Первый мюзикл. Что такое мюзикл: определение

Мюзикл, или музыкальная комедия - это сценическое произведение, в котором перемешаны песни и диалоги, музыка и танцы. Прародителями этого жанра считаются оперетта, водевиль и бурлеск. Мюзиклы являются одним из наиболее коммерческих театральных искусств. Это обусловлено их зрелищностью и дорогими спецэффектами. Считается, что первый мюзикл был поставлен в 1866 году в Нью-Йорке и назывался он Black crook.

Начало 20-го столетия дало активный импульс для развития жанра в Америке, а 30-е годы, вкупе с творчеством талантливых композиторов Гершвина, Портера и Керна. 60-е привнесли в мюзиклы новые идеи, со временем количество спектаклей стало уменьшаться, зато декорации и костюмы стали более пышными.

В 1985 году монополию США и Англии на мюзиклы нарушили французы со своими "Отверженными". Сегодня мюзиклы, робко зарождавшиеся в СССР в 70-х, пользуются популярностью в России. Расскажем же о десяти самых известных произведений данного жанра за всю историю его существования.

"Моя прекрасная леди". На написание мюзикла Фредерика Лоу, автора музыки, и Алана Лернера, автора либретто и текстов песен, натолкнула драма Бернарда Шоу "Пигмаллион". Неудивительно, что сюжет их совместного творчества повторяет драму Шоу, в которой рассказывается как главная героиня, будучи изначально обычной цветочницей, становится молодой очаровательной леди. По сюжету мюзикла в ходе спора профессора фонетики и его друга лингвиста и состоялось такое превращение. Элиза Дулиттл перебралась в дом ученого, чтобы пройти нелегкий путь обучения. В конце концов на посольском балу девушка с блеском выдерживает нелегкий экзамен. Премьера мюзикла состоялась 15 марта 1956 года. В Лондоне же представление было дано лишь в апреле 1958. В роли профессора-учителя выступил Рекс Харрисон, а роль Элизы досталась Джули Эндрюс. Шоу сразу же завоевало бешеную популярность, билеты на него были распроданы на полгода вперед. Это оказалось для создателей самой настоящей неожиданностью. В итоге на Бродвее представление давалось 2717 раз, а в Лондоне - 2281. Мюзикл был переведен на одиннадцать языков и прошел в более чем двадцати странах. "Моя прекрасная леди" получила наград "Тони". Всего было продано более 5 миллионов записей мюзикла с первоначальным бродвейским составом. В 1964 году на экраны вышел одноименный фильм, за право экранизировать мюзикл боссы Warner Brothers заплатили рекордные на тот момент 5,5 миллионов долларов. Элизу сыграла Одри Хепберн, а Рекс Харрисон стал ее партнером, перебравшись в кино с театральных подмостков. И успех фильма стал ошеломляющим - он был номинирован на 12 Оскаров и получил 8 из них. Мюзикл настолько любим зрителями, что его и сейчас можно посмотреть в Лондоне.

"Звуки музыки". Немецкий кинофильм "Семья фон Трапп" стал основой для этого мюзикла. В 1958 году идея была перенесена из кинематографа на театральные подмостки сценаристами Ховардом Линдсеем и Расселом Крузом, продюсером Ричардом Холлидеем и его супругой Мэри Мартин, являвшейся актрисой. Картина повествовала об австрийской семье, которая, спасаясь от нацистов, отправилась в Америку. Сюжет фильма не являлся придуманным, в основе него лежала книга Марии фон Трапп, являвшейся непосредственной участницей тех событий. Сама Мэри Мартин в то время являлась знаменитостью музыкального театра, в этом же случае речь шла о серьезной драматической роли. Однако актриса не смогла отказаться выступить в новом для себя амплуа певицы. Сначала авторы решили оформить постановку с помощью народных песен и религиозных гимнов семьи фон Трапп. Однако Мэри настояла, чтобы присутствовала песня, написанная специально для нее. С помощью композитора Ричарда Роджерса и либреттиста Оскара Хаммерстайна в пьесе появились новые музыкальные номера, так и возник мюзикл. Премьера его на Бродвее состоялась 16 ноября 1959 года. Партнером Мэри Мартин стал Теодор Бикель, исполнивший роль капитана фон Траппа. Мэри Мартин была настолько популярна, что публика изо всех стремилась увидеть премьеру мюзикла с ее участием, обеспечив щедрые сборы. "Звуки музыки" получили 8 премий Тони, это произведение было сыграно 1443 раза. Оригинальный же альбом даже получил премию "Грэмми". В 1961 году мюзикл начал свое турне по США, тогда же шоу открылось в Лондоне, где ставилось на протяжении 6 лет, став самым долгоиграющим американским мюзиклом в столице Англии. В июне 1960 года кинематографисты из 20th Century Fox приобрели права на экранизацию постановки за 1,25 миллиона долларов. Хотя сюжет фильма и отличался от пьесы, но именно он и принес "Звукам музыки" поистине мировую известность. Премьера фильма состоялась 2 марта 1965 года в Нью-Йорке, он смог выиграть 5 Оскаров из 10, на которых был выдвинут. Впоследствии предпринимались еще попытки экранизировать мюзикл, но это не помешало его популярности, как самостоятельного представления. В 90-е годы "Звуки музыки" шли в Греции и Израиле, Финляндии и Швеции, Перу и Китае, Исландии и Нидерландах.

"Кабаре". Для этого легендарного спектакля в качестве основы были взяты рассказы "Берлинские истории" Кристофера Ишервуда, рассказывающие о жизни в Германии в начале 30-х годов. Другая часть повествования пришла из пьесы Джона Ван Друтена "Я - камера", повествующей о любви молодого американца-писателя и певицы берлинского кабаре Салли Боулз. Судьба занесла молодого Брайана Робертса, начинающего писателя, подрабатывающего уроками в столицу Германии в начале 30-х годов. Здесь он и знакомится с Салли, влюбляется в нее, получая массу новых и незабываемых ощущений. Только вот певица отказывается последовать за парнем в Париж, разбивая ему сердце. Кабаре, являвшееся некогда символом свободы, начинают по ходу действа постепенно заполнять люди со свастикой на рукаве… Премьера мюзикла состоялась 20 ноября 1966 года. Постановку осуществил известнейший бродвейский режиссер Гарольд Принс. Музыка Джона Канцера легла на тексты Фреда Эбба, а либретто написал Джо Мастерофф. В оригинальном составе участвовали Джоэл Грей, в роли конферансье, Джилл Хэворт, исполнившая роль Салли, и Берт Клифф, сыгравший Клиффа. Постановка выдержала 1165 представлений, получив все тех же 8 "Тони". В 1972 году на экраны вышел фильм "Кабаре" режиссера Боба Фосса. Джоэл Грей играл все ту же роль, а вот Салли блистательно воплотила Лайза Минелли, Брайана же сыграл Майкл Йорк. Фильм получил 8 "Оскаров". Обновленная версия мюзикла предстала перед зрителями в 1987 году, и куда же без Джоэла Грея? Но в 1993 году в Лондоне и 1998 году на Бродвее уже начал свой собственный путь новый мюзикл "Кабаре", поставленный Сэмом Мендесом. И эта версия получила множества наград, будучи представленной 2377 раз. Окончательно же мюзикл был закрыт 4 января 2004 года, надолго ли?

"Иисус Христос - суперзвезда". Музыка для произведения была написана легендарным Эндрю Ллойд Вебером, а Тим Райс создал либретто. Изначально планировалось создать полноценную оперу, с использованием современного музыкального языка и всех соответствующих традиций - должны были присутствовать арии главных героев. Отличие данного мюзикла от традиционных в том, что тут нет драматических элементов, все основано на речитативах и вокале. Здесь рок-музыка соединилась с классической историей, в текстах используется современная лексика, а вся история рассказывается исключительно с помощью песен. Все это сделало "Иисуса Христа - суперзвезду" суперхитом. Повествование идет о последних семи днях жизни Иисуса, которые проходят перед глазами Иуды Искариота, разочарованным учением Христа. Сюжет начинается с момента въезда Иисуса в Иерусалим и заканчивается его казнью. Впервые опера прозвучала в виде альбома в 1970 году, на нем главная роль исполнена вокалистом группы Deep Purple Иэном Гилланом. Роль Иуды исполнил Мюррей Хед, а Марию Магдалину озвучила Ивонн Эллимен. В 1971 году мюзикл появился на Бродвее. Многие отмечают, что в постановке Иисус изображается в виде первого хиппи на планете. Постановка продержалась на сцене всего полтора года, однако новое дыхание она получила в Лондоне в 1972 году. Главную роль сыграл Паул Николас, а Иуда воплотил Стефан Тэйт. Такой вариант мюзикла стал более успешным, продержавшись целых восемь лет. По мотивам произведения, как водится, был снят и художественный фильм режиссером Норманом Джуисоном. Оскар 1973 году за лучшую музыку достался именно этому произведению. Фильм интересен не только отличной музыкой и вокалом, но и необычной трактовкой темы Иисуса, которая предстает в альтернативной традиционной точке зрения свете. Этот мюзикл часто именуют также и рок-оперой, произведение породило множество споров и стало культовым для поколения хиппи. "Иисус Христос - суперзвезда" является актуальным и сегодня, он переведен на многие языки. Вот уже более 30 лет мюзикл ставится по всему свету - на сценах Австралии, Японии, Франции и Мексики, Чили и Германии, Великобритании и США.

