การนำเสนอ "นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่"
สไลด์ 1:
ดนตรีมีบทบาทสำคัญในวัฒนธรรมอิตาลีมาโดยตลอด เครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับดนตรีคลาสสิก รวมทั้งเปียโนและไวโอลิน ได้รับการประดิษฐ์ขึ้นในอิตาลี
ดนตรีอิตาเลียนในศตวรรษที่ 16 และ 17 มีรากฐานมาจากดนตรีคลาสสิกที่โดดเด่นหลายรูปแบบ เช่น ซิมโฟนี คอนแชร์โต และโซนาตา
สไลด์ 2: วัตถุประสงค์ของการนำเสนอ:
แนะนำผลงานของคีตกวีชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 7-20
อันโตนิโอ ซาลิเอรี;
นิคโคโล ปากานินี;
โจอาชิโน รอสซินี;
จูเซปเป้ แวร์ดี;
อันโตนิโอ วิวัลดี.
พัฒนาการรับรู้ที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรี
พัฒนารสนิยมทางดนตรี
คีตกวีชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 7-20 ข้อมูลชีวประวัติโดยย่อ:
อันโตนิโอ ซาลิเอรี;
นิคโคโล ปากานินี;
โจอาชิโน รอสซินี;
จูเซปเป้ แวร์ดี;
อันโตนิโอ วิวัลดี.
คอนเสิร์ตบรรเลงโดย A. Vivaldi “The Seasons”:
ฤดูหนาว;
ฤดูใบไม้ผลิ;
ฤดูร้อน;
ฤดูใบไม้ร่วง.
ยุคบาโรกเป็นตัวแทนในอิตาลีโดยนักประพันธ์เพลง Scarlatti, Corelli และ Vivaldi ยุคแห่งความคลาสสิกโดยนักประพันธ์เพลง Paganini และ Rossini และยุคแห่งความโรแมนติกโดยนักประพันธ์เพลง Verdi และ Puccini
ประเพณีดนตรีคลาสสิกยังคงดำเนินต่อไป เห็นได้จากความรุ่งโรจน์ของโรงละครโอเปร่านับไม่ถ้วน เช่น La Scala ในมิลานและ San Carlo ในเนเปิลส์ และนักแสดง เช่น นักเปียโน Maurizio Pollini และ Luciano Pavarotti ผู้ล่วงลับไปแล้ว
ฟังชิ้นนี้.
สไลด์ 5:
การเล่นของปากานินีเผยให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในวงกว้างของไวโอลินจนคนรุ่นราวคราวเดียวกันสงสัยว่าเขามีความลับบางอย่างซ่อนอยู่จากผู้อื่น บางคนถึงกับเชื่อว่านักไวโอลินขายวิญญาณของเขาให้กับปีศาจ ศิลปะไวโอลินทั้งหมดในยุคต่อมาได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของสไตล์ของปากานินี นี่คือผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่ง Caprice No. 24
สไลด์ 6:
ช้อนแตกด้วยน้ำแข็ง
ฝาครอบบ่อน้ำฤดูหนาว
แสงอาทิตย์ทำให้แม่น้ำมืดบอด
ไม่มีถนน - มีเพียงลำธาร
ลมทำให้บังเหียนอุ่นขึ้น
พวกเขานำเรือมาเมื่อวานนี้
ทุกสิ่งส่งเสียงร้องและเปล่งประกายด้วยการกอดรัดของวันแรกในฤดูใบไม้ผลิ
และเขาก็รีบไปล้างตัว มีนกกระจอกแก่อยู่ในแอ่งน้ำ
สไลด์ 13:
วันแห่งฤดูใบไม้ผลิจึงบินไปอย่างรวดเร็ว
และฤดูร้อนอันอบอุ่นก็มาถึงแล้ว
และดวงอาทิตย์ก็ร้อนแรงและสดใส
มันพามาด้วย
สไลด์ 14:
ฟังนะ ฤดูใบไม้ร่วงมาถึงแล้ว
วันฤดูใบไม้ร่วงวันที่เศร้า
ใบแอสเพน ลาก่อน
ใบไม้ก็หมุน ใบไม้ก็หมุน
ใบไม้ก็ไปนอนบนพื้น
ตั้งแต่ดนตรีโฟล์กไปจนถึงดนตรีคลาสสิก ดนตรีมีบทบาทสำคัญในวัฒนธรรมอิตาลีมาโดยตลอด เครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกับดนตรีคลาสสิก รวมทั้งเปียโนและไวโอลิน ได้รับการประดิษฐ์ขึ้นในอิตาลี ต้นกำเนิดของดนตรีคลาสสิกรูปแบบต่างๆ ที่โดดเด่น เช่น ซิมโฟนี คอนแชร์โต และโซนาตา มีต้นกำเนิดมาจากดนตรีอิตาลีในศตวรรษที่ 16 และ 17
คีตกวีชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Renaissance) Palestrina และ Monteverdi ยุคบาโรกเป็นตัวแทนในอิตาลีโดยนักประพันธ์เพลงสการ์ลัตติ คอเรลลี และวิวัลดี ยุคแห่งความคลาสสิคเป็นของนักประพันธ์เพลง Paganini และ Rossini และยุคแห่งความโรแมนติกเป็นของนักประพันธ์เพลง Verdi และ Puccini
ประเพณีดนตรีคลาสสิกยังคงแข็งแกร่งในวัฒนธรรมอิตาลีสมัยใหม่ ดังที่เห็นได้จากความรุ่งโรจน์ของโรงละครโอเปร่านับไม่ถ้วน เช่น La Scala ในมิลานและ San Carlo ในเนเปิลส์ และนักแสดง เช่น นักเปียโน Maurizio Pollini และ Luciano Pavarotti ผู้ล่วงลับไปแล้ว
อิตาลีได้ชื่อว่าเป็นแหล่งกำเนิดของโอเปร่า โอเปร่าอิตาลีก่อตั้งขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 ในเมือง Mantua และ Venice ของอิตาลี ต่อมาผลงานและผลงานที่สร้างโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi และ Puccini อยู่ในหมู่ โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดเท่าที่เคยเขียนมา และปัจจุบันจัดแสดงในโรงละครโอเปร่าทั่วโลก นอกจากนี้โรงละครโอเปร่า La Scala ยังถือว่าเป็นหนึ่งในโรงละครที่ดีที่สุดในโลก
รายชื่อนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่
| № | ชื่อ | ยุค | ปี |
| อัลบิโนนี่ โทมาโซ | พิสดาร | 1671-1751 | |
| ไบนี่ จูเซปเป้ | ดนตรีคริสตจักร - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา | 1775-1844 | |
| เบลลินี วินเชนโซ | ยวนใจ | 1801-1835 | |
| โบอิโต อาร์ริโก | ยวนใจ | 1842-1918 | |
| บ็อคเครินี ลุยจิ | ลัทธิคลาสสิก | 1743-1805 | |
| แวร์ดี จูเซปเป ฟอร์ตูนิโอ ฟรานเชสโก | ยวนใจ | 1813-1901 | |
| วิวัลดี อันโตนิโอ | พิสดาร | 1678-1741 | |
| วูล์ฟ-เฟอร์รารี เออร์มานโน | ยวนใจ | 1876-1948 | |
| จูเลียนี เมาโร | ลัทธิคลาสสิก-โรแมนติก | 1781-1829 | |
| โดนิเซตติ เกตาโน่ | ลัทธิคลาสสิก-โรแมนติก | 1797-1848 | |
| เลออนโควัลโล รุจจิเอโร | ยวนใจ | 1857-1919 | |
| มาสคาญี ปิเอโตร | ยวนใจ | 1863-1945 | |
| มาร์เชลโล เบเนเดตโต้ | พิสดาร | 1686-1739 | |
| มอนเตเวร์ดี เคลาดิโอ จิโอวานนี่ อันโตนิโอ | ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา-บาโรก | 1567-1643 | |
| ปากานินี นิโคโล | ลัทธิคลาสสิก-โรแมนติก | 1782-1840 | |
| ปุชชินี จาโคโม | ยวนใจ | 1858-1924 | |
| รอสซินี โจอาคิโน่ อันโตนิโอ | ลัทธิคลาสสิก-โรแมนติก | 1792-1868 | |
| โรต้า นิโน่ | นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20 | 1911-1979 | |
| สการ์ลัตติ โดย จูเซปเป โดเมนิโก | บาร็อค-คลาสสิก | 1685-1757 | |
| โทเรลลี่ จูเซปเป้ | พิสดาร | 1658-1709 | |
| ตอสติ ฟรานเชสโก เปาโล | - | 1846-1916 | |
| ซิเลีย ฟรานเชสโก | - | 1866-1950 | |
| ชิมาโรซา โดเมนิโก | ลัทธิคลาสสิก | 1749-1801 |
นักแต่งเพลงชาวฮังการีผู้ยิ่งใหญ่
ดนตรีของฮังการีประกอบด้วยดนตรีพื้นบ้านของฮังการีเป็นส่วนใหญ่ และดนตรีของนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง เช่น Liszt และ Bartok กิจกรรมสร้างสรรค์ที่หลากหลายของ Liszt ซึ่งเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของแนวโรแมนติกมีบทบาทอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนดนตรีแห่งชาติฮังการี (การแต่งและการแสดง) และในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโลก ผู้สร้างโอเปร่าแห่งชาติฮังการีคือ Ferenc Erkel
รายชื่อนักแต่งเพลงชาวฮังการี
| № | ชื่อ | ยุคกิจกรรม | ปี |
| คาลมาน อิมเร (เอ็มเมอริช) | คีตกวีคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 20 | 1882-1953 | |
| ลิซท์ (ลิซท์) เฟเรนซ์ (ฟรานซ์) | ยวนใจ | 1811-1886 | |
| เบลา บาร์ต็อก (เบลา วิคเตอร์ จานอส บาร์ต็อก) | นักแต่งเพลงและนักเปียโน | 1881-1945 | |
| ลีโอ วีเนอร์ | นักแต่งเพลง | 1885-1960 | |
| คาร์ล (คาโรลี่) โกลด์มาร์ก | นักแต่งเพลง | 1830-1915 | |
| เอนโยซาดอร์ | นักแต่งเพลง | 1894-1977 | |
| ปาล คาโดชา | นักแต่งเพลงนักเปียโน | 1903-1983 | |
| เอนโยเคนเชย์ | นักแต่งเพลง, วาทยากร | 1906-1976 | |
| โซลตัน โคได (โคได) | นักแต่งเพลง, นักพื้นบ้าน, วาทยากร | 1882-1967 | |
| เฟเรนซ์ (ฟรานซ์) เลฮาร์ | นักแต่งเพลง, วาทยากร | 1870-1948 | |
| เอเดน มิฮาโลวิช | นักแต่งเพลงนักเปียโน | 1842-1929 | |
| อาเธอร์ นิคิช | นักแต่งเพลง, วาทยากร | 1855-1922 | |
| กีร์กีรันกี | นักแต่งเพลง | 1907-1988 | |
| เฟเรนซ์ สซาโบ | นักแต่งเพลง | 1902-1969) | |
| อิตวาน เซเลนยี่ | นักแต่งเพลง, นักดนตรี, นักเปียโน | 1904-1972 | |
| เบลา ทาร์ดอช | นักแต่งเพลง | 1910-1966) | |
| ติบอร์ฮาร์ซานี | นักแต่งเพลง | 1898-1954 | |
| เอ็นโยคูไบ | นักแต่งเพลงนักไวโอลิน | 1858-1937 | |
| อัลเบิร์ต ไซโคลส | นักแต่งเพลงอาจารย์ | 1878-1942 | |
| เฟเรนซ์ เออร์เคิล | นักแต่งเพลง นักเปียโน ผู้ก่อตั้งอุปรากรแห่งชาติ | 1810-1893 | |
| ปาล ยาร์ดันยี | นักแต่งเพลงนักวิจารณ์เพลง | 1920-1966 |
การพัฒนาดนตรีอิตาเลียนในศตวรรษที่ 19 เกิดขึ้นภายใต้สัญลักษณ์ของโอเปร่า ศตวรรษนี้จบลงด้วยผลงานชิ้นเอกของ Verdi และความสำเร็จอันน่าทึ่งของ Mascagni และ Leoncavallo ยุคอันรุ่งโรจน์นี้ปิดฉากลงโดยปุชชินีซึ่งทำหน้าที่เป็นทายาทที่แท้จริงของแวร์ดี และในขณะเดียวกันก็เปิดโอกาสใหม่ ๆ ในด้านละครเพลงและทำนองร้อง ในไม่ช้าการค้นพบของปุชชินีก็ถูกหยิบยกขึ้นมาโดยนักประพันธ์เพลงจากโรงเรียนระดับชาติต่างๆ อย่างไรก็ตาม บทละครโอเปร่าของอิตาลีจำนวนมากในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) แสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงมากมายไม่รู้จบในเทคนิคการเขียนโอเปร่าที่พัฒนาขึ้นในอดีต มีเพียง เสริมด้วยวิธีการที่ทันสมัยกว่าเล็กน้อยซึ่งบ่งบอกถึงวิกฤติของโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ
ความพยายามในการพัฒนาแนวเพลงซิมโฟนิกและแชมเบอร์บนดินแดนแห่งชาติอิตาลีซึ่งเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กลับกลายเป็นว่าไร้ผลในทางปฏิบัติ ซิมโฟนีของ G. Sgambati และ G. Martucci ที่เขียนตามประเพณีของ Mendelssohn และ Brahms ไม่ได้ไปไกลกว่าการผสมผสาน งานออร์แกนของ M. E. Bossi ไม่ได้อยู่เหนือระดับของการเลียนแบบซึ่งแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของแนวโรแมนติกทางดนตรีของเยอรมันตั้งแต่ Schumann ไปจนถึง Liszt และ Wagner
ตั้งแต่ต้นศตวรรษ อิทธิพลของนิกายโรมันคาทอลิกเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดในอิตาลี ซึ่งสะท้อนให้เห็นในดนตรีด้วย บทบาทกระทิงของสมเด็จพระสันตะปาปาปิอุสที่ 10 “Motu proprio” (1903) ซึ่งอุทิศให้กับปัญหาการอัปเดตดนตรีของคริสตจักร มีบทบาทอยู่ที่นี่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง มีการเรียกร้องให้มีการฟื้นฟูบทสวดเกรกอเรียน และในขณะเดียวกันก็อนุมัติให้ใช้วิธีการแสดงออกที่เป็นนวัตกรรมใหม่ที่สุด โดยมีเงื่อนไขว่าการใช้จะต้องเป็นไปตามข้อกำหนดของคริสตจักร จริงอยู่ที่ความพยายามที่จะรื้อฟื้นประเภทของ oratorio, cantata และมวลชนที่ดำเนินการเมื่อต้นศตวรรษโดย Abbot Perosi *,
* Lorenzo Perosi ได้รับการแต่งตั้งเป็นผู้อำนวยการของโบสถ์ Sistine ในปี พ.ศ. 2441 และกลายเป็นผู้นำของขบวนการเพื่อการต่ออายุดนตรีของคริสตจักร
ไม่สวมมงกุฎแห่งความสำเร็จ: ผลงานของผู้เขียนคนนี้ไม่ได้นำมาซึ่งการฟื้นฟูดนตรีคาทอลิกตามที่ต้องการไม่ว่าจะในด้านโวหารหรือในคุณสมบัติทางจิตวิญญาณและจริยธรรม ถึงกระนั้น การตีพิมพ์อนุสรณ์สถานเกี่ยวกับดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของคาทอลิก (ซีรีส์ "Editio Vaticano" อันโด่งดังซึ่งเริ่มในปี 1904) ดึงดูดความสนใจของนักประพันธ์เพลงหลายคนที่กำลังมองหาวิธีในการฟื้นฟูประเพณีของชาติ ความสนใจในบทสวดเกรโกเรียน พหูพจน์ของอิตาลีโบราณ (ปาเลสเตรนา) แนวเพลงและรูปแบบทางจิตวิญญาณจะเข้มข้นขึ้นเป็นพิเศษในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30
สงครามโลกครั้งที่หนึ่งสร้างความตกตะลึงให้กับอิตาลีอย่างมากทั้งในด้านเศรษฐกิจ การเมือง สังคม วัฒนธรรม ซึ่งนำไปสู่วิกฤตทางอุดมการณ์ ในศิลปะของปลายทศวรรษที่ 10 และต้นทศวรรษที่ 20 เราสามารถสังเกตทั้งความเข้าใจเชิงวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงเกี่ยวกับเหตุการณ์ต่างๆ ของสงครามในอดีตและความเป็นจริงหลังสงคราม ตลอดจนความสงสัย แรงบันดาลใจทางศาสนาและลึกลับ ตลอดจนการฟื้นฟูและการพัฒนาอย่างเข้มข้นของ แนวโน้มชาตินิยมติดอาวุธ แม้แต่ในช่วงต้นศตวรรษความฝันของมหานครอิตาลีทายาทของโรมของซีซาร์การเปลี่ยนแปลงของทะเลเมดิเตอร์เรเนียนเป็นทะเลอิตาลี - "ทะเลของเรา" ฯลฯ ก็ปรากฏชัดในความคาดหมายของอุดมการณ์ฟาสซิสต์ การแสดงออก ความรู้สึกดังกล่าวคือกลุ่มนักวรรณกรรมแห่งอนาคตซึ่งตีพิมพ์แถลงการณ์ครั้งแรกในหนังสือพิมพ์ Le Figaro ของปารีสในปี 1909 หลังสงคราม กิจกรรมของกลุ่มนี้มีลักษณะทางการเมืองที่ชัดเจน ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2461 นิตยสาร Roma Futurista รายสัปดาห์ฉบับแรกได้ตีพิมพ์แถลงการณ์และแผนงานของพรรคการเมือง