Слушайте нещо от класиката - какво по-добро?! Особено през уикендите, когато искате да се отпуснете, забравете за дневните грижи, грижите от работната седмица, мечтайте за красивото и просто се ободрете. Помислете само, класическите произведения са създадени от брилянтни автори толкова отдавна, че е трудно да се повярва, че нещо може да оцелее толкова години. И тези произведения все още се обичат и слушат, създават аранжименти и модерни интерпретации. Дори в съвременна обработка, произведенията на блестящи композитори остават класическа музика. Както той признава, класическите произведения са гениални и всичко гениално не може да бъде скучно.
Вероятно всички велики композитори имат специален слух, особена чувствителност към тона и мелодията, което им позволява да създават музика, която се радва на десетки поколения не само техните сънародници, но и почитатели на класическата музика по целия свят. Ако все още се съмнявате дали харесвате класическата музика, тогава трябва да се срещнете и ще видите, че всъщност вече сте дългогодишен фен на красивата музика.
И днес ще говорим за 10-те най-известни композитори в света.
Йохан Себастиан Бах
Първото място е заслужено притежавано. В Германия е роден гений. Най-талантливият композитор пише музика за клавесин и орган. Композиторът не създава нов стил в музиката. Но той успя да създаде съвършенство във всички стилове на своето време. Автор е на над 1000 есета. В неговите произведения Бахсъчетава различни музикални стилове, с които се среща през целия си живот. Често музикалният романтизъм се комбинира с бароковия стил. В живота Йохан Бахкато композитор, който не получава заслуженото признание, интересът към неговата музика се появява почти 100 години след смъртта му. Днес той е наричан един от най-великите композитори, живели някога на земята. Неговата уникалност като личност, учител и музикант е отразена в музиката му. Бахположи основите на съвременната и съвременната музика, като раздели историята на музиката на пред-Бах и след Бах. Смята се, че музиката Бахмрачен и мрачен. Музиката му е доста фундаментална и солидна, сдържана и концентрирана. Като отраженията на зрял, мъдър човек. Създаване Бахповлия на много композитори. Някои от тях взеха пример от неговите произведения или използваха теми от тях. А музиканти от цял свят свирят музика Бахвъзхищавайки се на нейната красота и съвършенство. Едно от най-известните произведения "Бранденбургски концерти"е отлично доказателство, че музиката Бахне може да се счита за твърде мрачно:
Волфганг Амадеус Моцарт
С право се смята за гений. На 4 години вече свири свободно на цигулка и клавесин, на 6 започва да композира музика, а на 7 вече умело импровизира на клавесин, цигулка и орган, като се състезава с известни музиканти. Още на 14 години Моцарт- признат композитор, а на 15 години - член на музикалните академии на Болоня и Верона. По природа той имаше феноменално ухо за музика, памет и способност да импровизира. Създава невероятен брой произведения - 23 опери, 18 сонати, 23 клавирни концерта, 41 симфонии и много други. Композиторът не искаше да имитира, той се опита да създаде нов модел, отразяващ новата индивидуалност на музиката. Неслучайно музиката в Германия Моцартнаречен "музиката на душата", в творбите си композиторът показа чертите на своята искрена, любяща природа. Най-големият мелодист отдава особено значение на операта. опери Моцарт- епоха в развитието на този вид музикално изкуство. Моцартшироко признат като един от най-великите композитори: неговата уникалност се крие във факта, че той работи във всички музикални форми на своето време и във всички постига най-висок успех. Едно от най-разпознаваемите произведения "турски марш":
Лудвиг ван Бетовен
Друг велик германец беше важна фигура от романтично-класическия период. Дори тези, които не знаят нищо за класическата музика, знаят за него. Бетовене един от най-изпълнените и уважавани композитори в света. Великият композитор става свидетел на грандиозните сътресения, които се случват в Европа и преначертава нейната карта. Тези големи преврати, революции и военни сблъсъци са отразени в творчеството на композитора, особено в симфоничното. Той въплъщава в музиката картини на героичната борба. В безсмъртни произведения Бетовенще чуете борбата за свобода и братство на хората, непоклатимата вяра в победата на светлината над тъмнината, както и мечтите за свободата и щастието на човечеството. Един от най-известните и невероятни факти от живота му е, че ушната болест се е превърнала в пълна глухота, но въпреки това композиторът продължава да пише музика. Смятан е и за един от най-добрите пианисти. Музика Бетовенизненадващо прост и достъпен за разбиране на най-широк кръг от слушатели. Сменят се поколения, дори епохи и музика Бетовенвсе още вълнува и радва сърцата на хората. Една от най-добрите му творби - "Лунна соната":
Рихард Вагнер
С името на велик Рихард Вагнернай-често се свързва с неговите шедьоври "Сватбен хор"или "Ездата на валкириите". Но той е известен не само като композитор, но и като философ. Вагнерразглежда музикалните си произведения като начин за изразяване на определена философска концепция. ОТ Вагнерзапочва нова музикална ера на оперите. Композиторът се опита да доближи операта до живот, музиката за него е само средство. Рихард Вагнер- създателят на музикалната драматургия, реформаторът на оперите и диригентското изкуство, новатор на хармоничния и мелодичния език на музиката, създател на нови форми на музикално изразяване. Вагнер- автор на най-дългата солова ария в света (14 минути 46 секунди) и най-дългата класическа опера в света (5 часа и 15 минути). В живота Рихард Вагнерсе смяташе за противоречива личност, която беше или обожавана, или мразена. И често и двете едновременно. Мистичната символика и антисемитизмът го направиха любимият композитор на Хитлер, но блокираха пътя на музиката му към Израел. Нито привържениците, нито противниците на композитора обаче не отричат величието му като композитор. Страхотна музика от самото начало Рихард Вагнерпоглъща ви без следа, не оставяйки място за спорове и разногласия:
Франц Шуберт
