Ако мислите, че всички велики художници са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художници на нашето време. И, повярвайте ми, техните творби ще останат в паметта ви не по-малко от творбите на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски е съвременен полски художник. Завършва Силезкия политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-добро впечатление. Не се страхувайте да експериментирате с нови техники. Напоследък той набира все по-голяма популярност в чужбина, главно във Великобритания, където успешно продава своите произведения, които вече могат да бъдат намерени в много частни колекции. Освен изкуството се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг е съвременен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие от Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. с бакалавърска степен по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариерата си като професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи работещи хора. Неговият интерес към този стил на рисуване се корени в творчеството на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, студенти, студио, класна стая и интериор на дома. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е Master Signature от маслените художници на Америка, най-голямата общност за маслена живопис в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в своето студио, той също преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва сценография в Художествения институт в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „построи къщата на знанието“ върху основата, положена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19-годишна възраст. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лирическия романтизъм и символизъм, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време те не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от блясъка на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Alkasandr Balos е съвременен полски художник, специализиран в маслена живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.

Като дете той учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст художествената дейност получава пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесетгодишна възраст, Балос напуска Полша за Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в училище по изкуствата. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи рисуване при професор по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. с бакалавърска степен, Балос се мести в Чикаго, за да учи в Училището по изящни изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът съставляват по-голямата част от творчеството на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае чертите и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на картините му са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият истинското си темпорално и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и вече включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс е съвременна американска художничка. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се интересува от рисуване. Тя посещава The New School в Ню Йорк и Montclair State University и завършва Бостънския колеж през 1999 г. с бакалавърска степен. В същото време тя учи живопис в Академията Лоренцо Медичи във Флоренция.

След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуствата, в катедра „Фигуративно изкуство“, която завършва през 2001 г. Тя завършва колежа Фулъртън през 2006 г. Тя за кратко изнася лекции в университети и образователни институции в цялата страна и преподава рисуване в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в държавния университет Монклер и колежа по изкуствата на Lyme Academy.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, аз изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи площи с абстрактен дизайн, като през тях надничат острови от цветове – части от човешкото тяло.

Картините ми променят модерния поглед към вече утвърдените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед самоочевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривявайки собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебелите слоеве боя се смесват заедно, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Отблизо обаче невероятните физически свойства на маслената боя стават очевидни. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, откривам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализъм, докато той не започна да се разплита и деконструира сам. Сега проучвам възможностите и потенциала на един стил на рисуване, където репрезентативната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент, ще го направя.”

Антонио Финели

италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а могат да бъдат намерени и в частни и публични колекции.

рисунки с молив" Пазител на времето” Антонио Финели ни изпраща на вечно пътешествие из вътрешния свят на човешката темпоралност и стриктния анализ на този свят, свързан с нея, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които нанася върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лицето показват преминаването във времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безпощадността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в рисунките си с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от протичането на времето вътре в човек.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава степен по история на изкуството от Художественото училище на БД. Тогава тя получава диплома за специалност реставратор на произведения на изкуството. Преди да намери своето призвание и да се посвети изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването се заражда като дете. Основната й среда е олиото, защото обича “coiffer la pate” и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flamininia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Балтус, Хопър и Франсоа Легран, както и от различни художествени движения: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Любимият й художник е Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва Харковския художествен колеж през 1998 г., той остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра по графика, завършва през 2004 г.

Редовно участва в художествени изложби, в момента има повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Някои от творбите бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк спектър от графични и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списъкът с темите на рисунките му с молив също е много разнообразен, рисува пейзажи, портрети, актови фигури, жанрови композиции, книжни илюстрации, литературни и исторически възстановки и фантазии.

"Играчи на карти"

автор

Пол Сезан

Страната Франция
Години на живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс ан Прованс, но започва да рисува в Париж. Истински успех идва при него след самостоятелна изложба, организирана от колекционера Амброаз Волард. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници наричат ​​пътуванията до него „поклонение до Екс“.

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продадени през 2012 г
на частен търг

Работата на Сезан е лесна за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на темата или сюжета върху платното, така че картините му не предизвикват недоумение на зрителя. Сезан съчетава в изкуството си две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветна текстура той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Поредица от пет картини "Играчи на карти" е написана през 1890-1895 г. Сюжетът им е същият – няколко души ентусиазирано играят покер. Произведенията се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Musee d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation и Courtauld Institute of Art), а петата доскоро беше украса на частната колекция на Гръцкият милиардер, корабособственик Георгиос Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на „безплатната“ работа на Сезан бяха търговецът на произведения на изкуството Уилям Аквавела и световноизвестният галерист Лари Гагосян, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 млн. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи пред Vanity Fair журналистката Александра Пиърс. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по света.

През 2010 г. в Катар отвориха Арабския музей за модерно изкуство и Националния музей на Катар. Сега колекциите им се увеличават. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Повечетоскъпа снимкав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията Ал Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално направи Катар един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна регистрира най-голям БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани завзе властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на настоящия управник според експерти е в ясна стратегия за развитие на страната, създаваща успешен имидж на държавата. Катар вече има конституция и министър-председател, а жените получиха право да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Ал Джазира. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"Номер 5"

автор

Джаксън Полок

Страната САЩ
Години на живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак пръскачката - такъв прякор е даден на Полок от американската публика заради специалната му техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боята върху повърхността на платното или фибрата по време на непрекъснато движение около и вътре в тях. От ранна възраст той е любител на философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продадени през 2006г
на търга Sotheby's

Стойността на работата на Полок не е в резултата, а в процеса. Авторът неслучайно нарече изкуството си „екшън живопис“. С леката му ръка той се превърна в основното богатство на Америка. Джаксън Полок смесва боя с пясък, счупено стъкло и пише с парче картон, ножче, нож, лопата. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години на миналия век дори имаше имитатори в СССР. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го купи за частна колекция, а през 2006 г. го продаде на Sotheby`s за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това, скоро адвокатската кантора издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинес не е собственик на картината. Само едно се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина наскоро е събрал произведения на съвременното изкуство. Малко вероятно е той да е пропуснал такава "голяма риба" като "Номер 5" на Полок.

3

"Жена III"

автор

Вилем де Кунинг

Страната САЩ
Години на живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той емигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се провежда персонална изложба на художника. Художествените критици оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, разпознавайки в автора им голям художник-модернист. През по-голямата част от живота си той страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивност на рисуването, широки щрихи, поради което понякога изображението не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продадени през 2006г
на частен търг

През 50-те години на миналия век жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти се появяват в картините на де Кунинг. "Жена III" беше последното произведение от тази поредица, участващо в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Техеранския музей за модерно изкуство, но след въвеждането на строги морални правила в страната те се стремят да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно собственикът й Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде "Номер 5" на Джаксън Полок) продаде картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че за една година Гефен започва да продава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи Los Angeles Times.

На един от арт форумите беше изразено мнение за приликата на "Жена III" с картината на Леонардо да Винчи "Дама с хермелин". Зад зъбата усмивка и безформената фигура на героинята ценителят на живописта различи грацията на човек от кралска кръв. Това се доказва и от лошо проследената корона, увенчаваща главата на жена.

4

„Портрет на АделБлок-Бауер I"

автор

Густав Климт

Страната Австрия
Години на живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима сина на Ърнест Климт станаха художници и само Густав стана известен в цял свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той отговаря за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Пред картините му всеки зрител замръзва: под тънките златни щрихи ясно се вижда откровената еротика.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продадени през 2006г
на търга Sotheby's

Съдбата на картината, която се нарича "Австрийската Мона Лиза", лесно може да се превърне в основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликта на цялата държава и една възрастна дама.

