В отделе Искусства работает выставка - "Как ангел красоты, являемый с небес". Портрет русских женщин XVIII века - документ человеческой жизни".
Женщин XVIII столетия называли хрупкими бабочками. выпущенными на волю из теремов волей Петра Великого, который энергично прошиб окно в Европу. Хорошо он поступил, или плохо, спорят, и будут спорить, его потомки. К ним относимся и мы с вами. Восемнадцатое "столетье безумно и мудро" представляется неким золотым интерьером, населённым пудреными париками, необъятными кринолинами, красными каблуками и учтивым менуэтом. Словом, полно театральности. Однако именно тогда шла своя, очень энергичная и живая, духовная работа. Великосветская красавица - Венера и Минерва в одном лице. XVIII век будто шагает семимильными шагами - от стеснительных нимф петровских ассамблей до весьма независимых и отважных "смолянок" - женщин новой породы, созданных Екатериной II.
На портретах любимца Петра Ивана Никитина царевна Наталья Алексеевна, царевна Прасковья Ивановна, цесаревна Анна Петровна, сестра, племянница и дочь преобразователя - слегка скованные, умные, впитывающие в себя иноземные науки, пишущие пьесы, выходящие на подмостки собственных сцен, жаждущие отеческого престола. О каждой можно написать книгу.
Спустя примерно полвека на сцену выступили уже настоящие энциклопедистки. Смолянки на полотнах Дмитрия Левицкого безудержно демонстрируют свои таланты. Воспитанница института благородных девиц Катя Молчанова - истинный образ своего века. Гордо выпрямившись, сидит у стола в пышном атласном платье. Лицо с резко оттянутыми висками - уверенное, и такая же улыбка. Полная внутренняя раскрепощённость. Перед девушкой - чудо науки, электрическая машина, в руке книга, заложенная пальцем. Горячий интерес к наукам, искусствам, чnение запоем, переводы с иностранных языков - всё занимает девушку.
Екатерина Орлова, жена того самого, возлюбленного Ектерины II. Портрет юной статс-дамы торжественно-параден. Высоко взбитая прическа. Полыхает алым орденская лента, идущая через плечо. На губах торжествующая улыбка, но есть в ней что-то обреченное. Жена Григория Орлова умерла в молодости от чахотки.
Общий тон блистательному веку задавали императрицы. Тяжёлая, с убогим вкусом и скрытным сердцем Анна Иоанновна. Поверхностно-весёлая, бесшабашная, но умная и скрывающая свой практический ум под лукавой маской Елизавета Петровна. Не зря на гравюре Евграфа Чемесова, мастера психических характеристик, в её приятном лице так мало традиционной беззаботной весёлости вечно танцующей пухленькой красотки. Что-то тревожит её, будто властительница не может найти покоя. Елизавета то и дело меняла дворцы и в них опочивальни, и даже в церкви не могла долго стоять на месте. Была ли Петрова дщерь духовно одинокой, хотя беззаветно любила сама и её преданно любили?
Екатерина Великая - законодательница на портрете Д. Левицкого. С самого начала царствования представления о ней были неоднозначны. Её боготворили и ненавидели. В чем причина? В знаменитом ли лицемерии императрицы, в умении обвораживать и обманывать? Необходим суд беспристрастный. Особенно в нынешний год 400 - летия Романовых. Екатерина "наказ писала, флоты жгла", вырабатывала ежедневно новые законы. В 1768 году решила привить себе оспу. Чтобы понять значение сего поступка, надо знать, что это была за болезнь, косившая людей тысячами и уродовала лица тех, кому посчастливилось выжить. Против прививок же восставало духовенство, и сами медики, не говоря уже о простом народе. А вот Екатерина вступила в борьбу с самой смертью, начав с себя, сына Павла и фаворита Орлова, вводить в стране оспенную прививку. Лучшим детищем Екатерины стал Эрмитаж, родившийся в 1764 году как частная коллекция. В окружении полотен Рембрандта, Рубенса, Рафаэля, античных статуй и камей, царица собирала узкий кружок друзей.
Вглядитесь в лица, постарайтесь глубоко проникнуть в духовный мир дам блистательного 18 века - тех, кому дали право на высокую нетленную жизнь знаменитые художники.

Никитин И. Царевна Прасковья Ивановна

Никитин И. Цесаревна Анна Петровна

Луи Каравакк. Императрица Анна Иоанновна

18-й век - это период, в который происходили колоссальные преобразования во всех сферах: политической, социальной, общественной. Европа вносит в русскую живопись новые жанры: пейзажный, исторический, бытовой. Реалистическое направление живописи становится преобладающим. Живой человек - герой и носитель эстетических идеалов того времени.

В историю искусств 18-й век вошел как время живописных портретов. Иметь свой собственный портрет хотели все: от царицы до обычного чиновника из провинции.

Европейские веяния в русской живописи

Известные русские художники 18 века были вынуждены следовать западной моде по велению Петра I, который хотел европеизировать Россию. Он придавал большое значение развитию изобразительного искусства и даже планировал построить специализированное учебное заведение.

Русские художники 18 века осваивали новые приемы европейской живописи и изображали на своих полотнах не только царей, но и различных бояр, купцов, патриархов, которые старались не отставать от моды и часто поручали местным художникам нарисовать портрет. При этом художники того времени старались обогащать портреты предметами быта, элементами национального костюма, природой и прочее. Внимание акцентировалось на дорогой мебели, больших вазах, роскошных одеждах, интересных позах. Изображение людей того времени воспринимается сегодня как поэтический рассказ художниками о своем времени.

И все-таки ярким контрастом отличаются портреты русских художников 18 века от портретов приглашенных иностранных живописцев. Стоит упомянуть, что для обучения русских художников приглашались художники из других стран.

Виды портретов

Начало 18-го века ознаменовано обращением художников-портретистов к полупарадным и камерным видам Портреты живописцев второй половины 18 столетия дают начало таким видам, как парадный, полупарадный, камерный, интимный.

Парадный отличается от других изображением человека в полный рост. Блеск роскоши - как в одежде, так и в предметах быта.

Полупарадный вид - это изображение модели по колено или по пояс.

Если человек изображен на нейтральном фоне по грудь или пояс - то этот вид портрета называется камерным.

Интимный вид портрета предполагает обращение к внутреннему миру героя картины, при этом фон игнорируется.

Портретные образы

Часто русские художники 18 века были вынуждены воплощать в портретном образе представление заказчика о самом себе, но никак не действительный образ. Важным было учесть общественное мнение о том или ином человеке. Многие искусствоведы давно сделали вывод, что главным правилом того времени было изображение человека не столько таким, каким он являлся на самом деле, либо таким, каким бы он хотел быть, а таким, которым он мог быть в своем лучшем отражении. То есть в портретах любого человека старались изобразить как идеал.

