ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เบโธเฟนเป็นบุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตกระหว่างความคลาสสิกกับแนวโรแมนติก และเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยอมรับและแสดงมากที่สุดในโลก เขาเขียนทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขา รวมทั้งโอเปร่า ดนตรีสำหรับการแสดงละคร การแต่งเพลงประสานเสียง
โยฮันน์ บิดาของเขา (โยฮันน์ ฟาน เบโธเฟน) เป็นนักร้อง อายุ ในโบสถ์น้อย มารดาของเขา แมรี่ แม็กดาลีน ก่อนแต่งงาน เคเวริช (มาเรีย มักดาเลนา เคอเวริช) เป็นลูกสาวของพ่อครัวในราชสำนักในโคเบลนซ์ พวกเขาแต่งงานกันที่โคเบลนซ์ 1767.
ครูของเบโธเฟน พ่อของนักแต่งเพลงต้องการสร้างโมสาร์ทตัวที่สองจากลูกชายของเขา และเริ่มสอนวิธีเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลินให้เขา ในปี ค.ศ. 1778 การแสดงครั้งแรกของเด็กชายเกิดขึ้นที่โคโลญ อย่างไรก็ตาม ปาฏิหาริย์ - เบโธเฟนไม่ได้กลายเป็นเด็ก พ่อมอบหมายให้เด็กคนนี้กับเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา คนหนึ่งสอนลุดวิกในการเล่นออร์แกน อีกคนสอนวิธีเล่นไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1780 Christian Gottlob Nefe นักออร์แกนและนักแต่งเพลงมาถึงกรุงบอนน์ เขากลายเป็นครูที่แท้จริงของเบโธเฟน
สิบปีแรกในกรุงเวียนนา ในปี ค.ศ. 1787 เบโธเฟนเยือนกรุงเวียนนา หลังจากฟังการแสดงด้นสดของเบโธเฟน โมสาร์ทก็อุทานออกมา เขาจะทำให้ทุกคนพูดถึงตัวเอง! เมื่อมาถึงกรุงเวียนนา Beethoven เริ่มเรียนกับ Haydn ต่อมาอ้างว่า Haydn ไม่ได้สอนอะไรเขาเลย ชั้นเรียนทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว เบโธเฟนเชื่อว่าไฮเดนไม่ใส่ใจกับความพยายามของเขามากพอ Haydn รู้สึกหวาดกลัวไม่เพียงเพราะความเห็นที่ชัดเจนของ Ludwig ในขณะนั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่แพร่หลายในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เมื่อ Haydn เขียนถึง Beethoven สิ่งของของคุณสวยงาม แม้จะเป็นสิ่งมหัศจรรย์ แต่ที่นี่และที่นั่นมีสิ่งแปลกปลอมและมืดมนอยู่ในนั้น เนื่องจากคุณเองก็มืดมนและแปลกไปเล็กน้อย และสไตล์ของนักดนตรีก็เป็นตัวเขาเองอยู่เสมอ ในไม่ช้า Haydn ก็เดินทางไปอังกฤษและมอบลูกศิษย์ให้กับ Albrechtsberger อาจารย์และนักทฤษฎีที่มีชื่อเสียง ในท้ายที่สุด เบโธเฟนเองก็เลือกที่ปรึกษาอันโตนิโอ ซาลิเอรีด้วยตัวเอง
ปีต่อมา () เมื่อเบโธเฟนอายุได้ 34 ปี นโปเลียนละทิ้งอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและประกาศตนเป็นจักรพรรดิ ดังนั้นเบโธเฟนจึงละทิ้งความตั้งใจที่จะอุทิศซิมโฟนีที่สามให้กับเขา: “นโปเลียนคนนี้ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมดด้วยเท้าของเขาและกลายเป็นเผด็จการ” เนื่องจากหูหนวก Beethoven ไม่ค่อยออกจากบ้านและสูญเสียการรับรู้เสียง เขากลายเป็นมืดมนถอนตัว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานักประพันธ์เพลงได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละคน ในช่วงปีเดียวกันนี้ เบโธเฟนกำลังทำงานโอเปร่าเรื่องเดียวของเขาคือฟิเดลิโอ โอเปร่านี้เป็นประเภทของโอเปร่า "สยองขวัญและกู้ภัย" ความสำเร็จของฟิเดลิโอเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1814 เมื่อโอเปร่าเริ่มการแสดงครั้งแรกในเวียนนา จากนั้นในปราก ที่ซึ่งเวเบอร์นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้โด่งดังเป็นผู้ดำเนินการ และสุดท้ายที่เบอร์ลิน
ปีที่แล้ว ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต นักแต่งเพลงได้มอบต้นฉบับของ "ฟิเดลิโอ" ให้กับเพื่อนและเลขาของชินด์เลอร์พร้อมข้อความว่า "ลูกแห่งจิตวิญญาณของฉันคนนี้เกิดมาในความทุกข์ทรมานที่หนักหนาสาหัสกว่าคนอื่น และทำให้ฉันรู้สึกเศร้าใจอย่างที่สุด ดังนั้นฉันจึงเป็นที่รักของฉันมากกว่าใคร ... ” หลังจากปี พ.ศ. 2355 กิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงก็ลดลงชั่วขณะหนึ่ง อย่างไรก็ตาม หลังจากสามปี เขาเริ่มทำงานด้วยพลังงานเดียวกัน ในเวลานี้ โซนาตาเปียโนจากวันที่ 28 ถึงครั้งสุดท้าย, 32, โซนาต้าเชลโล 2 ตัว, ควอเตต และวงจรเสียงร้อง "To a Distant Beloved" ได้ถูกสร้างขึ้น ส่วนใหญ่อุทิศให้กับการประมวลผลเพลงพื้นบ้าน นอกจากชาวสก็อต ไอริช เวลส์ แล้ว ยังมีชาวรัสเซียอีกด้วย แต่การสร้างสรรค์ที่สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาคือการประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองชิ้นของเบโธเฟน ได้แก่ พิธีมิสซาเคร่งขรึมและซิมโฟนี 9 พร้อมคณะนักร้องประสานเสียง
Giulietta Guicciardi ซึ่งนักแต่งเพลงอุทิศ Moonlight Sonata ซิมโฟนีที่เก้าได้ดำเนินการในปี พ.ศ. 2367 ผู้ชมปรบมือให้นักแต่งเพลงยืนปรบมือ เป็นที่ทราบกันดีว่าเบโธเฟนยืนหันหลังให้ผู้ชมและไม่ได้ยินอะไรเลยนักร้องคนหนึ่งจับมือเขาแล้วหันหน้าเข้าหาผู้ชม ผู้คนโบกผ้าเช็ดหน้า หมวก มือ ต้อนรับผู้แต่ง การปรบมือกินเวลานานจนเจ้าหน้าที่ตำรวจที่ปรากฏตัวเรียกร้องทันที
ผลงานของ 9 ซิมโฟนี: 1 (), 2 (1803), 3 "ฮีโร่" (), 4 (1806), 5 (), 6 "อภิบาล" (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( 1824) ). บทเพลงไพเราะ 11 เพลง รวมทั้ง "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" 3. 5 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและออเคสตรา 6 Youth Sonatas สำหรับเปียโน โซนาต้าเปียโน 32 แบบ 32 แบบและประมาณ 60 เปียโน 10 โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและออเคสตรา คอนแชร์โต้สำหรับเปียโน ไวโอลินและเชลโล และวงออเคสตรา ("คอนแชร์โตสาม") 5 โซนาต้าสำหรับเชลโลและเปียโน เครื่องสาย 16 ตัว. 6 ทรีโอ บัลเล่ต์ "การสร้างสรรค์ของโพร" โอเปร่า ฟิเดลิโอ มวลเคร่งขรึม วัฏจักรเสียง "ถึงที่รักอันห่างไกล" เพลงในข้อของกวีต่าง ๆ การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน
L.Karankova
1. ลักษณะของสไตล์สร้างสรรค์ของเบโธเฟน
L.V. Beethoven - นักแต่งเพลงชาวเยอรมันซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา (เกิดที่เมืองบอนน์ แต่ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในเวียนนา - ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2335)
ความคิดทางดนตรีของเบโธเฟนเป็นการสังเคราะห์ที่ซับซ้อน:
ความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ของคลาสสิกเวียนนา (Gluck, Haydn, Mozart);
ศิลปะแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศส
เกิดใหม่ในยุค 20 ศตวรรษที่ 19 ทิศทางศิลปะ - แนวโรแมนติก
องค์ประกอบของเบโธเฟนแสดงถึงอุดมการณ์ สุนทรียศาสตร์ และศิลปะแห่งการตรัสรู้ สิ่งนี้อธิบายการคิดเชิงตรรกะของผู้แต่งเป็นส่วนใหญ่ ความชัดเจนของรูปแบบ ความรอบคอบของแนวความคิดทางศิลปะทั้งหมด และรายละเอียดส่วนบุคคลของงาน
เป็นที่น่าสังเกตว่าเบโธเฟนแสดงตัวเองอย่างเต็มที่ที่สุดในแนวเพลงโซนาตาและซิมโฟนี เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เผยแพร่สิ่งที่เรียกว่า "ซิมโฟนีแห่งความขัดแย้ง" บนพื้นฐานของความขัดแย้งและการปะทะกันของภาพดนตรีที่ตัดกันอย่างสดใส ยิ่งความขัดแย้งรุนแรงมากเท่าไร กระบวนการพัฒนาก็ยิ่งซับซ้อนมากขึ้นเท่านั้น ซึ่งสำหรับเบโธเฟนกลายเป็นแรงผลักดันหลัก
แนวคิดและศิลปะของการปฏิวัติฝรั่งเศสได้ทิ้งร่องรอยไว้บนผลงานของเบโธเฟนหลายชิ้น จากโอเปร่าของ Cherubini มีเส้นทางตรงไปยัง Fidelio ของ Beethoven
ในผลงานของคีตกวี เสียงสูงต่ำที่ยั่วยวนและจังหวะไล่ล่า การหายใจที่ไพเราะที่กว้างและการใช้บทเพลงอันทรงพลัง การเดินขบวน และโอเปร่าของยุคนี้พบรูปลักษณ์ของพวกเขา พวกเขาเปลี่ยนสไตล์ของเบโธเฟน นั่นคือเหตุผลที่ภาษาดนตรีของนักแต่งเพลงถึงแม้จะเกี่ยวข้องกับศิลปะคลาสสิกของเวียนนา แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างอย่างมากจากภาษานี้ ในงานของเบโธเฟน ตรงกันข้ามกับไฮเดนและโมสาร์ท การประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจง รูปแบบจังหวะที่ราบรื่น ห้อง เท็กซ์เจอร์โปร่งใส ความสมดุลและความสมมาตรของธีมดนตรีนั้นหายาก
นักแต่งเพลงแห่งยุคใหม่ Beethoven พบน้ำเสียงอื่นๆ เพื่อแสดงความคิดของเขา - มีพลัง กระสับกระส่าย เฉียบขาด เฉียบแหลม เสียงเพลงของเขามีความอิ่มตัว หนาแน่น และตัดกันอย่างมาก ธีมดนตรีของเขาได้รับความรัดกุมอย่างไม่เคยมีมาก่อน ความเรียบง่ายที่รุนแรง
ผู้ฟังที่พูดถึงความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 รู้สึกทึ่งและมักถูกเข้าใจผิดโดยพลังทางอารมณ์ของดนตรีของเบโธเฟน ที่ปรากฏทั้งในละครที่มีพายุรุนแรง หรือในขอบเขตที่ยิ่งใหญ่ หรือในเนื้อร้องที่เจาะลึก แต่มันเป็นคุณสมบัติที่แม่นยำของศิลปะของเบโธเฟนที่ทำให้นักดนตรีโรแมนติกหลงใหล และแม้ว่าการเชื่อมต่อของเบโธเฟนกับแนวโรแมนติกจะเถียงไม่ได้ แต่งานศิลปะของเขาในโครงร่างหลักนั้นไม่ตรงกับเขา มันไม่เข้ากับกรอบของความคลาสสิกทั้งหมด สำหรับเบโธเฟน ก็เหมือนกับคนอื่นๆ เพียงไม่กี่คน ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เป็นปัจเจก และมีหลายแง่มุม
ธีมของเบโธเฟน:
จุดสนใจของเบโธเฟนคือชีวิตของฮีโร่ ซึ่งเกิดขึ้นในการต่อสู้ที่ไม่หยุดยั้งเพื่ออนาคตที่ยอดเยี่ยมสำหรับทุกคน ความคิดที่กล้าหาญดำเนินไปเหมือนด้ายสีแดงในงานทั้งหมดของเบโธเฟน ฮีโร่ของเบโธเฟนไม่สามารถแยกจากผู้คนได้ ในการรับใช้มนุษยชาติ ในการได้รับอิสรภาพ เขามองเห็นจุดประสงค์ของชีวิต แต่เส้นทางสู่เป้าหมายอยู่ผ่านหนาม การต่อสู้ ความทุกข์ทรมาน บ่อยครั้งที่วีรบุรุษเสียชีวิต แต่ความตายของเขาได้รับชัยชนะที่นำความสุขมาสู่มนุษยชาติที่ได้รับการปลดปล่อย ความดึงดูดของเบโธเฟนต่อภาพลักษณ์ที่กล้าหาญและความคิดในการต่อสู้นั้นเนื่องมาจากคลังสินค้าแห่งบุคลิกภาพของเขาชะตากรรมที่ยากลำบากการต่อสู้กับมันการเอาชนะความยากลำบากอย่างต่อเนื่อง ในทางกลับกัน ผลกระทบต่อโลกทัศน์ของผู้แต่งแนวความคิดเกี่ยวกับการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่
ภาพสะท้อนที่ร่ำรวยที่สุดพบในผลงานของเบโธเฟนและธีมของธรรมชาติ (ซิมโฟนีที่ 6 "อภิบาล", โซนาตาหมายเลข 15 "อภิบาล", โซนาตาหมายเลข 21 "ออโรร่า", ซิมโฟนีที่ 4, โซนาตาที่ช้ามากมาย, ซิมโฟนี, ควอเทต ). การไตร่ตรองอย่างเฉยเมยเป็นเรื่องแปลกสำหรับเบโธเฟน: ความสงบและความเงียบของธรรมชาติช่วยให้เข้าใจประเด็นที่น่าตื่นเต้นอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น เพื่อรวบรวมความคิดและความแข็งแกร่งภายในสำหรับการต่อสู้ของชีวิต
เบโธเฟนแทรกซึมลึกเข้าไปในขอบเขตของความรู้สึกของมนุษย์ แต่การเปิดเผยโลกของชีวิตภายในและอารมณ์ของบุคคล Beethoven ดึงฮีโร่คนเดียวกันทั้งหมดที่มีความสามารถในการควบคุมความรู้สึกที่เป็นธรรมชาติตามความต้องการของเหตุผล
คุณสมบัติหลักของภาษาดนตรี:
เมโลดิก้า. หลักการพื้นฐานของท่วงทำนองของเขาอยู่ในเสียงแตรและการประโคม ในเสียงอุทานเชิงโวหารและผลัดกันเดินขบวน มักใช้การเคลื่อนไหวตามเสียงของสามกลุ่ม (G.P. "Heroic Symphony"; ธีมของตอนจบของซิมโฟนีที่ 5, G.P. I ตอนที่ 9 ของซิมโฟนี) caesuras ของ Beethoven เป็นเครื่องหมายวรรคตอนในการพูด เฟอร์มาตาของเบโธเฟนหยุดชะงักหลังจากถามคำถามที่น่าสมเพช ธีมดนตรีของเบโธเฟนมักประกอบด้วยองค์ประกอบที่ตัดกัน โครงสร้างที่ตัดกันของธีมยังพบได้ในรุ่นก่อนของเบโธเฟน (โดยเฉพาะโมสาร์ท) แต่ในเบโธเฟนสิ่งนี้ได้กลายเป็นรูปแบบไปแล้ว ความแตกต่างภายในหัวข้อพัฒนาไปสู่ความขัดแย้งระหว่าง G.P. และ ป. ในรูปแบบโซนาตา ไดนามิกทุกส่วนของโซนาตาอัลเลโกร
จังหวะ. จังหวะของเบโธเฟนเกิดจากแหล่งเดียวกัน จังหวะมีหน้าที่ของความเป็นชายเจตจำนงกิจกรรม
จังหวะการเดินขบวนเป็นเรื่องธรรมดามาก
จังหวะการเต้นรำ (ในภาพของความสนุกสนานพื้นบ้าน - ตอนจบของซิมโฟนีที่ 7 ตอนจบของ Aurora Sonata เมื่อหลังจากความทุกข์ทรมานและการต่อสู้อันยาวนาน ช่วงเวลาแห่งชัยชนะและความสุขก็มาถึง
ความสามัคคี. ด้วยความเรียบง่ายของคอร์ดแนวตั้ง (คอร์ดของฟังก์ชั่นหลัก, การใช้เสียงที่ไม่ใช่คอร์ดที่พูดน้อย) - การตีความลำดับฮาร์มอนิกที่มีความเปรียบต่างอย่างน่าทึ่ง (การเชื่อมต่อกับหลักการของบทละครที่ขัดแย้งกัน) การมอดูเลตที่คมชัดและชัดเจนในปุ่มที่อยู่ห่างไกล (ตรงกันข้ามกับการมอดูเลตแบบพลาสติกของโมสาร์ท) ในงานชิ้นหลังของเขา เบโธเฟนคาดการณ์ถึงคุณสมบัติของความกลมกลืนที่โรแมนติก: ผ้าโพลีโฟไนซ์, เสียงที่ไม่สอดคล้องกันมากมาย, ลำดับฮาร์มอนิกที่สวยงาม
รูปแบบดนตรีของผลงานของเบโธเฟนเป็นสิ่งก่อสร้างที่ยิ่งใหญ่ “นี่คือเช็คสเปียร์ของมวลชน” V. Stasov เขียนเกี่ยวกับเบโธเฟน "โมสาร์ทรับผิดชอบเฉพาะบุคคลเท่านั้น ... เบโธเฟนคิดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และมนุษยชาติทั้งหมด" เบโธเฟนเป็นผู้สร้างรูปแบบของรูปแบบอิสระ (ตอนจบของเปียโนโซนาตาหมายเลข 30, รูปแบบต่างๆ ตามธีมโดย Diabelli, ส่วนที่ 3 และ 4 ของซิมโฟนีที่ 9) เขาให้เครดิตกับการแนะนำรูปแบบผันแปรในรูปแบบขนาดใหญ่
ประเภทดนตรี เบโธเฟนพัฒนาแนวดนตรีที่มีอยู่เกือบทั้งหมด พื้นฐานของงานของเขาคือดนตรีบรรเลง
รายชื่อผลงานของเบโธเฟน:
ดนตรีออร์เคสตรา:
ซิมโฟนี - 9;
Overtures: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 เวอร์ชันสำหรับโอเปร่า "Fidelio";
คอนแชร์โต: เปียโน 5 ตัว ไวโอลิน 1 ตัว ทริปเปิ้ล 1 ตัว สำหรับไวโอลิน เชลโล และเปียโน
เพลงเปียโน:
32 โซนาตา;
22 รอบการแปรผัน (รวมถึงรูปแบบ c-moll 32 รูปแบบ);
Bagatelles (รวมถึง "To Elise")
วงดนตรีแชมเบอร์:
Sonatas สำหรับไวโอลินและเปียโน (รวมถึง "Kreutzer" No. 9); เชลโลและเปียโน;
เครื่องสาย 16 ตัว.
เพลงร้อง:
โอเปร่า "Fidelio";
รวมเพลง วัฏจักร“ To a Distant Beloved” การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน: สก็อต, ไอริช, ฯลฯ ;
2 มวล: C-dur และเคร่งขรึมมวล;
oratorio "พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ"
2. ชีวิตและผลงานของเบโธเฟน
ช่วงบอนน์ วัยเด็กและเยาวชน.