И така, „Портретът на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократ, съпругата на Фердинанд Блок. Последната й воля е да прехвърли картината в Австрийската държавна галерия. Въпреки това, Блок анулира дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията почти не изкупи Златната Адел, но след това се появи наследницата - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започва високопоставеният процес "Мария Алтман срещу Република Австрия", в резултат на което картината "заминава" с нея в Лос Анджелис. Австрия предприе безпрецедентни мерки: договарят се заеми, населението дарява пари за закупуване на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя беше на 79 години и влезе в историята като човекът, който промени волята на Блох-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на Новата галерия в Ню Йорк, където остава и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"Вик"

автор

Едвард Мунк

Страната Норвегия
Години на живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, която стана известна в цял свят, "Болното момиче" (съществува в пет екземпляра) е посветена на сестрата на художника, която почина от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална картина дори предизвика скандал. Въпреки потискащите сюжети обаче, картините му притежават особен магнетизъм. Вземете поне "Scream".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търга Sotheby's

Пълното име на картината е Der Schrei der Natur (преведено от немски като „викът на природата“). Лицето на човек или на извънземно изразява отчаяние и паника - същите емоции, които зрителят изпитва, когато гледа снимката. Едно от ключовите произведения на експресионизма предупреждава за темите, които станаха остри в изкуството на 20-ти век. Според една версия художникът го е създал под влияние на психично разстройство, което е страдал през целия си живот.

Картината е открадната два пъти от различни музеи, но е била връщана. Леко повреден след кражбата, The Scream е реставриран и е готов да бъде показан отново в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата творбата се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от свои разпечатки-копия, а маската от филма „Крик“ беше направена по образ и подобие на героя на картината.

За един сюжет Мунк написва четири версии на творбата: тази в частна колекция е направена в пастел. Норвежкият милиардер Петер Олсен го обяви на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не спести рекордна сума за "Писък". Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е покровител на колежа Дартмут, Музея за модерно изкуство, Линкълн Арт Център и Метрополитън Музея на изкуствата. Разполага с най-голямата колекция от картини на съвременни художници и класически майстори от минали векове.

6

"Гола на фона на бюст и зелени листа"

автор

Пабло Пикасо

Страната Испания, Франция
Години на живот 1881–1973
стил кубизъм

По произход е испанец, но по дух и местоживеене е истински французин. Пикасо открива собствено художествено студио в Барселона, когато е само на 16 години. След това заминава за Париж и прекарва по-голямата част от живота си там. Затова в фамилното му име има двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на мнението, че обектът, изобразен на платното, може да се разглежда само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продадени в 2010
на търга Christie's

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството, премести се с нея в луксозен апартамент. По това време признанието е намерило герой, но бракът е разрушен. Една от най-скъпите картини в света е създадена почти случайно – от голяма любов, която, както винаги с Пикасо, е краткотрайна. През 1927 г. той започва да се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от жена си той заминава с любовницата си за град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Тереза ​​в образа на Дафне. Картината е закупена от дилъра в Ню Йорк Пол Розенберг и продадена през 1951 г. на Сидни Ф. Броуди. Семейство Броуди показаха картината на света само веднъж и то само защото художникът беше на 80 години. След смъртта на съпруга си, г-жа Броуди пусна творбата на търг в Christie's през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е повишила над 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където видя светлината за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиса"

автор

Анди Уорхоул

Страната САЩ
Години на живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появявате лично“, каза култовият поп изпълнител, режисьор и един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работи с Vogue и Harper's Bazaar, проектира обложки на плочи и проектира обувки за I.Miller. През 60-те години на миналия век се появяват картини, изобразяващи символите на Америка: супата на Кембъл и кока-колата, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продадени през 2008г
на частен търг

60-те на Уорхол - така наречената ера на поп арт в Америка. През 1962 г. той работи в Манхатън във Factory Studio, където се събира цялата бохема на Ню Йорк. Най-ярките му представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоте и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на ситопечат - многократно повторение на едно изображение. Той използва този метод и при създаването на „Осемте Елвиса“: зрителят сякаш вижда кадри от филм, в който звездата оживява. Всичко, което художникът обичаше толкова много, е тук: печеливш публичен образ, сребърен цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Днес има двама търговци на произведения на Уорхол на световния пазар: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият през 2008 г. похарчи 200 милиона долара за закупуване на повече от 15 произведения на Уорхол. Вторият купува и продава картините си като коледни картички, само че по-скъпи. Но не те, а скромният френски консултант по изкуство Филип Сегало помогна на римския ценител на изкуството Анибале Берлингиери да продаде Осемте Елвиса на неизвестен купувач за рекордната сума за Уорхол - 100 милиона долара.

8

"оранжев,червено жълто"

автор

Марк Ротко

Страната САЩ
Години на живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветното поле е роден в Двинск, Русия (днес Даугавпилс, Латвия), в многодетно семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет, получава стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко изкуствоведите боготворяха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продадени през 2012 г
на търга Christie's

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Първоначално те имаха ярки нюанси, а през 60-те години на миналия век те бяха изпълнени с кафяво, лилаво, сгъстяващо до черно към момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси каквото и да е значение в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвета, който се разтваря във въздуха, и нищо повече. Той препоръча да гледате творбите от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „влачен“ в цвета, като във фуния. Внимание: гледането по всички правила може да доведе до ефекта на медитацията, тоест постепенно идва осъзнаването на безкрайността, пълното потапяне в себе си, релаксация, пречистване. Цветът в картините му живее, диша и има силно емоционално въздействие (понякога се казва, че е лечебен). Художникът каза: "Зрителят трябва да плаче, като ги гледа" - и наистина имаше такива случаи. Според теорията на Ротко, в този момент хората живеят същото духовно преживяване, което той е имал в процеса на работа по картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, тогава не се учудвайте, че тези произведения на абстракционизма често се сравняват от критиците с икони.

Творбата "Оранжево, червено, жълто" изразява същността на картината на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie's в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена, удвоена от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не беше разкрито.

9

"триптих"

автор

Франсис Бейкън

Страната
Великобритания
Години на живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и освен това, далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отрече от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, после в Париж, а след това следите му се бъркат в цяла Европа. Още приживе негови творби са били изложени във водещи културни центрове по света, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Sotheby's

Престижните музеи се стремяха да притежават картини на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се разплаща за подобно изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Началният период в работата си самият художник счита следвоенния период. Връщайки се от службата, той отново се зае с рисуването и създаде основните шедьоври. Преди участието на "Триптих, 1976" в търга, най-скъпата работа на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий Х" (52,7 милиона долара). В "Триптих, 1976" художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а фуриите са неговите мъки. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава цената. Но какво са няколко милиона за ценител на изкуството и дори щедър на руски език? Роман Абрамович започва да създава колекцията си през 90-те години на миналия век, като в това той е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която се превърна в модерен галерист в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за над 100 милиона долара. През 2008 г. става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. е придобито още едно ценно произведение на Бейкън – „Три скици за портрет на Лусиан Фройд“. Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново стана купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

автор

Клод Моне

Страната Франция
Години на живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основоположник на импресионизма, който "патентовал" този метод в своите платна. Първата значима работа е картината "Закуска на тревата" (оригиналната версия на работата на Едуард Мане). В младостта си той рисува карикатури и се занимава с истинска живопис по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като е служил в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Christie's

Освен факта, че Моне беше голям художник, той се занимаваше с ентусиазъм и в градинарството, обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите сякаш са замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи, от известно разстояние те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В картината на късния Моне специално място заема темата за водата и живота в нея. В град Живерни художникът имал собствено езерце, където отглеждал водни лилии от семена, специално донесени от него от Япония. Когато цветята им цъфтят, той започва да рисува. Серията Водни лилии се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но той не спря. В зависимост от вятъра, сезона и времето гледката към езерото непрекъснато се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа до него стига разбиране за същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещите галерии в света: Национален музей на западното изкуство (Токио), Orangerie (Париж). Версията на следващото "Езерце с водни лилии" отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

фалшива звезда т

автор

Джаспър Джонс

Страната САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс постъпва в дизайнерското училище в Ню Йорк. Наред с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20-ти век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продадени през 2006г
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални предмети, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За своите творби той използва прости и разбираеми за всеки предмети: бутилка бира, флаг или карти. Няма ясна композиция в снимката на фалшивия старт. Художникът сякаш си играе със зрителя, често "неправилно" подписва цветовете в картината, обръщайки самото понятие за цвят: "Исках да намеря начин да изобразя цвета, така че да може да се определи по някакъв друг метод." Неговата най-експлозивна и "несигурна", според критиците, картина е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналаголина дивана"

автор

Амедео Модилиани

Страната Италия, Франция
Години на живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледува от детството си, по време на трескав делириум, той разпознава съдбата си като художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продадени в 2010
на търга Sotheby's

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а по-късно и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на Седяща гола на диван през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максимална цена за Модилиани в момента. Активните продажби на произведения започват едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Хебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

автор

Ци Байши

Страната Китай
Години на живот 1864–1957
стил guohua

Интересът към калиграфията кара Ци Байши да рисува. На 28-годишна възраст той става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай го удостоява със званието "Велик артист на китайския народ", през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продадени през 2011
на търга China Guardian

Ци Байши се интересуваше от онези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страх ме е да отида във вашата страна, защото в Китай има Ци Байши“. Композицията "Орел на бор" е призната за най-голямата творба на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е закупен продуктът, е рекордна – 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Хуанг Тинджиан е продаден за 436,8 милиона долара.

