Искусство италии эпохи возрождения. Эпоха возрождения в италии. Типично итальянский культурный продукт

Европейские страны внесли огромный вклад в культуру Возрож­дения. Лучшие произведения этой эпохи вошли в мировую культуру. Особенности исторического, социально-экономического, полити­ческого и духовного развития этих стран обусловили специфику Возрождения в каждой из них.

Культура Возрождения возникла в Италии, которая стала клас­сическим очагом ренессансной культуры. Это обусловлено опреде­ленными причинами. Через Италию проходили наиболее важные торговые пути, соединявшие Европу с Азией, что вызвало быстрый рост портовых и ремесленных городов (Флоренция, Генуя, Венеция, Болонья и др.).

Через Италию проходили крестоносцы, что способствовало развитию ремесел, увеличению слоя ремесленников. Раньше, чем в других странах, стало развиваться мануфактурное производство. Все это стимулировало активную политическую жизнь в городах-ре­спубликах и создавало благоприятные условия для развития куль­туры.

Борьба горожан против феодалов, которая в некоторых странах закончилась объединением страны под эгидой сильной монархиче­ской власти, в Италии завершилась победой республиканской фор­мы правления и образованием большого количества городов-рес­публик. Это было победой третьего сословия, которое не могло быть удовлетворено средневековой культурой и идеологией. Таким обра­зом, и политическая борьба неизбежно подводила к новому осмыс­лению мира.

Наконец, большую роль сыграло и то, что Италия была прямой наследницей античной культуры и памятников ее в этой стране сохранилось больше, чем где бы то ни было.

Хронологические рамки итальянского Возрождения охватывают период со второй половины XIII в. и по XVI в. включительно. Внутри этого периода выделяют: Проторенессанс (предвозрождение) - XIII и начало XIV вв.; Раннее Возрождение - с середины XIV в. и почти весь XV в.; Высокое Возрождение - конец XV и первая треть XVI в.; Позднее Возрождение - XVI и начало XVII в.

До конца XV в. о Возрождении можно говорить только применительно к Италии. В других странах Европы оно началось много позднее и не нашло столь яркого выражения, хотя и там были свои выдающиеся мастера.

Концом итальянского Возрождения принято считать 1530 г., когда итальянские города-республики были покорены габсбургской монархией. Независимость сохранила только Папская область и еще долго оставалась самостоятельной Венеция.

В основе итальянского Возрождения лежит открытие личности, осознание ее достоинства и ценности ее возможностей. Это и составляет сущность ренессансного гуманизма. Последний продол­жает традицию античного гуманизма, но отличается от него, так же, как волевой, предприимчивый человек начала буржуазной эпохи отличается от человека античного полиса. Герой античного обще­ства и античного искусства - прекрасный и разумный человек, калакагатийный (прекрасно-добрый), физически совершенный, эс­тетически развитый. Возрождение формирует волевого, разносто­ронне образованного, деятельного человека, творца своей судьбы, творца самого себя.

Искусство Возрождения нельзя назвать безрелигиозным. Созда­вались произведения на религиозные сюжеты, было и религиозное чувство, но оно обрело новое содержание. Для людей Возрождения дистанция между Богом и людьми по сравнению со средневековым человеком сократилась. Все, что люди любили в жизни, чем они любовались - мужская доблесть, мудрость стариков, нежность де­тей, красота женщин, красота природы и то, что человек создал своим трудом,- все это становилось достоянием и атрибутом свя­щенной истории.

И вместе с тем все виды художественного творчества эпохи Возрождения - изобразительное искусство, литература, архитекту­ра, музыка, театр и другие прониклись светским духом. Отказавшись от канонов средневековой культуры, от символики Средневековья, искусство Возрождения ощутило дыхание жизни.

Самой яркой страницей итальянского Возрождения стало изо­бразительное искусство, особенно живопись и скульптура. И, об­ращаясь к эпохе итальянского Ренессанса, мы прежде всего представляем эти виды искусства.

Очень трудно выбрать отдельные имена, говоря о творчестве художников итальянского Возрождения. И не только потому, что их было очень много, но и главным образом потому, что даже средний уровень итальянского искусства этой эпохи был очень высоким.

Проторенессанс (XIII - начало XIV вв.) - преддверие Возрож­дения, когда в искусстве только появляется новое. Проторенессанс утверждается в городах провинции Тоскана - Пизе, Сиене, Фло­ренции.

Флоренция для Возрождения то же, что Афины для Древней Греции - центр художественной культуры. Она дала миру Данте, Петрарку, Боккаччо. Во Флоренции жил и работал Джотто ди Бондоне (1266/76-1337) - основоположник европейской живопи­си, родоначальник реализма.

"- Основные работы Джотто - фрески. Объясняется это тем, что в Тоскане в это время шло большое строительство дворцов и церквей. Художники делали в них росписи, поэтому фреска и стала главным видом их творчества. Самые знаменитые фрески Джотто находятся в Капелле дель Арена в Падуе. Они написаны такими сияющими красками, что и сейчас, 700 лет спустя, капелла похожа на ларец, усыпанный драгоценными камнями. В капелле размещено 37 картин на библейские темы: «Поклонение волхвов», «Поцелуй Иуды», «Иоаким у пастухов» и другие. Следует особенно отметить изображение художником жизни и страданий Христа.

Джотто отвергает средневековый канон, требовавший выраже­ния примата духа над телом, проявлением чего были бестелесные удлиненные фигуры, строгие большие глаза, ноги, лишь слегка касающиеся земли. У Джотто образы материальные: массивные приземистые фигуры, крупная голова, узкий разрез глаз. Пережи­вания героев естественны: отсутствует театрализация. Отказавшись от плоского золотого фона, принятого в средневековой живописи, художник помещает фигуры в интерьер или в пейзаж, часто вводя в него элементы архитектуры.

Не владея законами перспективы и допуская неточности в анатомии, Джотто умел передать ощущение пространства, придать фигурам объемность. Он был не только живописцем, но и выдаю­щимся архитектором.

«Джотто был гением такой необычайной силы, что во всем мироздании не нашлось бы такого, чего он не мог бы изобразить» - так высоко оценил творчество Джотто его современник Джованни Боккаччо. А другой его современник - крупнейший поэт эпохи проторенессанса, "ставший классиком мировой литературы, Данте Алигьери прославил Джотто в своей «Божественной комедии» во второй ее части - «Чистилище».

Раннее Возрождение (конец XIV-XV вв.) было представлено плеядой блестящих художников: Мазаччо (1401-1426), Донателло (1386-1466), Доменико Гирландайо (1449-1494), Пьетро Перуджи-но (1445-1523), Сандро Боттичелли (1445-1510) и десятки других выдающихся художников, полотна которых украшают музеи мира.

Художник Мазаччо (настоящее имя Томмазо ди Джованни), скульптор Донателло и архитектор Филиппе Брунеллески (1337- 1446) - определяющие фигуры Раннего Возрождения.

Творчество Мазаччо открывает XV век, который был веком высшего расцвета флорентийского искусства. Мазаччо расписал во Флоренции небольшую капеллу Бранкаччи (названную по имени заказчика), ставшую образцом и школой для нескольких поколений итальянских мастеров. Тема фресок взята из легенды о жизни апостола Петра. Но на торцовой стене входной арки художник поместил фреску «Изгнание из Рая». Здесь впервые после эпохи античности было показано обнаженное человеческое тело, впервые в живописи была передана объемность, весомость фигур. Мазаччо первый стал передавать пространство на плоскости при помощи линейной перспективы (в этом сказалось влияние Брунеллески). Он не нагромождает фигуры рядами, как это делалось раньше, а располагает их на разном расстоянии в зависимости от удаленности от зрителя. Вместе с тем Мазаччо сумел выразить драматизм ситу­ации, найдя точные характеристики персонажей.

Художник прожил короткую жизнь - 27 лет (он был отравлен из зависти), но его искусство остается школой высокого мастерства.

Скульптор Донателло создал станковую и монументальную круг­лую скульптуру и рельеф. Известно много его работ: образы святого Георгия и пророков, герб Флоренции, рельеф «Пир Ирода» и др. Но самой знаменитой его работой стала статуя Давида (1430). Это было первое для своего времени изображение обнаженной фигуры в монументальной скульптуре. Широко распространенное в антич­ности изображение обнаженной натуры в Средние века было пре­дано забвению.

Согласно преданию юноша - пастух Давид - спас свой народ, победив в единоборстве воина вражеского племени Голиафа. За этот подвиг народ избрал его своим царем. Образ Давида - простого человека, выдвинувшегося благодаря смелости и любви к своему народу - был одним из любимых в эпоху Возрождения. Донателло изобразил его в пастушеской шляпе, увитой плющем, в обрамлении длинных волос, лицо почти прикрыто шляпой. В одной руке у него камень, в другой - меч. Тело Давида прекрасно моделировано. Скульптура рассчитана на круговой обзор и это тоже было новше­ством, потому что средневековые статуи были тесно связаны со стеной и подчинены архитектуре. Здесь же скульптура выступает как самостоятельное художественное произведение.

Нельзя не назвать еще одного прекрасного художника той поры, человека яркого, самобытного дарования и трагической судьбы - Сандро Боттичелли. «Редко какой художник так переживал, так выражал содержание своей эпохи»,- так определил творчество Боттичелли исследователь этого периода.

Боттичелли написал большое количество живописных полотен, сделал иллюстрации к «Божественной комедии» Данте, но самые знаменитые его картины - «Весна» и «Рождение Венеры». Согласно мифу, богиня любви, радости, брака была рождена из морской пены. Это первая большая (172х278) картина эпохи Возрождения на античную тему. Появление живописи нецерковного содержания было приметой времени.

Цветовой строй картины сдержан, рисунок изыскан и точен. Поза богини, плывущей на раковине,- целомудрена: руками она прикрывает свою наготу. Вся она - воплощение женственности, грации, красоты.

Впоследствии увлеченный идеями проповедника Савонаролы Боттичелли отрекся от своего творчества, сжег оставшиеся у него картины, порвал с античными сюжетами и стал писать картины на религиозные темы. Умер он в изгнании, всеми забытый, пережив­ший свою славу. Его открыли вновь в конце XIX- начале XX вв., и искусство его оказалось созвучным французским импрессиони­стам - Эдуарду Манэ и даже Модильяни.

Конец XV и начало XVI вв. называют «Высоким Возрождением», а первые десятилетия XVI столетия «золотым веком» Ренессанса. В эти годы получили завершение искания новой культуры. Характер­ные черты реализма итальянского Возрождения - классическая ясность, человечность образов, их пластическая сила и гармониче­ская выразительность - достигают небывалой высоты.

Высокое Возрождение является не только продолжением и завершением предшествующего развития, но и качественно новым этапом. Его лучшие представители не только продолжают искания своих предшественников, они подчиняют полученные знания более глубоким задачам: в частном, конкретном они умеют раскрыть общее, характерное. Созданные ими образы - гимн человеческой красоте и мудрости.

Высокое Возрождение освещает творчество трех великих тита­нов, гениальных художников - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти.

Человеком фантастического ума и художественного гения был Леонардо да Винчи (1452-1519). Его феноменальная исследователь­ская мощь проникала во все области науки и искусства. Даже спустя столетия исследователи его творчества изумляются гениальности прозрений величайшего мыслителя. Леонардо был художником, скульптором, архитектором, философом, историком, математиком, физиком, механиком, астрономом, анатоном... До нас дошли его многочисленные рисунки и чертежи с проектами токарных станков, прядильных машин, экскаватора, подъемного крана, литейного цеха, гидравлических машин, приспособлений для водолазов и т. п. Мечтая о полете, Леонардо изучал, зарисовывал, рассчитывал все, что связано с полетом птиц и насекомых. Результатом этих иссле­дований явились рисунки и расчеты самолета, вертолета, парашю­та... Трудно даже перечислить все то, над чем работал гениальный мыслитель и творец и к каким результатам он пришел.

Среди безграничного множества своих интересов на первое место Леонардо ставит живопись. «Если живописец пожелает уви­деть прекрасные вещи, внушающие ему любовь, то в его власти породить их, а если он пожелает увидеть уродливые вещи... то и над ними он властелин и бог... Все, что существует во вселенной как сущность, как явление или как воображаемое, он имеет сначала в душе, а затем в руках,- писал он.- Поэтому живопись должна быть поставлена выше всякой другой деятельности.»

Леонардо да Винчи написал много картин. Среди них - «Ма­донна с цветком» («Мадонна Бенуа»), «Мадонна Литта», «Дама с горностаем», «Мария с младенцем» и многие другие. Его мадон­ны - прелестные юные женщины, лица которых освещены любо­вью и любованием своим младенцем. Они различаются по характеру, по типу личности; но все они прекрасны естественной женствен­ностью, земной красотой. Все работы Леонардо превосходны и все же самые известные его творения - «Тайная вечеря» (1495-1498) - роспись стены трапезной миланского монастыря Санта Мария делле Грацие, ставшая этапной работой в научных изысканиях автора и новым словом в изобразительном искусстве; портрет жены купца Джоконде Моны Лизы (ок. 1503), с ее неразгаданной, таинственной улыбкой. Эту улыбку пытались повторить на холсте многие после­дователи художника, но никому это не удалось. Много талантли­вейших произведений посвящено женщине, но нет среди них равного по своей таинственной силе гимну, который создал гений Леонардо в честь самого прекрасного и загадочного творения природы.

В портрете Моны Лизы художник решил задачу, предвосхища­вшую грядущие устремления изобразительного искусства: им было запечатлено не одно какое-нибудь состояние человека, а сложный процесс его духовной жизни. И вот уже пять веков «Мона Лиза» вдохновляет поэтов, музыкантов, художников, порождает домыслы, провоцирует подделки и кражи.

Синтез традиций античности и духа христианства нашел наибо­лее яркое воплощение в творениях гениального художника Возрож­дения Рафаэля Санти (1483-1520). В его творчестве получили решение две важнейшие проблемы изобразительного искусства:

изображение пластического совершенства человеческого тела, вы­ражающего духовное богатство и гармонию внутреннего мира че­ловека, и построение сложной многофигурной композиции.

Всю жизнь Рафаэль искал совершенный, гармоничный образ, воплощая свой замысел в изображении Мадонны («Мадонна Коне-стабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна с щегленком», «Мадонна в кресле»). Вершиной рафаэлевского гения стала «Сикстинская мадонна» (1515-1519). Автору удалось создать образ идеально пре­красной женщины с младенцем Христом на руках, которого она отдает в жертву во искупление человеческих грехов. Распахнулись зеленые драпировки, и зрителю явилась Мадонна, держащая в руках младенца Христа. Спокойный силуэт Мадонны четко вырисовыва­ется на фоне светлого неба. Она движется легкой решительной поступью, встречный ветер развевает складки ее одежды, от чего ее фигура кажется более ощутимой. Ее маленькие босые ноги чуть касаются пронизанного светом облака. Это придает ее поступи необычайную легкость. И с такой же легкостью она несет своего сына, протягивая его людям и в то же время крепко прижимая к себе.