"Чикаго". Основой для мюзикла послужила статья в газете "Чикаго трибьюн" от 11 марта 1924 года. Журналистка Морин Уоткинс рассказала об актрисе варьете, убившей своего любовника. В те времена рассказы о преступлениях на сексуальной почве были очень популярны, неудивительно, что Уоткинс продолжила писать на схожие темы. 3 апреля 1924 года появилась ее новая заметка о замужней женщине, застрелившей бой-френда. Эти криминальные истории сопровождала заметная шумиха, это оказало воздействие на Морин, которая со временем оставила газету и стала изучать право в Йельском университете. Там-то женщина, в качестве учебного задания, и создала пьесу "Чикаго". За день до наступления 1927 года на Бродвее состоялась премьера спектакля "Чикаго", он выдержал 182 представления, в 1927 году и в 1942 году по пьесе снимались фильмы. Второе рождение сюжету дал Боб Фосс, знаменитый бродвейский режиссер и хореограф. Он привлек композитора Дожна Кандера, над либретто работал он сам и Фрэд Эбб. Сама партитура "Чикаго" являлась блестящей стилизаций под американские шлягеры 20-х годов, а подача музыкального материала была схожа с водевилем. История рассказывает о танцовщице кордебалета Рокси Харт, которая хладнокровно расправилась со своим любовников. В тюрьме женщина знакомится с Вельмой Келли и другими преступницами. Рокси смогла избежать наказания с помощью пронырливого адвоката Билли Флинна - суд признал ее невиновной. В результате мир шоу-бизнеса обогатился "дуэтом двух искрящихся грешниц", Вельмы Келли и Рокси Харт. Премьера мюзикла состоялась 3 июня 1975 года в театре "46 улица". Роль Рокси досталась Гвен Вердон, Вельму сыграла Чита Ривера, а Билли - Джерри Орбах. В Лондоне мюзикл появился лишь спустя 4 года, причем постановка не имела ничего общего с детищем Боба Фосса. Представление выдержало 898 показов в Америке и 600 в Уэст-Энде и было со временем закрыто. Однако шоу возродилось в 1996 году под руководством Уолтера Бобби и хореографа Энн Ринкинг. Первые представления в Сити-центре вызвали такой ажиотаж, что решено было продолжить показы на Бродвее. Роль Рокси исполняла сама Ринкинг, Бебе Ньювирт сыграла Вельму, а Джеймс Нотон - Флинна. Эта постановка получила 6 премий "Тони", а также "Грэмми" за лучший альбом. В 1997 году мюзикл пришел в Лондонский театр Adelphi, постановка получила премию Лоуренса Оливье как лучший мюзикл. В обновленном виде спектакль прошел по всему миру - Канаде, Австралии, Голландии, Аргентине, Японии, Мексике, России и в других странах. В 2002 году вышел фильм киностудии "Мирамакс" со звездными Рене Зелльвегер (Рокси), Кэтрин Зета-Джонс (Вельма) и Ричардом Гиром (Билли Флинн). Режиссером и хореографом проекта стал Роб Маршалл. Картина получила "Золотой глобус" в номинации "Лучший мюзикл или комедия" и выиграла 6 "Оскаров" из 12, на которых была номинирована. В России мюзикл был поставлен Филиппом Киркоровым, который сам же и воплотил роль искусного и продажного адвоката.

"Эвита". Идея создания мюзикла появилась случайно - в октябре 1973 года Тим Райс в машине услышал окончание какой-то радиопередачи, в которой речь шла об Эвите Перон. Женщина являлась женой аргентинского диктатора Хуана Перона, история ее жизни заинтересовала поэта. Его соавтор, Ллойд Веббер, поначалу отнесся к истории без особого энтузиазма, однако со временем согласился поработать над ней. Райс досконально изучил историю своей главной героини, для этого он много времени провел в лондонских библиотеках и даже посетил далекую Аргентину. Там то и родилась основная часть сюжетной линии. Тим Райс ввел в мюзикл рассказчика, некоего Че, прототипом которого являлся Эрнесто Че Гевара. Сама же история повествует об Эве Дуарте, которая приехала в Буэнос-Айрес в 15 лет и стала сначала известной актрисой, а затем и женой президента страны. Женщина помогала бедным, но и способствовала воцарению диктатуры в Аргентине. В "Эвите" сочетались различные музыкальные стили, основой партитуры стали латиноамериканские мотивы. Первые демо-записи мюзикла были представлены критикам на первом фестивале в Сидмонтоне, затем началась и запись альбома на студии "Олимпик". Эвитой стала актриса Жюли Ковингтон, а Че - молодой певец Колм Уилкинсон. Роль Перона досталась Полу Джонсу. Альбом имел большой успех - за три месяца было продано полмиллиона его копий. Несмотря на то, что "Эвита" была официально запрещена в Аргентине, достать запись считалось делом престижа. Мюзикл вышел 21 июня 1978 года, режиссером стал Хэл Принс. В его постановке роль Эвиты досталась Элейн Пейдж, а Че сыграл знаменитый рок-певец Дэвид Эссекс. Спектакль был настолько успешен, что был назван лучшим мюзиклом 1978 года. Сама же главная актриса получила награду за свою игру в "Эвите". Первые же недели после выхода записи мюзикла на диске сделали его золотым. 8 мая 1979 года состоялась премьера "Эвиты" в Америке, в Лос-Анджелесе, а спустя четыре месяца спектакль пришел и на Бродвей. Популярность "Эвиты" доказали 7 премий "Тони", полученных ею. Успех мюзикла позволил ему побывать во многих странах - Корее, Венгрии, Австралии, Мексике, Японии, Израиле и других. Через 20 же лет после рождения мюзикла решено было снять фильм по его мотивам. Режиссером выступил Алан Паркер, главную роль, Эвиту Перон, сыграла Мадонна, роль Че доверена была Антонио Бандерасу, Перона сыграл Джонатан Прайс. В фильме прозвучала новая песня Веббера и Райса "Ты должен любить меня", принесшая в итоге "Оскар" за лучшую оригинальную песню.

"Отверженные". Композитор Клод-Мишель Шонберг и либреттист Ален Бублиль дали второе рождение уже ставшему классическим произведению Виктора Гюго "Отверженные". Работа над созданием мюзикла велась на протяжении двух лет. Результатом стал двухчасовой эскиз, преобразованный затем в концепт-альбом с тиражом в 260 тысяч копий. Своеобразной визитной карточкой мюзикла стала гравюра с изображением маленькой Козетты. Сценическая же версия была представлена 17 сентября 1980 года в парижском Дворце спорта. В итоге спектакль посмотрело более полумиллиона человек. Роль Жана Вальжана исполнил Морис Баррье, Жавера сыграл Жак Мерсье, Фантину - Роз Лоранс, а Козетту - Фабьенн Гюйон. Концепт-альбом "Отверженных" приглянулся молодому постановщику Петеру Фераго, который привлек к работе английского продюсера Камерона Макинтоша. Это позволило создать шоу поистине высокого класса. Над постановкой работала профессиональная команда - постановщики Тревор Нанн и Джон Кээд, а адаптировал текст на английский язык Герберт Крецмер с помощью создателей мюзикла. Как результат - премьера спектакля под эгидой Королевской Шекспировской Компании в театре "Барбикан" 8 октября 1985 года. На сегодня "Отверженные" чаще всего демонстрировались в лондонском Palace Theatre, там состоялось более 6 тысяч показов мюзикла. В 1987 году "Отверженные" пришли на Бродвей, так началось их шествие по миру. Хотя спектаклю уже более двадцати лет, он до сих пор на сценах мировых театров. "Отверженных" перевели на множество языков, среди которых есть даже такие экзотические, как японский, мавританский и креольский. Всего этот мюзикл был поставлен в 32 странах по всему миру. Творения Шонберга и Бублиля в итоге смогло увидеть более 20 миллионов человек.

"Кошки". Основой для этого популярного мюзикла послужил цикл детских стихов Т.С. Элиота "Книга старого Опоссума о практичных кошках", который вышел в Англии в 1939 году. В сборнике рассказывалось с иронией о привычках и повадках кошках, но за этими чертами без труда угадывались человеческие черты. Стихи Эллиота приглянулись Энди Ллойд Вебберу, который на протяжении 70-х годов сочинял к ним неспешно музыку. И вот, к 1980 году, композитор собрал достаточно материала, чтобы трансформировать его в мюзикл. Так как англичане очень любят кошек, шоу у них просто таки было обречено на успех. В команду помимо Веббера вошел продюсер Камерон макинтош, режиссер Тревор Нанн, художник Джон Напьер и хореограф Джиллиан Линн. Но при сценическом воплощении песен оказалось, что сюжета то толкового и нет. Однако благодаря вдове Элиота нашлись черновики и письма поэта, откуда по крупицам авторы мюзикла смогли собрать идеи для составления сюжетной канвы спектакля. В "Кошках" к артистам предъявлялись особые требования - мало было хорошо петь и четко говорить, надо было еще и быть очень пластичными. Оказалось, что в самой Англии набрать труппу из 20 таких актеров оказалось практически невозможным, поэтому в состав исполнителей попали поп-певец Пол Николас, актриса Элейн Пейдж, молодая танцовщица и певица Сара Брайтман, а также звезда Королевского балета Уэйн Слип. Театр "Кошки" создавал свой дизайнер - Джон Нэйпьер, в результате здесь совсем нет занавеса, а сцена и зал сливаются в единое пространство. Действие происходит не фронтальной, а по всей глубине. Сама же сценка оформлена как свалка - на ней располагаются горы живописного мусора, но на самом деле декорации оснащены сложной техникой. Актеры же с помощью сложного многослойного грима предстают в виде грациозных кошек. Их трико расписаны вручную, парики выполнены из шерсти яка, хвосты и воротники из шерсти, к тому же надеты блестящие ошейники. Мюзикл впервые предстал перед глазами публики 11 мая 1981 года в Лондоне, а на Бродвей попал спустя год. В итоге "Кошки" смогли до момента своего закрытия 11 мая 2002 года стать самой "долгоиграющей" постановкой в истории британского театра. Всего было дано 6400 представлений, постановку увидело более 8 миллионов человек, а создатели смогли заработать около 136 миллионов фунтов стерлингов. Да и в Штатах мюзикл побил все возможные рекорды. Уже в 1997 году число представлений превысило 6100, что позволило назвать представление главным бродвейским долгожителем. В итоге за все время "Кошки" были поставлены более 40 раз, суммарное число зрителей в 30 странах превысило 50 миллионов, песни прозвучали на 14 языках, а общая сумма сборов составила 2,2 миллиарда долларов! Мюзикл получил множество наград, среди них самыми известными являются премия Лоуренса Оливье, премия газеты "Ивнинг Стандарт" за "Лучший мюзикл", 7 премий "Тони", премия Мольера во Франции. Записи же бродвейского и лондонского оригинальных составов получили "Грэмми".