14

"1949-A-#1"

автор

Клифърд Стил

Страната САЩ
Години на живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст посещава Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и е разочарован. По-късно той се записа за курс на студентска лига по изкуства, но напусна 45 минути след началото на класа - оказа се, че „не е негов“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с това и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продадени през 2011
на търга Sotheby's

Всички негови творби, които са повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, все пак са завещани на американския град, където ще бъде открит музей на негово име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и четири произведения бяха пуснати на търг за завършването му. Малко вероятно е творбите на Still да бъдат продадени отново на търг, което вдигна цената им предварително. Картина "1949-A-No.1" беше продадена за рекордна сума за художника, въпреки че експертите прогнозираха продажбата на максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

автор

Казимир Малевич

Страната Русия
Години на живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киевското художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Sotheby's

Картината е била съхранявана в градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с близките на Малевич, музеят я подари. Художникът рисува това произведение в същата година като Манифестът на супрематизма, така че Sotheby`s обяви преди търга, че няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. И така се случи. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на изглед от въздуха на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „Супрематистка композиция“ от Музея на MoMA, за да я продадат във Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

автор

Пол Гоген

Страната Франция
Години на живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкаха да пътува. Във Франция той започна да рисува, беше приятел с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продадени през 2005г
на търга Sotheby's

През 1891 г. Гоген организира продажба на картините си, за да използва приходите, за да отиде дълбоко в остров Таити. Там той създава произведения, в които се усеща фината връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба и върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишна таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с промискуитет. След като се зарази със сифилис, той заминава за Франция. Там обаче на Гоген му беше тясно и той се върна на Таити. Този период се нарича "вторият таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещи се", една от най-луксозните в творчеството му.

17

"Нарциси и покривка в синьо и розово"

автор

Анри Матис

Страната Франция
Години на живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстанови от операцията, майка му му купи бои. Първо, от скука, Матис копира цветни пощенски картички, след това - произведенията на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20-ти век измисля стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продадени през 2009г
на търга Christie's

Картината "Нарциси и покривка в синьо и розово" дълго време е принадлежала на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрие цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я пусне на търг в Christie's. Перлата на продадената колекция беше картината „Нарциси и покривка в синьо и розово”, рисувана върху обикновена покривка вместо платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш избухват и крещят. От добре познатата поредица картини на покривки днес тази творба е единствената, която е в частна колекция.

18

"спящо момиче"

автор

РойЛий

chtenstein

Страната САЩ
Години на живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, той заминава за Охайо, където отива на курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът към комиксите и умението да бъде иронизиран го направиха култов художник на миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продадени през 2012 г
на търга Sotheby's

Веднъж в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначерта картината от вложката върху платното и стана известен. Този сюжет от биографията му съдържа цялото послание на поп арта: консумацията е новият бог и в обвивката на дъвка има не по-малко красота, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят на комикси и карикатури: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растри, използва ситопечат и копринен печат. Картината "Спящото момиче" е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш в продължение на почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. Буги Уги"

автор

Пит Мондриан

Страната Холандия
Години на живот 1872–1944
стил неопластизъм

Истинското си име - Корнелис - художникът променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Доесбург той основава неопластичното движение. Езикът за програмиране Piet е кръстен на Mondrian.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продадени през 1998г
на търга Sotheby's

Най-"музикалният" от художниците на 20-ти век си изкарва прехраната с акварелни натюрморти, въпреки че стана известен като неопластичен художник. Той се мести в САЩ през 40-те години на миналия век и прекарва остатъка от живота си там. Джаз и Ню Йорк – това го вдъхнови най-много! Картина „Победа. Boogie Woogie е най-добрият пример за това. "Маркови" спретнати квадратчета се получават чрез използването на тиксо - любимият материал на Мондриан. В Америка го наричаха „най-известният имигрант“. През шейсетте години Ив Сен Лоран произвежда световноизвестните рокли "Mondrian" с голяма цветна щампа.

20

"Композиция № 5"

автор

босилекКандински

Страната Русия
Години на живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да си сътрудничи със съветските власти, но скоро осъзнава, че законите на пролетариата не са създадени за него, и емигрира в Германия не без трудности.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продадени през 2007г
на търга Sotheby's

Кандински беше един от първите, които напълно изоставиха предметната живопис, за което получи титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „дегенеративно изкуство“ и не са били излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство, в Париж той свободно участва в художествения процес. Неговите картини „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5“ е едно от ключовите произведения в този жанр: „Думата „композиция“ ми прозвуча като молитва“, каза художникът. За разлика от много последователи, той планира какво ще изобрази на огромно платно, сякаш пише бележки.

21

"Изследване на жена в синьо"

автор

Фернан Леже

Страната Франция
Години на живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование, а след това е ученик в Училището за изящни изкуства в Париж. Художникът се смятал за последовател на Сезан, бил е апологет на кубизма, а през 20-ти век има успех и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Sotheby's

Дейвид Норман, президент на отдела за международен импресионизъм и модернизъм на Sotheby's, смята, че огромната сума, платена за „Дамата в синьо“, е напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция на Леже (художникът е нарисувал три картини на една тема, последната от тях днес е в частни ръце. - Ед.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор е дал това произведение на галерията Der Sturm, след което се озовава в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизъм, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

автор

Ернст ЛудвигКиршнер

Страната Германия
Години на живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер се превръща в забележителна личност. Местните власти обаче го обвиниха в придържане към „дегенериращото изкуство“, което трагично повлия върху съдбата на картините му и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продадени през 2006г
на търга Christie's

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от суматохата и нервността на големия град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожността на художника е особено остра: хората на берлинска улица приличат на птици – грациозни и опасни. Тя беше последната творба от известната поредица, продадена на търг, останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят брутално към Кирхнер: 639 от неговите произведения са иззети от немски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можа да преживее това.

23

„Почивкатанцьор"

автор

Едгар Дега

Страната Франция
Години на живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с факта, че той работи като копист в Лувъра. Мечтаеше да стане „известен и неизвестен“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и търгове.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Sotheby's

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите сякаш са надникнали: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. Почиващата танцьорка е продадена за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно е купена за 37 милиона долара – днес това е най-скъпата творба на художника, пускана някога на търг. Дега обърна много внимание на рамките, той сам ги проектира и забрани да ги сменя. Интересно каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

автор

Хуан Миро

Страната Испания
Години на живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на Гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашистката власт в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината "Помогнете на Испания!", Привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продадени през 2012 г
на търга Sotheby's

Второто име на картината е "Синя звезда". Художникът го написа през същата година, когато обяви: „Искам да убия живописта“ и безмилостно се подиграва с платната, надрасквайки боята с нокти, залепвайки пера към платното, покривайки творбата с боклук. Целта му беше да развенчае митовете за мистерията на рисуването, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистична абстракция. Неговата "Живопис" се отнася към цикъла "картини-мечти". Четирима купувачи се бориха за нея на търга, но едно телефонно обаждане инкогнито разреши спора и „Живопис“ стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

автор

Ив Клайн

Страната Франция
Години на живот 1928–1962
стил монохромна живопис

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаята на позлата от рамки, дзен будизма и много други. Неговата личност и нагли лудории бяха в пъти по-интересни от монохромните картини.