Прекрасное лицо молодой женщины выражает огромную внут­реннюю силу. В нем - любовь к младенцу, тревога за его судьбу и непоколебимая твердость, сознание совершаемого ею подвига: мать приносит в жертву своего единственного сына ради спасения людей.

Лицо Христа недетски серьезно. Сквозь детскую хрупкость ощущается сила: его глаза смотрят твердо и прозорливо.

Совершенная по композиции картина создает ощущение уди­вительной гармонии. Это одно из самых выдающихся произведений мирового изобразительного искусства по художественному языку, колориту, пластике, ритму, композиции.

Рафаэль работал в различных жанрах. Он и автор знаменитых фресок («Афинская школа», «Парнас», «Изгнание Элиодора», «Мес­са в Больсене», «Освобождение апостола Петра из темницы» и др.) и величайший портретист своего времени. Им написаны работы, в которых индивидуальные черты слиты воедино с типическими, характеризующими образ эпохи («Портрет Юлия II», «Лев X», «Портрет кардинала», «Дама с вуалью» и др.).

Помимо живописи, Рафаэль занимался также архитектурой, археологией, охраной античных памятников. Умер Рафаэль в воз­расте 37 лет, не успев завершить многих начатых работ.

Третий титан Возрождения - Микелапджело Буонарроти (1475-1564). Прожив долгую жизнь, он творил как и в период высокого Ренессанса, так и в годы его заката. Величайший мастер своей эпохи, Микеланджело превзошел всех силой и насыщенно­стью живописных образов, гражданским пафосом, страстью. Жи­вописец, скульптор, архитектор, поэт Микеланджело внес щедрый вклад в сокровищницу мировой культуры.

В 1496-1499 гг. он создает свои первые, принесшие ему славу скульптурные произведения «Вакх» и «Пьета». С этого момента и до конца жизни изображение прекрасного обнаженного тела ста­новится главной темой творчества Микеланджело. В 1504 г. он завершил работу над статуей Давида (ее высота ок. 5,5 м). Скульптура получила высокое признание общественности и виднейших худож­ников того времени, ее было решено установить перед городской ратушей во Флоренции. Открытие статуи вылилось в народное торжество.

О титанической работоспособности, нечеловеческом напряже­нии ума и физических сил Микеланджело свидетельствует роспись плафона Сикстинской капеллы в Ватикане. До него никому не приходилось браться за такую гигантскую работу: площадь фресок составляет 600 кв. м на высоте 18 м. Над ними Микеланджело работал с 1508 по 1512 г. В росписи Сикстинского плафона 343 фигуры, и несмотря на религиозный сюжет (сцены Ветхого завета), она представляет собой гимн человеку, его совершенству, силе, мужеству, красоте.

Последние два десятилетия жизни Микеланджело были отмече­ны утратой надежд, разочарованием, духовным одиночеством. Но великий мастер продолжал творить до конца своих дней, создавая произведения, свидетельствующие о его неумирающем гении.

Величайшим художником эпохи Возрождения был Тициан Ве-челлио (1476/77 или 1480-1576). Он прожил долгую жизнь, которая совпала с бурными и трагическими событиями в истории Италии. В начале 20-х годов XVI в. он становится самым знаменитым художником Венеции, и слава не покидает его до конца жизни. Кисти Тициана принадлежат творения на мифологические и хри­стианские сюжеты, произведения в жанре портрета. Ему не было равных в композиционной изобретательности, феноменальным бы­ло его колористическое дарование.

Ранние произведения Тициана полны радости жизни («Любовь земная и небесная», «Вакх и Ариадна» (1523), «Празднество Венеры» и т. д.). В них он предстает также певцом античности, сумевшим вдохновенно воплотить свободный дух той эпохи.

Одна из самых прославленных картин великого мастера - «Ле­жащая Венера» (1538). В ней автор открывает свой тип красоты. Венера Тициана - прежде всего прекрасная земная женщина. Этой картиной начинается целый ряд полотен, изображающих красоту обнаженного женского тела. К их числу принадлежат четыре вари­анта «Данаи» (1545-1554). Воспроизводя античный идеал красоты, мастер создает образ, несущий в себе прекрасное земное начало, наполняет его человеческой плотью и радостью бытия.

На протяжении всего творческого пути Тициан работал в жанре парадного портрета и был одним из создателей этого жанра. Его портреты отличает высочайшее мастерство исполнения, благород­ство колорита. Но самым главным для Тициана была передача индивидуальности и внутреннего мира человека («Портрет молодого человека с перчаткой», портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, Карла V, папы Павла III и многие другие).

Последние годы жизни Тициана проходят в условиях усиления феодально-католической реакции в Италии, в том числе и в Вене­ции, куда проникает иезуитский орден и инквизиция. В творчестве художника появляются трагические мотивы как результат тревог и разочарований. Он все больше пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Юпитер и Антиопа», «Диана и Актеон» и др.).

Меняется характер его живописи: светлый, легкий колорит уступает место мощной, бурной живописи, композиция становится более динамичной. По своей одухотворенности, внутренней драма­тичности, цветовой мощи поздние творения Тициана превосходят все ранее созданное художником. Таковы «Венера перед зеркалом» (1553), «Кающаяся Мария Магдалина» (1565), «Св. Себастьян» (1570), «Пьета» (1576). Последние произведения Тициана принад­лежат уже позднему Возрождению.

У великого мастера было много учеников, однако никто из них не смог превзойти учителя. Творчество Тициана оказало огромное влияние на живопись следующего столетия.

Архитектура. В художественной культуре Возрождения одно из ведущих мест занимает архитектура. Ренессанс ознаменовал новую стадию в ее развитии. Характерными особенностями архитектуры в этот период становятся: увеличение масштабов гражданского, светского строительства, изменение характера монументальной, культовой архитектуры - вертикализм, устремленность вверх, при­сущие готике Средневековья, сменяются новыми формами, разви­вающимися в ширину. Масштабной мерой сооружений становится человек.

Архитектура Возрождения отличается простотой объемов, форм и ритма; спокойствием и статичностью; симметрией композиции;

делением здания на этажи горизонтальными тягами; четким поряд­ком размещения оконных проемов и архитектурных деталей. Из античной архитектуры сюда переносится ордерная система. Основ­ными архитектурными элементами вновь становятся архитрав, архивольт, колонна, пилон, пилястра и свод, а главными геометриче­скими формами - квадрат, прямоугольник, куб, шар. С самого начала и через все периоды Ренессанса проходит принцип художе­ственного индивидуализма, свободного обращения к античным формам. В мировую историю архитектуры новая эпоха вписала великие имена Ф. Брунеллески, Л. Альберта, Д. Браманте, Мике-ланджело Буонарроти, Ф. Делорма и др.

Как и все ростки культуры Возрождения, новая архитектура возникла в Италии. В ее развитии можно выделить три основных периода: ранний период- 1420-1500 гг. Его ведущим архитекто­ром был Ф. Брунеллески, а основным центром провинция Тоскана и ее главный город Флоренция - колыбель итальянского Ренессан­са; высокий период - 1500-1540 гг., когда ведущим архитектором становится Д. Браманте, а центр перемещается в Рим; поздний период - 1540-1580 гг. Ведущим архитектором этого времени стал великий скульптор и живописец Микеланджело Буонарроти.

Ранний период архитектуры Возрождения был переходным от средневековой готики к новым архитектурным формам. В строениях еще сохранились старые черты, ордер не имел строгого пропорци­онального построения, большое значение придавалось орнаменту. Высокий период отличался более строгой, монументальной архи­тектурой, верно найденными пропорциями. Орнаменту уже не придавалось такого значения. Поздний период, продолжая и раз­вивая традиции двух первых, обнаруживает и новые черты - деко­ративность, красивость, усложненность архитектурных форм, что впоследствии нашло свое полное развитие в стиле барокко.

Первым архитектурным произведением Возрождения стало здание Воспитательного дома во Флоренции, спроектированное в 1421 г. основоположником архитектуры итальянского Ренессанса Ф. Брунеллески (1377-1446). Это строение существенно отличалось от готических построек средневекового периода и носило черты нарождавшегося нового стиля.

Большое значение для всего последующего развития архитекту­ры имела разработка и постройка самого крупного в Европе купола над флорентийским собором Санта Мария дель Фиоре (его диа­метр - 42 м).

В развитии ренессансной архитектуры важное место принадле­жит строительству дворцовой архитектуры - палаццо (прямоуголь­ный в плане дом с замкнутым прямоугольным двором). Эти архитектурные сооружения имели суровый вид крепостей, так как выполняли оборонительные функции. Лучшие образцы палаццо XV в. находятся во Флоренции, отсюда этот стиль постепенно распространился в другие города Италии. К числу наиболее изве­стных можно отнести палаццо Питти (1458), палаццо Строцци (1489), палаццо Гонди (1490) и др. Этот тип строения продолжал эволюционировать на протяжении всего Возрождения в сторону большей декоративности.

Высокий Ренессанс связан с повышением политической актив­ности папства. Папы Юлий II и Лев Х приглашали в Рим крупней­ших архитекторов - Браманте, Рафаэля, Микеланджело и др. Рим становился архитектурной столицей Италии, сохраняя эту роль до наших дней.

Основоположником Высокого Возрождения в архитектуре стал Донато Браманте (1444-1514), а самым крупным его творением - проект грандиозного сооружения эпохи Ренессанса - собора св. Пет­ра. Он явился одним из высших достижений архитектуры Возрож­дения. Строительство началось в 1506 г. и продолжалось до смерти архитектора. Продолжил работы Рафаэль Санти, а после него Антонио да Сангалло. В 1546 г. строительство перешло в руки Микеланджело, который разработал новый вариант проекта. К моменту его кончины (1564) сооружение собора в основном было завершено.

Позднее Возрождение - это время дальнейшего развития тра­диций предшествующего этапа. Его особенностью является то, что в архитектуре наиболее рельефно выявились две взаимодополняю­щие тенденции: одна была связана с ростом классических, акаде­мических традиций, вторая - с усилением декоративности, протобарочных тенденций. Поздний Ренессанс представлен в пер­вую очередь творениями Микеланджело Буонарроти, Джакомо Ви-ньолы, Андреа- Палладио. Архитектурные шедевры Микеланджело показывают, что он подходил к их творению как скульптор, мастер пластики. Создавая тот или иной образ, форму, он иногда шел на нарушение конструктивной логики, добиваясь повышения художе­ственной, эмоциональной выразительности. Гений Микеланджело, опережая свое время, положил начало новым тенденциям, которые получили широкое распространение позднее и предопределили рождение стиля барокко.

Другой выдающийся архитектор рассматриваемого периода Дж. Виньола (1507-1573) написал знаменитый трактат «Правило пяти ордеров архитектуры», который практически использовался архитекторами мира вплоть до XX века. В нем изложена система построения ордеров, основанная на кратных числовых соотноше­ниях элементов. К числу лучших творений Виньолы относятся вилла папы Юлия III, расположенная недалеко от Рима, главная церковь ордена иезуитов в Риме Иль Джезу и др.

Творчество А. Палладио (1508-1580) связано с его родным городом Виченцей. Оно оказало огромное воздействие на развитие итальянской и мировой архитектуры, прежде всего на архитектуру классицизма второй половины XVIII и первой половины XIX века.

Палладио построил в Виченце ряд палаццо, а в ее окрест­ностях - несколько вилл. Все его произведения отличают широкое и разнообразное применение ордера, совершенство пропорций, изумительная гармоничность, изысканная пластика (Палаццо Кье-рикати, Вальмарана, вилла Ротонда, театр Олимпико и др.).

Архитектура итальянского Возрождения существенно повлияла на развитие архитектуры европейских стран, однако там она запоз­дала на целое столетие ввиду более устойчивых феодальных отно­шений и готических традиций.

Художественная литература. Характер и содержание новой эпохи разносторонне выразила художественная литература. Первые ростки гуманистической идеологии нашли свое выражение в творчестве Данте, «последнего поэта Средних веков и первого поэта Нового времени».

Данте Алигьери (1265-1321), Джованни Боккаччо (1313-1375) и Франческо Петрарка (1304-1374) - крупнейшие писатели италь­янского Возрождения. По характеру творчества, тематике, жанрам - все они абсолютно разные. Но есть одна особенность, объединившая их историческую судьбу. Все они много писали и оставили не только художественные произведения,-но и некоторые литературоведче­ские работы, однако в истории мировой литературы каждое из этих имен связывается с одним, главным произведением: Данте - с «Божественной комедией», Боккаччо - с «Декамероном», Пет­рарка - со стихами, посвященными Лауре.

Над своим главным произведением Данте трудился долгие годы, завершив его в самом конце жизни. Он назвал его «Комедия». Эпитет «божественная» дал ей Боккаччо в знак восхищения красо­той поэмы, и этот эпитет сохранился за ней. Написана «Божествен­ная комедия» на итальянском языке, в жанре видения, «сна», популярном в средневековой литературе. Поэма состоит из трех частей («Ад», «Чистилище» и «Рай») и 100 песен. Проводником Данте по кругам ада (их девять) и чистилищу стал Вергилий - римский поэт, сам находящийся в круге первом. Главная идея поэмы - воздаяние за все земные дела в жизни загробной. От «Божественной комедии» тянутся нити в литературу более позднего времени. По глубине философского осмысления мира ей созвучна трагедия Гете «Фауст». Влияние Данте и Гете явственно ощущается в «Мастере и Маргарите» М. Булгакова. «В круге первом» называет один из своих романов А. Солженицын. История любви Франчески и Паоло становится темой оперы С. Рахманинова «Франческа да Римини». На эту же тему П.И. Чайковский написал симфоническую поэму «Франческа да Римини».