"Призрак оперы". Сотрудничество Сары Брайтмана и Эндрю Ллойд Веббера в "Кошках" привело к их свадьбе в 1984 году. Для супруги композитор создал "Реквием", однако это произведение не смогло масштабно показать талант певицы. Веббер поэтому и задумал создать новый мюзикл, коим и стал "Призрак оперы", созданный по роману 1910 года с таким же названием француза Гастона Леру. Романтическая, но мрачная история рассказывает о живущем в подземелье под Парижской оперой загадочном существе со сверхъестественными способностями. Главная роль в постановке, Кристины Дааэ, досталась, конечно же, Саре Брайтман. Исполнителем мужской партии стал Майкл Кроуфорд. В первом составе возлюбленного Кристины, Рауля, сыграл Стив Бартон. Над либретто вместе с Эндрю Ллойд Вебберем работал Ричард Стилгоу, а песенные тексты принадлежат Чарльзу Харту. Театральный художник Мария Бьорнсон наделила Призрака знаменитой маской и настояла на решении опускать пресловутую падающую люстру не на сцену, а прямо на зрителей. Премьера "Призрака оперы" состоялась 9 октября 1986 в Королевском театре, на ней присутствовали даже члены семьи Ее Величества. А в январе 1988 года состоялась и первая бродвейская постановка мюзикла, она прошла в Нью-Йоркском театре Маджестик. "Призрак оперы" стал вторым по длительности демонстрации мюзиклом за всю историю Бродвея, после "Кошек". В итоге только в Нью-Йорке шоу посмотрело около 11 миллионов человек. Мюзикл был поставлен в 18 странах, дано было около 65 тысяч представлений, там его посмотрело более чем 58 миллионов человек, а общее число зрителей по всему миру превысило уже 80 миллионов. Как следствие - заслуженные награды и премии, числом более 50. Мюзикл получил три премии Лоуренса Оливье и 7 премий "Тони", 7 наград "Драма деск", премию "Ивнинг Стандарт". Суммарные доходы от "Призрака оперы" составили 3,2 миллиарда долларов. Роман вдохновил режиссеров на создание целых семи фильмов, последний из них, снятый в 2004 году был трижды номинирован на "Оскара", продюсером и композитором выступил все тот же Веббер.

"Мама Миа". Популярность песен группы "АББА" столь велика, что неудивительна идея о создании на их основе целого мюзикла, пришедшая в голову продюсеру Джуди Креймер. Основой мюзикла стали 22 песни легендарной группы. В оригинале все песни исполнялись женщинами, вот и была разработана история о матери и дочки - людях двух разных поколений. Для того чтобы рассказ был достоин знаменитых хитов, была приглашена писательница Катерина Джонсон, которая и придумала историю о семье, проживающих на греческих островах. В итоге зрителя привлекают не только музыкальные хиты, но и сюжет, в который тесно вплетена музыка. Песни оказались разбиты на диалоги, получив новые интонации. Режиссером постановки стала Филлида Лойд, а композиторами выступили участника "АББЫ" Бьорн Ульвеус и Бенни Андерсон. В результате получилась романтическая комедия, ироничная и довольно современная. В мюзикле присутствуют две основные линии - история любви и взаимоотношения двух поколений. Сюжет "Мама Миа" наполнен комедийными ситуациями, которые происходят на фоне жизнерадостных композиций "АББЫ", герои общаются довольно остроумно, а их костюмы ярки и оригинальны. Характерным логотипом "Мама Миа" стал образ счастливой невесты, в результате это стало своеобразным брендом, узнаваемым во всем мире. Сюжет мюзикла заключается в следующем. Молодая Софи вскоре готовится стать невестой. На свадьбу она собирается пригласит отца, чтобы тот отвел ее к алтарю. Только вот мать девушки, Донна, никогда не рассказывала о нем. Софи нашла дневник матери, где рассказывалось о ее отношениях с тремя различными мужчинами, в результате приглашение отправляется всем им. Когда на свадьбу начинают прибывать гости, происходит и самое интересное… В финале действия мама выходит замуж вместе с Софи. Первым испытанием "Мама Миа" стало его предпремьерный показ в Лондоне 23 марта 1999 года. Зрители пребывали в полном восторге - все представление они не сидели на месте, а танцевали в проходах, хлопали и подпевали. Настоящая же премьера состоялась 6 апреля 1999 года. Лондонская успешная постановка привела к тому, что мюзикл поставили еще в 11 странах мира, а сборы от проката там мюзикла еженедельно достигают 8 миллионов долларов! Сегодня "Мама Миа" увидело более 27 миллионов человек, ежедневно цифры посещений увеличиваются на 20 тысяч. Общая сумма кассовых сборов мюзикла по миру превысила 1,6 миллиарда долларов. За время проката шоу побывало в 130 крупных городах, а альбом с записью самое первой постановки стал "платиновым" в США, Корее и Австралии, дважды "платиновым" в Великобритании, а в Швеции, Новой Зеландии и Германии - золотым. В 2008 году мюзикл был экранизирован, в нем приняли участие такие звезды как Мэрил Стрип и Пирс Броснан, а режиссером стала все та же Филлида Лойд.

Мюзикл - это один из жанров музыкально-сценического искусства. Он представляет собой смесь музыки, песен, танцев и драмы.

Мюзикл как музыкальный жанр

Зародился этот жанр на основе оперетты, водевиля, бурлеска и комической оперы. Долгое время его не признавали отдельным видом театрального искусства. Мюзикл - это коммерческий жанр, поскольку он зрелищный, яркий, сложный в постановочном плане, с дорогими костюмами и спецэффектами.

Чем же отличается, к примеру, от оперы мюзикл? Опера предъявляет к вокальным данным артистов более высокие требования. Но в мюзикле артистам необходимо не только петь, но и танцевать. В опере же поющие актёры не танцуют. К тому же в мюзикле используются различные вокальные и танцевальные жанры - эстрадные, народные, джаз, рок и так далее. Манера пения отличается от оперной.

История зарождения

Мюзикл зародился в Америке и представлял собой синтез шоу в варьете, французского романтического балета, драматических интерлюдий, комедийных номеров, мелодрамы и так далее. Сентябрь 1866 года считается временем зарождения жанра. Самой первой мюзикловой постановкой стал «Чёрный посох». Изначально этот вид театрального искусства считался поскольку это были развлекательные представления, где содержанию не придавалось большого значения. Сегодня большинство мюзиклов имеет драматический сюжет и литературную основу.

Бродвей

Талантливейшие люди (продюсеры, композиторы) способствовали развитию в Америке в 20-30 годы 20 века такого жанра, как мюзикл. Это такие личности, как Р.Фримль, Дж. Гершвин, Р. Роджерс, О. Хаммерстайн, Л. Бернстайн и другие. Многие из них были эмигрантами, уехавшими из России в годы революции. В этот период американский мюзикл претерпел большие изменения - либретто стало более сложным, музыка приобрела джазовую окраску, вокальное мастерство актёров повысилось.

Самые знаменитые бродвейские постановки того времени:

«Я пою о тебе» Дж. Гершвина;
«Оклахома» Р. Роджерса и О. Хамместайна;
«Звуки музыки» Р. Роджерса и О. Хаммерстайна;
«Вестсайдская история» Л. Бернстайна;
«Трёхгрошовая опера» Б. Брехта;
«Моя прекрасная леди» Ф. Лоу.

Самыми знаменитыми театрами в мире, где осуществляются постановки мюзиклов, являются бродвейские. Бродвей - это улица в Нью-Йорке, на которой располагается около 40 театров (количество постоянно меняется). Бродвейские постановки самые знаменитые и успешные в мире.

Что же представляют собой бродвейские театры? Они отличаются от того, к чему привыкла Европа. Это коммерческие театры, они не имеют постоянных актёров и постановщиков, это просто здания со зрительным залом. Помещения сдают в аренду антрепренёру, который организует постановку. Под каждый конкретный спектакль посредством кастинга подбираются актёры. Спектакли идут ежедневно и до тех пор, пока они успешны и приносят прибыль. Когда успех и заработки уменьшаются, проект закрывают и труппу распускают.

Некоторые мюзиклы живут на Бродвее несколько десятилетий.

Европейские мюзиклы

Первые мюзиклы появились в Европе в середине 50-х годов 20 века. Всё началось с постановки «Целуй меня, Кэт!» К. Портера. Хотя в тот период для европейской публики мюзиклы ещё не были жанром, который был бы способен соперничать по популярности с оперой и опереттой. Большую популярность он приобрёл несколько позже.

Первый в Европе опередивший по популярности оперу и оперетту мюзикл - это «Моя прекрасная леди» Ф. Лоу и А. Дж. Лернера. В начале 70-х годов количество мюзикловых постановок увеличилось, и сейчас это самый популярный жанр в Европе. Европейские постановки существенно отличаются от американских - музыкой, содержанием, манерой исполнения и процессом подготовки спектакля.

С 70-х годов началась эпоха Э. Л. Уэббера, творения которого уже несколько десятков лет не сходят со сцены, являются самыми кассовыми и долгоиграющими в мире.

С конца 80-х годов 20 века на сцене начали появляться и завоёвывать популярность французские и австрийские мюзиклы.

Самые известные в мире мюзиклы на сегодняшний день

мюзикл «Призрак Оперы» Э. Л. Уэббера;
«Кошки» Э. Л. Уэббера;
«Иисус Христос - суперзвезда» Э. Л. Уэббера;
«Отверженные» К.М. Шонберг, А.Бублиль;
«Моя прекрасная леди» Ф. Лоу и А.Лернер;
«Звуки музыки» Р. Роджерс и О.Хаммерстайн;
«Кабаре» Дж. Канцер, Ф. Эбб, Дж. Мастерофф;
«Нотр-Дам де Пари» Р.Коччианте и Л. Пламондона;
«Мамма мия» Б.Андерсон и Б.Ульвеус;
«Ребекка» М. Кунце и С. Левай.

Телемюзиклы

Очень популярен сейчас среди молодёжи музыкальный телефильм «Классный мюзикл». Он представляет собой трилогию, первая часть которой вышла в 2006 году в Америке. В Россию «Классный мюзикл» пришёл в 2008 году. В основе сюжета история о молодых людях, которые грезят о сцене. Начинается «Классный мюзикл» с того, что главные герои знакомятся друг с другом на вечеринке. Потом оказывается, что они учатся в одной школе и мечтают принять участие в школьном музыкальном спектакле. В 2007 году вышел «Классный мюзикл-2» - продолжение первой части. Здесь в основе сюжета лежат интересные каникулы всё тех же друзей. А ещё через год вышел «Классный мюзикл-3». В третьей части сюжет разворачивается вокруг школьного выпускного. В телефильм «Классный мюзикл» входит 9 музыкальных номеров. В нашей стране в этой картине дублированными были не только диалоги, как это делается обычно, но и песни были спеты нашими артистами на русском языке. «Классный мюзикл» является рекордсменом Книги Гиннесса. Он стал самым первым телефильмом, все музыкальные композиции которого одновременно попали в сотню самых популярных.

В нашей стране популярны мюзиклы новогодние. Телевидение каждый год создаёт своим зрителям в подарок такие телеспектакли. Мюзиклы новогодние делятся на 2 вида. Для одних были специально созданы песни и поэтами. Мюзиклы новогодние второго типа - это такие, где используются старые, но до сих пор не теряющие популярности музыкальные композиции. В них изменяется текст под выбранный сюжет.

Мюзиклы новогодние, созданные современными авторами:

«Золушка»;
«Вечера на хуторе близ Диканьки»;
«Сорочинская ярмарка»;
«За двумя зайцами».

Все роли исполняют российские и украинские знаменитые певцы и актёры.

Мюзиклы новогодние, в которых использованы старые песни:

«Морозко»;
«Старые песни о главном»;
«Золотой ключик».