153х199х16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на плътни жълти, оранжеви, розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, боядисани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като "Международно синьо Клайн". Художникът също продава празнота, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на човешко тяло върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можех. За създаването на "Синята роза" използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

"Търси се Мойсей"

автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

Страната Великобритания
Години на живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лорънс добави представката "алма" към фамилното си име, за да се появи първи в каталозите на изкуството. Във викторианска Англия картините му бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продадени през 2011
на търга Sotheby's

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опитва да изобрази епохата на Римската империя в най-малкия детайл, за това дори се занимава с археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон той възпроизведе историческия интериор от онези години. Митологичните истории се превърнаха в друг източник на вдъхновение за него. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се възражда, както личи от цената на картината "В търсене на Мойсей", седем пъти по-висока от предварителната оценка.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

автор

Лусиан Фройд

Страната Германия,
Великобритания
Години на живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Произведенията на Фройд се намират в колекцията Уолъс в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продадени през 2008г
на търга Christie's

Докато модните художници от 20-ти век създават положителни „цветни петна по стената“ и ги продават за милиони, Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продава за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на изсъхналата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е "наследството" на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и успешно продадени, че експертите започнаха да се съмняват: имат ли хипнотични свойства? Продаден на търг "Портрет на спящ гол чиновник", според Sun, е придобит от ценителя на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"цигулка и китара"

автор

хедин грис

Страната Испания
Години на живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва Училището по изкуства и занаяти. През 1906 г. се мести в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, работи и със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продадени в 2010
на търга Christie's

Грис, по собствените му думи, се е занимавал с „плоска, цветна архитектура“. Неговите картини са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен щрих, което прави творчеството свързано с геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че изпитва голямо уважение към Пабло Пикасо, бащата-основател на движението. Наследникът дори му посвети първата си кубистична творба „Почит към Пикасо“. Картината "Цигулка и китара" е призната за изключителна в творчеството на художника. Приживе Грис е известен, предпочитан от критици и изкуствоведи. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

"ПортретПолетата на Елюар»

автор

Салвадор Дали

Страната Испания
Години на живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник-сюрреалист. Работата на Дали е навсякъде, не само в галериите. Например, той измисли опаковката за Chupa-Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продадени през 2011
на търга Sotheby's

През 1929 г. поетът Пол Елюар и руската му съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и скандалджия Дали. Срещата беше началото на една любовна история, продължила повече от половин век. Картината "Портрет на Пол Елюар" е нарисувана точно по време на това историческо посещение. „Почувствах, че ми е поверено задължението да заснема лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да се срещне с Гала, той беше девствен и изпитваше отвращение при мисълта да прави секс с жена. Любовният триъгълник съществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"годишнина"

автор

Марк Шагал

Страната Русия, Франция
Години на живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, когато нацистите завземат властта, той заминава за Съединените щати с помощта на американски консул. Завръща се във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден през 1990г
на търга на Сотбис

Картината "Юбилей" е призната за една от най-добрите творби на художника. Тя има всички черти на неговото творчество: физическите закони на света са заличени, усещането за приказка е запазено в декорите на дребнобуржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не е рисувал хората от природата, а само по памет или фантазиране. Картината "Юбилей" изобразява самия художник със съпругата му Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е наддавана. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA запазва точно същото, само че под името "Рожден ден". Между другото, написано е по-рано - през 1915г.

подготвен проект
Татяна Паласова
съставен рейтинг
според списъка www.art-spb.ru
списание tmn №13 (май-юни 2013 г.)

Оценка на резултатите от търга на произведения на руското изкуство

1. За участие се приемат само резултатите от публичния търг.
2. Принадлежността към руските художници се определя от мястото на раждане. Роден в Руската империя или в СССР - това означава руски художник, без да се съобразява с етническия произход и отстъпките за това как се е развила съдбата в бъдеще. Например фактът, че Кандински е имал и руско, и немско гражданство в различни години и е починал с френско гражданство, не е причина да се съмняваме, че художникът е руснак.
3. Правило: един художник - една картина. Тоест ситуацията, когато, строго погледнато, всички първи места трябва да бъдат присвоени на произведенията на Марк Ротко, се решава по следния начин: оставяме само най-скъпата работа и игнорираме всички други резултати за картините на този художник .

Рейтингът се основава на резултатите, като се взема предвид премията на купувача (Buyers Premium), изразена в долари (цифрите, показани на европейски търгове, тоест в лири или евро, се конвертират в долари по обменния курс в деня на търговията ). Следователно в рейтинга не са включени нито испанецът на Гончарова, продаден на 2 февруари 2010 г. за £6,43 млн., нито Изгледът на Айвазовски към Константинопол и протока Босфор, за който на 24 април 2012 г. бяха платени £3,23 млн. Да, в валута на транзакцията, т.е в лири, те са по-скъпи от картините, които заеха място в класацията, но нямаха късмет с долара.

1. 86,88 милиона долара Марк Ротко. Оранжево, червено, жълто (1961)

Един от най-мистериозните съвременни художници. Житейският му път е сякаш изтъкан от противоречия – в творчески търсения, в действия, в жестове... Смятан за един от идеолозите и, разбира се, ключова фигура в американския абстрактен експресионизъм, Ротко не издържа, когато творбите му бяха наречени абстрактно. В миналото, който знаеше добре какъв е животът от ръка на уста, той веднъж предизвикателно върна на клиентите абсолютно фантастичен аванс по отношение на текущите пари, оставяйки си почти напълно завършена работа. Чакайки успеха си и възможността да изкарва прехраната си с рисуване в продължение на почти петдесет години, той многократно отказваше на хора, които биха могли да унищожат кариерата му, ако искат. Най-малкото социалист по душа, който споделяше идеите на Маркс, враждебен към богатите и богатството, Ротко в крайна сметка стана автор на най-скъпите картини в света, които всъщност се превърнаха в атрибут на високия статус на техните собственици. (Не е шега, рекордният White Center, продаден за 65 милиона долара, идва от семейство Рокфелер.) Мечтаейки да бъде признат от масовата публика, той в крайна сметка става създател на картини, които все още са наистина разбираеми само за кръг от интелектуалци и ценители. Най-накрая художникът, който търсеше разговор с Господа чрез музиката на своите платна, художникът, чиито произведения се превърнаха в централен елемент в дизайна на църквата на всички религии, завърши житейския си път с напълно отчаян акт на теомаха ...

Ротко, който си спомняше Бледата на уседналостта и казаците, може би щеше да се изненада, че и те се гордеят с него като руски художници. Въпреки това в Америка имаше достатъчно антисемитизъм през 30-те години на миналия век - не случайно художникът „отсече“ фамилното име Роткович. Но не без основание го наричаме руски. Като за начало, на факта на раждането. Латвийски Двинск, сегашният Даугавпилс, по времето на раждането на Маркус Роткович, е част от Русия и ще остане такъв до разпадането на империята, до 1918 г. Вярно е, че Ротко вече няма да види революцията. През 1913 г. момчето е отведено в Съединените щати, семейството се премества в Портланд, Орегон. Тоест, детството и юношеството преминаха в Русия, тук се формираха възприятието и възгледите за живота. В допълнение към факта, че е роден тук, Ротко е свързан с Русия, отбелязваме, както идеологически теми, така и конфликти. Известно е, че той оценява творчеството на Достоевски. И дори пороците, на които Ротко се отдаде, се свързват в света по някаква причина с руснаците. Депресията на Запад се нарича по някаква причина "руска болест". Което, разбира се, не е аргумент, а още един щрих към целостта на природата на руския художник.