«Декамерон» (от греч.- десятидневник) Дж. Боккаччо - сбор­ник новелл с литературным обрамлением. Это традиционная ком­позиция. Так строится «Тысяча и одна ночь», так писались «Новеллино» в Италии. Новаторством было подчинение этой фор­мы законам «готической вертикали» - от низменного к возвышен­ному - именно в такой последовательности располагались новеллы, а сами понятия «возвышенное» и «низменное» получили гуманистическое истолкование. Сюжеты новелл разнообразны. Это и античные легенды, и средневековые сказания, но больше всего достоверных случаев из жизни и анекдотов. Замысел Боккаччо и структура книги сложились под влиянием Данте: тот же принцип от низменного к возвышенному - от грешников «Ада» до святей­ших «Рая» - у Данте; от сатирических персонажей к плутоватым и, наконец, к положительным идеализированным героям - у Боккач­чо. Новаторство Боккаччо в том, что он перенес космическую композицию в реальную земную жизнь без ангелов, чертей и святых. Естественное природное начало в «Декамероне» противопоставлено неестественным законам общества, церковному аскетизму и пред­рассудкам сословного характера. Проблематика «Декамерона»- общечеловеческая и в то же время социальная. Произведение Боккаччо столь богато событиями, что из него заимствовали сюжеты для своих драм многие драматурги: Шекспир - драма «Цимбелин» и комедия «Конец - делу венец», Лопе де Вега, Мольер. Русский композитор Д. Бортнянский написал оперу на сюжет из «Декамеро­на» («Сокол». 1786).

В отличие от Данте Петрарка чаще всего писал на латыни, но обессмертившее его сочинение - «Канцоньере» - «Книга песен» написана на народном языке. Сам он не придавал особого значения своим лирическим песням. Лишь позднее он стал воспринимать эти стихи всерьез, много раз редактировал и совершенствовал их. Сборник стихов Петрарка разделил на две книги: «На жизнь ма­донны Лауры», «На смерть мадонны Лауры».

Любовь Петрарки - реальное, земное чувство и сама Лаура - конкретная женщина. Петрарка называет дату их первой встречи, дату ее смерти.

У Петрарки нет описания Лауры. Он говорит только о ее глазах и они становятся символом самой Лауры: «Вы не увидите моей измены, глаза, учившие меня любви». В этих словах - идея верно­сти любимой женщине. Но не только: в них отношение к красоте как к высшей мудрости, способной научить прекраснейшему чув­ству любви. Понятие любви у Петрарки совершенно гуманистиче­ское, потому что любовь предстает у него, как чувство, приносящее и радость, и муки одновременно. Этим она отличается от любви небесной, приносящей только радость. Смена чувств - радости и боли, счастья и страдания облагораживает человека, рождает поэ­зию. Любовь всегда прекрасна, она обогащает человека, даже если это неразделенная любовь. И после ухода Лауры из жизни поэт живет не только надеждой на встречу на небесах, но и памятью о ней, которую хранит для него все живое, как будто отражая ее облик. Любовь всегда остается частью земного бытия и счастьем поэта.

В «Канцоньере» звучат и политические мотивы, отражающие сложные отношения того времени. Есть мысли и до сих пор звучащие современно. Так, культуру Петрарка считает противопо­ложностью войне, она возможна лишь в условиях мира: «Иду, взывая: Мира! Мира! Мира!» - заканчивает он один из сонетов. Петрарка внес большой вклад в теорию стиха, открыв богатейшие возможности сонета.

И еще одна из многих, яркая фигура литературного мира - Никколо Макиавелли (1469-1527) - итальянский писатель и поли­тический деятель Позднего Возрождения. Широко известен его политический трактат «Государь». Современная литература опреде­ляет этот жанр как антиутопию: здесь развиваются самые трагиче­ские и антигуманные идеи XVI в. Однако Макиавелли писал не только политические трактаты, но и стихи, поэмы, новеллы, коме­дии. Персонажи его комедии «Мандрагора» предвосхищают образы героев драматургов более позднего времени: плут Лигрио сродни шекспировскому Яго и Фигаро Бомарше, лицемер Тимотео - про­образ мольеровского Тартюфа. И это вновь показывает, раскрывает то влияние, которое культура Возрождения оказала на всю европей­скую культуру.

Череда возрождений

Мы начинаем наши беседы о Ренессансе, об эпохе Возрождения – о значимом для европейской культуры времени. Но об этой эпохе ведется очень много споров. Большинство ученых оценивают эту эпоху как выдающийся взлет европейской культуры. Но были мыслители, которые отрицательно относились. Например, мы знаем, что Алексей Федорович Лосев, или о. Павел Флоренский рассматривали эту эпоху как крах христианских идеалов, как торжество антропоцентризма и практический отказ от Бога. Кто же прав? Давайте рассмотрим.

Итак, эпоха Возрождения. Что же возрождали итальянцы в эту эпоху? Свое название она получила с легкой руки, как известно, Джорджо Вазари – художника, архитектора, историка искусств. В своей книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» он обозначил этим термином период итальянского искусства с 1250 г. по 1550 г., то есть с XIII по XVI век, 300 лет великого взлета. О временных границах мы еще поговорим, и будем видеть, как они могут сдвигаться и в боле раннюю эпоху, и, наоборот, некоторые исследователи считали, что это всего лишь XV в. – самое начало XVI в. (кватроченто и чинквеченто). Но об этом спорят. Это все входит в ту проблематику, о которой сегодня не смолкают споры.

Что же имел в виду Вазари? Он имел в виду, прежде всего, возрождение культуры античности. Он провозглашал, что закончилась эпоха Средних веков, то есть того промежутка, который составлял, как ему казалось, культурный провал между взлетом культуры в античности и новым взлетом в период Ренессанса – прежде всего, в Италии. Но, однако, Вазари был не очень прав. Во-первых, потому, что античность возрождали и раньше. Это был не первый европейский Ренессанс.

Вообще, если посмотреть, европейская культура развивалась путем вот таких скачков, ренессансов, возрождений. Было, например, Каролингское возрождение, Оттоновское возрождение. Для Европы все время момент возрождения стоял на переднем крае, был актуальным, все время что-то возрождали.

Разрушив Римскую империю, варвары сразу начинали подражать Риму. Вспомним, например, Остготское королевство в Италии, где Теодорих подражал Риму, и короновал себя, и делал мавзолеи, и делал паллацо римский, и так далее. И двор Теодориха был таким возрождением, как ему казалось, античной, римской культуры.

Но, конечно, самым большим возрождением после варварской эпохи разрушения было Каролингское возрождение. Об этом тоже нужно сказать, прежде чем мы перейдем собственно к эпохе Ренессанса. Каролинги – это особый период. Это действительно было в какой-то мере Возрождение. Это период интеллектуального, культурного подъема. Его рамки – это конец VIII в. – середина IX в., эпоха правления Карла Великого, Людовика Благочестивого, Карла Лысого. Это династия Каролингов. Это расцвет литературы, искусства, юриспруденции, богословия. Мощный импульс получило развитие средневековой латыни.

Действительно, это был ренессанс – маленький, может быть не общеевропейского плана, но все-таки ренессанс именно христианский, но связанный с возрождением античной традиции, латинской традиции, традиции римского права, и т.д. Например, Ахенская капелла говорит о том, что это действительно был мощный взлет – может быть, более локальный. Хотя итальянское Возрождение тоже, как мы увидим, локальное явление. Оно повлияло на европейскую культуру, но все-таки было обозначено тоже не очень большим размахом.

Оттоновское возрождение продолжало Каролингское. А следующий период, который связан с романским искусством, тоже можно назвать в некоторой степени возрождением, потому что возрождается римская арка, римский свод, римская строительная техника. Наконец, варвары достигли такого размаха в строительстве, который мог сравниться отчасти с римской архитектурой, и в чем-то это тоже возрождение.

Не говоря уже о готике, ведь само слово «готика», варварский стиль – это тоже привнесенное из эпохи Возрождения, потому что всем казалось, что готика, с ее ребрами, с ее контрастами света и с этой мощной массы соборов, подавляющих человека, ¾ все это варварство. На самом деле, если посмотреть, то готика – это великое искусство, где соединяются и инженерная мысль, и богословие, схоластика. Но, деятели Возрождения относились к схоластике как к чему-то неразвитому, хотя это очень интересное движение мысли. Поэтому готика тоже в своем роде возрождение – возрождение высокой строительной техники, богословской мысли и так далее. И здесь с античностью тоже было очень много связано.

Вообще, европейское развитие, если сравнить его с развитием восточно-христианского мира, оно шло по пути все время как бы оглядки на античность, попытки возрождения. Вот варвары разрушили ее, и на протяжении всего средневековья они пытались возродить эту античность. И, наконец, как им казалось, возродили. И назвали ту эпоху, когда античность подняли на пьедестал уже в более широком смысле, ее возродили, и Вазари провозглашает период Возрождения.

Совершенно иначе шло развитие в восточно-христианском мире. Там никто ничего не разрушал особо, а христианство прорастало сквозь эту античную почву. Византия была продолжением Римской империи – это была часть, осколок Римской империи. Греки называли себя ромеями, и считали себя законными наследниками античности. Не то что эти варвары, которые ее разрушили, а потом пытались ее возродить.

Типично итальянский культурный продукт

Мы дошли с вами до эпохи Возрождения, в которой античность ставится на пьедестал. Но античность здесь, скорее, романтическая идея. Все-таки возрождали европейскую культуру постсредневекового типа. И это видно на всем том, что делали представители Возрождения – художники, архитекторы, мыслители.

Это совершенно оригинальная культура, которая не повторяет античность, хотя и на нее ссылается, которая создает свой (современный на тот момент) особый стиль культуры. И в этом смысле роль Италии очень велика. На самом деле, как готика – это, в основном, изобретение Франция (потом готические влияния пошли в другие страны), так и Возрождение – это типично итальянский «культурный продукт». Не случайно они совпадают во многом в датах. Тогда как во Франции расцветает готика, в Италии расцветает культура Возрождения (мы об этом поговорим, минуя готику). Поэтому они не любили готику как варварский, готский, германский стиль. А сами-то они возрождали благородную античность, которую не коснулось варварство.

Давайте посмотрим предпосылки. Действительно, у Италии были античные корни. Итальянцы вдруг вспомнили, что они живут на почве античности. Это и сохранившиеся здания, и манускрипты в библиотеках, и скульптура. В это время стали открывать катакомбы. То есть, они вдруг почувствовали, что, в отличие от остальной Европы, здесь гораздо больше все укоренено в античность, хотя и раньше они тоже отсылали свою культуру к античности, они об этом не всегда забывали. Здесь были варвары – лангобарды в Северной Италии, остготы в Восточной Италии. Но, все-таки, вот это римское наследие всегда здесь помнилось и почиталось.

Раннехристианские традиции здесь тоже всегда были сильны. До сих пор во многих храмах Рима мы видим раннехристианские иконы. Их называют ранневизантийскими, но они не всегда написаны византийскими мастерами – они написаны местными мастерами. Опять же – открытие катакомб, о чем я уже говорила.

Конечно, Рим – это церковь. Это сильная, богатая церковь. В разные времена, конечно, были упадки. Было и «Авиньонское пленение пап» (мы об это поговорим), но все-таки Рим всегда был центром. В отличие от восточно-христианской культуры, здесь сложилась очень интересная ситуация. Если Константинополь – это император, который повелевает, в том числе и церковью, то здесь церковь часто повелевала императорами. Рим – единственный христианский центр, и много варварских королевств. Поэтому ни один король не мог преобладать. Хотя и пытались многие диктовать Риму, и иногда это удавалось, но все-таки Рим был главным. И вот это тоже очень сильно повлияло на мировоззрение Ренессанса.

Церковь хранила сокровища. Откуда гуманисты взяли эти античные рукописи? Они и взяли их в монастырских библиотеках. Это не нужно было в земле раскапывать. Они хранились. Другое дело, что в Средневековье их не очень читали. Мы помним замечательный роман Умберто Эко, где построено как раз на том, что античные рукописи прячут, а кто-то их разыскивает. То есть, возрождали-то кто? Монахи. Очень часто исследователи пишут об антиклерикальном настрое гуманистов. Это не совсем так. Мы будем видеть, что большая часть гуманистов сами принадлежали к церкви. Это были служители церкви – монахи, каноники, священники, даже папы. Хотя и светский элемент в гуманизме был очень большой.

Отсутствие центральной власти укрепляло периферийные центры. Попытка объединить Италию все время проваливалась. Мы знаем, что, в конце концов, Италия объединилась только в конце XIX века. И вот эти вот периферийные центры стремились создать свою культуру, и роль таких городов-коммун здесь была очень большая. В этих независимых городах растет производство, развивается ремесло, скапливаются деньги. Экономический рост способствует меценатству, покровительству искусству. Это тоже немаловажный момент. Если в той же Франции или в Германии деньги скапливались у монархов, и они уже диктовали художникам, то здесь деньги были ближе к художникам, потому что они были у людей третьего сословия.

Культура третьего сословия

Вообще, третье сословие делает эту культуру, что тоже очень интересно. В Средневековье мир представлялся гармонично-сложенным. Как пишет один хронист: «Божий дом тройственнен, он состоит из oratores, laboratores и bellatores», – то есть одни молятся, другие работают, третьи воюют. И это очень важно, потому что это сословная структура держала этот мир. И вдруг это третье сословие – laboratores – которому всегда отводилась третья роль, вдруг выходит на первый план именно в Италии, и это очень сильно меняет культуру. Третье сословие становится ведущим, финансово независимым, тянется к образованию и культуре, и диктует этот новый стиль.

Экономический фактор, что очень важно, способствует появлению досуга. В Средневековье ведь досуга не было – тогда каждый был занят своим делом. В позднем Средневековье – опять же, мы посмотрим, как соединяются позднее Средневековье – так называемая интернациональная готика с Возрождением. Там появляется придворная культура, где есть досуг, и т.д., но все-таки для большинства людей, особенно третьего сословия, такого досуга не было – люди или молились, или трудились. Отдых, 7-й день, воскресенье, предоставлялся Богу, и это был не отдых, а молитва. И вдруг появляется этот досуг. И как этот досуг используют люди? Они начинают читать книги, писать книги. Они начинают заниматься humanitas, то есть гуманитарными науками. Вот это все достаточно интересно, и все это формирует совершенно новое мировоззрение, новую культуру.

Миф об антропоцентризме Возрождения

Считается, что культура Возрождения возникает благодаря философии, гуманизму, который соединил интерес к античной культуре, к искусству, к литературе с вниманием к духовной сущности человека. Вообще, проблема человека выходит на первый план – отсюда humanitas. Homo – человек, который становится в центре Вселенной как венец творения, в центре внимания исследователей, поэтов, писателей, ученых и т.д. Отсюда – миф об антропоцентризме.

Почему я говорю «миф»? – Потому что – да, человек становится центром Вселенной, но Бог не исключается из этой Вселенной. Скорее, Вселенная мыслится как эллипс с двумя центрами, которые находятся в своем взаимодействии. И то, что человек – венец творения, это было сказано совсем не гуманистами. Это провозглашало и Средневековье, это можно вывести из Священного Писания (из 6-го дня творения), когда Бог дает человеку огромную силу и повеление быть царем и священником в природе. Другое дело, что сам человек это не сохранил. И вот это достоинство изначальное, данное человеку, тоже возрождают гуманисты. Это очень важно.