ซึ่งมีเนื้อหาคำขอโทษอย่างเปิดเผยต่อลัทธิชาตินิยม งานปาร์ตี้ที่สร้างขึ้นนำโดย F. T. Marinetti; รวมถึง B. Mussolini เช่นเดียวกับ G. d'Annunzio และศิลปินอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นนักดนตรี - L. Russolo, F. B. Pratella ต่อมา P. Mascagni และ B. Gigli เข้ามาเป็นสมาชิก โดย Marinetti ได้เตรียมการเกิดขึ้นขององค์กร "หน่วยรบฟาสซิสต์" กิจกรรมของฝ่ายหลังเริ่มขึ้นในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2462 เมื่อมุสโสลินีจัดการประชุมครั้งแรกที่มิลานในการประชุมพรรคฟาสซิสต์ในอนาคต เรียกว่า "สภาซานเซโปลโคร" (ตั้งชื่อตาม คฤหาสน์ที่จัดขึ้น) ไม่กี่เดือนต่อมา โปรแกรม San Sepolcro ได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งรวมเอาประเด็นต่างๆ ของโปรแกรมของพวกฟิวเจอร์ริสต์เข้ากับกลุ่มประชาธิปไตยที่ปฏิวัติวงการของมุสโสลินี และลัทธิชาตินิยมที่เข้มแข็งของ D’Annunzio
ส่วนสำคัญของกลุ่มปัญญาชน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในกลุ่มคนทำงานด้านวัฒนธรรมและศิลปะ ไม่ยอมรับอุดมการณ์ชาตินิยม สำหรับนักเขียน กวี และนักเขียนบทละครชาวอิตาลีในส่วนนี้ หัวข้อสากล “นิรันดร์” กลายเป็นที่พึ่งทางวิญญาณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแนวคิดเกี่ยวกับมนุษยนิยมได้รับการประกาศโดยกลุ่ม "นักรอนดิสต์" ซึ่งได้รับชื่อจากนิตยสาร "รอนดา" ที่จัดพิมพ์โดยพรรคสังคมนิยม ไม่สามารถทำการประท้วงต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ได้ พวกเขาได้ประกาศการแยกศิลปะออกจากการเมือง และประกาศ "เสรีภาพทางความคิดส่วนบุคคลของศิลปิน" การจำกัดตนเองอย่างมีสติกับปัญหาความเชี่ยวชาญทางศิลปะถูกรวมเข้ากับการถอยกลับไปสู่อดีตโดยมุ่งเน้นไปที่การเรียนรู้ประสบการณ์คลาสสิกระดับชาติ สุนทรียศาสตร์ของ "นักรอนดิสต์" มีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงบางคนอย่างไม่ต้องสงสัย (Pizzetti, Malipiero, Casella) และมีส่วนทำให้นีโอคลาสสิกเป็นกระแสหลักในดนตรีอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 20-30
บทบาทสำคัญในการรวมพลังฝ่ายซ้ายของกลุ่มปัญญาชนทางศิลปะเล่นโดยพรรคสังคมนิยมรายสัปดาห์ Ordino Nuovo ซึ่งตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2462-2465 ก่อตั้งโดย A. Gramsci (ต่อมาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งพรรคคอมมิวนิสต์อิตาลี) ในหน้ารายสัปดาห์ Gramsci เป็นผู้นำการต่อสู้อย่างแข็งขันเพื่อวัฒนธรรมประชาธิปไตยโดยให้ความสนใจอย่างมากกับการส่งเสริมผลงานของนักเขียนร่วมสมัยฝ่ายซ้าย - M. Gorky, A. Barbusse, R. Rolland และคนอื่น ๆ ในบทความหลายบทความเขาได้วิพากษ์วิจารณ์ลัทธิอนาคตนิยมและแนวคิดชาตินิยมของ d'Annunzio อย่างรุนแรง ตั้งแต่ปี 1924 หนังสือพิมพ์ของพรรคคอมมิวนิสต์อิตาลี Unita ได้กลายเป็นกระบอกเสียงของขบวนการต่อต้านฟาสซิสต์
ในดนตรีของอิตาลี เช่นเดียวกับก่อนสงคราม ขบวนการ Verist ยังคงมีอิทธิพลเหนือ แม้ว่าจะมีความเสื่อมถอยลงอย่างเห็นได้ชัด (ซึ่งเห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในผลงานหลังสงครามของ Mascagni) การต่อสู้กับกิจวัตรและอนุรักษ์นิยมที่ครอบงำชีวิตดนตรีอิตาลีนำโดยตัวแทนของคนรุ่นใหม่ - Respighi, Pizzetti, Malipiero และ Casella ซึ่งได้รับคำแนะนำจากซิมโฟนิซึมของ R. Strauss, Mahler, อิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศส, ผลงานของ Rimsky -คอร์ซาคอฟ, สตราวินสกี. ก่อนหน้านี้ในปี 1917 พวกเขาได้ก่อตั้ง National Musical Society ซึ่งมีวัตถุประสงค์เพื่อปรับปรุงการแสดงคอนเสิร์ตซิมโฟนี นักแต่งเพลงเหล่านี้ยังดำเนินการโฆษณาชวนเชื่อเพลงใหม่และต่อสู้กับการครอบงำของแนวโน้มทางวิชาการและความจริงในสื่อ
สถานการณ์ใหม่เกิดขึ้นในประเทศหลังเดือนตุลาคม พ.ศ. 2465 มุสโสลินีซึ่งได้เป็นนายกรัฐมนตรีเริ่มปราบปรามฝ่ายตรงข้ามทางการเมืองของเขาและในขณะเดียวกันก็ดำเนินนโยบายอันร้ายกาจในการให้กลุ่มปัญญาชนเข้าไปมีส่วนร่วมในขบวนการฟาสซิสต์ด้วยความหวังที่จะเปลี่ยนความคิดเห็นของสาธารณชนทั่วโลกไปในทิศทางที่เอื้ออำนวยต่ออุดมการณ์และการปฏิบัติของเขา หลังจากการรัฐประหารเมื่อวันที่ 3 มกราคม พ.ศ. 2468 ซึ่งนำไปสู่การสถาปนาระบอบเผด็จการอย่างเปิดเผย การประชุมใหญ่ในนามของวัฒนธรรมฟาสซิสต์ได้จัดขึ้นที่เมืองโบโลญญาในเดือนมีนาคมของปีเดียวกัน และในเดือนเมษายนก็มีการประชุม "แถลงการณ์ของ Fascist Intelligentsia” ซึ่งรวบรวมโดยนักอุดมการณ์ลัทธิฟาสซิสต์ชาวอิตาลี นักปรัชญา G. Gentile ได้รับการตีพิมพ์
อย่างไรก็ตาม ความรู้สึกต่อต้านยังคงค่อนข้างแข็งแกร่งในหมู่บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรม ฝ่ายค้านเสรีนิยมรวมตัวกันโดยมีนักปรัชญาและนักการเมืองเบเนเดตโต โครเชเป็นหนึ่งเดียวกัน ในนามของเธอ เมื่อวันที่ 1 พฤษภาคม พ.ศ. 2468 "แถลงการณ์ตอบโต้" ที่เขียนโดย Croce ซึ่งมีชื่อว่า "การตอบสนองของนักเขียน ศาสตราจารย์ และนักประชาสัมพันธ์ชาวอิตาลีต่อแถลงการณ์ของปัญญาชนฟาสซิสต์" ปรากฏในหนังสือพิมพ์ Mondo การตีพิมพ์ "แถลงการณ์ตอบโต้" ในช่วงเวลาที่รัฐบาลแสดงท่าทีต่อต้านความคิดก้าวหน้าถือเป็นการกระทำที่กล้าหาญ แม้ว่าแผนงานจะโดดเด่นด้วยนามธรรมและความเฉยเมยทางการเมืองก็ตาม “แถลงการณ์ต่อต้าน” ต่อต้านการผสมผสานระหว่างการเมืองและวรรณกรรม การเมืองและวิทยาศาสตร์ และโต้แย้งว่าความจริงไม่ได้อยู่ในการกระทำ แต่อยู่ในความคิด นี่เป็นการแยกปรัชญาและศิลปะออกจากการกระทำของพลเมืองอย่างชัดเจน ซึ่งส่งผลให้ปัญญาชนทางศิลปะของอิตาลีค่อยๆ ถอนตัวออกไปเป็นรูปแบบต่างๆ ของ "การอพยพทางจิตวิญญาณ" ดังนั้น ประการแรกในบทกวี และจากนั้นในศิลปะที่เกี่ยวข้อง ข้อกำหนดเบื้องต้นจึงถูกสร้างขึ้นสำหรับการเกิดขึ้นของ "ลัทธิลึกลับ" ซึ่งได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ในดนตรี อิทธิพลของ "ลัทธิลึกลับ" เด่นชัดที่สุดในผลงานหลายชิ้นของ Malipiero