Ротко върви към иновативни открития в живописта в продължение на дълги 15 години. Преминал през много фигуративни хобита, включително сюрреализъм и фигуративен експресионизъм, в средата на 40-те години на миналия век той опрости максимално структурата на картините си, ограничавайки изразните средства до няколко цветни блока, които образуват композиция. Интелектуалната основа на творчеството му почти винаги е въпрос на интерпретация. Ротко обикновено не даваше директни отговори, разчитайки на съучастието на зрителя в разбирането на творбата. Единственото, на което определено разчиташе, е емоционалната работа на зрителя. Неговите картини не са за почивка, не за релакс и не за "визуален масаж". Те са създадени за състрадание. Някои ги виждат като прозорци, които ви позволяват да погледнете в душата на зрителя, други - врати към друг свят. Съществува мнение (може би най-близкото до истината), че неговите цветни полета са метафорични образи на бог.

Декоративната сила на "цветните полета" се обяснява с редица специални техники, използвани от Ротко. Картините му не понасят масивни рамки - най-много тънки ръбове в цвета на платното. Художникът умишлено оцветява ръбовете на картините в градиент, така че живописното поле загуби границите си. Размитите граници на вътрешните квадрати също са техника, начин за създаване на ефект на треперене без контраст, привидно припокриване на цветни блокове, пулсиращи петна, като трептене на светлина от електрически лампи. Това нежно разтваряне на цвета в цвят беше особено успешно в маслото, докато Ротко не премина към непрозрачен акрил в края на шейсетте. А откритият ефект от електрическата пулсация се засилва, ако гледате снимките от близко разстояние. По идея на художника, триметровите платна се виждат най-добре от зрителя от разстояние не повече от половин метър.

Днес картините на Ротко са гордостта на всеки известен музей за съвременно изкуство. И така, в английската галерия Тейт има стая Ротко, в която живеят девет картини от тези, които са написани по договор с ресторант Four Seasons. Този проект е свързан с доста разкриваща история за героя на Ротко. През 1959 г. собствениците на модния ресторант „Времена Года“, който отвори врати в необичайния нюйоркски небостъргач Seagram Building (на името на производителя на алкохол), се обръщат към художника по препоръка. Сумата на договора, по отношение на текущите пари, беше почти 3 милиона долара - много значителен хонорар дори за утвърден, признат художник, какъвто Ротко вече беше по това време. Когато обаче работата беше почти завършена, Ротко неочаквано върна аванса и отказа да го предаде на клиента. Сред основните причини за внезапния акт биографите смятат нежеланието да се харесат на управляващата класа и да забавляват богатите на вечеря. Има и мнение, че Ротко се разстрои, когато научи, че обикновените служители, работещи в сградата, няма да видят картините му. Последната версия обаче изглежда твърде романтична.

Почти 10 години по-късно Ротко дарява част от платната, подготвени за Four Seasons, на лондонската галерия Tate Gallery. В горчив обрат на съдбата, на 25 февруари 1970 г., в деня, в който кутиите с картини достигат английското пристанище, художникът е намерен мъртъв в ателието си - с прерязани вени и (очевидно за гарантиране) огромна доза приспивателни в неговия стомах.

Днес творчеството на Ротко преживява нова вълна от искрен интерес. Провеждат се семинари, откриват се изложби, издават се монографии. На брега на Даугава, в родината на художника, е издигнат паметник.

Творбите на Ротко на пазара не са изключителна рядкост (като например картината на Малевич). Всяка година само на аукциони с негови картини, без да броим графиките, се излагат около 10-15 броя. Тоест не дефицит, а за тях се плащат милиони и десетки милиони долари. И подобни цени едва ли са случайни. По-скоро е почит към неговата иновация, желание да открие нови семантични пластове и да се присъедини към творческия феномен на един от най-загадъчните руски художници.

На 8 май 2012 г. на търга за следвоенно и съвременно изкуство платното на Christie's "Оранжево, червено, жълто" през 1961 г. отиде за 86,88 милиона долара, включително комисионна. Творбата идва от колекцията на филантропа от Пенсилвания Дейвид Пинкус. Дейвид и съпругата му Гери купиха произведението с размери 2,4 х 2,1 метра от галерия Марлборо и след това го заеха на Музея на изкуствата във Филаделфия за дълго време. Картината "Оранжево, червено, жълто" стана не само най-скъпото произведение на художника от руски произход, но и най-скъпото произведение на следвоенното и съвременно изкуство, продадено на публичен търг.

2. 60,00 милиона долара Казимир Малевич. Супрематична композиция (1916)

През дългия си живот, първо заедно с Робърт, а след смъртта му през 1941 г. сама, Соня успява да изпробва много жанрове в изкуството. Занимава се с живопис, илюстрация на книги, театрални скици (по-специално, тя проектира декорациите за балет на Дягилев Клеопатра), моден дизайн, интериорен дизайн, шарки върху текстил и дори тунинг на автомобили.

Ранните портрети и абстракции на Соня Делоне от 1900-10-те години, както и произведенията от поредицата Color Rhythms от 1950-60-те години, са много популярни на международни и национални френски търгове. Цените им често достигат няколкостотин хиляди долара. Основният рекорд на художника е поставен преди повече от 10 години - на 14 юни 2002 г. на търга Calmels Cohen Paris в Париж. Тогава за 4,6 милиона евро е продадено абстрактното произведение „Пазар в Миньо“, написано през 1915 г., по време на живота на двойката Делоне в Испания (1914–1920).

32. $4,30 милиона Михаил Нестеров. Видение за младежа Вартоломей (1922)

Ако оценяваме нашите художници по своеобразна скала на „руска“, тогава Михаил Василиевич Нестеров (1862–1942) може спокойно да бъде поставен някъде в горната част на списъка. Неговите картини, изобразяващи светци, монаси, монахини в лирически „Нестеров” пейзаж, напълно съзвучни с високо духовното настроение на героите, се превърнаха в уникално явление в историята на руското изкуство. В своите платна Нестеров говори за Света Русия, за нейния специален духовен път. Художникът, по собствените му думи, „избягва да изобразява силни страсти, предпочитайки пред тях скромен пейзаж, човек, който живее вътрешен духовен живот в обятията на нашата майка природа“. И според Александър Беноа, Нестеров, заедно със Суриков, е единственият руски художник, който поне отчасти се доближава до високите божествени думи на "Идиот" и "Карамазови".

Особеният стил и религиозност на картината на Нестеров се развиват от много фактори. Възпитанието в патриархално, благочестиво търговско семейство в град Уфа с неговите типично руски пейзажи и години на обучение при скитниците Перов, Саврасов и Прянишников в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура (от тях той възприема идеята за изкуство, което докосва ума и сърцето) и от Павел Чистяков в Художествената академия (тук той взе техниката на академичната рисунка), и пътувания до Европа за вдъхновение, и дълбока лична драма (смъртта на любимата му съпруга Мария ден след раждането на дъщеря им Олга).

В резултат на това в края на 1880-те - началото на 1890-те години Нестеров вече е намерил своя предмет и точно по това време написва "Видението на младежа Вартоломей" (1889-1890). Сюжетът на картината е взет от Житието на св. Сергий. Младежът Вартоломей (бъдещият Сергий Радонежски) срещна ангел в образа на монах и получи Божието благословение от него да разбере Свещеното писание и да надмине своите братя и връстници. Картината е пропита с усет за чудотворното – то е не само и не толкова в фигурите на Вартоломей и Светия старец, но и в околния пейзаж, по особен празничен и духовен начин.

В годините на упадък художникът повече от веднъж нарича Вартоломей основното си произведение: „... ако след тридесет, петдесет години след смъртта ми той все още ще каже нещо на хората, значи той е жив, значи аз съм жив. Картината стана сензация на 18-та изложба на Скитниците и моментално направи младия художник от Уфа известен (Нестеров по това време не беше дори на тридесет). „Визия...“ е придобита от П. М. Третяков в неговата колекция, въпреки опитите да го разубедят отвън, по думите на Нестеров, „православните скитници“, които правилно забелязали в творбата подкопаването на „рационалистичните“ основи на движение. Художникът обаче вече беше поел собствен курс по изкуство, което в крайна сметка го направи известен.