Если в Средние века в основе культуры лежала вера, то в период Возрождения в основу всего становится знание. Вера, опять же, не исключается. Переносится некоторый акцент на знание. Но ведь еще Ансельм Кентерберийский сказал, что: «я верую, чтобы знать». И вот это знание становится для гуманистов, для деятелей эпохи Возрождения главным. И само искусство становится путем познания – природы, человека, Бога в конце концов. Повторяю, что миф об антропоцентризме односторонний – он исключает то, что человек хотел познать и Бога.

Университеты, науки, книгопечатание

Развиваются университеты. Создаются музеи. В школах начинают преподавать греческий язык, еврейский язык; интерес к гуманитарным предметам. И к естественным – тоже. Если в Средние века наука и культура были прерогативой церкви, которая не всегда охотно делилась своими знаниями и достижениями, то гуманизм открыл возможность знания для всех. И мы видим, что люди любого сословия могли приобщиться к этому знанию.

Университеты появляются, как мы знаем, в Средневековье. Это – средневековое изобретение. Но в Возрождение они приобретают особенный вес, потому что они становятся не только школами богословских наук, но и естественных. Еще в античности начал вырабатываться список учебных дисциплин, уже названных «свободными искусствами», причем в древнем Риме они так назывались. Это свободные занятие достойного, свободного человека, в отличие от занятий, требующих физического труда.

Но само слово «искусство» (от латинского ars ) в данном случае следует понимать не как художественное ремесло (сейчас мы понимаем искусство как художественное ремесло), а как науку, как знание, то есть системный взгляд, вырабатывающийся в ходе практических наблюдений за природой. Еще в Средние века число «свободных искусств» сводилось к семи. Это были так называемые тривиум и квадривиум. Тривиум – это, прежде всего, искусство слова, грамматика и риторика, и диалектика. А квадривиум – это арифметика, геометрия, астрономия, музыка. На самом деле, эти свободные искусства начинают расширяться, и к ним присоединяются уже исследования в области астрономии, развивается химия, выходящая из алхимии и т.д., то есть начинает расширяться этот средневековый спектр искусств, спектр наук.

Но очень важным изобретением, которое как раз дало возможность более широко распространять знания, было изобретение книгопечатания. Вот этот скачок в цивилизации невозможно не заметить. Наверное, с ним может сравниться только изобретением компьютера в наше время. Действительно, книга, бывшая раньше рукописной, конечно, дальше монастырских библиотек редко могла распространяться. А вот книга напечатанная уже могла распространяться достаточно широко, и это очень важно.

Новые пространства и перспектива

Ренессанс – это время Великих географических открытий. Это тоже очень важно. Мир расширился. Средневековый мир был замкнутым, ограниченным – скорее, он размыкался туда, в Царствие Божие, в то пространство, где нет границ; в то время, где царствует вечность. А поскольку гуманизм обратил внимание на человека, живущего на земле, то земля стала очень интересовать и художников, и ученых. И поэтому время Великих географических открытий – это время расширения пространства.

Отсюда такой интерес к перспективе, потому что людей заинтересовала земля. Людей заинтересовало пространство, в котором они живут. И вот это вот размыкание пространства тоже повернула взгляд человека на самого себя, на мир, на Бога, на творения, на Вселенную. К тому же, астрономические открытия, смена парадигмы от геоцентрической к гелиоцентрической Вселенной тоже очень сильно поменяло мировоззрение человека. Мы даже не можем себе представить, насколько это было действительно взрывом в сознании людей. О том, что Земля круглая, или, что Солнце не вокруг нас вращается – это тоже люди в античности знали, догадывались или имели такие гипотезы. Но в это время, в период Возрождения, это становится определяющим.

Человек как соработник Творца

И гуманизм рождает новый взгляд на отношения человек – Бог – мир. И здесь, конечно, от теоцентризма происходит тяготение к антропоцентризму, но человек не затмевает Бога – человек начинает мыслиться равным собеседником Богу. Если Бог – Творец, и человек создан по «образу и подобию» Творца, значит он тоже творческий. Это творчество выходит на первый план. Если это творчество заповедно человеку, то человек начинает творить, то есть он выполняет волю Божью. Если человеку дано познавать мир (Адам называл животных – это тоже образ познания мира в раю), то человек начинает познавать этот мир. Он вовсе не идет против Бога – он идет за Богом, но только иначе, чем это было в Средневековье.

Если в Средневековье подчеркивалась слабость человека, его несоизмеримость с Богом, его греховность прежде всего, испорченность его природы, то теперь упор делается на богоподобие человека. Да, человеку трудно всегда удержаться на какой-то вершине, и у многих гуманистов это зашкаливало. Эта богоравность, богоподобие человека иногда превозносилось, может быть, выше, чем нужно, но об этом мы тоже будем говорить. Взлет и падение, и это тоже нужно видеть в этой эпохе. Но подчеркивалось могущество человека, наделенного разумом, назначенного повелевать природой, познавать, а значит действительно осуществлять себя в этом мире. Вот, может быть, впервые человек поставил для себя этот вопрос – как человеку осуществиться в этом мире. Не как ему дожить до спасения, лишь бы не запятнать своих одежд, а как ему уже в этом мире завоевать ему то, что дано ему Богом. Это тоже очень важный момент.

Интересно, что новое в трактовке человека появляется не только по отношению к Средним векам, но и по отношению к античности. В античности, в целом, выдерживается идеал созерцательного человека, мудреца, проникающего умственным взором в тайны мира, постигающего тайны бытия. Но в Возрождении ценится другой тип человека – тип человека активного, который строит самого себя, создает самого себя. Тип человека, который имеет очень деятельный характер. Это очень важно. Человек создает этот мир. Он не просто проходит сквозь него, не просто смотрит на него внешним взором, но он преумножает его красоту, он делает красивее и прекраснее. Он создает самого себя. Он реализует те богатства, которые вложены в него Богом. Поэтому и возникает новое соотношение человека и природы.

Да, человек – это природное существо, но он наделен разумом. Он может постигнуть тайны мира, но постигает и тайны мира самого себя, тайны самого человека. В Средневековье о человеке знает Бог, а здесь уже человек начинает познавать самого себя. Вот это вот «познай самого себя», которое было только провозглашено в античности, на самом деле осуществляется именно в период Возрождения.

И вот это тоже миф – что гуманисты пренебрегали религией. Нет, они исследовали не только античные тексты – они исследовали и Писание. Критическое исследование писаний («критическое» пока еще в кавычках) все-таки началось именно с гуманизма. Реабилитируется не только человек как таковой, как богоравный, богоподобный, но и реабилитируется его плоть. Мы помним, что в Средневековье плоть все-таки была немощным и греховным сосудом. Конечно, там были трактаты, которые олицетворяли спор между душой и телом. Неизвестно, что выходило более греховным – душа или тело. Тело, как сказал Франциск, это «всего лишь осёл, который везет нас».

Тем не менее, тело реабилитируется. Тело создано Богом, оно прекрасно, и человек может быть прекрасен и душевно, и духовно, и телесно. И вот это очень важно. Снимается запрет на изображение плоти. Мы помним, что в Средневековье обнаженными изображались в основном грешники, с которых сорвали одежды – их ничто уже не может прикрыть от Бога. Или мученики, которые добровольно отдали свое тело на жертву. А здесь изображается красота человеческого тела. Природа прекрасна, в том числе и природа человека. Вот эта реабилитация очень важна. Снимается запрет на изучение анатомии человека. Снимается запрет с изучения не только человека как такового, но и его телесного состава. Это тоже очень важно.

Самоценность искусства

В Средние века искусство носило прикладной характер. Оно должно было или украшать жизнь, или отражать иной мир, уводя человека за пределы этого тварного и за пределы своего существования, показывая иное бытие. В эпоху Возрождения искусство впервые приобретает самоценность, оно становится самостоятельной область прекрасного. Появляются отношение художественное, эстетическое к произведениям. Нельзя сказать, что в Средневековье не оценивались художественные произведения искусства, но эта художественность всегда была прикладным, другой стороной богословского отношения.

Красота – это одно из имен Божьих, и любая красота или отражает Бога, или уводит от него. Как потом сформулирует Федор Михайлович Достоевский, есть красота Мадонны, есть красота Содома. Здесь красота появляется как самоценное качество – красота человека, красота природы, красота человеческого тела, красота слова – это тоже появляется именно сейчас. Риторика средневековая тоже бывает прекрасная – плетение словес, но это всегда ведет к тому, чтобы понять, что ведет к смыслу слов. А здесь – красота слова, красота образа, красота линий, красота колорита и т.д. То есть самоценность. Все немножко вычленяется. Вселенная еще не распадается – она потом будет распадаться. Пока это взлет.

Падение состоит в том, что человеку не удалось удержаться на этой вершине, и он потом будет собирать этот мир по осколкам. Пока он стремится еще к целостности этого мира, но все-таки уже выделяет эстетическое чувство, чувство красоты как особое, как отдельное. Место и роль художника, конечно, повышается; впервые рассматривается как самостоятельный уважаемый профессионал, будь он художник, поэт, философ. Разрушаются корпоративные связи, выделяется отдельно личность. И искусство тоже продолжает быть прикладным в смысле науки, то есть оно хорошо само по себе, но оно еще ведет и к познанию. Леонардо скажет: «Живопись – наука и законная дочь природы».

Начинается словесное творчество отдельных поэтов. Мы будем говорить с вами о Данте, а Петрарке. Это все начинается отсюда, потому что они превозносятся уже не просто как люди, которые послужили Богу или святой жизни.

В Средневековье святость все-таки была выше творчества. А здесь человек, пусть он даже проживает свою сложную, иногда очень греховную жизнь, но он превозносится как поэт, как творец или как художник. Это для него главное, то есть творческая возможность, которая приравнивает его к Богу-Творцу. Отсюда понятно, почему Рафаэль получает эпитет «божественный». Главное сочинение Данте «Комедия», как он ее называл, ¾ ее назвали «Божественной комедией». Он сам ее «божественной» не называл.

Если Фома Аквинский считал возможным истолкование мира только через Писание (а Фома был непререкаемым авторитетом в это время), то гуманисты считали, что уже поэзия истолковывает мир. Не только Священное Писание, но и писание отдельных поэтов тоже является таким толкованием и зеркалом этого мира.

Суммируя все сказанное, можно определить, что создается особый тип человека. И это задача эпохи – воспитание нового человека. Еще греческое слово «пайдейя» (воспитание), которое как раз является аналогом латинского слово «humanitas» (человечность) превозносится гуманистами как цель – воспитание нового человека. Человека:

• который одарен всеми дарами, которые дал ему Бог, раскрыл эти дары;
• который стяжал все знания, которые дают ему возможность быть на высоком интеллектуальном уровне;
• который проявил себя в творчестве;
• который не просто прожил свою жизнь, дойдя только до смерти, и лишь бы не согрешить.

Даже пусть рискует чем-то, но он становится человеком во всем его проявлении. Человеком со всеми плюсами и минусами, но реализовавшимся. Не каким-то полуфабрикатом, а именно реализовавшимся человеком.

В это время превозносят скульпторов, ученых, венчают лавровым венком. И вот человек – потом, может быть, это слишком утрирует Горький, когда произнес: «Человек – это звучит гордо!». Но вот эта вот гордость становится, может быть, главное в это время. Не гордыня, то есть то, что порицало Средневековье, а гордость и достоинство. Очень интересное итальянское слово «virtus» ¾ доблесть, честь, достоинство. Это, кстати, близко к слову «истина». Истина человека в том, что он так себя проявляет.

Марсилио Фичино

Здесь можно вспоминать и Данте, и Петрарку, и Боккаччо. Но мне хотелось сказать о двух мыслителях эпохи Возрождения, которые, на мой взгляд, больше всего отразили новое мировоззрение, новый взгляд на мир и на человека. Это – Марсилио Фичино, вот его скульптурный портрет, и Пико делла Мирандола. Эти два мыслителя может быть больше всего отразили вот этот новый взгляд на мир.

Немного о Марсилио Фичино. Он родился во Флоренции. Получил образование во Флорентийском университете. Изучал медицину, философию, труды философов античности, знал греческий язык, занимался переводами. Был некоторое время секретарем у Козимо Медичи – главы Флорентийской республики. О роли Медичи мы еще поговорим, потому что период Возрождения – это период меценатства. Это очень интересное явление.

В 40 лет Марсилио Фичино принимает священнический сан. Но остается поклонником античной философии – даже несколько проповедей посвящает «божественному» Платону, как он говорит. Прославился он прежде всего как переводчик. Он, кстати, впервые перевел на латынь Платона. Он опубликовал практически все диалоги Платона в переводе на латинский язык, сочинения Плотина, сочинения поздних античных философов. И «Ареопагитики», что тоже очень важно, потому что ареопагитический корпус, хоть его в Средневековье уже частично переводили (в период Каролингского Возрождения), но все-таки полностью его перевел Марсилио Фичино.

Это тоже говорит о том, что не только их языческая античность интересовала, но и христианская античность, потому что неоплатонический автор раннего христианства, скрывающийся за именем Дионисия Ареопагита, – это особое явление, сформировавшее во многом мировоззрение Византии. Поэтому о таком уклоне в язычество Возрождение я бы тоже назвала представлением мифологическим. Так что их интересовал и Платон, и Плотин, и раннехристианские авторы.

Козимо Медичи подарил Марсилио Фичино виллу в холмах Кареджи. И там он устроил платоновскую академию. Она была, скорее, не учебным заведением, а вольным собранием единомышленников и собеседников, почитателей Платона. Говорили даже, что в красном углу или в какой-то нише у Марсилио Фичино стоял бюст Платона, и он возжигал перед ним лампаду, воскурения и т.д. Но, во всяком случае, он был почитателем не только Платона. Он перевел и корпус Гермеса Трисмегиста, и других античных авторов.

Но главное – то, что он писал и свои сочинения: «Платоновское богословие о бессмертии души», «О христианской религии». И в этом во всем Марсилио Фичино превозносил человеческое достоинство, и человека, которому важно познание – познание мира. И поскольку познание мира имеет в основе божественный Логос, то есть познавая мир, мы познаем Бога – вот это тоже очень важно помнить о гуманистах. Не то, что они забыли про Бога и устремились к Платону, или стали заниматься препарированием природы – нет! Они и Священное Писание изучали. И комментарии того же Марсилио Фичино в Священном Писании тоже весь интересно.