Первые художники

Русские художники 18 века, список которых в общем-то невелик, - это, в частности, И. Н. Никитин, А. П. Антропов, Ф. С. Рокотов, И. П. Аргунов, В. Л. Боровиковский, Д. Г. Левицкий.

Среди первых живописцев 18 века - имена Никитина, Антропова, Аргунова. Роль этих первых русских художников 18 века была незначительна. Она сводилась лишь к написанию огромного количества царских изображений, портретов российских вельмож. Русские художники 18 века - мастера портретов. Хотя часто они просто помогали иностранным мастерам расписывать стены большого количества дворцов, изготавливать театральные декорации.

Имя живописца Ивана Никитича Никитина можно встретить в переписке Петра I со своей женой. Его кисти принадлежит портрет самого царя, канцлера Г. И. Головина. В его портрете напольного гетмана нет ничего искусственного. Внешность не изменена ни париком, ни придворной одеждой. Художник показал гетмана таким, как в жизни. Именно в жизненной правде заложено главное достоинство портретов Никитина.

Творчество Антропова сохранилось в образах Андреевского собора в Киеве и портретах в Синоде. Эти произведения отличает склонность художника к желтому, оливковому цветам, ведь он живописец, который обучался у мастера иконописи. Среди его известных работ - портреты Елизаветы Петровны, Петра I, княгини Трубецкой, атамана Ф. Краснощекова. Творчество Антропова соединило в себе традиции самобытной русской живописи 17-го века и каноны изобразительного искусства Петровской эпохи.

Иван Петрович Аргунов - известный крепостной портретист графа Шереметьева. Его портреты изящны, позы изображенных им людей свободны и подвижны, все в его творчестве точно и просто. Он творец камерного портрета, который впоследствии станет интимным. Значимые работы художника: четы Шереметьевых, П. Б. Шереметьева в детстве.

Не стоит думать, что в то время в России не существовало больше никаких жанров, но великие русские художники 18 века самые значительные произведения создавали все-таки в жанре портрета.

Вершиной 18-го века стало творчество Рокотова, Левицкого и Боровиковского. Человек в портретах художников достоин восхищения, внимания и уважения. Человечность чувств выступает отличительной чертой их портретов.

Федор Степанович Рокотов (1735-1808 гг.)

Почти ничего не известно о Федоре Степановиче Рокотове, русском художнике 18-го века из крепостных князя И. Репнина. Портреты женщин этот художник пишет мягко и воздушно. Внутренняя красота прочувствована Рокотовым, и он находит средства воплощения ее на холсте. Даже овальная форма портретов только подчеркивает хрупкий и нарядный облик женщин.

Главный жанр его творчества - полупарадный портрет. Среди его работ - портреты Григория Орлова и Петра III, княжны Юсуповой и князя Павла Петровича.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822 гг.)

Известный русский художник 18-го века - Дмитрий Григорьевич Левицкий, ученик А. Антропова, смог чутко уловить и воссоздать в своих картинах душевные состояния и особенности людей. Изображая богачей, он остается правдивым и непредвзятым, его портреты исключают угодливость и ложь. Его кисти принадлежит целая галерея портретов великих людей 18-го века. Именно в парадном портрете Левицкий раскрывается как мастер. Он находит выразительные позы, жесты, показывая знатных вельмож. Российская история в лицах - так часто называют творчество Левицкого.
Картины, принадлежащие кисти художника: портреты М. А. Львовой, Е. И. Нелидовой, Н. И. Новикова, четы Митрофановых.

Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825 гг.)

Русские художники 18-19 века отличаются обращением к так называемому сентиментальному портрету. Художник Владимир Лукич Боровиковский пишет задумчивых девушек, которые на его портретах изображены светлыми красками, они воздушны и невинны. Его героини - не только русские крестьянки в традиционных нарядах, но и уважаемые дамы высшего общества. Это портреты Нарышкиной, Лопухиной, княжны Суворовой, Арсеньевой. Картины несколько схожи, но забыть их невозможно. отличает удивительная тонкость передаваемых характеров, почти неуловимые особенности душевных переживаний и объединяющее все образы чувство нежности. В своих работах Боровиковский раскрывает всю красоту женщины того времени.

Наследие Боровиковского очень разнообразно и обширно. Есть в его творчестве как парадные портреты, так и миниатюрные, и интимные полотна. Среди работ Боровиковского наиболее известными стали портреты В. А. Жуковского, Г. Р. Державина, А. Б. Куракина и Павла I.

Картины русских художников

Картины 18 века русских художников написаны с любовью к человеку, его внутреннему миру и уважением к нравственным достоинствам. Стиль каждого художника, с одной стороны, очень индивидуален, с другой же - имеет несколько общих черт с другими. Этот момент определил тот самый стиль, который подчеркивает характер искусства России в 18-м веке.

Наиболее 18 века русских художников:

1. «Юный живописец». Вторая половина 1760-х гг. Автор Иван Фирсов - самый загадочный художник 18-го века. На картине изображен мальчик в мундире, который пишет портрет маленькой красивой девочки.
2. «Прощание Гектора с Андромахой», 1773 г. Автор Антон Павлович Лосенко. Последняя картина художника. На ней изображен сюжет из шестой песни «Илиады» Гомера.
3. «Каменный мост в Гатчине у площади Коннетабля», 1799-1801 гг. Автор Семен Федорович Щедрин. На картине изображен пейзажный вид.

И все-таки

Русские художники 18 века все же старались раскрыть правду и подлинные характеры людей, несмотря на условия крепостного права и желания богатых заказчиков. Жанр портрета в 18-м веке воплотил специфические черты русского народа.

Несомненно, можно сказать, что, как бы художественное искусство 18-го века ни было подвержено влиянию европейской культуры, все-таки оно привело к развитию национальных русских традиций.

Месяц март, который считается месяцем истории женщин, подходит к концу. И в честь его вот такая подборка. 10 из многих революционных женщин-художниц, которые своим творчеством сделали мир более красивым местом, и более равноправным для половины человечества.

Это женщины-художницы, воплотившие идею феминистского искусства задолго до того, как термин был придуман. Были ли они в искусстве во время итальянского Возрождения или в 19 веке Нью-Йорке, их творчество доказывает, что женщины всегда способны вносить свой значительный вклад в мировую копилку искусства.
На первой репродукции Портрет Алисы Лидделл работы Камерон

1. Джулия Маргарет Камерон

Джулия Маргарет Кэмерон (Julia Margaret Cameron) было 48 лет, когда в её руки впервые попала фотокамера. Было это ещё в позапрошлом веке, в далёком 1868 году. Но за короткие 11 лет своей карьеры фотохудожника, Джулия добилась многого.

Кажется, что ее мечтательные портреты специально упивалются недостатками фото, она использует размытия и туман, чтобы вызвать в воображении зрителей четкую сущность человека над миметическим (греч. mimetes — подражатель) сходством. Думаю, что если кого-то в этом списке и любили бы Instagram, это была бы Камерон.

2. Проперция де Росси

Проперция де Росси (1491—1530) родилась в Болонье и всю свою жизнь там проработала.

Наверно, она была п ервой женщиной, разрушившей стереотипы общества эпохи Возрождения. Болонская художница и скульптор, которая без оглядки на прошлое и настоящее занималась поистине мужским занятием - резьбой по камню, обработкой мрамора и а также гравюрой.

Еще девочкой она начинала свой путь с резьбы персиковых косточек, которые казались по тонкости работы и изящной манере удивительным чудом.
На столь крошечной косточке Росси удавалось передать все страсти Христовы, выполненные прекраснейшей резьбой с бесчисленным количеством действующих лиц.

3. Элизабетта Сирани

Родилась в 1638 году. Хотя она умерла в молодом возрасте 27, Sirani создала более 200 картин в течение своей жизни, сочетая драматический темный-фон с острыми, яркими цветами и изображениями мощных героинь.

Дочь художника болонской школы Джованни Андреа Сирани, одного из ближайших учеников и сотрудников Гвидо Рени. Начала заниматься живописью в 12 лет под влиянием ценителя и историка искусства Карло Чезаре Мальвазии, впоследствии включившего её биографию — единственной женщины — в свою известную книгу о художниках Болоньи (1678).

Отец поначалу относился к этим занятиям скептически, но год спустя принял дочь в мастерскую. Уже к 17-ти годам она стала вполне сложившимся живописцем и гравёром, с этого времени вела тетрадь, в которую записывала все свои работы.

Её манера близка к Гвидо Рени, их произведения несколько раз путали: так известный предполагаемый портрет Беатриче Ченчи работы Сирани долгое время приписывался Рени.

4. Эдмония Льюис

Американская женщина-скульптор афро-индейского происхождения

Родилась в г. Олбани в 1844 году. Отец — афроамериканец, мать — из индейского племени чиппева. Оба родителя умерли, когда она была ребёнком. Эдмония вместе со старшим братом жили в семье родственников матери в Ниагара-Флос. Через три года брат предложил ей отказаться от работы на дому и поступить в школу.

Училась в подготовительном Оберлин-колледже в Огайо — одном из первых учебных заведений США, куда принимали женщин различных рас. Именно там Эдмония заинтересовалась скульптурой и начала свою карьеру в искусстве.

Тем не менее, она сталкивается с дискриминацией в течение всего ее образования - в ​​ том числе ее избивали и обвинили в отравлении однокласснико в. После окончания, она переехала в Бостон, чтобы продолжить работу, а именно воссоздать аболиционистов и героев гражданской войны.

В конце концов она провела большую часть своей творческой карьеры в Риме, где создала красивые мраморные скульптуры в неоклассической традиции. Наиболее известна по мраморной скульптуре, "Смерть Клеопатры", и мы можем понять, почему. Форма имеет всю драму Микеланджело.

5. Джудит Лейстер

Родилась в 1609 году в Гарлеме, Нидерланды, стала первой женщиной-художником, зарегистрированной в Харлемской гильдии Святого Луки.
Она наиболее известна своей "Self-Portrait". Славится игривой текучестью, в то время, когда большинство женских портретов были жесткими и серьезными.

6. Софонисба Ангиссола

Родилась в 1532 году.
Anguissola, старшая из семи детей, благородного происхождения, а отец заверил ее, что она будет иметь лучшее образование в любом направлении, которое выберет.

Он, видимо, был человеком слова, и Микеланджело стал для Anguissola неофициальным наставником. Она получила большие возможности из-за богатства и статуса, но по-прежнему лишена многих возможностей как художник, потому что она была женщиной.
Например, потому, что считалось неподходящим для женщины смотреть на обнаженные модели.

В последние годы жизни Ангиссола писала не только портреты, но и полотна на религиозные темы, как и в дни своей юности. Однако многие ее картины были впоследствии утрачены.
Удачная торговля ее мужа и щедрая пенсия от Филиппа II позволили ей свободно заниматься живописью и комфортно жить. Она была ведущим портретистом в Генуе, пока не переехала в Палермо в последние годы жизни. В 1620 она создала свой последний автопортрет.

7. Святая Екатерина Болоньи

Родилась в 1413 г. Художник, монахиня и, как вы уже догадались, святая. Она выросла хорошо обученной в рисунке, и с образованием, как дочь аристократа, служила в качестве фрейлины до ухода в монастырь.
Теперь ее считают покровительницей художников.
Многое художники приезжали к ней с визитом учиться и делиться мнениями о направлениях в развитии искусства.
Она создала свой собственный стиль, которому многие художники стремились подражать.
Её успех открыл путь в художники других женщинам эпохи Ренессанса, таким как Лавиния Фонтана, Барбара Лонги, Феде Галиция и Артемизия Джентилески.

8. Левина Теерлинк

Родилась в 1593г.
Джентилески, дочь художника, выросла в мастерской своего отца в детстве.
В 18 лет была изнасилована художником Агостино Тасси, работающим с ее отцом, и подверглась допросу, унижениям и даже пыткам, желая добиться осуждения преступника.

После семимесячного судебного разбирательства, мучительного для Артемизии, Тасси был признан виновным и приговорён к году тюрьмы.

Выйдя замуж за художника Пьерантонио Стиаттеси (брак устроил её отец), Артемизия в том же 1612 году переехала во Флоренцию.

Феминистское творчество Джентилески, наполнено героическими женщинами. Ее эстетика одинаково смелая и сильная, она сторонится традиционных представлений о женской слабости.
Часто ее полотна сочетают сексуальность и насилие, например, «Джудит убивает Олоферна».

…Дыша духами и туманами, она садится у окна…

Александр Блок «Незнакомка» (1906)

Макаров Иван Кузьмич.Портрет неизвестной.1885 .

История русской портретной живописи - уникальное явление в истории мировой культуры в целом, ведь своими корнями она уходит в православную иконопись и питается плодородной почвой глубоко религиозной духовности. Если в Западной Европе искусство портрета восходит к греко-римским античным образцам, то есть - в дохристианские времена, то в России изначально образцами для создания портретов служили именно принципы иконописи. Здесь можно было бы, конечно, и поспорить, все-таки и русские портретисты были хорошо знакомы с античной культурой, копировали многочисленные «антики» - учились рисунку, изображая греческие и римские скульптурные портреты и статуи древних божеств. Но, оттачивая владение техническими приемами живописи по западному образцу, во внутреннем содержании художники оставались всеми нитями связанными с православной духовностью, и телесность изображений, столь свойственная европейским шедеврам живописи, отходила на второй план. Первые портреты в истории русской живописи появились сравнительно (в исторической перспективе) недавно - в XVII веке. Они получили название - «парсуна» (см следующий пост). Одна из первых «парсун» - «Портрет царя Федора Иоанновича» начала XVII века, из коллекции Государственного исторического музея в Москве. Как нетрудно догадаться название «парсуна» - от слова «персона». Тогда это было невиданное новшество - изображались реально существующие люди, а не иконописные библейские образы и сцены.

В.Л.Боровиковский.Портрет Е.В.Родзянко. 1821

В прежние времена считалось недопустимым эгоизмом изображать современников. Однако же, неслучайно между художниками бытует мнение, что любая картина - это автопортрет. Как бы ни желал художник быть объективным, отречься от своего «эго» во имя чистоты образов, все равно, в каждом произведении он выражает себя, одухотворяет все собственной духовной энергетикой. В искусстве русского портрета - авторское начало переплетается с проникновением художника в глубины внутреннего мира и с желанием выразить ту искру Божию, что изначально заложена в каждом человеке. Это заметно уже в тех самых похожих на традиционные иконы «парсунах», имена авторов которых, к сожалению, канули в лету. И в последующие века, когда в русском искусстве стали превалировать западноевропейские академические принципы, а затем - тенденции романтизма и реализма, русское портретное искусство не утрачивало своей православной основы в глубине внутреннего содержания образов. Особенно проявилось это в желании узреть «свет Божий» в потемках человеческой души, в коей земное, телесное и мирское непременно озарено живой духовностью. Идеи поиска «искры Божией» в земном мире всегда были близки православной культуре, но своей кульминации они достигли во второй половине XIX века, когда именно они стали ключевым аспектом в исканиях творческой интеллигенции - вспомним выдающиеся произведения Ф.М. Достоевского и Л.Н. Толстого.

Яркими, своеобразными, то поражающими своей внутренней силой, то трогающими своей ранимостью, то удивляющими экстравагантностью предстают перед нами образы женщин, созданные художниками конца XIX века. Пожалуй, при всем разнообразии характеров, темпераментов, внешних качеств изображаемых на портретах женщин, главное свойство, что их объединяет, можно назвать словом «марийность», то есть в каждой женщине художник (осознанно или нет) выражает нечто такое, что роднит её с библейской Марией… Только вот с какой именно - Девой Марией или же Марией Магдалиной, спросит внимательный читатель и будет совершенно прав. Но нет на это однозначного ответа - ведь в женской природе переплетаются сущности обеих. Да, а поскольку, искусство конца XIX века тяготеет к реализму, то и свойство «марийности» - отображение обоих начал, и загадочной чистоты, непорочности, и грешности, мирской слабости, которая искупается силой божественного всепрощения и милосердия. Дилемма между образами Девы Марии и Марии Магдалины подспудно присутствует и в женских образах, созданных мастерами слова - например, хрестоматийная Сонечка Мармеладова. Вспомните, сколько в её жизни грязи земного греха и сколько силы самопожертвования! Или Настасья Филипповна - то демоническая женщина, то воплощение сострадания, милосердия и чуткости. В портретном искусстве, особенно - в женских образах, созданных в конце XIX века, реалистические принципы не сводятся до копирования натуры и отображения психологических качеств, они тесно связаны со всей сложностью философско-религиозных и интеллектуальных исканий, которые царили тогда в среде творческой интеллигенции.

Образ таинственной незнакомки, воспетый Александром Блоком в 1906 году, словно предвосхитил своей картиной И.Н. Крамской в своей картине 1883 года. Не она ли это - «медленно, пройдя меж пьяными, всегда без спутников, одна, дыша духами и туманами, она садится у окна». Словно дежавю, вспоминаются строки из стихотворения А. Блока при взгляде на знаменитую картину И.Н. Крамского. Женщина с портрета несколько надменно смотрит на зрителя, с высоты своей кареты. Кто она и куда она едет? Мы можем только догадываться, строить собственные выводы и предположения. Может, она дама полусвета, спешащая на бал, может - невеста или жена какого-нибудь чиновника или купца. Так или иначе, её социальное положение не должно по мысли художника интересовать зрителя. Если в XVIII веке отображение социального положения в любом портрете считалось совершенно необходимым, то в конце XIX века на первом плане - личность, со всей сложностью внутренней духовной жизни и с неповторимостью индивидуальных черт внешности. И сам И.Н. Крамской в начале своего творческого пути стремился передать социальное положение, но все же, и в ранних его женских портретах превалировало одухотворенное размышление над индивидуальностью и неповторимостью женской красоты. Каждый раз модель словно бы диктовала художнику новый подход, и мастеру приходилось искать подходящий художественный язык для правдивого воплощения портретного образа и для достижения глубины проникновения в духовный мир модели.

Так, в портрете Е.А. Васильчиковой (1867 г.) художник передает очарование женственности, чистоту юности, вдохновляющую энергетику красоты и внутренней душевной гармонии.

И.Н. Крамской. Портрет Е.А. Васильчиковой. 1867 г .

Приглушенные тона бардового и коричневатого фона вызывают в памяти работы старых мастеров, но непосредственность и естественность её фигуры, изящная небрежность жеста, выразительная проницательность взгляда - все это говорит о новых для того времени реалистических тенденциях в искусстве. В портрете же «Незнакомки» реалистические принципы несколько растворены и одухотворены отголосками неоромантических веяний и поэтичной таинственностью. Приверженность И.Н. Крамского реалистическому течению в живописи (а он был видным представителем знаменитого Товарищества передвижных художественных выставок) проявляется здесь в абсолютной выверенности композиции, в которой все подчинено созданию возвышенно-замкнутого образа. Плавная линия силуэта незнакомки, правильный овал её лица концентрируют на себе внимание зрителя, а четко очерченное пространство, замыкаемое спинкой кареты, неотделимо от пластически-объемной моделировки.

Константин Маковский Женский портрет. 1890- е

Хотя перед нами и обобщенный образ «незнакомки», но как поразительно индивидуальны черты её лица. В её взгляде то ли презрение, то ли сострадание, то ли грусть, то ли холодность - загадка. Мастерски решен колорит картины, помогающий нам - нет, не разгадать эту загадку, а бесконечно восхищаться невозможностью её разгадать. Темно синий бархат и шелк её одежды - как намек на соседство в её образе бархатной нежности и холодности шелка - подчеркивают благородную бледность кожи и естественную красоту румянца. Золотистая спинка открытой кареты добавляет в колорит картины теплоту, но блики и отсветы словно бы приглушают теплые оттенки, подчеркивая как холодность погоды, так и странную внутреннюю холодность модели, вызванную наносными влияниями светской моды или же какими то глубоко личными переживаниями. Фигура женщины ярко выделяется на фоне запорошенного снегом города, и только белые перья на шляпе зрительно связывают её с окружающим пространством. В её образе сквозит тоска одиночества, она - идеал, которому чужд бренный мир, и, в то же время, она - всего лишь краем глаза подсмотренный образ современницы художника. И. Н. Крамской передает нам в этом произведении и свою грусть, вечную тоску художника по идеалу и совершенству, - словно бы вдохновение, совершенство едва уловимому, мимолетному. Ещё мгновение, и невидимый кучер погонит лошадей, и карета, везущая незнакомку в неизвестность, растает и исчезнет в снежной пелене… Да, красавица исчезнет, но останется мечта, запечатленная на века чуткой кистью мастера.

Однако же, не стоит думать, что во вторую половину XIX века художники только и вдохновлялись образом незнакомок, таинственностью женской души, внутренней загадкой. Очень активно в этот период проявила себя и противоположная тенденция - изображение женщин социально активных, деятельных, сильных, даже мужественных и несколько грубоватых. После отмены крепостного права и целого ряда реформ, стремительными темпами стала повышаться роль женщин в общественной жизни. И художники этого периода мастерски передают нам образы женщин, исполненные ощущения собственного достоинства, значимости, гордости, силы и независимости.

Так, на картине К.Е.Маковского 1879 года перед нами - владелица старинной усадьбы Качановки, расположенной на границе Полтавской и Черниговской губерний. Софья Васильевна Тарновская - жена весьма влиятельного украинского мецената и коллекционера Василия Тарновского, страстного любителя искусства, увлеченного музыкой (он даже владел собственным оркестром и театром) и литературой, и, конечно же, живописью. Он и пригласил художника погостить в своей усадьбе, а заодно - и написать для него ряд картин, среди которых - портрет своей любимой жены, активно поддерживавшей деятельность мужа и разделявшей его интересы. Художник раскрывает зрителям скрытые черты характера модели.

К.Е. Маковский. Портрет С.В. Тарновской. 1879 г.

На портрете - статная, уже немолодая, но волевая женщина. В её взгляде некоторая надменность сочетается с душевной мягкостью, свойственной провинциальным женщинам, не очерствленным выхолощенной светской суетой столичных городов. Темно-бардовая ткань, служащая фоном, напоминает театральные кулисы - вполне возможно, С.В. Тарновская позировала художнику в помещении усадебного театра. А художник, в свою очередь, напоминает зрителям, сколь похожа наша повседневная жизнь на сценическое действо. Темно-зеленый цвет ткани одежды в некоторых местах художник доводит до глубокого черного цвета, тем самым подчеркивая резкость падающей тени и оживляя общую светотеневую моделировку объемно-пространственных решений. В таком подходе чувствуется вдохновленность мастера шедеврами Рембрандта. И по своему чуткому психологизму К.Е. Маковский близок прославленному голландскому живописцу. В спокойствии жестов и статности осанки ощущается внутренняя уверенность и особое природное, а не наигранное, благородство души. Немного вздернутый носик свидетельствует о проявлении капризности, но в общей мягкости черт лица читается простота и умиротворенность.

Илья Репин.У рояля.Портрет С.В.Тарновской.1880.

Ярким примером реалистического женского портрета рассматриваемого периода является «Портрет Ольги Сергеевны Александровой-Гейнс», созданный И.Е. Репиным в 1890 году. Художнику явно интересен образ этой женщины, словно бы воплотивший новые социальные реалии того времени: перед нами деятельная, волевая, сильная, даже в какой-то степени суровая женщина, осознающая свою важность и без сомнения гордая этим. И.Е. Репин, представитель прогрессивного Товарищества передвижных художественных выставок, тяготел в своих работах к жанровому началу. В созданных им портретах практически не встречается нейтральный фон, - он изображает модель в типичном для нее окружении, чтобы глубже раскрыть её внутренний мир, показать зрителю атмосферу, среду, с которой модель находится в неразрывной связи. Здесь фон разработан И.Е. Репиным как нельзя более детально.

И.Е. Репин. Портрет О.С. Александровой-Гейнс. 1890 г.

Позолоченная рама картины, скатерти и ковры, расшитые золотой нитью, золоченые переплеты книг на столе, - все это создает атмосферу роскоши, восточного шика, столь близкого вкусу дочери казанского купца С.Е. Александрова. Красота купеческого зажиточного быта с огромным вниманием показана художником. Его пытливый взгляд не упускает из виду и привезенные из дальних стран вещи. Наше внимание привлекает, например, гигантская декоративная перламутровая раковина на стене, вероятно, из Юго-Восточной Азии, или же прекрасный иранский ковер, напоминающий изысканность колорита персидских миниатюр. Будучи за мужем за военным инженером генералом-губернатором Казани А.К. Гейнсом, Ольга Сергеевна активно занималась благотворительностью и коллекционированием картин и гравюр русских и иностранных художников. Произведения И.Е. Репина отличает, в чем нетрудно убедиться на рассматриваемом здесь примере, способность увидеть человека во всей сложности его внутреннего мира и своеобразии внешнего облика.

В колористическом решении этого портрета особенно поражает нас обилие различных золотистых оттенков, то «кричащих», словно бы вспыхивающих на свету, то спокойно мерцающих, то приглушенных и едва различимых, плавно переходящих в другие тона. Черный бархат платья не только ловко скрывает полноту фигуры женщины, но и делает её силуэт отчетливо читающимся в контексте сложно выстроенного художественного пространства фона. Динамика живописного почерка отчетливо проступает в передаче орнаментов - И.Е. Репин не передает их точно, не уподобляется авторам старинных персидских миниатюр, а крупными мазками намечает изгибы орнаментальных линий, донося до зрителя не графичность их образа, а особую подвижность и выразительность, музыкальность и поэтичность, что сродни изысканному ритму восточной поэзии. Витиеватые линии орнаментов на скатерти, на ковре, на переплетах книг создают подвижный размеренный ритм, а силуэтная линия словно бы подчиняет себе этот ритм, концентрируя зрительское внимание. Костюм героини кажется неуместно строгим на столь ярком и тщательно разработанном фоне, увлекающем наш взгляд разнообразием узоров и эффектной роскошью. Однако, сложность кружевных узоров воротника и рукавов словно бы вторит линиям орнаментов, которыми так богат фон. Стоит обратить внимание на постановку фигуры. Поза выражает внутреннюю твердость характера, уверенность в себе, спокойствие и самодовольство. Перед нами волевая, независимая, несколько грубоватая, но творческая натура. Похоже, что она была левша - ведь веер она держит в левой руке. А это так же признак неординарности, самостоятельности и творческого начала. Правой рукой Ольга Сергеевна подпирает голову, будто бы отягощенную множеством размышлений, а левая рука - рука человека, привыкшего давать указания, держит сложенный веер, опущенный вниз. Ольга Сергеевна словно бы задумалась на несколько минут, присела отдохнуть, но ещё мгновение - и она взмахнет веером, но не чтобы кокетливым жестом водить вокруг лица с манерами салонной барышни, а чтобы давать распоряжения в своих владениях, используя его как указку и подчеркивая значимость и эмоциональную выразительность своих слов.

Черты лица на первый взгляд могут показаться грубыми. Однако же, при внимательном рассмотрении мы заметим не только сильный интеллект, купеческую расчетливость, силу воли, но и легкую грусть, и усталость во взгляде. Гордость, надменность и некоторая холодность не заслоняют естественную женственность, а придают ей особый вкус. Эта женственность - в аккуратности прически, в блеске глаз, в чуть приподнятых изгибах бровей, в припухлости губ и в едва уловимом румянце щек. За холодной и расчетливой хозяйкой И.Е. Репин сумел рассмотреть чуткую женскую душу, в основе своей, конечно же, мягкую и ранимую, но умело замаскированную суровостью, непреклонностью и нарочитой деловитостью. Портрет Ольги Сергеевны, созданный выдающимся русским живописцем, отличается человечностью, поэтичной и одновременной реалистичной выразительной глубиной, непревзойденностью мастерства и поразительной силой таланта.

Лиричный и загадочный мир чувств и переживаний женщины отображает в своем творчестве В.А. Серов, смело открывший новые возможности живописной выразительности красок, сочетая во многих своих работах импрессионистическую свежесть и непринужденность стремительных мазков с высокой степенью реалистического обобщения и четкости передачи натуры, с правдивой жизненной убедительностью создаваемых образов. Световоздушная среда в его портретах создает эмоционально насыщенное пространство, гармонирующее с внутренним миром модели. В рассматриваемых нами здесь портретах мы без труда замечаем всё пронизывающий свет, легкий и серебристый, смягчающий пластическую форму и обогащающий палитру многообразием оттенков. Подобно французским импрессионистам, В.А. Серов насыщает светоносной силой каждый мазок своей кисти. В портрете З.В. Мориц, написанном в 1892 году, В.А. Серов словно бы «согревает» светом в общем-то холодноватый колорит. Фиолетовый цвет в гамме считается самым холодным, в противоположность красному - самому «теплому», даже - «горячему», цвету. Но холодный фиолетовый фон насыщен множеством отсветов, так называемых «рефлексов», которые привносят мажорные ноты в общее меланхолично минорное, проникнутое тонкой лиричной грустью, звучание колорита. Цвета увидены художником в их изменчивости, импрессионистической иллюзорности. Ощущение тревожной подвижности усиливается порывисто написанными перьями шали, словно бы трепещущими на холодном ветру.

В.А. Серов. Портрет З.В. Мориц. 1892 г .

Эмоциональность образу З.В. Мориц придает и светотеневое решение, и особая постановка фигуры, легкий поворот головы, чуть приподнятый вверх подбородок. Откинувшись в кресле, она обращена к зрителю. Этот момент общения со зрителем вообще составляет особенность многих портретов В.А. Серова. Портрет поражает точностью образа, остротой глаза художника, импровизационной легкостью удачно сочетающейся с высоким профессионализмом и виртуозной продуманностью колористического и композиционного решений. Игра света на ожерелье слегка оттеняет аристократическую белизну кожи. Простые и типические черты лица преображены художником - он одухотворяет их внутренней сосредоточенностью, поэтичностью, гармонирующей с общим настроением, царящим в картине.

В.А. Серов, в каждой своей работе использует принципы пленэрной живописи, подчеркивая тем самым естественность и особую изящную легкость изображений, а так же тесную связь модели с окружающим её пространством. Своим творчеством он утверждает собственное понимание образа женщины и средств его живописного воплощения. Непосредственная и дышащая красотой юности девушка предстает на картине «Девушка, освещенная солнцем».

В.А. Серов. Девушка, освещенная солнцем. 1888 г.

Модель кажется не позирующей, а словно бы живущей в этом живописном пространстве. Колорит картины построен на гармоничном сопоставлении сближенных золотисто-зеленых, коричневатых тонов в летней природе, розоватых тонов в лице и бледно-желтоватых, а так же синих - в одежде. Белый цвет блузы девушки преображен игрой световых рефлексов, в нем словно бы радугой разлились все оттенки солнечных бликов, пробивающихся сквозь листву могучего дерева. Портрет выразителен и в силуэтном решении. Лицо очерчено пластически выразительной плавной линией, текучей, переходящей в общую линию силуэта фигуры. Здесь мы находим темпераментность письма, звучность красочной гаммы, поэтичную чувственность.

Портрет написан мастером будто бы на одном дыхании, хотя над ним работал художник целое лето, заставляя позировать свою терпеливую кузину почти каждый день. Видимая артистичная легкость и естественность достигнута художником чуткостью и мастерством, наблюдательностью и способностью удивительно тонко видеть, чувствовать и воплощать как зрительные впечатления от окружающего мира, так и внутренний душевный мир изображенной модели.

Внимательное изучение и вдумчивое отображение в творчестве многих художников и писателей того времени жизни народа, быта и нравов, выдвинуло на одно из первых мест в художественной среде того времени социально-бытовой жанр. Заметной тенденцией в живописи женского портрета изучаемого периода стал интерес художников к образам женщин из народа, а не только к «светским львицам», богатым заказчицам, или же прекрасным незнакомкам. По-сути, эти образы тоже можно назвать своего рода «незнакомками» - художники не оставили для истории их имен, они стремились создать обобщенный образ своих современниц, представительниц различных социальных слоев. Такие «портреты» - это не просто «портреты» в классическом понимании. Это «портреты - картины», близкие к бытовому жанру, достигшему к тому времени пика своей популярности. Создавая такие произведения, художники словно бы балансируют на тонкой грани между различными жанрами - портретным и бытовым.

Подчеркнутой непосредственностью и мажорной жизненной энергетикой пронизан образ продавщицы цветов, запечатленный кистью Н.К. Пимоненко.

Н.К. Пимоненко. Продавщица цветов. Конец XIX века .

Сочетание яркого синего тона одежды с изумрудной зеленью листьев лилий и белоснежными их цветками, эффект ровного солнечного освещения - средства, помогающие раскрыть человеческий образ. Фоном служит здесь залитая солнечными лучами суета улицы, художественное пространство разворачивается в глубину по диагонали, подчеркнутой линией тротуара и чередой стоящих в ряд домов, усиливая ощущение движения фигур торопящихся по своим делам или же праздно гуляющих прохожих. Румяное и обветренное лицо юной девушки привлекает взгляд зрителя своей открытостью и простотой, искрометной и естественной улыбкой, выразительностью взгляда. Она бойко продает белые лилии, словно бы символизирующие собой в данном контексте цветение и чистоту юности. Впечатление свежести, непосредственность рождения образа зачаровывает наш взгляд и навсегда остается в нашей зрительной и душевной памяти.

В таких работах проявляются гуманистические идеалы, живой интерес творческой интеллигенции к судьбам народа родной страны. Близкий к иконописи, и в то же время глубоко реалистичный и современный, женский образ воплощен Н.А. Ярошенко в портрете сестры милосердия. Строго очерченная фигура на темном фоне, аскетичные черты лица девушки, некоторая плоскостность и внутренняя замкнутость образа - все это вызывает в памяти образы православных икон. Цвета объединены в спокойном гармоничном созвучии. Изысканным колоритом, почти монохромной гаммой коричневато-серых и бледно золотистых тонов художник подчеркивает «иконописность» созданного изображения.

Н.А. Ярошенко. Сестра милосердия. 1886 г.

Облик сестры милосердия несет в себе черты собирательного, типического образа. Темное пространство озарено словно бы внезапно ворвавшимся лучом света. Здесь свет служит выразительно и легко прочитываемой метафорой - словно солнечный свет, дела этой юной хрупкой девушки озаряют жизнь многих людей, которым она помогает. В изысканно блеклой гамме портрета продуманно сопоставлены приглушенно коричневый и сероватый тон одежды, яркий красный крест и желтизна световых бликов. Художником великолепно написаны руки - натруженные и хрупкие, они суть воплощение женственности, теплоты, заботы, нежности… Она подобна святой на чудотворной иконе - ведь чудо, это же не только нечто мистическое, это может совершать любой человек, наделенной добротой душевной и желанием творить добро. Каждый день своей жизни она совершает чудо - согревает мир своей помощью, добротой своей души и ценностью своего труда.

В самом конце XIX века, на тревожном рубеже бурных для отечественной истории и драматичных веков, в 1900 году, в женском портрете все более усиливаются тенденции символизма, а реализм отходит на второй план, эпоха сменяется, и в живописи появляются новые приоритеты, стремление к раскрытию иных возможностей художественного языка. Это закономерно - ведь путь творческого поиска неисчерпаем, подвижен, и бесконечен. Все более усиливается стремление к декоративной и символической выразительности колорита, к артистизму, к игре с воображением зрителя. Образная выразительность направлена не на передачу живых ощущений и наблюдений, а ориентирована на достижение тонкого эмоционального и интеллектуального наслаждения, поэтичности и иносказательности, некоторой условности и стихотворной ритмичности, роднящей живопись с музыкой и словом.

Утонченный и загадочный образ прекрасной дамы, романтизированный и полный поэтичной стройности, создан К.А. Сомовым в его знаменитой работе «Дама в голубом платье». Это уже не та незнакомка Крамского, что казалась нам настолько естественной и живой, словно бы представшей перед нами на несколько мгновений из тени веков. Незнакомка у К.А. Сомова - это, скорее, портрет актрисы, играющей роль, надевшей маску и размышляющей над недавно прочитанным стихотворением. На самом же деле, это портрет художницы Е.М. Мартыновой.

К.А. Сомов. Дама в голубом платье. 1897 - 1900

Тончайшая игра полутонов создает лирическое настроение. Тонкость колористического вкуса проявляется в живописной фактуре - матово-блеклый колорит, струящийся мазок, который вторит плавной линии контура. Точность рисунка и гибкость штриха придают некоторую сухость и декоративность, подчеркивающую артистизм изображенной дамы. В качестве фона искусно обыгран условный стилизованный пейзаж, опять же вызывающий ассоциацию не столько с настоящим пейзажем, сколько с театральными кулисами. Подобного рода стремление воссоздать вымышленный мир - уход от духовно оскудевшей реальности и полное погружение в мир творчества в полной мере соответствует новым эстетическим запросам эпохи. Такая парадигма проявляет себя во многих работах мастеров творческого объединения «Мир искусства», к которому и принадлежал К.А. Сомов.

Пожалуй, наиболее склонным к театрализации образов, фантасмагории и мистицизму был М.А. Врубель - его живопись кажется таинственным эзотерическим откровением в красках. Он стремился воплотить красоту и узреть её внутреннюю тайну, приоткрыть завесу загадки самой сути прекрасного. Идея такого поиска близка новым веяниям эпохи и отчетливо перекликается с тем, что мы можем наблюдать и в поэзии того времени, и в музыке, и в театре. Достаточно вспомнить строки Ивана Бунина, написанные в 1901 году:

Ищу я в этом мире сочетанья,

Прекрасного и тайного, как сон…

М.А. Врубель избирает весьма оригинальную и уникальную в своем роде манеру письма. Он пишет не формами, не объемами, а дробящимися мелкими плоскостями, подобными мозаике, мерцающей во мраке…

Он часто создавал портреты своей жены Н.И. Забелы-Врубель, играющей в театральных постановках, в образах различных персонажей - то она предстает в образе Гретель, то в образе Царевны-Лебедь из оперы Н.А. Римского-Корсакова по мотивам сказки о Царе Салтане.

Картина-портрет Царевна-Лебедь была создана на самом рубеже веков, в те тревожные времена, предвещавшие череду драматических перемен.

М.А. Врубель. Царевна-Лебедь. 1900 г .

Ощущение трепетного движения прекрасно выражено колористическим решением. Сиреневатые и холодные темно-голубые блики словно бы вступают в драматическое противостояние с мажорными розоватыми и желтоватыми вспышками световых рефлексов, усиливая глубину звучащего диссонанса, в красках повествующего о противоречии между мечтой и реальностью, небесным и земным, духовным и мирским, возвышенным и приземленным. Волнующая своей таинственностью фигура изображена в бурном движении, словно бы она взмахивает со всей силы белоснежными крылами, из последних сил пытаясь взлететь прямо на глазах удивленных зрителей. В огромных широко открытых глазах как будто бы застыли крупные капли слез, поблескивающих в унисон бликам пламени заката, объединяющих цвета картины в столь сложном колористическом единстве. Что это - неразгаданный символ или же виртуозно сыгранная роль, а может быть исполненное экзальтированной поэтичности отображение внутренних тонких движений души художника? Пожалуй, каждый зритель должен сам найти ответ, а лучше - просто не задумываться над этим, а наслаждаться искрометной красотой, затрагивающей скрытые струны человеческой души, пробуждающей в глубине сердца волшебную сказку.

Художники всех врем вдохновлялись образами женщин - сильных и волевых или хрупких и ранимых, простых и скромных или экстравагантных и смелых, зрелых и исполненных груза житейских забот или юных и наивных, естественных и земных или же утонченных и манерных… В череде женских портретов, созданных наиболее даровитыми отечественными мастерами в конце XIX века, нашло отражение новое для тех времен понимание женщины, более раскрепощённое, свободное от вековых предрассудков и, казалось бы, порой бросающее вызов традициям, но, в то же время, тесно связанное с православной духовностью и с философско-интеллектуальными исканиями творческой интеллигенции того времени. Рассмотрев в настоящей статье лишь некоторые примеры, мы смогли убедиться в том, насколько внимательны мастера кисти к индивидуальным особенностям моделей, сколь чутко понимают они природу женской души и как искренне восхищаются они женской красотой!

Искусство всегда помогает нам глубже понять самих себя, по-новому взглянуть на собственную жизнь и на мир вокруг. И может быть, взглянув на прекрасные творения художников, современные женщины, поглощенные чередой повседневной суеты, вспомнят, что и в них живет прекрасная таинственная незнакомка...

Лукашевская Яна Наумовна, искусствовед, независимый арт критик, куратор выставок, 2011 год, wm-painting.ru.

Введение

ИСКУССТВОЗНАмНИЕ (см. искусство; греч. gnosis -- "знание") -- область изучения, осмысления искусства.

Искусствоведение, в широком смысле комплекс общественных наук, изучающих искусство - художественную культуру общества в целом и отд. виды искусства, их специфику и отношение к действительности, их возникновение и закономерности развития, роль в истории общественного сознания, взаимосвязи с социальной жизнью и с другими явлениями культуры, весь комплекс вопросов содержания и формы художественных произведений.

В пределах пластических искусств искусствознание решает в принципе те же общие задачи, что и все искусствоведческие науки, и также складывается из трёх основных частей: теории искусств, их истории и художественной критики, которые, тесно взаимодействуя друг с другом, имеют и свои особые задачи.

Женский портрет в русском искусстве XVIII века

женский портрет рубенс барокко

На протяжении ста с лишним лет, начиная с середины XVIII века, портретный жанр являлся ведущим в русском изобразительном искусстве. Преобладание портрета было связано, прежде всего, с тем, что главной темой литературы и искусства в XVIII столетии, в век классицизма стал человек - носитель разума и духа.

Однако портрет в то время не только передавал внешность и раскрывал характер изображённого на нём человека, но и, как правило, содержал вполне конкретную информацию о положении этого человека в обществе. В настоящее время это помогает исследователям установить, кто именно изображён на некоторых старинных портретах.

В искусстве существуют вечные темы. Одной из них является тема женщины. У каждой эпохи свой идеал женщины, вся история человечества отражается в том, как люди видели женщину.

Женский характер всегда привлекал особое внимание художников. Созданные в портретном искусстве образы женщин несут в себе поэтический идеал в гармоническом единстве его душевных качеств и внешнего облика.

По портретам мы можем судить как на внешность женщины, на ее душевный склад влияют общественные события, мода, литература, искусство и сама живопись.

Не составляет исключения и Россия. Девять веков русского искусства - этодевять веков русской истории, смены поколений, систем правления; это 9 веков изменения привычек, обычаев, мировоззрения. Естественно, идеал женщины, женской красоты менялся в течение этого времени, что нашло отражение и в живописи.

Женщины на портретах XVIII века прежде всего обольстительны. Их портреты воссоздают яркую и живую картину нравов, моды и вкусов эпохи женского всевластия. Но, имея что-то общее с другими работами, каждый портрет остаётся неповторимым. Русские художники - А. Антропов, Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский - вносят в идеал женщины нравственное и психологическое разнообразие, стремятся передать особенности характера каждой из тех, кого они рисовали.

Костюм на портрете XVIII века обладал своим собственным значением. Он передавал информацию о месте человека в обществе. А женский костюм был прежде всего «разговорным», выполнял роль своеобразного «телеграфа», средства общения на расстоянии. Была разработана целая азбука цветов, азбука расположения лент и бантов на платье, азбука «мушек», которые дамы наклеивали на лицо, правила игры веером (раскрытый, сложенный, поднятый, опущенный и т.п.). Все портреты XVIII века костюмные или откровенно костюмированные.

Старинные портреты рассказывают не только о внешнем облике женщин из далекого прошлого, но и воскрешают в поэтических образах то естественное и возвышенное, что составляет обобщенный идеал времени. Ведущий русский живописец середины XVIII века эпохи Иван Яковлевич Вишняков заложил основы поиска идеала в современном ему русском женском портрете. Предложенные им принципы получили дальнейшее развитие в портретном искусстве А. Антропова и И. Аргунова.

Идеал женщины середины XVIII века нашел свое воплощение в облике императрицы Елизаветы Петровны. А. Антропов, прославляя ее красоту, писал: «роста была она… нарочито высокого и стан имела пропорциональный, вид благородный и величественный; лицо имела она круглое, с приятною и милостивою улыбкою, цвет лица белый и живой, прекрасные голубые глаза, маленький рот, алые губы, пропорциональную шею… руки прекрасные».

Другие женщины на портретах А. Антропова походят на Елизавету и в то же время являют собой народный идеал русской красавицы - полное белое лицо, румяные щеки, соболиные брови. По моде того времени женщины сильно румянились, белились и сурьмились.

На пороге нового века появляются новые тенденции. Классицизм выбирал скромную одежду греческих богинь. Подчеркнутая простота платья давала возможность художникам уделить особое внимание пластическому совершенству обнаженных рук, шеи. Тонкие движения души, особая чувствительность, присущая новому идеалу женщин, выдвинутому творчеством. К концу 18 века русская портретная живопись развилась поистине блистательно. Одной из главных тем здесь становится воспевание идеального образа женщины. Художник должен был прежде всего изображать женское очарованье, в чем бы оно не заключалось.

Женщины на этих портретах кокетливы и обольстительны. В портретах художников-иностранцев в России дамы напоминают кукол: игриво улыбаются, жеманно наклоняют головку и очень этим похожи друг на друга. Но русские художники - Рокотов, Левицкий, Аргунов, а позже Боровиковский вносят в этот образец психологическое оживление, конкретность характера. В их портретах облик дам передает живую картину нравов, моды и вкусов эпохи женского всевластья, мы находим в них надменную красоту и нежную мечтательность, прихотливое кокетство и скромность, суровую замкнутость и душевное обаяние. Главное в жизни - властвовать в сердцах мужчин. Выдающимся мастером портретного жанра конца 18 века был Владимир Лукич Боровиковский. Судьбу Владимира Лукича в корне изменили две аллегорические картины, выполненные для украшения кременчугского дворца, одного из «путевых дворцов», возводившихся на пути следования Екатерины II в Крым. Картины понравились императрице и польстили ее самолюбию. На одной из них был изображен Петр I в облике землепашца и Екатерина II, засевающая поле, а на другой -- императрица в облике Минервы в окружении мудрецов Древней Греции. Царская похвала открыла Боровиковскому дорогу в Петербург.

Для прекрасных женских образов Боровиковский создал определенный стиль портрета: поясное изображение, погруженная в задумчивость фигура, опирающаяся рукой на какую-либо подставку, а фоном для томного изгиба тела в легкой светлой одежде служит тихий пейзаж.

В портретируемых Боровиковский воспевал способность к возвышенным чувствам, сердечным переживаниям, что отвечает сентиментальному настроению того общества и направлению в литературе. В женских портретах художник стремился к особой поэтизации модели, к своеобразному непринужденному и в то же время изящному, слегка идеализированному ее изображению.

Свое блестящее мастерство и зоркость глаза художник сохранял долго.

Боровиковский воспитал двух учеников, одним из которых был Алексей Венецианов, перенявший от своего наставника поэтическое восприятие мира. К 1810 г. в творчестве Боровиковского наметился поворот к романтическому направлению. Этот тончайший поэт сентиментального женского образа и величайшие образцы его мастерства открыли дорогу творческим достижениям художников романтизма.