С идването на съветската власт за Нестеров с неговата религиозна живопис настъпиха трудни времена. Художникът премина към портрети (за щастие имаше възможност да рисува само хора, които му бяха дълбоко симпатични), но дори не смееше да мисли за предишни теми. Въпреки това, когато в началото на 20-те години на миналия век се разпространяват слухове, че в Америка се подготвя голяма изложба на руското изкуство, Нестеров бързо решава да участва с надеждата да привлече нова публика. Той рисува няколко творби за изложбата, включително авторското повторение на „Видението на младия Вартоломей” (1922), което в американската преса е наречено „Видението на св. Сергий в юношеството”. Новата версия е по-малка по размер (91 × 109) в сравнение с тази на Третяков (160 × 211), луната се появи на небето, цветовете на пейзажа са малко по-тъмни и има повече сериозност в лицето на момчето Вартоломей. Нестеров, така да се каже, обобщава с тази картина големите промени, настъпили след написването на първата "Визия ...".

Картините на Нестеров са сред малкото на Нюйоркската изложба за руско изкуство през 1924 г., които са закупени. „Видението на младия Вартоломей“ е включено в колекцията на известни колекционери и меценати на Николай Рьорих – Луис и Нети Хорш. От тогава до 2007 г. работата е наследена в това семейство. И накрая, на 17 април 2007 г., на руския търг в Sotheby's, картината беше изложена на оценка от 2-3 милиона долара и лесно я надхвърли. Крайната цена на чука, който стана рекорден за Нестеров, беше $4,30 млн. С този резултат той влезе в нашия рейтинг.

33. $4,05 милиона Вера Рохлина. Комарджии (1919)

Вера Николаевна Рохлина (Шлезингер) е друг забележителен артист на руската емиграция, който влезе в нашия рейтинг заедно с Наталия Гончарова, Тамара Лемпицкая и Соня Делоне. Информацията за живота на художника е много оскъдна, нейната биография все още чака своя изследовател. Известно е, че Вера Шлезингер е родена през 1896 г. в Москва в семейството на руснак и французойка от Бургундия. Тя учи в Москва при Иля Машков и беше почти негов любим ученик, а след това взе уроци в Киев при Александра Екстър. През 1918 г. тя се омъжва за адвоката С. З. Рохлин и заминава с него в Тифлис. Оттам в началото на 20-те години на миналия век двойката се премества във Франция, където Вера започва активно да излага в Есенния салон, Салона на независимите и Салона в Тюйлери. В стила си на рисуване отначало тя следва идеите на кубизма и постимпресионизма, но в началото на 30-те години на миналия век вече е разработила свой собствен стил, който едно френско списание нарече „художествен баланс между Курбе и Реноар“. В онези години Вера вече живее отделно от съпруга си, в Монпарнас, сред почитателите си имаше кутюрие Пол Поаре, тя избра женските портрети и голи фигури като основна тема в живописта, което може би беше улеснено от запознанството й със Зинаида Серебрякова (дори запазен е портрет на гола Серебрякова четка от Рохлина), а в парижките галерии се провеждат лични изложби на художника. Но през април 1934 г. 38-годишната Вера Рохлин се самоубива. Какво накара една жена в разцвета на силите си, която вече е постигнала много в творческата сфера, да посегне на живота си, остава загадка. Нейната преждевременна смърт беше наречена най-голямата загуба на арт сцената в Париж през онези години.

Наследството на Рохлина се намира главно в чужбина, където Вера прекара последните 13 години от живота си и където талантът й се разкри напълно. През 90-те и началото на 2000-те френските музеи и галерии започват да провеждат самостоятелни изложби на Рохлина и да включват нейните работи в групови изложби на художници от Парижкото училище. Колекционерите научиха за нея, нейните произведения започнаха да се продават на търгове и то доста добре. Пикът на продажбите и цените дойде през 2007-2008 г., когато около сто хиляди долара за картина с добър формат на Рохлина станаха обичайни. И на 24 юни 2008 г., на вечерния търг на импресионисти и модернисти в Christie's в Лондон, кубистичната картина на Вера Рохлина „Козарджии“, написана преди емиграцията, през 1919 г., беше неочаквано продадена 8 пъти по-скъпо от прогнозата – за £2,057 милиона (4,05 милиона долара) при оценка от £250-350 хиляди

34. $4,02 милиона Михаил Клодт. Нощ в Нормандия (1861)

35. $3,97 млн. Павел Кузнецов. Източен град. Бухара (1912 г.)

За Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878–1968), син на иконописец от град Саратов, възпитаник на Московското училище по живопис, скулптура и архитектура (където учи при Архипов, Серов и Коровин), един от организаторите на сдружение Синя роза, една от основните и определено Изток се превърна в най-признатата тема на творчеството сред обществото. Когато първият символистичен период на Павел Кузнецов от 1900-те с полуфантастични изображения на „Фонтани“, „Пробуждания“ и „Раждания“ се изчерпва, художникът отива на Изток за вдъхновение. Спомни си как като дете посещава дядо си в заволжските степи и наблюдава живота на номадите. „Изведнъж си спомних за степите и отиде при киргизите“, пише Кузнецов. От 1909 до 1914 г. Кузнецов прекарва няколко месеца в киргизките степи, с номади, пропити с техния бит и приемайки ги със сродната си, „скитска” душа. През 1912-1913 г. художникът пътува из градовете на Централна Азия, живее в Бухара, Самарканд, подножието на Памир. През 20-те години на миналия век изследването на Изтока продължава вече в Закавказието и Крим.

Резултатът от тези източни пътешествия е поредица от зашеметяващи картини, в които се усеща любовта на "синьо синьо" към синята гама, и символиката на иконите и храмовите фрески, близки до художника от детството, и възприемания опит на художниците. като Гоген, Андре Дерен и Жорж Брак и, разбира се, цялата магия на Изтока. Ориенталските картини на Кузнецов бяха топло приети не само в Русия, но и на изложби в Париж и Ню Йорк.

Голям творчески успех е цикълът от картини "Източен град", нарисувани в Бухара през 1912 г. Една от най-големите картини от поредицата „Източен град. Бухара" през юни 2014 г. беше продаден в MacDougall's за £1,9-3 милиона. Работа с безупречен произход и изложбена история: купена е директно от художника; не сменя местожителството си от средата на 50-те години на миналия век; участва в изложби на "Светът на изкуството", изложба на съветско изкуство в Япония, както и във всички големи ретроспективи приживе и посмъртно на художника. В резултат Кузнецов плати рекордните £2,37 милиона ($3,97 милиона) за картината.

36. $3,82 милиона Александър Дейнека. Героите на първата петилетка (1936 г.)

37. $3,72 млн. Борис Григориев. Овчар от хълмовете (1920)

Борис Дмитриевич Григориев (1886–1939) емигрира от Русия през 1919 г. В чужбина той става един от най-известните руски художници, но в същото време е забравен у дома в продължение на много десетилетия, а първите му изложби в СССР се състоят едва в края на 80-те години. Но днес той е един от най-търсените и високо ценени автори на руския арт пазар, неговите произведения, както живописни, така и графични, се продават за стотици хиляди и милиони долари.

Художникът беше изключително ефективен, през 1926 г. той пише на поета Каменски: „Сега аз съм първият майстор в света.<…>Не се извинявам за тези фрази. Трябва да знаеш кой си, иначе няма да знаеш какво да правиш. Да, и моят живот е свят от труд горе и чувства горе, и моите 40 години доказват това. Не се страхувам от никаква конкуренция, каквато и да е поръчка, каквато и да е тема, всякакъв размер и всякаква скорост.”

Може би най-известни са неговите цикли „Расей“ и „Лица на Русия“ – много близки по дух и различаващи се само по това, че първият е създаден преди емиграцията, а вторият вече в Париж. В тези цикли ни е представена галерия от типове („лица“) на руското селянство: старци, жени, деца гледат намусено директно към зрителя, те привличат погледа и в същото време го отблъскват. Григориев в никакъв случай не е бил склонен да идеализира или разкрасява онези, които рисува, напротив, понякога довежда образите до гротеска. Сред "лицата", рисувани вече в изгнание, към селските портрети се добавят портрети на съвременници на Григориев - поети, актьори от Художествения театър, както и автопортрети. Образът на селската „Раса“ се разшири до обобщаващ образ на изоставена, но незабравена Родина.