Он говорил, что учение Платона надо соединить с древней мистикой Священного Писания. И он выводил из этого то, что он называл всеобщей религией, то есть тот божественный Логос, который был открыт и античности (христианам до Христа) и христианам, уже последователям Христа. В этом он очень близок к раннехристианским авторам и апологетам, которые в свое время – и Кирилл Александрийский, и Иустин Философ – эту мысль уже высказывали, но несколько в другом контексте.

Пико делла Мирандола

Другой гуманист – Пи́ко де́лла Мира́ндола – он тоже уроженец Флоренции. Его тоже очень часто современники называли «божественным». Он оставил интересный трактат «Речь о достоинстве человека». Это очень интересный мыслитель. Он прожил очень мало – всего 31 год. Умер от отравления мышьяком. Это была эпоха не только солнечного познания и радости, но и темной стороны человечества, потому что свобода, которую обрел человек, пошла в разные каналы. Много и зла творилось в эти эпохи: людей отравляли, были войны, столкновения, заговоры и т.д. Эту нижнюю планку эпохи мы тоже не должны отринуть, но пока мы говорим о высоте-взлете.

Незадолго до смерти Пико делла Мирандола принял монашество. Стал членом доминиканского ордена. Похоронен в монастыре Сан-Марко во Флоренции. Настоятелем этого монастыря был Джироламо Савонарола, который сам был гуманистом, и тесно общался с философами-гуманистами. Но ему тоже приписали много такого, что, может быть, является и мифом. Он боролся за чистоту гуманизма, за библейский гуманизм. Об этой фигуре мы еще поговорим, особенно в связи с судьбой Боттичелли.

Пико делла Мирандола происходил из семьи графов-сеньоров. Был связан со многими влиятельными домами. В 14 лет он уже поступил в Болонский университет. Потом учился в Ферраре, в Падуе, в Павии, в Париже. Он получил самое блестящее образование, которое можно было в это время только получить. Знал многие языки. Кроме латинского и греческого, что было для гуманистов просто необходимым и минимумом, потому что интерес к латыни еще в Средневековье был, а греческие как обязательный вели именно гуманисты, так как многие древние рукописи были именно на греческом языке. Но Пико делла Мирандола знал и халдейский, и еврейский, и арабский языки.

Главным трудом, как я уже сказала, была его «Речь о достоинстве человека». Очень интересно, что именно в этой «Речи» определяется главный стержень отношения человека в это время. Немножко процитирую его. Он так пишет обращение к Богу от имени Адама, определяя человека как центр мира:

«Не даем мы тебе, о Адам, ни определенного места, ни собственного образа, ни особой обязанности, чтобы и место, и лицо, и обязанности ты имел по собственному желанию, согласно твоей воле и твоему решению. Образ прочих творений определен в пределах установленных нами законов. Ты же, не стесненный никакими пределами, определишь свой образ по своему решению, во власти которого я тебя предоставляю».

То есть, что здесь говорится? Здесь говорится о том, что человек не запрограммирован. Он входит в этот мир, и он сам может выбрать – быть ли ему на высоте или падать; быть ли ему ближе к ангельскому миру или к дьявольскому; выбрать рай или ад. Человек – свободный, он свободный и славный мастер. Он может определить свою судьбу, в том числе и посмертную; быть тем, кем он хочет. Вот на такую высоту человека еще никто доселе не возводил.

Этот трактат Пико делла Мирандолы вызвал, конечно, недоумение у многих – совсем не все были готовы к такой широте и высоте. Этот трактат вызвал недоумение в том числе у папы Иннокентия VIII. Во-первых, он усомнился, что молодой человек (а ему было всего 23 года, когда он написал эту «Речь...») может вообще так широко мыслить, быть дерзким, и кто такой этот мальчишка, который так дерзновенно заявляет. Во-вторых, кто ему вообще дал право судить о человеке, когда это – приоритет Церкви. Но приоритет Церкви уже в это время сильно поколебался. Папа назначил специальную комиссию, которая должна была проверить труд Пико делла Мирандолы на наличие ереси. Мы не должны забывать, что церковь в это время не только состояла из гуманистов, но и из тех, кто исследует ереси.

Я вспомнила роман Умберто Эко. Но хочу еще раз вспомнить, что очень хорошо этот замечательный итальянский ученый-медиевист понимал это. Там речь идет о XIV в. – о том, как еще почти средневековые школы номиналистов и реалистов между собой сражались, но там есть и зачаток вот этого вот уже возрожденческого стремления к стремлению мысли от диктата церкви.

Так вот в Риме усомнились и назначили комиссию. Как мы знаем, многие комиссии выносили очень суровые приговоры. Пико делла Мирандоле указали на некоторые несоответствия учению Церкви, хотя это тоже было все очень туманно. Он подвергся аресту, но ему удалось бежать во Францию. Потом он вернулся, его пригрел Лоренцо Медичи. Он примкнул к кружку Марсилио Фичино. Все, вроде бы, обошлось благодаря высоким покровителям.

Но все-таки вот эта дерзновенность мыслей подверглась уже и такому осуждению. Кстати, современники именовали Пико делла Мирандолу «князем согласия», потому что он как раз не хотел ссориться ни с церковью, ни со своими оппонентами в кружке гуманистов. Там тоже были разные разногласия. И он, наверное бы, многое бы сделал, объединяя эти разные силы, но умер в достаточно раннем возрасте. То, что он был отравлен, как раз и говорит о том, что его точке зрения оппоненты были, и, наверное, достаточно сильные.

Поэзия жизни Франциска Ассизского

В завершение нашей беседы хочется вспомнить еще одну фигуру – это Франциск Ассизский. И именно эта фигура заставляет нас двигать границу Возрождения в сторону расширения, потому что Франциск Ассизский жил в конце XII в. – начале XIII в., и определил такой поворот к новому мировоззрению может быть больше, чем кто бы то ни было. Хотя – он не был гуманистом, а средневекового плана святым, но его уже отношение к миру было полно всего того, что потом расцветет в гуманизме.

Он ведь первым провозгласил, что мир не только во зле лежит. Что мир, как творение Божье, прекрасен, и дан человеку для радости. Не для только покаяния, искупления грехов, страданий, борьбы, а что в этом мире можно жить, радуясь и прославляя Творца за его творения.

Так возникли гимны Франциска. Кстати, это первые поэтические произведения, которые написаны не на латыни, а на итальянском языке. Вот гуманисты писали еще на латыни, а Франциск, до нескольких десятилетий до них, уже писал свои гимны на народном итальянском языке. Так что даже как поэт он может считаться первым поэтом эпохи Возрождения.

Франциск первый разрешил трагедию мира. В Средневековье это действительно трагедия, потому что эта религиозная первопроблема (грехопадение, разрыв с Богом) – вот ее решали богословы и философы Средневековья. Как соединиться с Богом? Человек оторван от Бога – и что с этим делать? Франциск первый разрешил эту проблему, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. То есть, он понимает свою греховность, тщетность, тленность, тщетность усилий, но он понимает и милосердие Божие, красоту Божьего творения, красоту самого Бога. И ту радость Бытия, которая приготовлена человека не только там где-то за границами существования, но уже и здесь на земле. И любовь может быть чистой, сильной, светлой, необязательно греховной, необязательно связанной с похотью, и т.д. Все это провозглашает именно Франциск. Франциск нов и самобытен.

Хочется прочитать такую цитату из сочинения замечательного исследователя, который мало у нас известен, ¾ Петра Бицилли. Это русский исследователь, который был в эмиграции, и его труды стали печатать у нас только в 90-х годах. И он писал так: «Вся культура Средневековья может быть понята как грандиозное и мучительное усилие охватить сознанием и выразить эту трагическую религиозную первопроблему. Отсюда страшный своей какой-то бесчеловечностью средневековый аскетизм с его тяготением ко всему предметно-говорящему о смерти, тлении, разложении.

Франциск первый разрешил трагедию, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. После него ее будут разрешать и другие – в акте художественного или философского творчества. Но Франциск не был ни художником, ни философом по специальности. Он разрешил ее по-своему и так, как только один он мог это сделать: своей жизнью. «Блаженный и неуч», хотевший быть самим по себе и ниже всех, он путем своего приближения ко Христу избрал самый неожиданный, но самый простой и самый смиренный путь: не рассуждающего, буквального последования Христу в Его земной жизни.

Со свойственным итальянскому народу даром пластического воплощения идей он разыгрывал, если позволительно так выразиться, притчи и заповеди блаженства. С благоговейным ужасом и восторгом современники догадывались, что во Франциске как бы воплотился Христос. Франциск открывает собой ряд великих «художников своей жизни», которыми так богато Возрождение».

Вот эта идея сделать и жизнь свою предметов искусства, о котором будут говорить многие художники Возрождения, началась с Франциска. Именно он сделал свою жизнь предметом божественной игры и божественного искусства.

«Никак нельзя понять Возрождение», – пишет Петр Бицилли, – не уловивши особого настроения его. Оптимизм, вера и возрождение свойственны и Средневековью. Настает день, и мир очистится, освятится, будет земля новая и небо новое. Для эпохи же Возрождения характерно то, что мир переживается, как уже преображенный и просветленный. Доминанта настроения эпохи – радость, восторг, тот восторг, который наполнял душу Франциска и заставлял ее изливаться в импровизированных гимнах».

Вот, кстати, изображение Франциска из монастыря Субиако, который считается возможно близким его реальным портретом. Это очень близко к его жизни было сделано современниками, которые его хорошо знали.

Действительно, Петр Бицилли говорит о том, что Возрождение – это «эпоха, когда уже считается, что мир может быть преображенным, что человек может быть преображенным, что человек может достичь радости бытия. Вот эта вот радость бытия вдруг открылась людям – и в великих творениях, и в природе, и в самом человеке, и в наслаждении миром. Оно было абсолютно бескорыстным. Очень часто говорят, что именно отсюда началось завоевание человеком этого мира, подчинение его себе. Нет, это уже позже было. Это было последствие падения с этой великой вершины.

Полет Икара

Так, Ренессанс – это великий взлет европейской культуры. Это, если хотите, обретение крыльев. Это возможность увидеть землю в перспективе, с «птичьего» полета. Хотя в Средневековье многие смотрели на нее с полета ангельского, но он доступен не всем. А вот с «птичьего» полета, или с вершины горы, с которой открывается великий вид, это увидели многие в период Возрождения. В этой радости полета много было, конечно, адреналина. Человеку хотелось испытать все больше и больше свои возможности. Он взлетал все выше и выше. Но полет Икара, как известно, завершился катастрофой – солнце попалило крылья, и падение было неизбежным».

Точно так же было и в период Возрождения. Человек возвысился очень высоко, но потом, не удержавшись на этой вершине, он упал. Возможно, кто-то не назовет это падение падением. Многие превозносят это – и последствием Возрождения называют, великим шествием человеческой культуры, и т.д. Потом было Новое время. Этот новый поворот в мировоззрении дал тоже великие плоды. Кто-то видит и хорошую перспективу, а кто-то не увидит и падения, потому что для многих это тоже большой вопрос.

Для одних вопрос – во взлете. Лосев и о. Павел Флоренский считали это, наоборот, отступлением, падением – само Возрождение. А кто-то – наоборот. Кто-то не увидит ни полет, ни падение, как не увидел падения Икара герой знаменитой картины Брейгеля. Мне кажется, что это очень символично, когда человек пашет свою борозду, продолжа свой исторический путь, а Икар (его даже не сразу видно на картине) барахтается уже в море. Мне кажется, что эпоха Возрождения – это взлет и падение Икара. Насколько я права, посмотрим в следующих наших беседах.

Одна из первых построек Возрождения - Купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции (1420—1436). Архитектор Брунеллески Филиппо (Brunelleschi Phillipi. 1377-1446 гг.)

15-16-е века благодаря географическим открытиям стали переломным моментом в истории европейской цивилизации. Росла мировая торговля, развивались ремесла, увеличивалось городское население, увеличивались объемы строительства. Развитие получила наука, литература, искусство. Архитектура итальянского Возрождения тоже была обязана экономическому росту, а также ослаблению влияния церкви. Название стилю дал художник, исследователь итальянского искусства, написавший книгу «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев ваятелей и зодчих" (1568 г.) Джордано Вазари. С его точки зрения, которую поддержало большинство архитекторов того времени, Средневековье было периодом упадка, характеризовавшегося варварством племен, разрушившим Римскую империю, а вместе с ней и античное искусство. Именно он написал о возрождении искусства Италии, рассматривая эпоху Средневековья как период невежества, который пришел следом за крахом античного искусства. Позднее этот термин стал использоваться для обозначения эпохи появления нового стиля в искусстве, которое возникло в Италии в 16-м веке, а затем стало модным в других европейских странах. Эстетика Возрождения обратила взор человека к природе. Искусство Древнего Рима легло в основу художественной культуры того периода. Надо заметить, что отдельные элементы античного зодчества использовались и в Средние века. Например, отдельные фрагменты античности встречаются в строения периода Каролингского Ренессанса; есть они и в так называемый «оттоновский период» в конце 10 в. (это было время культурного подъёма в Германии при императорах Оттонах Саксонской династии). Элементы античности можно заметить и в готическом зодчестве Германии. В отличие от средневековых архитекторов, мастера архитектуры итальянского Возрождения старались отразить в зодчестве саму античную философию, характерную для Древней Греции и Древнего Рима: преклонение перед красотой природы и человека, реалистическое мировоззрение. Архитектура Возрождения в Италии характеризуется симметрией, пропорциональностью, строгостью ордерных систем. В этом стиле строятся не только храмы, но и общественные сооружения: учебные заведения, ратуши, дома купеческих гильдий, рынки. В 16 веке в Италии появляется новые типы городского и загородного дворца - палаццо и вилла. Изменился и состав заказчиков: в Средневековье основными заказчиками были церковь, феодалы, теперь заказы поступают от цеховых объединений, гильдий, властей города, знати.

Основатель архитектуры итальянского Возрождения

Отцом-основателем архитектуры Возрождения считается архитектор и скульптор Филиппо Брунеллески.

Первым сооружением архитектуры итальянского Возрождения стал купол Флорентийского собора (1420-1436 гг.) В конструкции этого купола Брунеллески воплотил новые идеи строительства, которые было бы трудно реализовать без специально разработанных механизмов. В этот же период, в 1419—1444 гг., Брунеллески занимался строительством Воспитательного дома для сирот - «Приюта для Невинных».

Воспитательный дом (1419—1444 гг.) Архитектор Брунеллески

Закон линейной перспективы означает особенность человеческого восприятия удаленных объектов, их пропорций и форм.

Это было одним из первых зданий в Италии по своей конструкции напоминавшее постройки античности. Именно Брунеллески приписывают открытие закона линейной перспективы, возрождение античных ордеров в архитектуре итальянского Возрождения. Благодаря его творчеству основой новой архитектуры снова стали пропорции, ему принадлежит возрождение использования «золотого сечения» в архитектуре, которое позволяло добиться гармонии в архитектурных конструкциях. Таким образом, Брунеллески возродил в архитектуре Возрождения в Италии античные традиции, взяв их за основу при создании нового типа зодчества. Идеи Брунеллески совпали с новыми направлениями философии общества: на смену средневековым запретам, презрению всего земного в этот период приходит интерес к реальности и человеку.

Золотое сечение - это математическое понятие, в архитектуре означает соотношение между двумя величинами (одной большей по размеру, другой - меньшей), заключенными в общей величине. При этом отношение большей величины к меньшей соответствует отношению общей величины к большей из двух соотносящихся величин. Впервые такое соотношение было открыто Евклидом (300 гг. до н.э.) В период Ренессанса соотношение называли «божественной пропорцией», современное название появилось в 1835 г. Соотношение между величинами в золотом сечении составляет постоянное число 1,6180339887.

Периоды в архитектуре итальянского Возрождения

Различаются несколько этапов развития Возрождения в итальянской архитектуре: ранний - 15 век, зрелый - 16 век и поздний. В раннем периоде элементы готики еще присутствовали в зодчестве, сочетаясь с античными формами, а в зрелом периоде элементы готического стиля уже не встречаются, предпочтение отдается архитектурным ордерам и пропорциональным формам, в позднем периоде Ренессанса уже чувствуется веяние нового стиля барокко. Ранний период. Основным принципом итальянского Ренессанса стала симметрия сооружения в плане, равномерное распределение архитектурных элементов: порталов, колонн, дверей, окон, скульптурных композиций и декора по периметру фасада. Архитектура Возрождения в Италии в ранний период своего развития в основном связана с Флоренцией. Именно здесь в 15 веке строились дворцы для знати, храмовые сооружения, общественные здания. Во Флоренции в 1420 г. архитектор Филиппо Брунеллески начал возводить купол собора Санта Мария дель Фиоре, в 1421 г. он перестраивает Сан-Лоренцо и работает над возведением капеллы - Старой Сакристии. В 1444 г. Брунеллески закончил строительство Воспитательного дома. Капелла Пацци во Флоренции - также работа Брунеллески, считается одним из наиболее изящных строений раннего Возрождения. Капеллу венчает купол на барабане, здание украшено коринфским портиком с широкой аркой.

Церковь Сан-Лоренцо (Basilica di San Lorenzo) была освящена еще Св. Амброзием в 393 г. В 1060 г. была переделана в романском стиле. В 1423 г. перестроена Брунеллески в стиле раннего Возрождения.

В 1452 г. архитектор Микелоцци заканчивает строительство дворца Медичи (Palazzo Medici Riccardi) во Флоренции. Альберти проектирует дворец Ручеллаи (Palazzo Rucellai, спроектирован в 1446 и 1451 гг.), Бенедетто де Майано и Симон Полайола достраивают дворец Строцци (Palazzo Strozzi, 1489—1539 гг.

Микелоцци - (Микелоццо, Michelozzi, 1391(1396)—1472 гг.) — флорентийский архитектор и скульптор, ученик Брунеллески.

Альберти Леон Баттиста - (Alberti, 1404-1472 гг.), итальянский учёный, архитектор, писатель, музыкант. В своих творениях широко использовал античное наследие, применяя волюты и ордерную систему.

Бенедетто да Майано - настоящее имя: Бенедетто да Леонардо д’Антонио (Benedetto da Maiano), 1442 — 1497 гг.) - итальянский скульптор. Симон Полайола (Simone del Pollaiolo (1457 - 1508 гг.)) - флорентийский архитектор. Высокое Возрождение.

Дворец Медичи. Архитектор Микелоцци. Построен для Козимо Медичи иль Веккио в период в 1444 - 1464 гг.

Дворец Ручеллаи - заказ мецената Джованни Ручелаи. Проект Леона Батиста Альберти 1446-1451 гг. Возведен Бернардо Росселино

Дворец Строцци. Здание было построено Бенедетто де Майано по заказу Филиппо Строцци в 1489—1539 гг. Образцом послужил дворец Медичи (Палаццо Медичи-Риккарди) Микелоцци

В этих сооружениях общая схема пространственного решения. У каждого из них три этажа, есть внутренний двор с арочными галереями. Стены имеют этажные членения, обработаны рустом или декорируются ордером. Фасад выложен кирпичной кладкой.

Микелоцци - (Микелоццо, Michelozzi, 1391(1396)—1472 гг.) — флорентийский архитектор и скульптор, ученик Брунеллески. Альберти Леон Баттиста - (Alberti, 1404-1472 гг.), итальянский учёный, архитектор, писатель, музыкант. В своих творениях широко использовал античное наследие, применяя волюты и ордерную систему. Бенедетто да Майано - настоящее имя: Бенедетто да Леонардо д’Антонио (Benedetto da Maiano), 1442 — 1497 гг.) - итальянский скульптор. Симон Полайола (Simone del Pollaiolo (1457 - 1508 гг.)) - флорентийский архитектор. Высокое Возрождение.

Торговля Италии с Востоком прервалась в конце 15 века из-за завоевания турками Константинополя. Когда угасла торговля, экономика страны пришла в упадок. И именно этот период начинает развиваться архитектура высокого Возрождения. Особых вершин этот стиль достигает в Риме, где великие зодчие сформировали общий подход к строительству сооружений, основанный на использовании архитектурных ордеров. Для архитектуры высокого Возрождения характерны кубические формы домов, внутренний замкнутый двор. На фасадах делали рельефные оконные наличники, украшенные полуколоннами и имеющими треугольные и луковые фронтоны. Донато де Анжело Браманте (Bramante, 1444-1514 гг.) - один из наиболее известных мастеров итальянской архитектуры высокого Возрождения. Его творчество получило свое развитие в Милане, который считался консервативным городом, где сохранились традиции кирпичного строительства и декора из терракоты. В тот же период в Милане работал Леонардо да Винчи, и его творчество, несомненно, оказало влияние на произведения Браманте. Архитектор сумел соединить национальные традиции с элементами Возрождения. Первой работой Браманте стала в 1479 г. реставрация церкви Санта Мария прессо Сан Сатино (Santa Maria presso San Satiro) в Милане.

Церковь Санта Мария прессо Сан Сатино в Милане (1479—1483 гг.) Архитектор Донато де Анжело Браманте

Им была также перестроена часовня Сан Сатино: архитектор сделал из крестообразной постройки круглую, оформленную декоративными элементами. После переезда в Рим Браманте построил храм Темпьетто (монастырь Сан Пьетро ин Манторио) в 1502 г., оформил двор церкви Санта Мария дела Пачи.

Храм Темпьетто (Tempietto). Архитектор Браманте

В 1505 г. Браманте, занимающий должность главного архитектора, начал работать над папским дворцовым комплексом Бельведер - резиденция рядом с Ватиканом. К его работам относится палаццо Капирини (Palazzo Caprini) - дом Рафаэля (House of Raphael) - спроектирован приблизительно в 1510 г., в 1517 г. был куплен Рафаэлем. До настоящего времени дом не сохранился.

Palazzo Caprini в гравюре Антуана Лафрери. Архитектор Браманте

Рафаэль Санти (Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo, 1483 —1520 гг.) — итальянский живописец, архитектор.

В последние годы жизни архитектор занимался проектированием собора Святого Петра в Риме. Архитектурные элементы и приемы, использованные архитектором, применялись мастерами итальянского Ренессанса при сооружении вил и городских зданий. После Браманте огромной славой в период развития архитектуры высокого Возрождения пользовался Рафаэль.

Первый проект Рафаэля - церковь Сант Элиджо дельи Орифичи (Chiesa di S. Eligio degli Orefici, начало 16 в. Впоследствии церковь перестраивалась. Купол создан Б. Перуцци, нынешний фасад - Ф. Понцио (17 в)).

Церковь Сант Элиджо дельи Орифичи

По заказу папского банкира Киджи он пристроил капеллу к церкви Санта Мария Дель Пополо. В Палаццо дель Аквила он создал новый тип фасада: понизу шла ордерная аркада, бельэтаж обрамлен окнами, нишами со скульптурами, лепниной.

В палаццо Ландольфини во Флоренции архитектор придумал еще один вид оформления фасада: широко раздвинутые, богато декорированные окна, сочетались с гладко оштукатуренными стенами, дополнял облик карниз с широким фризом, рустрированные углы и портал. Рафаэль создал проект виллу Мадама для кардинала Джулио Медичи, позднее ставшим папой Клементом Седьмым. Вилла была построена на склоне Монте-Марио на западном берегу реки Тибр к северу от Ватикана. Работы начались в 1518 году, а в 1520 году Рафаэль умер. Вилла осталась незавершенной: к этому времени закончили строительство только одного крыла П-образной формы. Виллу так оставили недостроенной, эксплуатировали только достроенную её часть. Нынешнее название сооружение получило в честь Маргаты Пармской - жены племянника папы Климента Седьмого - Александра Медичи, первого герцога Тосканы.

Вилла Мадама (Villa Madama) — загородная вилла кардинала Джулио де Медичи (папа Климент Седьмой

С 1514 г. Рафаэль руководил проектом возведения собора Святого Петра. Затем строительство собора Святого Петра, возведение которого возобновилось в 1534 г., возглавил Антонио да Сагалло - младший, после него руководство перешло к Микеланджело, приход которого послужил толчком к развитию позднего этапа в архитектуре итальянского Возрождения. Этот этап ознаменовался проведением различных архитектурных экспериментов с формами, частотой расположения колонн и других архитектурных элементов на фасаде, усложнением деталей, появлением сложных линий. С 1530 г. процесс после разграбления Рима процесс развития архитектуры итальянского Возрождения получил другие направления. Некоторые зодчие пытались восстановить утраченное величие Вечного города: например, Перуцци, Антонио да Сангалло-младший - представители старшего поколения зодчих Возрождения, вернулись в Рим после его падения и попытались найти компромисс между античными принципами и новыми веяниями.

Перуцци - Перуцци Бальдассаре (Peruzzi Baldassare, 1481-1536 гг.) Итальянский художник и архитектор. Работал с Донато Браманте и Рафаэлем. Перуцци в своем творчестве сочетал традиции Высокого Возрождения с идеями маньеризма. Антонио да Сангалло-младший - (Antonio da Sangallo il Giovane; 1484 —1546 гг. настоящее имя Антонио Кордини (итал. Antonio Cordini))— флорентийский архитектор эпохи Возрождения. Исследователи относят его также к основателям стиля барокко из-за создания необычных конструкций: например, фасада с наклоном вперед в Цекка веккиа (Банко ди Спирито), дугообразного цоколя палаццо Фарнезе.

Другие мастера стали искать иные пути в своем творчестве. В середине 16 века в Тоскане появляется группа, объединившая мастеров, творчество которых относят к направлению маньеризма. Многие представители этой группы были учениками Микеланджело, однако, позаимствовав у него некоторые художественные приемы, они утрировали и гипертрофировали их, при этом нарушение некоторых канонов античного стиля, являвшееся выражением замыслов великого мастера, для них стало самоцелью. Итальянские архитекторы эпохи Возрождения заимствовали в своих проектах характерные приемы и элементы римской классической архитектуры, применив их не только в храмовых, но и в городских, загородных домах зажиточных граждан, общественных строениях. План зданий определялся прямоугольными формами, симметрией, пропорциональностью, фасад был симметричен относительно вертикальной оси, декорирован пилястрами, карнизом, арками, увенчан фронтоном. Развитие итальянской архитектуры Возрождения характеризовалось появлением строительных материалов и технологий, у архитекторов появился персональный узнаваемый стиль, сделавший их известными. Архитектура Возрождения в Италии прошла полный этап развития - от раннего до позднего, создавшего предпосылки для появления нового стиля - барокко. Благодаря искусству итальянских зодчих архитектура Ренессанса завоевала всю Европу.

Возрождение в Европе.

Периодизация и характерные черты Возрождения.

Возрождение(Ренессанс) - эпоха в истории европейской культуры 13-16 вв., ознаменовавшая собой наступление Нового времени.

Как эпоха европейской истории оно отмечено множеством знаменательных вех - в том числе укреплением экономических и общественных вольностей городов, духовным брожением, приведшим в итоге к Реформации и Контрреформации, Крестьянской войне в Германии, формированием абсолютистской монархии (наиболее масштабной во Франции), началом эпохи Великих географических открытий, изобретением европейского книгопечатания, открытием гелиоцентрической системы в космологии и т. д. Однако первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервыев 16 в. употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) итальянский художник и искусствовед Джорджо Вазари.

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью искусства в его культуре.

Этапы истории искусства Италии - родины Ренессанса - долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют:

1. Проторенессанс , («эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320) - (от прото... и Ренессанс), период истории итальянского искусства (13 - нач. 14 вв.), ознаменовавшийся ростом светских реалистических тенденций, обращением к античной традиции. Самый ранний этап в развитии искусства Возрождения. Ранее всего искусство Проторенессанса проявилось в скульптуре, а затем в живописи. В ней особо ощутимо светское начало, внимание к исторической тематике, портретному, бытовому и пейзажному жанрам. Творчество поэта Данте, зодчего Арнольфо ди Камбио, скульптора Никколо Пизано, живописцев Пьетро Каваллини и особенно Джотто во многом подготовило почву для искусства Возрождения. В рамках проторенессанса выделяют:

дученто (итал. ducento, букв. - двести, -итальянское название 13 века) характеризующееся ростом реалистических тенденций в рамках средневекового искусства, пробуждением интереса к реальному миру и античному наследию.

треченто (итал. trecento, букв. – триста - итальянское название 14 века) - период интенсивного развития гуманизма в итальянской культуре; искусство треченто наряду с нарастанием готических черт отмечено развитием реалистических исканий

2. Раннее Возрождение или кватроченто (итал. quattrocento, букв. – четыреста - итальянское наименование 15 в). стало временем экспериментальных поисков, когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее. Если в эпоху Проторенессанса художник работал, основываясь на интуиции, то время Раннего Возрождения выдвинуло на первый план точные научные знания. Искусство стало выполнять роль универсального познания окружающего мира. В 15 в. появился целый ряд научных трактатов об искусстве. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры выступил Леон Баттиста Альберти. Им была разработана теория линейной перспективы, правдивого изображения глубины пространства в картине. В практическом использовании линейной перспективы большой интерес представляет творчество художника Паоло Уччелло.