Телемюзикл "Старые песни о главном" включает в себя цикл из 4 фильмов. Главные каналы, которые создают мюзиклы новогодние, - это «Первый» и «Россия».

В России взаимоотношения с мюзиклом начали завязываться очень давно, - правда, в несколько иной, своеобразной модификации этого жанра. Однако первые подступы к мюзиклу шли так же, как и в Америке, - через джаз. Это случилось в фильмах Г. Александрова, и особенно - в Веселых ребятах с участием джаз-банда Л. Утесова. Несмотря на то, что в партитуре присутствует не так уж много музыкальных номеров, на самом деле они являются полномочными участниками фильма, существующими на равных правах с актерами. Эта линия была продолжена режиссером в Цирке, и - несколько менее органично - в Волге-Волге, где музыкальные номера зачастую были вставными. Этот опыт Александрова практически не имеет аналогов в советском кинематографе, где развитие жанра музыкальной комедии шла преимущественно по линии оперетты (от ранних фильмов И. Пырьева до творчества классика жанра Я. Фрида).

Начиная с середины 1960-х предпринимались и многочисленные попытки постановок мюзиклов на советской сцене. В Ленинградском театре им. Ленинского комсомола была даже поставлена Вестсайдская история. Однако преимущественно диапазон постановок музыкальных спектаклей колебался между социальной публицистикой типа брехтовской зонг-оперы (Добрый человек из Сезуана на Таганке, Трехгрошовая опера и Люди и страсти в театре Ленсовета) и лирической музыкальной комедией-опереттой, сыгранной с большей или меньшей психологической убедительностью (Дульсинея Тобосская в театрах им. Маяковского и Ленсовета, Левша в театре Ленсовета и даже Ханума в БДТ). Однако был и ряд настоящих прорывов в сторону мюзикла. Они были, как правило, связаны с рок-творчеством российских композиторов. Так, совершенно неожиданным выглядел спектакль Свадьба Кречинского в Ленинградском театре оперетты (композитор А. Колкер, режиссер В. Воробьев). И, конечно, Ленкомовские спектакли М. Захарова - Тиль (композитор Г. Гладков), Звезда и смерть Хоакина Мурьеты и «Юнона» и «Авось» (композитор А. Рыбников). Последний из них каким-то необъяснимым образом зажил по законам американского мюзикла, на протяжении десятков лет сохраняя стабильную зрительскую реакцию (несмотря на то, что исполнители ролей широко заняты и в остальном репертуаре театра).

Современный мюзикл в России.

С 1999 Россия начала выпускать мюзиклы по западным принципам. Первым был лицензионный проект польского мюзикла Метро. Результаты обнадежили, и лицензионные мюзиклы начали множиться: Нотр-Дам, Чикаго, 42 улица, Иствикские ведьмы…

Гораздо более серьезным поводом для разговора мог бы стать оригинальный российский мюзикл. Конечно, не Губы в Театре Луны, который, несмотря на добротную литературную и музыкальную основу (В. Набоков, А. Журбин) остался обычным репертуарным спектаклем. Но - первый, сделанный с должным размахом и сопровождаемый грамотной продюсерской работой Норд-Ост. Однако трагедия с заложниками на Дубровке, кроме остальных ужасных последствий, разом обрубив успешный проект, похоже, отбросила российский мюзикл далеко назад. Возрождения Норд-Оста не получилось, психологический груз происшедшего оказался непосильным.

Жанровая и эстетическая специфика «русского» мюзикла

В 70-е годы XX столетия особенно значимым становится русский мюзикл, перенявший все лучшее от своих западных предшественников и, в то же время, совершенно не похожий на них.

Этот раздел главы посвятим рассмотрению жанровой и эстетической специфики мюзикла, изучению феномена «русского мюзикла», для которого характерно равноправие музыкальных, поэтических, художественных средств. В связи с искусствоведческим осмыслением специфики «русского мюзикла», обозначим его отличия от бродвейских и уэст-эндских аналогов жанра и представим их в виде сравнительной таблицы:

мьюзикл театральный русский жанровый

1. В наше время американский театр в целом ориентирован на развлекательность. Благодаря этому обстоятельству американский театр является прибыльным, коммерческим предприятием. Вот почему именно мюзикл стал главным жанром американского театра.	1. Российские театры преследуют, прежде всего, просветительские цели. Они позволяют себе включать в репертуар произведения малоизвестные или не слишком популярные, но обладающие серьезными идейно-художественными достоинствами, иногда заранее сознавая, что они не принесут полных сборов, по крайней мере, на первых порах. Театр в нашей стране - это, прежде всего учреждение культуры.
2. Для бродвейского или уэст-эндского мюзикла главное - музыкальные выразительные средства. Поэтический текст вторичен, иногда нелеп, в сравнении с музыкой. Автором мюзикла в США или Великобритании принято считать композитора, как, собственно, в опере, балете и других музыкально - драматических жанрах. В этом контексте признанный «король» жанра Э.Л. Уэббер считает мюзикл шоу, в котором «преобладающая роль музыки как выразительного средства сочетается с яркой и интересной драматургией».	2. Для русского мюзикла характерно обращение к шедеврам классической литературы, равнозначность музыкальных, драматургических, поэтических и пластических выразительных средств. Поэтические выразительные средства равнозначны музыкальным, а фигура либреттиста имеет такое же первостепенное значение, как и фигура композитора. Автор либретто «Звезды и смерти Хоакина Мурьеты» П. Грушко называл мюзиклы музыкально - поэтическим театром в стихах. Это разное понимание роли текста и музыки в мюзикле заставляло создателей первых отечественных мюзиклов называть свои произведения рок - операми или зонг - операми, размывая тем самым границы жанра.
3. В американских мюзиклах постепенное значение приобретает хореографическая составляющая спектакля, пластичность актеров.	3. В русских мюзиклах, в отличие от уэст - эндских и бродвейских, не уделяли первостепенного значения балетной пластике актеров. Требовалось лишь единство ритмического рисунка музыки и стиха, особая «пластика стиха», его гибкость и легкость.
4. Для бродвейского стиля проката, характерен «поточный» метод, когда каждый день игрался один и тот же мюзикл.	4. В отечественной театральной практике актеры заняты в других спектаклях, а ставка делается на игру - импровизацию, а не на математически рассчитанное повторение сыгранного.

Из вышеуказанного следует, что русский мюзикл - это художественное явление, созревшее в недрах русской театральной культуры и несовпадающее с американской спецификой мюзикла. Таким образом, в России в 70-е годы мюзиклом стали называть музыкально - драматические спектакли с трагедийной составляющей сюжета, поставленные по классическому произведению с использованием музыки, которая усиливает классический (канонический) текст и создает параллельное сверхвосприятие происходящего на сцене. Текст в таких «мюзиклах» так же важен, а автор стихов - фигура весьма значительная.

Синтетическая природа русского мюзикла проявляется, также, в равнозначной роли драматургии и пластики, как выразительных средств. И все же «русский мюзикл» - один из самых неизученных музыкально - драматических жанров второй половины XX столетия. К этому жанру относят музыкальные комедии, рок - оперы, зонг - оперы, поп - оперы и даже совершенно разноплановые шоу.

Рассмотрим некоторые образцы с позиций соответствия жанра вышеизложенным критериям.

Феномен «русского мюзикла» рассматривается на примере «Юноны и Авось», «Звезды и Смерти Хоакина Мурьеты» А. Рыбникова, «Орфея и Эвридики» А. Журбина. На фоне сформировавшегося интереса к мюзиклам, поставленным на сцене театра Ленком, стало возможным органичное вхождение мюзиклов в русское театральное пространство.

«Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» А. Рыбникова и П. Грушко по праву считается первой русской рок - оперой, поставленной на драматической сцене. Американские искусствоведы, впрочем, называют «Звезду и смерть Хоакина Мурьеты» первым в истории России мюзиклом, поскольку и музыка, и хореография, и режиссура этого спектакля соответствуют западным стандартам жанра.

Начало рок - оперы «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты» было оформлено в стилистике русского балагана, хотя действие спектакля происходило в «далекой стране Чили». О стране Чили публике сообщал пародийный хор: тоненькие детские голоса и дребезжащий старческий голос Шарманщика, которого играл Александр Лазарев. «В школе с детства нас учили, нет страны, прекрасней Чили» - запевали дети, и им дребезжащим баском вторил Шарманщик.

Пародийный хор - элемент классической оперетты, в которой при отсутствии комической пары второго плана, пародирующей высокие страсти главных героев, подобную роль выполнял хор. Работая над зонгами или ариями, на которые ложилась основная смысловая нагрузка спектакля, Рыбников и Грушко использовали приемы смысловой полифонии, многоголосия героев и их полифонического равноправия. Кроме того, рок - опера построена по мифологическому принципу «троемирия»: у Тересы, возлюбленной Хоакина, есть надмирная, ангельская ипостась - Звезда, которая призывает героя в путь («Я - твоя Свобода, я - твоя Звезда,/На устах горячих - чистая вода,/ Что бы ни случилось, позови меня,/ Я с тобой буду и средь бела дня»)

Однако в инфернальном, «нижнем» мире Звезде соответствует Смерть. «Я - твоя погибель, твой обрыв земной,/ Я скрипучий голос за твоей спиной,/ Обернется мукой твой кровавый путь./ Может лучше сразу? Стоит ли тянуть», - поет Смерть в своей арии. Таким образом, герой оказывается между Звездой и Смертью, Звездой, которая зовет его за собой, к свободе и благодати, и Смертью, которая подводит Хоакина к краю обрыва (» Я - твоя погибель, твой обрыв земной»). Арии Звезды и Смерти характеризуются сходным ритмическим рисунком, но противоположной смысловой нагрузкой.

Между «Звездой и смертью Хоакина Мурьеты» и «Юноной и Авось» наблюдается определенное сюжетное сходство. Хоакин Мурьета, как и граф Резанов, плывет в Новый свет, в Калифорнию, где надеется найти свою Звезду и встречает ее земную ипостась - Тересу. Графа Резанова гонит по свету «странный бред» - «вишневый взгляд» Казанской Божьей Матери, поразивший его на иконе. В Калифорнии Резанов встречает «ангела Сан-Франциско» - Кончиту - и умоляет ангела «стать человеком» и ответить на его страсть.

Хоакин мечтает заработать, а Калифорнии денег, чтобы купить домик у пруда, окруженный вишневым садом.

«По мне, сеньеры, лучше и не надо.

Скоплю деньжат на домик у пруда,

Чтоб жарким летом в нем была прохлада,

И чтобы печь гудела в холода.