Един от тези портрети - поетът Николай Клюев в образа на овчар - стана най-скъпата картина на Борис Григориев. На Sotheby's на 3 ноември 2008 г. „Пастирът на хълмовете“, 1920 г., е продаден за 3,72 млн. долара при оценка от 2,5–3,5 млн. долара. Портретът е авторско копие на изгубен портрет от 1918 г.

Редакционен сайт

Внимание! Всички материали на сайта и базата данни с резултатите от търга на сайта, включително илюстрирана справочна информация за произведения, продадени на търгове, са предназначени за използване единствено в съответствие с чл. 1274 от Гражданския кодекс на Руската федерация. Използването за търговски цели или в нарушение на правилата, установени от Гражданския кодекс на Руската федерация, не е разрешено. сайтът не носи отговорност за съдържанието на материали, предоставени от трети лица. В случай на нарушаване на правата на трети лица, администрацията на сайта си запазва правото да ги премахне от сайта и от базата данни въз основа на искане на упълномощения орган.

Милиони долари за руско и съветско изкуство. Домашни артисти многократно бият рекорди на международни търгове. Има някои закономерности: почти всички са емигранти, а темата за съветското минало е актуална за всички по един или друг начин – десетилетия по-късно на Запад тя се оказва ценна. Най-скъпите съвременни изпълнители са в топ 5 на ТВ канал МИР.

На пето място в класацията е художникът Гриша Брускин. Световната слава дойде при него през 1988 г. - тогава на руския търг "Сотбис" произведението на Брускин "Фундаментален лексикон" беше продадено за рекордната сума от 300 хиляди долара. Това надхвърля прогнозата, тоест първоначалната цена, с 12 пъти. През 1999 г. по покана на германското правителство Брускин създава триптиха „Животът над всичко“ за Райхстага в Берлин. Сега 72-годишният художник живее и работи в Ню Йорк и Москва, а творбите му се съхраняват в големи музеи по света.

На четвърто място в нашата класация е Семьон Файбисович. В продължение на 30 години работата му се излага редовно в Западна Европа и САЩ. Файбисович е художник-фотореалист. За най-скъпата от работата си "Войници" на търга даде 400 хиляди долара. Въпреки факта, че последните години художникът живее в Тел Авив, той посвети цялата си работа на Москва. В своите фото есета той разказва за ежедневието на столицата. В картините му - улиците, кафенетата и гарите. Творбите на Файбисович са в колекцията на Третяковската галерия, в музеи в Германия, Полша и САЩ.

На трето място е дуетът Василий Комар и Александър Меламид. В своите произведения те съчетават принципите на американския поп арт и пародийно преосмислени черти на социалистическия реализъм. Като арт проект те организираха т. нар. „разпродажба на души“ на известни художници. Най-скъпото произведение е "Среща на Солженицин и Бьол в дачата на Ростропович", цената му е 860 хиляди долара. Комар и Меламид живеят в Ню Йорк повече от 40 години, творбите им са в колекциите на MoMM, музея Гугенхайм, музея на изкуствата Метрополитън и Лувъра.

На втория ред на рейтинга - друг представител на "Соцарт", художникът Ерик Булатов. Започва като илюстратор на детски книги, по-късно започва да комбинира предметна живопис с текст в творбите си. От 1992 г. Булатов живее в Париж, той стана първият руски художник, чиято изложба се проведе в Центъра Помпиду. Негови творби се съхраняват и в Третяковската галерия, Руския музей и музея Лудвиг в Кьолн. Най-скъпото произведение "Слава на КПСС" беше продадено за 2 милиона долара. Купих го Роман Абрамович.

На първо място в нашия рейтинг е руският художник. През 2008 г. на търг в Лондон работата му "Бръмбар" беше продадена за 5 милиона 800 хиляди долара. Малко по-евтино излезе "Suite Room" - за 4 милиона 100 хиляди долара. И двете картини се считат за най-скъпото руско изкуство. Иля Кабаков е основателят на Московския концептуализъм, от 1988 г. работи в Ню Йорк в сътрудничество със съпругата си Емилия Кабакова. Именно тя в определен момент настоя да се увеличат цените за работата на съпруга й. Изчислението беше оправдано, сега Кабакови са най-скъпите руски автори.

На търгове на руско изкуствопрез 2004 г. 26 творби на Иван Айвазовски, най-скъпо продаваният художник, спечелиха 6,7 милиона долара. Този рекорд няколко години по-късно беше оспорен от цял ​​списък от картини на домашни художници от първа величина. Според резултатите от продажбата през 2011 г. за първи път произведенията на Иля Репин, като представител на класическата живопис, влязоха в десетката на най-скъпите картини на руски художници. В този преглед арт рейтингът на най-скъпите картини на руски художници.

No 1. Казимир Малевич (1879-1935)

"Супрематична композиция" (1916) - 60 милиона долара (година на продажба - 2008. Sotheby's)
Казимир Малевич е основателят на супрематизма. Благодарение на работата си "Черен квадрат" той придоби световна слава. Но най-скъпото творение на художника е Suprematist Composition (1915), продадено за 60 милиона долара. И колкото и парадоксално да изглежда сега, но по едно време художникът живееше много бедно, дори не получаваше пенсия от Съюза на художниците. Той лично проектира суперматематически ковчег под формата на кръст и завеща да бъде погребан в него с протегнати ръце. Което е направено от неговите ученици.

№ 2. Василий Кандински (1866-1944)

"Етюд за импровизация № 8" (1909) - 23 милиона долара (година на продажба -2012. Christie's)

Кандински - основоположник на абстракционизма, художник, график, поет, теоретик на изобразителното изкуство. Необективното изкуство, космологичните фантазии, експресията, ритмичната декоративност са отразени в творчеството му. На аукционите на Sotheby's през последните десетилетия бяха продадени още 6 картини на художника за общо 52 милиона долара.

№ 3. Марк Шагал (1887-1985)

"Юбилей" (1923) - 16,3 милиона долара (година на продажба - 1990. Sotheby's)
Марк Шагал е признат лидер на авангарда. В следреволюционните години съдбата го хвърля от град на град, от страна на държава. Живее и работи в Германия, Франция, където се занимава с живопис и монументално изкуство. На аукционите на Sotheby's и Christie's през последните десетилетия още четири картини на художника бяха продадени за 32 милиона долара.

No 4. Николай Рьорих (1874-1947)

1. "Madonna Laboris" (1931) - 13,5 милиона долара (година на продажба - 2013 Bonhams)
Интересен е сюжетът на това платно: Пресвета Дева Мария сваля шала си от крепостната стена на Рая, за да въведе тайно човешки души в нея, която апостолът, вратарят на Рая, не пропуска. Това платно неочаквано беше продадено за седем пъти по-висока от първоначалната цена.

И още един удивителен факт: дълги години тази творба беше собственост на американско семейство. А кой е Рьорих, собствениците дори не подозираха. Творческото наследство на Николай Рьорих е 7000 картини. На предишния търг три картини на художника бяха продадени за 7 милиона долара.

No 5. Николай Фешин (1881-1955)

"Малкият каубой" (1940) - около 11,9 милиона долара (година на продажба - 2010 MacDougall's)
Това платно принадлежи към американския период на творчество, когато художникът напуска Русия за щата Ню Мексико, САЩ. През този период художникът рисува много картини, отразяващи живота на каубоите и индианците. И у дома художникът също успя да спечели артистична репутация. Репин - учителят на Фешин, въпреки че не харесва художника, той винаги го признава за несъмнен талант.

No 6. Наталия Гончарова (1881-1962)

"Испанка" (ок. 1916) - около 11 милиона долара (година на продажба -2010. Christie's)

Гончарова е най-яркият представител на авангарда и един от най-търсените руски автори на арт пазара. Творбите на художника са високо оценени и се продават още по-скъпо. През 2007 г. на аукционите на Sotheby's нейните произведения "Береш ябълки", "Дама с чадър", "Цъфтящи дървета" бяха продадени за 12,6 милиона долара, а през 2008 г. цената на картините "Цветя", "Камбани" беше 16,9 милиона долара.