3. Чинквеченто (итал. cinquecento, букв. - пятьсот - итальянское название 16 века) - период расцвета культуры Высокого и Позднего Возрождения и распространения маньеризма.

Высокое (Среднее) Возрождение - период истории итальянского искусства (кон. 15 - 1-я четверть 16 вв.) - классическая фаза художественной культуры Возрождения. В архитектуре, живописи и скульптуре Высокого Возрождения (Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан) ренессансные реализм и гуманизм, героические идеалы получили обобщенное, полное титанической силы выражение; искусству Высокого Возрождения присущи монументальное величие, сочетание возвышенной идеальности, гармонии с глубиной и жизненной яркостью образов.

Позднее Возрождение (до конца 16 века), продолжение традиций Высокого Возрождения особой фазой которого стал маньеризм.

Основные черты культуры Возрождения:

Антропоцентризм-воззрение, согласно которому человек есть центр Вселенной и конечная цель всего мироздания, т.е. существующий мир создан для человека.

Гуманизм- признание ценности человека как личности.

Реформация средневековой христианской традиции.

Возрождение античных памятников искусства и античной философии

Формирование нового отношения к миру.

Задача воспитания «нового человека» осознается как главная задача эпохи. Греческое слово («воспитание») является самым четким аналогом латинского humanitas (откуда берет свое происхождение «гуманизм»).

Humanitas в ренессансном представлении подразумевает не только овладение античной премудростью, чему придавалось огромное значение, но также самопознание и самосовершенствование. Гуманитарно-научное и человеческое, ученость и житейский опыт должны быть объединены в состоянии идеальной virtu (по-итальянски одновременно и «добродетель», и «доблесть» - благодаря чему слово несет в себе средневеково-рыцарский оттенок). Натуроподобно отражая эти идеалы, искусство Возрождения придает воспитательным чаяниям эпохи убедительно-чувственную наглядность. Древность (то есть античное наследие), Средние века (с их религиозностью, равно как и светским кодексом чести) и Новое время (поставившее человеческий ум, его творческую энергию в центре своих интересов) находятся здесь в состоянии чуткого и непрерывного диалога.

Закономерно, что время, придавшее центральное значение «богоравному» человеческому творчеству, выдвинуло в искусстве личностей, которые - при всем обилии тогдашних талантов - стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов», как их романтически именовали позднее). Олицетворением Проторенессанса стал Джотто, противоположные аспекты кватроченто - конструктивную строгость и задушевный лиризм - соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело - это художники - символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры - ранний, средний и поздний - монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.

Итальянское Возрождение

Раннее Возрождение в Италии.

14-15в. для Италии - время бурного экономического развития. Итальянские города имели достаточно развитую промышленность в форме мануфактур, являлись крупными торговыми центрами, связывающими Италию со странами Европы и Востоком. В городах находились банки, которые вели операции международного значения. С появлением нового отношения к торговле и возникновением банкирских домов оживляются и расцветают города: Пиза, Милан, Генуя, Венеция, Неаполь, Флоренция.

Промышленная, торговая и ростовщическая буржуазия итальянских городов нуждалась для своей хозяйственной деятельности в развитии точных наук, естествознания, математики. Вместе с тем, наживая огромные состояния, она стремилась создать для себя комфортабельные условия жизни и украсить свои дворцы произведениями искусства. Буржуазия и правители (короли, папы, республиканские сеньории) нуждались в образованных чиновниках, нотариусах, врачах, учителях – и вообще в людях умственного труда, которые могли бы вести торговые и кредитные дела внутри страны и за границей.

Так, вместе с формирующейся буржуазией в итальянских городах появилась интеллигенция: литераторы, философы, историки, поэты музыканты, архитекторы, художники, инженеры, врачи и т.д., оказавшие решающее влияние на формирование новой идеологии.

Одной из важнейших черт новой идеологии был индивидуализм. Нарождающаяся буржуазия, сильная и богатая, утверждала теперь, что не знатность и родовитость, а личные качества отдельного Человека: его ум, ловкость, смелость, предприимчивость и энергия обеспечивают успех в жизни. Мировоззрение деятелей новой культуры, которое выражалось в их философских, политических, научных и литературных взглядах, обычно обозначают термином «гуманизм». Т.к. человека рассматривали теперь как кузнеца своего счастья, творца всех ценностей, идущего вперед наперекор судьбе и добивающегося успеха силой своего разума, твердостью духа, активностью, оптимизмом. Человек должен наслаждаться природой, любовью, искусством, наукой. Представителям новой идеологии была чужда идея греховности человека, в частности его тела; наоборот, становится признанной гармония человеческой души и тела.

В итальянском обществе пробудился глубокий интерес к античной цивилизации и культуре, где даже боги наделялись человеческим обликом и человеческим характером. Отсюда попытка воскресить ушедшую культуру и возвести ее на пьедестал.

Деятели культуры старались в своих трудах подражать стилю латинских писателей «золотого века» римской литературы, особенно Цицерону. Появился интерес к греческой литературе и греческому языку. Духовным центром итальянского Возрождения становятся Флоренция и Венеция.

Раннее Возрождение неразрывно связано с именами Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо.

Родоначальником гуманизма в Италии принято считать Франческо Петрарку (1304-1374). Он был собирателем древних рукописей и памятников, историком, пропагандистом древнеримской культуры (он попытался написать историю Рима в биографиях («О знаменитых мужах» содержит 21 биографию великих римлян от Ромула до Цезаря)). Все произведения Петрарки можно разделить на две неравные части: итальянскую поэзию («Канцоньере») и разнообразные сочинения, написанные по-латыни. «Канцоньере» («Книга песен») включает в себя сонеты, канцоны, баллады, мадригалы посвященные любви Петрарки к Лауре при ее жизни и после ее смерти; несколько стихотворений политического и религиозного содержания; и аллегорическую картину любви поэта - Триумфы, в которых изображается победа любви над человеком, целомудрия над любовью, смерти над целомудрием, славы над смертью, времени над славой и вечности над временем. «Канцоньере», выдержавшее уже до начала XVII в. ок. 200 изданий и комментированное целой массой ученых и поэтов определяет значение Петрарки в истории итальянской и всеобщей литературы. Он создал истинно художественную форму для итальянской лирики: поэзия впервые является у него внутренней историей индивидуального чувства. Этот интерес к внутренней жизни человека проходит красной нитью и через латинские произведения Петрарки, которые определяют его значение, как гуманиста.

Современник Петрарки Джаванни Боккаччо (1313-1375) стал знаменит благодаря написанному на итальянском языке «Декамерону» - сборнику новелл на темы флорентийской городской жизни, в котором подчеркивается право человека на счастье, на чувственные радости, на любовь, которая не знает социальных перегородок. Сборник содержит народный юмор и вольнодумство, критику невежества и лицемерия католического духовенства. Боккаччо «Декамерон» стал образцом совершенства языка и стиля для итальянских авторов, классикой мировой литературы. «Декамерон» представляет собой сто историй, рассказанных от имени благородных флорентийских дам и молодых людей; повествование проистекает на фоне эпидемии чумы («черной смерти»), от которой скрывается благородное общество в загородном имении, и исполнено тонкого психологизма и неожиданных коллизий.

Вместе с Данте Петрарка и Боккаччо являются создателями литературного итальянского языка. Их произведения в 15в. были переведены на многие языки Европы и заняли почетное место в мировой литературе.

Искусство раннего Возрождения было представлено новой живописью, скульптурой и архитектурой.

Выдающимся мастером раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию Джотто, был флорентийский художник Мазаччо (наст. имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи) (1401- 1428). Он писал на церковно-религиозные сюжеты (в основном это росписи стен внутри храмов), но придавал им реалистические черты с помощью светотени, пластической телесности, трехмерности, композиционной увязки с пейзажем, действие религиозных сюжетов переносил на улицы Флоренции. Впервые в настенной живописи (фреска «Троица» в церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции) создает центрально-перспективное построение, придающее композиции величественность и в то же время соразмерность человеческим масштабам. Его творчество стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Художник Сандро Боттичелли был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Писал произведения на религиозные и мифологические темы («Весна», «Рождение Венеры», около 1483-1484) хотя его изображения и плоскостные, но отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом, и настроение грусти. Но грусть Венеры и снисходительная улыбка Весны обращены к зрителям, к его миру, а не к райской прозрачности как на иконах.

Крупнейший скульптор раннего Возрождения – флорентинец Донателло - осмысливая опыт античного искусства, впервые создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы («Св. Георгий», «Давид», «Юдифь и Олоферн»), монументального конного памятника (статуя кондотьера Гаттамелаты в Падуе – первый конный монумент Возрождения), живописного рельефа (алтарь церкви Сант-Антонио в Падуе), скульптурного портрета, величественного надгробия (гробница антипапы Иоанна XXIII во флорентийском баптистерии - классический образец для всех позднейших гробниц эпохи Возрождения). Его скульптура «Давид» - первая совершенно обнаженная фигура, созданная в эпоху Возрождения. Формы скульптур у Донателло приобретают пластическую ясность, объемы становятся цельными, типовое выражение лиц сменяется портретностью, складки одеяний естественно облекают тело и вторят его изгибам и движению. Он своим скульптурам стремился придать черты реальных людей: Христос у него выглядит как крестьянин, в качестве евангелистов и пророков изображены флорентийские граждане. В создании скульптур Донателло ставит своей задачей воспроизвести новый идеал эпохи - индивидуальную героическую личность.

Больших успехов в эпоху раннего Возрождения достигает архитектура. Если начало эпохи Возрождения ознаменовалось возведением символа городской общины – собора, то к концу 15в. центром города становится дворец правителя. Площадь из места народного собрания превратилась в парадный двор.

Формируется тип светского дворца (палаццо): четырехугольный в плане, замкнутый вокруг внутреннего дворика, который затем становится с одной стороны открытым или отделяется только портиком. Память о средневековой крепостной архитектуре сохранилась в применении кладки из грубых каменных блоков, которая потом стала распространенным декоративным элементом («руст») в основном при кладке цокольных нижних этажей.

На смену свободной застройке приходит плановая. Новая архитектура эпохи Возрождения – громадные здания, высокие купола, грандиозная колоннада, требовали строгих математических расчетов. Благодаря усовершенствованию строительной техники строительство больших зданий, соборов и дворцов стало производиться в более короткие, чем в средние века, сроки, иногда за несколько лет.

Крупными архитекторами, создавшими стиль архитектуры Возрождения были Филлиппо Брунуллески и Леон Баттиста Альберти.

Главными центрами нового искусства Северной Италии становятся три города: Падуя, Феррара, Венеция.

Падуя был одним из старейших университетских городов Европы. Падуанский университет, основанный в 1222 г., привлекал много слушателей из разных стран. Здесь усиленно изучали наследие античности. При университете был создан кружок гуманистов, знатоков и любителей древности. Здесь собирали рукописи античных авторов, коллекционировали произведения искусства. В Падуе бывали Данте и Петрарка. Сюда приезжали работать Джотто, Донателло оказавшие сильное влияние на местных художников.

В Ферраре центром гуманистической культуры стал двор местных правителей - герцогов д"Эсте.

Венеция – республика купцов, торгующих со всем миром и сосредоточивших в своих руках большую часть товарооборота между Востоком и Западом. Венецианцы заимствуют все прекрасное у мусульманского Востока, дряхлеющей Византии, «варварской» Германии, и стараются превратить свой город в самый блестящий и великолепный в мире. А финансовое благополучие позволяет им не скупится в реализации своих замыслов.

Высокое Возрождение.

На рубеже 15 – 16 в. итальянское Возрождение вступило в новую фазу развития. На конец 15 – первое десятилетие 16 в. приходится высший взлёт искусства. Этот этап получил название Высокое Возрождение.

В первом десятилетии 16 в. центр художественной жизни Италии перемещается в Рим. Ещё в конце 15 в. Папская область стала играть важную роль среди крупнейших итальянских государств. Менее развитая в экономическом отношении, чем Флоренция или Венеция, она обладала высоким международным значением (как центр католицизма). Мечтая объединить всю Италию под властью Рима, папы пытались превратить его в ведущий политический и культурный центр. Этому способствовала меценатская политика пап, привлекавшая в Рим лучших художников. И историческое прошлое «вечного города» как нельзя лучше соответствовало его новой роли. Не умиравшее на протяжении всего Средневековья воспоминание о величие Римской империи приобрели теперь особое значение. В связи с этим в начале 16 в. оживился интерес к древней истории и культуре. Именно в Риме, с его многочисленными памятниками, всегда привлекавшими художников, классическое наследие было воспринято полно и глубоко.

Искусство Высокого Возрождения впитало в себя идеи гуманизма, оно проникнуто верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира. Вместе с тем на смену распространённой в искусстве кватроченто наивной повествовательности и бытовизму приходит проблема гражданского долга и героического подвига. Лейтмотивом культуры становится образ прекрасного, гармонически развитого, сильного телом и духом человека, возвышающегося под уровнем повседневной обыденности.

В начале 16 в. достигает гармонического единства новый вид синтеза искусств, который в отличие от средневекового (когда все виды искусства подчинены архитектуре), предполагает равноправие живописи и скульптуры по отношению к архитектуре. Освобождение живописи и скульптуры от строгого подчинения зодчеству приводит к обособлению и развитию новых жанров искусства: портрета, пейзажа и исторической живописи.

Формирование искусства Высокого Возрождения началось в конце 15 в. – колыбель его была Флоренция, откуда вышли такие крупнейшие мастера как Леонардо да Винчи и Микеланджело. Традиции флорентийской школы и раннего кватроченто были основой искусства 16 в.

В начале 16 в ведущее положение в развитии архитектуры, живописи и скульптуры переходит к Риму. Получает развитие архитектура садов, парков и загородных резиденций знати. Возникают утопические проекты городов. Отличительными качествами архитектуры Высокого Возрождения становятся: монументальность, навеянное древним Римом импозантное величие и грандиозность замыслов. Наиболее ярко это проявилось в перестройке Ватикана и строительстве собора Св. Петра, архитектором которых был Донато д’Анджело Браманте (1444-1514), определивший своим творчеством пути развития архитектуры 16 в. Построенная Браманте небольшая часовня Темппьетто – одно из лучших произведений архитектуры зрелого Ренессанса, оно отличается цельностью композиции, изысканностью пропорций, прорисовкой деталей. Главный собор Рима (собор св. Петра) Браманте планировал сделать тоже по центрическому плану, при этом он руководствовался не практическими соображениями (удобство при богослужении), а излюбленной в этот период концепцией центрической композиции, стремящейся к уравновешенности, стабильности и законченности. Но строительство собора началось в 1506 году, поэтому Браманте не успел достроить собор и к строительству последовательно привлекались: Рафаэль, Перуцци, Антонио да Сангало Младший, Микеланджело.