Чтоб сад вишневый этот домик прятал,

И птицы вили гнезда у стреки,

А в стойле верный конь ушами прядал,

А на заре, чтоб пели петухи…» - рассказывает Мурьета своим друзьям Блаженному и Трехпалому. «Вишневый взгляд» - «вишневый сад» - «безнадежные карие вишни» - этот образный ряд восходит к символике вишни, вишневого цвета как проявление Вечной Женственности.

Мечты Хоакина Мурьеты и графа Резанова о берегах Калифорнии сродни представлениям Герцена о возможности переноса европейских центров цивилизации на берега Тихого океана, который стал бы «Средиземным морем будущего», окруженным великими городами Калифорнии Сибири. Особый интерес в этом контексте вызывает сам топоним Калифорнии, в которую плывут Хоакин Мурьета и граф Резанов. Дело в том, что название этого североамериканского штата происходит от имени вымышленной страны, земного рая, описанного в романе испанского беллетриста Гарсиа Одонеза де Монтальво «Las Sergas de Esplanidian». Этот роман создан в 1510 году. Роман Гарсиа Одонеза де Монтальво читали самые просвещенные из конквистадоров, и даже сам завоеватель Мексики - Кортес. Представление о Калифорнии как о земном рае стало стимулом для путешественников.

В музыкальной ткани «Звезды и Смерти Хоакина Мурьеты» нежное звучание флейты и акустической гитары, характерное для показа чилийской музыки, противопоставлялось шумному американскому стилю кантри. Стиль кантри здесь воссоздан с помощью банджо, фортепиано, ударных с бубном, солирующего квартета медных инструментов. И если «чилийская тема» была обращена к сокровенным человеческим чувствам (обращение Хоакина к далекой Родине, колыбельная Тересы), то калифорнийская музыка и пение сатирично обыгрывались. Подобными музыкальными средствами создавались антитеза родной для героев, прекрасной страны Чили и чужой, циничной Калифорнии.

За семнадцать сезонов только на ленкомовской сцене спектакль был сыгран более тысячи раз, не считая многочисленных гастролей и выступлений на огромных стадионах. На сегодня «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты» справедливо считается первым русским мюзиклом, получившим воплощение во всех трех формах, принятых в мировой практике: сначала был выпущен альбом, затем поставлен спектакль, и, наконец, по мотивам спектакля снят кинофильм.

История создания мюзикла «Юнона» и «Авось» началась с того, что известнейший поэт - шестидесятник Андрей Вознесенский прочитал поэму Б. Гарта «Консепсьон де Аргуэльо» и восхитился сюжетом этого произведения. Поэма рассказывала о русском путешественнике и одном из учредителей Русско - Американской торговой компании графе Николае Петровиче Резанове, его появление, а Сан - Франциско и переросшем в любовь знакомстве с юной дочерью губернатора Сан-Франциско Консепсьон де Аргуэльо.

Выбор места действия в поэме Б. Гарта глубоко символичен, как и в либретто А. Вознесенского к рок - опере «Юнона и Авось». Город Сан-Франциско, история которого началась с основания монастыря францисканцев, был неразрывно связан с католическим орденом святого Франциска Ассизского. «Их патрон отцом вдруг крестным городу чужому стал», - говорит Б. Гарт, подразумевая под патроном и крестным отцом Сан-Франциско святого Франциска Ассизского. Появляется у Б. Гарта и ангел Сан-Франциско («ангел ликом здесь чудесным с ветвью золотой сиял»). В либретто Вознесенского фигурирует и поселение монахов серафического ордена св. Франциска Ассизского.

В поэме Вознесенского «Авось» и в рок - опере «Юнона» и «Авось» «ангелом Сан-Франциско» граф Резанов называет прекрасную Кончиту де Аргуэльо («Позвольте Вас спросить, /Вы ангел Сан - Франциский? /Мне сорок лет, нет бухты кораблю, /Позвольте, Ваш цветок слезами окроплю». Более того, создатели рок - оперы с помощью различных средств художественной выразительности (поэтического текста, музыки, сценографии) подчеркивали небесную, ангелическую сущность героини, связь ее «вишневых глаз» с вишневым взглядом иконы Казанской Божьей Матери. «Ангел, стань человеком! /Подыми меня, ангел, с колен», - заклинает Кончиту граф Резанов. Кончита - это земное воплощение Вечной Женственности, не случайно полное имя юной дочери коменданта Сан-Франциско - донна Мария де ла Консепьон Марселла Аргуэль.

Рок - опера Рыбникова «Юнона» и «Авось» сочетала в себе эстетику рока и церковной музыки и пения. Православные молитвы в рок - опере сочетались с католическими, православная духовность - с миром католицизма. Первая, доленкомовская версия «Юноны» и «Авось» во многом отличается от нынешней, театральной. Существуют определенные разночтения в текстах либретто, вызывающие несколько иное осмысление и образа Резанова, и философской идеи спектакля. Таким образом, можно говорить о двух самостоятельных версиях рок - оперы - менее известной и театральной.

А. Рыбников называл рок - оперу «Юнона» и «Авось» особым российским видом музыкального спектакля, родившегося в семидесятые годы, спектаклем для поющих драматических актеров. В многочисленных интервью композитор подчеркивал, что в случае «Юноны» и «Авось» речь идет не о копировании западных образцов, а о феномене русского мюзикла.

Интересно, что «Белый шиповник» в первоначальной версии рок - оперы исполняют на испанском языке, и поет его жених Кончиты, Фернандо. В первоначальной версии рок - оперы присутствует сцена любовного объяснения между Консепсьон и Фернандо, предшествующая появлению Резанова. Более яркой и драматичной является последняя ария Резанова.

На сцене театра Ленком состоялась премьера первого русского мюзикла, зонг - оперы «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты». Режиссер М. Захаров стал одним из создателей русского мюзикла как сценического феномена. Ярчайшим сценическим воплощением русского мюзикла как самостоятельного эстетического явления стала «Юнона» и «Авось». В 1981 году рок - опера «Юнона» и «Авось» была поставлена на сцене Театра имени Ленинского комсомола. В постановке использовались принципы театра масок: маска как зеркальный вариант безликого рока в начале спектакля, маска как символ власти и маска как воплощение жажды золота, владеющая людьми.

Не менее символичной оказалась фигура Пылающего Еретика, символизирующего магию всепожирающего огня (в первой постановке эту роль играл Виктор Раков), восходящая к средневековым мистериям. В спектакле Захарова Пылающий еретик «доставал» огонь из огромного глобуса - шара земного, как будто извлекал страсть из недр человеческой души. Собственно говоря, «странный бред» Резанова, его кощунственная любовь к Божьей Матери - это своего рода ересь, вызванная страстью, горящей в душе графа. Пылающий еретик является, вероятно, одним из сценических двойников Резанова.

Резанов верит и не верит одновременно. Герой молится Казанской Божьей Матери и одновременно видит в ней женщину с вишневыми глазами. Он одновременно и в аду, и на Земле, он - посредник между миром безликих Масок и миром людей. Для героя важнее всего, что «свобода потеряла первородство», и поэтому новая раса нуждается в землях Нового Света.

Заслуживает особого внимания и сценография О. Шейнциса в «Юноне» и «Авось». Благодаря символичным мизансценам, особой эстетизации сценического пространства рок - опера «Юнона» и «Авось» напоминает об операх - мистериях эпохи модерн, о блестящих оперных проектах В.Э. Мейерхольда, музыкально-драматических спектаклях театра В.Ф. Комиссаржевской времен работы в нем В.Э. Мейерхольда. М. Захарову удалось соединить великолепное музицирование актеров, изысканную, символичную пластику, светомузыку и пиротехнические эффекты.

Первой отечественной рок-оперой (или первым отечественным мюзиклом) можно считать «Орфея и Эвридику» Александра Журбина. Сам композитор определял мюзикл как англо - американскую версию музыкального спектакля, но при этом упорно именовал «Орфея и Эвридику» рок - оперой, поскольку именно эта дефиниция более всего объясняет специфику жанра.

Согласно режиссерскому решению М. Розовского, Орфей был словно распят на микрофонных стойках. В глубине сцены, на длинных нитях, было подвешено золотое руно, служившее экраном для фантастических орнаментов, которые создавал на нем художник по свету и конструктор уникальной световой аппаратуры П. Пчелинцев.

Нити символизировали связь с невидимым кукловодом - судьбой, на роль которого претендовали основные маски, называвшие себя героями, - Фортуна и Харон. Особый интерес вызывал «бессловесный» герой - Певческий Бог, который сначала был окружен микрофонным частоколом, а потом впрягался в тележку Фортуны. Эту роль исполнял О. Сергеев, считавший, как впрочем, и М. Розовский, что образ Певческого Бога восходит к поэзии О.Э. Мандельштама

Журбин и Димитрин называли «Орфея и Эвридику» зонг-оперой. Причем зонгов был заимствован Димитриным у Б. Брехта. Зонги оказались важнейшими достоинсвами мюзикла.

Мюзикл «Орфей и Эвридика» выдержал множество сценических интерпретаций. Одной из самых интересных была интерпретация А. Асадулина, который решил попробовать себя в качестве режиссера. Асадулин сохранил в неприкосновенности сюжетную линию «Орфея и Эвридики», но изменил музыкальную стилистику спектакля. В его интерпретации музыкальные аранжировки были оформлены в стиле техно, а костюмы актеров сшиты из ультрасовременных тканей «электрических» цветов.

В режиссерской версии Асадулина Харон был похож не на корифея эллинских певческих состязаний, а на ультрасовременного ди-джея. Этот Харон лишь управлял ходом состязания, был посланцем и «наместником» Птицы - Славы. Асадулин сфокусировал зрительское внимание на паре Фортуна - Харон, лирический дует Орфея и Эвридики.

«Орфей и Эвридика» Журбина и Димитрина представлял собой яркое сценическое и музыкально - литературное воплощение «русского мюзикла» стал музыкально - поэтическим театром, действом мистериального порядка, глубоко философским явлением.

Суммируя и подытоживая сказанное, ранее сделаем некоторые выводы.

Во-первых , русский мюзикл стал явлением, включившим в себя такие музыкально - драматические жанровые разновидности, как рок - опера, зонг - опера, музыкальная комедия.

Во-вторых , на сегодняшний момент классическим считается мюзикл, сочетающий сложную хореографию, вокал и текст, что соответствует отечественному варианту музыкально - драматических спектаклей.

В-третьих , для «русского мюзикла» характерна эклектика, как в области драматургии, так и в области музыкальной стилистики. Во многом это обусловлено тем, что, в отличие от XIX и более ранних веков, XX столетие - «всеядное». Именно в XX веке человечество стали интересовать все эпохи, а, следовательно, и все музыкальные языки - Средневековья и Ренессанса, внеевропейских культур, и особенно музыка Востока. Вторая же особенность относится именно к музыкальной культуре нашего времени. Это - постепенное стирание граней между музыкой «серьезной» и «развлекательной». Неудивительно поэтому, что именно в XX веке возникает обширная «нейтральная территория», где встречаются и «сотрудничают» классическая музыка и массовая музыкальная культура. На этой «нейтральной территории» и расположены современные музыкально - драматические жанры.

«Мюзикл как музыкальный жанр»

Введение

Что такое мюзикл?

Этапы развития мюзикла

Мюзикл в России

Мюзикл «Нотр-Дам де Пари» (показ видеофильма)

Показ мюзикла «Нотр-Дам де пари»

Заключение

Подготовила преподаватель

теоретических дисциплин Минасян Г.Ж.

Введение

Современное музыкальное искусство наполнено разнообразием жанров и направлений. Сейчас на эстраде можно встретить и представителей классической школы, и различных молодёжных субкультур, и всевозможных музыкальных направлений. Каждый, выходя на сцену, выражает свои мысли и чувства по-разному: кто-то садится за рояль и исполняет классику, со сцены льётся музыка чистая, светлая, наполненная глубоким чувством. Такую музыку до конца понять может не каждый, но трогает она многих. Но тем не менее современная эстрада предлагает очень много музыкальной продукции для широкого круга потребителей. Эта музыка доступна для понимания каждому, зачастую не несёт в себе глубокого смысла.

Мир меняется, в него приходят новые люди, а вместе с ними и новые мысли, идей, меняются представления о жизни, о жизненных ценностях. Но тем не менее в сердцах людей навсегда остаётся вечное, светлое – любовь, дружба, верность. Всё это находит отражение в музыкальном творчестве. Вместе с образом мыслей меняются и средства выразительности: появляются новые музыкальные инструменты, в том числе электронные, новое световое оборудование. В результате сплава элементов современного музыкального искусства и классического появляются новые жанры.

Мюзикл наиболее востребованный и перспективный жанр музыкально – сценической постановки.

Объект исследования – современные музыкальные жанры

Предмет исследования – мюзикл как музыкальный жанр

Цель исследования – выяснить, какие современные и классические средства выразительности используются в мюзикле.

ЗАДАЧИ:

1. Рассмотреть особенности мюзикла как музыкально-сценического

жанра;

2. Изучить историю возникновения мюзикла как музыкально –

сценического жанра;

3. Проанализировать этапы развитию мюзикла

1. Что такое мюзикл?

Мю́зикл (англ. Musical) (иногда называется музыкальной комедией) - музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, важную роль играет хореография.

Мюзикл - особый сценический жанр, где в неразрывном единстве сливаются драматическое, музыкальное, вокальное, хореографическое и пластическое искусства. На современном этапе - один из самых сложных и своеобразных жанров, в котором, в той или иной степени, нашли свое отражение чуть ли не все стили сценического искусства, существовавшие прежде.

Три главных компонента мюзикла - музыка, лирика и либретто. Либретто мюзикла относится к «пьесе» или истории показа – фактически его разговорная (не вокальная) линия. Однако, "либретто" может также относиться к диалогам и лирике вместе, как либретто в опере. Музыка и лирика вместе формируют музыкальную партитуру. Интерпретация мюзикла творческой группой сильно влияет на способ представления мюзикла. Творческая команда включает режиссера, музыкального режиссера и обычно балетмейстра. Производство мюзиклов также творчески характеризуется техническими аспектами, такими как декорации, костюмы, свойства сцены, освещения и т.д. Это вообще изменяется от постановки к постановке (хотя некоторые известные аспекты производства имеют тенденцию сохраняться с оригинальной постановки, например, хореография Боба Фосса в «Чикаго»).

Не существует фиксированной длины для мюзикла, и он может длиться от короткого одноактного представления до нескольких действий и нескольких часов (или даже нескольких вечеров). Однако, большинство мюзиклов длится от получаса до трех часов. Мюзиклы сегодня обычно представляются в двух действиях, с одним перерывом от десяти до 20 минут. Первый акт почти всегда несколько длиннее, чем второй акт, и вообще представляет большую часть музыки. Мюзикл может быть построен приблизительно на 4-6 главных тематических мелодиях, которые повторяются всюду в представлении, или может состоять из ряда песен, не непосредственно музыкально связанных. Разговорный диалог обычно вкрапляется между музыкальными номерами, хотя использование "вокального диалога" или речитатива не исключено, особенно в такого типа мюзиклах, как «Les Misйrables».

Музыкальный театр близко связан с другим театральным искусством постановки, оперой. Эти формы обычно отличаются множеством факторов. Мюзиклы обычно имеют больший акцент на разговорном диалоге (хотя некоторые Мюзиклы полностью сопровождаются вокально, такие как «Иисус Христос – суперзвезда» и «Les Misйrables»; и с другой стороны некоторые оперы, такие как «Die Zauberflцte», и большинство оперетт, имеют некоторый несопровождаемый музыкально диалог. В частности мюзиклы почти никогда не исполняется на языке, отличающемся от языка его аудитории. Мюзиклы, произведенные в Лондоне или Нью-Йорке, например, неизменно поются на английском языке, даже если они были изначально написаны на другом языке (опять «Les Misйrables», первоначально написанный на французском языке, является хорошим примером). В то время как оперный певец - прежде всего певец и только во вторую очередь актер, музыкальный театральный певец - обычно актер сначала, который может по крайней мере поддержать мелодию, и имеет слух, но – часто это не профессиональный певец. Композиторы музыки для мюзикла часто должны принимать во внимание ограничения таких исполнителей, и театры, организующие мюзиклы обычно используют усиление певчих голосов актеров, к которому относились бы неодобрительно в контексте оперы.

В отрыве, по крайней мере, ни одна из этих особенностей действительно не является определяющей, и практически часто трудно найти отличие среди различных видов легкого музыкального театра, включая "оперетту", "комическую оперу", "легкую оперу", "музыкальную пьесу", "музыкальную комедию", "пародию", "мюзик-холл" и даже "ревю". Некоторые работы (например Леонарда Бернштейна и Стивена Сондхайма) получили и "мюзикловую театральную" и "оперную" аранжировку. Точно так же некоторые старые оперетты или легкие оперы имели современные постановки или адаптации, которые рассматривали их как мюзиклы. Сондхейм сказал: «я действительно думаю, что, когда что-то ставят на Бродвее, это - мюзикл, и когда это же ставят в оперном театре, это - опера.» Это так. Местность, провинциальность, ожидания аудитории делают это одной вещью или другой. Это прежде всего касается музыкальных театральных работ, которые являются отчетливо "неоперными", но неизбежно остается некоторым наложением между более легкими оперными формами и более музыкально сложным или изысканными мюзиклами: нечто среднее, в чем стили постановки являются почти столь же важными, как фактическое музыкальное или драматическое содержание по определению.

Как и в случае с хорошо обработанной опереттой или оперой, моменты либретто мюзикла самой большой драматической интенсивности часто выполняются в виде песен. Общеизвестно, что «когда эмоция становится слишком сильной для речи (или речитатива), Вы поете; когда она становится слишком сильной для песни, Вы танцуете". Песня (идеально во всяком случае) аранжирована так, чтобы удовлетворить характеру героя и его ситуациям в пределах истории, хотя были времена в истории мюзикла (например 1920-е), когда эта интеграция между музыкой и историей была незначительна.

Постановка часто открывается песней, которая устанавливает тон мюзикла, вводит некоторых или всех главных героев, и показывает атмосферу пьесы. В пределах сжатой природы мюзикла авторы должны развить героев и сюжет. Музыка обеспечивает средство выражения эмоций. Однако, обычно, намного меньше слов поется в пятиминутной песне, чем говорится в пятиминутном диалоге. Поэтому здесь меньше времени, чтобы развить драму, чем в прямой пьесе эквивалентной длины, так как мюзикл обычно посвящает больше времени музыке, чем диалогу.

2. История возникновения мюзикла

Сколько же лет мюзиклу? Искусство рассказывать истории с помощью песен относится к незапамятным временам. Мы знаем, что древние греки включали музыку и танцы в их театральные постановки еще в 5 веке до н.э. Некоторые из них писали специальные песни под каждый мюзикл, другие использовали существующие. Эти пьесы сочетали в себе политическую и социальную сатиру и все остальное, что может развлечь массы. С помощью песен можно было комментировать действия, рассказывать о происходящем и т.д.

Римляне скопировали практически все формы и традиции греческого театра, но они внесли и некоторые изменения. В частности, они стали подбивать обувь металлом, чтобы было лучше слышно движение танцоров, что стало подчеркивать важность спецэффектов.

Предшественниками современного мюзикла были множество легких жанров, где смешались шоу варьете, французский балет и драматические интерлюдии. В сентябре 1866 года на сцене Нью-Йорка прошла постановка Black Crook, где сплетались романтический балет, мелодрама и другие жанры. Именно она считается исходной точкой нового жанра. Музыкальная комедия подразумевала легкое развлекательное представление, где важным был не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики.

Ещё в 80-е годы для большинства тогда «советских» людей слово мюзикл было странным и непонятным. Однако, мюзикл такой же полноправный театрально-музыкальный жанр, как скажем опера и оперетта. Совершенно очевидно, что слово «мюзикл» происходит от английского слова «musical» - музыкальный. И в русскоязычной интерпретации не так давно можно было встретить его ошибочное, неправильное произношение, «мюзикл», «музикал», «мьюзакал» и так до бесконечности.

Если попытаться охарактеризовать жанр мюзикла, определить его сценическую принадлежность, то становиться сразу понятным, что это синкретичный жанр. В мюзикле переплетаются драма (драматический конфликт), музыкальные композиции (зачастую исполняемые актёрами), хореография, вокал, пластика. На данный момент на современной сцене не существует другого такого жанра, столь сложно обобщающего разнообразные направления и стили. Пока мюзикл находился на начальном этапе своего формирования, многие не верили в его успех.

Было принято считать, что мюзикл, это «театр одной пьесы», но вскоре, публика поменял свое мнение. Так как эти представления, кроме того, что были лёгкими, хорошо поставленными и приятными для просмотра, поднимали важные проблемы и воскрешали для широкого круга зрителей классику. Под словом классика тут имеется ввиду как музыка, так и литература, и возможно даже в большой степени литература.

Так, к примеру, роман Виктора Гюго «Собор парижской богоматери», был одним из благополучно забытых произведений 19 века. И возможно, не взорви публику «Нотр Дам де Пари», многие никогда бы не узнали о прекрасной и печальной Эсмеральде, которая погибла за любовь, и о Квазимодо, чья любовь была неразделённой, и который потерял всех, кого любил.

Но обо все по порядку. Ведь, «Нотр Дам де Пари», безусловно, был уже венцом цветения культуры мюзикла. В Россию мюзикл пробрался через джаз, впрочем такая ситуация была и на его исторической родине – Америке, где о том, что мюзикл начал зарождаться можно было говорить уже в 30х годах. Вы скажете, мюзикл в советской России? Не может быть! Что ж, помните фильмы Г. Александрова? Картина «Весёлые ребята» наверняка тут же приходит на память, а там и джазовая команда Утёсова. Традиции включать в кино элементы мюзикла мы сможем увидеть ещё и в фильмах «Цирк», «Волга – Волга». А вот показать мюзикл на сцене было гораздо сложнее, хотя пробы были регулярными начиная с 1960го года.

Как уже говорилось ранее, родиной мюзикла по праву считаются соединённые штаты Америки. Американский путь развития, будь то в политических либо в культурных сферах принято считать особым. Недолго думая, историки всех стран называют его «американский путь». Из-за большого количества переселенцев и пуритан, театральное искусства в Америке не могла развиваться так, как развивалось европейское. Отчасти поэтому, всё произошло так, как произошло.

Пуритане, боровшиеся не только за чистоту веру, но и за чистоту жизни практически двести лет навязывали людям мнение том, что театр это «низкий лицедейский» жанр. Пуритане были уверены, что духовное развитие человек может получить только через аскетизм и интеллект – ни того, ни другого, по мнению пуритан в театре не было. Несмотря на такой жёсткий и непосильный пригнёт, американский театр не исчез, однако некоторые его жанры так и не увидели свет.

Вплоть до 19 века театр в Америке находился вне закона, был контркультурным, поэтому расцветали грубые, упрощённые его виды. Актёрами в основном становились иммигранты из Европы, либо «чёрные американцы», они добавляли в театрализованные представления свой народный фолк. Таким образом, формирование театра всё же происходило, и ко второй половине 19 века появилось «нечто». Правда, представления в американском театре носили только развлекательный характер.

Зачастую, с начала появляется вещь, а потом человек размышляет как её назвать. Так вот, эти представления получили названия Министрель – шоу – уже само название говорит об иронизации его создателей над ним. В этих представлениях актёры делали смешные пародии на жизнь негров и негритянский быт. Самое интересное, что все актёры были белыми, а все музыканты – чёрными.

Такое увлечение культурой чёрных, поначалу пусть и шуточное, не могло не иметь последствий. Его самым замечательным последствием явилось зарождение – джаза. Джаз активно использовались на сцене для постановки бурлескных спектаклей, и спектаклей в духе фарс-водевиль. Эти постановки уже игрались при помощи и актёров и музыкантов. Джаз стал так популярен, что к началу второй мировой войны во всей Америке трудно было отыскать развлекательное шоу, не включающее джазовые элементы. Из примитивной негритянской музыки джаз превратился в музыку, которая рассказывает о философии американского бытия и как следствие этого, изменился и драматический жанр спектаклей. Джаз объединил все ранее разрозненные жанры – так родился мюзикл.

3.Этапы развития мюзикла

Театральное искусство США до конца 19 в. развивалось сложно, по особому пути, практически не соотносящемуся с общеевропейским. Английские пуритане, составлявшие большинство переселенцев в молодую страну, привезли с собой крайне нетерпимое отношение к художественной культуре вообще, и к театральному искусству в особенности. Истоки этого можно проследить еще в 17 в., со времен английской буржуазной революции, когда в 1642 английский парламент специальным указом запретил все театральные представления. Однако Англия, несмотря на свое островное расположение, все же не могла развиваться изолированно от общих тенденций европейского Просвещения 18 в., поставившего театр на службу своей идеологии, а следовательно – уделявшего театральному искусству много внимания. США же, в силу своей удаленности от Европы, обладали куда большей возможностью сопротивления интеграции тенденций художественной культуры. Переселенцы-пуритане, последовательно проповедуя идеологию аскетизма, на протяжении двух столетий отводили театру роль «низкого» и социально неодобряемого вида человеческой деятельности, провозглашая средоточием духовной жизни интеллектуальное, но не художественное развитие. Это не могло уничтожить театр вовсе, но обусловило совершенно определенные формы его развития.

Существование в 19 в. американского театра вне официальной идеологии способствовало развитию его самых простых и грубоватых форм, рассчитанных на неискушенного и потому непритязательного зрителя. К тому же мигрирующие из Европы театральные труппы и отдельные актеры, как правило, были не самыми талантливыми и не самыми состоятельными людьми, не сумевшими добиться успеха на родине. Наибольшее распространение в то время получили бродячие труппы, состоящие из небольшого количества актеров. Малый состав трупп обусловливал их репертуар: набор разнородных, преимущественно комических, номеров, короткие скетчи, музыкальные или танцевальные сценки. Как любой бродячий театр, чье материальное благополучие напрямую связано с конкретными интересами зрителей, эти труппы были вынуждены осваивать «местную специфику», в том числе – негритянский фольклор. К середине 19 в. сформировались американские театральные жанры, представляющие, несмотря на заимствование своих названий из европейского театра, совершенно особую их разновидность. Все они имели общую направленность – развлекательную. Различия между этими жанрами были скорее формальными, нежели принципиальными.

В конце 60-х годов XX века под влиянием новых музыкальных стилей приходит новое понимание мюзикла как жанра. В спектакле «Волосы» («Hair», 1967) нашли отражение модные тогда идеи хиппи, тем самым постановка получила название «мюзикла первобытного американского лирического рока». С 70-х годов количество спектаклей сокращается, однако декорации и костюмы новых мюзиклов становятся более роскошными. Кардинальные изменения в понятие мюзикла преподнесла постановка «Иисус Христос суперзвезда» («Jesus Christ Superstar»1971) композитора Эндрю Ллойда Уэббера и либреттиста Тима Райса. Серьёзная тема мюзикла «Эвита» («Evita», 1978) доказала большой путь, который прошёл жанр за время своего развития. Творение Уэббера «Кошки» («Cats», 1981) по мотивам стихотворного цикла Т. С. Эллиота «Популярная наука о кошках, написанная Старым Опоссумом» («Old Possum’s Book of Practical Cats») представляет яркие запоминающиеся образы, в музыке узнаются кошачьи интонации, танцы гибки и пластичны. Другим популярным произведением Уэббера стал мюзикл «Призрак Оперы» («The Phantom of the Opera»), сочетающий в себе элементы детектива и триллера.

Англо-американская монополия мюзиклов прекратилась в 1985 году, когда на лондонской сцене состоялась премьера французской постановки «Отверженные» («Les Miserables») по мотивам одноимённого романа Виктора Гюго. Авторами являются композитор Клод Мишель Шонберг и либреттист Ален Бублиль. Высокий уровень мюзикла как жанра доказывает «Мисс Сайгон» («Miss Saigon»), осовремененная опера Пуччини «Мадам Баттерфляй».

4. Мюзикл в России

В России взаимоотношения с мюзиклом начали завязываться очень давно, – правда, в несколько иной, своеобразной модификации этого жанра. Однако первые подступы к мюзиклу шли так же, как и в Америке, – через джаз. Это случилось в фильмах Г.Александрова, и особенно – в Веселых ребятах с участием джаз-банда Л.Утесова. Несмотря на то, что в партитуре присутствует не так уж много музыкальных номеров, на самом деле они являются полномочными участниками фильма, существующими на равных правах с актерами. Эта линия была продолжена режиссером в Цирке, и – несколько менее органично – в Волге-Волге, где музыкальные номера зачастую были вставными. Этот опыт Александрова практически не имеет аналогов в советском кинематографе, где развитие жанра музыкальной комедии шла преимущественно по линии оперетты (от ранних фильмов И.Пырьева до творчества классика жанра Я.Фрида).

Начиная с середины 1960-х предпринимались и многочисленные попытки постановок мюзиклов на советской сцене. В Ленинградском театре им.Ленинского комсомола была даже поставлена Вестсайдская история. Однако преимущественно диапазон постановок музыкальных спектаклей колебался между социальной публицистикой типа брехтовской зонг-оперы (Добрый человек из Сезуана на Таганке, Трехгрошовая опера и Люди и страсти в театре Ленсовета) и лирической музыкальной комедией-опереттой, сыгранной с большей или меньшей психологической убедительностью (Дульсинея Тобосская в театрах им. Маяковского и Ленсовета, Левша в театре Ленсовета и даже Ханума в БДТ). Однако был и ряд настоящих прорывов в сторону мюзикла. Они были, как правило, связаны с рок-творчеством российских композиторов. Так, совершенно неожиданным выглядел спектакль Свадьба Кречинского в Ленинградском театре оперетты (композитор А.Колкер, режиссер В.Воробьев). И, конечно, Ленкомовские спектакли М.Захарова – Тиль (композитор Г.Гладков), «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» и «Юнона» и «Авось» (композитор А.Рыбников). Последний из них каким-то необъяснимым образом зажил по законам американского мюзикла, на протяжении десятков лет сохраняя стабильную зрительскую реакцию (несмотря на то, что исполнители ролей широко заняты и в остальном репертуаре театра).

5. Современный мюзикл в России .

Гораздо более серьезным поводом для разговора мог бы стать оригинальный российский мюзикл. Конечно, не «Губы» в Театре Луны, который, несмотря на добротную литературную и музыкальную основу (В.Набоков, А.Журбин) остался обычным репертуарным спектаклем. Но – первый, сделанный с должным размахом и сопровождаемый грамотной продюсерской работой Норд-Ост. Однако трагедия с заложниками на Дубровке, кроме остальных ужасных последствий, разом обрубив успешный проект, похоже, отбросила российский мюзикл далеко назад. Возрождения Норд-Оста не получилось, психологический груз происшедшего оказался непосильным.

Заключение

Проанализировав специальную литературу и информацию в сети Интернет, я пришёл к выводу, что мюзикл – это жанр синкретичный, объединяющий в себе драматическое, музыкальное, вокальное, хореографическое и пластическое искусства. Он возник на основе сразу нескольких жанров - шоу варьете, французского балета и драматических интерлюдий. Для воплощения художественного замысла в мюзикле используется множество выразительных средств, современная аппаратура и спецэффекты. А именно звук, движение, речь, световое и лазерное шоу.

Мюзиклы традиционно считаются одной из самых сложных форм театральной постановки. Для его воплощения на сцене требуется очень много ресурсов. В постановке задействовано очень много людей (актёры, работники сцены, осветители, звукорежиссеры, администрация, рекламные агенты и.т.д.). Кроме того, на сегодняшний день мюзикл считается самым дорогим жанром.