No 7. Иля Машков (1881-1944)

"Натюрморт с плодове" (1910) - около 8,1 милиона долара (година на продажба - 2013. Christie's)
Членът на движението „Диамантово валетче“ – Иля Машков наскоро започна да се котира на търга. Основната стойност на платното „Натюрморт с плодове“ е, че тази картина участва в първата изложба на сдружението „Диамантово валетче“ през 1910 г. А платното, изложено на търг през 2005 г., "Натюрморт с цветя" (1912), беше продадено за 3,4 милиона долара.

No 8. Иля Репин (1844-1930)

"Paris Cafe" (1875) - около 7,7 милиона долара (година на продажба - 2011 Christie's)
Това е ранна картина на Иля Репин, чийто несериозен сюжет предизвика буря от протести от страна на изкуствоведите. Дамата на полусвята, падналата жена, която се осмели да дойде в кафенето без придружител - това беше причината за възмущението. Нито Третяков, нито други колекционери на изкуството се осмелиха да купят тази картина. И едва през 1916 г. "Парижското кафене" е придобито от шведски колекционер. За широката публика това платно е показано само три пъти за 95 години, последното от които е в Москва на изложба преди търга. Тъй като цялото наследство на художника отдавна е продадено на музеи, картините му на търг са много редки. Но шест години по-рано „Семейният портрет“ (1905) беше продаден за 1,9 милиона долара.

No 9. Борис Кустодиев (1878-1927)

"The Carrier" (1923) - около 7,5 милиона долара (година на продажба - 2012 Christie's)
През 1924 г. това ярко платно е един от основните експонати на престижната изложба на руското изкуство в Ню Йорк. Експозицията на изложбата е събрана от творбите на 100 най-добри художници от Русия.
И през 1936 г., превозвачът започва да принадлежи на известния съветски физик Пьотър Капица. Наследниците на учения продадоха тази картина през 2012 г. за $7,5 млн. На предишни търгове в Sotheby's картините „Одалиска“ (1919), „Кънтри панаир“ (1920), „Пикник“ (1920) бяха продадени за общо 8,3 милиона долара

No 10. Василий Поленов (1844-1927)

— Кой от вас е без грях? (1908) - около 7 милиона долара(година на продажба -2011 Bonhams)

Забележително е, че това мащабно платно е авторско копие на оригиналната картина "Христос и грешникът", съхранявана в Руския музей, която някога е била закупена от Поленов от самия император Александър III за 30 хиляди рубли. Копие, изобразяващо епизод от Новия завет, е отнесено в Америка преди около век и се озовава в колекцията на американски университет. След като висеше там в продължение на 80 години, той беше много успешно продаден на търг, което значително компенсира бюджетния дефицит на институцията.

No 11. Константин Сомов (1869-1939)

"Дъга" (1927) - около 6,3 милиона долара (година на продажба -2007 Christie's)
Творбите на Сомов през 1924 г. са включени в експозицията на същата престижна изложба в САЩ като произведенията на Кустодиев. След като представи работата си в Америка, художникът никога не се завръща в Русия - той се установява във Франция. Неговото изящно произведение, празнуващо ерата на Сребърната епоха, има голям успех на търг през последните десетилетия. През предходните две години картините "Руска пасторал" (1922), "Пиеро и дамата" (1923), "Поглед от прозореца" (1934) бяха продадени на аукционите на Christie's за 8,6 милиона долара.

No 12. Василий Верещагин (1842-1904)

"Перлена джамия в Агра" (1870-80) - около 6,2 милиона долара (година на продажба - 2014 Christie's)

Известният художник на баталии Верещагин почти цял живот обичаше ориенталските сюжети. Той донесе много картини и ярки скици от пътуванията си в Централна Азия. През 1888 г. почти всички от 110 експоната на изложбата, организирана за художника в САЩ, са продадени с чука и остават в Америка. Днес на руски търгове платната му се оценяват много скъпо. „Стената на плача“ (1885) и „Тадж Махал. Evening (1876) е продаден за 5,9 милиона долара

No 13. Владимир Боровиковски (1757-1825)

„Портрет на графиня L.I. Кушелева със синовете Александър и Григорий "(1803) - около 5,1 милиона долара (година на продажба - 2014 Christie's)

Това високохудожествено платно на музейно ниво е най-старото в класацията. Първоначално обявената на търг цена беше увеличена шест пъти. Няколко години по-рано официален портрет на граф Кушелев беше продаден за 2,6 милиона долара.

No 14. Иля Кабаков (1933)

"Буболечка". (1985) - около 5 милиона долара (година на продажба - 1998 Phillips de Pury)
Тази картина, за разлика от предишната, е оценена като най-"свежата" картина. На търга за модерно изкуство Phillips de Pury това платно взе рекорд, който не е бил счупен от никого в продължение на 20 години.

No 15. Александър Яковлев (1934-1998)

"Портрет на художника Василий Шухаев в неговото ателие" (1928) - около 4,8 милиона долара (година на продажба - 2007. Christie's)

Това е портрет на най-добрия приятел на художника Яковлев. Руският музей има двоен портрет на приятели, където те играят ролите на Арлекин и Пиеро. През същата година картината на художника „Битката на царете“ (1918) е продадена за 1,8 милиона долара, а в предишната „Три жени в театрална кутия“ (1918) за 1,97 милиона долара.

No 16. Иван Айвазовски (1771-1841)

"Американски кораби при скалата на Гибралтар" (1873) - около 4,6 милиона долара (година на продажба - 2007 Christie's)
Гениалните творби на руския маринист от световна класа са постоянно популярни на световни търгове. Интересен факт: самият Айвазовски е наброявал около шест хиляди свои творби, а днес по света броят им вече е над 60 хиляди. Но както и да е, появата на оригиналните произведения на художника на търгове винаги предизвиква вълнение. През периода 2005-2007 г. десет картини на художника в Sotheby's бяха продадени за 19,7 милиона долара.

No 17. Павел Кузнецов (1878-1968)

Източен град. Бухара "(1928) - около 4 милиона долара (година на продажба - 2014. MacDougall's)
Кузнецов беше ученик на Архипов, Коровин, Серов. Член е на сдруженията "Светът на изкуството", "Съюзът на руските художници", "Четири изкуства". В творчеството си той романтично въплъщава поезията на Изтока. Серията от платна Бухара го постави наравно с художници от много високо ниво.

No 18. Борис Григориев (1886-1939)

"Овчарят в планината" ("Клюев пастирът") (1920) - 3,72 милиона долара (година на продажба - 2008 Sotheby's)
През 20-те години на миналия век художникът има славата на „историк на славянската душа“. В своите творби, като никой друг, той успя да покаже духа и същността на руския характер. От 2000-те години работата му е високо оценена на търг: седем от творбите на художника са продадени за 14,2 милиона долара.

No 19. Кузма Петров-Водкин (1878-1939)

„Натюрморт. Ябълки и яйца" 1921) - 3,6 милиона долара (година на продажба - 2012. MacDougall's)
Творчеството на художника отразява тенденциите на Арт Нуво, символика под формата на религиозни и ориенталски мотиви. Две години по-рано портретът на момчето Вася беше продаден за 2,7 милиона долара.

No 20. Юрий Аненков (1889-1974)

"Портрет на А. Н. Тихонов" (1922) - около 2,26 милиона долара (година на продажба - 2007 Christie "s)

Портретът на писателя Тихонов, приятел на семейство Аненкови, е направен под формата на колаж със стъкло, гипс и естествен звънец на вратата.

След като прегледахме арт рейтинга на най-скъпите руски художници, за пореден път се убеждаваме, че „най-добрият начин един художник да вдигне цената на работата си е да умре“. Само един от горния списък, Иля Кабаков (1933), днес живее в Ню Йорк и е чуждестранен почетен член на Руската академия на изкуствата.

Но времената се променят и сега дори талантливо дете, което рисува картини, може да спечели големи пари от работата си: