френски език. опера, едно от най-големите произведения. световно оперно изкуство. През последната трета на 19 век същества. място в музиката животът на Франция е зает от работата на Р. Вагнер, която има смисъл. влияние върху редица френски композитори. Започна разгорещен дебат между вагнерианците и техните противници. Париж става един от центровете на вагнеризма. Тук дори беше публикувана специална. списание "Revue Wagnerrienne" (1885-88), в който си сътрудничат видни писатели, музиканти, философи и художници. Въздействието на музиката Драматургията на Вагнер е отразена в оперите Fervaal d'Andy (1895), Chabrier's Gwendoline (1886).Влиянията на Вагнер засягат и инструменталните жанрове (търсене в областта на хармонията, оркестрация) - някои произведения на А. Дюпарк, Е. Шосон и др. Въпреки това, през 90-те години на миналия век има реакция срещу доминирането на идеите на Вагнер. Има желание за по-голям национален характер, за истината на живота в музиката. В това отношение във френската опера те намират реализация на една тенденция подобни на италианския verismo, в значителна степен свързани с литературното движение, оглавявано от Е. Зола. Те са ярко въплътени в творчеството на А. Бруно, най-видния представител на натурализма в оперното изкуство на Франция. В неговите опери (по-голямата част от ги - върху сюжети и отчасти по либретото на Зола ) той за първи път изведе на сцената съвременни селяни, работници - "Обсадата на воденицата" (1893), "Месидор" (1897), "Ураган" (1901). , в ущърб на реализма в творбите на Бруно, често правдивите житейски конфликти се съчетават с мистериозна символика.Към натуралистична посока Творчеството на Г. Шарпантие, авторът на операта Луиза (1900), която беше популярна, особено сред демократичната публика, олицетворява творчеството на Г. Шарпантие, в която са уловени образи на обикновени хора, картини от ежедневието в Париж .

На 2-ри етаж. 19 век широко разпространена песенната традиция, представена от творчеството на шансониера. Впоследствие В. И. Ленин говори с голяма симпатия за тяхното твърдение. В. И. Ленин особено харесва популярните през 90-те години. певец шансониер Г. Монтегъс - син на комунар. Прод. шансониерите често се отличаваха със своята ярка публицистика. Много песни допринесоха за пробуждането на класовото съзнание на работниците. Сред тях е "Интернационалът" - ярък отговор на героичното. събития на Парижката комуна (думите са написани от поп-песенника Е. Потие през юни 1871 г., музиката - от работника, любител-композитор П. Дегейтер през 1888 г., изпълнена за първи път през 1888 г. на работен празник в Лил), която стана химн на революцията. пролетариата.

Парижката комуна бележи голяма повратна точка в социално-политическото. и културния живот на Франция. Политика на комуната в изкуствата. областта се основава на прокламирания от нея лозунг "Изкуството - към масите". Бяха организирани грандиозни концерти за народа, масови зрелища в двореца Тюйлери, в разв. квартали на Париж, музика звучеше по улиците, площадите. Проектиран от Парижката комуна на изкуствата. събитията бяха идеологически широки. Трудещите се получиха възможност да посещават театри, концерти и музеи. Основна фигура в революцията. Париж е композиторът и фолклорист Р. Салвадор-Даниел, който се бори на барикадите, оглавява консерваторията по време на Парижката комуна (той е заловен от Версай и разстрелян). Идеите на Парижката комуна намират директно. отразени в песните, създадени от работещи поети и композитори, те допринасят и за демократизацията на проф. реалистичен. съдебен процес. След събитията от 1870-71 г. във Франция движението за утвърждаване на национални традиции в музиката се разширява. Настъпва благотворна промяна в полето instr. музика - висши изкуства. резултати са постигнати от френските композитори в симфонията, камерно-инстр. жанрове. Това „обновяване” се свързва преди всичко с дейността на С. Франк и К. Сен-Санс.

Най-големият френски композитор и органист Франк в творчеството си съчетава класическото. яснота на стила с ярък романтичен. образност. Той обърна голямо внимание на проблема за изкуството. единство инстр. цикъл, основан на принципа на междусекторната тематика: обединението на завършени, относително независими. части от цикъла с общи теми (традиция идваща от 5-та симфония на Бетовен). Към високите примери на френски език. симфонията принадлежи към такива произведения. Франка, като симфония в d-moll (1888), симфония. стихотворенията „Проклетият ловец“ (1882), „Джини“ (за пиано и оркестър, 1884), „Психея“ (за хор и оркестър, 1888), „Симфонични вариации“ (за пиано и оркестър, 1885). Принципът на цикличността, характерен за симфонията. Работата на Франк е присъща и на неговия камерен инстр. есета. Той е автор на орган, fp. произведения, оратории, романси, духовна музика. Класицистичните тенденции в творчеството на Франк (призивът към строгите класически форми, широкото използване на полифонията) отчасти подготвят неокласицизма в музиката на 20-ти век. В същото време неговите открития в областта на хармонията изпревариха импресионизма. техники за писане. Изключителен учител, Франк е основател на училището (сред учениците му са В. д. "Анди, А. Дюпарк, Е. Шосон). Работата му оказва благотворно влияние върху р. м. края на 19 - началото на 20 в. .

Творчески. индивидуалността на Сен-Санс, автор на много. прод. различни жанрове, най-ярко проявени в инструменталната, преди всичко концертно-виртуозна, музика - симфония с орган (3-та симфония, 1886), симфония. стихотворението „Танцът на смъртта“ (1874), „Въведение и Рондо Капричиозо“ и 3-ти концерт за цигулка и оркестър (1863, 1880), 2-ри, 4-ти, 5-ти концерти за пиано. с оркестър (1868, 1875, 1896), 2-ри концерт за виолончело и оркестър (1902) и др. В романтичната му музика могат да се проследят класически тенденции. Творчеството Сен-Санс се характеризира с вярност нац. традиции (творческите му принципи се формират до голяма степен под влиянието на клавесинистите, Берлиоз, гранд и лирична опера). В неговата Op. широко използва фолклорни интонации и жанрове, танци. ритми (проявява интерес и към народната музика на други страни: "Алжирска сюита" за оркестър, 1880 г.; фентъзи за пиано с оркестър "Африка", 1891 г.; "Персийски мелодии" за глас с пиано, 1870 г. и др.) . национален определеност и демократичност на музите. Сен-Санс също защити делото като музикант. критик. Цялата му многостранна дейност като композитор, концерт виртуозен пианист, органист, диригент, музика. критиката е била насочена към популяризиране на Ф. м. За това свидетелства и публикацията по инициатива и под редакцията на. Сен-Санс Пълен. кол. оп. Рамо (1895-1918, незавършен).

Значителен принос за французите музика култура на конете. 19 - нач. 20-ти век комп. Е. Лало (майстор по оркестрова и камерна инструментална музика, автор на популярната "Испанска симфония" за цигулка и оркестър, 1875 г., която поставя началото на страстта на френските музиканти към испанския фолклор), Е. Шабрие (художник, показал дар на остроумие, дълбок лиризъм и творческа изобретателност, които се противопоставят на канонизирането на изкуството, сред творбите на които са ярко националната комична опера „Кралят неволно“, 1887 г., пиеси за пиано), А. Дюпарк (автор на романси, изпреварващи произведенията от този жанр от Ж. Форе, К. Дебюси), Шосон (изтънчен текстописец, създател на прочувствени симфонични произведения, включително „Стихотворения“ за цигулка и оркестър, 1896 г., както и романси).

В тази галактика d "Анди се откроява. Предан ученик на Франк, той развива своите традиции в работата си. d" Музиката на Анди се отличава с полифония. изобретателност, блясък на хармония, прозрачност на оркестрацията, мащаб на композициите. Почитател и пропагандатор на идеите на Вагнер, той следваше неговите принципи на музиката. драматургия, лайтмотивизъм. В редица продукции d „Анди намери въплъщение на френския музикален фолклор – „Симфония по темата на песента на френския алпинист“ за пиано и оркестър (1886), „Фантазия по темите на френските народни песни“ за обой и оркестър (1888), симфонична сюита "Летен ден в планината "(1905). Дейностите на г" Анди допринесоха за повишаване на интереса към койката. Френска музика (събира и обработва народни песни, издава няколко сборника с песни), както и контрапункт. изкуството на старите майстори, към възраждането на ранната музика (проява на неокласическите тенденции). Заслугите на d'Andy също са големи за възхода на музикалното образование във Франция.

Увеличава се през последната трета на 19 век. интерес към инстр. музика предизвика възраждане на конц. живот. Появиха се първокласни симфонии. и камерни инструменти. екипи. През 1861 г. на базата на дир. Й. Падлу „Дружество на младите артисти на консерваторията“ възниква „Народни концерти за класическа музика“ (съществува до 1884 г., подновено от Падлу през 1886-87 г.; от 1920 г. възродено от режисьора Рене-Батон като „Концертна асоциация на Падлу“). През 1873 г. по инициатива на издателя Й. Хартман, конц. Дружество „Национални концерти” с ръководител дир. Е. Колона (от 1874 г. - "Концерти на Шатле", по-късно - "Колонни концерти"). В концертите на това дружество Ф. м. се изпълняваше широко, особено продукцията. Берлиоз, Франк. През същата 1873 г. по инициатива на дир. S. Lamoureux main. "Обществото на свещената хармония" ("Société de I" Harmonie sacré "), в концерти, на които за първи път във Франция се изпълняват някои произведения на Й. С. Бах, Г. Ф. Хендел (през 1881 г. е трансформирана в "На - в ново концерти", от 1897 г., след сливане с Оперните концерти, ръководени от C. Chevillard, - в Lamoureux Concertos). Специална роля в популяризирането на F. m. по инициатива на Saint-Saens и R. Bussin с участието на С. Франк, възникнала като отговор на общонационалния патриотичен подем, ролята на хоровото изпълнение нараства. , Padlou) са създадени: Concordia Society (1879), чийто репертоар е доминиран от произведенията на Бах и Хендел, Св. -Сдружение на певците Жервеза (1892 г., основател Ч. Борд), изпълнявал музика от Ренесанса, Баховски (1904), Генделевски (1908) об-ва.

Печели световна слава. Френски Изпълнители от 2-ри етаж 19 - нач. 20 век, вкл. певец S. Galli-Marieux, певци J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reshke, J. F. Delmas, пианисти A. F. Marmontel, L. Diemer, органисти Ch. M. Widor, Frank, L. Viern, G. Pierne, A. Gilman и други.. През целия 19 век. Френският се развива бързо. музикална изследователска мисъл. Многобройни теоретико-педагогически. творбите са създадени от чех, живеещ в Париж. композитор и теоретик А. Райх; Исторически речник на музикантите (т. 1-2, 1810-11) и Музикалната енциклопедия (т. 1-8, 1834-36, незавършени) са публикувани от А. Е. Шорон, автор на трудовете по теория на музиката (той свързва теорията с общата и музикална естетика); за франко-флам. църква музика и среден век. музика E. A. Kusmaker пише до теоретиците, чиито произведения проправиха пътя за изучаване на музиката от Средновековието; състави колекция от песни, подготвял и издавал клавири на забравени опери и балети, написал труд по история на инструмента (1883) от Й. Б. Т. Векерлен; голям принос в изучаването на Нар. музиката е въведена от L. A. Burgot-Ducudray, който публикува много. колекции от народни мелодии; капитални трудове в областта на лексикографията и музикалната история, вкл. "Обща биография на музикантите и библиографски музикален речник" (т. 1-8, 1837-44, допълнително изд. 1860-65), принадлежат на F. J. Fetis; Борд състави антология на древната свещена музика; антология на органната музика от 16-18 век. публикуван от Гилман и А. Пиро (т. 1-10, 1898-1914).

През 19 век музика Парижката консерватория продължава да обучава персонал (Керубини, Обер, Салвадор-Даниел, Томас и Т. Ф. К. Дюбоа са нейни директори до 20-ти век, след Сарет). Имаше и нови музи. уч институции, сред които се открояват школата Niedermeier, която обучава капелмайстори и органисти (открита през 1853 г. на базата на реорганизирания Институт за църковна музика, създаден през 1817 г. от Шорон) и Schola Cantorum (основана през 1894 г. по инициатива на d'Andy, Borda, Gilman, официалното откриване се състоя през 1896 г., неговият директор през 1900-1931 г. беше d'Andy), който се превърна в център на изучаване и пропаганда (концерти, училищни публикации) на старата светска и църковна. музика, произведения на френски език композитори от 17-18 век, както и Франк. В кон. 80-те - 90-те години 19 век във Франция възниква ново течение, което се разпространи през 20 век - импресионизъм (възникна през 70-те години във френската живопис, след това се проявява в музиката и др.). музи. импресионизмът възроди някои нац. изкуства традиции - желанието за конкретност, програмност, елегантност на стила, прозрачна текстура. Основното нещо в музиката на импресионистите е предаването на променливи настроения, мимолетни впечатления и фини психични състояния. Оттук и влечението към поетическото. пейзаж, както и изискана фантазия.

Импресионизмът намира най-пълно изражение в музиката на К. Дебюси, проявява се в творчеството на М. Равел, П. Дюк, Ж. Ж. Е. Роджър-Дюкас и др. Дебюси, обобщавайки постиженията на своите предшественици, разшири изразите си. и колорист. възможностите на музиката. Той създаде продукцията високо изкуство. стойности, които се отличават с безграничната променливост на звуковите изображения. Неговите гъвкави, крехки мелодии сякаш са изтъкани от непрестанни „преходи-преливания”. Ритмичен. рисунката също е променлива, нестабилна. В хармонията за композитора преди всичко е важна колористиката. ефект (модална свобода, използване на смели паралелизми, нанизване на неразрешени цветни хармонии). Хармонична сложност. средствата водят до политонални елементи в неговата музика. В орк. палитрата е доминирана от чисти, акварелни бои. Дебюси създава и нов пианист. стил, откривайки безбройните темброви нюанси на звука на пианото.

Импресионизмът въвежда иновации и в областта на музиката. жанрове. В работата на Дебюси, симф. цикли отстъпват място на симф. скици; в fp. музиката е доминирана от програмни миниатюри. Ярки примери за живописна импресионистична звукова живопис са неговата „Прелюдия към следобеда на един фавн“ (1894), орк. триптих "Ноктюрни" (1899), 3 симфон. скица "Море" (1905) за оркестър, брой пиано. прод.

Дебюси е създател на импресионистичната опера. Неговият "Pelléas et Mélisande" (1902) е по същество единство. пример за този тип опера (за музикалния импресионизъм като цяло не е характерно обръщането към драматични жанрове). Показа и склонността на автора към символистични образи. С цялата дълбочина на психологическата изразителност, тънкото пренасяне чрез музиката на различни нюанси в настроението на персонажите, операта страда от някаква статична драматургия. Иновативната работа на Дебюси оказва огромно влияние върху последващото развитие на цялата световна музика през 20-ти век.

Основен художник на 20-ти век Равел също е повлиян от естетиката на импресионизма. В работата му се преплитат разл. естетически и стилистичен тенденции - класицистични, романтични импресионисти (в по-късните произведения - също неокласици). Искрящата, темпераментна музика на Равел се отличава с чувство за мярка, сдържаност на изразяване. По-голяма свобода на предаване на музика. мисълта се съчетава с верността на класиката. форми (предпочита сонатната форма). С невероятна ритмика разнообразието и богатството на музиката на Равел е подчинено на строг метър. Голям майстор на инструментите, той постигна изтънченост, орк блясък. цветове, като същевременно се запазва сигурност на тембъра. Характерна особеност на творчеството му е интересът към фолклора (френски, испански и др.) и ежедневието, преди всичко танца. жанрове. Един от върховете на французите симфония е неговият "Болеро" (1928), други орки са с несъмнена стойност. оп. - "Испанска рапсодия" (1907), хореограф. стихотворение "Валс" (1920). Ярки примери са създадени от Равел в операта (Испанският час, 1907 г., прототипът на тази опера е Бракът на Мусоргски; опера-балет Детето и магията, 1925 г.) и балет (включително Дафнис и Хлоя, 1912 г.) в жанрове, в площта на fp. музика (2 концерта за пиано и оркестър, 1935, пиеси за пиано, цикли). Използвайки в творчеството си техниките на политоналността, полиритъма, линейността, елементите на джаза, Равел проправи пътя на новата стилистика. тенденции в музиката през 20 век. Наред с импресионистичните тенденции във Ф. м. на границата на 19-ти и 20-ти век. традициите на Сен-Санс и Франк продължават да се развиват. Г. Фор действаше като пазител на тези традиции. По-възрастен съвременник на Дебюси, учител на Равел, той е далеч от новите тенденции на времето в творчеството си. С отлична мелодика Напразно Форе създава музика, наситена с искрен лиризъм - такива са поетичният му вокал (романси по стихове на П. Верлен и др.), пиано (балада за пиано с оркестър, 1881; редица ноктюрни, прелюдии), камерно-инстр. (2-ра соната за цигулка с пиано, 2 сонати за виолончело с пиано, струнен квартет, клавирно трио, 2 клавирни квинтета) произведения. Притежава и операта „Пенелопа” (1913), която по-късно е високо оценена от А. Хонегер. Най-големият учител, Фор отгледа мнозина. композитори, сред неговите ученици - J. J. E. Roger-Ducas, C. Keklen, F. Schmitt, L. Ober.

Импресионистичният стил на писане е до известна степен характерен за Дюк. Това, например, се проявява в блясъка на хармониката. и орк. езикът на неговата опера „Ариана и синя брада“ (1907). Почитател на таланта на Дебюси, Дюкас обаче не бил привърженик на импресионистичната естетика. Неговата продукция. отличава се с яснота на композицията, яснота на формата, класика. музикален баланс. развитие (симфонично скерцо "Чарак на магьосника", 1897). Партитурите на този майстор на оркестрацията изобилстват от цветове. находки (хореографска поема за оркестър „Пери”, 1912). Средства. интересът му е критичен. наследство. Дюк също беше известен учител.

Дебюси, Равел, Дюк и др. Френски. композиторите проявиха силен интерес към руския език. музика, изучава творчеството на М. П. Мусоргски, Н. А. Римски-Корсаков, А. П. Бородин и др. песен в музика живота на Франция напусна концертите на руски. музика по време на Световното изложение в Париж (1889; Римски-Корсаков и А. К. Глазунов участват като диригенти в концерти), Истор. Руски концерти, организирани от С. П. Дягилев (1907 г., диригент Римски-Корсаков, Глазунов, С. В. Рахманинов и др.) и по-специално "Руските сезони" (провеждани от 1908 г. по инициатива на Дягилев), в оперни и балетни представления на - ryh участва най-големият руснак. художници - Ф. И. Шаляпин, А. П. Павлова, В. Ф. Нижински и др. "Руските сезони" не само запознаха французите с руския. музика, но съживи редица продукти, вкл. И. Ф. Стравински - "Жар-птицата" (1910), "Петрушка" (1911), "Пролетният ритуал" (1913), както и "Сватбата" (1923), "Аполон Мусагет" (1928), където от живописни стилизации в духа на света на изкуството, той стига до балети, базирани на симфонизирането на музиката и танца. По заповед на Дягилев се издават редица оп. Е. Сати, Ж. Орика, Ф. Пуленк, Д. Мийо и др.

Процесът на формиране на много композитори не беше лесен. пътят към-rykh обхваща исторически труден период на кон. 19 - 1-ви етаж. 20-ти век А. Русел принадлежеше към техния брой. Отдавайки почит на страстта към музиката на Вагнер, Франк, изпитал влиянието на импресионизма (опера-балет "Падмавати", 1918 г.; балет-пантомима "Пирът на паяка", 1913 г.), той се насочва към неокласицизма (балет "Бакхус и Ариадна", 1931; 3-та и 4-та симфонии, 1930 и 1934 г. и др.). Към същия период се отнася и дейността на композитора и музите. теоретик Keklen - един от най-големите учители (сред неговите ученици - F. Poulenc, A. Coge), композитор и пианист Роджър-Дукас, който се присъедини към късния романтик. течението в музикалната музика, композиторът и органист Видор, композиторът и пианист Д. до Северак, композиторите А. Маняр, Л. Оберт, Г. Ропарц и др.

Първата световна война от 1914-1918 г. предизвика фундаментални промени във възгледите на хората за живота, в техните вкусове и в отношението им към изкуството. Сред младите културни дейци има протест срещу буржоазията. морал, филистерство. През първите десетилетия на 20 век особено внимание привлече бунтовно-антибуржоазното му. позиция, отрицание на всички музи. компютърни власти. Сати. Заедно с поета, либретиста, художника и критика Ж. Кокто ръководи движението на младите французи. музиканти, които говореха за естетиката на урбанизма, за изкуството на „днес“, тоест модерно. градът с неговия шум от коли, мюзикхол, джаз. Сати повлия на младите композитори по-скоро като духовен наставник, а не с творчеството си, което въпреки цялата си оригиналност (в творчеството му възникват необичайни звуци, възпроизвеждащи сирена на кола, цвърчане на пишеща машина, след това ясни, понякога сдържано-тежки мелодии са посочени; техниките на полифонията на Добач са съчетани с гротескни елементи) не излиза извън рамките на своето време. Публичен скандал съпътства постановката на балета на Сати "Парад" (сценарист Кокто, художник П. Пикасо, 1917 г.), предизвикан както от необичайна музика, въплъщаваща духа на мюзик зала, пресъздаваща улични шумове, така и от самата постановка (конвергенцията на хореография със сценични, ексцентрични и кубофутуристични принципи на сценичното проектиране). Младостта на композитора с ентусиазъм приветства балета. Под егидата на Сати и Кокто възниква творчеството. общността на композиторите, известна в историята под името. „Шест” (това име е дадено на групата от критика А. Коле в статията „Петима руснаци и шестима французи”, публикувана през 1920 г.). "Six", които включват много различни в творчеството си. стремежи на композиторите - Д. Мийо, А. Онегер, Ф. Пуленк, Ж. Аурик, Л. Дюри, Ж. Тайфер - не беше стилово единна школа, не се придържаше към общи идеологически и естетически. изгледи. Участниците в него бяха обединени от любовта към французите. култура, ангажираност към нац. традиции (утвърждаване на истински френски в музиката), желанието за новост и същевременно простота, страст към Стравински, както и амер. джаз. Отдавайки известна почит на урбанизма ("Pacific-231" и "Rugby" за оркестъра на Хонегер, 1923, 1928; вокален цикъл "Земеделска техника" Millau, 1919 и др.), всеки от членовете на тази група запази ярка индивидуалност ; техните новаторски търсения често вървяха в диаметрално противоположни посоки. „Шестицата“ като общност не продължи дълго, в средата. 20-те години той се разпадна (добрите отношения на участниците му се запазиха дълги години). След раздялата с Шестите, Сати сформира нова група от млади композитори – т.нар. Училището Арки, което, подобно на „Шестицата“, нямаше креатив. единство. В него влизаха А. Кодж, Р. Дезормиер, М. Джейкъб, А. Клике-Плейел. Най-големите представители на Ф. м. в средата. 20-ти век бяха Онегер и Мийо. Композитор на големи драми. талант, един от водещите модерни. майстори, Хонегер въплъщава в творчеството си високите етични идеали. Оттук и привличането му към древното, библейското, средновековието. субектът като източник на общочовешки нравствени ценности. В стремежа си да обобщи образите, той стигна до сближаването на жанровете на операта и ораторията. Синтетичен оперни и ораториални произведения. принадлежат към най-високите постижения на композитора: опера-оратория "Цар Давид" (1921, 3-то издание 1924), "Юдит" (1925), драма. ораторията „Жана д'Арк на кладата” (1935) е най-значимото негово творение. Ярки примери за симфоничност са неговите симфонии – 3-та „Литургическа” (1946), 5-та „Симфония на три ре” (1950). Онегер пречупва в творчеството си, различни тенденции на модерното изкуство, включително неокласицистично, експресионистично, остават ярко оригинален художник.

Разнообразието характеризира творчеството на Мийо, обхващащо почти всички музи. жанрове, разнообразни по тематика и дори стил. Сред неговите 16 опери има произведения. на антични и библейски сюжети, отличаващи се със строгостта на цвета, епичност („Евмениди“, 1922; „Медея“, 1938; „Давид“, 1953), тук Op. на свободно модернизирани антични теми ("Нещастията на Орфей", 1924), както и в духа на веристичната драма ("Бедният моряк", 1926) и накрая традиционно романтична. представление като гранд опера, но базирано на модерното. музикални средства. изрази (триптих "Христофор Колумб", "Максимилиан", "Боливар", 1928, 1930, 1943). Притежава и оперни миниатюри (пародийно пречупване на митологичен сюжет) – „Отвличането на Европа“, „Изоставената Ариадна“, „Освобождението на Тезей“ (1927).

Мийо е майстор на камерни инструменти. музика (предимно струнни на квартет), хор. рецитация (и мелодична, и речитативна, и в духа на Шпрехгезанг на Шьонберг). В камара инстр. жанрове, особено се забелязва връзката с французите. музика класика. В същото време Мийо е последователен привърженик на политоналността, която възниква у него в резултат на комбиниране на многотонални мелодии. линии, склонност към полифоничност. методи на развитие (елементи на политоналност се срещат и при Хонегер, но тяхната основа е различна - те са резултат от хармонични наслагвания).

Значителен принос към оперното изкуство и камерния уок. жанрове на Пуленк - композитор с голяма мелодика. за нищо. Музиката му е чисто френска. лекота. В три опери - шута "Гърдите на Тирезий" (1944), трагичните "Диалози на кармелитите" (1956), лирико-психологически. монооперата "Човешкият глас" (1958) фокусира всички най-добри черти на творчеството на Пуленк. През годините на фашистката окупация този прогресивен художник създава патриотичен. кантата "Човешкото лице" (ст. П. Елюар, 1943). Мелодич. богатство, склонност към шеги, ирония отличават музиката на Орик. Индивидуалността на композитора се проявява най-ясно през 20-те години на ХХ век. (Неслучайно от всички членове на „Шестицата” Кокто му посвети брошура „Петел и Арлекин”). Хуманист художник, той въплъщава в творчеството си трагедията на военните години („Четири песни на страдащата Франция“, по текст на Л. Арагон, Ж. Супервил, П. Елюар, 1947 г.; цикъл от 6 стихотворения по текст на Елюар , 1948). Една от най-добрите му продукции. - балет "Федра" (1950).

През 30-те години. 20-ти век в работата на някои французи. композиторите засилват модернистичните тенденции. В същото време много музикантите защитаваха реализма. изкуство-в, идейно близък до демократичния Нар. отпред. Към движението на антифашистката Нар. към фронта се присъединиха бивши членове на "Шестицата" и други музи. фигури. С музиката си те отговарят на наболелите проблеми на нашето време (оратории „Гласовете на света“, 1931, „Танците на мъртвите“, 1938, Хонегер; хорове по текстове на революционни поети, кантата „По света“ за хор и др. оп. Milhaud; "Песен на борците за свобода" и "На крилете на гълъб" за хор Дюрей; редица масови песни, включително "Пей, момичета" на Орик; песента "Свобода на Телман“ за хор и оркестър на Кеклен, 1934 г. и др.). Голям интерес имаше и към Нар. музика („Сюита Прованс“ за оркестъра на Мийо, 1936; обработка на народни песни от Хонегер, хорове на Пуленк), на героичния. миналото ("Жана д'Арк на кладата" от Онегер и др.). Композиторите Онегер, Аурик, Мийо, Русел, Кекелин, Ж. Ибер, Д. Лазарус участват в създаването на музика към революционната пиеса на Р. Ролан "Юли 14" (1936 г.).

През 1935 г. е създадена Народната музикална федерация, в която влизат прогресивни дейци, вкл. Русел, Кеклен (по-късно и един от основателите на обществото "Франция-СССР"), Дюри, Мийо, Онегер, А. Прюние, А. Радиге, писателите Л. Арагон, Л. Мусинак и др.

Заедно с лидерите на „Шестицата“, училището Арки, много други допринесоха за развитието на Ф. м. композитори, вкл. J. Hiber, C. Delvencourt, E. Bondeville, J. Wiener, J. Migot.

През 1935 г. възниква ново творчество. сдружение - "Млада Франция" (манифест, публикуван през 1936 г.). Композиторите О. Месиен, А. Жоливе, Даниел-Лесур, И. Бодрие, които са членове на тази група, виждат своята задача в създаването на „жива“ музика, пропита с хуманизъм, във възраждането на националното. традиции. Те се характеризират с особен интерес към духовния свят на човека. Те се стремят да „събудят музиката в човека“ и „да изразят личността в музиката“, смятат се за предшественици на нов хуманизъм.

Сред най-големите майстори на музиката. култура на 20 век принадлежи на композитора и органист Месиен - едно от най-ярките и същевременно противоречиви явления в музикалната музика.Често идеите на неговия композитор се пречупват през призмата на религиите. представителства. Месиан се характеризира с влечение към идеални, неземни образи. Творчеството му е проникнато с богословско и мистично. идеи (сюита „Коледа” за орган, 1935 г.; цикъл за пиано „Двадесет погледа на бебето Исус”, 1944 г.; оратория „Преображение Господне”, 1969 г. и др.). Музиката на Месиан се основава на сложни модални структури, акордово-сонорни конструкции, ритмични. схеми, при които има разп. видове полиритъм и полиметрия, относно използването на серийността. Той отдава голямо значение на извън Европа. култури (арабска, индийска, японска, полинезийска). Оправдавайки креативността си. търсейки теоретично, Месиан въвежда нови понятия, музика. термини (напр. полимодалност). Талантлив учител, той включва изучаването на класиката, музиката на азиатските страни и композиторите от 20-ти век в учебните си програми. (по-специално, Стравински, А. Шьонберг), се стреми да внуши на своите ученици (сред тях - П. Булез, С. Ниг, които също изучават теория на композицията при Е. Лейбовиц) интерес към търсенето. По време на фашистката окупация през 2-ра световна война 1939-45 муз. Френският живот беше парализиран. Напреднали музиканти се бориха с врага със своето творчество: създаваха се песни на Съпротивата, раждаха се продукции. (включително Пуленк, Орик, Онегер), отразяващи ужасите на войната, стремежите за освобождение, героични. духът на непобедените.

След края на войната започва възраждането на музите. култура. Театрите възобновиха постановките на опери и балети от французите. автори, в конц. музиката на отечеството звучеше в залите. композитори, което е забранено през годините на окупацията. В следвоенните години активното творчество продължава. процъфтява дейността на композиторите, дошли в изкуството през първите десетилетия на 20 век, творчеството на Ж. Франсе, А. Дютийо, Ж. Л. Мартине, М. Ландовски.

От кон. 40-те и особено през 50-те години. додекафонията, сериалът (виж додекафония, сериалност), електронната музика, алеаториката и други авангардни движения стават широко разпространени. Виден представител на французите музика авангардът е композиторът и диригент Булез, който, развивайки принципите на А. Веберн, широко използва такива методи на композиция като пуантилизъм и сериалност. Boulez означава пълна серийност. Той също така използва сонористика (виж Соноризъм), елементи от които присъстват в една от известните му оп. „Чук без майстор” за глас с инстр. ансамбъл (1954, 2-ро изд. 1957). През 1954 г. организира концерти на нова музика "Domaine musicale", която става център на французите. авангардни (от 1967 г. са начело на композитора и диригент Дж. Ами, през 1974 г. спират). От 1975 г. (през 1966-75 г. работи във Великобритания, САЩ) Булез е начело на създадения по негова инициатива Институт за изследване и координация на музиката и акустиката. проблеми (IRCAM).

Някои композитори започнаха да използват принципите на алеориката - Ами, А. Букурешлиев, П. Мефано, Дж. К. Елуа. Текат издирвания в областта на електронните и т.нар. конкретна музика - П. Шефер, И. Анри, Ф. Бейл, Ф. Б. Маш, Б. Пармеджани и др. За тази цел Шефер създава през 1948 г. група муз. изследвания (GRM - Groupe de recherches musicales) при Франц. радио и телевизия, която се занимава с музикално-акус. проблеми. Гръцкият композитор използва специална „стохастична“ система за композиция (базирана на математически изчисления, теория на вероятностите и дори действия на електронните компютри). Произход Дж. Ксенакис. В същото време редица композитори се застъпваха за разумно обновяване на музиката, стремейки се да съчетаят най-новите музикални средства. изразителност с нац. традиции. Към националното сигурност в съвременния музика призовава Ниг, автор на ораторията "Неизвестният екзекутиран" (1949), симфон. стихотворения „На пленения поет“ (посветено на Назим Хикмет, 1950), 2 концерта за пиано. с оркестър (1954, 1971). Комп. C. Baif, J. Bondon, R. Butry, J. Gillou, J. Cosma, M. Michalovichi, C. Pascal и др. изработени от представители на музикалното сценично изкуство: диригенти - П. Монтеукс, П. Паре, А. Клуйтенс, С. Брук, И. Маркевич, П. Древо, Ж. Мартинон, Л. Форестие, Ж. Претре, П. Булез , С. Бодо; пианисти - А. Корто, М. Лонг, Е. Рислер, Р. Касадесус, Ив Нат, С. Франсоа, Ж. Б. Помие; цигулари - Ж. Тибо, З. Франческати, Ж. Невю; виолончелисти - М. Марешал, П. Фурние, П. Тортелие; органисти - Ch. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; певци - Е. Блан, Р. Креспин, Ж. Жиро, М. Жерар, Д. Дювал; шансониер - А. Брюант, Е. Пиаф, С. Генсбург, Ж. Брасенс, К. Азнавур, М. Матийо, М. Шевалие, Ж. Дасен и др. Историята на музикалната музика, нейната модерност, както и въпросите на теория на музиката, посветена на много френски произведения. музиколози, вкл. J. Combarieux, A. Lavignac, J. Tierso, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Prunier, E. Viyermoz, R. Dumesnil, N. Dufourc, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A Голеа, Ф. Лесюра.

музи. центърът на страната все още е Париж, макар и в много отношения. градове на Франция (особено от средата на 60-те години) са създадени оперни театри, симфонии. оркестри, музика уч институции. Функционира в Париж (1980): Голямата опера, Парижкото оперно студио (създадено през 1973 г. на базата на Оперния комикс, който е загубил значението си), Театърът на нациите (основан през 1954 г., представления се провеждат в различни театрални помещения , включително в "Театър на Шанз-Елизе", "Театърът на Сара Бернхард"); сред символите оркестри се отличават от Парижкия оркестър (основан през 1967 г.), Нац. Франц оркестър. радио и телевизия; многобройни изпълняват. камерни оркестри и ансамбли, вкл. международен ансамбъл от музиканти към IRCAM (основан през 1976 г.). През 1975 г. в Париж отваря врати Palais des Congrès, където се провеждат симфонии. концерти, през същата година в Лион – конц. Зала "Аудиенция М. Равел".

Сред специалните музика уч институции - Парижката консерватория, Schola Cantorum, Ecole Normal (основана през 1919 г. от А. Корто и А. Манжо) в Париж, Амер. консерватория във Фонтенбло (основана през 1918 г. от цигуларя Ф. Касадесус). Най-важната музика n.-i. центърът е Институтът по музикология към Парижкия университет. Книги, архивни материали се съхраняват в Нац. б-ке (отделът по музика е създаден през 1935 г.), Б-ке и Музеят на музите. инструменти в консерваторията. В Париж има най-големите музи. сдружения и институции на Франция, вкл. национален музика комисия, музика Федерация, Грамофонна академия на име Ш. Хр. Париж е седалище на Международния музикален съвет на ЮНЕСКО. През 1977 г. Националният Съюз на композиторите.

Във Франция се провеждат: Междунар. състезание на пианисти и цигулари. М. Лонг - Ж. Тибо (организиран през 1943 г. като национален, от 1946 г. - международен), китарен конкурс (1959 г., от 1961 г. - международен, от 1964 г. - Международен конкурс за китара на френското радио и телевизия), стажант. вокален конкурс в Тулуза (от 1954), стажант. конкурс за млади диригенти в Безансон (от 1951), стажант. състезание за арфа в Париж, както и многобройни. фестивали, вкл. Есенен фестивал в Париж класически музика, Парижки музикален фестивал на 20-ти век. (основан през 1952 г.), Фестивал на модерното. музика в Роян, "Музикална седмица на Орлеан". Музиката се издава във Франция. списания, вкл. „La Revue musicale“ (от 1827 г. изданието е многократно прекъсвано, списанието се слива с други списания), „Revue de musicologie“ (от 1922 г., продължение на списание „Bulletin de la Société Française de musicologie“, което излиза от 1917), „ Journal musical français“ (1951-66), „Diapason“ (от 1956), „Le Courrier musical de France“ (от 1963), „Harmonie“ (от 1964), „Musique en jeu“ (от 1970 ). В Париж са издадени редица енциклопедии. публикации, посв музика, вкл. „Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire...“ (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), „Larousse de la musique“ (v. 1- 2, 1957), "Dictionnaire des musiciens français" (1961), "Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres" (ст. 1-2, 1970); "Dictionnaire de la musique. Science de la musique. Форми, техника, инструменти" (т. 1-2, 1976 г.); Tynot F., Carles Ph., "Le jazz" (1977).

литература:Иванов-Борецки М.В. Материали и документи по история на музиката, т. 2, М., 1934; Алшванг А., Френски музикален импресионизъм (Дебюси и Равел), М., 1935; Френска музика от втората половина на 19-ти век (съб. чл.), интро. Изкуство. и изд. М. С. Друскина, М., 1938; Ливанова Т. Х., История на западноевропейската музика до 1789 г., М. - Л., 1940 г.; Грубер Р., История на музикалната култура, т. 1, част 1-2, М. - Л., 1941; Шнеерсон Г., Музика на Франция, М., 1958; негова, Френска музика на XX век, М., 1964, 1970; Алексеев А.Д., Френска клавирна музика от края на XIX - началото на XX век, М., 1961; Хохловкина А., Западноевропейска опера. Краят на 18 - първата половина на 19 век. Есета, М., 1962; Музикална естетика на западноевропейското средновековие и Ренесанса, съч., вх. Изкуство. В. П. Шестакова, М., 1966; Музика на Френската революция от XVIII век Бетовен, М., 1967; Нестиев И., На границата на два века, М., 1967; Конен В., Театър и симфония, М., 1968, 1975; История на европейската история на изкуството. Втората половина на 19 век - началото на 20 век, М., 1969; Друскин М., За западноевропейската музика на XX век, М., 1973; Музикалната естетика на Франция през 19 век, комп. текстове, интро. Изкуство. и интро. есета от E. P. Bronfin, M., 1974; Аурик Ж., Френската музика е оцеляла, Писмо от Париж, "CM", 1975, № 9; Красовская В., Западноевропейски балетен театър. Исторически есета. От началото до средата на XVIII век, Л., 1979 г.

О. А. Виноградова