เบโธเฟนเกิดที่เมืองบอนน์เมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 นอกจากชาวเยอรมันแล้ว เลือดเฟลมิชยังไหลเวียนอยู่ในเส้นเลือดของเขาด้วย
เบโธเฟนเติบโตขึ้นมาในความยากจน พ่อของฉันดื่มเงินเดือนเพียงเล็กน้อย เขาสอนลูกชายให้เล่นไวโอลินและเปียโนด้วยความหวังว่าเขาจะเป็นเด็กอัจฉริยะ โมสาร์ทคนใหม่ และเลี้ยงดูครอบครัวของเขา เมื่อเวลาผ่านไป เงินเดือนของพ่อก็เพิ่มขึ้นตามอนาคตของลูกชายที่มีพรสวรรค์และทำงานหนักของเขา
การศึกษาทั่วไปของเบโธเฟนนั้นไม่มีระบบเท่ากับการศึกษาด้านดนตรีของเขา อย่างไรก็ตาม ในช่วงหลัง การฝึกฝนมีบทบาทสำคัญ: เขาเล่นวิโอลาในวงออเคสตราของศาล เล่นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด รวมถึงออร์แกนที่เขาเชี่ยวชาญอย่างรวดเร็ว กิโลกรัม. Nefe นักเล่นออร์แกนในศาลเมืองบอนน์ กลายเป็นครูที่แท้จริงคนแรกของเบโธเฟน (เหนือสิ่งอื่นใด เขาผ่าน "HTK" ทั้งหมดของ S. Bach ไปพร้อมกับเขา)
ในปี ค.ศ. 1787 เบโธเฟนสามารถเยี่ยมชมกรุงเวียนนาได้เป็นครั้งแรก - ในเวลานั้นเป็นเมืองหลวงทางดนตรีของยุโรป ตามเรื่องราว โมสาร์ทได้ฟังการเล่นของชายหนุ่ม ชื่นชมการแสดงสดของเขาอย่างมาก และทำนายอนาคตที่ดีสำหรับเขา แต่ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ต้องกลับบ้าน - แม่ของเขานอนใกล้ตาย เขายังคงเป็นคนหาเลี้ยงครอบครัวเพียงคนเดียวของครอบครัว ซึ่งประกอบด้วยพ่อที่เย่อหยิ่งและน้องชายสองคน
พรสวรรค์ของชายหนุ่ม ความโลภในการแสดงดนตรี ความเร่าร้อนและความเปิดกว้างของเขาดึงดูดความสนใจของครอบครัว Bonn ที่รู้แจ้งบางคน และการด้นสดเปียโนอันยอดเยี่ยมของเขาทำให้เขาสามารถเข้าร่วมงานดนตรีต่างๆ ได้ฟรี ครอบครัว Breuning ทำอะไรมากมายเพื่อเขาโดยเฉพาะ
สมัยเวียนนาครั้งแรก (พ.ศ. 2335 - พ.ศ. 2345)
ในกรุงเวียนนา ที่ซึ่งเบโธเฟนมาครั้งที่สองในปี พ.ศ. 2335 และเขาอยู่ที่ไหนจนกระทั่งสิ้นยุค เขาได้พบผู้มีพระนามว่าเป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะอย่างรวดเร็ว
ผู้คนที่ได้พบกับเบโธเฟนวัยเยาว์กล่าวถึงนักประพันธ์เพลงอายุ 20 ปีคนนี้ว่าเป็นชายหนุ่มที่แข็งแรง มักจะอวดดี บางครั้งก็หน้าด้าน แต่นิสัยดีและอ่อนหวานในการติดต่อกับเพื่อนๆ เมื่อตระหนักถึงความไม่เพียงพอของการศึกษาของเขา เขาจึงไปหาโจเซฟ ไฮเดน ผู้มีอำนาจชาวเวียนนาที่ได้รับการยอมรับในด้านดนตรีบรรเลง (โมสาร์ทเสียชีวิตไปเมื่อหนึ่งปีก่อน) และบางครั้งนำแบบฝึกหัดที่หักล้างมาให้เขาตรวจสอบ อย่างไรก็ตาม ไฮเดนก็ใจเย็นลงเมื่อหันไปหานักเรียนที่ดื้อรั้น และเบโธเฟนก็เริ่มเรียนบทเรียนจากไอ. เชงค์ และเบโธเฟนอย่างลับๆ จากเขา นอกจากนี้ ยังต้องการพัฒนาในการเขียนเสียงร้อง เขาได้ไปเยี่ยมนักประพันธ์โอเปร่าชื่อดังอย่าง Antonio Salieri เป็นเวลาหลายปี ในไม่ช้าเขาก็เข้าร่วมวงที่รวมกลุ่มมือสมัครเล่นและนักดนตรีมืออาชีพเข้าด้วยกัน Prince Karl Likhnovsky แนะนำให้รู้จักกับกลุ่มเพื่อนของเขา
ชีวิตทางการเมืองและสังคมของยุโรปในขณะนั้นน่าตกใจ เมื่อเบโธเฟนมาถึงเวียนนาในปี พ.ศ. 2335 เมืองก็ตื่นตระหนกกับข่าวการปฏิวัติในฝรั่งเศส เบโธเฟนยอมรับคำขวัญปฏิวัติอย่างกระตือรือร้นและร้องเพลงแห่งอิสรภาพในเพลงของเขา ไม่ต้องสงสัยเลยว่างานของเขามีลักษณะเป็นภูเขาไฟและระเบิดได้นั้นเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแห่งยุคนั้น แต่ในแง่ที่ว่าอุปนิสัยของผู้สร้างได้หล่อหลอมออกมาในระดับหนึ่งแล้วในเวลานี้ การละเมิดบรรทัดฐานที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป การยืนยันตนเองที่ทรงพลัง บรรยากาศอันดังสนั่นของดนตรีของเบโธเฟน - ทั้งหมดนี้คงคิดไม่ถึงในยุคของโมสาร์ท
อย่างไรก็ตาม การประพันธ์เพลงในยุคแรกๆ ของเบโธเฟนส่วนใหญ่เป็นไปตามหลักการของศตวรรษที่ 18: สิ่งนี้ใช้ได้กับทริโอ (เครื่องสายและเปียโน) ไวโอลิน เปียโน และโซนาตาเชลโล เปียโนเป็นเครื่องดนตรีที่ใกล้เคียงที่สุดสำหรับเบโธเฟน ในงานเปียโน เขาแสดงความรู้สึกใกล้ชิดที่สุดด้วยความจริงใจอย่างที่สุด The First Symphony (1801) เป็นเพลงออร์เคสตราเพลงแรกของเบโธเฟน
แนวทางของหูหนวก
เราสามารถเดาได้ว่าอาการหูหนวกของเบโธเฟนมีอิทธิพลต่องานของเขามากน้อยเพียงใด โรคนี้ค่อยๆพัฒนาขึ้น ในปี ค.ศ. 1798 เขาบ่นเรื่องหูอื้อเป็นการยากสำหรับเขาที่จะแยกแยะโทนเสียงสูงเพื่อทำความเข้าใจการสนทนาที่ดำเนินการด้วยเสียงกระซิบ เขากลัวที่จะตกเป็นเป้าของความสงสาร - นักแต่งเพลงหูหนวก เขาพูดเกี่ยวกับความเจ็บป่วยของเขากับเพื่อนสนิท - Carl Amenda รวมถึงแพทย์ที่แนะนำให้เขาปกป้องการได้ยินของเขาให้มากที่สุด เขายังคงเคลื่อนไหวในแวดวงเพื่อนชาวเวียนนาของเขามีส่วนร่วมในดนตรีตอนเย็นแต่งขึ้นมากมาย เขาเก่งในการปกปิดอาการหูหนวกจนจนถึงปีพ. ศ. 2355 แม้แต่คนที่พบเขาบ่อยๆก็ไม่สงสัยว่าอาการป่วยของเขาร้ายแรงแค่ไหน ความจริงที่ว่าในระหว่างการสนทนาเขามักจะตอบอย่างไม่เหมาะสมนั้นมาจากอารมณ์ไม่ดีหรือขาดความคิด
ในฤดูร้อนปี 1802 Beethoven ได้ออกจากย่านชานเมืองอันเงียบสงบของเวียนนา - Heiligenstadt เอกสารที่น่าทึ่งปรากฏขึ้นที่นั่น - พันธสัญญา Heiligenstadt คำสารภาพอันเจ็บปวดของนักดนตรีที่ทรมานจากความเจ็บป่วย เจตจำนงส่งถึงพี่น้องของเบโธเฟน (พร้อมคำแนะนำในการอ่านและดำเนินการหลังจากการตายของเขา); ในนั้นเขาพูดถึงความทุกข์ทางจิตใจของเขา: มันเจ็บปวดเมื่อ "คนที่ยืนอยู่ข้างฉันได้ยินเสียงขลุ่ยเล่นจากระยะไกลซึ่งไม่ได้ยินสำหรับฉัน หรือเมื่อมีคนได้ยินคนเลี้ยงแกะร้องเพลงแล้วข้าพเจ้าก็เปล่งเสียงไม่ได้" แต่แล้วในจดหมายที่ส่งถึง Dr. Wegeler เขาอุทานว่า: "ฉันจะรับชะตากรรมไว้ที่คอ!" และเพลงที่เขายังคงเขียนต่อไปก็ยืนยันการตัดสินใจนี้: ในฤดูร้อนเดียวกัน Second Symphony ที่สดใส โซนาตาเปียโนอันงดงาม ความเห็น 31 และสามไวโอลิน sonatas, op. สามสิบ.
ช่วงเวลาของความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่ "วิถีใหม่" (1803 - 1812)
ความก้าวหน้าอย่างเด็ดขาดครั้งแรกของสิ่งที่เบโธเฟนเรียกว่า "วิถีใหม่" เกิดขึ้นใน Third Symphony (Heroic, 1803-1804) ระยะเวลาของมันคือสามเท่าของซิมโฟนีอื่น ๆ ที่เขียนมาก่อน มักถูกกล่าวหา (และไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผล) ว่าในตอนแรกเบโธเฟนได้อุทิศ "วีรบุรุษ" ให้กับนโปเลียน แต่เมื่อเขารู้ว่าเขาได้ประกาศตัวเองเป็นจักรพรรดิ เขาก็ยกเลิกการอุทิศ “ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิของมนุษย์และตอบสนองความทะเยอทะยานของตัวเองเท่านั้น” เป็นคำพูดของเบโธเฟนตามเรื่องราวเมื่อเขาฉีกหน้าชื่อเรื่องของคะแนนด้วยความทุ่มเท ในท้ายที่สุด "Heroic" ได้อุทิศให้กับหนึ่งในผู้อุปถัมภ์ - Prince Lobkowitz
ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยมออกมาจากปากกาของเขาทีละชิ้น ผลงานหลักของผู้แต่งก่อให้เกิดกระแสดนตรีที่ไพเราะอย่างไม่น่าเชื่อ โลกแห่งเสียงในจินตนาการนี้เข้ามาแทนที่โลกของเสียงจริงที่ทิ้งเขาไป มันเป็นการยืนยันตนเองที่ได้รับชัยชนะ ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของการทำงานที่เข้มข้นของความคิด หลักฐานของชีวิตภายในที่ร่ำรวยของนักดนตรี
ผลงานช่วงที่สอง: violin sonata in A major, op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); ซิมโฟนีที่สาม (Heroic, 1802-1805); oratorio พระคริสต์บนภูเขามะกอกเทศ, op. 85 (1803); เปียโนโซนาตา: "Waldstein", op. 53; "Appassionata" (1803-1815); เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 4 ใน G major (1805-1806); โอเปร่าเพียงเรื่องเดียวของเบโธเฟน Fidelio (1805, ฉบับที่สอง 1806); สาม "รัสเซีย" quartets, op. 59 (อุทิศให้กับ Count Razumovsky; 1805-1806); ซิมโฟนีที่สี่ (1806); ทาบทามถึงโศกนาฏกรรมของ Collinus Coriolanus, op. 62 (1807); มวลในซีเมเจอร์ (1807); ซิมโฟนีที่ห้า (1804-1808); ซิมโฟนีที่หก (ศิษยาภิบาล, 1807-1808); เพลงสำหรับโศกนาฏกรรมโดย Goethe Egmont (1809) และคนอื่น ๆ
การประพันธ์เพลงจำนวนหนึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความรู้สึกโรแมนติกที่เบโธเฟนมีต่อนักเรียนชั้นสูงบางคนของเขา โซนาต้าซึ่งต่อมาเรียกว่า "Lunar" อุทิศให้กับเคาน์เตสจูเลียต กุยเซียร์ดี เบโธเฟนถึงกับคิดจะเสนอให้เธอ แต่รู้ทันว่านักดนตรีหูหนวกไม่เหมาะกับความงามทางโลกที่อวดดี ผู้หญิงคนอื่นที่เขารู้จักปฏิเสธเขา หนึ่งในนั้นเรียกเขาว่า "ประหลาด" และ "ครึ่งบ้า" สถานการณ์ครอบครัวบรันสวิกแตกต่างออกไป ซึ่งเบโธเฟนสอนดนตรีให้กับพี่สาวสองคน คือเทเรซาและโจเซฟิน ข้อสันนิษฐานที่ว่าเทเรซาเป็นผู้รับข้อความถึง "ผู้เป็นที่รักอมตะ" ซึ่งพบในเอกสารของเบโธเฟนหลังจากการตายของเขา ถูกละทิ้งไปนานแล้ว แต่นักวิจัยสมัยใหม่ไม่ได้ยกเว้นว่าผู้รับรายนี้คือโจเซฟีน ไม่ว่าในกรณีใด ซิมโฟนีลำดับที่สี่ที่งดงามเป็นหนี้ความคิดของบีโธเฟนที่พำนักอยู่ที่คฤหาสน์ฮังการีบรันสวิกในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2349
ในปี ค.ศ. 1804 เบโธเฟนเต็มใจยอมรับคำสั่งให้แต่งโอเปร่า เนื่องจากความสำเร็จในโรงละครโอเปร่าในกรุงเวียนนาหมายถึงชื่อเสียงและเงินทอง โครงเรื่องโดยย่อมีดังนี้: ผู้หญิงที่กล้าหาญและกล้าได้กล้าเสียสวมชุดผู้ชายช่วยชีวิตสามีอันเป็นที่รักของเธอถูกคุมขังโดยทรราชที่โหดร้ายและเปิดโปงคนหลังต่อหน้าประชาชน เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสนกับโอเปร่าที่มีอยู่แล้วในเรื่องนี้ - "Leonora" โดย Gaveau งานของเบโธเฟนจึงถูกเรียกว่า "Fidelio" ตามชื่อที่นางเอกปลอมตัวใช้ แน่นอนว่าเบโธเฟนไม่มีประสบการณ์ในการแต่งเพลงให้กับโรงละคร จุดสุดยอดของละครประโลมโลกถูกทำเครื่องหมายด้วยดนตรีที่ยอดเยี่ยม แต่ในส่วนอื่น ๆ การขาดไหวพริบอันน่าทึ่งไม่อนุญาตให้ผู้แต่งอยู่เหนือกิจวัตรโอเปร่า (แม้ว่าเขาจะกระตือรือร้นมากในเรื่องนี้: Fidelio มีชิ้นส่วนที่ปรุงใหม่มากถึงสิบแปดครั้ง ). อย่างไรก็ตามโอเปร่าค่อยๆเอาชนะผู้ฟัง (ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงการผลิตสามรายการเกิดขึ้นในรุ่นต่างๆ - ในปี 1805, 1806 และ 1814) เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่านักแต่งเพลงไม่ได้ทุ่มเทงานอื่นมากนัก
ดังที่ได้กล่าวไปแล้วเบโธเฟนเคารพผลงานของเกอเธ่อย่างสุดซึ้งแต่งเพลงหลายเพลงในตำราของเขา เพลงสำหรับโศกนาฏกรรม Egmont แต่พบเกอเธ่เฉพาะในฤดูร้อนปี 2355 เมื่อพวกเขาลงเอยด้วยกันในรีสอร์ทใน Teplitz มารยาทอันประณีตของกวีผู้ยิ่งใหญ่และความเฉียบแหลมของพฤติกรรมของนักแต่งเพลงไม่ได้มีส่วนทำให้เกิดการสร้างสายสัมพันธ์ “พรสวรรค์ของเขาทำให้ฉันประทับใจมาก แต่น่าเสียดายที่เขามีอารมณ์ที่ไม่ย่อท้อ และดูเหมือนว่าโลกสำหรับเขาจะสร้างสิ่งที่น่ารังเกียจ” เกอเธ่กล่าวในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา
มิตรภาพของเบโธเฟนกับรูดอล์ฟ อาร์ชดยุคแห่งออสเตรียและพี่ชายต่างมารดาของจักรพรรดิ เป็นหนึ่งในแผนประวัติศาสตร์ที่น่าสนใจที่สุด ราวปี 1804 อาร์คดยุคซึ่งขณะนั้นอายุ 16 ปี เริ่มเรียนเปียโนจากผู้แต่ง แม้จะมีสถานะทางสังคมที่แตกต่างกันมาก แต่ครูและนักเรียนก็มีความรักซึ่งกันและกันอย่างจริงใจ เมื่อต้องไปเรียนที่วังของอาร์คดยุค เบโธเฟนต้องผ่านเด็กฝึกหัดจำนวนนับไม่ถ้วน เรียกลูกศิษย์ของเขาว่า "ฝ่าบาท" และต่อสู้กับทัศนคติที่ไม่คุ้นเคยต่อดนตรี และเขาทำทั้งหมดนี้ด้วยความอดทนอย่างน่าทึ่ง แม้ว่าเขาจะไม่เคยลังเลที่จะยกเลิกบทเรียนหากเขายุ่งอยู่กับการแต่งเพลง ตามคำสั่งของอาร์คดยุค การประพันธ์เช่นเปียโนโซนาตา "อำลา", ทริปเปิลคอนแชร์โต้, เปียโนคอนแชร์โต้ที่ห้าสุดท้ายและยิ่งใหญ่ที่สุด, พิธีมิสซา (Missa solemnis) ถูกสร้างขึ้น อาร์ชดยุก เจ้าชายคินสกี และเจ้าชายล็อบโควิทซ์ ได้จัดตั้งทุนการศึกษาสำหรับนักประพันธ์เพลง ซึ่งทำให้เวียนนามีชื่อเสียงแต่ไม่ได้รับการสนับสนุนจากทางการของเมือง และท่านดยุคกลับกลายเป็นว่าเป็นผู้อุปถัมภ์ที่น่าเชื่อถือที่สุดในบรรดาผู้อุปถัมภ์ทั้งสามคน
ปีที่แล้ว.
ฐานะการเงินของผู้แต่งดีขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ผู้จัดพิมพ์ออกตามล่าหาคะแนนและผลงานที่ได้รับมอบหมาย เช่น Grand Piano Variations on a Waltz โดย Diabelli (1823) เมื่อคาสปาร์น้องชายของเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2358 นักแต่งเพลงก็กลายเป็นหนึ่งในผู้ปกครองของคาร์ลหลานชายวัย 10 ขวบของเขา ความรักของเบโธเฟนที่มีต่อเด็กชาย ความปรารถนาที่จะทำให้แน่ใจว่าอนาคตของเขานั้นขัดแย้งกับความไม่ไว้วางใจที่ผู้แต่งมีต่อแม่ของคาร์ล เป็นผลให้เขาทะเลาะกับทั้งคู่อย่างต่อเนื่องและสถานการณ์นี้ทำให้เกิดโศกนาฏกรรมในช่วงสุดท้ายของชีวิต ในช่วงหลายปีที่เบโธเฟนต้องการการดูแลอย่างเต็มที่ เขาได้แต่งเพียงเล็กน้อย
อาการหูหนวกของเบโธเฟนเกือบจะสมบูรณ์แล้ว ในปีพ.ศ. 2362 เขาต้องเปลี่ยนไปใช้การสื่อสารกับคู่สนทนาทั้งหมดโดยใช้กระดานชนวนหรือกระดาษและดินสอ หมกมุ่นอยู่กับงานประพันธ์เช่นพิธีมิสซาอันสง่างามใน D major (1818) หรือ The Ninth Symphony เขามีพฤติกรรมแปลก ๆ ปลุกคนแปลกหน้า: เขา "ร้องเพลง, หอน, กระทืบเท้าและโดยทั่วไปดูเหมือนจะเป็นมนุษย์ ต่อสู้กับศัตรูที่มองไม่เห็น" (ชินด์เลอร์) สี่คนสุดท้ายที่แยบยล เปียโนโซนาตาห้าเพลงสุดท้าย - ยิ่งใหญ่ในขนาด รูปแบบและสไตล์ที่ไม่ธรรมดา - ดูเหมือนจะเป็นผลงานของคนบ้าในโคตร อย่างไรก็ตาม ผู้ฟังชาวเวียนนารับรู้ถึงความสูงส่งและความยิ่งใหญ่ของดนตรีของเบโธเฟน พวกเขารู้สึกว่าพวกเขากำลังจัดการกับอัจฉริยะ ในปี ค.ศ. 1824 ในระหว่างการแสดงซิมโฟนีที่เก้าพร้อมบทเพลงประสานเสียงในบทเพลง "For Joy" ของชิลเลอร์ เบโธเฟนยืนอยู่ข้างผู้ควบคุมวง ห้องโถงถูกจุดไคลแม็กซ์อันทรงพลังในตอนท้ายของซิมโฟนี ผู้ชมคลั่งไคล้ แต่คนหูหนวกเบโธเฟนไม่หันหลังกลับ นักร้องคนหนึ่งต้องจับแขนเสื้อเขาแล้วหันหน้าเข้าหาผู้ชมเพื่อให้ผู้แต่งคำนับ
ชะตากรรมของงานอื่นในภายหลังนั้นซับซ้อนกว่า หลายปีผ่านไปหลังจากการเสียชีวิตของเบโธเฟน และมีเพียงนักดนตรีที่เปิดกว้างที่สุดเท่านั้นที่เริ่มแสดงสี่คนสุดท้ายและโซนาตาเปียโนตัวสุดท้ายของเขา ซึ่งเผยให้เห็นความสำเร็จสูงสุดและสวยงามที่สุดของเบโธเฟนเหล่านี้แก่ผู้คน บางครั้งรูปแบบปลายของเบโธเฟนมีลักษณะเป็นครุ่นคิด นามธรรม ในบางกรณีละเลยกฎแห่งความไพเราะ
เบโธเฟนเสียชีวิตในกรุงเวียนนาเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 จากโรคปอดบวมที่ซับซ้อนด้วยโรคดีซ่านและท้องมาน
3. งานเปียโนของเบโธเฟน
มรดกแห่งดนตรีเปียโนของเบโธเฟนนั้นยอดเยี่ยม:
32 โซนาตา;
22 รอบการเปลี่ยนแปลง (ในหมู่พวกเขา - "32 รูปแบบใน c-moll");
เบกาเทล, เต้นรำ, rondos;
เรียงความเล็ก ๆ มากมาย
เบโธเฟนเป็นนักเปียโนอัจฉริยะที่เก่งกาจ ด้นสดในทุกเรื่องด้วยความเฉลียวฉลาดไม่รู้จบ ในการแสดงคอนเสิร์ตของเบโธเฟน ธรรมชาติอันทรงพลังและขนาดมหึมาของเขา พลังแห่งการแสดงออกทางอารมณ์อันมหาศาลของเขาได้เปิดเผยตัวเองอย่างรวดเร็ว มันไม่ใช่สไตล์ของห้องโถงอีกต่อไป แต่เป็นเวทีคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ที่นักดนตรีสามารถเปิดเผยไม่เพียง แต่โคลงสั้น ๆ แต่ยังรวมถึงภาพวีรบุรุษที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเขาหลงใหลอย่างหลงใหล ในไม่ช้าทั้งหมดนี้ก็ปรากฏชัดในการแต่งของเขา ยิ่งไปกว่านั้น บุคลิกของเบโธเฟนได้รับการเปิดเผยเป็นครั้งแรกอย่างแม่นยำในการแต่งเพลงเปียโน Beethoven เริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่ายซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่
เทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของสไตล์เปียโนของเบโธเฟน:
ขยายขอบเขตของช่วงเสียง ซึ่งเผยให้เห็นวิธีการแสดงออกที่ไม่ทราบมาก่อนของการลงทะเบียนที่รุนแรง ดังนั้น - ความรู้สึกของช่องว่างอากาศที่กว้างซึ่งทำได้โดยการเปรียบเทียบรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกล
ย้ายท่วงทำนองไปที่รีจิสเตอร์ต่ำ
การใช้คอร์ดขนาดใหญ่เนื้อสัมผัสที่หลากหลาย
การเพิ่มประสิทธิภาพของเทคนิคการเหยียบ
ในบรรดามรดกเปียโนอันยาวนานของเบโธเฟน โซนาตา 32 ตัวของเขาโดดเด่น โซนาต้าของเบโธเฟนกลายเป็นเหมือนซิมโฟนีเปียโน หากซิมโฟนีของเบโธเฟนเป็นโลกแห่งความคิดที่ยิ่งใหญ่และปัญหา "ทั้งหมดที่เป็นมนุษย์" ในวงกว้างในโซนาตาสผู้แต่งได้สร้างโลกแห่งประสบการณ์ภายในและความรู้สึกของบุคคลขึ้นใหม่ ตามคำกล่าวของ B. Asafiev “โซนาตาของเบโธเฟนคือทั้งชีวิตของบุคคล ดูเหมือนว่าไม่มีสภาวะทางอารมณ์ที่จะไม่พบการสะท้อนของพวกเขาที่นี่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง
เบโธเฟนหักเหโซนาตาของเขาด้วยจิตวิญญาณของประเพณีประเภทต่างๆ:
ซิมโฟนี ("Appassionata");
จินตนาการ ("จันทรคติ");
ทาบทาม ("น่าสงสาร")
ในโซนาตาจำนวนหนึ่ง เบโธเฟนเอาชนะรูปแบบคลาสสิก 3 ส่วน โดยวางส่วนเพิ่มเติม - มินูเอตหรือเชอร์โซ - ระหว่างการเคลื่อนไหวช้าและตอนจบ ดังนั้นจึงเปรียบโซนาตากับซิมโฟนี ในบรรดาโซนาต้าตอนปลายมี 2 ส่วน
โซนาตาหมายเลข 8 "น่าสงสาร" (c-moll, 1798)
เบโธเฟนเป็นผู้ให้ชื่อ "น่าสงสาร" ด้วยตนเอง โดยกำหนดโทนเสียงหลักที่ครอบงำดนตรีในงานนี้ได้อย่างแม่นยำมาก "น่าสงสาร" - แปลจากภาษากรีก - หลงใหล ตื่นเต้น เต็มไปด้วยสิ่งที่น่าสมเพช มีเพียงสองโซนาตาที่รู้จักซึ่งมีชื่อเป็นของเบโธเฟนเอง: "Pathetique" และ "Farewell" (Es-dur, op. 81 a) ในบรรดาโซนาตาในยุคแรกๆ ของเบโธเฟน (ก่อนปี 1802) Pathetique นั้นมีความเป็นผู้ใหญ่มากที่สุด
Sonata No. 14, "แสงจันทร์" (cis-moll, 1801)
ชื่อ "ลูนาร์" มาจากกวีร่วมสมัยของบีโธเฟน แอล. เรลชแท็บ (ชูเบิร์ตเขียนเพลงมากมายในบทกวีของเขา) เพราะ เพลงของโซนาต้านี้เกี่ยวข้องกับความเงียบ ความลึกลับของคืนเดือนหงาย เบโธเฟนเองกำหนดให้เป็น "Sonata quasi una fantasia" (โซนาตาอย่างที่มันเป็นแฟนตาซี) ซึ่งให้เหตุผลในการจัดเรียงส่วนของวัฏจักรใหม่:
ส่วนที่ 1 - Adagio เขียนในรูปแบบอิสระ
ส่วนที่ II - Allegretto ในลักษณะโหมโรง - ด้นสด;
ตอนที่ III - Finale ในรูปแบบโซนาต้า
ความคิดริเริ่มขององค์ประกอบของโซนาตานั้นเกิดจากความตั้งใจในบทกวี ละครทางจิตวิญญาณ การเปลี่ยนแปลงของรัฐที่เกิดจากมัน - จากการหมกมุ่นอยู่กับตัวเองอย่างโศกเศร้าไปจนถึงกิจกรรมที่รุนแรง
ฉันส่วนหนึ่ง (cis-moll) - บทพูดคนเดียวที่โศกเศร้า เตือนฉันถึงเสียงร้องที่ไพเราะ การเดินขบวนในงานศพ เห็นได้ชัดว่าโซนาตานี้จับอารมณ์ของความเหงาที่น่าเศร้าที่ครอบงำบีโธเฟนในช่วงเวลาแห่งการล่มสลายของความรักที่เขามีต่อ Giulietta Guicciardi
บ่อยครั้งที่ส่วนที่สองของโซนาตา (Des-dur) เกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของเธอ เต็มไปด้วยลวดลายที่สง่างาม การเล่นของแสงและเงา Allegretto แตกต่างอย่างมากจากการเคลื่อนไหวครั้งแรกและตอนจบ ตามคำจำกัดความของ F. Liszt นี่คือ "ดอกไม้ระหว่างสองเหว"
ตอนจบของโซนาต้าเป็นพายุที่กวาดล้างทุกสิ่งที่ขวางหน้า เป็นองค์ประกอบแห่งความรู้สึกโกรธจัด ตอนจบของ Lunar Sonata คาดการณ์ Appassionata
โซนาต้าหมายเลข 21 "ออโรร่า" (C-dur, 1804)
ในงานนี้ ใบหน้าใหม่ของเบโธเฟนถูกเปิดเผย ห่างไกลจากอารมณ์รุนแรง ที่นี่ทุกสิ่งหายใจด้วยความบริสุทธิ์ดั่งเดิม ส่องสว่างด้วยแสงระยิบระยับ ไม่น่าแปลกใจที่เธอถูกเรียกว่า "ออโรร่า" (ในตำนานโรมันโบราณ - เทพธิดาแห่งรุ่งอรุณ เช่นเดียวกับ Eos ในภาษากรีกโบราณ) "White Sonata" - Romain Rolland เรียกมันว่า ภาพของธรรมชาติปรากฏขึ้นที่นี่ด้วยความสง่างามทั้งหมด
ส่วนที่ 1 - ยิ่งใหญ่สอดคล้องกับความคิดของภาพพระอาทิตย์ขึ้น
ส่วนที่ II R. Rolland กำหนดให้เป็น "สภาพของวิญญาณของ Beethoven ท่ามกลางทุ่งอันเงียบสงบ"
ตอนจบเป็นความสุขจากความงามที่ไม่สามารถบรรยายได้ของโลกรอบข้าง
Sonata No. 23, "Appassionata" (f-moll, 1805)
ชื่อ "Appassionata" (หลงใหล) ไม่ได้เป็นของ Beethoven แต่ถูกคิดค้นโดย Kranz ผู้จัดพิมพ์ในฮัมบูร์ก ความโกรธเกรี้ยวของความรู้สึก กระแสความคิดที่โหมกระหน่ำ และความหลงใหลในพลังไททานิคอย่างแท้จริง ถูกรวบรวมไว้ในรูปแบบที่ชัดเจนคลาสสิกและสมบูรณ์แบบ (ความหลงใหลถูกควบคุมโดยเจตจำนงเหล็ก) R. Rolland นิยาม "Appassionata" ว่าเป็น "ลำธารที่ลุกเป็นไฟในหางเสือหินแกรนิต" เมื่อลูกศิษย์ของเบโธเฟน ชินด์เลอร์ ถามครูของเขาเกี่ยวกับเนื้อหาของโซนาต้านี้ เบโธเฟนตอบว่า "อ่านเรื่องพายุของเชคสเปียร์" แต่เบโธเฟนมีการตีความผลงานของเชคสเปียร์เป็นของตัวเอง สำหรับเขาแล้ว การต่อสู้แบบไททานิคของมนุษย์กับธรรมชาติทำให้เกิดสีทางสังคมที่เด่นชัด (การต่อสู้กับการกดขี่ข่มเหงและความรุนแรง)
Appassionata เป็นงานโปรดของ V. Lenin: “ฉันไม่รู้อะไรดีไปกว่า Appassionata ฉันพร้อมที่จะฟังทุกวัน ดนตรีที่น่าทึ่งและไร้มนุษยธรรม ฉันคิดอย่างภาคภูมิใจหรือไร้เดียงสาอยู่เสมอ: นี่คือปาฏิหาริย์ที่ผู้คนสามารถทำได้!
โซนาต้าจบลงอย่างน่าเศร้า แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับความหมายของชีวิต Appassionata กลายเป็น "โศกนาฏกรรมในแง่ดี" ครั้งแรกของเบโธเฟน การปรากฏตัวในรหัสตอนจบของภาพใหม่ (ตอนในจังหวะของการเต้นรำจำนวนมาก) ซึ่งมีความหมายของสัญลักษณ์ใน Beethoven สร้างความแตกต่างอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนของความหวังรีบไปสู่แสงสว่างและความสิ้นหวังที่มืดมน .
ลักษณะเด่นอย่างหนึ่งของ "Appassionata" คือพลวัตที่ไม่ธรรมดา ซึ่งขยายขนาดเป็นสัดส่วนมหึมา การเจริญเติบโตของรูปแบบ sonata allegro เกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนาที่แทรกซึมเข้าไปในทุกส่วนของแบบฟอร์ม รวมทั้ง และการเปิดรับ การพัฒนานั้นเติบโตเป็นขนาดมหึมาและไม่มีซีซูราใด ๆ กลายเป็นการชดใช้ coda กลายเป็นการพัฒนาครั้งที่สองที่ถึงจุดสุดยอดของส่วนทั้งหมด
โซนาตาที่เกิดขึ้นหลังจากเพลงอัปปัสซิโอนาตาเป็นจุดเปลี่ยน เป็นการพลิกโฉมไปสู่รูปแบบใหม่ของบีโธเฟน ซึ่งคาดว่าจะมีผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 ในหลายประการ
4. งานไพเราะของเบโธเฟน
เบโธเฟนเป็นคนแรกที่ทำให้ซิมโฟนีมีจุดมุ่งหมายสาธารณะ ยกระดับเป็นปรัชญา มันอยู่ในซิมโฟนีที่โลกทัศน์ของนักประพันธ์เพลงปฏิวัติ - ประชาธิปไตยเป็นตัวเป็นตนด้วยความลึกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด
เบโธเฟนสร้างโศกนาฏกรรมและละครอันน่าเกรงขามในผลงานไพเราะของเขา ซิมโฟนีของเบโธเฟนที่ส่งถึงมวลมนุษย์จำนวนมาก มีรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ ดังนั้น ส่วน I ของซิมโฟนี "ฮีโร่" จึงมีขนาดเกือบสองเท่าของส่วนที่ 1 ของซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดของโมสาร์ท - "จูปิเตอร์" และขนาดมหึมาของซิมโฟนีที่ 9 โดยทั่วไปแล้วจะเทียบไม่ได้กับงานไพเราะที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้ .
เบโธเฟนไม่ได้เขียนซิมโฟนีเลยจนกระทั่งอายุ 30 ปี งานไพเราะใด ๆ ของเบโธเฟนเป็นผลงานของแรงงานที่ยาวนานที่สุด ดังนั้น "ฮีโร่" จึงถูกสร้างขึ้น 1.5 ปี, ซิมโฟนีที่ห้า - 3 ปี, เก้า - 10 ปี การแสดงซิมโฟนีส่วนใหญ่ (ตั้งแต่ครั้งที่สามถึงครั้งที่เก้า) อยู่ในช่วงที่ความคิดสร้างสรรค์ของเบโธเฟนเพิ่มขึ้นสูงสุด
Symphony I สรุปการค้นหาของช่วงต้น Berlioz กล่าวว่า "นี่ไม่ใช่ Haydn อีกต่อไป แต่ยังไม่ใช่ Beethoven" ในครั้งที่สอง สาม และห้า - ภาพของความกล้าหาญในการปฏิวัติถูกแสดงออกมา ที่สี่, หก, เจ็ดและแปด - โดดเด่นด้วยลักษณะโคลงสั้น ๆ, ประเภท, ลักษณะตลกขบขัน ใน Ninth Symphony เบโธเฟนกลับมาอีกครั้งในธีมการต่อสู้ที่น่าเศร้าและการยืนยันชีวิตในแง่ดี
ซิมโฟนีที่สาม "ฮีโร่" (1804)
การออกดอกของงานของเบโธเฟนอย่างแท้จริงนั้นเกี่ยวข้องกับซิมโฟนีที่สามของเขา (ช่วงแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่) การปรากฏตัวของงานนี้นำหน้าด้วยเหตุการณ์โศกนาฏกรรมในชีวิตของนักแต่งเพลง - การเริ่มมีอาการหูหนวก เมื่อตระหนักว่าไม่มีความหวังสำหรับการฟื้นตัว เขาก็จมดิ่งสู่ความสิ้นหวัง ความคิดเรื่องความตายไม่ได้ทิ้งเขาไป ในปี ค.ศ. 1802 Beethoven ได้เขียนพินัยกรรมถึงพี่น้องของเขาที่รู้จักกันในชื่อ Heiligenstadt
มันเป็นช่วงเวลาที่เลวร้ายสำหรับศิลปินที่ความคิดของซิมโฟนีที่ 3 เกิดขึ้นและจุดเปลี่ยนทางจิตวิญญาณเริ่มต้นขึ้นซึ่งเป็นช่วงเวลาที่มีผลมากที่สุดในชีวิตสร้างสรรค์ของเบโธเฟน
งานนี้สะท้อนถึงความหลงใหลในอุดมคติของเบโธเฟนในอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและนโปเลียน ผู้ซึ่งเป็นตัวเป็นตนในความคิดของเขาว่าเป็นวีรบุรุษพื้นบ้านที่แท้จริง หลังจากจบการแสดงซิมโฟนี เบโธเฟนเรียกมันว่า "บูโอนาปาร์ต" แต่ไม่นานก็มีข่าวมาถึงเวียนนาว่านโปเลียนได้เปลี่ยนการปฏิวัติและประกาศตนเป็นจักรพรรดิ เมื่อรู้เรื่องนี้ เบโธเฟนก็โกรธจัดและอุทานว่า “คนนี้ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน! ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมดด้วยเท้าของเขา ทำตามความทะเยอทะยานของเขาเท่านั้น จะวางตัวเองเหนือสิ่งอื่นใดและกลายเป็นเผด็จการ! ตามคำให้การของผู้เห็นเหตุการณ์ เบโธเฟนไปที่โต๊ะ คว้าหน้าชื่อเรื่อง ฉีกจากบนลงล่างแล้วโยนลงบนพื้น ต่อจากนั้นผู้แต่งได้ตั้งชื่อใหม่ให้ซิมโฟนีว่า "Heroic"
กับซิมโฟนีที่สาม ยุคใหม่เริ่มขึ้นในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนีโลก ความหมายของงานมีดังนี้: ในการต่อสู้ของไททานิคฮีโร่ตาย แต่ความสำเร็จของเขานั้นเป็นอมตะ
ส่วนที่ 1 - Allegro con brio (Es-dur) G.P. - ภาพลักษณ์ของฮีโร่และการต่อสู้
ส่วนที่สอง - การเดินขบวนศพ (c-moll)
ส่วนที่สาม - เชอร์โซ
ตอนที่ IV - Finale - ความรู้สึกของความสนุกสนานพื้นบ้านที่ครอบคลุมทุกอย่าง
ซิมโฟนีที่ห้า c-moll (1808)
ซิมโฟนีนี้สานต่อแนวคิดของการต่อสู้อย่างกล้าหาญของซิมโฟนีที่สาม “ ผ่านความมืด - สู่ความสว่าง” - นี่คือวิธีที่ A. Serov กำหนดแนวคิดนี้ นักแต่งเพลงไม่ได้ตั้งชื่อซิมโฟนีนี้ แต่เนื้อหาเกี่ยวข้องกับคำพูดของเบโธเฟนที่เขาพูดในจดหมายถึงเพื่อน: “ไม่จำเป็นต้องพักผ่อน! ฉันไม่รู้จักการพักผ่อนอื่นใดนอกจากการนอนหลับ... ฉันจะคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ เธอจะไม่สามารถโค้งงอฉันได้เลย” เป็นแนวคิดในการต่อสู้กับโชคชะตาและชะตากรรมที่กำหนดเนื้อหาของซิมโฟนีที่ห้า
หลังจากมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ (Third Symphony) เบโธเฟนสร้างละครที่พูดน้อย หากเปรียบ Third กับ Homer's Iliad แล้ว Fifth Symphony จะถูกนำไปเปรียบเทียบกับโศกนาฏกรรมคลาสสิกและโอเปร่าของ Gluck
ส่วนที่ 4 ของซิมโฟนีถูกมองว่าเป็นโศกนาฏกรรม 4 อย่าง พวกเขาเชื่อมต่อกันด้วยบทเพลงที่งานเริ่มต้นและเบโธเฟนเองก็กล่าวว่า: "ชะตากรรมจึงเคาะที่ประตู" รัดกุมมาก เช่นเดียวกับบทประพันธ์ (4 เสียง) ธีมนี้มีโครงร่างด้วยจังหวะที่เคาะอย่างแหลมคม นี่เป็นสัญลักษณ์ของความชั่วร้ายที่บุกรุกชีวิตบุคคลอย่างน่าสลดใจเป็นอุปสรรคที่ต้องใช้ความพยายามอย่างไม่น่าเชื่อในการเอาชนะ
ในส่วนที่ 1 ธีมของร็อคครอบงำสูงสุด
ในส่วนที่ 2 บางครั้ง "การแตะ" ของเธอก็น่าตกใจ
ในส่วนที่สาม - Allegro - (เบโธเฟนที่นี่ปฏิเสธทั้ง minuet ดั้งเดิมและ scherzo ("เรื่องตลก") เพราะดนตรีที่นี่รบกวนและขัดแย้งกัน) - ฟังดูมีความขมขื่นใหม่
ในตอนจบ (วันหยุด, การเดินขบวนแห่งชัยชนะ) ธีมร็อคดูเหมือนเป็นความทรงจำของเหตุการณ์อันน่าสยดสยองในอดีต ตอนจบคือการละทิ้งความเชื่อที่ยิ่งใหญ่ ถึงจุดไคลแม็กซ์ในการแสดงความปีติยินดีแห่งชัยชนะของมวลชนที่ถูกยึดไว้ด้วยแรงกระตุ้นที่กล้าหาญ
ซิมโฟนีหมายเลข 6, "อภิบาล" (F-dur, 1808)
ธรรมชาติและผสานเข้ากับมัน ความสงบของจิตใจ ภาพชีวิตพื้นบ้าน - นั่นคือเนื้อหาของซิมโฟนีนี้ ในบรรดาเก้าซิมโฟนีของเบโธเฟน ซิมโฟนีที่หกเป็นโปรแกรมซิมโฟนีเพียงรายการเดียว มีชื่อเรื่องร่วมกันและแต่ละส่วนมีชื่อว่า:
ส่วนที่ 1 - "ความสุขเมื่อมาถึงหมู่บ้าน"
ส่วนที่สอง - "ฉากริมลำธาร"
ตอนที่ 3 - "การรวมตัวของชาวบ้านอย่างสนุกสนาน"
ส่วน IV - "พายุฝนฟ้าคะนอง"
ตอนที่ V - "เพลงของคนเลี้ยงแกะ เพลงกตัญญูกตเวทีหลังพายุฝนฟ้าคะนอง
เบโธเฟนพยายามหลีกเลี่ยงความไร้เดียงสาที่เป็นรูปเป็นร่างและเน้นย้ำในคำบรรยายของชื่อ - "แสดงความรู้สึกมากกว่าภาพวาด"
ธรรมชาติทำให้เบโธเฟนคืนดีกับชีวิต ในการรักธรรมชาติของเขา เขาพยายามค้นหาการลืมเลือนจากความเศร้าโศกและความวิตกกังวล แหล่งที่มาของความสุขและแรงบันดาลใจ คนหูหนวกเบโธเฟน โดดเดี่ยวจากผู้คน มักเร่ร่อนอยู่ในป่าในเขตชานเมืองเวียนนา: “ผู้ทรงอำนาจ! ฉันมีความสุขในป่าที่ต้นไม้ทุกต้นพูดถึงคุณ ที่นั่น อย่างสงบสุข ฉันสามารถให้บริการคุณได้”
ซิมโฟนี "อภิบาล" มักถูกมองว่าเป็นผู้บุกเบิกดนตรีแนวโรแมนติก การตีความ "ฟรี" ของวงจรไพเราะ (5 ส่วนในเวลาเดียวกันเนื่องจากสามส่วนสุดท้ายจะดำเนินการโดยไม่หยุดพัก - จากนั้นสามส่วน) รวมถึงประเภทของโปรแกรมที่คาดการณ์การทำงานของ Berlioz, Liszt และ ความโรแมนติกอื่น ๆ
ซิมโฟนีที่เก้า (d-moll, 1824)
ซิมโฟนีที่เก้าเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของวัฒนธรรมดนตรีโลก ที่นี้ เบโธเฟนกลับมาเป็นธีมของการต่อสู้ที่กล้าหาญอีกครั้ง ซึ่งใช้ในระดับสากลและเป็นสากล ในแง่ของความยิ่งใหญ่ของแนวความคิดทางศิลปะ Ninth Symphony เหนือกว่างานทั้งหมดที่สร้างโดย Beethoven ก่อนหน้านั้น ไม่น่าแปลกใจที่ A. Serov เขียนว่า "กิจกรรมที่ยอดเยี่ยมทั้งหมดของนักซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมกำลังเอนเอียงไปทาง" คลื่นที่เก้า "
ความคิดทางจริยธรรมอันสูงส่งของงาน - การดึงดูดมวลมนุษยชาติด้วยการเรียกร้องให้มีมิตรภาพเพื่อความสามัคคีภราดรภาพของคนนับล้าน - เป็นตัวเป็นตนในตอนจบซึ่งเป็นศูนย์ความหมายของซิมโฟนี ที่นี่เป็นที่ที่เบโธเฟนแนะนำคณะนักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยวเป็นครั้งแรก การค้นพบเบโธเฟนนี้ถูกใช้มากกว่าหนึ่งครั้งโดยนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 19-20 (Berlioz, Mahler, Shostakovich) เบโธเฟนใช้ประโยคจาก Schiller's Ode to Joy (แนวคิดเรื่องเสรีภาพ ภราดรภาพ ความสุขของมวลมนุษยชาติ):
คนเป็นพี่น้องกัน!
กอดล้าน!
รวมความสุขเป็นหนึ่งเดียว!
เบโธเฟนต้องการคำพูดเพราะคำปราศรัยที่น่าสมเพชมีพลังอิทธิพลเพิ่มขึ้น
ใน Ninth Symphony มีคุณสมบัติของการเขียนโปรแกรม ในตอนจบ ธีมทั้งหมดของส่วนก่อนหน้าจะถูกทำซ้ำ - เป็นคำอธิบายทางดนตรีเกี่ยวกับแนวคิดของซิมโฟนี ตามด้วยคำพูด
บทละครของวัฏจักรก็น่าสนใจเช่นกัน ตอนแรก สองส่วนที่เร็วด้วยภาพที่น่าทึ่ง จากนั้นส่วนที่สาม - ช้าและสุดท้าย ดังนั้น การพัฒนาที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างต่อเนื่องทั้งหมดจึงเคลื่อนไปสู่ขั้นสุดท้ายอย่างมั่นคง - ผลลัพธ์ของการต่อสู้เพื่อชีวิต ซึ่งได้ให้แง่มุมต่างๆ ไว้ในส่วนก่อนหน้า
ความสำเร็จของการแสดงครั้งแรกของ Ninth Symphony ในปี 1824 นั้นได้รับชัยชนะ เบโธเฟนได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือห้าครั้งในขณะที่แม้แต่ราชวงศ์ตามมารยาทก็ควรได้รับการต้อนรับเพียงสามครั้งเท่านั้น คนหูหนวกเบโธเฟนไม่ได้ยินเสียงปรบมืออีกต่อไป เฉพาะเมื่อเขาหันหน้าเข้าหาผู้ฟังเท่านั้น เขาก็สามารถเห็นความปีติที่ดึงดูดผู้ฟังได้
แต่ด้วยทั้งหมดนี้ การแสดงครั้งที่สองของซิมโฟนีจึงเกิดขึ้นในอีกไม่กี่วันต่อมาในห้องโถงที่ว่างเปล่าครึ่งหนึ่ง
ทาบทาม
โดยรวมแล้ว Beethoven มี 11 บท เกือบทั้งหมดเกิดขึ้นเป็นบทนำของโอเปร่า บัลเลต์ ละครเวที หากก่อนหน้านี้ จุดประสงค์ของการทาบทามคือเพื่อเตรียมพร้อมสำหรับการรับรู้ถึงการแสดงละครและละคร ดังนั้นทาบทามกับเบโธเฟนจึงพัฒนาเป็นงานอิสระ กับเบโธเฟน การทาบทามจะหยุดเพื่อเป็นการแนะนำให้รู้จักกับการกระทำที่ตามมาและเปลี่ยนเป็นประเภทอิสระภายใต้กฎหมายการพัฒนาภายในของตัวเอง
การทาบทามที่ดีที่สุดของเบโธเฟนคือ Coriolanus, Leonore No. 2, Egmont ทาบทาม "Egmont" - ตามโศกนาฏกรรมของเกอเธ่ หัวข้อคือการต่อสู้ของชาวดัตช์กับทาสชาวสเปนในศตวรรษที่ 16 ฮีโร่เอ็กมอนต์ ต่อสู้เพื่ออิสรภาพ พินาศ ในทาบทาม อีกครั้ง การพัฒนาทั้งหมดเคลื่อนจากความมืดสู่ความสว่าง จากความทุกข์ไปสู่ความยินดี (ดังในซิมโฟนีที่ห้าและเก้า)
บรรณานุกรม
สไตล์ปลายของ Adorno T. Beethoven // MF พ.ศ. 2531 ครั้งที่ 6
อัลชวัง เอ. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ม., 1977.
Bryantseva V. Jean Philippe Rameau และโรงละครดนตรีฝรั่งเศส ม., 1981.
วีเอ โมสาร์ท. ครบรอบ 200 ปี มรณภาพ : ศิล ผู้เขียนที่แตกต่างกัน // SM 1991 หมายเลข 12
Ginzburg L. , Grigoriev V. ประวัติศิลปะไวโอลิน ปัญหา. 1. ม., 1990.
โกเซ็นพุด เอ.เอ. พจนานุกรมโอเปร่าโดยย่อ เคียฟ, 1986.
Gruber R. I. ประวัติทั่วไปของดนตรี ตอนที่ 1 ม., 1960.
Gurevich E. L. ประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ: การบรรยายยอดนิยม: สำหรับนักเรียน. สูงกว่า และค่าเฉลี่ย เท้า. หนังสือเรียน สถานประกอบการ ม., 2000.
Druskin M. S. I. S. Bach. ม. "ดนตรี", 2525
ประวัติดนตรีต่างประเทศ ปัญหา. 1. จนถึงกลางศตวรรษที่สิบแปด / คอมพ์. Rosenshild K. K. M. , 1978.
ประวัติดนตรีต่างประเทศ ปัญหา. 2. ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 / คอมพ์. เลวิก บี.วี. ม., 1987.
ประวัติดนตรีต่างประเทศ ปัญหา. 3. เยอรมนี ออสเตรีย อิตาลี ฝรั่งเศส โปแลนด์ ตั้งแต่ 1789 ถึงกลางศตวรรษที่ XIX / Comp. โคเน็น วี.ดี. ม., 1989.
ประวัติดนตรีต่างประเทศ ปัญหา. 6 / เอ็ด. Smirnova V. V. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1999
Kabanova I. Guido d'Arezzo // หนังสือประจำปีของวันและเหตุการณ์ทางดนตรีที่น่าจดจำ ม., 1990.
โคเน็น วี. มอนเตแวร์ดี. - ม., 1971.
Levik B. ประวัติดนตรีต่างประเทศ: ตำราเรียน. ปัญหา. 2. ม.: ดนตรี, 1980.