ตามแนวคิดของ "แถลงการณ์ตอบโต้" ศิลปินพยายามที่จะเปรียบเทียบวัฒนธรรมฟาสซิสต์ที่อึกทึกครึกโครมและยากจนทางจิตวิญญาณด้วยคุณค่าทางสุนทรีย์ที่สูงส่ง อย่างไรก็ตาม แสดงออกในรูปแบบที่ยากสำหรับสาธารณชนทั่วไปที่จะเข้าใจ ในดนตรีอิตาลี "การประกาศตอบโต้" ได้เสริมความแข็งแกร่งให้กับตำแหน่งของนีโอคลาสสิกซึ่งด้วยความแตกต่างทั้งหมดระหว่างนักแต่งเพลงแต่ละคนด้วยความแตกต่างทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับมรดกคลาสสิกและศิลปะพื้นบ้านกลายเป็นทิศทางหลักที่เป็นผู้นำในปี 20 -30 วินาที แนวโน้มลัทธิแสดงออก - อัตถิภาวนิยมที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจและการพัฒนาประสบการณ์ของโรงเรียนเวียนนาใหม่เริ่มปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในภายหลังโดยเริ่มในยุค 30 (ในผลงานของ L. Dallapiccola และ G. Petrassi)
มุสโสลินีมีบทบาทเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ โดยจัดตั้งสถาบันวัฒนธรรมฟาสซิสต์ ซึ่งนำกิจกรรมขององค์กรวิทยาศาสตร์และศิลปะจำนวนหนึ่งมาพัฒนา ในเวลาเดียวกัน ระบอบการปกครองแสดงให้เห็นถึงความกินไม่เลือกที่หาได้ยากเมื่อเทียบกับทิศทางที่สร้างสรรค์ต่างๆ อย่างไรก็ตาม ปัญญาชนทางศิลปะส่วนใหญ่ยังคงอยู่ในตำแหน่งที่ซ่อนเร้นในการปฏิเสธหลักคำสอนทางอุดมการณ์และแนวปฏิบัติทางการเมืองของลัทธิฟาสซิสต์
ที่น่าสังเกตโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือแนวโน้มขั้วโลกสองประการที่สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในทุกด้านของศิลปะอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 20-30: "stracitta" ("super-city") และ "strapaese" ("super-village") การเคลื่อนไหวแรกมุ่งเน้นไปที่การสะท้อนวัฒนธรรมและชีวิตของเมืองสมัยใหม่ (โดยพื้นฐานแล้วสอดคล้องกับแนวโน้มของวิถีชีวิตชาวยุโรป) ในขณะที่การเคลื่อนไหวครั้งที่สองปกป้องรากเหง้าของชาติและพยายามที่จะแยกศิลปะของอิตาลีและจำกัดให้อยู่ในกรอบระดับชาติ
นิกายโรมันคาทอลิกยังคงมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศ สนธิสัญญาระหว่างมุสโสลินีและวาติกันสิ้นสุดลงในปี พ.ศ. 2472 นำไปสู่การขยายกิจกรรมทางสังคมและการเมืองของคริสตจักร และมีส่วนทำให้แรงจูงใจทางศาสนาเข้มแข็งขึ้นในผลงานของคีตกวีจำนวนหนึ่ง อย่างไรก็ตาม ความสนใจที่เพิ่มขึ้นต่อธีมทางศาสนาและแนวเพลงจิตวิญญาณในช่วงทศวรรษที่ 30 มีเหตุผลที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น และพบได้ในดนตรีของประเทศต่างๆ ในยุโรป (โดยเฉพาะฝรั่งเศส) สิ่งที่เฉพาะเจาะจงสำหรับอิตาลีก็คืองานที่เกี่ยวข้องกับศาสนา ซึ่งดูเหมือนจะเป็นไปตามแนวลัทธิเสนาธิการอย่างเป็นทางการ มักทำหน้าที่เป็นการแสดงออกถึงการต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ทางจิตวิญญาณ
ในทำนองเดียวกัน ความพยายามทางวัฒนธรรมที่สำคัญจำนวนหนึ่งซึ่งภายนอกสอดคล้องกับนโยบายของรัฐบาลก็ไม่ขึ้นอยู่กับนโยบายเหล่านั้น ตัวอย่างเช่น การอุทธรณ์ของคีตกวีชั้นนำชาวอิตาลีต่อมรดกอันยิ่งใหญ่ของศตวรรษที่ 17-18 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงก่อนสงครามและนำมาซึ่งผลลัพธ์ที่ประสบผลสำเร็จไม่เกี่ยวข้องกับโครงการอุดมการณ์ของลัทธิฟาสซิสต์ของอิตาลี งานมหาศาลที่นักวิทยาศาสตร์และนักแต่งเพลงชาวอิตาลีทำในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 เพื่อรวบรวม ศึกษา และตีพิมพ์เพลงและการเต้นรำพื้นบ้านที่ร่ำรวยที่สุดในภูมิภาคและจังหวัดต่างๆ ของอิตาลี ไม่สามารถเชื่อมโยงกับลัทธิชาตินิยมที่เข้มแข็งและโวยวายเกี่ยวกับ "วัฒนธรรมโรมาเนสก์ที่ได้รับการคัดเลือก - ทายาท ของจักรวรรดิโรม” - งานที่ไม่เพียงเพิ่มคุณค่าให้กับวิทยาศาสตร์ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดสร้างสรรค์ระดับมืออาชีพด้วย *
* ในบรรดาสิ่งพิมพ์เหล่านี้เราควรตั้งชื่อการศึกษาของ B. Croce "บทกวีพื้นบ้านและศิลปะ" คอลเลกชันเพลงพื้นบ้านของ G. Fara "The Musical Soul of Italy" และ "เพลงซาร์ดิเนีย" คอลเลกชันของ A. Fanara-Mistrello " เพลงซิซิลีแห่งผืนดินและทะเล" และ "เพลงพื้นบ้านของจังหวัดวัลเดเมซซาโร" การศึกษาของนักแต่งเพลงแนวอนาคต F. B. Pratella "บทความเกี่ยวกับบทเพลงคร่ำครวญ บทเพลง นักร้องประสานเสียงและการเต้นรำของชาวอิตาลี" และ "ชาติพันธุ์วิทยาแห่งโรมานยา"
สิ่งพิมพ์ทางวิชาการเกี่ยวกับอนุสรณ์สถานที่โดดเด่นด้านดนตรีศักดิ์สิทธิ์ ผลงานชิ้นเอกของยุคเรอเนซองส์ โอเปร่าอิตาลี และดนตรีบรรเลงในศตวรรษที่ 17-18 มีคุณค่าทางวัตถุประสงค์มหาศาล งานนี้เริ่มต้นก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง และดำเนินต่อไปในช่วงทศวรรษที่ 20 สีดำภายใต้การอุปถัมภ์อย่างเป็นทางการของกษัตริย์และมุสโสลินี ผู้ซึ่งเข้าใจอย่างถ่องแท้ว่าระบอบฟาสซิสต์มีชื่อเสียงเพียงใด การศึกษาแนวลัทธิโบราณและผลงานของนักโพลีโฟนิสต์ (โดยเฉพาะปาเลสเตรีนา) ยังช่วยเสริมผลงานของนักแต่งเพลงอีกด้วย สไตล์ของพวกเขาได้รับการผสมพันธุ์ด้วยการแสดงออกทางน้ำเสียงของรูปแบบโบราณ การสวดมนต์แบบเกรกอเรียน และลำดับแบบโบราณ มุ่งเป้าไปที่การรับรู้ของมวลชนในช่วงเวลาของสภาวะจิตใจอันประเสริฐ
ในช่วง "Black Twenty" นักวิทยาศาสตร์และนักดนตรีที่โดดเด่นจำนวนหนึ่งทำงานในอิตาลี ซึ่งผลงานสำคัญของเขาได้รับความสำคัญไปทั่วโลก เรามาตั้งชื่องานวิจัยของ A. della Corte เกี่ยวกับปัญหาของโอเปร่าอิตาลี ซึ่งเป็นชีวประวัติสามเล่มที่ยิ่งใหญ่ของ Rossini ที่เขียนโดย G. Radicotti เอกสารของ M. Gatti เกี่ยวกับ Verdi ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เริ่มมีการตีพิมพ์เอกสารและเนื้อหาเกี่ยวกับปัญหาทั่วไปของดนตรีอิตาลีและผลงานของนักแต่งเพลงแต่ละคน
โดยเฉพาะอย่างยิ่ง มีการเผยแพร่สิ่งพิมพ์อันทรงคุณค่าหลายฉบับเกี่ยวกับมรดกทางจดหมายของแวร์ดี
ด้วยเหตุผลด้านศักดิ์ศรี ผู้นำฟาสซิสต์จึงสนับสนุนการแสดงโอเปร่าและคอนเสิร์ตอย่างยิ่ง ซึ่งก็คือรูปแบบศิลปะเหล่านั้นที่ดูไม่เป็นอันตรายต่อพวกเขา โรงละครลาสกาลาเข้าถึงวัฒนธรรมการแสดงระดับสูง ตามมาด้วยโรงละครโอเปร่าอื่นๆ เช่น โรงละครโรมัน ซึ่งอยู่ภายใต้การอุปถัมภ์พิเศษของระบอบการปกครอง โอเปร่าเปล่งประกายด้วยนักร้องที่ยอดเยี่ยม - A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo ในเวลาเดียวกัน ตามอุดมคติแล้ว โรงละครโอเปร่าอยู่ภายใต้การดูแลอย่างใกล้ชิดของการเซ็นเซอร์ การเซ็นเซอร์ของนักบวชฟาสซิสต์สั่งห้ามการผลิตโอเปร่าเรื่อง "The Legend of the Changed Son" ของ Malipiero และในช่วงที่มีการแทรกแซงใน Abyssinia ระบอบการปกครองก็เปื้อนตัวเองด้วยการถอด "Aida" ของ Verdi ออกจากละครอย่างน่าอับอาย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Toscanini ออกจากอิตาลีเพื่อประท้วงนโยบายฟาสซิสต์ในปี 1928 และนักดนตรีหลักคนอื่น ๆ (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti ฯลฯ ) ก็อพยพไปด้วย
ชีวิตของวรรณกรรมและละครถูกจำกัดมากยิ่งขึ้นด้วยแรงกดดันจากการเซ็นเซอร์ของฟาสซิสต์ ซึ่งบีบให้ศิลปินจำนวนมากต้องรับตำแหน่ง "ลัทธิลึกลับ" ในเวลาเดียวกันนักเขียน กวี และนักเขียนบทละครชาวอิตาลีหลายคนได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ L. Pirandello ซึ่งเผยให้เห็นความเป็นจริงอันน่าสลดใจของชีวิตของ "ชายร่างเล็ก" ความไร้ประโยชน์ของการค้นหาอิสรภาพ ความงาม และความสุข เป็นที่น่าสังเกตว่านักประพันธ์ชาวอิตาลีจำนวนหนึ่งหันมาสนใจผลงานของปิรันเดลโล ในวรรณคดีในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีผลงานที่มีบทบาทมากขึ้นในการวิจารณ์สังคม (เช่น A. Moravia รุ่นเยาว์, E. Vittorini) แต่พวกเขาก็ยังคงเป็นข้อยกเว้น
นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคทั้ง Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle - ต้องทำงานในสภาพแวดล้อมที่ยากลำบากเช่นนี้ ต้องให้เครดิตพวกเขาว่า พวกเขาไม่ได้กลายเป็นกลุ่มลัทธิฟาสซิสต์ของอิตาลี แม้ว่าพวกเขาจะไม่ใช่นักสู้ที่แข็งขันเพื่อต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ก็ตาม
เรื่องราวเกี่ยวกับดนตรีอิตาลีจะไม่มีทางเกิดขึ้นได้หากไม่มีประวัติศาสตร์ของโอเปร่า เป็นเพราะสถานการณ์นี้อย่างแน่นอนที่เราจะพูดถึงโอเปร่าในหนึ่งในเนื้อหาต่อไปนี้ของโครงการ "Viva Italia!" ตอนนี้เรามาดูประวัติทั่วไปของดนตรีอิตาลีกันสักสองสามหน้ากัน
หลังจากการพิชิตกรีกโบราณโดยผู้พิชิตชาวโรมันในศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช จ. เครื่องดนตรีกรีกเกือบทั้งหมด "ถูกเก็บรักษาไว้" และยังคงส่งเสียงต่อไป แม้ว่าจะอยู่ในวัฒนธรรมใหม่ก็ตาม และถึงแม้ว่านักดนตรีชาวโรมันโบราณจะใช้เครื่องดนตรีจากทั่วทุกมุมของอาณาจักรอันกว้างใหญ่ในเวลานั้น แต่สิ่งที่พบได้บ่อยที่สุดมาเป็นเวลานานยังคงเป็นพิณและซิทารา
อันแรกคุ้นเคยกับหลาย ๆ คน นี่คือพิณชนิดพิเศษแม้ว่าจะมีขนาดที่เล็กกว่ามากก็ตาม พิณทำด้วยไม้มีรูปทรงต่างๆ มีสายสิบสาย Kifara ยังเป็นพิณชนิดหนึ่งที่ลึกและกว้างขึ้นเท่านั้นซึ่งทำให้ไพเราะกว่าด้วย ในมือของมืออาชีพ เรามักจะพบออลอส ซึ่งเป็นขลุ่ยคู่ที่มีรู
ในสมัยที่ห่างไกล ดนตรีเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงนอกเหนือจากเทศกาลและโรงละครในเมือง นักดนตรีและคณะนักร้องประสานเสียงได้ทัวร์ไปทั่วเมืองซึ่งเป็นสถานที่จัดงานเทศกาลนี้ เพื่อให้ทุกคนได้เพลิดเพลินกับความสามารถของตนเอง กิจกรรมของนักแสดงชุดแรกมีความเกี่ยวพันกับช่วงเวลาเดียวกันนี้ แม้ว่าในเวลานั้นพวกเขาจะเรียกว่า "อัจฉริยะ" พวกเขาแสดงต่อสาธารณชนด้วยการแสดงที่แปลกประหลาดและโลดโผน เต็มไปด้วยอารมณ์ขัน และบรรยากาศโอ่อ่าสุดพิสดาร Terpnos (ผู้เล่นซิทาราผู้ยิ่งใหญ่และอาจารย์ของ Nero), Mesomedes แห่ง Crete และ Polon อาบไปด้วยรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์
เมื่อดินแดนและรัฐต่างๆ เข้าร่วมกับจักรวรรดิโรมันมากขึ้นเรื่อยๆ ดนตรีก็ซึมซับ เปลี่ยนแปลงนวัตกรรม และนำเสนอรูปแบบใหม่ของการดำรงอยู่ ด้วยการผสมผสานวัฒนธรรมดั้งเดิมนี้ แนวเพลงโบราณเช่น citarodia (การเล่นซิทาราและเสียงร้อง) และ citaristica (การเล่นซิทาราเดี่ยว) จึงปรากฏขึ้น
นับตั้งแต่การถือกำเนิดและการแพร่กระจายของคริสต์ศาสนา ดนตรีอิตาลีได้พัฒนาไปในสองทิศทาง: ทางโลกและในโบสถ์ บทสวดเกรโกเรียนตามหลักบัญญัติ (canto gregoriano ซึ่งตั้งชื่อตามสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 มหาราช) ก่อตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 7 ในที่สุด
เมื่อเวลาผ่านไป ภูมิศาสตร์ทางดนตรีก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ในศตวรรษที่ 11 ทัสคานีได้รับสถานะเป็นศูนย์ดนตรี ที่นี่ในฟลอเรนซ์ที่ Guido d'Arezzo (ประมาณ 992-c. 1050) Laudas ได้รับความนิยมอย่างมาก - เพลงสรรเสริญแบบเสียงเดียวและโพลีโฟนิก ก่อนอื่นเลย ยุคเรอเนซองส์ร้องเพลงวัฒนธรรมดนตรีฆราวาส ในกรณีนี้ เวลาสถาบันดนตรีและโรงเรียนสอนดนตรีแห่งแรกปรากฏขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: ในขั้นต้นนี่คือชื่อที่มอบให้กับที่พักพิงสำหรับเด็กกำพร้าในเมืองซึ่งเด็ก ๆ ได้รับการสอนความรู้ทางดนตรีร่วมกับวิทยาศาสตร์อื่น ๆ "เรือนกระจก" ดังกล่าวครั้งแรกปรากฏในเนเปิลส์ในปี 1537
ในศตวรรษที่ 16 มาดริกัลกลายเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด เดิมทีเป็นเพลงเสียงเดียวในภาษาอิตาลี เมื่อเวลาผ่านไป แบบฟอร์มมีความซับซ้อนมากขึ้นและกลายเป็นบทกวีเสียงโพลีโฟนิก ธีมยังคงไม่เปลี่ยนแปลง - ความรักและโคลงสั้น ๆ ปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับคือ คาร์โล เกซัลโด ดิ เวโนซา เจ้าชายแห่งเมืองเล็กๆ แห่งเวโนซา ใกล้เมืองเนเปิลส์
โรงเรียนดนตรีที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนี้คือโรงเรียนโรมันและเวนิส
ในกรุงโรม นักแต่งเพลง Palestrina เป็นหัวหน้ากลุ่มนักดนตรีของ Santa Cecilia ซึ่งต่อมาได้เปลี่ยนเป็น Academy เป็นเวลากว่าสี่ศตวรรษแล้วที่ที่นี่เป็นศูนย์กลางของชีวิตนักดนตรีมืออาชีพในอิตาลี ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Monteverdi, Scarlatti, Poganini, Verdi, Puccini และคนอื่นๆ อีกหลายคนกลายเป็นสมาชิกของ Academy ปัจจุบัน National Academy of Santa Cecilia ยังมีเรือนกระจกและวงซิมโฟนีออร์เคสตรา และยังเป็นเจ้าของคลังสมบัติซึ่งเป็นหนึ่งในคลังเพลงที่ใหญ่ที่สุดในโลก พิพิธภัณฑ์เครื่องดนตรี ฯลฯ ดังนั้น หากคุณไม่ใช่คนแปลกหน้าสำหรับ ประวัติศาสตร์ดนตรี เขียนที่อยู่ในโรม: Piazza S .Croce in Gerusalemme, 9.
แล้วเวนิสล่ะ? อัจฉริยะทางดนตรีในภูมิภาคนี้ทำให้โลกมีรูปแบบเสียงร้องและเครื่องดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะ ซึ่งพัฒนาขึ้นทั้งในประเพณีของคริสตจักรและในโลก และชื่อของนักแต่งเพลง Giovanni Gabrieli มีความเกี่ยวข้องกับที่มาของดนตรีออเคสตราและแชมเบอร์ทั้งมวลนั่นเอง เครื่องดนตรีประเภทลมหลีกทางให้กับส่วนไวโอลิน
อย่างไรก็ตาม ประวัติศาสตร์ของดนตรีอิตาลีนั้นไม่อาจจินตนาการได้หากไม่มีนักประดิษฐ์ไวโอลิน ลักษณะเฉพาะของงานฝีมือของพวกเขาถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับและถูกส่งต่อจากพ่อสู่ลูกชาย จากครูสู่นักเรียน และอีกหลายคนยังไม่ได้รับการแก้ไขเลย Andrea Amati สร้างไวโอลินคลาสสิก Paganini, Kreisler และ Uto Ugi เล่นเครื่องดนตรีของปรมาจารย์ของ Guarneri แต่บางทีปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรีโค้งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Antonio Stradivari (1644-1737) เครื่องดนตรีของเขาที่เล่นโดยนักดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกในปัจจุบัน
ในปี 1580 กวี นักดนตรี นักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยนิยม และผู้รักเสียงดนตรีได้รวมตัวกันที่ฟลอเรนซ์ ชุมชนใหม่นี้เรียกว่า Florentine Camerata การเกิดขึ้นของประเภทใหม่ - โอเปร่า - มีความเกี่ยวข้องกับมัน แต่ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้นในบทความถัดไปของโครงการ
ในดนตรีของคริสตจักร ผลงานปรากฏว่าเขียนเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา แต่ไม่ได้มีไว้สำหรับการแสดงในโบสถ์เสมอไป
บุคคลจำนวนมากในศตวรรษที่ 16-17 มีส่วนในการพัฒนาดนตรีอิตาลีซึ่งเป็นสิ่งที่ยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน ตัวอย่างเช่น Giacomo Carissimi ได้สร้างบทเพลงทางโลกและจิตวิญญาณแบบคลาสสิกขึ้นมา และนักเล่นออร์แกน Frescobaldi มีบทบาทสำคัญในการสร้างงานดนตรีรูปแบบหนึ่งเช่นความทรงจำ และในที่สุด Bartolomeo Cristofori ก็ได้ประดิษฐ์ค้อนคลาเวียร์ ซึ่งปัจจุบันรู้จักกันในชื่อเปียโน เมื่อต้นศตวรรษที่ 18
ดนตรียังคงเบ่งบานต่อไป คอนเสิร์ตบรรเลงปรากฏเป็นแนวเพลงอิสระ ฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกน ไวโอลิน และหลังจากนั้นไม่นานเปียโนก็กลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว ดนตรีทั้งหมดที่เขียนแสดงให้เห็นถึงพรสวรรค์ไม่เพียงแต่ผู้แต่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงด้วยซึ่งจำเป็นต้องมีความสามารถพิเศษเป็นพิเศษ
Arcangelo Corelli เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนไวโอลินแห่งโรมัน Alessandro Scarlatti เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่า Neapolitan Antonio Vivaldi เป็นผู้สร้างประเภทคอนเสิร์ตบรรเลงเดี่ยว แท้จริงแล้วศตวรรษที่ 17-18 ถือเป็นช่วงเวลาอันงดงามในประวัติศาสตร์ดนตรีบรรเลงในอิตาลี ผู้คนจากทั่วทุกมุมโลกมาที่นี่เพื่อรับการศึกษาด้านดนตรีระดับมืออาชีพ นักแต่งเพลง นักแสดง และนักทฤษฎีชาวอิตาลีได้พบบ้านหลังที่สองในบริเตนใหญ่ ฝรั่งเศส รัสเซีย และประเทศอื่นๆ
ในศตวรรษที่ 19 ดนตรีอิตาลีไม่ได้เป็นเพียงการเกิดขึ้นของรูปแบบและผลงานใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตีความมรดกที่มีอยู่ด้วย Ferruccio Busoni นักเปียโน นักแต่งเพลง ครู และนักดนตรีที่โดดเด่น ทิ้งให้ลูกหลานของเขาไม่เพียงแต่แต่งเพลงของเขาเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตีความที่ละเอียดอ่อนที่สุดของ Bach, Beethoven และ Liszt อิตาลีมอบกาแล็กซีตัวนำที่โดดเด่นให้กับโลกทั้งโลก: Arturo Toscanini, Gina Marinuzzi, Vili Ferrero
ดนตรีชั้นสูงของอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 20 ประกอบด้วยการแข่งขันมากมาย กลุ่มดนตรีและบุคลิกที่โดดเด่น เทรนด์และเทรนด์ใหม่ กอฟเฟรโด เปตราสซี นักแต่งเพลงชาวอิตาลีชั้นนำคนหนึ่งแห่งศตวรรษที่ผ่านมา ผู้แต่งโอเปร่า บัลเลต์ ดนตรีไพเราะและแชมเบอร์ ดนตรีโรแมนติก และดนตรีประกอบภาพยนตร์ อย่างไรก็ตาม มันได้กลายมาเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมดนตรีของอิตาลี เช่น โอเปร่า Nino Rota, Ennio Morricone, Giorgio Moroder - พวกเขาสร้างเพลงที่กลายเป็น "บัตรโทรศัพท์" ของภาพยนตร์ของ Fellini, Visconti, Coppola
เวทีของอิตาลีในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ชนะใจผู้คนนับล้าน โดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่พิเศษและกลิ่นอายของชาติที่นุ่มนวล Modugno, Celentano, Cutugno, Mina, Robertino Loretto - นักแสดงอื่น ๆ อีกมากมายเหล่านี้เป็นที่รู้จักกันดีทั้งสำหรับคนรุ่นเก่าและผู้ชื่นชอบวัฒนธรรมอิตาลีที่อายุน้อยกว่า
วัฒนธรรมดนตรีที่สูงที่สุดของอิตาลีเป็นที่ต้องการในศตวรรษที่ 21 - สิ่งเหล่านี้คือวาทยากรที่โดดเด่นชื่อเสียงสูงของสถาบันการศึกษาดนตรีระดับสูงเทศกาลดนตรีอันทรงเกียรติและการแข่งขัน
ผ่านไปหลายศตวรรษแล้ว และวัฒนธรรมอิตาลียังคงเต็มไปด้วยดนตรี เช่นเดียวกับเทศกาลต่างๆ มากมายบนท้องถนนในเมืองโบราณ ดนตรีที่เบาและจิตวิญญาณ เป็นมืออาชีพและมือสมัครเล่น สร้างสรรค์และอนุรักษ์นิยม - ในอิตาลียังคงได้ยินอยู่ทุกที่
นักแต่งเพลงคลาสสิกเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ชื่อของอัจฉริยะทางดนตรีแต่ละชื่อมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม
ดนตรีคลาสสิกคืออะไร
ดนตรีคลาสสิกเป็นท่วงทำนองที่มีเสน่ห์ที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนที่มีพรสวรรค์ซึ่งถูกเรียกว่านักประพันธ์เพลงคลาสสิก ผลงานของพวกเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและเป็นที่ต้องการของนักแสดงและผู้ฟังเสมอ ดนตรีคลาสสิกในอีกด้านหนึ่งมักเรียกว่าดนตรีที่เข้มงวดและมีความหมายลึกซึ้งซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับแนวเพลงต่อไปนี้: ร็อค แจ๊ส โฟล์ค ป๊อป ชานสัน ฯลฯ ในทางกลับกัน ในการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของดนตรีก็มี ช่วงปลายศตวรรษที่ 13 - ต้นศตวรรษที่ XX เรียกว่าลัทธิคลาสสิค
ธีมคลาสสิกโดดเด่นด้วยน้ำเสียงที่ไพเราะ ความซับซ้อน เฉดสีที่หลากหลาย และความกลมกลืน พวกเขามีผลเชิงบวกต่อโลกทัศน์ทางอารมณ์ของผู้ใหญ่และเด็ก
ขั้นตอนการพัฒนาดนตรีคลาสสิก คำอธิบายสั้น ๆ และตัวแทนหลัก
ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาดนตรีคลาสสิกสามารถแยกแยะขั้นตอนต่อไปนี้ได้:
- ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ต้นศตวรรษที่ 14 - ไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ในสเปนและอังกฤษ ยุคเรอเนซองส์ดำเนินไปจนถึงต้นศตวรรษที่ 17
- บาโรก - เข้ามาแทนที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและคงอยู่จนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ศูนย์กลางของสไตล์คือสเปน
- ลัทธิคลาสสิกเป็นช่วงเวลาของการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรปตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19
- ยวนใจเป็นทิศทางที่ตรงกันข้ามกับความคลาสสิก ดำเนินไปจนถึงกลางศตวรรษที่ 19
- คลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 20 - ยุคสมัยใหม่
คำอธิบายโดยย่อและตัวแทนหลักของยุควัฒนธรรม
1. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - การพัฒนาวัฒนธรรมทุกด้านมายาวนาน - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria แต่งและทิ้งผลงานสร้างสรรค์ที่เป็นอมตะไว้ให้ลูกหลาน
2. บาโรก - ในยุคนี้ รูปแบบดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น: พฤกษ์, โอเปร่า ในช่วงเวลานี้เองที่ Bach, Handel และ Vivaldi สร้างสรรค์ผลงานอันโด่งดังของพวกเขา ความลึกลับของ Bach ถูกสร้างขึ้นตามข้อกำหนดของลัทธิคลาสสิก: การยึดมั่นในหลักการ
3. ลัทธิคลาสสิก นักแต่งเพลงคลาสสิกชาวเวียนนาผู้สร้างผลงานสร้างสรรค์ที่เป็นอมตะในยุคคลาสสิก: Haydn, Mozart, Beethoven รูปแบบของโซนาต้าปรากฏขึ้นและองค์ประกอบของวงออเคสตราก็เพิ่มขึ้น และ Haydn แตกต่างจากผลงานอันครุ่นคิดของ Bach ในด้านโครงสร้างที่เรียบง่ายและความสง่างามของท่วงทำนอง มันยังคงความคลาสสิก มุ่งมั่นเพื่อความสมบูรณ์แบบ ผลงานของ Beethoven เป็นพรมแดนระหว่างสไตล์โรแมนติกและคลาสสิก ในดนตรีของ L. van Beethoven มีความเย้ายวนและความเร่าร้อนมากกว่าหลักการที่มีเหตุผล แนวเพลงที่สำคัญๆ เช่น ซิมโฟนี โซนาตา ห้องสวีท และโอเปร่า ถือกำเนิดขึ้น เบโธเฟนให้กำเนิดยุคโรแมนติก
4. ยวนใจ ผลงานดนตรีมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสีสันและการละคร มีการสร้างแนวเพลงที่หลากหลาย เช่น เพลงบัลลาด ผลงานเปียโนของ Liszt และ Chopin ได้รับการยอมรับ ประเพณีการยวนใจได้รับการสืบทอดโดย Tchaikovsky, Wagner และ Schubert
5. คลาสสิกของศตวรรษที่ 20 - โดดเด่นด้วยความปรารถนาของผู้เขียนในการสร้างสรรค์นวัตกรรมในท่วงทำนอง คำว่า aleatorics, atonalism เกิดขึ้น ผลงานของ Stravinsky, Rachmaninov, Glass จัดอยู่ในรูปแบบคลาสสิก
นักแต่งเพลงคลาสสิกชาวรัสเซีย
ไชคอฟสกี้ พี.ไอ. - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย นักวิจารณ์ดนตรี บุคคลสาธารณะ ครู วาทยากร การเรียบเรียงของเขามีการแสดงมากที่สุด พวกเขามีความจริงใจรับรู้ได้ง่ายสะท้อนให้เห็นถึงความคิดริเริ่มทางบทกวีของจิตวิญญาณรัสเซียภาพที่งดงามของธรรมชาติของรัสเซีย ผู้แต่งสร้างบัลเล่ต์ 6 เรื่อง โอเปร่า 10 เรื่อง โรแมนติกมากกว่าร้อยเรื่อง 6 ซิมโฟนี บัลเล่ต์ชื่อดังระดับโลก "Swan Lake", โอเปร่า "Eugene Onegin", "อัลบั้มสำหรับเด็ก"
รัคมานินอฟ เอส.วี. - ผลงานของนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นมีอารมณ์และร่าเริงและบางส่วนก็มีเนื้อหาดราม่า แนวเพลงมีหลากหลายตั้งแต่ละครเล็กไปจนถึงคอนเสิร์ตและโอเปร่า ผลงานที่เป็นที่รู้จักโดยทั่วไปของผู้เขียน: โอเปร่า "The Miserly Knight", "Aleko" ที่สร้างจากบทกวีของพุชกิน "The Gypsies", "Francesca da Rimini" ที่สร้างจากเนื้อเรื่องที่ยืมมาจาก "Divine Comedy" ของ Dante, บทกวี "The Bells"; ชุด "Symphonic Dances"; คอนเสิร์ตเปียโน ร้องเสียงพร้อมเสียงเปียโน
บโรดิน เอ.พี. เคยเป็นนักแต่งเพลง ครู นักเคมี และแพทย์ ผลงานที่สำคัญที่สุดคือโอเปร่า "เจ้าชายอิกอร์" ที่สร้างจากผลงานประวัติศาสตร์ "The Tale of Igor's Campaign" ซึ่งผู้เขียนเขียนมาเกือบ 18 ปี ในช่วงชีวิตของเขา Borodin ไม่มีเวลาทำมันให้เสร็จหลังจากที่เขาเสียชีวิตโอเปร่าก็สร้างเสร็จโดย A. Glazunov และ N. Rimsky-Korsakov นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่คือผู้ก่อตั้งวงดนตรีคลาสสิกและซิมโฟนีในรัสเซีย ซิมโฟนี "Bogatyr" ถือเป็นมงกุฎของโลกและซิมโฟนีวีรชนระดับชาติของรัสเซีย วงควอเต็ตเครื่องดนตรี วงควอร์เตตที่หนึ่งและสอง ได้รับการยอมรับว่ามีความโดดเด่น หนึ่งในคนกลุ่มแรกที่แนะนำวีรบุรุษจากวรรณคดีรัสเซียโบราณสู่เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ
นักดนตรีที่ยอดเยี่ยม
Mussorgsky M.P. ซึ่งใครๆ ก็พูดได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงแนวสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่ผู้ริเริ่มที่กล้าหาญซึ่งพูดถึงปัญหาสังคมที่เฉียบพลันนักเปียโนที่เก่งกาจและนักร้องที่ยอดเยี่ยม ผลงานดนตรีที่สำคัญที่สุดคือโอเปร่า "Boris Godunov" ที่สร้างจากผลงานละครของ A.S. Pushkin และ "Khovanshchina" - ละครเพลงพื้นบ้านตัวละครหลักของโอเปร่าเหล่านี้คือกลุ่มกบฏจากชั้นทางสังคมที่แตกต่างกัน วงจรสร้างสรรค์ “รูปภาพในนิทรรศการ” ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของฮาร์ทมันน์
กลินกา เอ็ม.ไอ. - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้โด่งดัง ผู้ก่อตั้งขบวนการคลาสสิกในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซีย เขาทำตามขั้นตอนในการสร้างโรงเรียนนักแต่งเพลงชาวรัสเซียโดยคำนึงถึงคุณค่าของดนตรีพื้นบ้านและดนตรีมืออาชีพ ผลงานของอาจารย์เปี่ยมไปด้วยความรักต่อปิตุภูมิและสะท้อนถึงการวางแนวอุดมการณ์ของผู้คนในยุคประวัติศาสตร์นั้น ละครพื้นบ้านที่มีชื่อเสียงระดับโลก "Ivan Susanin" และเทพนิยายโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila" ได้กลายเป็นกระแสใหม่ในโอเปร่ารัสเซีย ผลงานไพเราะ "Kamarinskaya" และ "Spanish Overture" โดย Glinka เป็นรากฐานของการแสดงซิมโฟนีของรัสเซีย
Rimsky-Korsakov N.A. เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีความสามารถ เจ้าหน้าที่ทหารเรือ ครู และนักประชาสัมพันธ์ ผลงานของเขาสามารถติดตามเทรนด์ได้สองประการ: ประวัติศาสตร์ ("เจ้าสาวของซาร์", "หญิงปัสคอฟ") และเทพนิยาย ("Sadko", "Snow Maiden", ชุด "Scheherazade") คุณลักษณะที่โดดเด่นของผลงานของผู้แต่ง: ความคิดริเริ่มตามคุณค่าคลาสสิก, โฮโมโฟนีในโครงสร้างฮาร์มอนิกของผลงานในยุคแรก การเรียบเรียงของเขามีลายเซ็นของผู้แต่ง: บทประพันธ์ออเคสตราดั้งเดิมพร้อมโน้ตเสียงร้องที่สร้างขึ้นอย่างผิดปกติซึ่งเป็นเพลงหลัก
นักแต่งเพลงคลาสสิกชาวรัสเซียพยายามสะท้อนถึงลักษณะการคิดและคติชนวิทยาของประเทศในผลงานของพวกเขา
วัฒนธรรมยุโรป
นักแต่งเพลงคลาสสิกชื่อดัง Mozart, Haydn, Beethoven อาศัยอยู่ในเมืองหลวงแห่งวัฒนธรรมดนตรีในยุคนั้น - เวียนนา อัจฉริยะเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยการแสดงอันเชี่ยวชาญ การเรียบเรียงเพลงที่ยอดเยี่ยม และการใช้สไตล์ดนตรีที่แตกต่างกัน ตั้งแต่เพลงพื้นบ้านไปจนถึงการพัฒนาแบบโพลีโฟนิกของธีมดนตรี คลาสสิกที่ยอดเยี่ยมโดดเด่นด้วยกิจกรรมทางจิตที่สร้างสรรค์ความสามารถและความชัดเจนในการสร้างรูปแบบดนตรี ในงานของพวกเขา สติปัญญาและอารมณ์ องค์ประกอบที่น่าเศร้าและตลก ความสบายใจและความรอบคอบเชื่อมโยงกันอย่างเป็นธรรมชาติ
Beethoven และ Haydn หลงใหลในการประพันธ์เพลงบรรเลง Mozart ประสบความสำเร็จอย่างเชี่ยวชาญทั้งในการประพันธ์เพลงโอเปร่าและออเคสตรา Beethoven เป็นผู้สร้างผลงานที่กล้าหาญที่ไม่มีใครเทียบได้ Haydn ชื่นชมและประสบความสำเร็จในการใช้อารมณ์ขันและแนวเพลงพื้นบ้านในงานของเขา Mozart เป็นนักแต่งเพลงสากล
โมสาร์ทเป็นผู้สร้างรูปแบบเครื่องดนตรีโซนาต้า เบโธเฟนปรับปรุงและนำมันไปสู่ความสูงที่ไม่มีใครเทียบได้ ช่วงเวลาดังกล่าวกลายเป็นช่วงเวลาแห่งความรุ่งเรืองของวงสี่ Haydn ตามมาด้วย Beethoven และ Mozart มีส่วนสำคัญในการพัฒนาแนวเพลงนี้
ผู้เชี่ยวชาญชาวอิตาลี
Giuseppe Verdi - นักดนตรีที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 19 พัฒนาโอเปร่าอิตาลีแบบดั้งเดิม เขามีทักษะที่ไร้ที่ติ จุดสุดยอดของกิจกรรมการแต่งเพลงของเขาคือผลงานโอเปร่า "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida"
Niccolo Paganini - เกิดในเมืองนีซ หนึ่งในผู้มีพรสวรรค์ทางดนตรีมากที่สุดในศตวรรษที่ 18 และ 19 เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านไวโอลิน เขาแต่งเพลงคาพรีซ โซนาตา ควอร์เตตสำหรับไวโอลิน กีตาร์ วิโอลา และเชลโล เขาเขียนคอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา
Gioachino Rossini - ทำงานในศตวรรษที่ 19 ผู้ประพันธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์และแชมเบอร์ ประพันธ์โอเปร่า 39 เรื่อง ผลงานที่โดดเด่น ได้แก่ "The Barber of Seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramis"
อันโตนิโอ วิวัลดีเป็นหนึ่งในตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศิลปะไวโอลินแห่งศตวรรษที่ 18 เขาได้รับชื่อเสียงจากผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา - ไวโอลินคอนแชร์โต 4 รายการ "The Seasons" เขาใช้ชีวิตสร้างสรรค์ผลงานได้อย่างน่าอัศจรรย์โดยแต่งละครโอเปร่า 90 เรื่อง
คีตกวีคลาสสิกชาวอิตาลีผู้โด่งดังได้ทิ้งมรดกทางดนตรีอันเป็นนิรันดร์ แคนทาตา โซนาตา เซเรเนด ซิมโฟนี และโอเปร่าของพวกเขาจะนำความสุขมาสู่คนมากกว่าหนึ่งรุ่น
ลักษณะเฉพาะของการรับรู้ดนตรีของเด็ก
นักจิตวิทยาเด็กกล่าวว่าการฟังเพลงดีๆ มีผลดีต่อพัฒนาการทางจิตและอารมณ์ของเด็ก ดนตรีที่ดีแนะนำให้ผู้คนรู้จักกับศิลปะและกำหนดรสนิยมทางสุนทรีย์ ครูกล่าว
ผลงานสร้างสรรค์ที่มีชื่อเสียงมากมายถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงคลาสสิกสำหรับเด็ก โดยคำนึงถึงจิตวิทยา การรับรู้ และอายุเฉพาะของพวกเขา เช่น เพื่อการฟัง ในขณะที่คนอื่นๆ แต่งบทละครต่างๆ สำหรับนักแสดงตัวน้อยที่รับรู้ได้ง่ายด้วยหูและเข้าถึงได้ในทางเทคนิค
“ อัลบั้มเด็ก” โดย P.I. Tchaikovsky สำหรับนักเปียโนตัวน้อย อัลบั้มนี้อุทิศให้กับหลานชายของฉันที่รักดนตรีและเป็นเด็กที่มีพรสวรรค์มาก คอลเลกชั่นนี้ประกอบด้วยบทละครมากกว่า 20 เรื่อง บางบทมีเนื้อหามาจากนิทานพื้นบ้าน เช่น ลวดลายเนเปิลส์ การเต้นรำแบบรัสเซีย ท่วงทำนองไทโรเลียน และทำนองเพลงฝรั่งเศส คอลเลกชัน "เพลงเด็ก" โดย P.I. Tchaikovsky ออกแบบมาเพื่อการรับรู้ทางเสียงของเด็ก บทเพลงแห่งอารมณ์ในแง่ดีเกี่ยวกับฤดูใบไม้ผลิ นก สวนที่เบ่งบาน (“สวนของฉัน”) เกี่ยวกับความเห็นอกเห็นใจต่อพระคริสต์และพระเจ้า (“พระคริสต์ทรงมีสวนตั้งแต่ยังเป็นเด็ก”)
คลาสสิกสำหรับเด็ก
นักแต่งเพลงคลาสสิกหลายคนทำงานเพื่อเด็ก ๆ รายการผลงานของเขามีความหลากหลายมาก
โปรโคเฟียฟ เอส.เอส. “ Peter and the Wolf” เป็นเทพนิยายไพเราะสำหรับเด็ก ต้องขอบคุณเทพนิยายนี้ที่ทำให้เด็ก ๆ คุ้นเคยกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ข้อความในเทพนิยายเขียนโดย Prokofiev เอง
Schumann R. “ Children's Scenes” เป็นเรื่องราวดนตรีสั้นที่มีโครงเรื่องเรียบง่ายเขียนขึ้นสำหรับนักแสดงผู้ใหญ่ความทรงจำในวัยเด็ก
วงจรเปียโนของ Debussy "มุมเด็ก"
Ravel M. “Mother Goose” สร้างจากเทพนิยายของ C. Perrault
Bartok B. “ก้าวแรกที่เล่นเปียโน”
วงจรสำหรับเด็ก Gavrilova S. “ สำหรับคนตัวเล็ก”; "วีรบุรุษแห่งเทพนิยาย"; "พวกเกี่ยวกับสัตว์"
Shostakovich D. “ อัลบั้มชิ้นเปียโนสำหรับเด็ก”
บาค ไอ.เอส. "หนังสือเพลงของ Anna Magdalena Bach" ในขณะที่สอนดนตรีให้ลูกๆ เขาได้สร้างสรรค์ผลงานพิเศษและแบบฝึกหัดสำหรับพวกเขาเพื่อพัฒนาทักษะทางเทคนิค
Haydn J. เป็นต้นกำเนิดของซิมโฟนีคลาสสิก เขาสร้างซิมโฟนีพิเศษที่เรียกว่า "Children's" เครื่องมือที่ใช้: นกไนติงเกลดินเหนียว, เสียงสั่น, นกกาเหว่า - ให้เสียงที่ผิดปกติ, เด็กๆ และขี้เล่น
Saint-Saëns K. ได้สร้างจินตนาการให้กับวงออเคสตราและเปียโน 2 ตัวที่เรียกว่า "Carnival of Animals" ซึ่งเขาถ่ายทอดเสียงไก่ร้องลั่น เสียงคำรามของสิงโต ความพอใจของช้าง และท่าทางการเคลื่อนไหวของมันอย่างเชี่ยวชาญ และ หงส์ที่สง่างามน่าสัมผัสผ่านดนตรี
เมื่อแต่งเรียงความสำหรับเด็กและเยาวชน นักแต่งเพลงคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ดูแลโครงเรื่องที่น่าสนใจของงาน การเข้าถึงเนื้อหาที่นำเสนอ โดยคำนึงถึงอายุของนักแสดงหรือผู้ฟัง
