19 век оставя незаличими отпечатъци върху всички форми на изкуството. Това е време на променящи се социални норми и изисквания, огромен напредък в архитектурата, строителството и индустрията. В Европа активно се извършват реформи и революции, създават се банкови и правителствени организации и всички тези промени са имали пряко въздействие върху творците. Чуждестранните художници от 19 век извеждат живописта на ново, по-модерно ниво, като постепенно въвеждат такива тенденции като импресионизъм и романтизъм, които трябваше да преминат през много изпитания, преди да бъдат признати от обществото. Художниците от миналите векове не бързаха да даряват героите си с бурни емоции, но ги изобразяваха повече или по-малко сдържани. Но импресионизмът имаше в чертите си необуздан и смел фантастичен свят, който беше ярко съчетан с романтична мистерия. През 19 век художниците започват да мислят извън кутията, напълно отхвърляйки приетите модели и тази твърдост се предава в настроението на техните творби. През този период творят много художници, чиито имена и днес смятаме за велики, а творбите им – за неподражаеми.
Франция
Испания
Иберийският полуостров също ни даде много известни имена, включително:
Холандия
Винсент ван Гог е един от най-известните холандци. Както всички знаят, Ван Гог страда от тежко психическо разстройство, но това не се отразява на вътрешния му гений. Изработени в необичайна техника, картините му стават популярни едва след смъртта на художника. Най-известните: "Звездна нощ", "Ириси", "Слънчогледи" са включени в списъка на най-скъпите произведения на изкуството в целия свят, въпреки че Ван Гог не е имал специално художествено образование.
Норвегия
Едвард Мунк е родом от Норвегия, известен със своята живопис. Творчеството на Едвард Мунк се отличава рязко с меланхолия и известно безразсъдство. Смъртта на майка му и сестра му в детството и дисфункционалните отношения с дамите оказват силно влияние върху стила на рисуване на художника. Например добре познатата творба "Писък" и не по-малко популярна - "Болно момиче" носят болка, страдание и потисничество.
САЩ
Кент Рокуел е един от най-известните американски пейзажисти. Неговите творби съчетават реализъм и романтизъм, което много точно предава настроението на изобразения. Можете да гледате неговите пейзажи с часове и всеки път да интерпретирате символите по различен начин. Малко художници са успели да изобразят зимната природа по такъв начин, че хората, които я гледат, наистина да изпитат студа. Наситеността на цветовете и контрастът е разпознаваем подпис на Rockwell.
19 век е богат на ярки творци, които имат огромен принос в изкуството. Чуждестранните художници от 19 век отварят вратите за няколко нови направления, като постимпресионизъм и романтизъм, което всъщност се оказва трудна задача. Повечето от тях неуморно доказаха на обществото, че работата им има право на съществуване, но много успяха, за съжаление, едва след смъртта. Техният необуздан характер, смелост и желание за борба са съчетани с изключителен талант и лекота на възприятие, което им дава пълно право да заемат значителна и значима клетка.
17.3 Европейската живопис от 19 век
17.3.1 Френска живопис . първите две десетилетия на деветнадесети век. в историята на френската живопис се определят като революционен класицизъм. Неин виден представител е J.L. Дейвид (1748 г- 1825), чиито основни произведения са създадени от него през 18 век. Произведения от 19 век. - е работа при придворен художник Наполеон- "Наполеон при прохода Сан Бернар", "Коронация", "Леонид при Термопилите". Давид е автор и на отлични портрети, като портрета на мадам Рекамие. Той създаде голяма школа от ученици и предопредели чертите артистиченот стила на империята.
Ученик на Дейвид е Ж. О. Енгрес (1780 г- 1867), който превръща класицизма в академично изкуство и в продължение на много години противопоставениромантици. Енгр е автор на правдив остърпортрети (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière” и др.) и картини в стила на академичен класицизъм ("Апотеозът на Омир", "Юпитер и Темида").
Романтизъм на френската живопис през първата половина на 19 век- това са платната на Т. Жерико (1791 - 1824) ("Салът на Медуза" и "Дерби в Епсом и други") и Е. Делакроа (1798-1863), автор на известната картина „Свободата, водеща народа“.
Реалистичното направление в живописта през първата половина на века е представено от произведенията на Г. Курбе (1819 г.- 1877), автор на термина "реализъм" и картини "Каменни трошачи" и "Погребение в Орнан", както и произведенията на Дж. Ф . Милет (1814 - 1875), писател на селски живот и ("Събирачи на класове", "Човекът с мотиката", "Сеячът").
Важен феномен на европейската култура през втората половина на XIX век. беше художественият стил на импресионизма, който стана широко разпространен не само в живописта, но и в музиката и белетристиката. И все пак възниква в живописта.
Във временните изкуства действието се развива във времето. Живописта, така да се каже, е в състояние да улови само един единствен момент във времето. За разлика от киното винаги има един „кадър“. Как да предадем движение в него? Един от тези опити за улавяне на реалния свят в неговата подвижност и променливост беше опитът на създателите на посоката в живописта, наречена импресионизъм (от френски впечатление). Тази посока обедини различни художници, всеки от които може да се характеризира по следния начин. Импресионисте художник, който предава своите незабавновпечатление от природата, вижда в нея красотата на изменчивостта и непостоянството, в създава визуално усещане за ярка слънчева светлина, игра на цветни сенки, използвайки палитра от чисти несмесени цветове, от които черното и сивото са прогонени.