Livanova T. ดนตรียุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ 17 - 18 ในงานศิลปะจำนวนหนึ่ง ม. "ดนตรี", 2520
Livanova T. I. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789: ตำราเรียน ใน 2 เล่ม ต. 1 โดยศตวรรษที่ 18. ม., 1983.
Lobanova M. Western European Musical Baroque: ปัญหาของสุนทรียศาสตร์และกวีนิพนธ์. ม., 1994.
Marchesi G. โอเปร่า. แนะนำ. ตั้งแต่กำเนิดมาจนถึงปัจจุบัน ม., 1990.
Martynov VF วัฒนธรรมศิลปะโลก: Proc. เบี้ยเลี้ยง. - ครั้งที่ 3 - มินสค์: TetraSystems, 2000.
Mathieu M.E. ประวัติศาสตร์ศิลปะตะวันออกโบราณ ใน 2 เล่ม ต. 1 - ล., 2484.
Milshtein J. Well-Tempered Clavier โดย J.S. Bach และคุณสมบัติของประสิทธิภาพ ม. "ดนตรี", 2510
สุนทรียภาพทางดนตรีของประเทศตะวันออก / สามัญ เอ็ด วี.พี. เชสตาโคว่า. - L.: ดนตรี, 1967.
Morozov S.A. Bakh. - ครั้งที่ 2 - ม.: โมล. Guard, 1984. - (ชีวิตของคนที่โดดเด่น Ser. biogr. ฉบับที่ 5).
โนวัค แอล. โจเซฟ ไฮเดน. ม., 1973.
Opera librettos: สรุปเนื้อหาของโอเปร่า ม., 2000.
จาก Lully จนถึงปัจจุบัน : ส. บทความ /คอมพ์ บี.เจ.โคเน็น. ม., 1967.
โรลแลนด์ อาร์. ฮันเดล. ม., 1984.
Rolland R. Gretry // Rolland R. มรดกทางดนตรีและประวัติศาสตร์ ปัญหา. 3. ม., 1988.
Rytsarev S.A. เค.วี. ความผิดพลาด ม., 1987.
Smirnov M. โลกแห่งอารมณ์ของดนตรี ม., 1990.
ภาพเหมือนที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง คู่มือยอดนิยม ม., 1990.
เวสแทรป เจ. เพอร์เซลล์ ล., 1980.
Filimonova S.V. ประวัติศาสตร์ศิลปะวัฒนธรรมโลก: หนังสือเรียนสำหรับนักเรียนระดับมัธยมศึกษาและมหาวิทยาลัย Ch. 1-4. โมซีร์, 1997, 1998.
Forkel IN เกี่ยวกับชีวิต ศิลปะ และผลงานของ Johann Sebastian Bach ม. "ดนตรี", 2517
Hammerschlag J. ถ้า Bach เก็บไดอารี่ไว้ บูดาเปสต์, คอร์วินา, 1965.
Khubov G.N. Sebastian Bach. เอ็ด 4. ม., 2506.
ชไวเซอร์ เอ. โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค ม., 2509.
Eskina N. Baroque // MF. 2534 ครั้งที่ 1, 2
http://www.musarticles.ru
Bagatelle (ภาษาฝรั่งเศส - "trinket") เป็นเพลงชิ้นเล็กๆ ที่เล่นไม่ยาก โดยเฉพาะสำหรับเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด ชื่อนี้ถูกใช้ครั้งแรกโดย Couperin Beethoven, Liszt, Sibelius, Dvorak เขียนขนมปัง
มีทั้งหมด 4 ภาพทาบทามของ Leonora พวกเขาเขียนบทละคร 4 เวอร์ชันให้กับโอเปร่า Fidelio
ถึง นักแต่งเพลงของ Vienna Classical School
เมื่อวันนี้พวกเขาพูดถึงความคลาสสิกในศิลปะดนตรี ส่วนใหญ่หมายถึงงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 18 - J. Haydn, W.A. Mozart และ L. van Beethoven ที่เราเรียกว่า เวียนนาคลาสสิกหรือตัวแทน โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา. ทิศทางใหม่ของดนตรีได้กลายเป็นหนึ่งในการมีผลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรี
วัฒนธรรมดนตรีแห่งชาติของออสเตรียในสมัยนั้นกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่ยอดเยี่ยมสำหรับการสร้างชั้นศิลปะดนตรีที่สอดคล้องกับแนวคิดและอารมณ์ใหม่ นักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวเวียนนาไม่เพียงแต่สามารถสรุปสิ่งที่ดีที่สุดที่ดนตรียุโรปได้รับเท่านั้น แต่ยังรวมเอาอุดมคติทางสุนทรียะแห่งการตรัสรู้ในดนตรีไว้ด้วย เพื่อสร้างการค้นพบที่สร้างสรรค์ของตนเอง ความสำเร็จสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีในเวลานั้นคือการก่อตัวของแนวดนตรีคลาสสิกและหลักการของซิมโฟนีในผลงานของ J. Haydn, W. A. Mozart และ L. van Beethoven
ไฮเดน คลาสสิก ซิมโฟนี
ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีโลก โจเซฟ ไฮเดน(1732-1809) เข้ามาในฐานะผู้สร้างซิมโฟนีคลาสสิก เขายังมีคุณธรรมในการสร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงและบรรเลงเพลงซิมโฟนีออร์เคสตราที่มั่นคง
มรดกสร้างสรรค์ของ Haydn น่าทึ่งมาก! เขาเป็นผู้แต่ง 104 ซิมโฟนี, 83 เครื่องสาย 83, 52 clavier sonatas, 24 โอเปร่า... นอกจากนี้ เขายังสร้างฝูง 14 และ oratorios หลาย. ในทุก ๆ เรื่องที่เขียนโดยนักประพันธ์เพลงชาวออสเตรียที่มีชื่อเสียง เราสามารถสัมผัสได้ถึงพรสวรรค์และทักษะอันยอดเยี่ยมที่ไม่มีใครเทียบได้ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Mozart เพื่อนร่วมชาติที่มีชื่อเสียงและเพื่อนของเขากล่าวด้วยความชื่นชม:
“ไม่มีใครสามารถทำทุกอย่างได้ ทั้งเรื่องตลกและทำให้ตกใจ ทำให้มีเสียงหัวเราะและสัมผัสได้ลึกซึ้ง และทุกอย่างก็ดีไม่แพ้กันอย่างที่ไฮเดนสามารถทำได้”
งานของ Haydn ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงได้รับชื่อเสียงในยุโรปและได้รับการชื่นชมจากผู้ร่วมสมัยของเขาอย่างเหมาะสม ดนตรีของ Haydn คือ "ดนตรีแห่งความสุขและความบันเทิง" ซึ่งเต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดีและพลังงานที่กระฉับกระเฉง แสงและธรรมชาติ ไพเราะและประณีต จินตนาการในการเขียนของ Haydn ดูเหมือนจะไร้ขอบเขต ดนตรีของเขาเต็มไปด้วยความเปรียบต่าง การหยุดชะงัก และเรื่องเซอร์ไพรส์ที่คาดไม่ถึง ดังนั้นในซิมโฟนีที่ 94 (1791) ในช่วงกลางของส่วนที่สองเมื่อเพลงฟังดูสงบและเงียบเสียงกลองอันทรงพลังก็ได้ยินเพียงเพื่อให้ผู้ชม "ไม่เบื่อ" ...
การแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือจุดสูงสุดที่แท้จริงของงานของเขา รูปแบบดนตรีของซิมโฟนีไม่ได้เป็นรูปเป็นร่างในทันที ในขั้นต้น จำนวนชิ้นส่วนต่างกัน และมีเพียง Haydn เท่านั้นที่สามารถสร้างประเภทคลาสสิกของตนได้เป็นสี่ส่วน ซึ่งแต่ละส่วนมีความแตกต่างกันในธรรมชาติของเสียงเพลง จังหวะ และวิธีการพัฒนาธีม ในเวลาเดียวกัน สี่ส่วนที่ตัดกันของซิมโฟนีเสริมซึ่งกันและกัน
ส่วนแรกของซิมโฟนี (กรีกซิมโฟเนีย - พยัญชนะ) มักจะดำเนินการอย่างรวดเร็วและใจร้อน มีความกระฉับกระเฉงและน่าทึ่ง ซึ่งมักจะสื่อถึงความขัดแย้งหลักของภาพสองรูปแบบ ในรูปแบบทั่วๆ ไป ถ่ายทอดบรรยากาศชีวิตของตัวเอก ประการที่สอง - ช้าโคลงสั้น ๆ แรงบันดาลใจจากการไตร่ตรองภาพที่สวยงามของธรรมชาติ - แทรกซึมเข้าไปในโลกภายในของฮีโร่ มันสามารถทำให้เกิดการสะท้อนในจิตวิญญาณ ความฝันอันแสนหวาน และความฝันของความทรงจำ ในตอนที่สามซึ่งบอกเกี่ยวกับชั่วโมงแห่งการพักผ่อนและส่วนที่เหลือของฮีโร่การสื่อสารของเขากับผู้คนดนตรีสดเสียงมือถือดังขึ้นในขั้นต้นขึ้นไปตามจังหวะของ minuet - การเต้นรำในร้านเสริมสวยอันเงียบสงบของศตวรรษที่ 18 ต่อมา - ถึง scherzo - เพลงเต้นรำที่ร่าเริง - ภาษาของธรรมชาติที่ขี้เล่น ส่วนที่สี่อย่างรวดเร็วสรุปความคิดของฮีโร่ในลักษณะแปลก ๆ โดยเน้นสิ่งสำคัญในการทำความเข้าใจความหมายของชีวิตมนุษย์ ในรูปแบบ มันคล้ายกับ rondo โดยมีการสลับธีมที่ไม่เปลี่ยนแปลง - การละเว้น (คอรัส) และตอนที่มีการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง
ลักษณะทั่วไปของดนตรีซิมโฟนีของ Haydn แสดงออกโดยนักเขียนชาวเยอรมัน E. T. A. Hoffmann (1776-1822):
“ในงานเขียนของ Haydn การแสดงออกของจิตวิญญาณที่ร่าเริงแบบเด็กๆ ครอบงำ; การแสดงซิมโฟนีของเขานำเราไปสู่ป่าสีเขียวที่ไร้ขอบเขต ไปสู่ฝูงชนที่ร่าเริงร่าเริงของผู้คนที่มีความสุข ต่อหน้าเรา ชายหนุ่มและหญิงสาวจะเร่งรีบในการเต้นรำประสานเสียง เด็กหัวเราะซ่อนตัวอยู่หลังต้นไม้ หลังพุ่มกุหลาบ ขว้างดอกไม้อย่างสนุกสนาน ชีวิตที่เปี่ยมด้วยความรัก เปี่ยมด้วยความสุข และความเยาว์วัยนิรันดร์เหมือนก่อนการล่มสลาย ไม่มีทุกข์ไม่มีทุกข์ - เป็นเพียงความปราถนาอย่างอ่อนหวานเพื่อภาพอันเป็นที่รักที่พเนจรไปไกลในราตรีสีชมพูระยิบระยับ ไม่เข้าใกล้หรือดับไป และในขณะที่เขาอยู่ที่นั่น กลางคืนก็ไม่มา เพราะตัวเขาเองคือรุ่งอรุณในยามเย็น แผดเผาเหนือภูเขาและเหนือป่าละเมาะ
ในดนตรีไพเราะ Haydn มักใช้เทคนิคการสร้างคำเลียนเสียงธรรมชาติ เช่น การร้องเพลงของนก เสียงพึมพำของลำธาร เขาให้ภาพร่างของพระอาทิตย์ขึ้นที่มองเห็นได้ "ภาพเหมือน" ของสัตว์ต่างๆ เพลงของนักแต่งเพลงได้ซึมซับสโลวัก, เช็ก, โครเอเชีย, ยูเครน, ทีโรเลียน, ฮังการี, ท่วงทำนองและจังหวะยิปซี ดนตรีของ Haydn ไม่มีอะไรฟุ่มเฟือยและบังเอิญ มันดึงดูดผู้ฟังด้วยความสง่างาม ความเบา และความสง่างามของมัน
ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต Haydn ได้สร้างผลงานดนตรีที่สำคัญที่สุดของเขา ในสิบสอง "ลอนดอนซิมโฟนี" เขียนในปี 1790 ประทับใจโดยรถไฟ-doc ไปลอนดอน ปรัชญาชีวิตและโลกทัศน์ของผู้แต่งพบการแสดงออก ภายใต้อิทธิพลของดนตรีของฮันเดล เขาได้สร้างคำปราศรัยอันสง่างามสองอย่าง - " การสร้างโลก”(1798) และ "ฤดูกาล"(1801) ซึ่งเพิ่มชื่อเสียงของนักแต่งเพลงที่มีเสียงดังอยู่แล้ว
Haydn ใช้เวลาหลายปีสุดท้ายของชีวิตอย่างสันโดษในบ้านหลังเล็ก ๆ ในเขตชานเมืองเวียนนา เขาแทบไม่เขียนอะไรเลย บ่อยครั้งที่เขาดื่มด่ำกับความทรงจำในชีวิตของเขา เต็มไปด้วยภารกิจที่กล้าหาญและการค้นหาเชิงทดลอง
โลกดนตรีของโมสาร์ท
เส้นทาง โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท(ค.ศ. 1756-1791) ดนตรีเริ่มฉายแววสดใส ตั้งแต่อายุยังน้อยชื่อของเขากลายเป็นตำนาน เมื่ออายุได้ 4 ขวบ เขาใช้เวลาครึ่งชั่วโมงในการเรียนรู้มินูเอตและเล่นทันที เมื่ออายุได้หกขวบ เขาพร้อมด้วยลีโอโพลด์ โมสาร์ท บิดาของเขา นักดนตรีที่มีพรสวรรค์ในโบสถ์น้อยของอาร์ชบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก ได้ไปเที่ยวยุโรปพร้อมคอนเสิร์ต เขาแต่งโอเปร่าครั้งแรกเมื่ออายุสิบเอ็ดปี และเมื่ออายุได้สิบสี่ปีเขาได้เปิดการแสดงโอเปร่าของเขาเองที่โรงละครในมิลาน ในปีเดียวกันนั้นเขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการด้านดนตรีแห่งโบโลญญากิตติมศักดิ์
อย่างไรก็ตาม ชีวิตต่อไปของนักแต่งเพลงที่มีความสามารถนั้นไม่ใช่เรื่องง่าย ตำแหน่งของนักดนตรีในศาลไม่ต่างจากตำแหน่งทหารราบที่ทำหน้าที่ตามอำเภอใจของอาจารย์มากนัก นี่ไม่ใช่ธรรมชาติของโมสาร์ท ชายผู้รักอิสระและแน่วแน่ ผู้ซึ่งเห็นคุณค่าของเกียรติและศักดิ์ศรีมากที่สุดในชีวิตของเขา หลังจากผ่านการทดสอบชีวิตหลายครั้ง เขาไม่ได้เปลี่ยนมุมมองและความเชื่อในสิ่งใดๆ
โมสาร์ทเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีในฐานะนักประพันธ์เพลงไพเราะยอดเยี่ยม ผู้สร้างประเภทคอนแชร์โตคลาสสิก ผู้แต่งเรเควียมและโอเปร่า 20 เรื่อง รวมถึงโอเปร่า 20 เรื่อง ซึ่งในจำนวนนั้น Le nozze di Figaro, Don Juan และ The Magic Flute โดยเน้นย้ำถึงความสำคัญของมรดกสร้างสรรค์ของเขา ฉันต้องการพูดซ้ำกับ A. S. Pushkin:
“คุณ โมสาร์ท คือพระเจ้า และตัวคุณเอง
คุณไม่รู้..."
ในศิลปะการแสดงโอเปร่า โมสาร์ทได้จุดประกายเส้นทางของตัวเอง แตกต่างจากรุ่นก่อนและร่วมสมัยที่โด่งดังของเขา ไม่ค่อยได้ใช้วิชาที่เป็นตำนาน เขาหันไปหาแหล่งวรรณกรรมเป็นหลัก: ตำนานยุคกลางและบทละครของนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียง โมสาร์ทเป็นคนแรกที่ผสมผสานละครและการ์ตูนในโอเปร่า ในงานโอเปร่าของเขาไม่มีการแบ่งตัวละครที่ชัดเจนออกเป็นด้านบวกและด้านลบ ตัวละครในตอนนี้แล้วเข้าสู่สถานการณ์ชีวิตที่หลากหลายซึ่งสาระสำคัญของตัวละครของพวกเขาแสดงออก
โมสาร์ทให้ความสำคัญกับดนตรีเป็นหลัก และไม่ได้เน้นย้ำถึงบทบาทของคำที่ออกเสียง หลักการสร้างสรรค์ของเขาคือคำพูดของเขาเองว่า "บทกวีควรเป็นลูกสาวที่เชื่อฟังดนตรี" ในโอเปร่าของ Mozart บทบาทของวงออเคสตราเพิ่มขึ้นด้วยความช่วยเหลือที่ผู้เขียนสามารถแสดงทัศนคติต่อตัวละครได้ บ่อยครั้งเขาแสดงความเห็นอกเห็นใจต่อตัวละครเชิงลบ และเขาไม่รังเกียจที่จะหัวเราะอย่างเต็มที่กับตัวละครในแง่บวก
"การแต่งงานของฟิกาโร"(1786) อิงจากบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส Beaumarchais (1732-1799) Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro โมสาร์ทเสี่ยงครั้งใหญ่โดยเลือกแสดงละครที่มีการเซ็นเซอร์ ผลที่ได้คือการแสดงโอเปร่าที่สนุกสนานในสไตล์ของโอเปร่าหนังตลกของอิตาลี เสียงเพลงเบา ๆ ที่มีพลังในงานนี้ทำให้ผู้ฟังคิดเกี่ยวกับชีวิตอย่างจริงจัง หนึ่งในผู้เขียนชีวประวัติคนแรกของนักแต่งเพลงตั้งข้อสังเกตอย่างแม่นยำมาก:
“โมสาร์ทผสมผสานการ์ตูนและโคลงสั้น ๆ เข้าด้วยกัน ทั้งด้านต่ำและสูง ความตลกและน่าประทับใจ และสร้างผลงานที่ไม่เคยมีมาก่อนในความแปลกใหม่ - "การแต่งงานของฟิกาโร"
ช่างตัดผม Figaro ชายที่ไม่มีครอบครัวหรือชนเผ่าที่มีไหวพริบและเฉลียวฉลาดเอาชนะ Count Al-maviva ที่มีชื่อเสียงซึ่งไม่ชอบที่จะตีคนธรรมดาสำหรับเจ้าสาว แต่ฟิกาโรเข้าใจศีลธรรมของสังคมชั้นสูงเป็นอย่างดี ดังนั้นเขาจึงไม่อาจหลงกลด้วยกิริยาที่ประณีตและใยแมงมุมทางวาจา เขาต่อสู้เพื่อความสุขของเขาจนถึงที่สุด
ที่โรงอุปรากร “ดอนฮวน”(1787) โศกนาฏกรรมและการ์ตูน ทั้งเรื่องอัศจรรย์และของจริง มีความเชื่อมโยงกันอย่างแน่นแฟ้นไม่น้อย โมสาร์ทเองได้ให้คำบรรยายว่า "Merry Drama" ควรเน้นว่าธีมของ Don Juanism ไม่ใช่เรื่องใหม่ในดนตรี แต่ Mozart พบวิธีการพิเศษในการเปิดเผย หากก่อนหน้านี้นักประพันธ์เพลงมุ่งความสนใจไปที่การผจญภัยที่กล้าหาญและการผจญภัยของความรักของดอน ฮวน ตอนนี้ผู้ชมก็พบกับชายที่มีเสน่ห์ซึ่งเต็มไปด้วยความกล้าหาญ ขุนนาง และความกล้าหาญ ด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างยิ่ง โมสาร์ทยังตอบสนองต่อการเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของผู้หญิงที่ดอนฮวนขุ่นเคืองซึ่งกลายเป็นเหยื่อของความรักของเขา เพลงที่จริงจังและน่าเกรงขามของผู้บัญชาการถูกแทนที่ด้วยท่วงทำนองที่ร่าเริงและซุกซนของ Leporello ที่ฉลาดแกมโกง คนรับใช้ของดอนฮวน
“ดนตรีของโอเปร่าเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว ความเฉลียวฉลาด ไดนามิกผิดปกติและละเอียดอ่อน เมโลดี้ครองตำแหน่งงานนี้ - ยืดหยุ่น แสดงออก มีเสน่ห์ในความสดชื่นและความงาม ดนตรีประกอบด้วยตระการตาที่ออกแบบมาอย่างเชี่ยวชาญ อาเรียส อันยอดเยี่ยม เปิดโอกาสให้นักร้องได้เปิดเผยความสมบูรณ์ของเสียงมากที่สุด เพื่อแสดงเทคนิคการร้องระดับสูง” (B. Kremnev)
เทพนิยายโอเปร่า "ขลุ่ยวิเศษ"(1791) - งานโปรดของ Mozart "เพลงหงส์" ของเขา - กลายเป็นบทส่งท้ายถึงชีวิตของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ (จัดแสดงในเวียนนาเมื่อสองเดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิต) ในรูปแบบที่ง่ายและน่าสนใจ Mozart ได้รวมเอาธีมของชัยชนะที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของการเริ่มต้นชีวิตที่สดใสและสมเหตุสมผลเหนือพลังแห่งการทำลายล้างและความชั่วร้าย พ่อมด Sarastro และผู้ช่วยที่ซื่อสัตย์ของเขาหลังจากเอาชนะการทดลองที่โหดร้ายมากมาย ยังคงสร้างโลกแห่งปัญญา ธรรมชาติ และเหตุผล การแก้แค้น ความอาฆาตพยาบาท และการหลอกลวงของราชินีแห่งราตรีกลับกลายเป็นว่าไร้อำนาจก่อนมนต์สะกดแห่งความรักที่พิชิตได้ทั้งหมด
โอเปร่าประสบความสำเร็จดังก้อง มันฟังท่วงทำนองของเกมในเทพนิยาย ละครมายากล บูธแสดงสินค้าพื้นบ้าน และการแสดงหุ่นกระบอก
ในดนตรีไพเราะ โมสาร์ทมีความสูงไม่น้อย ซิมโฟนีสามชุดสุดท้ายของ Mozart ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ: ใน E-flat major (1788) ใน G minor (1789) และใน C major หรือ "Jupiter" (1789) พวกเขาฟังคำสารภาพเชิงโคลงสั้น ๆ ของนักแต่งเพลงความเข้าใจเชิงปรัชญาของเขาเกี่ยวกับเส้นทางชีวิตที่เขาเดินทาง
Mozart ได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้สร้างสรรค์แนวคอนแชร์โต้คลาสสิกสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ในจำนวนนี้มีคอนแชร์โต 27 รายการสำหรับเปียโนและออเคสตรา 7 รายการสำหรับไวโอลินและออร์เคสตรา 19 โซนาต้าสำหรับเปียโน ซึ่งทำงานในแนวแฟนตาซีที่อิงจากการด้นสดฟรี ตั้งแต่อายุยังน้อย เล่นเกือบทุกวัน เขาได้พัฒนารูปแบบการแสดงที่เป็นอัจฉริยะ ทุกครั้งที่เขาเสนอการประพันธ์เพลงใหม่ๆ ให้ผู้ฟัง ทำให้พวกเขาประทับใจด้วยจินตนาการที่สร้างสรรค์และพลังแห่งแรงบันดาลใจที่ไม่มีวันหมด หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของ Mozart ในประเภทนี้ - "คอนเสิร์ตสำหรับเปียโนและวงออเคสตราในดีไมเนอร์" (1786).
ผลงานของโมสาร์ทยังแสดงด้วยผลงานเพลงศักดิ์สิทธิ์ที่โดดเด่น เช่น มวลชน, แคนตาตา, ออราโทริโอ จุดสุดยอดของดนตรีจิตวิญญาณของเขาคือ "บังสุกุล"(1791) เป็นงานที่ยิ่งใหญ่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยว และวงดุริยางค์ซิมโฟนี บทเพลงแห่งบังสุกุลเป็นโศกนาฏกรรมอย่างสุดซึ้ง เต็มไปด้วยความโศกเศร้าอันสูงส่งและยับยั้งชั่งใจ ต้นแบบของงานคือชะตากรรมของบุคคลที่ได้รับความทุกข์ทรมานซึ่งต้องเผชิญกับการพิพากษาอันโหดร้ายของพระเจ้า ในคอรัสที่สองของ "Dies irae" ("Day of Wrath") ที่มีพลังอันน่าทึ่ง เขาได้เปิดเผยฉากแห่งความตายและการทำลายล้าง ตรงกันข้ามกับคำวิงวอนที่โศกเศร้าและการคร่ำครวญที่ซาบซึ้ง สุดยอดโคลงสั้น ๆ ของบังสุกุลคือ Lacrimosa (Lacrimosa - This Tearful Day) ดนตรีที่เต็มไปด้วยความตื่นเต้นและความเศร้าที่รู้แจ้ง ความงดงามของท่วงทำนองนี้ทำให้เป็นที่รู้จักและโด่งดังอยู่ตลอดเวลา
โมสาร์ทที่ป่วยหนักไม่มีเวลาทำงานนี้ให้เสร็จ ตามแบบร่างของผู้แต่ง มันสรุปโดยนักเรียนคนหนึ่งของเขา
"เพลงที่จุดไฟจากใจมนุษย์" ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ในฤดูใบไม้ผลิปี 2330 วัยรุ่นคนหนึ่งสวมชุดนักดนตรีในราชสำนักมาเคาะประตูบ้านเล็กๆ น้อยๆ ที่ยากจนในเขตชานเมืองเวียนนา ที่ซึ่งโมสาร์ทผู้โด่งดังอาศัยอยู่ เขาขอให้ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ฟังการแสดงด้นสดของเขาในหัวข้อที่กำหนดอย่างสุภาพ Mozart หมกมุ่นอยู่กับงานโอเปร่า Don Juan นำเสนอโพลีโฟนิกสองบรรทัดแก่แขกรับเชิญ เด็กชายไม่ได้เสียหัวและทำงานได้อย่างยอดเยี่ยมโดยโดดเด่นนักแต่งเพลงชื่อดังด้วยความสามารถพิเศษของเขา โมสาร์ทพูดกับเพื่อนของเขาที่อยู่ที่นี่: “ให้ความสนใจกับชายหนุ่มคนนี้ เวลาจะมาถึง คนทั้งโลกจะพูดถึงเขา” ถ้อยคำเหล่านี้กลายเป็นคำทำนาย เพลงของนักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน(1770-1827) วันนี้ทั้งโลกรู้จริงๆ
เส้นทางดนตรีของเบโธเฟนเป็นเส้นทางจากความคลาสสิกไปสู่รูปแบบใหม่ ความโรแมนติก เส้นทางของการทดลองที่กล้าหาญ และการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ มรดกทางดนตรีของเบโธเฟนมีขนาดใหญ่และมีความหลากหลายอย่างน่าประหลาดใจ: ซิมโฟนี 9 ตัว, โซนาตา 32 ตัวสำหรับเปียโนฟอร์เต, 10 ตัวสำหรับไวโอลิน, บททาบทามจำนวนหนึ่ง รวมถึงละคร Egmont ของ J. W. Goethe, เครื่องสาย 16 ตัว, คอนแชร์โต 5 รายการสำหรับเปียโนและออเคสตรา, พิธีมิสซา cantatas, โอเปร่า Fidelio, ความรัก, การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน (มีประมาณ 160 เพลงรวมถึงเพลงรัสเซีย) เป็นต้น
เบโธเฟนมาถึงจุดสูงสุดในดนตรีไพเราะ ผลักดันขอบเขตของรูปแบบโซนาต้า-ซิมโฟนิก เพลงแห่งความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์การยืนยันชัยชนะของแสงและเหตุผลได้กลายเป็น ซิมโฟนี "ฮีโร่" ที่สาม(1802-1804). การสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่นี้ เกินกว่าซิมโฟนีที่รู้จักกันจนถึงเวลานั้นในระดับของมัน จำนวนของธีมและตอน สะท้อนถึงยุคอันวุ่นวายของการปฏิวัติฝรั่งเศส ในขั้นต้น เบโธเฟนต้องการอุทิศงานนี้ให้กับนโปเลียน โบนาปาร์ต ไอดอลของเขา แต่เมื่อ "นายพลแห่งการปฏิวัติ" ประกาศตนเป็นจักรพรรดิ เห็นได้ชัดว่าเขาถูกขับเคลื่อนด้วยความกระหายในอำนาจและรัศมีภาพ Beethoven ขีดฆ่าการอุทิศตนจากหน้าชื่อเรื่องโดยเขียนคำเดียวว่า "Heroic"
ซิมโฟนีอยู่ในสี่การเคลื่อนไหว ในเพลงแรก เสียงเพลงสวรรค์เร็ว สื่อถึงจิตวิญญาณของการต่อสู้อย่างกล้าหาญ ความปรารถนาในชัยชนะ ในส่วนที่ 2 อย่างช้าๆ จะได้ยินเสียงเดินขบวนศพ เต็มไปด้วยความเศร้าโศกอย่างสูงส่ง เป็นครั้งแรกที่เสียงเตือนของการเคลื่อนไหวครั้งที่สามถูกแทนที่ด้วย scherzo ที่รวดเร็วที่เรียกร้องชีวิต แสงสว่าง และความสุข ส่วนสุดท้าย ส่วนที่สี่นั้นเต็มไปด้วยความหลากหลายทางละครและเชิงโคลงสั้น ๆ ผู้ชมยอมรับซิมโฟนี "ฮีโร่" ของเบโธเฟนมากกว่าการยับยั้งชั่งใจ: งานนี้ดูยาวเกินไปและยากที่จะรับรู้
ซิมโฟนี "อภิบาล" ครั้งที่หก(1808) เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของเพลงพื้นบ้านและเพลงเต้นรำที่ร่าเริง มีชื่อว่า "ความทรงจำแห่งชีวิตในชนบท" เชลโลเดี่ยวสร้างภาพเสียงพึมพำของลำธารซึ่งได้ยินเสียงนก: นกไนติงเกล, นกกระทา, นกกาเหว่า, การเต้นของนักเต้นในเพลงหมู่บ้านที่ร่าเริง แต่เสียงฟ้าร้องกระหึ่มทำให้งานเฉลิมฉลองหยุดชะงัก รูปภาพของพายุและพายุฝนฟ้าคะนองที่ทำให้จินตนาการของผู้ฟังแตกตื่น
“พายุฝนฟ้าคะนอง พายุ ... ฟังเสียงลมที่พัดมาฝนเพื่อเสียงเบสทื่อ ๆ ไปจนถึงเสียงหวีดแหลมของขลุ่ยเล็ก ๆ ... พายุเฮอริเคนเข้าใกล้เติบโต ... จากนั้นทรอมโบนก็เข้ามาเสียงฟ้าร้องของทิมปานีเพิ่มเป็นสองเท่าไม่มีฝนอีกต่อไปไม่ใช่ลม แต่เป็น น้ำท่วมสาหัส” (G. L. Berlioz) รูปภาพของสภาพอากาศเลวร้ายถูกแทนที่ด้วยท่วงทำนองที่สดใสและสนุกสนานของแตรและขลุ่ยของคนเลี้ยงแกะ
สุดยอดงานไพเราะของเบโธเฟนคือ "ซิมโฟนีที่เก้า"(1822-1824). รูปภาพของพายุทางโลก, ความสูญเสียที่น่าเศร้า, ภาพที่เงียบสงบของธรรมชาติและชีวิตในชนบทกลายเป็นบทนำของตอนจบที่ไม่ธรรมดาซึ่งเขียนถึงบทกวีของกวีชาวเยอรมัน I.F. Schiller (1759-1805):
พลังของคุณผูกมัดศักดิ์สิทธิ์
ทุกสิ่งที่มีชีวิตอยู่ในโลก:
ทุกคนเห็นพี่ในทุกคน
ที่ที่เที่ยวบินของคุณพัด...
กอดล้าน!
ผสานจูบเบา ๆ !
เป็นครั้งแรกในดนตรีไพเราะที่เสียงของวงออเคสตรากับเสียงประสานเสียงประสานเป็นหนึ่งเดียว ประกาศเพลงสรรเสริญความดี ความจริง และความงาม เรียกความเป็นพี่น้องของทุกคนบนโลก
โซนาตาของเบโธเฟนยังได้เข้าสู่คลังวัฒนธรรมดนตรีโลกอีกด้วย สิ่งที่ดีที่สุดคือไวโอลิน "Kreutzer" (หมายเลข 9), เปียโน "Lunar" (หมายเลข 14), "Aurora" (หมายเลข 21), "Appassionata" (หมายเลข 23)
“โซนาต้าแสงจันทร์(ชื่อนี้ได้รับหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง) อุทิศให้กับ Juliet Guicciardi ซึ่งความรักที่ไม่สมหวังได้ทิ้งรอยประทับไว้ลึกในจิตวิญญาณของเบโธเฟน บทเพลงที่ไพเราะชวนฝัน ถ่ายทอดอารมณ์แห่งความเศร้าลึกๆ แล้วเพลิดเพลินกับความงามของโลก ถูกแทนที่ในตอนจบด้วยอารมณ์ที่ระเบิดออกมาอย่างรุนแรง
มีชื่อเสียงไม่น้อย "อัปปัสซิโอนาตา"(ภาษาอิตาลี appassionato - หลงใหล) อุทิศให้กับหนึ่งในเพื่อนสนิทของนักแต่งเพลง ในแง่ของขนาดของมัน มันอยู่ใกล้กับซิมโฟนีมากที่สุด แต่ไม่มีสี่ส่วน แต่มีสามส่วนที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียว เสียงเพลงของโซนาตานี้แทรกซึมด้วยจิตวิญญาณแห่งการต่อสู้ที่เร่าร้อนและเสียสละ พลังของพลังแห่งธรรมชาติธาตุ เจตจำนงของบุคคลที่เชื่องและทำให้องค์ประกอบทางธรรมชาติสงบลง
โซนาต้า "ออโรร่า” คำบรรยาย “Sunrise Sonata” สูดความสุขและพลังงานแสงอาทิตย์ ส่วนแรกสื่อถึงความรู้สึกของวันที่มีชีวิตชีวาและมีเสียงดัง ซึ่งแทนที่ด้วยคืนที่เงียบสงบ ภาพที่สองวาดภาพรุ่งอรุณของเช้าวันใหม่
ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต Beethoven แต่งเพลงค่อนข้างน้อยและช้า อาการหูหนวกที่สมบูรณ์ซึ่งเกิดขึ้นกับเขาท่ามกลางเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขาไม่อนุญาตให้เขาออกจากภาวะซึมเศร้าลึก แต่สิ่งที่เขียนในเวลานี้ก็มีพรสวรรค์เพิ่มขึ้นอย่างน่าทึ่งเช่นกัน
คำถามและภารกิจ
หนึ่ง*. ความสำคัญของงานของ Haydn ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีโลกคืออะไร? ซิมโฟนีคลาสสิกที่เขาสร้างขึ้นคืออะไร? ยุติธรรมหรือไม่ที่จะบอกว่าดนตรีของ Hydn คือ "ดนตรีแห่งความสุขและความบันเทิง"?
โมสาร์ทมีส่วนช่วยในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโลกอย่างไร? ความสำเร็จหลักของเขาในการสร้างโอเปร่าคืออะไร?
เบโธเฟนกล่าวว่า: "เพื่อที่จะสร้างสิ่งที่สวยงามอย่างแท้จริง ฉันพร้อมที่จะแหกกฎใดๆ" Beethoven ปฏิเสธกฎเกณฑ์ใดในการสร้างสรรค์ดนตรี และเขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มที่แท้จริงในเรื่องใด
เวิร์คช็อปสร้างสรรค์
เตรียมรายการวิทยุหรือโทรทัศน์ (รายการคอนเสิร์ตหรือดนตรีภาคค่ำ) ในหัวข้อ "ผู้แต่งของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา" คุณจะเลือกเพลงแบบไหน? หารือเกี่ยวกับทางเลือกของคุณ
นักวิจัยด้านประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี D.K. Kirnarskaya ตั้งข้อสังเกตว่า "การแสดงละครที่ไม่ธรรมดา" ของดนตรีคลาสสิก ในความเห็นของเธอ "ผู้ฟังสามารถเปิดจินตนาการและจดจำตัวละครของโศกนาฏกรรมคลาสสิกหรือเรื่องตลกใน" ชุดดนตรี "เท่านั้น งั้นเหรอ? ฟังโอเปร่าของ Mozart และโต้แย้งความคิดเห็นของคุณโดยอิงจากความประทับใจของคุณเอง
B. Kremnev ผู้เขียนหนังสือ "Wolfgang Amadeus Mozart" เขียนว่า: "เช่นเดียวกับเช็คสเปียร์ตามความจริงของชีวิตเขาผสมผสานการ์ตูนกับโศกนาฏกรรมอย่างเฉียบขาด ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ผู้แต่งกำหนดประเภทของโอเปร่าซึ่งตอนนี้เขากำลังเขียนว่า "Don Giovanni" ไม่ใช่ในฐานะโอเปร่าบัฟฟาหรือโอเปร่าเซเรีย แต่เป็น "bgatta ^shsovo" - "ละครที่ร่าเริง" การเปรียบเทียบโอเปร่าโศกนาฏกรรมของโมสาร์ทกับผลงานของเช็คสเปียร์มีความสมเหตุสมผลเพียงใด?
ทำไมคุณถึงคิดว่านักเขียนแห่งศตวรรษที่ XX R. Rolland ในหนังสือของเขา "The Life of Beethoven" สังเกตว่างานของ Beethoven "กลายเป็นสิ่งที่ใกล้เคียงกับยุคของเรามากขึ้น"? เหตุใดจึงเป็นเรื่องปกติที่จะพิจารณางานของเบโธเฟนภายใต้กรอบของความคลาสสิกและรูปแบบศิลปะใหม่ - แนวโรแมนติก?
นักแต่งเพลง R. Wagner มองว่าเป็นอาชีพที่ไร้จุดหมายที่จะหันไปใช้แนวไพเราะหลังจาก Ninth Symphony ของ Beethoven ซึ่งเขาเรียกว่า "ละครสากล" "ข่าวประเสริฐของมนุษย์แห่งศิลปะแห่งอนาคต" ฟังเพลงนี้และพยายามอธิบายว่าแว็กเนอร์มีเหตุผลอะไรในการประเมินดังกล่าว ส่งต่อความประทับใจของคุณในรูปแบบของเรียงความหรือบทวิจารณ์
หัวข้อโครงการ บทคัดย่อ หรือข้อความ
"ดนตรีบาร็อคและคลาสสิก"; "ความสำเร็จทางดนตรีและการค้นพบในผลงานของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกชาวเวียนนา"; "งานของ Haydn, Mozart และ Beethoven - ชีวประวัติทางดนตรีของการตรัสรู้"; "ภาพเหมือนของวีรบุรุษแห่งงานไพเราะโดย I. Haydn"; “ เหตุใดผู้ร่วมสมัยจึงเรียกซิมโฟนีของ J. Haydn ว่า "ดนตรีแห่งความสุขและการพักผ่อน" และ "เกาะแห่งความสุข"; "ความเชี่ยวชาญและนวัตกรรมของศิลปะโอเปร่าของโมสาร์ท"; “ ชีวิตของ Mozart และ "โศกนาฏกรรมเล็กน้อย" โดย A.S. Pushkin "Mozart and Salieri"; "การพัฒนาแนวเพลงซิมโฟนีในผลงานของเบโธเฟน"; “ อุดมคติของยุคนโปเลียนและการไตร่ตรองในผลงานของ L. van Beethoven”; "เกอเธ่และเบโธเฟน: บทสนทนาเกี่ยวกับดนตรี"; “ คุณสมบัติของการตีความทางศิลปะของโซนาตา "Kreutzer" ของเบโธเฟนในเรื่องชื่อเดียวกันโดย L. N. Tolstoy”; "เบโธเฟน: ผู้บุกเบิกและผู้สืบทอดด้านดนตรี"
หนังสือสำหรับการอ่านเพิ่มเติม
อัลชวัง เอ.เอ. เบโธเฟน ม., 1977.
บัตเตอร์เวิร์ธ เอ็น. ไฮเดน เชเลียบินสค์ 1999
บาค โมสาร์ท. เบโธเฟน. ชูมานน์. แว็กเนอร์ M. , 1999. (ZhZL. ห้องสมุดชีวประวัติของ F. Pavlenkov)
Weiss D. ประเสริฐและทางโลก นวนิยายเกี่ยวกับชีวิตของ Mozart และเวลาของเขา ม., 1970.
นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุโรปตะวันตก: นักอ่านสำหรับนักเรียนมัธยมปลาย / คอมพ์ วี.บี. กริโกโรวิช. ม., 1982.
วูดฟอร์ธ พี. โมสาร์ท. เชเลียบินสค์ 1999
Kirnarskaya D. K. Classicism: หนังสือสำหรับอ่าน เจ. ไฮเดน, ดับเบิลยู. โมสาร์ท, แอล. เบโธเฟน. ม., 2545.
คอร์ซาคอฟ วี. เบโธเฟน ม., 1997.
เลวิน บี. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ. ม., 2514. ฉบับ. สาม.
Popova T. V. เพลงต่างประเทศของศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ม., 1976.
Rosenshild K. ประวัติดนตรีต่างประเทศ. ม., 2516. ฉบับ. หนึ่ง.
Rolland R. ชีวิตของเบโธเฟน ม., 1990.
ชิเชริน จี.วี. โมสาร์ท ม., 1987.
ในการเตรียมเนื้อหา ตำรา “วัฒนธรรมศิลปะโลก. ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 จนถึงปัจจุบัน” (ผู้เขียน Danilova G. I. )
ไม่มีศิลปะดนตรีแนวเดียวในศตวรรษที่ 19 ที่รอดพ้นจากอิทธิพลของเบโธเฟน ตั้งแต่เนื้อร้องของชูเบิร์ตไปจนถึงละครเพลงของแว็กเนอร์ จากเชอร์โซ การทาบทามที่น่าอัศจรรย์ของเมนเดลโซห์น ไปจนถึงซิมโฟนีโศกนาฏกรรมของมาห์เลอร์ จากรายการเพลงละครของแบร์ลิออซ ไปจนถึงความลึกซึ้งทางจิตวิทยาของไชคอฟสกี - เกือบทุกปรากฏการณ์ทางศิลปะที่สำคัญของ ศตวรรษที่ 19 ได้พัฒนาด้านหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์หลายแง่มุมของเบโธเฟน หลักการทางจริยธรรมขั้นสูงของเขา มาตราส่วนความคิดของเชคสเปียร์ นวัตกรรมทางศิลปะที่ไร้ขอบเขต ทำหน้าที่เป็นดาวนำทางสำหรับนักประพันธ์เพลงจากโรงเรียนและแนวโน้มที่หลากหลายที่สุด “ยักษ์ซึ่งเรามักจะได้ยินเสียงฝีเท้าตามหลังเราเสมอ” Brahms กล่าวถึงเขา
ตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนโรแมนติกด้านดนตรีได้อุทิศหน้าหลายร้อยหน้าให้กับเบโธเฟนโดยประกาศให้เขาเป็นคนที่มีความคิดเหมือนกัน Berlioz และ Schumann ในบทความวิพากษ์วิจารณ์ที่แยกจากกัน Wagner ได้ยืนยันถึงความสำคัญอย่างยิ่งของ Beethoven ในฐานะนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกคนแรก
เนื่องจากความเฉื่อยของความคิดทางดนตรี มุมมองของเบโธเฟนในฐานะนักประพันธ์เพลงที่มีความเกี่ยวข้องอย่างลึกซึ้งกับโรงเรียนโรแมนติกจึงคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในขณะเดียวกัน มุมมองทางประวัติศาสตร์ในวงกว้างที่เปิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ทำให้เราเห็นปัญหา "เบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติก" ในมุมมองที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย การประเมินการมีส่วนร่วมที่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกทำกับศิลปะโลก เราได้ข้อสรุปว่าบีโธเฟนไม่สามารถระบุตัวตนหรือเข้าใกล้คู่รักที่บูชาเขาอย่างไม่มีเงื่อนไขอย่างไม่มีเงื่อนไข ไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของเขา หลักและทั่วไปซึ่งทำให้สามารถรวมกันเป็นหนึ่งเดียวในแนวคิดของงานของบุคคลทางศิลปะที่หลากหลายเช่น Schubert และ Berlioz, Mendelssohn และ Liszt, Weber และ Schumann ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงวิกฤต เมื่อเบโธเฟนหมดแรงมองหาวิธีใหม่ๆ ในงานศิลปะ โรงเรียนโรแมนติกที่กำลังเติบโต (ชูเบิร์ต เวเบอร์ มาร์ชเนอร์ และอื่นๆ) ไม่ได้เปิดโอกาสใดๆ ให้กับเขาเลย และทรงกลมใหม่เหล่านั้นซึ่งยิ่งใหญ่ในความหมายซึ่งในที่สุดเขาก็พบในงานของเขาในสมัยที่แล้วโดยลักษณะที่เด็ดขาดไม่สอดคล้องกับรากฐานของแนวโรแมนติกทางดนตรี
มีความจำเป็นต้องชี้แจงขอบเขตที่แยกเบโธเฟนและโรแมนติกออก เพื่อสร้างจุดสำคัญของความแตกต่างระหว่างปรากฏการณ์ทั้งสองนี้ ใกล้กันในเวลา สัมผัสด้านที่แยกจากกันโดยไม่มีเงื่อนไขและยังแตกต่างกันในสาระสำคัญทางสุนทรียะ
ก่อนอื่น ให้เรากำหนดช่วงเวลาของความเหมือนกันระหว่างเบโธเฟนกับคู่รัก ซึ่งทำให้คนหลังมีเหตุผลที่จะเห็นคนที่มีใจเดียวกันในศิลปินที่ยอดเยี่ยมคนนี้
กับพื้นหลังของบรรยากาศดนตรีในยุคหลังการปฏิวัติ นั่นคือ ชนชั้นนายทุนยุโรปในตอนต้นและกลางศตวรรษที่ 19 เบโธเฟนและคู่รักชาวตะวันตกรวมกันเป็นหนึ่งโดยแพลตฟอร์มร่วมที่สำคัญ - ต่อต้านความเฉลียวฉลาดโอ้อวดและความบันเทิงที่ว่างเปล่าซึ่งเริ่ม ครองปีเหล่านั้นบนเวทีคอนเสิร์ตและโรงละครโอเปร่า
เบโธเฟนเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่เลิกใช้แอกของนักดนตรีในราชสำนัก คนแรกที่การประพันธ์เพลงไม่ได้มาจากภายนอกและไม่ได้เชื่อมโยงกับวัฒนธรรมขององค์ชายศักดินาหรือตามข้อกำหนดของศิลปะในโบสถ์ เขาและนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 19 รองจากเขาคือ "ศิลปินอิสระ" ผู้ซึ่งไม่รู้จักการพึ่งพาอาศัยกันในศาลหรือในโบสถ์ที่น่าอับอาย ซึ่งเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่มากมายในยุคก่อน - Monteverdi และ Bach Handel and Gluck, Haydn และ Mozart ... แต่ถึงกระนั้น อิสรภาพที่ได้รับจากข้อกำหนดที่รัดกุมของสภาพแวดล้อมของศาลก็นำไปสู่ปรากฏการณ์ใหม่ๆ ที่ศิลปินเองก็เจ็บปวดไม่แพ้กัน ชีวิตทางดนตรีในตะวันตกกลับกลายเป็นว่าถูกครอบงำโดยผู้ชมที่มีการศึกษาต่ำ ไม่สามารถชื่นชมแรงบันดาลใจในศิลปะที่สูงส่งและมองหาความบันเทิงเบาๆ เท่านั้นในนั้น ความขัดแย้งระหว่างการค้นหานักประพันธ์เพลงขั้นสูงกับระดับสังคมนิยมของชนชั้นนายทุนเฉื่อยเฉื่อยในระดับมหาศาลได้ขัดขวางนวัตกรรมทางศิลปะในศตวรรษที่ผ่านมา นี่เป็นโศกนาฏกรรมทั่วไปของศิลปินในยุคหลังการปฏิวัติ ซึ่งก่อให้เกิดภาพลักษณ์ของ "อัจฉริยะที่ไม่รู้จักในห้องใต้หลังคา" ซึ่งพบได้ทั่วไปในวรรณคดีตะวันตก เธอระบุถึงความน่าสมเพชที่เปิดเผยอย่างเปิดเผยของงานนักข่าวของ Wagner โดยสร้างแบรนด์โรงละครดนตรีร่วมสมัยว่าเป็น "ดอกไม้ที่ว่างเปล่าของระบบสังคมที่เน่าเฟะ" มันทำให้เกิดความประชดประชันที่กัดกร่อนของบทความของ Schumann: ตัวอย่างเช่นเกี่ยวกับผลงานของนักแต่งเพลงและนักเปียโน Kalkbrenner ที่ฟ้าร้องไปทั่วยุโรป Schumann เขียนว่าเขาเขียนข้อความอัจฉริยะสำหรับศิลปินเดี่ยวก่อนแล้วจึงคิดว่าจะเติมช่องว่างได้อย่างไร ระหว่างพวกเขา. ความฝันของ Berlioz เกี่ยวกับสถานะทางดนตรีในอุดมคติเกิดขึ้นโดยตรงจากความไม่พอใจอย่างรุนแรงกับสถานการณ์ที่หยั่งรากลึกในโลกดนตรีร่วมสมัยของเขา โครงสร้างทั้งหมดของยูโทเปียดนตรีที่เขาสร้างการประท้วงต่อต้านจิตวิญญาณของผู้ประกอบการเชิงพาณิชย์และการอุปถัมภ์ของกระแสถอยหลังเข้าคลองซึ่งเป็นลักษณะของฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ผ่านมา และ Liszt ต้องเผชิญกับความต้องการที่ จำกัด และย้อนหลังอย่างต่อเนื่องของสาธารณชนในการแสดงคอนเสิร์ตถึงระดับของการระคายเคืองที่ดูเหมือนว่าตำแหน่งในอุดมคติของนักดนตรียุคกลางเริ่มดูเหมือนกับเขาซึ่งในความคิดของเขามีโอกาสที่จะสร้างเน้น ด้วยมาตรฐานอันสูงส่งของเขาเองเท่านั้น
ในสงครามต่อต้านความหยาบคาย, กิจวัตร, ความเบา, พันธมิตรหลักของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกคือเบโธเฟน เป็นงานของเขาที่ใหม่ กล้าหาญ และมีจิตวิญญาณ ซึ่งกลายเป็นธงที่สร้างแรงบันดาลใจให้นักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่แห่งศตวรรษที่ 19 แสวงหามุมมองใหม่ทางศิลปะที่จริงจัง จริงใจ และเปิดกว้างขึ้น
และในการต่อต้านประเพณีดนตรีคลาสสิกที่ล้าสมัย Beethoven และความโรแมนติคถูกมองว่าเป็นช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยรวม การแตกสลายของเบโธเฟนด้วยสุนทรียภาพทางดนตรีของยุคแห่งการตรัสรู้เป็นแรงผลักดันให้พวกเขาค้นหาด้วยตนเอง เป็นการบ่งบอกถึงจิตวิทยาของยุคใหม่ พลังทางอารมณ์ที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของดนตรีของเขา คุณภาพโคลงสั้น ๆ อิสระของรูปแบบเมื่อเปรียบเทียบกับความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18 และสุดท้ายคือแนวความคิดทางศิลปะที่กว้างที่สุดและวิธีการแสดงออก ทั้งหมดนี้ปลุกเร้าความชื่นชมของความรักและได้รับพหุภาคีเพิ่มเติม พัฒนาการด้านดนตรีของพวกเขา เฉพาะความเก่งกาจของงานศิลปะของเบโธเฟนและการดิ้นรนเพื่ออนาคตเท่านั้นที่สามารถอธิบายปรากฏการณ์ที่ดูเหมือนขัดแย้งกันซึ่งนักประพันธ์เพลงที่มีความหลากหลายมากที่สุดและบางครั้งไม่เหมือนกันทั้งหมดมองว่าตนเองเป็นทายาทและผู้สืบทอดของเบโธเฟนโดยมีเหตุผลที่แท้จริงสำหรับความคิดเห็นดังกล่าว และที่จริงแล้ว ชูเบิร์ตไม่ได้เอาบีโธเฟนที่พัฒนาความคิดเชิงบรรเลงที่ก่อให้เกิดการตีความใหม่โดยพื้นฐานเกี่ยวกับแผนเปียโนในเพลงประจำวันใช่หรือไม่ Berlioz ได้รับคำแนะนำจาก Beethoven เท่านั้น โดยสร้างการประพันธ์เพลงไพเราะอันโอ่อ่า ซึ่งเขาใช้ซอฟต์แวร์และเสียงร้อง การทาบทามของโปรแกรม Mendelssohn อิงตามทาบทามของเบโธเฟน การเขียนประสานเสียงร้องและไพเราะของ Wagner ย้อนกลับไปในสไตล์โอเปร่าและโอราโทริโอของเบโธเฟนโดยตรง บทกวีไพเราะของ Liszt ซึ่งเป็นลูกหลานทั่วไปของยุคโรแมนติกในดนตรี - มีที่มาในลักษณะที่เด่นชัดของสีซึ่งปรากฏอยู่ในผลงานของเบโธเฟนตอนปลายแนวโน้มต่อการเปลี่ยนแปลงและการตีความวงจรโซนาตาฟรี ในเวลาเดียวกัน Brahms อ้างถึงโครงสร้างแบบคลาสสิกของซิมโฟนีของเบโธเฟน ไชคอฟสกีรื้อฟื้นละครภายในของพวกเขา โดยเชื่อมโยงกับตรรกะของการก่อตัวของโซนาตา ตัวอย่างของความเชื่อมโยงระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 19 นั้นไม่มีวันหมดสิ้น
และบนเครื่องบินที่กว้างกว่า มีความคล้ายคลึงกันระหว่างเบโธเฟนกับผู้ติดตามของเขา กล่าวอีกนัยหนึ่ง งานของเบโธเฟนคาดการณ์ถึงแนวโน้มทั่วไปที่สำคัญบางประการในงานศิลปะในศตวรรษที่สิบเก้าโดยรวม
ประการแรก นี่คือจุดเริ่มต้นทางจิตวิทยา ที่จับต้องได้ทั้งในเบโธเฟนและในศิลปินรุ่นต่อไปเกือบทั้งหมด
ไม่โรแมนติกมากนัก แต่โดยทั่วไปแล้วศิลปินในศตวรรษที่ 19 ได้ค้นพบภาพของโลกภายในที่ไม่เหมือนใครของบุคคล - ภาพที่มีทั้งส่วนประกอบสำคัญและเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องหันเข้าด้านในและหักเหด้านต่าง ๆ ของวัตถุประสงค์โลกภายนอก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเปิดเผยและการยืนยันของทรงกลมแห่งจินตนาการนี้ ประการแรก ความแตกต่างพื้นฐานระหว่างนวนิยายจิตวิทยาของศตวรรษที่ 19 กับประเภทวรรณกรรมของยุคก่อน ๆ อยู่ที่ความแตกต่าง
ความปรารถนาที่จะพรรณนาความเป็นจริงผ่านปริซึมของโลกแห่งจิตวิญญาณของความเป็นเอกเทศนั้นเป็นลักษณะของดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนทั้งหมด หักเหผ่านลักษณะเฉพาะของการสื่อความหมาย มันก่อให้เกิดเทคนิคการสร้างรูปแบบใหม่ที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งปรากฏอย่างสม่ำเสมอทั้งในโซนาตาและควอเตตตอนปลายของเบโธเฟน และในงานบรรเลงและโอเปร่าของแนวโรแมนติก
สำหรับศิลปะแห่ง "ยุคจิตวิทยา" หลักการคลาสสิกของการสร้างซึ่งแสดงแง่มุมที่เป็นวัตถุประสงค์ของโลกได้สูญเสียความเกี่ยวข้อง กล่าวคือ การก่อตัวเฉพาะเรื่องที่แตกต่างอย่างชัดเจน โครงสร้างที่สมบูรณ์ การแบ่งส่วนสมมาตรและความสมดุลของรูปแบบ โครงสร้างชุดวงจรของทั้งหมด เบโธเฟนก็เหมือนกับคู่รักโรแมนติกพบเทคนิคใหม่ ๆ ที่ตรงกับงานของศิลปะจิตวิทยา นี่คือแนวโน้มสู่ความต่อเนื่องของการพัฒนา ต่อองค์ประกอบของความเป็นหนึ่งเดียวในระดับของวงจรโซนาตา ไปสู่การเปลี่ยนแปลงอย่างอิสระในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่อง มักจะขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนผ่านแรงจูงใจที่ยืดหยุ่นไปสู่เสียงสองมิติ - เสียงร้อง - เครื่องดนตรี - โครงสร้างของคำพูดทางดนตรีราวกับว่ารวบรวมความคิดของข้อความและคำบรรยายของข้อความ * .
* ดูข้อมูลเพิ่มเติมในบท "โรแมนติกในดนตรี" ส่วนที่ 4
เป็นคุณลักษณะเหล่านี้ที่รวบรวมผลงานของเบโธเฟนตอนปลายและกลุ่มโรแมนติกซึ่งในแง่มุมอื่น ๆ มีความแตกต่างกันโดยพื้นฐาน แฟนตาซี "Wanderer" ของ Schubert และ "Symphonic Etudes" ของ Schumann, "Harold in Italy" ของ Berlioz และ "Scottish Symphony" ของ Mendelssohn, "Preludes" ของ Liszt และ "Ring of the Nibelungen" ของ Wagner - ผลงานเหล่านี้อยู่ไกลแค่ไหนในแง่ของช่วงของภาพ , อารมณ์, เสียงภายนอกจากโซนาต้าและสี่ของเบโธเฟนช่วงที่แล้ว! อย่างไรก็ตาม ทั้งคู่ต่างก็มีแนวโน้มเดียวที่มุ่งสู่การพัฒนาที่ต่อเนื่อง
นำเบโธเฟนผู้ล่วงลับมาใกล้ชิดกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกและการขยายขอบเขตของปรากฏการณ์ที่ครอบคลุมโดยงานศิลปะของพวกเขา คุณลักษณะนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในความหลากหลายของธีมเท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นในระดับคอนทราสต์ที่รุนแรงเมื่อเปรียบเทียบภาพในงานเดียวกัน ดังนั้น หากนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 18 มีความเปรียบต่างเหมือนที่เคยเป็นบนระนาบเดียว ในช่วงปลายของเบโธเฟนและในผลงานหลายชิ้นของโรงเรียนโรแมนติก ภาพของโลกต่างๆ จะถูกเปรียบเทียบ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความแตกต่างอันมหึมาของเบโธเฟน ความโรแมนติกปะทะกันทางโลกและทางโลก ความเป็นจริงและความฝัน ศรัทธาที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณ และความหลงใหลในกาม ให้เรานึกถึง Sonata ของ Liszt ใน h-moll, Fantasia ของ Chopin ใน f-moll, "Tannhäuser" ของ Wagner และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายของโรงเรียนดนตรีและโรแมนติก
ในที่สุด เบโธเฟนและความโรแมนติกก็มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาในการแสดงรายละเอียด ซึ่งเป็นความปรารถนาที่มีลักษณะเฉพาะอย่างมากของวรรณคดีในศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่โรแมนติกเท่านั้น แต่ยังมีความสมจริงอีกด้วย กระแสนี้หักเหผ่านความเฉพาะเจาะจงทางดนตรีในรูปแบบของพื้นผิวที่มีองค์ประกอบหลายองค์ประกอบ แบบย่อ และมักจะเป็นแบบหลายชั้น (โพลี-เมโลดิก) ซึ่งมีความแตกต่างอย่างมาก ความไพเราะของดนตรีของเบโธเฟนและแนวโรแมนติกก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน ในแง่นี้ ศิลปะของพวกเขาไม่เพียงแค่เสียงที่โปร่งใสของผลงานคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ตรงกันข้ามกับโรงเรียนบางแห่งในศตวรรษของเราซึ่งเกิดขึ้นเป็นปฏิกิริยาต่อสุนทรียศาสตร์ของแนวโรแมนติกปฏิเสธเสียงอึกทึก "หนา" ของวงออเคสตราหรือเปียโนของศตวรรษที่ 19 และปลูกฝังหลักการอื่น ๆ ของการจัดโครงสร้างดนตรี (เช่น อิมเพรสชั่นนิสม์หรือนีโอคลาสสิก)
คุณยังสามารถชี้ไปที่จุดที่มีความคล้ายคลึงกันมากขึ้นในหลักการของการสร้างบีโธเฟนและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก และในแง่ของการรับรู้ทางศิลปะในปัจจุบันของเรา ช่วงเวลาแห่งความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนและความโรแมนติกมีความสำคัญอย่างยิ่ง โดยพื้นฐานแล้ว เมื่อเทียบกับภูมิหลังนี้ ลักษณะของความเหมือนกันระหว่างพวกเขาดูเหมือนจะลดน้อยลงไปเบื้องหลัง
วันนี้เป็นที่ชัดเจนสำหรับเราว่าการประเมินของเบโธเฟนโดยคู่รักชาวตะวันตกเป็นไปในทางเดียว ในแง่ที่มีแนวโน้มว่ามีแนวโน้มสูง พวกเขา "ได้ยิน" เฉพาะแง่มุมเหล่านั้นของดนตรีของเบโธเฟนที่ "สอดคล้องกับแนวความคิดทางศิลปะ" ของพวกเขาเอง
โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาไม่รู้จักควอร์เต็ตภายหลังของเบโธเฟน งานเหล่านี้ไปไกลกว่าแนวความคิดทางศิลปะของแนวโรแมนติก ดูเหมือนจะเป็นความเข้าใจผิด ซึ่งเป็นผลจากจินตนาการของชายชราผู้สูญเสียความคิด พวกเขาไม่ชื่นชมผลงานของเขาในยุคแรก เมื่อ Berlioz ขีดปากกาขีดขีดความสำคัญทั้งหมดของงานของ Haydn ในฐานะศิลปะแห่งศิลปะประยุกต์ในราชสำนัก เขาได้แสดงออกในรูปแบบสุดโต่งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักดนตรีหลายคนในรุ่นของเขา ความโรแมนติกทำให้ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ผ่านไปอย่างง่ายดายและด้วยผลงานของเบโธเฟนยุคแรกซึ่งพวกเขามักจะพิจารณาว่าเป็นเวทีที่นำหน้างานที่แท้จริงของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่
แต่ถึงกระนั้นในความโรแมนติคของงานของเบโธเฟนในยุค "ผู้ใหญ่" ก็ยังปรากฏให้เห็นด้านเดียว ตัวอย่างเช่น พวกเขายกตำแหน่งโปรแกรม "Pastoral Symphony" ให้สูงขึ้น ซึ่งในแง่ของการรับรู้ในปัจจุบันของเรา ไม่ได้อยู่เหนืองานอื่นๆ ของเบโธเฟนในแนวเพลงไพเราะเลย ใน Fifth Symphony ที่ดึงดูดใจพวกเขาด้วยความโกรธเกรี้ยว อารมณ์ที่ฉุนเฉียว พวกเขาไม่เห็นคุณค่าของโครงสร้างที่เป็นทางการอันเป็นเอกลักษณ์ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของการออกแบบงานศิลปะโดยรวม
ตัวอย่างเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนถึงความแตกต่างอย่างเฉพาะเจาะจงระหว่างเบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติก แต่มีความแตกต่างกันอย่างลึกซึ้งระหว่างหลักการด้านสุนทรียะของเบโธเฟน
ความแตกต่างพื้นฐานที่สุดระหว่างพวกเขาคือทัศนคติ
ไม่ว่าคู่รักจะเข้าใจงานของพวกเขาอย่างไรพวกเขาทั้งหมดในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งแสดงความไม่เห็นด้วยกับความเป็นจริง ภาพคนเหงาหลงอยู่ในโลกต่างดาวและศัตรู การหลบหนีจากความจริงที่มืดมนเข้าสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่เข้าถึงไม่ได้ การประท้วงรุนแรงบนห้วงความตื่นเต้นทางจิตใจ ความลังเลใจระหว่างความสูงส่งและความเศร้าโศก เวทย์มนต์และจุดเริ่มต้นนรก - เป็นภาพทรงกลมนี้ ซึ่งต่างจากงานของเบโธเฟน ที่อยู่ในศิลปะของดนตรี ถูกค้นพบครั้งแรกโดยคู่รักและพัฒนาโดยพวกเขาด้วยความสมบูรณ์แบบทางศิลปะขั้นสูง โลกทัศน์มองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญของเบโธเฟน ความสงบของเขา ความคิดอันล้ำเลิศที่ไม่เคยกลายเป็นปรัชญาของโลกอื่น นักแต่งเพลงที่คิดว่าตนเองเป็นทายาทของเบโธเฟนไม่ได้รับรู้ทั้งหมดนี้ แม้แต่ในชูเบิร์ตผู้ซึ่งยังคงรักษาความเรียบง่ายดินการเชื่อมต่อกับศิลปะแห่งชีวิตพื้นบ้านในระดับที่มากกว่าความโรแมนติกของคนรุ่นต่อไป - แม้แต่ในเขาที่จุดสุดยอดงานคลาสสิกส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับอารมณ์ของความเหงาและความเศร้า . เขาเป็นคนแรกใน Marguerite ที่ Spinning Wheel, The Wanderer, Winter Road cycle, the Unfinished Symphony และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายที่สร้างภาพลักษณ์ของความเหงาทางจิตวิญญาณที่กลายเป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รัก Berlioz ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดต่อประเพณีที่กล้าหาญของ Beethoven กระนั้นก็ตามในซิมโฟนีของเขามีความไม่พอใจอย่างสุดซึ้งต่อโลกแห่งความเป็นจริง ความปรารถนาสำหรับ "ความโศกเศร้าในโลก" ของ Byron ที่ไม่เป็นจริง ความหมายในแง่นี้คือการเปรียบเทียบ "Pastoral Symphony" ของเบโธเฟนกับ "Scene in the Fields" ของ Berlioz (จาก "Fantastic") ผลงานของเบโธเฟนมีอารมณ์ที่กลมกลืนกัน ซึมซาบด้วยความรู้สึกของการผสมผสานระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ งานของ Berlioz มีเงาสะท้อนความเป็นปัจเจกที่มืดมน และแม้แต่นักประพันธ์เพลงในยุคหลังเบโธเฟนที่กลมกลืนและสมดุลที่สุด Mendelssohn ก็ไม่ได้เข้าใกล้การมองโลกในแง่ดีและความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของเบโธเฟน โลกที่ Mendelssohn มีความสามัคคีอย่างสมบูรณ์เป็นโลกใบเล็ก "อบอุ่น" ที่ "อบอุ่น" ซึ่งไม่รู้จักพายุทางอารมณ์หรือความเข้าใจที่สดใสของความคิด
สุดท้ายนี้ ให้เราเปรียบเทียบฮีโร่ของเบโธเฟนกับฮีโร่ทั่วไปในเพลงของศตวรรษที่ 19 แทนที่จะเป็น Egmont และ Leonora - ฮีโร่ที่กระตือรือร้นและมีหลักการทางศีลธรรมสูงเราได้พบกับตัวละครที่กระสับกระส่ายและไม่พอใจซึ่งสลับไปมาระหว่างความดีกับความชั่ว Max จาก Weber's Magic Shooter, Manfred ของ Schumann, Tannhäuser ของ Wagner และคนอื่นๆ อีกหลายคนถูกมองในลักษณะนี้ หาก Florestan ใน Schumann เป็นสิ่งที่มีศีลธรรม ประการแรก ภาพนี้ - เดือดดาล คลั่งไคล้ การประท้วง - เป็นการแสดงออกถึงความคิดของการทรยศต่อโลกภายนอกซึ่งเป็นแก่นสารของอารมณ์ที่ไม่ลงรอยกัน ประการที่สอง โดยรวมแล้วเกี่ยวกับ Eusebius ผู้ซึ่งถูกพัดพาจากความเป็นจริงไปสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่ไม่มีอยู่จริง เขาได้แสดงบุคลิกที่แตกต่างตามแบบฉบับของศิลปินโรแมนติก ในการเดินขบวนศพที่แยบยลสองครั้ง - "Heroic Symphony" ของ Beethoven และ "Twilight of the Gods" ของ Wagner - สาระสำคัญของความแตกต่างในโลกทัศน์ของ Beethoven และนักประพันธ์เพลงโรแมนติกสะท้อนอยู่ในหยดน้ำ สำหรับเบโธเฟน ขบวนแห่ศพเป็นฉากหนึ่งของการต่อสู้ ซึ่งนำไปสู่ชัยชนะของประชาชนและชัยชนะของความจริง ใน Wagner การตายของฮีโร่เป็นสัญลักษณ์ของการตายของเหล่าทวยเทพและความพ่ายแพ้ของความคิดที่กล้าหาญ
ทัศนคติที่แตกต่างกันอย่างลึกซึ้งนี้ถูกหักเหในรูปแบบดนตรีที่เฉพาะเจาะจง ทำให้เกิดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างรูปแบบศิลปะของเบโธเฟนและแนวโรแมนติก
มันปรากฏตัวเป็นหลักในทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่าง
การขยายขอบเขตของการแสดงออกทางดนตรีโดยคู่รักนั้นเชื่อมโยงกับขอบเขตของภาพที่น่าอัศจรรย์น่าอัศจรรย์ที่พวกเขาค้นพบ สำหรับพวกเขา นี่ไม่ใช่ลูกน้อง ไม่ใช่ทรงกลมสุ่ม แต่ เฉพาะเจาะจงที่สุดและเป็นต้นฉบับ- ในมุมมองทางประวัติศาสตร์ที่กว้างใหญ่ แยกแยะความแตกต่างระหว่างศตวรรษที่ 19 กับยุคดนตรีก่อนหน้าทั้งหมดได้อย่างไร น่าจะเป็นประเทศแห่งนิยายที่สวยงามเป็นตัวเป็นตนความปรารถนาของศิลปินที่จะหนีจากความเป็นจริงที่น่าเบื่อในชีวิตประจำวันสู่โลกแห่งความฝันที่ไม่สามารถบรรลุได้ ก็ยังเถียงไม่ได้ว่าในศิลปะดนตรีความประหม่าของชาติซึ่งเฟื่องฟูอย่างงดงามในยุคของแนวโรแมนติก (อันเป็นผลมาจากสงครามปลดปล่อยชาติเมื่อต้นศตวรรษ) แสดงออกด้วยความสนใจที่เพิ่มขึ้นในนิทานพื้นบ้านของชาติ เต็มไปด้วยลวดลายในเทพนิยาย
สิ่งหนึ่งที่แน่นอน: มีการกล่าวคำใหม่ในศิลปะโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 เฉพาะเมื่อ Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann และหลังจากนั้น - และในระดับสูงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - Wagner ทำลายพื้นฐานด้วยแผนการที่เป็นตำนานและตลกทางประวัติศาสตร์ที่ แยกออกจากโรงละครดนตรีคลาสสิกไม่ได้ และทำให้โลกของโอเปร่าสมบูรณ์ด้วยลวดลายที่น่าอัศจรรย์และเป็นตำนาน ภาษาใหม่ของการแสดงซิมโฟนีโรแมนติกก็มีต้นกำเนิดมาจากผลงานที่เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับรายการในเทพนิยาย - ในการทาบทาม "โอเบอโรเนียน" ของเวเบอร์และเมนเดลโซห์น การแสดงออกของนักเปียโนแสนโรแมนติกในวงกว้างเกิดขึ้นจากทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของ "Fantastic Pieces" ของ Schumann หรือ "Kreisleriana" ในบรรยากาศของเพลงบัลลาดของ Mickiewicz - Chopin ฯลฯ เป็นต้น การเสริมแต่งอย่างมโหฬารของสีสัน - กลมกลืนและ timbre - จานสีซึ่งเป็นหนึ่งในชัยชนะที่สำคัญที่สุดของศิลปะโลกของศตวรรษที่ 19 การเสริมความแข็งแกร่งโดยทั่วไปของเสน่ห์ที่เย้ายวนของเสียงซึ่งแยกดนตรีคลาสสิกออกจากดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนโดยตรง - ทั้งหมดนี้ สาเหตุหลักมาจากช่วงของภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ ครั้งแรกที่พัฒนาอย่างต่อเนื่องในผลงานของศตวรรษที่ 19 จากที่นี่ไปสู่บรรยากาศทั่วไปของบทกวีที่เชิดชูความงามตระการตาของโลกโดยปราศจากดนตรีโรแมนติกที่คิดไม่ถึงมีต้นกำเนิดมาจากที่นี่
ในทางกลับกัน เบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวอย่างลึกซึ้งต่อทรงกลมอันน่าอัศจรรย์ของภาพ แน่นอน ในแง่ของพลังกวี ศิลปะของเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าความโรแมนติกเลย อย่างไรก็ตาม ความมีจิตวิญญาณสูงส่งของความคิดของเบโธเฟน ความสามารถในการแต่งกลอนในแง่มุมต่าง ๆ ของชีวิต ไม่เกี่ยวข้องกับภาพที่มีมนต์ขลัง ยอดเยี่ยม ตำนาน และลึกลับนอกโลกแต่อย่างใด มีเพียงคำใบ้ของพวกเขาเท่านั้นที่ได้ยินในบางกรณี ยิ่งกว่านั้น พวกเขามักจะครอบครองฉากและไม่ได้เป็นศูนย์กลางในแนวคิดโดยรวมของผลงานเช่นใน Presto จาก Seventh Symphony หรือตอนจบของ Fourth อย่างหลัง (ดังที่เราเขียนไว้ข้างต้น) ดูเหมือนว่าไชคอฟสกีจะเป็นภาพมหัศจรรย์จากโลกแห่งวิญญาณเวทย์มนตร์ การตีความนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากประสบการณ์ของการพัฒนาดนตรีครึ่งศตวรรษหลังเบโธเฟนอย่างไม่ต้องสงสัย ไชคอฟสกีได้ฉายจิตวิทยาดนตรีของปลายศตวรรษที่ 19 ไปสู่อดีต แต่ถึงแม้จะยอมรับในวันนี้ว่า "การอ่าน" ข้อความของเบโธเฟนก็ไม่มีใครพลาดที่จะเห็นได้เท่าไหร่ ในแง่ของสีตอนจบของเบโธเฟนนั้นสว่างน้อยกว่าและสมบูรณ์น้อยกว่างานโรแมนติกแฟนตาซี ซึ่งโดยรวมแล้วถือว่าด้อยกว่าเขาอย่างมากในแง่ของความสามารถและความแข็งแกร่งของแรงบันดาลใจ
เป็นเกณฑ์ของลัทธิสีนิยมที่เน้นย้ำเส้นทางที่แตกต่างกันอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ตามด้วยการค้นหาแนวโรแมนติกและเบโธเฟนที่เป็นนวัตกรรมใหม่ แม้แต่ในงานของสไตล์ปลายซึ่งในแวบแรกนั้นอยู่ไกลจากโกดังแบบคลาสสิกมาก ภาษาฮาร์โมนิกและเครื่องดนตรี-เสียงต่ำของเบโธเฟนก็มักจะง่ายกว่า ชัดเจนกว่าเรื่องโรแมนติกเสมอ ในระดับที่มากขึ้นแสดงถึงหลักการที่มีเหตุผลและการจัดระเบียบ ของการแสดงออกทางดนตรี เมื่อเขาเบี่ยงเบนจากกฎของความกลมกลืนเชิงฟังก์ชันแบบคลาสสิก ความเบี่ยงเบนนี้นำไปสู่โหมดยุคก่อนคลาสสิกและโครงสร้างโพลีโฟนิกแบบโบราณ มากกว่าความสัมพันธ์เชิงหน้าที่ที่ซับซ้อนของความกลมกลืนแบบโรแมนติกและโพลีเมโลดี้อิสระ เขาไม่เคยพยายามดิ้นรนเพื่อความเฉลียวฉลาดแบบพอเพียง ความหนาแน่น ความหรูหราของเสียงฮาร์มอนิก ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของภาษาดนตรีที่โรแมนติก การเริ่มต้นที่มีสีสันในเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเปียโนโซนาตารุ่นต่อมา ได้รับการพัฒนาให้อยู่ในระดับที่สูงมาก และถึงกระนั้นก็ไม่เคยถึงค่าที่โดดเด่นไม่เคยระงับแนวคิดเสียงทั่วไป และโครงสร้างที่แท้จริงของงานดนตรีไม่เคยสูญเสียความโดดเด่น ความโล่งใจ เพื่อแสดงให้เห็นถึงแรงบันดาลใจด้านสุนทรียะที่ตรงกันข้ามของ Beethoven และ Romantics ให้เราเปรียบเทียบ Beethoven และ Wagner อีกครั้งซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่นำแนวโน้มทั่วไปของวิธีการแสดงออกที่โรแมนติกมาสู่จุดสุดยอด แว็กเนอร์ซึ่งถือว่าตนเองเป็นทายาทและผู้สืบสกุลของเบโธเฟน ได้เข้าใกล้อุดมคติของเขามากขึ้นในหลายๆ ด้าน อย่างไรก็ตาม สุนทรพจน์ทางดนตรีที่ละเอียดมากของเขา เต็มไปด้วยเสียงต่ำและเฉดสีภายนอก เผ็ดร้อนในเสน่ห์เย้ายวน ทำให้เกิด "ความซ้ำซากจำเจของความหรูหรา" (Rimsky-Korsakov) ซึ่งทำให้ความรู้สึกของรูปแบบและพลวัตภายในของดนตรีหายไป . สำหรับเบโธเฟน ปรากฏการณ์ดังกล่าวเป็นไปไม่ได้โดยพื้นฐานแล้ว
ระยะห่างมหาศาลระหว่างความคิดทางดนตรีของเบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติกนั้นชัดเจนพอๆ กับทัศนคติที่มีต่อแนวเพลงขนาดเล็ก
ภายในกรอบของห้องขนาดเล็ก ความโรแมนติกมาถึงจุดสูงสุดอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนสำหรับงานศิลปะประเภทนี้ โกดังแห่งเนื้อเพลงแห่งศตวรรษที่ 19 แห่งใหม่ซึ่งแสดงอารมณ์ที่หลั่งไหลออกมาโดยตรง อารมณ์ที่ใกล้ชิดในช่วงเวลานั้น ความเพ้อฝัน ถูกรวบรวมไว้ในเพลงและเปียโนการเคลื่อนไหวเดียว ที่นี่เองที่นวัตกรรมของความรักแสดงออกอย่างน่าเชื่อถือ อิสระและกล้าหาญโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ความรักของชูเบิร์ตและชูมันน์, "Musical Moments" และ "Impromptu" ของชูเบิร์ต, "Songs without Words" ของ Mendelssohn, ละครกลางคืนและมาซูร์กาของโชแปง, เปียโนจังหวะเดียวของ Liszt, วัฏจักรของชูมันน์และโชแปงของตัวละครย่อส่วน - ทั้งหมดนี้เป็นองค์ประกอบใหม่ที่โรแมนติกและยอดเยี่ยม ความคิดในดนตรีและสะท้อนความเป็นตัวตนของผู้สร้างได้อย่างดีเยี่ยม ความคิดสร้างสรรค์ที่สอดคล้องกับขนบธรรมเนียมคลาสสิกแบบโซนาตาและไพเราะนั้นยากกว่ามากสำหรับนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก แทบจะไม่ได้เข้าถึงความโน้มน้าวใจทางศิลปะและความสมบูรณ์ของรูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของการเคลื่อนไหวครั้งเดียวของพวกเขา ยิ่งไปกว่านั้น หลักการของการสร้างรูปร่าง ซึ่งเป็นแบบฉบับของภาพย่อส่วนนั้น แทรกซึมเข้าสู่วัฏจักรไพเราะของแนวโรแมนติกอย่างต่อเนื่อง ทำให้รูปลักษณ์ดั้งเดิมของพวกเขาเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง ตัวอย่างเช่น "Unfinished Symphony" ของชูเบิร์ตซึมซับรูปแบบของการเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ยังคง "ยังไม่เสร็จ" นั่นคือสองส่วน "ยอดเยี่ยม" Berlioz ถูกมองว่าเป็นวัฏจักรขนาดมหึมาของจิ๋วโคลงสั้น ๆ Heine ผู้ซึ่งเรียก Berlioz ว่า "ตัวตลกขนาดเท่านกอินทรี" จับความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนในดนตรีของเขาซึ่งขัดแย้งกันระหว่างรูปแบบภายนอกของโซนาตัสขนาดมหึมากับความคิดของนักแต่งเพลงซึ่งโน้มเอียงไปทางย่อส่วน แมนน์แมนเมื่อเขาหันไปหาซิมโฟนีวัฏจักรในระดับมากสูญเสียความเป็นตัวตนของศิลปินโรแมนติกซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในชิ้นเปียโนและความรักของเขา บทกวีไพเราะที่สะท้อนไม่เพียง แต่ภาพสร้างสรรค์ของ Liszt เองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างทางศิลปะทั่วไปของกลางศตวรรษที่ 19 ด้วยความปรารถนาที่ชัดเจนทั้งหมดที่จะรักษาโครงสร้างไพเราะทั่วไปของลักษณะความคิดของเบโธเฟน ส่วนหนึ่งการสร้างความโรแมนติกจากวิธีการสร้างรูปร่างของเธอที่มีสีสันและหลากหลาย ฯลฯ เป็นต้น
ในงานของเบโธเฟนมีแนวโน้มตรงกันข้าม แน่นอน ความหลากหลาย ความหลากหลาย ความอุดมสมบูรณ์ของการค้นหาของเบโธเฟนนั้นยอดเยี่ยมมากจนไม่ยากที่จะค้นหางานย่อส่วนในมรดกของเขา และยังเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าการประพันธ์ประเภทนี้ครองตำแหน่งรองในเบโธเฟนโดยให้คุณค่าทางศิลปะกับประเภทโซนาตาขนาดใหญ่ ทั้ง bagatelles หรือ "German Dances" หรือเพลงไม่สามารถให้ความคิดเกี่ยวกับบุคลิกลักษณะทางศิลปะของนักแต่งเพลงที่แสดงออกอย่างยอดเยี่ยมในด้านรูปแบบอนุสาวรีย์ วัฏจักรของเบโธเฟน "To a Distant Beloved" ถูกชี้ให้เห็นอย่างถูกต้องว่าเป็นต้นแบบของวัฏจักรโรแมนติกในอนาคต แต่ดนตรีนี้ด้อยกว่าเพียงใดในแง่ของแรงบันดาลใจ ความสดใสเฉพาะเรื่อง ความไพเราะที่ไพเราะ ไม่เพียงแต่กับวงจรชูเบิร์ตและชูมันน์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานโซนาตาของเบโธเฟนด้วย! บทเพลงบรรเลงของเขามีความไพเราะน่าฟังเพียงใด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานแนวปลาย ให้เรานึกถึงตัวอย่างเช่น Andante จากการเคลื่อนไหวช้าของ Ninth Symphony, Adagio จาก Tenth Quartet, Largo จาก Seventh Sonata, Adagio จาก Twenty-ninth Sonata รวมถึงคนอื่น ๆ อีกจำนวนนับไม่ถ้วน ในเพลงประกอบเสียงจิ๋วของเบโธเฟน แรงบันดาลใจอันไพเราะมากมายนั้นแทบจะหาไม่พบเลย ในขณะเดียวกันก็เป็นลักษณะเฉพาะที่อยู่ภายในกรอบของวัฏจักรเครื่องมือเช่น องค์ประกอบของโครงสร้างของวัฏจักรโซนาตาและการแสดงละคร, เบโธเฟนมักจะสร้างภาพย่อส่วนสำเร็จรูป โดดเด่นด้วยความงามและการแสดงออกในทันที ตัวอย่างขององค์ประกอบย่อประเภทนี้ที่เล่นบทบาทของตอนในวัฏจักรนั้นไม่มีที่สิ้นสุดท่ามกลาง scherzos และ minuets ของโซนาตา ซิมโฟนี และควอเตตของเบโธเฟน
และยิ่งในช่วงท้ายของความคิดสร้างสรรค์ (กล่าวคือ พวกเขากำลังพยายามทำให้เขาใกล้ชิดกับศิลปะโรแมนติกมากขึ้น) เบโธเฟนมุ่งสู่ผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่ จริงอยู่ในช่วงเวลานี้เขาสร้าง "Bagateli" op 126 ซึ่งมีกวีนิพนธ์และความคิดริเริ่มเหนืองานอื่น ๆ ของเบโธเฟนในรูปแบบของย่อส่วนเพียงส่วนเดียว แต่เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าภาพจำลองสำหรับเบโธเฟนเหล่านี้เป็นปรากฏการณ์พิเศษที่ไม่พบว่ามีความต่อเนื่องในการทำงานที่ตามมาของเขา ในทางตรงกันข้าม ผลงานทั้งหมดของทศวรรษที่ผ่านมาในชีวิตของเบโธเฟน - ตั้งแต่เปียโนโซนาตา (หมายเลข 28, 29, 30, 31, 32) ไปจนถึงพิธีมิสซาเคร่งขรึม จากซิมโฟนีที่เก้าไปจนถึงสี่กลุ่มสุดท้าย - ด้วยพลังแห่งศิลปะสูงสุด ยืนยันความคิดที่ยิ่งใหญ่และสง่างามของเขา , ความโน้มเอียงไปสู่สเกล "จักรวาล" ที่ยิ่งใหญ่, แสดงออกถึงทรงกลมเป็นรูปเป็นร่างนามธรรมอย่างประเสริฐ
การเปรียบเทียบบทบาทของตัวละครย่อส่วนในงานของเบโธเฟนกับงานโรแมนติกทำให้เห็นชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งว่ามนุษย์ต่างดาว (หรือล้มเหลว) อย่างหลังเกี่ยวข้องกับแนวคิดเชิงปรัชญาเชิงนามธรรมอย่างไร ซึ่งเป็นลักษณะเด่นของเบโธเฟนโดยรวมโดยเฉพาะ สำหรับผลงานในยุคหลัง
ขอให้เราระลึกว่าความดึงดูดของเบโธเฟนที่มีต่อเสียงประสานนั้นสม่ำเสมอตลอดอาชีพการงานของเขาเป็นอย่างไร ในช่วงหลังของความคิดสร้างสรรค์ โพลิโฟนีกลายเป็นรูปแบบการคิดที่สำคัญที่สุดสำหรับเขา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ ตามข้อตกลงอย่างเต็มที่กับการวางแนวความคิดเชิงปรัชญา ความสนใจอันแรงกล้าของเบโธเฟนในช่วงสุดท้ายในกลุ่มสี่นั้นถูกรับรู้ - ประเภทที่พัฒนาอย่างแม่นยำในงานของเขาเองเป็นเลขชี้กำลังของการเริ่มต้นทางปัญญาในเชิงลึก
ตอนของเบโธเฟนตอนปลายได้รับแรงบันดาลใจและมึนเมาด้วยความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งคนรุ่นต่อ ๆ มาไม่ได้เห็นโดยไม่มีเหตุผลโดยไม่มีเหตุผลเห็นต้นแบบของเนื้อเพลงโรแมนติกตามกฎแล้วมีความสมดุลตามวัตถุประสงค์ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่เป็นนามธรรม อย่างน้อย ให้เราระบุความสัมพันธ์ระหว่าง Adagio กับตอนจบแบบโพลีโฟนิกใน Sonata ที่ยี่สิบเก้า ความทรงจำสุดท้าย และเนื้อหาก่อนหน้าทั้งหมดในสามสิบเอ็ด ท่วงทำนองเพลงของ cantilena ฟรีของส่วนที่ช้า ซึ่งมักจะสะท้อนความไพเราะของบทเพลงที่โรแมนติกอย่างแท้จริง ปรากฏในช่วงปลายของ Beethoven ที่รายล้อมไปด้วยเนื้อหาที่เป็นนามธรรมและเป็นนามธรรมล้วนๆ ธีมเหล่านี้มักใช้การหักเหของแสงโพลีโฟนิก ธีมเหล่านี้มักใช้โครงสร้างแบบเส้นตรง ปราศจากเพลงประกอบ ธีมเหล่านี้จึงเปลี่ยนจุดศูนย์รวมของแรงดึงดูดทางศิลปะของงานจากส่วนที่ไพเราะช้า และนี่เป็นการละเมิดภาพลักษณ์โรแมนติกของดนตรีทั้งหมดแล้ว แม้แต่รูปแบบสุดท้ายของเปียโนโซนาต้าตัวสุดท้ายที่เขียนใน "Arietta" ซึ่งบนพื้นผิวนั้นชวนให้นึกถึงเพลงโรแมนติกขนาดย่อซึ่งนำพาไกลจากทรงกลมโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิดกับความเป็นนิรันดร์กับจักรวาลอันตระหง่าน โลก.