Многие деятели культуры представляли собой воплощение «хомо универсале» - человека универсального, одаренного во всех сферах творческой и научной деятельности, создающего шедевры живописи, скульптуры, архитектуры, пишущего трактаты на различные научные темы.

Леонардо да Винчи (1452-1519)- величайший живописец, скульптор, архитектор, ученый и ин­женер. Леонардо оставил мало живописных произведений, так как научные интересы поглощали много времени и силы.

Уже в первых его картинах присутствуют основные черты искусства Леонардо: интерес к психологическим решениям, лаконичность, акцент на пространственном расположении и объёмность форм.

Сочетая разработку но­вых средств художественного языка с теоретичес­кими общениями, Леонардо создал гармонический образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам; тем самым он подытожил опыт кватро­ченто и заложил основы искусства Высокого Воз­рождения.

На службе у правителя Милана Лодовико Моро Лео­нардо да Винчи выступает в роли военного инже­нера, гидротехника, организатора придворных фе­ерий. На этот же период приходится и творческий рас­цвет Леонардо-живописца. В «Мадонне в скалах» излюбленная мастером тончайшая светотень («сфумато») предстает новым ореолом, который идет на смену средневековым нимбам: это в равной мере и божественно-человеческое, и природное таинство, где скалистый грот, отражая геологические наблюдения Леонардо, играет не меньшую драматическую роль, чем фигуры святых на переднем плане. Кроме того, Леонардо вводит в итальянскую живопись новый мотив – изображение Девы Марии с детьми в пейзаже.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря». В «Тайной вечере» - в искусство вводится психологический конфликт и математический расчёт в построение композиции. Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусства. Занимаясь также архитектурой, Леонардо разрабатывает различные варианты «идеального города» и центрально-купольного храма.

В портрете Моны Лизы («Джоконда») образ бога­той горожанки предстает воплощением возвышен­ного идеала женственности, не теряя при этом ин­тимно-человеческого обаяния; важным элементом композиции становится космически обширный пейзаж, тающий в холодной дымке. «Джоконда» ложится в основу всего последующего итальянского портрета.

К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежит «Святая Анна с Марией и младенцем Христом», завершающая поиски мастера в области свето-воздушной перспективы и гармони­ческой пирамидальной композиции. Последняя картина Леонардо, «Святой Иоанн Креститель» полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель.

Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов). Эти записи си­стематизировал после смерти художника его уче­ник Ф. Мельци в «Трактате о живописи». Эта ра­бота оказала огромное влияние на европейскую ху­дожественную практику и теоретическую мысль.

Неутомимый ученый-экспериментатор и гениальный художник, Леонардо да Винчи остался в традиции личностью-символом эпохи.

Рафаэль Санти (1483-1520)- художник синтеза и гармонии. Его искусство отличается чертами равновесия разума и чувств, реальности и идеалов, безупречной ясности композиции и форм; он является классическим воплощением Высокого Возрождения. Уже в ранних картинах («Мадонна Конестабиле», «Сон рыцаря», «Три грации», «Обручении Марии») сказался присущий Рафаэлю гармоничный склад дарования, его умение находить безупречное согласие форм, ритмов, красок, движений, жестов.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (парадных покоев) Ватикана, достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов. В величественных многофигурных композициях на стенах (объединяющие от 40 до 60 персонажей) «Диспута» («Спор о причастии»), «Афинская школа», «Парнас», не повторяя ни одной фигуры и позы, ни одного движения, Рафаэль сплетает их воедино гибким, свободным, естественным ритмом, перетекающим от фигуры к фигуре, от одной группы к другой. В «Чудесном изведении апостола Петра из темницы» Рафаэль с необычной для художника Средней Италии живописной тонкостью передает сложные эффекты ночного освещения – ослепительного сияния, окружающего ангела, холодного света луны, красноватого пламени факелов и их отсветы на латах стражников.

К числу лучших работ Рафаэля-монументалиста относятся также росписи сводов капеллы Киджи в Риме и полная языческой жизнерадостности фреска «Триумф Галатеи» (вилла Фарнезина, Рим).

Одной из главных тем живописи Рафаэля была Мадонна с младенцем. В работах «Мадонна со щегленком», «Мадонна в зелени», «Прекрасная садовница» он использует в них один и тот же мотив - изображает на фоне идиллического пейзажа юную мать и играющих у ее ног маленьких детей - Христа и Иоанна Крестителя, он объединяет фигуры устойчивым, гармонически уравновешенным ритмом композиционный пирамиды, излюбленной мастерами Возрождения. Новая, полифонически сложная трактовка образа Мадонны нашла наиболее полное выражение в одном из самых совершенных творений Рафаэля - алтаре «Сикстинская Мадонна».

Рафаэль оставил заметный след и в итальянской архитектуре. Он участвовал в строительстве собора св. Петра в Риме. Среди его построек - маленькая церковь Сан"Элиджо дельи Орефичи с ее строгим интерьером, капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо интерьер которой являет пример редкого даже для эпохи Возрождения единства архитектурного решения и декора, разработанного Рафаэлем, - росписей, мозаики, скульптуры.

Микеланджело Буонаротти (1475-1564) - скульптор, живописец, архитектор, поэт. Микеланджело намного пережил своих прославленных современников (Леонардо да Винчи и Рафаэля) и был свидетелем унижения Италии и крушения всех идеалов и надежд. Поэтому с наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения.

Введение

Историография

Основные этапы Ренессанса

Раннее Возрождение

Высокое Возрождение

Позднее Возрождение

Характеристика архитектуры Возрождения

Изобразительное искусство Возрождения

Заключение

Список литературы

Введение

«Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснений, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть до степени животного, но так же и возможность подняться до степени существа богоподобного – исключительно благодаря твоей внутренней воле…»

Так говорит Бог Адаму в трактате итальянского гуманиста Пико делла Мирандола «О достоинстве человека». В этих словах сжат духовный опыт эпохи Возрождения, выражен сдвиг в сознании, который она совершила.

Архитектура Возрождения - период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства.

Историография

Слово «ренессанс» (фр. renaissance) произошло от термина «la rinascita», который впервые употребил Джорджо Вазари в книге «Жизнеописания наиболее знаменитых итальянских живописцев, ваятелей и зодчих» изданной в 1550-1568.

Термин «Возрождение» для обозначения соответствующего периода ввёл французский историк Жюль Мишле, однако швейцарский историк Якоб Буркхардт в своей книге «Культура итальянского Возрождения»раскрыл определение полнее, его интерпретация легла в основу современного понимания Итальянского Возрождения. Издание альбома рисунков «Здания современного Рима или Сборник дворцов, домов, церквей, монастырей, и других наиболее значительных общественных сооружений Рима» опубликованное Полем Ле Таруиллом в 1840 вызвало рост всеобщего интереса к периоду Возрождения. Тогда ренессанс считали стилем «подражающим античному».

Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения. Затем оно распространилось в другие итальянские города, во Францию, Германию, Англию, Россию и другие страны.

Основные этапы Ренессанса

Обычно Итальянское Возрождение подразделяется на три периода. В истории искусств можно говорить о развитии изобразительного искусства и скульптуры в рамках направления раннего ренессанса в XIV веке. В истории архитектуры дело обстоит иначе. Вследствие экономического кризиса XIV века период Ренессанса в архитектуре начался только с началом XV столетия и продолжался до начала XVII века в Италии и дольше за её пределами.

Можно выделить три основных периода:

· Раннее Возрождение или кватроченто, примерно совпадает с XV веком.

· Высокое Возрождение, первая четверть XVI века.

· Маньеризм или Позднее Возрождение (2-ая половина XVI в. XVII в.).

В других европейских странах развивался свой предренессансный стиль, а само Возрождение начиналось не раннее XVI века, стиль прививался к уже существующим традициям, в результате чего строения эпохи Возрождения в разных регионах могут иметь немного сходных черт.

В самой Италии архитектура Возрождения перешла в маньеристскую архитектуру, представленную в довольно различных тенденциях в работах Микеланджело, Джулио Романо и Андреа Палладио, которая затем переродилась в барокко, применявшие подобные архитектурные приёмы в ином общем идейном контексте.

Раннее Возрождение

В период кватроченто были заново открыты и сформулированы нормы классической архитектуры. Изучение античных образцов вело к усвоению классических элементов архитектуры и орнамента.

Пространство, как архитектурный компонент, организовано в отличном от средневековых представлений образе. В его основу встала логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений. Первым образцом периода можно назвать базилику Сан-Лоренцо во Флоренции, построенную Филиппо Брунеллески (1377-1446).

Филиппо Брунеллески

Филиппо Брунеллески (итал. Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446 г.) - великий итальянский архитектор эпохи Возрождения.

Филиппо Брунеллески родился во Флоренции в семье нотариуса Брунеллески ди Липпо. В детстве Филиппо, к которому должна была перейти практика отца, получил гуманистическое воспитание и лучшее по тому времени образование: изучал латинский язык, штудировал античных авторов.

Отказавшись от карьеры нотариуса, Филиппо с 1392 г. был в учении, вероятно, у золотых дел мастера, а затем проходил практику в качестве ученика у ювелира в Пистойе; учился также рисованию, лепке, гравированию, скульптуре и живописи, во Флоренции изучал промышленные и военные машины, приобрел значительные для того времени познания в математике в учении у Паоло Тосканелли, который, по свидетельству Вазари, обучал его математике. В 1398 г. Брунеллески вступил в Арте делла Сета, куда входили золотых дел мастера. В Пистойе молодой Брунеллески работал над серебряными фигурами алтаря Святого Якова - в его работах сильно влияние искусства Джованни Пизано. В работе над скульптурами Брунеллески помогал Донателло (ему было тогда 13 или 14 лет) - с этого времени дружба связала мастеров на всю жизнь.

В 1401 г. Филиппо Брунеллески вернулся во Флоренцию, принял участие в объявленном Арте ди Калимала (цех торговцев тканями) конкурсе на украшение рельефами двух бронзовых врат Флорентийского баптистерия. В конкурсе вместе с ним приняли участие Якопо делла Кверча, Лоренцо Гиберти и ряд других мастеров. Конкурс под председательством 34 судей, на который каждый мастер должен был предоставить исполненный им бронзовый рельеф «Принесение в жертву Исаака», длился год. Конкурс был проигран Брунеллески - рельеф Гиберти превосходил его художественно и технически (он был вылит из одного куска и был на 7 кг легче рельефа Брунеллески).

Задетый тем, что проиграл конкурс, Брунеллески покинул Флоренцию и отправился в Рим, где, возможно, решил в совершенстве изучить античную скульптуру. В Риме молодой Брунеллески обратился от пластики к строительному искусству, начав тщательно измерять сохранившиеся развалины, зарисовывать планы целых построек и планы отдельных частей, капителей и карнизов, проекции, виды зданий и все их детали. Он должен был раскапывать засыпанные части и фундаменты, должен был дома составлять эти планы в единое целое, восстанавливать то, что было не в полной сохранности. Так он проникся духом античности, работая подобно современному археологу с рулеткой, лопатой и карандашом, научился различать виды и устройство античных построек и создал в папках со своими этюдами первую историю римской архитектуры.

Работы Брунелесски:

· 1401-1402 гг. конкурс на тему «Жертвоприношение Авраама» из Ветхого Завета; проект бронзовых рельефов для северных дверей флорентийского баптистерия (28 рельефов, заключенных в квадрифолии размером 53×43 см). Брунеллески проиграл. Конкурс выиграл Лоренцо Гиберти. «Уязвленный решениями комиссии, Брунеллески, отвернулся от родного города и отправился в Рим…, чтобы изучать там истинное искусство». Рельеф находится в Национальном музее Барджелло, Флоренция.

· 1412-1413 гг. Распятие в церкви Санта-Мария-Новелла (Santa Maria Novella), Флоренция.

· 1417-1436 гг. Купол кафедрального собора Санта-Мария-дель-Фьоре или просто Дуомо (Duomo), до сих пор самая высокая постройка во Флоренции (114, 5 м), спроектированная таким образом, чтобы внутри могло поместиться все население города «великое… вздымающееся к небесам сооружение осеняет собой все тосканские земли» писал о нём Леон Баттиста Альберти.

· 1419-1428 гг. Старая сакристия (Sagrestia Vecchia) церкви Сан-Лоренцо (San Lorenzo), Флоренция. В 1419 г. заказчик Джованни ди Биччи (Giovanni di Bicci), основатель рода Медичи, отец Козимо Старшего (Cosimo il Vecchio), задумал перестроить собор, бывший тогда маленькой приходской церковью, но Брунеллески успел доделать только старую сакристию, Новую сакристию (Sagrestia Nuova), спроектировал уже Микеланджело.

· 1429-1443 гг. капелла (молельня) Пацци (Cappella de’Pazzi), расположенная во дворе францисканской церкви Санта-Кроче (Santa Croce) во Флоренции. Это небольшое крытое куполом здание с портиком.

· начатая в 1434 г. церковь Санта-Мария-дельи-Анжели (Santa Maria degli Angeli), во Флоренции, так и осталась недостроенной.

· 1436-1487 гг. церковь Санто-Спирито (Santo Spirito), законченая уже после смерти зодчего. «Центрическое купольное здание из равновеликих квадратов и боковых нефов с нишами-капеллами было затем расширено путем добавления продольного здания до колонной базилики с плоским перекрытием».

· Начатый в 1440 г. Дворец Питти (Palazzo Pitti) окончательно достроен был только в XVIII веке. Работы были прерваны в 1465 г. в связи с тем, что заказчик дворца коммерсант Лука Питти разорился, а резиденцию в 1549 году купили Медичи (Элеонора Толедская, жена Козимо I), именно которых и хотел обставить Лука Питти, заказав в свое время окна такого же размера как и двери в палаццо Медичи.

По представлению Брунеллески настоящий ренессансный дворец должен был выглядеть так: трёхэтажный, квадратный в плане объём здания, с кладкой из флорентийского тесаного камня (добываемого непосредственно на месте, где сейчас находятся сады Боболи, позади дворца), с 3-мя огромными входными дверями на первом этаже. Два верхних этажа прорезаны 7 окнами, расположенными по каждой стороне и объединёнными линией балконов, проходящими по всей длине фасада.

Только в 1972 г. стало известно, что похоронен Брунеллески в соборе Санта-Репарата (IV-V вв., во Флоренции) в предыдущем храме, на останках которого и был возведён кафедральный собор Санта-Мария-дель-Фьоре (Santa Maria del Fiore).