В картините на такива импресионисти като К. Моне (1840-1926) и О. Реноар (1841-1919), в началото на 70-те години на XIX век. появява се въздушна материя, притежаваща не само определена плътност, която изпълва пространството, но и подвижност. Слънчевите лъчи струят, изпаренията се издигат от влажната земя. Водата, топящият се сняг, разораната земя, люлеещата се трева по поляните нямат ясни замръзнали очертания. Движение, което преди това е въведено в пейзажа като изображение на движещи се фигури, в резултат на действието на природни сили- вятърът, гонещ облаци, люлеещи се дървета, сега е заменен от мир. Но този мир на неживата материя е една от формите на нейното движение, което се предава от самата текстура на живописта - динамични щрихи от различни цветове, които не са ограничени от твърдите линии на рисунката.
Новият стил на рисуване не беше приет веднага от публиката, която обвини художниците, че не могат да рисуват, хвърляйки боя, изстъргана от палитрата върху платното. И така, розовите руански катедрали на Моне изглеждаха неправдоподобни както за публиката, така и за колегите художници.- най-доброто от живописната поредица на художника ("Утро", "С първите слънчеви лъчи", "Обед"). Художникът не е се стремят да представят катедралата върху платно в различни часове на деня- той се състезаваше с майсторите на готиката, за да погълне зрителя със съзерцанието на магически светлинни и цветни ефекти. Фасадата на Руанската катедрала, подобно на повечето готически катедрали, крие мистична гледка на x от слънчевата светлина на ярки цветни витражи на интериора. Осветлението вътре в катедралите варира в зависимост от посоката, от която грее слънцето, облачно или ясно време. Слънчевите лъчи, проникващи през наситения син, червен цвят на витражите, са боядисани и лежат с цветни отблясъци на пода.
Една от картините на Моне дължи появата си на думата "импресионизъм". Това платно наистина беше екстремен израз на новаторството на възникващия изобразителен метод и беше наречено „Изгрев в Хавър“. Съставителят на каталога с картини за една от изложбите предложи художникът да го нарече по друг начин, а Моне, като зачеркна „в Хавър“, постави „впечатлението“. И няколко години след появата на творбите му те написаха, че Моне "разкрива живот, който никой преди него не успя да улови, за който никой дори не знаеше". В картините на Моне те започнаха да забелязват тревожния дух на раждането на нова ера. Така в творчеството му се появи "сериалът" като нов феномен на живописта. И обърна внимание на проблема с времето. Картината на художника, както беше отбелязано, изтръгва един "кадър" от живота, с цялата му незавършеност и незавършеност. И това даде тласък на развитието на сериала като последователни кадри. В допълнение към „Руанските катедрали“, Моне създава поредицата „Gare Saint-Lazare“, в която картините са свързани помежду си и се допълват. Въпреки това беше невъзможно да се комбинират „рамките“ на живота в една лента от впечатления в живописта. Това се превърна в задача на киното. Историците на киното смятат, че причината за появата и широкото му разпространение са не само технически открития, но и спешна художествена нужда от движещ се образ. И картините на импресионистите, по-специално на Моне, станаха симптом на тази необходимост. Известно е, че един от сюжетите на първата филмова сесия в историята, организирана от братя Люмиер през 1895 г., е "Пристигането на влака". Парни локомотиви, гара, релси са обект на серия от седем картини „Гара Сен Лазар“ на Моне, изложена през 1877 г.
О. Реноар е изключителен художник импресионист. Към творбите му („Цветя“, „Млад мъж, който се разхожда с кучета в гората на Фонтенбло“, „Ваза с цветя“, „Къпане в Сена“, „Лиза с чадър“, „Дама в лодка“, „ Ездачи в Булонския лес” , „Бал в Le Moulin de la Galette”, „Портрет на Жана Самари” и много други) думите на френския художник Е. Делакроа „Първото достойнство на всяка картина е напълно приложимо- бъдете празник м за очите. Името на Реноар- синоним на красота и младост, това време от човешкия живот, когато духовната свежест и разцветът на физическата сила са в пълна хармония. Живеейки в епоха на остри социални конфликти, той ги оставя извън своите платна, фокусирайки се събуждане от красивите и светли страни на човешкото съществуване. И на тази позиция той не беше сам сред художниците. Дори двеста години преди него великият фламандски художник Питър Паул Рубенс рисува картини с огромно животоутвърждаващо начало („Персей и Андромеда“). Снимки като тази дават надежда на хората. Всеки човек има право на щастие и основният смисъл на изкуството на Реноар се крие във факта, че всяко негово изображение утвърждава неприкосновеността на това право.
В края на 19 век в европейската живопис се формира постимпресионизмът. Неговите представители- П . Сезан (1839 - 1906), В. Ван Гог (1853 - 1890), П. Гоген (1848 - 1903), поемайки поста от импресионистичистота на цвета, претърсен трайни начала на битието, обобщаващи изобразителни методи, философски и символни аспекти на творчеството. Картини на Сезан- това са портрети ("Пушач"), пейзажи ("Бреговете на Марна"), натюрморти ("Натюрморт с кошница с плодове").
Картини на Ван Гог- "Хижи", "След дъжд", "Разходка на затворници".
Гоген има чертите на идейния романтизъм. През последните години от живота си, пленен от живота на полинезийските племена, които според него са запазили своята примитивна чистота и почтеност, той заминава за островите на Полинезия, където създава няколко картини, базирани на примитивната форма, желание да се доближи до художествените традиции на местните жители („Жена, държаща плод“, „Таитянски пасторал“, „Чуден източник“).
Велик скулптор от 19 век е О. Роден (1840 г- 1917), съчетавайки в работата си импресионистиченромантизъм и експресионизъм реалистичентърсения. Жизненост на образите, драматизъм, изразителност на напрегнат вътрешен живот, жестове, продължаващи във времето и пространството (какво правиш не е възможно да поставите тази скулптура на музика и балет), улавяйки нестабилността на момента- всичко това заедно създава по същество романтичен образ и изцяло импресионистиченвизия Желанието за дълбоки философски обобщения ("Бронзовата епоха", " Граждани на Кале”, скулптура, посветена на героя от Стогодишната война, който се жертва, за да спаси обсадения град, работи за Портите на ада, включително Мислителят) и желанието да се покажат моменти на абсолютна красота и щастие („ Вечна пролет”, „Па дьо дьо”)– основните характеристики на творчеството на този художник.
17.3.2 Английска живопис. Изящното изкуство на Англия през първата половина на XIX век.е пейзажна живопис, ярка представителикоито бяха Дж. Констабъл (1776 - 1837), английски предшественик импресионисти(„Каруцата със сено пресича форда“ и „Ръженото поле“) и У. Търнър (1775 - 1851), чиито картини като "Дъжд, пара и скорост" "Корабокрушение", отличава пристрастието към цветни фантастични планини.
През втората половина на века Ф. М. Браун създава своите творби (1821 г- 1893), който с право е смятан за "Холбейн на 19 век". Браун е известен с историческите си произведения („Чосър в двора на Едуард III“ и „Лийр и Корделия“), както и с картини върху акта обичайни ежедневни теми („Последен поглед към Англия”, „Труд”).
Творческата асоциация "Прерафаелитско братство" ("Прерафаелити") възниква през 1848 г. Въпреки че обединяващото ядро е страстта към произведенията на художниците от ранния Ренесанс (преди Рафаело), всеки член на това братство има своя собствена тема и артистично кредо. Теоретикът на братството е английският културолог и естетик Дж. Ръскин, който очертава концепцията за романтизма във връзка с условията на Англия в средата на века.
Ръскин, свързвайки изкуството в своите произведения с общото ниво на култура на страната, виждайки изкуството като проява на морални, икономически и социални фактори, се опита да убеди британците, че предпоставките за красота са скромност, справедливост, честност, чистота и непретенциозност .
Прерафаелитите създават картини на религиозни и литературни теми, художествено оформени книги и развиват декоративно изкуство, стремят се да съживят принципите на средновековните занаяти. Разбиране на тенденцията, опасна за декоративното изкуство- неговото обезличаване чрез машинно производство, английски художник, поет и общественик У. Морис (1834 - 1896) организира художествени и индустриални работилници за производство на гоблени, тъкани, витражи и други битови предмети, за които се използват рисунки самият той и прерафаелитските художници завършиха.
17.3.3 Испанска живопис. Гоя . Работата на Франсиско Гоя (1746 г- 1828) принадлежи към два века - XVIII и XIX. Има голямо значение за формирането на европейския романтизъм. творчески ни Творчеството на художника е богато и разнообразно: живопис, портрети, графики, фрески, гравюри, офорти.
Гоя използва най-демократичните теми (разбойници, контрабандисти, просяци, участници в улични битки и игри- героите на неговите картини). Получавайки през 1789г титла на адв известен художник, Гоя изпълнява огромен брой портрети: крал, кралица, придворни („Семейството на крал Чарлз IV“). Влошеното здравословно състояние на художника предизвиква промяна в тематиката на творбите. Така картините, отличаващи се със забавна и странна фантазия („Карнавал“, „Блъфът на слепия“), се заменят с платна, пълни с трагедия („Трибуналът на инквизицията“, „Къщата на лунатите“). А следват 80 офорта „Капричио“, върху които художникът работи над пет години. Значението на много от тях остава неизяснено и до днес, а други са тълкувани в съответствие с идеологическите изисквания на своето време.
На символичен, алегоричен език Гоя рисува ужасяваща картина на страната в началото на века: невежество, суеверие, ограничени хора, насилие, мракобесие, зло. Офорт "Сънят на разума произвежда чудовища"- ужасни чудовища заобикалят спящ човек, прилепи, сови и други зли духове. Самият художник дава следното обяснение на своята работа: „Убеден, че критиката човекпороциизаблуди, макар чеиИзглеждаобластта на ораторството и поезията, също може да бъде предмет на живо описание, художникът е избрал за своето творчество от многото глупости и абсурди, присъщи на всяко гражданско общество, както и от предразсъдъците и суеверията на обикновените хора, узаконени от обичая, невежество или личен интерес, онези, които смяташе за особено подходящи за присмех и в същото време за упражняване на нечие въображение.
17.3.4 Модерен – финал стил европейски живопис XIX в . Най-известните произведения, създадени в европейската живопис от XIX век. в стил Арт Нуво, бяха произведенията на английския художник О. Биърдсли (1872 г.– 1898). ТойилюстриранработаО. Уайлд ("Саломе"), създаденоелегантенграфикафантазии, омагьосанцялопоколениеевропейци. самочеренибялоса билиинструментинапрза труда: лист бяла хартия и бутилка черно мастило и техника, подобна на най-фината дантела („Тайнствената розова градина“, 1895 г.). Илюстрациите на Биърдсли са повлияни от японската гравюра и френското рококо, както и от декоративния маниеризъм на Арт Нуво.
Стил Арт Нуво, възникнал около 1890г– 1910 gg., характеризираприсъствиенавиванелинии, напомнящкъдрицикоса, стилизиранцветяирастения, езиципламък. стилтовабешеширокшироко разпространенивживописивархитектура. тоилюстрацииангличанинбъдаrdsli, плакати и билбордове от чеха А. Муха, картини от австриеца Г. Климт, лампи и метални изделия от Тифани, архитектура от испанеца А. Гауди.
Друг изключителен феномен на модерността от края на века– норвежкихудожникд. Мунк (1863 – 1944). известенживописМунк« Scream (1893)– композитенчастнеговиятфундаменталенцикъл„Фризживот", по-горекойтохудожникработешедългогодини. В последствиеработа"Вик"Мункповтаря севлитографии. Рисуване"Вик"предавасъстояниеекстремниемоционаленволтажчовек, тя елицасъздава отчаянието на самотния човек и неговия вик за помощ, която никой не може да предостави.
Най-големият художник във Финландия А. Гален-Калела (1865 г– 1931) встилмодеренилюстриранепичен"Калевали". Наезикемпириченреалностзабранено еказвамза легендарния старец– ковачИлмаринен, което наизкованинебе, чукнати заеднонебесен свод, окованотогънорел; относномайкиLemminkäinen, възкръсналнеговиятубитсин; относнопевицаVäinämöinien, което на"тананикашезлатистКоледна елха", Галел- Калелауправляванапредавамдвуетажно леглоедна сила на древните карелски руни в съвременния език.
Тенденциите в живописта от 19 век са тясно свързани с тенденциите от предишния век. В началото на века водещата посока в много страни беше. Възникнал през 18 век, този стил продължава да се развива, освен това в различни страни неговото развитие има индивидуални характеристики.
Класицизъм
Художниците, работили в тази посока, отново се обръщат към образите на античността. Чрез класическите сюжети обаче те се опитват да изразят революционни настроения - желание за свобода, патриотизъм, хармония между човека и обществото. Виден представител на революционния класицизъм е художникът Луи Давид. Вярно е, че с течение на времето класицизмът се превърна в консервативна посока, която беше подкрепена от държавата, което означава, че стана безлична, изгладена от цензурата.
Особено ярък разцвет на живописта през 19 век се наблюдава в Русия. По това време тук се формират много нови стилове и тенденции. Аналогът на класицизма в Русия беше академизмът. Този стил имаше характеристиките на класическия европейски стил - обръщение към образите на античността, възвишени теми, идеализация на образите.
Романтизъм
В началото на 30-те години на 19 век романтизмът се появява в опозиция на класицизма. Има много повратни моменти в тогавашното общество. Художниците се стремят да се абстрахират от грозната реалност, създавайки свой собствен идеален свят. Въпреки това романтизмът се счита за прогресивна тенденция на своето време, тъй като желанието на романтичните художници е да предадат идеите на хуманизма и духовността.Това е обемна тенденция, отразена в изкуството на много страни. Неговият смисъл е възвисяването на революционната борба, създаването на нови канони на красотата, рисуването на картини не само с четка, но и със сърце. Тук емоционалността е на преден план. Романтизмът се характеризира с въвеждането на алегорични образи в много реален сюжет, умела игра на chiaroscuro. Представители на тази тенденция са Франсиско Гоя, Йожен Дьолакроа, Русо. В Русия произведенията на Карл Брюлов се класифицират като романтизъм.
Реализъм
Задачата на тази посока беше образът на живота такъв, какъвто е. Художниците реалисти се обърнаха към образите на обикновените хора, основните характеристики на техните творби са критичността и максималната правдивост. Те изобразяват в детайли парцалите и дупките в дрехите на обикновените хора, изкривените от страдание лица на обикновените хора и дебелите тела на буржоазата.Интересен феномен на 19 век е Барбизонската школа на художниците. Този термин обедини няколко френски майстори, които развиха свой собствен, различен стил. Ако в посоките на класицизма и романтизма природата е идеализирана по различни начини, тогава Барбизоните се стремят да изобразяват пейзажи от природата. В техните картини - образи на родната природа и обикновени хора на този фон. Най-известните художници от Барбизон са Теодор Русо, Жул Депре, Вергил ла Пеня, Жан-Франсоа Миле, Шарл Добини.
Жан Франсоа Миле
Работата на хората от Барбизон оказва влияние върху по-нататъшното развитие на живописта през 19 век. Първо, художниците от тази тенденция имат последователи в редица страни, включително Русия. Второ, барбизонците дадоха тласък на появата на импресионизма. Те са първите, които рисуват на пленер. В бъдеще традицията за изобразяване на реални пейзажи беше възприета от импресионистите.
Той се превърна в последния етап в живописта на 19 век и падна в последната третина на века. Художниците импресионисти подходиха още по-революционно към изобразяването на реалността. Те се стремяха да предадат не самата природа и не изображения в детайли, а впечатлението, което създава това или онова явление.
Импресионизмът е пробив в историята на живописта. Този период дава на света много нови техники и уникални произведения на изкуството.