Либретто для мюзикла составляются на основе различных сюжетов: исторических событий, мифов, выдуманных историй, сказок, повестей и романов. Хотя мюзикл и считается развлекательным жанром, тем не менее в основу идеи могут быть положены высокие идеи и глубокий смысл.

Современные средства выразительности способны наиболее сильно воздействовать на органы восприятия человека. Современная аппаратура способна воспроизвести почти любые звуки, создать нужные световые эффекты. Декорации, костюмы – всё это делает впечатления намного ярче.

Таким образом я пришёл к выводу, что мюзикл действительно является наиболее востребованным и перспективным жанром музыкально –сценической постановки. Так как мюзикл объединяет в себе и академические традиции (профессиональный вокал, классический балет, где - то симфоническое искусство), и современные веяния (эстрадные танцы и вокал, синтетическое звучание, световое шоу). В совокупности они способны наиболее сильно воздействовать на эмоциональную сторону человека и с помощью них можно намного ярче выразить художественный замысел.

Список литературы:

История зарубежного театра: учебник по культуре и искусству. / Под ред. Л. Гительмана. – СПб.: Питер, 2005.

Кирьянова, Н. В. История мировой литературы и искусства. / Н. В. Кирьянова. – М.: Наука, 2006.

Шабалина Т. Статья «Мюзикл»

www. ru.wikipedia.org/wiki

www.muzikl.net

19 августа 1957 года в Вашингтоне состоялась премьера мюзикла «Вестсайдская история» по пьесе Артура Лоренца. Он представлял собой историю Ромео и Джульетты, перенесенную в реалии Америки того времени. Главные герои — юноша-еврей Тони и итальянка-католичка Мария — принадлежат к двум враждебным молодежным группировкам Нью-Йорка, но, несмотря ни на что, любят друг друга. Мюзикл моментально стал хитом, а после экранизации в 1961 году только укрепил свои позиции.

Мюзикл — один из самых популярных жанров театрального искусства. Ведь его сюжет разыгран не только в словах и действиях, но и в песнях и танцах. К тому же мюзиклы, как правило, отличаются массовостью и яркостью, чем и привлекают зрителей.

Мы решили вспомнить самых известных представителей этого жанра.

«Моя прекрасная леди»

В 1964 году вышел одноименный фильм, в котором роль Элизы исполнила Одри Хепберн.

В основу этого мюзикла легла пьеса Бернарда Шоу «Пигмалион», в которой рассказывается, как главная героиня, цветочница Элиза Дулиттл, становится очаровательной леди. Такое превращение состоялось из-за спора профессора фонетики и его друга-лингвиста. Элиза перебралась в дом ученого, чтобы пройти нелегкий путь обучения и преображения.

Премьера мюзикла состоялась 15 марта 1956 года. Главную роль, Элизу, сыграла Джули Эндрюс. Шоу сразу же завоевало невероятную популярность, а вскоре получило несколько престижных театральных премий.

В 1964 году на экраны вышел одноименный фильм, в котором роль Элизы исполнила Одри Хепберн.

«Звуки музыки»

Немецкий фильм «Семья фон Трапп» стал основой для этого мюзикла. Картина повествовала об австрийской семье, которая, спасаясь от нацистов, отправилась в Америку. Сюжет был основан на книге Марии фон Трапп — непосредственной участницы тех событий.

Премьера состоялась 16 ноября 1959 года. Мюзикл получил 8 театральных премий «Тони». В 1965 году вышел одноименный фильм. Его сюжет немного отличался от пьесы, но именно он принес «Звукам музыки» настоящую мировую известность.

«Кабаре»

Основа сюжета легендарного мюзикла — рассказы «Берлинские истории» Кристофера Ишервуда о жизни в Германии в начале 30-х годов. Еще одна часть повествования пришла из пьесы Джона Ван Друтена «Я — камера», повествующей о любви молодого писателя и певицы берлинского кабаре Салли Боулз. Судьба занесла героя в столицу Германии в начале 30-х. Здесь он и знакомится с Салли и влюбляется в нее. Но она отказалась последовать за ним в Париж, разбив ему сердце.

Премьера мюзикла состоялась 20 ноября 1966 года. Постановка получила 8 премий «Тони». В 1972 году на экраны вышел одноименный фильм режиссера Боба Фосса. Образ Салли блистательно воплотила Лайза Минелли.

«Иисус Христос — суперзвезда»

Произведение породило множество споров и стало культовым для поколения хиппи.

Музыку для этого мюзикла написал Эндрю Ллойд Вебер. В отличие от традиционных постановок, в этой вся история рассказывается только с помощью песен. Также он стал оригинальным благодаря рок-музыке и современной лексике в текстах. Это и сделало постановку настоящим хитом.

Повествование в ней идет о последних семи днях жизни Иисуса, которые проходят перед глазами Иуды Искариота, разочарованного учением Христа.

Впервые рок-опера прозвучала в виде альбома в 1970 году, главную роль в ней исполнил солист группы Deep Purple Иэн Гиллан. Произведение породило множество споров и стало культовым для поколения хиппи. Через год оно было поставлено на Бродвее.

«Чикаго»

11 марта 1924 года в газете «Чикаго Трибьюн» журналистка Морин Уоткинс рассказала об актрисе варьете, убившей своего любовника, — это стало отправной точкой для сюжета мюзикла. В те времена рассказы о преступлениях на сексуальной почве были весьма популярны, и Уоткинс продолжила писать о них. 3 апреля 1924 года появилась ее новая заметка о женщине, застрелившей бойфренда. Позже Уоткинс написала пьесу «Чикаго».

История мюзикла рассказывает о танцовщице кордебалета Рокси Харт, хладнокровно убившей своего любовника. В тюрьме Рокси знакомится с Велмой Келли и другими преступницами, а потом нанимает адвоката Билли Флинна, с помощью которого избегает наказания, а заодно становится настоящей звездой. Премьера мюзикла состоялась 3 июня 1975 года.

В 2002 году вышел фильм «Чикаго» с Рене Зелльвегер (Рокси), Кэтрин Зетой-Джонс (Вельма) и Ричардом Гиром (Билли Флинн).

«Кошки»

В «Кошках» нет занавеса, а сцена сливается с залом в единое пространство.

Основой для этого популярного мюзикла послужил цикл детских стихов Т.С. Элиота «Книга старого Опоссума о практичных кошках», вышедший в Англии в 1939 году. В сборнике иронично рассказывалось о привычках и повадках кошек, в которых угадывались человеческие черты. Стихи Эллиота понравились Эндрю Ллойду Вебберу.

В «Кошках» необычно все — на сцене нет занавеса, она сливается в единое пространство с залом. Сама сцена оформлена, как свалка. Актеры предстают в виде грациозных кошек благодаря сложному многослойному гриму. Их костюмы расписаны вручную, парики, хвосты и воротники выполнены из шерсти яка. Мюзикл впервые был показан 11 мая 1981 года в Лондоне.

«Призрак оперы»

«Призрак оперы» создан по одноименному роману Гастона Леру. Романтическая, но мрачная история рассказывает о живущем в подземелье под Парижской оперой загадочном существе со сверхъестественными способностями. Оно влюбляется в молодую певицу Кристину и становится ее покровителем.

Премьера «Призрака оперы» состоялась 9 октября 1986 года в Королевском театре, на ней присутствовали даже члены семьи Ее Величества. Шоу стало первым по длительности демонстрации мюзиклом за всю историю Бродвея, обогнав даже «Кошек».

В 2004 году мюзикл стал фильмом, в котором образ призрака в маске воплотил Джерард Батлер.

«Эвита»

Идея создания мюзикла появилась случайно — в октябре 1973 года Тим Райс в машине услышал окончание радиопередачи, в которой речь шла об Эвите Перон — жене аргентинского диктатора Хуана Перона. История ее жизни заинтересовала поэта. Сюжет шоу повествует о том, как она приехала в Буэнос-Айрес в 15 лет и стала сначала известной актрисой, а затем и женой президента страны. Эта женщина помогала бедным, но при этом способствовала воцарению диктатуры в Аргентине.

Мюзикл вышел 21 июня 1978 года, а через 20 лет решено было снять фильм по его мотивам. Режиссером выступил Алан Паркер, главную роль сыграла Мадонна.

«Мама Миа»

Популярность песен группы ABBA столь велика, что идея о создать мюзикл на их основе неудивительна. В мюзикл вошли 22 хита легендарного квартета. Его авторами стала мужская половина ABBA. Сюжет следующий: Софи готовится выйти замуж. На свадьбу она собирается пригласить отца, чтобы тот отвел ее к алтарю . Только вот мать девушки, Донна, никогда не говорила о нем. Софи нашла дневник матери, где рассказывалось о ее отношениях с тремя различными мужчинами, в результате приглашение отправляется всем им. Когда на свадьбу начинают прибывать гости, начинается самое интересное…

Впервые этот веселый и яркий мюзикл был показан зрителям в 1999 году, а в 2008 году свет увидел фильм по нему с Мерил Стрип, Пирсом Броснаном, Колином Фертом, Амандой Сэйфрид и другими актерами.

«Нотр-Дам де Пари»

Мюзикл поставлен по мотивам романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери».

Мюзикл поставлен по мотивам романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». Впервые он был показан в Париже 16 сентября 1998 года и попал в Книгу рекордов Гиннеса как имевший самый успешный первый год работы.

По сюжету юная девушка-цыганка по имени Эсмеральда своей красотой привлекает к себе внимание мужчин. Среди них — епископ Собора Парижской Богоматери Фролло, молодой красавец — капитан королевских стрелков Феб и уродливый звонарь Квазимодо, воспитанник Фролло.

Эсмеральда без памяти влюбляется в самого красивого из них — Феба. Он не против воспользоваться этим, несмотря на то что у него есть невеста — Флер-де-Лис. Фролло же обуреваем ревностью и терзаем сомнениями — ведь он, как священник, не имеет права любить женщину. Квазимодо восхищается юной цыганкой, видя в ней ту недосягаемую неземную красоту, которая является полной его противоположностью.

«Юнона и Авось»

Мюзикл — без преувеличения самая известная российская постановка данного жанра. Его премьера состоялась 9 июля 1981 года. Режиссером выступил Марк Захаров, а главные роли сыграли Николай Караченцов и Елена Шанина. В основу была положена поэма «Авось» Андрея Вознесенского.

По сюжету граф Резанов, похоронив жену, решил отдать все силы служению России. Его предложения о необходимости попытки наладить торговые отношения с Северной Америкой долго не встречали отклика у властей, но, наконец, ему повелели отправиться туда. Там он знакомится с юной Кончитой, и они влюбляются друг в друга. Обстоятельства заставляют их расстаться, но они успевают тайно обвенчаться. И хотя им не суждено будет увидеться вновь, любовь их будет жить вечно.