Австрийският композитор е музикален гений, един от най-добрите композитори на песни. Той беше само на 17, когато написа първата си песен. За един ден той може да напише 8 песни. През творческия си живот той създава повече от 600 композиции по стихове на повече от 100 големи поети, сред които Гьоте, Шилер и Шекспир. Ето защо Франц Шубертв топ 10. Въпреки че творчеството Шубертмного разнообразен, по отношение на използването на жанрове, идеи и превъплъщения, вокално-песенните текстове преобладават и определят в неговата музика. Преди Шубертпесента се смяташе за незначителен жанр и именно той я издигна до степен на художествено съвършенство. Освен това той съчетава привидно несвързана песен и камерно-симфонична музика, което поражда нова посока на лирико-романтичната симфония. Вокално-песенните текстове са свят на прости и дълбоки, фини и дори интимни човешки преживявания, изразени не с думи, а със звук. Франц Шубертживя много кратък живот, само на 31 години. Съдбата на творбите на композитора е не по-малко трагична от живота му. След смъртта Шубертостанаха много непубликувани ръкописи, съхранявани в библиотеки и чекмеджета на роднини и приятели. Дори най-близките му не знаеха всичко, което той пише, и дълги години той беше признат главно само за краля на песента. Някои от творбите на композитора са публикувани само половин век след смъртта му. Едно от най-обичаните и известни произведения Франц Шуберт – "Вечерна серенада":
Робърт Шуман
С не по-малко трагична съдба немският композитор е един от най-добрите композитори на романтичната епоха. Той създаде невероятно красива музика. За да получите представа за немския романтизъм от 19-ти век, просто слушайте "карнавал" Робърт Шуман. Той успя да излезе от музикалните традиции на класическата епоха, създавайки своя собствена интерпретация на романтичния стил. Робърт Шуманбеше надарен с много таланти и дори дълго време не можеше да реши между музика, поезия, журналистика и филология (беше полиглот и свободно превеждаше от английски, френски и италиански). Освен това беше невероятен пианист. И все пак основното призвание и страст Шуманимаше музика. Неговата поетична и дълбоко психологическа музика отразява до голяма степен двойствеността на композиторската природа, изблик на страст и оттегляне в света на мечтите, осъзнаване на вулгарната реалност и стремеж към идеала. Един от шедьоврите Робърт Шуманкоето всеки трябва да чуе:
Фредерик Шопен
Може би най-известният поляк в света на музиката. Нито преди, нито след това композиторът е бил музикален гений от това ниво, роден в Полша. Поляците са невероятно горди със своя велик сънародник, а в творчеството си композиторът често възпява родината си, възхищава се на красотата на пейзажите, оплаква трагичното минало и мечтае за голямо бъдеще. Фредерик Шопен- един от малкото композитори, които са писали музика изключително за пиано. В творческото му наследство няма опери и симфонии, но пиано пиеси са представени в цялото им разнообразие. Неговите творби са в основата на репертоара на много известни пианисти. Фредерик Шопене полски композитор, известен и като талантлив пианист. Той живя само 39 години, но успява да създаде много шедьоври: балади, прелюдии, валсове, мазурки, ноктюрни, полонези, етюди, сонати и много, много повече. Един от тях - "Балада № 1, в соль минор".
Франц Лист
Той е един от най-великите композитори в света. Той живее сравнително дълъг и изненадващо богат живот, познаваше бедността и богатството, среща любовта и се сблъсква с презрение. Освен талант от раждането, той имаше фантастична работоспособност. Франц Листзаслужаваше не само възхищението на ценители и почитатели на музиката. И като композитор, и като пианист получава всеобщо одобрение от европейските критици от 19 век. Създал е над 1300 творби и др Фредерик Шопенпредпочитани произведения за пиано. брилянтен пианист, Франц Листзнаеше как да възпроизвежда звука на цял оркестър на пианото, майсторски импровизиран, имаше фантастична памет за музикални композиции, нямаше равен в четенето на ноти от лист. Имаше жалък стил на изпълнение, който се отразява и в музиката му, емоционално страстен и героично оптимистичен, създаваше цветни музикални картини и правеше незаличимо впечатление на слушателите. Отличителен белег на композитора са концертите за пиано. Една от тези произведения. Едно от най-известните произведения Лист – "Мечти за любов":
Йоханес Брамс
Значителна фигура в романтичния период в музиката е Йоханес Брамс. Слушайте и обичайте музика БрамсСмята се за добър вкус и характерен признак на романтична природа. Брамсне е написал нито една опера, но е създал произведения във всички останали жанрове. специална слава Брамсдонесе своите симфонии. Още в първите творби се проявява оригиналността на композитора, която в крайна сметка се трансформира в негов собствен стил. Като се имат предвид всички произведения Брамс, не може да се каже, че композиторът е бил силно повлиян от творчеството на своите предшественици или съвременници. И по отношение на творчеството Брамсчесто се сравнява с Бахи Бетовен. Може би това сравнение е оправдано в смисъл, че творчеството на тримата велики германци представлява кулминацията на цяла ера в историята на музиката. За разлика от Франц Листживот Йоханес Брамсбеше лишен от бурни събития. Той предпочиташе тихото творчество, приживе той спечели признание за таланта си и всеобщо уважение, а също така беше удостоен със значителни отличия. Най-забележителната музика, в която творческата сила Брамсимаше особено ярък и оригинален ефект, е негов "немски реквием", произведение, което авторът създава в продължение на 10 години и посвещава на майка си. Във вашата музика Брамсвъзпява вечните ценности на човешкия живот, които се крият в красотата на природата, изкуството на големите таланти от миналото, културата на родината им.
Джузепе Верди
Без какво е десетте най-добри композитори?! Италианският композитор е най-известен със своите опери. Той стана националната слава на Италия, неговото творчество е кулминацията на развитието на италианската опера. Неговите постижения и заслуги като композитор не могат да бъдат надценени. И досега, век след смъртта на автора, неговите произведения остават най-популярните, широко изпълнявани, познати както на познавачите, така и на любителите на класическата музика.
За ВердиДрамата стана най-важното нещо в операта. Създадените от композитора музикални образи на Риголето, Аида, Виолета, Дездемона органично съчетават ярка мелодия и дълбочина на героите, демократични и изтънчени музикални характеристики, бурни страсти и ярки мечти. Вердибеше истински психолог в разбирането на човешките страсти. Музиката му е благородство и сила, удивителна красота и хармония, неизразимо красиви мелодии, прекрасни арии и дуети. Страстите кипят, комедията и трагедията се преплитат и сливат заедно. Сюжети на опери, според Верди, трябва да бъде "оригинален, интересен и ... страстен, със страст над всичко." И повечето от творбите му са сериозни и трагични, демонстрират емоционални драматични ситуации и музиката на великите Вердипридава изразителност на случващото се и подчертава акцентите на ситуацията. Поглъщайки всичко най-добро, постигнато от италианската оперна школа, той не отрече оперните традиции, а реформира италианската опера, изпълни я с реализъм и й придаде единството на цялото. В същото време той не декларира своята реформа, не пише статии за нея, а просто пише опери по нов начин. Триумфално шествие на един от шедьоврите Верди- опера - премина през италианските сцени и продължи в Европа, както и в Русия и Америка, принуждавайки дори скептиците да признаят таланта на великия композитор.
10-те най-известни композитори в светаактуализирано: 13 април 2019 г. от: Елена
Композиторското и сценичното изкуство са два неизчерпаеми източника, които се подхранват един друг: ръцете на изпълнителя изпълват мисълта на композитора с дъха на живота, а музикалният творец черпи вдъхновение от уменията на изпълнителя. Подобно на много други композитори, София Асгатовна Губайдулина създава много композиции, фокусирани върху конкретни изпълнители, а един от тези музиканти е Марк Илич Пекарски, който посвети живота си на ударните инструменти. Той е не само изключителен изпълнител и създател на перкусионен ансамбъл - Марк Илич пише много статии и книги за тази област на музикалните инструменти, основава клас по перкусионен ансамбъл в Московската консерватория.
„На барабаните можете да направите всичко, което може да се направи на цигулката, на пианото, на органа, само малко с други средства, но по принцип барабаните са в състояние да предадат и забавление, и страдание, и тъга, и радост и каквото искаш”, казва музикантът. Едно от най-добрите потвърждения на тази идея може да се счита за невероятно разнообразие от ударни инструменти, създадени от различни народи в различни епохи. Много от тези инструменти са представени в уникалната колекция, събрана от Pekarsky. Това великолепие не можеше да не заинтересува Губайдулина - в края на краищата София Асгатовна винаги се опитваше да намери нов звук дори за най-често срещаните и добре познати европейски публични инструменти и в този случай композиторът беше изправен пред наистина ценно разпръскване на необичайни тембри: crotali (помпейски чинели), китайски чинели, корейски барабан chang, китайските камбани bian-zhong... Но композиторът прави нещо още по-необичайно – той съчетава всички тези тембри, дошли от мистериозния свят на Изтока, с Западноевропейски инструмент – клавесинът… възниква ли неразрешимо противоречие при подобно съчетание на Изток и Запад? София Губайдулина не мисли така – тя е убедена, че ориенталските инструменти „в комбинация с клавесина губят местния си географски нюанс и се включват в един по-обобщен тип музикално творчество, където всички разнообразни темброви свойства са склонни да се сливат“.
Такова „сближаване“ поражда изненадващо хармоничен ансамбъл в творчеството на Губайдулина, слушайки който, е трудно да се повярва, че инструментите, които го съставят, идват от различни части на света и епохи - те наистина „говорят“ един и същ език . .. Да, правят го! В произведението, озаглавено изключително просто - "Музика за клавесин и ударни инструменти от колекцията на Марк Пекарски" - се появява един вид "музикална реч" със своите "фонеми" (речови звуци), които образуват "думи". Неслучайно София Асгатовна първоначално е планирала да даде на това произведение различно заглавие - „Логогриф“, това е името на игра с думи, в която буква по буква постепенно се премахва от дадена дума и се появяват нови думи (напр. „източник – мивка – ток“). Нещо подобно прави и композиторът със звукови комплекси. Например, в началото на творбата има вълнообразно „наслояване“ на китайски чинели, влизащи на различни височини, а след това те постепенно „изключват“ - „уплътняването“ на музикалната тъкан е последвано от нейното „ разреждане”. В тази завладяваща звукова „игра“ на преден план излиза не толкова височината на звука, а неговата тембърна природа (тази музикална техника се нарича сонорика). Музикалните „логогрифи” стават основа за изграждане на формата. В първата част се изгражда поредица от осем музикални „думи“ с постепенно увеличаване на броя на звуците, а в раздела за повторение едни и същи звукови комплекси се изграждат в различен ред: няма точно „огледално отражение“ в този случай, но се очертава обща тенденция към постепенно намаляване. Можем да наблюдаваме комбинация от противоположни посоки на развитие не само под формата на отделна част, но и в съотношението на части от произведението: първата част е насочена главно към високия регистър, втората - към ниския.
Впечатлението за „интелектуална игра“ се създава не само от хармонично „математическо съотношение“, но и от използването на музикални цитати. В първата част се появява кратък, тринотен, но разпознаваем мотив от валса до минор, както и малък фрагмент от фугата сол минор от първия том на Йохан Себастиан Бах. Външният вид и на двата цитата е странно променен: мотивът от валса на Шопен се появява в тон, далеч от оригинала (си-бемол минор), изложен от биан-жун и помпейски чинели. Мотивът от фугата на Бах се изпълнява от чанга (въпреки че по-късно звучи в по-„традиционно” представяне - на клавесина, но очертанията му са променени по такъв начин, че се създава впечатление за фалшив звук).
“Музика за клавесин и перкусии” от София Губайдулина е изтънчена игра на ума, но би било грешка да я наречем продукт на “студен разум”. В играта на тембри, кратки мотиви и звукови комплекси се усеща оживено „дишане” на емоции.
Всички права запазени. Копирането е забранено
Трябва да призная, че говоря за клавесина като за дълбоко лична тема за мен. След като свирих на него вече почти четиридесет години, развих дълбока привързаност към определени автори и свирех на концерти пълни цикли от всичко, което написаха за този инструмент. На първо място, това се отнася до Франсоа Куперен и Йохан Себастиан Бах. Това, надявам се, ще послужи като извинение за моите зависимости, които, опасявам се, няма да мога да избегна.
УСТРОЙСТВО
Известно е голямо семейство струнни щипкови инструменти. Те се различават по размер, форма и звукови (цветни) ресурси. Почти всеки майстор, който е правил такива инструменти в старите времена, се е опитал да добави нещо свое към техния дизайн.
Има много объркване относно това как се наричат. Най-общо казано, инструментите се делят според формата си на надлъжни (напомнящи малко пиано, но с ъглови форми - пианото има заоблени форми) и правоъгълни. Разбира се, тази разлика в никакъв случай не е декоративна: при различно разположение на струните спрямо клавиатурата, мястото на струната, в което се прави скубката, характерна за всички тези инструменти, има много съществен ефект върху тембъра на звукът.
И. Вермеер от Делфт. Жена, седнала на клавесина
ДОБРЕ. 1673–1675 Национална галерия, Лондон
Клавесинът е най-големият и сложен инструмент от това семейство.
в Русия от 18 век. Най-широко използваното френско име за инструмента е клавесин ( клавецин), но се среща, главно в музикалната и академичната практика, и италиански - cembalo ( cembalo; Известни са и италиански имена clavicembalo, gravicembalo). В музиколожката литература, особено когато става дума за английска барокова музика, английското име на този инструмент се среща без превод клавесин.
При клавесина основната характеристика на звукоизвличането е, че така нареченият джъмпер (в противен случай тласкачът) е монтиран в задния край на клавиша, в горната част на който е фиксирано перо. Когато музикантът натисне клавиш, задният му край се издига (защото ключът е лост) и джъмперът се издига нагоре, а перото скубе струната. Когато ключът се освободи, перото се плъзга безшумно благодарение на пружина, която позволява леко да се отклони.
Различни видове клавиатурни струнни инструменти
Прави впечатление, че описанието на действието на скачача, и то необичайно точно, е дадено от У. Шекспир в неговия 128-ми сонет. От многото възможности за превод, същността на свиренето на клавесин е най-точно - в допълнение към художествената и поетичната страна - преводът на Модест Чайковски:
Когато ти, моята музика, свириш,
Задействайте тези клавиши
И с пръстите си така нежно ги гали,
Съзвучието на струните предизвиква възхищение,
Тогава с ревност гледам ключовете,
Как се вкопчват в дланите на ръцете ви;
Усти горят и копнеят за целувка
Те гледат със завист на тяхната дързост.
Ах, ако съдбата изведнъж се обърна
Аз в ред тези сухи танцьори!
Радвам се, че ръката ти се плъзна по тях, -
Бездушието им е по-благословено от живите устни.
Но ако са щастливи, тогава
Нека им целуна пръстите, нека аз да целуна устните им.
От всички видове щипкови струнни инструменти, клавесинът е най-големият и най-сложен. Използва се както като соло инструмент, така и като акомпанимент. Незаменим е в бароковата музика като ансамбъл. Но преди да говорим за огромния репертоар за този инструмент, трябва да се обясни нещо друго в неговия дизайн.
Върху клавесина всички цветове (тембри) и динамика (тоест силата на звука) първоначално са заложени в самия инструмент от създателя на всеки отделен клавесин. По това той до известна степен прилича на орган. На клавесина не можете да промените звука, като промените силата на клавиша. За сравнение: на пианото цялото изкуство на интерпретацията се крие в богатството на докосването, тоест в разнообразието от начини за натискане или натискане на клавиша.
Схема на механизма на клавесина
Ориз. НО: 1. Стъбло; 2. Амортисьор; 3. Джъмпер (тласкач); 4. Регистрационна лента; 5. Елен;
6. Джъмпер за рамка (тласкач); 7. Ключ
Ориз. Б. Джъмпер (тласкач): 1. Демпфер; 2. Струна; 3. Перо; 4. Език; 5. Полстер; 6. Пролет
Разбира се, от чувствителността на свиренето на клавесинистът зависи дали инструментът звучи музикално или „като тенджера“ (Волтер грубо се изрази). Но силата и тембърът на звука не зависят от клавесниста, тъй като между пръста на клавесина и струната има сложен механизъм за предаване под формата на джъмпер и перо. Отново за сравнение: на пианото удрянето на клавиша пряко влияе върху действието на чука, удрящ струната, докато при клавесина ефектът върху перото е косвен.
ИСТОРИЯ
Ранната история на клавесина се връща далеч в мъглите на времето. За първи път се споменава в трактата на Джон дьо Мурис „Огледалото на музиката“ (1323). Едно от най-ранните изображения на клавесина е във Ваймарската книга на чудесата (1440).
Дълго време се смяташе, че най-старият инструмент, който е достигнал до нас, е направен от Йероним от Болоня и датира от 1521 г. Съхранява се в Лондон, в музея на Виктория и Албърт. Но наскоро се установи, че има няколко години по-стар инструмент, също създаден от италиански майстор - Винсентиус от Ливигимено. Подарен е на папа Лъв X. Производството му започва, според надписа върху калъфа, на 18 септември 1515 г.
Клавесин. Ваймарска книга на чудесата. 1440
За да избегнат монотонността на звука, майсторите на клавесина, още на ранен етап от развитието на инструмента, започнаха да доставят всеки клавиш не с една струна, а с две, разбира се, с различен тембър. Но скоро стана ясно, че по технически причини повече от два комплекта струни за една клавиатура не могат да се използват. Тогава възникна идеята за увеличаване на броя на клавиатурите. До 17 век най-богатите в музикално отношение клавесини са инструменти с две клавиатури (с други думи, наръчници, от лат. manus- "ръка").
От музикална гледна точка такъв инструмент е най-доброто средство за изпълнение на разнообразен бароков репертоар. Много от произведенията на класиката на клавесина са написани специално за ефекта от свиренето на две клавиатури, например редица сонати от Доменико Скарлати. Ф. Куперен изрично уточнява в предговора към третата колекция от своите пиеси за клавесин, че поставя в нея пиесите, които той нарича "Pieces Croises"(играе с кръстосване [ръце]). „Пиеси с такова име“, продължава композиторът, „трябва да се свирят на две клавиатури, едната от които да звучи приглушено от смяната на регистрите“. За тези, които нямат двуръчен клавесин, Couperin дава препоръки как да свирят на инструмента с една клавиатура. Но в редица случаи изискването за двуръчен клавесин е задължително условие за пълноценно художествено изпълнение на композиция. Така на заглавната страница на сборника, съдържащ прочутите „Френска увертюра“ и „Италиански концерт“, Бах посочи: „за клавичембало с два наръчника“.
От гледна точка на еволюцията на клавесина, две ръководства не бяха границата: познаваме примери за клавесини с три клавиатури, въпреки че не познаваме произведения, които категорично биха изисквали такъв инструмент за тяхното изпълнение. По-скоро това са технически трикове на отделните производители на клавесини.
На клавесина по време на своя брилянтен разцвет (XVII-XVIII век) са свирени музиканти, които притежават всички клавишни инструменти, които съществуват по това време, а именно органа и клавикорда (поради това се наричат клавири).
Клавесините са създадени не само от производители на клавесини, но и от строители на органи. И беше естествено да се приложат в конструкцията на клавесина някои фундаментални идеи, които вече бяха широко използвани при проектирането на органи. С други думи, производителите на клавесини следваха пътя на производителите на органи в разширяването на регистровите ресурси на своите инструменти. Ако на органа имаше все повече и повече комплекти тръби, разпределени между ръководствата, то при клавесина започнаха да използват по-голям брой комплекти струни, също разпределени между ръководствата. По обем тези клавесни регистри не се различаваха много, но по отношение на тембъра бяха доста значителни.
Заглавна страница на първата колекция от музика
за девствена "Партения".Лондон. 1611 г
Така че, в допълнение към два комплекта струни (по една за всяка клавиатура), които звучаха в унисон и отговаряха по височина на звуците, записани в нотите, може да има четири и шестнадесет футови регистри. (Дори обозначението на регистрите е заимствано от производителите на клавесини от производителите на органи: тръбиорганите са посочени във футове, а основните регистри, съответстващи на музикалната нотация, са така наречените осемфутови, докато тръбите, които издават звуци с октава по-високи от нотираните, се наричат четирифутови, октава по-долу - съответно шестнадесет фута. На клавесина, в същите такти, регистрите, образувани от наборите струни.)
Така обхватът на звука на голям концертен клавесин от средата на XVIII век. беше не само не по-тесен от пианофортето, но дори и по-широк. И това въпреки факта, че музикалната нотация на музиката на клавесин изглежда по-тясна в обхвата от музиката на пиано.
МУЗИКА
До 18 век клавесинът е натрупал необичайно богат репертоар. Като изключително аристократичен инструмент, той се разпространява из цяла Европа, като навсякъде има своите най-ярки апологети. Но ако говорим за най-силните школи от 16-ти - началото на 17-ти век, тогава преди всичко трябва да назовем английските девственисти.
Тук няма да разказваме историята на девственицата, само ще отбележим, че това е вид струнни струнни инструменти с клавишни щипки, подобни по звук на клавесина. Прави впечатление, че в едно от последните задълбочени изследвания върху историята на клавесина ( Котик Е.История на клавесина. Блумингтън. 2003), вирджиналът, както и спинетът (друга разновидност), се разглеждат в съответствие с еволюцията на собствения клавесин.
По отношение на името на девствения, заслужава да се отбележи, че една от предложените етимологии го издига на английски девственаи на латиница зодия Дева, тоест "дева", защото Елизабет I, дева кралица, обичаше да играе девствена. Всъщност девственицата се появи още преди Елизабет. Произходът на термина "virginel" е по-правилно да се води от друга латинска дума - Virga("пръчка"), което показва същия джъмпер.
Интересно е, че върху гравюрата, която украсява първото печатно издание на музиката за девственицата („Партения“), музикантът е изобразен в образа на християнска девица - Св. Цецилия. Между другото, самото име на колекцията идва от гръцки. партеноскоето означава "дева".
За украса на това издание е поставена гравюра от картината на холандския художник Хендрик Голциус „Св. Сесилия". Граверът обаче не направи огледално изображение на изображението на дъската, така че както самата гравюра, така и изпълнителката се оказаха обърнати с главата надолу - лявата й ръка е много по-развита от дясната, което, разбира се, не можеше са били девствени от онова време. В гравюрите има хиляди такива грешки. Окото на немузиканта не забелязва това, но музикантът веднага вижда грешката на гравьора.
Няколко прекрасни страници, изпълнени с ентусиазирано чувство, бяха посветени на музиката на английските вирджиналисти от основоположника на възраждането на клавесина през 20-ти век. прекрасна полска клавесинистка Ванда Ландовска: „Излива от сърца, по-достойни от нашето, и подхранвани от народни песни, стара английска музика – пламенна или ведра, наивна или жалка – възпява природата и любовта. Тя превъзнася живота. Ако тя се обърне към мистицизма, тогава тя прославя Бога. Безпогрешно майсторски, той е в същото време спонтанен и дързък. Често изглежда по-модерно от най-новото и най-доброто. Отворете сърцето си за очарованието на тази музика, по същество непозната. Забравете, че е стара и не мислете, че поради това е лишена от човешкото чувство.
Тези редове са написани в началото на 20 век. През изминалия век беше направено много, за да се разкрие и оцени в неговата цялост безценното музикално наследство на вирджиналистите. И какви са тези имена! Композиторите Уилям Бърд и Джон Бул, Мартин Пиърсън и Гил Фарнаби, Джон Мандей и Томас Морли...
Имало е тесни контакти между Англия и Холандия (за това свидетелства вече гравюрата „Партения“). Клавесните и вирджинелите на холандските майстори, особено на династията Рукерс, са били добре известни в Англия. В същото време по странен начин самата Холандия не може да се похвали с толкова ярка композиторска школа.
На континента първоначалните школи по клавесин са били италиански, френски и немски. Ще споменем само трима от основните им представители – Франсоа Куперен, Доменико Скарлати и Йохан Себастиан Бах.
Един от ясните и очевидни признаци на изключителна композиторска дарба (което важи за всеки композитор от всяка епоха) е развитието на собствен, чисто личен, уникален стил на изразяване. И в общата маса от безброй писатели няма да има толкова много истински творци. Тези три имена със сигурност принадлежат на създателите. Всеки от тях има свой собствен уникален стил.
 Франсоа Куперен |
Франсоа Куперен(1668–1733) - истински поет на клавесин. Вероятно би могъл да се смята за щастлив човек: всички (или почти всички) му произведения на клавесина, тоест точно това, което съставлява неговата слава и световно значение, са публикувани от него и образуват четири тома. Така имаме изчерпателна представа за неговото клавесинско наследство. Авторът на тези редове имаше късмета да изпълни пълен цикъл от композиции на клавесин на Куперен в осем концертни програми, които бяха представени на фестивал на неговата музика, проведен в Москва под патронажа на г-н Пиер Морел, посланик на Франция в Русия.
Съжалявам, че не мога да хвана читателя си за ръка, да го заведа до клавесина и да изсвиря например френския маскарад на Куперен или маските на домино. Колко чар и красота има в него! Но колко психологическа дълбочина също. Тук всяка маска е с определен цвят и - което е много важно - характер. Забележките на автора обясняват изображенията и цветовете. Има общо дванадесет маски (и цветове) и те се появяват в определена последователност.
Вече имах повод да припомня тази пиеса на Куперен във връзка с разказа за „Черния квадрат” от К. Малевич (вж. чл. № 18/2007). Факт е, че цветовата схема на Куперин, започваща с бяло (първата вариация, символизираща девствеността), завършва с черна маска (Ярост или Отчаяние). Така двама създатели от различни епохи и различни изкуства създават произведения с дълбоко символично значение: за Куперен този цикъл символизира периодите от човешкия живот - възрастта на човек (дванадесет за броя на месеците, всеки за шест години - това е алегория, известна в епохата на барока). В резултат на това Куперин има черна маска, Малевич има черен квадрат. И при двете появата на черно е резултат от действието на много сили. Малевич направо заяви: „Смятам, че бялото и черното произлизат от цветове и цветови схеми“. Couperin ни запозна с тази цветна гама.
Ясно е, че Куперен е разполагал с прекрасни клавесини. Това не е изненадващо - в края на краищата той е бил придворният клавесинист на Луи XIV. Инструментите със своя звук успяха да предадат цялата дълбочина на идеите на композитора.
Доменико Скарлати(1685–1757). Този композитор има съвсем различен стил, но точно като Куперен, безпогрешният почерк е първият и очевиден признак на гений. Това име е неразривно свързано с клавесина. Въпреки че в младите си години Доменико пише различна музика, впоследствие той става известен именно като автор на огромен брой (555) сонати за клавесин. Скарлати необикновено разшири изпълнителските възможности на клавесина, въведе безпрецедентен виртуозен размах в техниката на свирене на него.
Един вид паралел на Скарлати в по-късната история на клавирната музика е работата на Франц Лист, който, както знаете, специално изучава изпълнителските техники на Доменико Скарлати. (Между другото, тъй като говорим за паралели с клавирното изкуство, тогава Куперен също имаше духовен наследник в известен смисъл - това, разбира се, беше Ф. Шопен.)
През втората половина от живота си Доменико Скарлати (да не се бърка с баща му, известният италиански оперен композитор Алесандро Скарлати) е бил придворен клавесин на испанската кралица Мария Барбара и по-голямата част от неговите сонати са написани специално за нея. . Спокойно можем да заключим, че тя беше отличен клавесинист, ако свиреше тези понякога изключително технически сонати.
И. Вермеер от Делфт. Момичето на спинета.ДОБРЕ. 1670. Частна колекция
В тази връзка си спомням едно писмо (1977 г.), което получих от изключителната чешка клавесинистка Зузана Ружичкова: „Уважаеми г-н Майкапар! Имам една молба към теб. Както знаете, сега има голям интерес към автентичните клавесини и има много дискусии около това. Един от ключовите документи в дискусията за тези инструменти във връзка с Д. Скарлати е картината на Ванлоо, която изобразява Мария Барбара Португалска, съпруга на Филип V. (З. Ружичкова се обърка - Мария Барбара е съпруга на Фердинанд VI , син на Филип V. - А.М.). Рафаел Пуяна (основен съвременен френски клавесинист - А.М.) смята, че картината е нарисувана след смъртта на Мария Барбара и следователно не може да бъде исторически източник. Картината е в Ермитажа. Би било много важно, ако можете да ми изпратите документите за тази картина.”
Фрагмент. 1768 г. Ермитаж, Санкт Петербург
Картината, посочена в писмото, е „Секстет“ от Л.М. Ванлу (1768 г.).
Намира се в Ермитажа, в склада на отдела за френска живопис от XVIII век. Началникът на отдела И.С. Немилова, като научи за целта на посещението ми, ме придружи до голяма стая или по-точно зала, където има картини, които не са включени в основната експозиция. Оказва се, колко много произведения, представляващи голям интерес от гледна точка на музикалната иконография, се съхраняват тук! Една след друга изложихме големи рамки, върху които бяха монтирани 10–15 картини и разгледахме теми, които ни интересуват. И накрая, "Секстет" L.M. Ванлу.
Според някои сведения тази картина изобразява испанската кралица Мария Барбара. Ако тази хипотеза се докаже, тогава бихме могли да имаме клавесин, свирен от самия Скарлати! Какви са причините да разпознаем в клавесинистката, изобразена на картината на Ванлу, Мария Барбара? Първо, струва ми се, че наистина има повърхностна прилика между изобразената тук дама и добре познатите портрети на Мария Барбара. Второ, Ванлу живее в испанския двор сравнително дълго време и следователно може да нарисува картина по тема от живота на кралицата. На трето място, известно е и друго име на картината - „Испански концерт“ и, четвърто, някои чуждестранни музиколози (например К. Закс) са убедени, че Мария Барбара е на картината.
Но Немилова, подобно на Рафаел Пуяна, се усъмни в тази хипотеза. Картината е нарисувана през 1768 г., тоест дванадесет години след заминаването на художника от Испания и десет години след смъртта на Мария Барбара. Историята на нейния орден е известна: Екатерина II предава на Ванлу чрез княз Голицин желанието да има картина от него. Тази творба веднага дойде в Санкт Петербург и се съхраняваше тук през цялото време, Голицин я даде на Катрин като „Концерт“. Що се отнася до името „Испански концерт“, роля за външния му вид изиграха испанските костюми, в които са изобразени героите, и, както обясни Немилова, това са театрални костюми, а не онези, които бяха на мода тогава.
 В. Ландовска |
На снимката, разбира се, привлича вниманието клавесинът – двуръчен инструмент с характеристика за първата половина на 18 век. оцветяването на клавишите, обратното на модерното (тези, които са черни на пианото, са бели на този клавесин и обратно). Освен това все още липсват педали за преместване на регистри, въпреки че те вече бяха известни по това време. Това подобрение се намира при повечето съвременни концертни клавесини с двойно ръчно управление. Необходимостта от превключване на регистри на ръка диктува определен подход към избора на регистрация на клавесина.
Понастоящем две посоки са ясно дефинирани в изпълнителската практика: поддръжниците на първата смятат, че трябва да се използват всички съвременни възможности на инструмента (такова мнение споделят например В. Ландовска и между другото Зузана Ружикова ), други смятат, че когато се изпълнява древна музика на съвременен клавесин, не трябва да се излиза извън онези изпълнителски средства, въз основа на които са писали старите майстори (както смятат Ервин Бодки, Густав Леонхард, същият Рафаел Пуяна и други).
Тъй като обърнахме толкова много внимание на картината на Ванлу, отбелязваме, че самият художник от своя страна се оказа герой в музикален портрет: пиесата за клавесин на френския композитор Жак Дюфли, която се нарича „Ванлу“, е всеизвестен.
 Йохан Себастиан Бах |
Йохан Себастиан Бах(1685–1750). Неговото клавесинско наследство е с изключителна стойност. Опитът ми да изпълнявам в концерти всичко, написано от Бах за този инструмент, свидетелства, че неговото наследство се вписва в петнадесет (!) концертни програми. В същото време концертите за клавесин и струнни трябва да се броят отделно, както и масата от ансамблови произведения, които са немислими без клавесина.
Трябва да се признае, че въпреки цялата уникалност на Куперин и Скарлати, всеки от тях култивира един индивидуален стил. Бах беше универсален. Вече споменатите „Италиански концерт” и „Френска увертюра” са примери за изучаването на Бах върху музиката на тези национални школи. И това са само два примера, в имената им отразяващи осъзнаването на Бах. Тук можете да добавите неговия цикъл "Френски апартаменти". Може да се спекулира за английското влияние в неговите английски апартаменти. А колко много музикални образци от различни стилове има в онези негови произведения, които не отразяват това в заглавията си, а включват в самата музика! Излишно е да казвам колко широко в творчеството му е синтезирана родната му немска клавирна традиция.
Не знаем точно на кои клавесини е свирил Бах, но знаем, че той се интересуваше от всички технически новости (включително и в органа). Интересът му към разширяване на възможностите за изпълнение на клавесина и други клавиатури се демонстрира най-ясно от известния цикъл от прелюдии и фуги във всички тонове "Добре темперираният клавир".
Бах беше истински майстор на клавесина. И. Форкел, първият биограф на Бах, съобщава: „Никой не можеше да замени износените пера на клавесина си с нови, така че да е доволен – той го направи сам. Той винаги сам настройваше клавесина си и беше толкова умел в това отношение, че настройката никога не му отнемаше повече от четвърт час. С неговия метод на настройка всичките 24 клавиша бяха на негово разположение и, импровизирайки, той правеше с тях каквото пожелае.
Още приживе на брилянтния създател на клавесинната музика, клавесинът започва да губи позиции. През 1747 г., когато Бах посети краля на Прусия Фридрих Велики в Потсдам, той му даде тема за импровизация и Бах, очевидно, вече импровизира на „пианофорте“ (както се наричаше новият инструмент по това време) - един от четиринадесетте или петнадесетте, които са направени за краля от приятел на Бах, известния орган майстор Готфрид Зилберман. Бах одобри звука му, въпреки че преди това не харесваше пианото.
Моцарт все още пише за клавесин в ранната си младост, но като цяло клавирното му творчество е, разбира се, насочено към пианофорте. Издателите на ранните произведения на Бетовен посочват на заглавните страници, че неговите сонати (помислете за това, дори Pathetique, която е публикувана през 1799 г.) са предназначени „за клавесин или пианофорте“. Издателите поеха на хитрост: не искаха да загубят онези клиенти, които имаха стари клавесини в къщите си. Но все по-често от клавесиновете оставаше само тялото: „пълнежът“ на клавесина беше премахнат като ненужен и заменен с нова, чукчен тип, тоест пиано, механика.
Възниква въпросът: защо този инструмент, който има толкова дълга история и толкова богато художествено наследство, е бил към края на 18 век. изгонен от музикалната практика и заменен от пианото? И не просто изгонени, а напълно забравени през 19 век? И в крайна сметка не може да се каже, че когато започна този процес на изместване на клавесина, пианото беше най-добрият инструмент по своите качества. Точно обратното! Карл Филип Емануел Бах, един от най-големите синове на Йохан Себастиан, написа двойния си концерт за клавесин и пиано с оркестър, с цел да демонстрира от първа ръка предимствата на клавесина пред пианото.
Отговорът е само един: победата на пианото над клавесина стана възможна в условията на радикална промяна в естетическите предпочитания. Барокова естетика, която се основава или на ясно формулирана или ясно усетена концепция на теорията на афектите (накратко същността: едно настроение, засягат, - една звукова боя), за която клавесинът беше идеално изразно средство, отстъпи първо на мирогледа на сантиментализма, след това на по-силна посока - класицизъм и накрая романтизъм. Във всички тези стилове най-привлекателна и култивирана беше, напротив, идеята променливост- чувства, образи, настроения. И пианото успя да го изрази.
Този инструмент придоби педал със своите фантастични възможности и стана способен да създава невероятни издигания и спадове по звучност ( крещендои diminuendo). Клавесинът не можеше да направи всичко това по принцип - поради особеностите на неговия дизайн.
Нека спрем и си спомним този момент, за да започнем следващия си разговор с него - за пианото и конкретно за големия концерт роял, тоест "кралският инструмент", истинският майстор на цялата романтична музика.
В нашата история историята и модерността се смесват, тъй като днес клавесинът и другите инструменти от това семейство се оказаха необичайно разпространени и търсени поради огромния интерес към музиката на Ренесанса и Барока, тоест времето, когато те възникнаха и оцеляха в своя златен век.
И така, в центъра на нашето внимание днес са най-известните класически музикални произведения. Класическата музика вълнува слушателите си от няколко века, предизвиквайки у тях буря от чувства и емоции. То отдавна е станало част от историята и е преплетено с настоящето с тънки нишки.
Несъмнено в далечното бъдеще класическата музика ще бъде не по-малко търсена, тъй като подобно явление в света на музиката не може да загуби своята актуалност и значение.
Назовете всяка класическа творба - тя ще бъде достойна за първото място във всеки музикален хит парад. Но тъй като не е възможно най-известните класически музикални произведения да се сравняват помежду си, поради тяхната художествена уникалност, посочените тук опуси са представени само като произведения за опознаване.
"Лунна соната"
Лудвиг ван Бетовен
През лятото на 1801 г. брилянтното дело на Л.Б. Бетовен, който е предопределен да стане известен в цял свят. Името на тази творба "Лунна соната" е известно на абсолютно всички, от стари до малки.
Но първоначално творбата имаше името „Почти фантазия“, което авторът посвети на младата си ученичка, любимата Жулиет Гикарди. А името, с което е известно и до днес, е измислено от музикалния критик и поет Лудвиг Релщаб след смъртта на L.V. Бетовен. Това произведение принадлежи към едно от най-известните музикални произведения на композитора.
Между другото, отлична колекция от класическа музика е представена от изданията на вестник Комсомолская правда - компактни книги с дискове за слушане на музика. Можете да четете и слушате музиката му - много удобно! Препоръчва се поръчайте дискове с класическа музика директно от нашата страница : натиснете бутона „купува“ и веднага отидете в магазина.
"турски марш"
Волфганг Амадеус Моцарт
Това произведение е третата част от Соната № 11, родена е през 1783 г. Първоначално се наричаше „Турското рондо“ и беше много популярен сред австрийски музиканти, които по-късно го преименуват. Името „Турски марш“ е присвоено на творбата и защото е съзвучно с турски еничарски оркестри, за които звукът на ударните е много характерен, което може да се проследи и в „Турски марш“ на В.А. Моцарт.
"Аве Мария"
Франц Шуберт
Самият композитор написа това произведение към поемата „Дамата на езерото“ от У. Скот, или по-скоро към нейния пасаж, и нямаше да напише толкова дълбоко религиозна композиция за Църквата. Известно време след появата на творбата неизвестен музикант, вдъхновен от молитвата "Ave Maria", поставя текста й по музиката на брилянтния Ф. Шуберт.
"Фентъзи импровизиран"
Фредерик Шопен
Ф. Шопен, гений от периода на романтизма, посвети това произведение на своя приятел. И именно той, Юлиан Фонтана, не се подчини на указанията на автора и го публикува през 1855 г., шест години след смъртта на композитора. Ф. Шопен смята, че работата му е подобна на импровизацията на И. Мошелес, ученик на Бетовен, известен композитор и пианист, което е причината за отказа да пусне „Фантазия-Импровизация“. Никой обаче никога не е смятал това брилянтно произведение за плагиатство, освен самия автор.
"Полетът на пчелата"
Николай Римски-Корсаков
Композиторът на това произведение беше почитател на руския фолклор - интересуваше се от приказки. Това доведе до създаването на операта "Приказката за цар Салтан" по сюжета на А.С. Пушкин. Част от тази опера е интерлюдията "Полетът на пчелата". Майсторски, невероятно ярко и блестящо имитира в работата звуците от полета на това насекомо N.A. Римски-Корсаков.
"Каприз № 24"
Николо Паганини
Първоначално авторът композира всичките си капризи единствено с цел усъвършенстване и усъвършенстване на умението да свири на цигулка. В крайна сметка те донесоха в музиката на цигулката много ново и непознато преди. А 24-ият каприз, последният от композираните капризи на Н. Паганини, носи бърза тарантела с народни интонации, а също така е признат за едно от произведенията, създавани някога за цигулката, което няма равни по сложност.
"Вокал, опус 34, № 14"
Сергей Василиевич Рахманинов
Това произведение завършва 34-ия опус на композитора, който съчетава четиринадесет песни, написани за глас с акомпанимент на пиано. Vocalise, както се очаква, не съдържа думи, а се изпълнява на един гласен звук. С.В. Рахманинов го посвети на Антонина Нежданова, оперна певица. Много често това произведение се изпълнява на цигулка или виолончело, придружено от акомпанимент на пиано.
"лунна светлина"
Клод Дебюси
Това произведение е написано от композитора под впечатлението на редовете на стихотворение на френския поет Пол Верлен. Името много ясно предава мекотата и трогателността на мелодията, която засяга душата на слушателя. Това популярно произведение на брилянтния композитор К. Дебюси звучи в 120 филма от различни поколения.
Както винаги, най-добрата музика е в нашата група в контакт .