17.3 Европейската живопис от 19 век
17.3.1 Френска живопис . първите две десетилетия на деветнадесети век. в историята на френската живопис се определят като революционен класицизъм. Неин виден представител е J.L. Дейвид (1748 г- 1825), чиито основни произведения са създадени от него през 18 век. Произведения от 19 век. - е работа при придворен художник Наполеон- "Наполеон при прохода Сан Бернар", "Коронация", "Леонид при Термопилите". Давид е автор и на отлични портрети, като портрета на мадам Рекамие. Той създаде голяма школа от ученици и предопредели чертите артистиченот стила на империята.
Ученик на Дейвид е Ж. О. Енгрес (1780 г- 1867), който превръща класицизма в академично изкуство и в продължение на много години противопоставениромантици. Енгр е автор на правдив остърпортрети (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière” и др.) и картини в стила на академичен класицизъм ("Апотеозът на Омир", "Юпитер и Темида").
Романтизъм на френската живопис през първата половина на 19 век- това са платната на Т. Жерико (1791 - 1824) ("Салът на Медуза" и "Дерби в Епсом и други") и Е. Делакроа (1798-1863), автор на известната картина „Свободата, водеща народа“.
Реалистичното направление в живописта през първата половина на века е представено от произведенията на Г. Курбе (1819 г.- 1877), автор на термина "реализъм" и картини "Каменни трошачи" и "Погребение в Орнан", както и произведенията на Дж. Ф . Милет (1814 - 1875), писател на селски живот и ("Събирачи на класове", "Човекът с мотиката", "Сеячът").
Важен феномен на европейската култура през втората половина на XIX век. беше художественият стил на импресионизма, който стана широко разпространен не само в живописта, но и в музиката и белетристиката. И все пак възниква в живописта.
Във временните изкуства действието се развива във времето. Живописта, така да се каже, е в състояние да улови само един единствен момент във времето. За разлика от киното винаги има един „кадър“. Как да предадем движение в него? Един от тези опити за улавяне на реалния свят в неговата подвижност и променливост беше опитът на създателите на посоката в живописта, наречена импресионизъм (от френски впечатление). Тази посока обедини различни художници, всеки от които може да се характеризира по следния начин. Импресионисте художник, който предава своите незабавновпечатление от природата, вижда в нея красотата на изменчивостта и непостоянството, в създава визуално усещане за ярка слънчева светлина, игра на цветни сенки, използвайки палитра от чисти несмесени цветове, от които черното и сивото са прогонени.
В картините на такива импресионисти като К. Моне (1840-1926) и О. Реноар (1841-1919), в началото на 70-те години на XIX век. появява се въздушна материя, притежаваща не само определена плътност, която изпълва пространството, но и подвижност. Слънчевите лъчи струят, изпаренията се издигат от влажната земя. Водата, топящият се сняг, разораната земя, люлеещата се трева по поляните нямат ясни замръзнали очертания. Движение, което преди това е въведено в пейзажа като изображение на движещи се фигури, в резултат на действието на природни сили- вятърът, гонещ облаци, люлеещи се дървета, сега е заменен от мир. Но този мир на неживата материя е една от формите на нейното движение, което се предава от самата текстура на живописта - динамични щрихи от различни цветове, които не са ограничени от твърдите линии на рисунката.
Новият стил на рисуване не беше приет веднага от публиката, която обвини художниците, че не могат да рисуват, хвърляйки боя, изстъргана от палитрата върху платното. И така, розовите руански катедрали на Моне изглеждаха неправдоподобни както за публиката, така и за колегите художници.- най-доброто от живописната поредица на художника ("Утро", "С първите слънчеви лъчи", "Обед"). Художникът не е се стремят да представят катедралата върху платно в различни часове на деня- той се състезаваше с майсторите на готиката, за да погълне зрителя със съзерцанието на магически светлинни и цветни ефекти. Фасадата на Руанската катедрала, подобно на повечето готически катедрали, крие мистична гледка на x от слънчевата светлина на ярки цветни витражи на интериора. Осветлението вътре в катедралите варира в зависимост от посоката, от която грее слънцето, облачно или ясно време. Слънчевите лъчи, проникващи през наситения син, червен цвят на витражите, са боядисани и лежат с цветни отблясъци на пода.
Една от картините на Моне дължи появата си на думата "импресионизъм". Това платно наистина беше екстремен израз на новаторството на възникващия изобразителен метод и беше наречено „Изгрев в Хавър“. Съставителят на каталога с картини за една от изложбите предложи художникът да го нарече по друг начин, а Моне, като зачеркна „в Хавър“, постави „впечатлението“. И няколко години след появата на творбите му те написаха, че Моне "разкрива живот, който никой преди него не успя да улови, за който никой дори не знаеше". В картините на Моне те започнаха да забелязват тревожния дух на раждането на нова ера. Така в творчеството му се появи "сериалът" като нов феномен на живописта. И обърна внимание на проблема с времето. Картината на художника, както беше отбелязано, изтръгва един "кадър" от живота, с цялата му незавършеност и незавършеност. И това даде тласък на развитието на сериала като последователни кадри. В допълнение към „Руанските катедрали“, Моне създава поредицата „Gare Saint-Lazare“, в която картините са свързани помежду си и се допълват. Въпреки това беше невъзможно да се комбинират „рамките“ на живота в една лента от впечатления в живописта. Това се превърна в задача на киното. Историците на киното смятат, че причината за появата и широкото му разпространение са не само технически открития, но и спешна художествена нужда от движещ се образ. И картините на импресионистите, по-специално на Моне, станаха симптом на тази необходимост. Известно е, че един от сюжетите на първата филмова сесия в историята, организирана от братя Люмиер през 1895 г., е "Пристигането на влака". Парни локомотиви, гара, релси са обект на серия от седем картини „Гара Сен Лазар“ на Моне, изложена през 1877 г.
О. Реноар е изключителен художник импресионист. Към творбите му („Цветя“, „Млад мъж, който се разхожда с кучета в гората на Фонтенбло“, „Ваза с цветя“, „Къпане в Сена“, „Лиза с чадър“, „Дама в лодка“, „ Ездачи в Булонския лес” , „Бал в Le Moulin de la Galette”, „Портрет на Жана Самари” и много други) думите на френския художник Е. Делакроа „Първото достойнство на всяка картина е напълно приложимо- бъдете празник м за очите. Името на Реноар- синоним на красота и младост, това време от човешкия живот, когато духовната свежест и разцветът на физическата сила са в пълна хармония. Живеейки в епоха на остри социални конфликти, той ги оставя извън своите платна, фокусирайки се събуждане от красивите и светли страни на човешкото съществуване. И на тази позиция той не беше сам сред художниците. Дори двеста години преди него великият фламандски художник Питър Паул Рубенс рисува картини с огромно животоутвърждаващо начало („Персей и Андромеда“). Снимки като тази дават надежда на хората. Всеки човек има право на щастие и основният смисъл на изкуството на Реноар се крие във факта, че всяко негово изображение утвърждава неприкосновеността на това право.
В края на 19 век в европейската живопис се формира постимпресионизмът. Неговите представители- П . Сезан (1839 - 1906), В. Ван Гог (1853 - 1890), П. Гоген (1848 - 1903), поемайки поста от импресионистичистота на цвета, претърсен трайни начала на битието, обобщаващи изобразителни методи, философски и символни аспекти на творчеството. Картини на Сезан- това са портрети ("Пушач"), пейзажи ("Бреговете на Марна"), натюрморти ("Натюрморт с кошница с плодове").
Картини на Ван Гог- "Хижи", "След дъжд", "Разходка на затворници".
Гоген има чертите на идейния романтизъм. През последните години от живота си, пленен от живота на полинезийските племена, които според него са запазили своята примитивна чистота и почтеност, той заминава за островите на Полинезия, където създава няколко картини, базирани на примитивната форма, желание да се доближи до художествените традиции на местните жители („Жена, държаща плод“, „Таитянски пасторал“, „Чуден източник“).
Велик скулптор от 19 век е О. Роден (1840 г- 1917), съчетавайки в работата си импресионистиченромантизъм и експресионизъм реалистичентърсения. Жизненост на образите, драматизъм, изразителност на напрегнат вътрешен живот, жестове, продължаващи във времето и пространството (какво правиш не е възможно да поставите тази скулптура на музика и балет), улавяйки нестабилността на момента- всичко това заедно създава по същество романтичен образ и изцяло импресионистиченвизия Желанието за дълбоки философски обобщения ("Бронзовата епоха", " Граждани на Кале”, скулптура, посветена на героя от Стогодишната война, който се жертва, за да спаси обсадения град, работи за Портите на ада, включително Мислителят) и желанието да се покажат моменти на абсолютна красота и щастие („ Вечна пролет”, „Па дьо дьо”)– основните характеристики на творчеството на този художник.
17.3.2 Английска живопис. Изящното изкуство на Англия през първата половина на XIX век.е пейзажна живопис, ярка представителикоито бяха Дж. Констабъл (1776 - 1837), английски предшественик импресионисти(„Каруцата със сено пресича форда“ и „Ръженото поле“) и У. Търнър (1775 - 1851), чиито картини като "Дъжд, пара и скорост" "Корабокрушение", отличава пристрастието към цветни фантастични планини.
През втората половина на века Ф. М. Браун създава своите творби (1821 г- 1893), който с право е смятан за "Холбейн на 19 век". Браун е известен с историческите си произведения („Чосър в двора на Едуард III“ и „Лийр и Корделия“), както и с картини върху акта обичайни ежедневни теми („Последен поглед към Англия”, „Труд”).
Творческата асоциация "Прерафаелитско братство" ("Прерафаелити") възниква през 1848 г. Въпреки че обединяващото ядро е страстта към произведенията на художниците от ранния Ренесанс (преди Рафаело), всеки член на това братство има своя собствена тема и артистично кредо. Теоретикът на братството е английският културолог и естетик Дж. Ръскин, който очертава концепцията за романтизма във връзка с условията на Англия в средата на века.
Ръскин, свързвайки изкуството в своите произведения с общото ниво на култура на страната, виждайки изкуството като проява на морални, икономически и социални фактори, се опита да убеди британците, че предпоставките за красота са скромност, справедливост, честност, чистота и непретенциозност .
Прерафаелитите създават картини на религиозни и литературни теми, художествено оформени книги и развиват декоративно изкуство, стремят се да съживят принципите на средновековните занаяти. Разбиране на тенденцията, опасна за декоративното изкуство- неговото обезличаване чрез машинно производство, английски художник, поет и общественик У. Морис (1834 - 1896) организира художествени и индустриални работилници за производство на гоблени, тъкани, витражи и други битови предмети, за които се използват рисунки самият той и прерафаелитските художници завършиха.
17.3.3 Испанска живопис. Гоя . Работата на Франсиско Гоя (1746 г- 1828) принадлежи към два века - XVIII и XIX. Има голямо значение за формирането на европейския романтизъм. творчески ни Творчеството на художника е богато и разнообразно: живопис, портрети, графики, фрески, гравюри, офорти.
Гоя използва най-демократичните теми (разбойници, контрабандисти, просяци, участници в улични битки и игри- героите на неговите картини). Получавайки през 1789г титла на адв известен художник, Гоя изпълнява огромен брой портрети: крал, кралица, придворни („Семейството на крал Чарлз IV“). Влошеното здравословно състояние на художника предизвиква промяна в тематиката на творбите. Така картините, отличаващи се със забавна и странна фантазия („Карнавал“, „Блъфът на слепия“), се заменят с платна, пълни с трагедия („Трибуналът на инквизицията“, „Къщата на лунатите“). А следват 80 офорта „Капричио“, върху които художникът работи над пет години. Значението на много от тях остава неизяснено и до днес, а други са тълкувани в съответствие с идеологическите изисквания на своето време.
На символичен, алегоричен език Гоя рисува ужасяваща картина на страната в началото на века: невежество, суеверие, ограничени хора, насилие, мракобесие, зло. Офорт "Сънят на разума произвежда чудовища"- ужасни чудовища заобикалят спящ човек, прилепи, сови и други зли духове. Самият художник дава следното обяснение на своята работа: „Убеден, че критиката човекпороциизаблуди, макар чеиИзглеждаобластта на ораторството и поезията, също може да бъде предмет на живо описание, художникът е избрал за своето творчество от многото глупости и абсурди, присъщи на всяко гражданско общество, както и от предразсъдъците и суеверията на обикновените хора, узаконени от обичая, невежество или личен интерес, онези, които смяташе за особено подходящи за присмех и в същото време за упражняване на нечие въображение.
17.3.4 Модерен – финал стил европейски живопис XIX в . Най-известните произведения, създадени в европейската живопис от XIX век. в стил Арт Нуво, бяха произведенията на английския художник О. Биърдсли (1872 г.– 1898). ТойилюстриранработаО. Уайлд ("Саломе"), създаденоелегантенграфикафантазии, омагьосанцялопоколениеевропейци. самочеренибялоса билиинструментинапрза труда: лист бяла хартия и бутилка черно мастило и техника, подобна на най-фината дантела („Тайнствената розова градина“, 1895 г.). Илюстрациите на Биърдсли са повлияни от японската гравюра и френското рококо, както и от декоративния маниеризъм на Арт Нуво.
Стил Арт Нуво, възникнал около 1890г– 1910 gg., характеризираприсъствиенавиванелинии, напомнящкъдрицикоса, стилизиранцветяирастения, езиципламък. стилтовабешеширокшироко разпространенивживописивархитектура. тоилюстрацииангличанинбъдаrdsli, плакати и билбордове от чеха А. Муха, картини от австриеца Г. Климт, лампи и метални изделия от Тифани, архитектура от испанеца А. Гауди.
Друг изключителен феномен на модерността от края на века– норвежкихудожникд. Мунк (1863 – 1944). известенживописМунк« Scream (1893)– композитенчастнеговиятфундаменталенцикъл„Фризживот", по-горекойтохудожникработешедългогодини. В последствиеработа"Вик"Мункповтаря севлитографии. Рисуване"Вик"предавасъстояниеекстремниемоционаленволтажчовек, тя елицасъздава отчаянието на самотния човек и неговия вик за помощ, която никой не може да предостави.
Най-големият художник във Финландия А. Гален-Калела (1865 г– 1931) встилмодеренилюстриранепичен"Калевали". Наезикемпириченреалностзабранено еказвамза легендарния старец– ковачИлмаринен, което наизкованинебе, чукнати заеднонебесен свод, окованотогънорел; относномайкиLemminkäinen, възкръсналнеговиятубитсин; относнопевицаVäinämöinien, което на"тананикашезлатистКоледна елха", Галел- Калелауправляванапредавамдвуетажно леглоедна сила на древните карелски руни в съвременния език.
Античен натюрморт, "Букет с макове", Западна Европа. Втората третина на 19 век
Старинен натюрморт "Букет с грозде и праскова". Западна Европа, 1839 г.
Планински пейзаж с руини на замък. Западна Европа, 1846 г.
Почивка в парка. Западна Европа 1903г
Портрет на момиче. Западна Европа, първата половина на 19 век.
Грозде и цветя. Западна Европа, края на 19 век.
Ябълки и грозде. Западна Европа. Първата третина на 20 век
Античен натюрморт с грозде и плодове. Западна Европа, 1869 г
Винтидж натюрморт с цветя. Западна Европа, 1821 г
Античен натюрморт с карамфили. Западна Европа, началото на 20 век.
Античен натюрморт с пъпеш, ябълки и грозде. Западна Европа, началото на 20 век.
Старинен натюрморт ваза с хризантеми. Западна Европа, началото на 20 век.
Античен натюрморт с грозде и праскови. Западна Европа, 1876 г
Винтидж ваза за натюрморт с тикви. Западна Европа, края на 19 век.
Битка на английската кавалерия с френската пехота. Западна Европа, втората половина на 19 век.
Античен натюрморт с череши и грозде. Западна Европа, средата на 19 век.
Холандски зимен пейзаж. Западна Европа, втората половина на 10 век.
Античен натюрморт: флокси. Западна Европа, началото на 20 век
Насип. Западна Европа, края на 19 век
Морски пейзаж. Западна Европа, края на 19 век
Античен натюрморт: астри в издълбана дървена ваза Западна Европа, началото на 20 век
Античен натюрморт: цветя на фона на фонтан. Западна Европа, Холандия, средата на 19 век
Антична картина: "Холандски натюрморт". Западна Европа, началото на 18 век
Старинен натюрморт: букет цветя. Западна Европа, края на 19 век
Античен пейзаж: "На брега на езерото". Западна Европа, 1894 г
Стара картина: "Горски водопад". Западна Европа, края на 19 век.
Стара картина: "Канкан". Западна Европа, началото на 20 век.
Стара картина: "Момче на печката". Западна Европа, края на 19 век.
Антична картина: "Пейзаж с конник". Западна Европа, края на 17 век.
Античен натюрморт: лалета в китайска ваза. Западна Европа, началото на 20 век
Стара картина: "Есенен пейзаж". Западна Европа, началото на 20 век.
Античен натюрморт: "Цветя". Западна Европа, 1885 г
Старинен натюрморт: "Ваза с астри и хортензии". Западна Европа, началото на 20 век.
Стара картина: "Градски пейзаж". Западна Европа, втората половина на 19 век.
Стара картина: "Букет от хризантеми". Западна Европа, първата половина на 20 век.
Стара картина: "Панорама на Париж с изглед към Ил дьо ла Сите". Западна Европа, 1840 г.
Античен акварел: "Портрет на децата на художника" от картина на Рубенс. Западна Европа, 1830 г.
Стара картина: "На верандата на хотела". Западна Европа, 1878 г
Стара картина: "На кладенеца". Западна Европа, 1877 г
Старинен натюрморт: "Плодове и цветя". Западна Европа, 1886 г
Антична картина: "Водопад в планината". Западна Европа, 1852 г.
Антична картина: "Проба от вино". Западна Европа, края на 19 век.
Стара картина: "Лодка в залива на Неапол". Западна Европа, края на 19 век
Стара картина: "Мускетар с гарафа вино". Западна Европа, началото на 20 век.
Стара картина: "Корнуолско крайбрежие". Западна Европа, началото на 20 век. Художник: G. Berlau,
Стара картина: "Вътрешен двор на Палацо Векио във Флоренция". Западна Европа, последната четвърт на 19 век
Старинен натюрморт: "Есенни цветя в саксии". Западна Европа, втората половина на 19 век.
Стара картина: "Холандско пристанище". Западна Европа, Художник: Jan KUYPERS
Стара картина: "Органмелачът и мускетарите". Западна Европа, 1882 г
Антична живопис: "Холандска жанрова сцена". Западна Европа, първата половина на 19 век.
Антична картина: "Натюрморт с рози". Западна Европа, 1877 г
Крайбрежен пейзаж с лодки и платноходки. Западна Европа, 1877 Художник: Морис Х
Стара картина: "Планинска река в гората". Западна Европа, 1900 г
Стара картина: "Кучета". Западна Европа, 1899 г
Стара картина: "На лов за сърна". Западна Европа, 1840-1850
Стара картина: "Италиански пейзаж с река". Западна Европа, 1835 г.
Стара картина: "В конюшнята". Западна Европа, средата на 19 век. Художник: Wouterus I VERSCHUUR
Антична живопис: жанр италианска сцена. Западна Европа, Италия, 1844 г. Художник: Rauh I. N
Чудя се: славяните са плюли толкова много слюнка за "Немита Европа". И защо славяните не могат да оставят след себе си същите картини, както в Европа от същия период: времето на войната Царируски-Конде, царското семейство, със славяните през 1853-1921 г.?
Какви са славяните: съветските еврейски войници на Николаев, старата червена (пруска) гвардия на Елстън-Сумароков, бяха ангажирани в Русия, която завладяха, през 1861-1921 г. ?
Точно както премахнаха крепостничеството на евреина Пушкин, потомък на грозни негри, и дадоха на евреите всички права, те не направиха нищо ценно в Русия, която превзеха. Само права за евреите от 1861 г. - това са всички придобивки на революцията на славяните на еврейските войници на съветския Елстън-Сумароков. За какво са воювали с руските царе през 1853-1921 г., с цялата червена (съветска) армия на славяните, хората на Ханаан.
Но как? Злите Царируски-Конде, белите генерали, заминаха за Париж с целия Петербург и Москва и изпратиха славяните в ада, нашите крепостни селяни, още през 1854 г., много преди крепостничеството на еврейските войници на Елстън-Сумароков. И те отказаха да финансират материалното и моралното благополучие на славянските еврейски селяни от съветската, старата Червена (пруска) гвардия.
И кой ще работи? Е, не ние, славяните, съветските селяни, старата червена (пруска) гвардия, диктатурата на пролетариата!
Добре, че дори не бяха допуснати в Европа, от цялата червена (еврейска) армия на славяните на Елстън-Сумароков през 1853-1871 г. Наводнени от Европа Царируски-Конде, Белите царе на ангелите. В противен случай сега Европа щеше да стои в същата форма като Русия, завладяна от славяните, след 150 години съветска окупация на славяните: еврейски войници на Съветския съюз, старата червена (пруска) гвардия.