อย่างไรก็ตาม ในดนตรีแนวโรแมนติก ขอบเขตของปรัชญานามธรรมกลายเป็นรองจากองค์ประกอบทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ ดังนั้น ความเป็นไปได้ในการแสดงออกของโพลีโฟนีจึงด้อยกว่าสีสันที่กลมกลืนกันอย่างมาก ตอนที่ตรงกันข้ามมักหาได้ยากในผลงานของ Romantics และเมื่อเกิดขึ้นแล้วจะมีรูปลักษณ์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยมีโครงสร้างทางจิตวิญญาณที่เป็นลักษณะเฉพาะ ดังนั้นใน "วันสะบาโตแห่งแม่มด" จาก "Fantastic Symphony" ของ Berlioz ใน Liszt sonata ใน b-moll เทคนิคความทรงจำคือผู้ถือ Mephistopheles ภาพที่ประชดประชันอย่างลางสังหรณ์และไม่ใช่ความคิดไตร่ตรองที่ประเสริฐซึ่งแสดงถึงลักษณะเฉพาะของโพลีโฟนี ของเบโธเฟนตอนปลายและเราทราบในการผ่าน Bach หรือ Palestrina
ไม่มีอะไรเกิดขึ้นโดยบังเอิญในความจริงที่ว่าไม่มีความโรแมนติกใด ๆ ที่ยังคงแนวศิลปะที่เบโธเฟนพัฒนาขึ้นในจดหมายสี่ฉบับของเขา Berlioz, Liszt, Wagner ถูก "ตรงกันข้าม" สำหรับประเภทห้องนี้ด้วยความยับยั้งชั่งใจภายนอกไม่มี "ท่าทางวาทศิลป์" และความหลากหลายและการระบายสีเสียงต่ำที่ซ้ำซากจำเจ แต่แม้แต่นักประพันธ์เพลงที่สร้างดนตรีไพเราะภายใต้กรอบของเสียงสี่ก็ยังไม่ปฏิบัติตามเส้นทางของเบโธเวเนีย ในสี่ของ Schubert, Schumann, Mendelssohn การรับรู้ทางอารมณ์และความรู้สึกที่มีสีสันของโลกครอบงำเหนือความคิดที่เข้มข้น ในรูปลักษณ์ทั้งหมด พวกเขามีความใกล้ชิดกับซิมโฟนิกและเปียโนโซนาตามากกว่างานเขียนสี่ชิ้นของเบโธเฟน ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยตรรกะที่ "เปลือยเปล่า" ของความคิดและจิตวิญญาณอันบริสุทธิ์ ต่อความเสียหายของละครและการเข้าถึงธีมนิยมในทันที
มีคุณลักษณะโวหารที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่แยกโครงสร้างความคิดของเบโธเฟนออกจากความโรแมนติก กล่าวคือ "สีสันท้องถิ่น" ซึ่งค้นพบครั้งแรกโดยพวกโรแมนติก และกลายเป็นหนึ่งในชัยชนะทางดนตรีที่โดดเด่นที่สุดในศตวรรษที่ 19
คุณลักษณะของสไตล์นี้ไม่เป็นที่รู้จักสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในยุคคลาสสิก แน่นอนว่าองค์ประกอบของคติชนมักจะแทรกซึมเข้าไปในงานของนักประพันธ์เพลงมืออาชีพในยุโรปมาโดยตลอด อย่างไรก็ตามก่อนยุคของแนวโรแมนติกพวกเขามักจะถูกยุบด้วยวิธีการแสดงออกที่เป็นสากลและปฏิบัติตามกฎหมายของภาษาดนตรียุโรปทั่วไป แม้แต่ในกรณีที่ภาพในละครโดยเฉพาะมีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ยุโรปและสีท้องถิ่นที่มีลักษณะเฉพาะ (เช่นภาพ "Janissary" ในการ์ตูนโอเปร่าของศตวรรษที่ 18 หรือสิ่งที่เรียกว่า "อินเดีย" โดย Rameau) ภาษาดนตรีเองไม่ได้อยู่นอกเหนือกรอบของสไตล์ยุโรปที่เป็นหนึ่งเดียว และตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 เป็นต้นไป นิทานพื้นบ้านชาวนาเก่าเริ่มเจาะลึกผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกอย่างต่อเนื่องและในรูปแบบที่เน้นเป็นพิเศษและกำหนดลักษณะประจำชาติและดั้งเดิมของพวกเขา
ดังนั้น ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่สดใสของ "Magic Shooter" ของ Weber จึงมีความเกี่ยวข้องกับน้ำเสียงที่เป็นลักษณะเฉพาะของนิทานพื้นบ้านเยอรมันและเช็กในระดับเดียวกับวงกลมของภาพที่น่าอัศจรรย์ ความแตกต่างหลักระหว่างโอเปร่าคลาสสิกของอิตาลีของรอสซินีกับ "วิลเลียม เทล" ของเขาอยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าองค์ประกอบทางดนตรีของโอเปร่าที่โรแมนติกอย่างแท้จริงนี้ได้ซึมซับรสชาติของนิทานพื้นบ้านทีโรล ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของชูเบิร์ต เพลงเยอรมันในชีวิตประจำวันเป็นครั้งแรก "ล้าง" จากชั้นของ "แลคเกอร์" โอเปร่าของอิตาลีต่างประเทศและเปล่งประกายด้วยผลัดกันที่ไพเราะสดใหม่ที่ยืมมาจากเพลงข้ามชาติที่ฟังทุกวันของเวียนนา แม้แต่ท่วงทำนองไพเราะของ Haydn ก็หนีไม่พ้นความคิดริเริ่มของการใช้สีในท้องถิ่น โชแปงจะเป็นอย่างไรหากปราศจากดนตรีโฟล์กของโปแลนด์, Liszt ที่ไม่มี verbunkos ของฮังการี, Smetana และ Dvořák ที่ไม่มีนิทานพื้นบ้านเช็ก, Grieg ที่ไม่มีภาษานอร์เวย์ ตอนนี้เรายังละทิ้งโรงเรียนดนตรีรัสเซีย ซึ่งเป็นหนึ่งในโรงเรียนดนตรีที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 แยกไม่ออกจากความเฉพาะเจาะจงของชาติ การลงสีผลงานด้วยสีประจำชาติอันเป็นเอกลักษณ์ ความเชื่อมโยงจากนิทานพื้นบ้านยืนยันถึงลักษณะเฉพาะที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งของสไตล์โรแมนติกในดนตรี
เบโธเฟนอยู่ในส่วนอื่น ๆ ของชายแดนในลักษณะนี้ เช่นเดียวกับรุ่นก่อน ๆ หลักการพื้นบ้านในดนตรีของเขามักจะปรากฏเป็นสื่อกลางและเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง บางครั้งเบโธเฟนเองก็ระบุว่าดนตรีของเขา "อยู่ในจิตวิญญาณแบบเยอรมัน" ในบางกรณีที่แยกจากกัน โดดเดี่ยวอย่างแท้จริง (alla tedesca) แต่เป็นเรื่องยากที่จะไม่สังเกตว่างานเหล่านี้ (หรือค่อนข้างเป็นงานแต่ละส่วน) ปราศจากสีในท้องถิ่นที่มองเห็นได้ชัดเจน ธีมคติชนวิทยาถูกถักทอเป็นผ้าดนตรีทั่วไปจนทำให้คุณลักษณะระดับชาติและดั้งเดิมไม่ด้อยไปกว่าภาษาของดนตรีมืออาชีพ แม้แต่ในกลุ่มที่เรียกว่า "สี่รัสเซีย" ซึ่งใช้ธีมพื้นบ้านของแท้ Beethoven พัฒนาเนื้อหาในลักษณะที่ความเฉพาะเจาะจงของชาติของชาวบ้านถูกบดบังอย่างค่อยเป็นค่อยไปรวมกับ "การเปลี่ยนคำพูด" ตามปกติของโซนาตายุโรป- สไตล์เครื่องมือ
หากความคิดริเริ่มที่เป็นกิริยาช่วยของลัทธิเฉพาะเรื่องมีอิทธิพลต่อโครงสร้างทั้งหมดของดนตรีในสี่ส่วนเหล่านี้ อิทธิพลเหล่านี้ไม่ว่าในกรณีใด จะถูกปรับปรุงใหม่อย่างล้ำลึกและไม่อาจรับรู้ได้โดยตรงที่หู เช่นเดียวกับผู้ประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกหรือประชาธิปไตยระดับชาติ โรงเรียนแห่งศตวรรษที่ 19 และประเด็นไม่ได้อยู่ที่ Beethoven ไม่รู้สึกถึงความคิดริเริ่มของธีมรัสเซีย ในทางตรงกันข้าม การเรียบเรียงเพลงภาษาอังกฤษ ไอริช และสก็อตของเขาพูดถึงความอ่อนไหวอันน่าทึ่งของผู้แต่งต่อการคิดแบบโมดอล แต่ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะของเขาซึ่งแยกออกไม่ได้จากการคิดแบบโซนาตา การใช้สีในท้องถิ่นไม่สนใจเบโธเฟน ไม่ส่งผลต่อจิตสำนึกทางศิลปะของเขา และสิ่งนี้เผยให้เห็นอีกแง่มุมที่สำคัญโดยพื้นฐานที่แยกงานของเขาออกจากเพลงของ "ยุคโรแมนติก"
ในที่สุด ความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับพวกโรแมนติกก็แสดงให้เห็นด้วยว่าสัมพันธ์กับหลักการทางศิลปะ ซึ่งตามประเพณีแล้ว นับตั้งแต่มุมมองของช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ถือเป็นจุดสำคัญที่สุดของความคล้ายคลึงกันระหว่างพวกเขา เรากำลังพูดถึงการเขียนโปรแกรม ซึ่งเป็นรากฐานสำคัญของสุนทรียศาสตร์อันโรแมนติกในดนตรี
นักประพันธ์เพลงโรแมนติกมักเรียกเบโธเฟนว่าเป็นผู้สร้างรายการเพลง โดยมองว่าเขาเป็นบรรพบุรุษของพวกเขา อันที่จริงเบโธเฟนมีผลงานที่รู้จักกันดีสองชิ้นซึ่งเป็นเนื้อหาที่ผู้แต่งระบุด้วยความช่วยเหลือของคำ มันคืองานเหล่านี้ - ซิมโฟนีที่หกและเก้า - ที่โรแมนติกมองว่าเป็นตัวเป็นตนของวิธีการทางศิลปะของพวกเขาเองเป็นแบนเนอร์ของรายการเพลงใหม่ของ "ยุคโรแมนติก" อย่างไรก็ตาม หากเรามองปัญหานี้ด้วยสายตาที่เป็นกลาง ก็ไม่ยากที่จะเห็นว่ารายการของเบโธเฟนแตกต่างอย่างมากจากการเขียนโปรแกรมของโรงเรียนโรแมนติก และเหนือสิ่งอื่นใดเพราะปรากฏการณ์สำหรับเบโธเฟนเป็นส่วนตัวและผิดปรกติในดนตรีแนวโรแมนติกได้กลายเป็นหลักการที่สม่ำเสมอและจำเป็น
ความโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 จำเป็นต้องมีการเขียนโปรแกรมเป็นปัจจัยที่จะนำไปสู่การพัฒนารูปแบบใหม่ของพวกเขาอย่างมีประสิทธิผล อันที่จริง บทกลอน ซิมโฟนี บทกวีไพเราะ วัฏจักรของชิ้นส่วนเปียโน - ทั้งหมดนี้เป็นลักษณะทางโปรแกรม - ก่อให้เกิดการมีส่วนร่วมที่ยอมรับกันโดยทั่วไปของ Romantics ในด้านดนตรีบรรเลง อย่างไรก็ตาม มีอะไรใหม่ โรแมนติกแบบเฉพาะเจาะจงในที่นี้ไม่ได้ดึงดูดใจสมาคมนอกดนตรีมากนัก ตัวอย่างที่ซึมซาบประวัติศาสตร์ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของยุโรปทั้งหมด, เท่าไหร่ วรรณกรรมลักษณะของสมาคมเหล่านี้ นักประพันธ์เพลงโรแมนติกทั้งหมดมุ่งสู่ วรรณกรรมร่วมสมัยเนื่องจากภาพที่เฉพาะเจาะจงและโครงสร้างอารมณ์ทั่วไปของบทกวีบทกวีล่าสุด มหากาพย์เทพนิยาย นวนิยายทางจิตวิทยาช่วยให้พวกเขาหลุดพ้นจากแรงกดดันของประเพณีคลาสสิกที่ล้าสมัยและ "คลำ" สำหรับรูปแบบการแสดงออกใหม่ของพวกเขา อย่างน้อยขอให้เราจำได้ว่ามีบทบาทสำคัญพื้นฐานใดบ้างสำหรับ Fantastic Symphony ของ Berlioz จากภาพนวนิยายของ De Quincey - "The Diary of an Opium Smoker" ของ Musset ฉาก "Walpurgis Night" - จาก "Faust" ของเกอเธ่, เรื่องราวของ Hugo "วันสุดท้ายของการประณาม" และอื่น ๆ ดนตรีของ Schumann ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากผลงานของ Jean Paul และ Hoffmann ความรักของ Schubert ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีโคลงสั้น ๆ ของ Goethe, Schiller, Müller, Heine ฯลฯ ผลกระทบของ Shakespeare "ค้นพบ" โดยความโรแมนติกในเพลงใหม่ของ 19 ศตวรรษแทบจะไม่สามารถประเมินค่าสูงไปได้เลย รู้สึกได้ตลอดยุคหลังเบโธเฟน เริ่มต้นด้วย Weber's Oberon, Mendelssohn's A Midsummer Night's Dream, Romeo and Juliet ของ Berlioz และจบลงด้วยการทาบทามที่มีชื่อเสียงของ Tchaikovsky ในเรื่องเดียวกัน Lamartine, Hugo และ Liszt; เทพนิยายทางเหนือของกวีโรแมนติกและแว็กเนอร์เรื่อง Der Ring des Nibelungen; Byron และ "Harold in Italy" โดย Berlioz, "Manfred" โดย Schumann; อาลักษณ์และเมเยอร์เบียร์; Apel และ Weber เป็นต้น ฯลฯ - บุคลิกภาพทางศิลปะที่สำคัญของยุคหลังเบโธเฟนพบระบบภาพใหม่ภายใต้อิทธิพลโดยตรงของวรรณกรรมสมัยใหม่ล่าสุดหรือแบบเปิด "การต่ออายุดนตรีผ่านการเชื่อมต่อกับบทกวี" - นี่คือวิธีที่ Liszt กำหนดแนวโน้มที่สำคัญที่สุดของยุคโรแมนติกในดนตรี
โดยรวมแล้วเบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวในการเขียนโปรแกรม ยกเว้นซิมโฟนีที่หกและเก้า ผลงานบรรเลงอื่นๆ ทั้งหมดของเบโธเฟน (มากกว่า 150 ชิ้น) เป็นจุดสุดยอดของดนตรีในรูปแบบที่เรียกว่า "สัมบูรณ์" เช่น ควอเทตและซิมโฟนีของไฮด์และโมสาร์ทที่โตแล้ว โครงสร้างเสียงสูงต่ำของพวกเขาและหลักการของการสร้างโซนาตาเป็นภาพรวมของประสบการณ์ในการพัฒนาดนตรีครั้งก่อนเป็นเวลากว่าหนึ่งศตวรรษครึ่ง ดังนั้น ผลกระทบของการพัฒนาเฉพาะเรื่องและโซนาตาของเขาจึงเกิดขึ้นได้ในทันที เปิดเผยต่อสาธารณะ และไม่ต้องการการเชื่อมโยงพิเศษทางดนตรีสำหรับการเปิดเผยภาพอย่างเต็มรูปแบบ เมื่อเบโธเฟนหันไปเขียนโปรแกรม ปรากฎว่าแตกต่างจากนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกอย่างสิ้นเชิง
ดังนั้น ซิมโฟนีที่เก้าซึ่งใช้ข้อความบทกวีของบทกวี "To Joy" ของชิลเลอร์จึงไม่ใช่โปรแกรมซิมโฟนีในความหมายที่ถูกต้องของคำ นี่เป็นผลงานที่มีรูปแบบเฉพาะซึ่งรวมเอาสองประเภทที่เป็นอิสระ อย่างแรกคือวงซิมโฟนิกขนาดใหญ่ (ไม่มีตอนจบ) ซึ่งในรายละเอียดทั้งหมดของธีมและการจัดรูปแบบ ผสมผสานสไตล์ "สัมบูรณ์" ตามแบบฉบับของเบโธเฟน ประการที่สองคือบทเพลงประสานเสียงที่มีพื้นฐานมาจากข้อความของชิลเลอร์ ซึ่งเป็นจุดสุดยอดอันยิ่งใหญ่ของงานทั้งหมด เธอเท่านั้นที่ปรากฎ หลังจากนั้นวิธีการที่การพัฒนาโซนาตาเครื่องมือได้หมดลงแล้ว นักประพันธ์เพลงโรแมนติกซึ่งคนที่เก้าของเบโธเฟนทำหน้าที่เป็นนายแบบไม่ได้ปฏิบัติตามเส้นทางนี้เลย เพลงแกนนำของพวกเขาพร้อมคำนั้นถูกกระจายไปทั่วผืนผ้าใบทั้งหมดของงานโดยมีบทบาทเป็นโปรแกรมการเสริม ตัวอย่างเช่น โรมิโอและจูเลียตของ Berlioz ถูกสร้างขึ้นมาในลักษณะนี้ ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีและละครเพลงออเคสตรา และในซิมโฟนีเพลง "Laudatory" และ "Reformation" ของ Mendelssohn และต่อมาในเพลง Second, Third และ Fourth ของ Mahler ดนตรีที่เปล่งเสียงด้วยคำนั้นปราศจากความเป็นอิสระของแนวเพลงดังกล่าวซึ่งเป็นลักษณะของบทกวีของเบโธเฟนต่อข้อความของชิลเลอร์
"ศิษยาภิบาลซิมโฟนี" มีความใกล้ชิดยิ่งขึ้นในรูปแบบภายนอกของการเขียนโปรแกรมกับงานโซนาตาซิมโฟนิกของความรัก และแม้ว่าเบโธเฟนเองจะระบุในคะแนนว่า "ความทรงจำเกี่ยวกับชีวิตในชนบท" เหล่านี้เป็น "การแสดงอารมณ์มากกว่าการวาดภาพเสียง" อย่างไรก็ตาม การเชื่อมโยงโครงเรื่องเฉพาะมีความชัดเจนมากที่นี่ จริงอยู่พวกเขาไม่ได้งดงามมากเท่าตัวละครในละคร แต่ในความเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับโรงละครดนตรีนั้นมีความเฉพาะเจาะจงอันเป็นเอกลักษณ์เฉพาะของธรรมชาติเชิงโปรแกรมของซิมโฟนีที่หกปรากฏออกมา
เบโธเฟนได้รับคำแนะนำจากที่นี่ไม่เหมือนกับความรักโรแมนติกไม่ใช่ระบบความคิดทางศิลปะสำหรับดนตรีใหม่อย่างสมบูรณ์ซึ่งอย่างไรก็ตามสามารถแสดงตัวเองในวรรณคดีล่าสุดได้ เขาอาศัย "ซิมโฟนีอภิบาล" ในระบบที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่ง (ดังที่เราได้แสดงไว้ข้างต้น) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับจิตสำนึกของนักดนตรีและผู้รักดนตรีมานานแล้ว
เป็นผลให้รูปแบบการแสดงออกทางดนตรีใน Pastoral Symphony สำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมดนั้นอยู่ในระดับมากโดยอิงจากคอมเพล็กซ์น้ำเสียงที่เป็นที่ยอมรับ รูปแบบเฉพาะของ Beethovenian ใหม่ที่เกิดขึ้นกับพื้นหลังของพวกเขาไม่ได้ปิดบังพวกเขา มีความรู้สึกว่าในซิมโฟนีที่หก เบโธเฟนจงใจหักเหแสงผ่านปริซึมของรูปแบบไพเราะใหม่ของเขากับภาพและรูปแบบการแสดงออกของโรงละครดนตรีแห่งการตรัสรู้
ด้วย orus "om ที่ไม่เหมือนใครนี้ Beethoven หมดความสนใจในการเขียนโปรแกรมที่เป็นประโยชน์ ในอีกยี่สิบ (!) ปีข้างหน้า - และประมาณสิบในนั้นตรงกับช่วงปลายสไตล์ - เขาไม่ได้สร้างงานเดี่ยวที่มีหัวข้อที่เป็นรูปธรรมและชัดเจน สมาคมนอกดนตรีในลักษณะ "อภิบาลซิมโฟนี" *
* ในปี ค.ศ. 1809-1810 นั่นคือในช่วงเวลาระหว่าง Appassionata กับโซนาตาช่วงปลายแรกโดยมีการค้นหาเส้นทางใหม่ในด้านดนตรีเปียโนเบโธเฟนเขียนโซนาตาที่ยี่สิบหกซึ่งมีหัวข้อโปรแกรม ("Les Adieux", "L" ไม่มี " , "La Retour") ชื่อเหล่านี้มีผลน้อยมากต่อโครงสร้างของเพลงโดยรวมในเนื้อหาและการพัฒนาของมันโดยบังคับให้จำประเภทของโปรแกรมที่เป็น พบในดนตรีบรรเลงของเยอรมันก่อนการตกผลึกของสไตล์โซนาตา-ซิมโฟนิกคลาสสิก โดยเฉพาะในควอเตตและซิมโฟนียุคแรกๆ ของไฮเดน
เหล่านี้เป็นช่วงเวลาที่สำคัญและเป็นพื้นฐานของความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก แต่เป็นมุมมองเพิ่มเติมของปัญหาที่เกิดขึ้นที่นี่ ให้เราให้ความสนใจกับความจริงที่ว่านักประพันธ์เพลงของปลายศตวรรษที่ 19 และในปัจจุบันของเรา "ได้ยิน" แง่มุมดังกล่าวของศิลปะของเบโธเฟนซึ่งความโรแมนติกของศตวรรษที่ผ่านมาคือ " หูหนวก".
ดังนั้น การที่เบโธเฟนตอนปลายหันมาใช้โหมดเก่า (op. 132, Solemn Mass) คาดว่าจะไปไกลกว่าระบบโทนเสียงหลัก-รองแบบคลาสสิก ซึ่งเป็นแบบอย่างของดนตรีในยุคของเราโดยทั่วไป แนวโน้มที่มีอยู่ในผลงานโพลีโฟนิกในช่วงปลายปีของเบโธเฟน ในการสร้างภาพโดยไม่ผ่านความสมบูรณ์ของชาติและความงามโดยตรงของศิลปะเฉพาะเรื่อง แต่ผ่านการพัฒนาหลายขั้นตอนที่ซับซ้อนของทั้งหมดตามธีม "นามธรรม" ได้แสดงออกมาในโรงเรียนนักประพันธ์เพลงหลายแห่งในศตวรรษของเราด้วย โดยเริ่มที่ Reger ความโน้มเอียงไปทางพื้นผิวเชิงเส้น ต่อการพัฒนาแบบโพลีโฟนิกสะท้อนรูปแบบการแสดงออกแบบนีโอคลาสสิกสมัยใหม่ สไตล์สี่ของเบโธเฟนซึ่งไม่พบความต่อเนื่องในหมู่นักประพันธ์เพลงโรแมนติกชาวตะวันตกได้รับการฟื้นฟูในลักษณะที่แปลกประหลาดในสมัยของเราในงานของ Bartok, Hindemith, Shostakovich และในที่สุด หลังจากช่วงครึ่งศตวรรษระหว่างเพลงที่ 9 ของ Beethoven กับการแสดงซิมโฟนีของ Brahms และ Tchaikovsky การแสดงซิมโฟนีเชิงปรัชญาที่ยิ่งใหญ่ "กลับมามีชีวิตอีกครั้ง" ซึ่งเป็นอุดมคติที่ไม่สามารถบรรลุได้สำหรับนักประพันธ์เพลงในช่วงกลางและไตรมาสที่สามของศตวรรษที่ผ่านมา ในงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 20 ในงานไพเราะของ Mahler และ Shostakovich, Stravinsky และ Prokofiev, Rachmaninov และ Honegger มีจิตวิญญาณที่สง่างามความคิดทั่วไปแนวคิดขนาดใหญ่ที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะของเบโธเฟน
ในหนึ่งร้อยหรือหนึ่งร้อยห้าสิบปี นักวิจารณ์ในอนาคตจะสามารถจับภาพแง่มุมต่างๆ ของงานของเบโธเฟนได้อย่างเต็มที่มากขึ้นและประเมินความสัมพันธ์ของเขากับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ ในยุคต่อๆ มา แต่ถึงกระนั้นวันนี้ก็ยังชัดเจนสำหรับเรา: อิทธิพลของเบโธเฟนในด้านดนตรีไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนโรแมนติก เฉกเช่นที่เชคสเปียร์ค้นพบโดยคู่รัก ก้าวข้ามขอบเขตของ "ยุคโรแมนติก" มาจนถึงทุกวันนี้ สร้างแรงบันดาลใจและเติมพลังให้กับการค้นพบเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญในวรรณคดีและละคร ดังนั้นเบโธเฟนซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกยกขึ้นเป็นโล่โดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติกไม่เคยหยุด ตื่นตาตื่นใจกับความสอดคล้องของคนรุ่นใหม่แต่ละคนด้วยแนวคิดขั้นสูงและการค้นหาความทันสมัย
Ryabchinskaya Inga Borisovna
ตำแหน่งงาน:ครูเปียโน, คลอ
สถาบันการศึกษา: MBU DO Children's Music School ตั้งชื่อตาม D.D. โชสตาโควิช
ที่ตั้ง: เมือง Volgodonsk ภูมิภาค Rostov
ชื่อของวัสดุ: การพัฒนาอย่างเป็นระบบ
หัวข้อ: "ยุคประวัติศาสตร์ รูปแบบดนตรี" (คลาสสิก แนวโรแมนติก)
วันที่ตีพิมพ์: 09/16/2015
ส่วนข้อความของสิ่งพิมพ์
สถาบันงบประมาณเทศบาลเพื่อการศึกษาเพิ่มเติม โรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich, Volgodonsk
การพัฒนาระเบียบวิธีในหัวข้อ:
“ยุคประวัติศาสตร์
แนวเพลง »
ความคลาสสิค ความโรแมนติก
) การพัฒนาดำเนินการโดย Inga Borisovna Ryabchinskaya อาจารย์ประเภทที่ 1 นักดนตรีของประเภทสูงสุด
สไตล์และยุคเป็นแนวคิดสองประการที่สัมพันธ์กัน แต่ละสไตล์เชื่อมโยงกับบรรยากาศทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอย่างแยกไม่ออก ทิศทางโวหารที่สำคัญที่สุดปรากฏขึ้น มีอยู่ และหายไปในลำดับประวัติศาสตร์ ในแต่ละข้อมีการแสดงหลักการทั่วไปทางศิลปะและเชิงเปรียบเทียบ วิธีการแสดงออก และวิธีการสร้างสรรค์อย่างชัดเจน
คลาสสิก
คำว่า "คลาสสิก", "คลาสสิก", "คลาสสิก" มาจากรากศัพท์ภาษาละติน - classicus นั่นคือแบบอย่าง การเรียกศิลปิน นักเขียน กวี นักแต่งเพลงว่าคลาสสิก เราหมายความว่าเขาได้รับความเชี่ยวชาญสูงสุด ความสมบูรณ์แบบในงานศิลปะ งานของเขามีความเป็นมืออาชีพสูงและเป็นของเรา
ตัวอย่าง.
ในการก่อตัวและการพัฒนาของความคลาสสิคนั้นมีการกล่าวถึงสองขั้นตอนทางประวัติศาสตร์
ระยะแรก
เป็นของศตวรรษที่ 17 ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 ซึ่งงอกออกมาจากศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พัฒนาควบคู่ไปกับบาโรก ส่วนหนึ่งในการต่อสู้ ส่วนหนึ่งในการโต้ตอบกับมัน และในช่วงเวลานี้ ได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส สำหรับผลงานคลาสสิกของยุคนี้ งานศิลปะโบราณเป็นตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ โดยอุดมคติคือความเป็นระเบียบ ความมีเหตุมีผล ความกลมกลืน ในงานของพวกเขา พวกเขาแสวงหาความสวยงามและความจริง ความชัดเจน ความกลมกลืน และความสมบูรณ์ของการก่อสร้าง
ระยะที่สอง
- ลัทธิคลาสสิคตอนปลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับ
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
. เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุโรปเช่น
ยุคแห่งการตรัสรู้
หรืออายุของเหตุผล มนุษย์ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับความรู้และเชื่อในความสามารถในการอธิบายโลก ตัวละครหลักคือคนที่พร้อมสำหรับการกระทำที่กล้าหาญซึ่งอยู่ภายใต้ความสนใจของเขา - ทั่วไป, จิตวิญญาณ
ความคลาสสิค
ความคลาสสิค
แจ่มใส
ความสามัคคี
แจ่มใส
ความสามัคคี
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
สมดุล
ความรู้สึก
สมดุล
ความรู้สึก
ลมกระโชกแรง - เสียงของเหตุผล เป็นผู้มีความโดดเด่นในเรื่องความแน่วแน่ในศีลธรรม ความกล้าหาญ ความจริงใจ ความซื่อสัตย์ต่อหน้าที่ สุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของความคลาสสิกสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะทุกรูปแบบ
สถาปัตยกรรม
ช่วงเวลานี้มีลักษณะของความเป็นระเบียบเรียบร้อย การใช้งาน สัดส่วนของชิ้นส่วน แรงโน้มถ่วงสู่ความสมดุลและความสมมาตร ความชัดเจนของแนวคิดและโครงสร้าง การจัดระเบียบที่เข้มงวด จากมุมมองนี้ สัญลักษณ์ของความคลาสสิกคือการจัดวางทางเรขาคณิตของอุทยานหลวงที่แวร์ซาย ซึ่งมีต้นไม้ พุ่มไม้ ประติมากรรม และน้ำพุตั้งอยู่ตามกฎของความสมมาตร มาตรฐานคลาสสิกที่เข้มงวดของรัสเซียคือ Tauride Palace ซึ่งสร้างโดย I. Starov
ในการวาดภาพ
การเปิดเผยตรรกะของพล็อตองค์ประกอบที่สมดุลที่ชัดเจนการถ่ายโอนปริมาณที่ชัดเจนบทบาทรองของสีด้วยความช่วยเหลือของ chiaroscuro การใช้สีในท้องถิ่น (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) ได้มาซึ่งหลัก ความสำคัญ
ในศิลปะกวี
มีการแบ่งออกเป็นประเภท "สูง" (โศกนาฏกรรม บทกวี มหากาพย์) และประเภท "ต่ำ" (ตลก นิทาน เสียดสี) ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณคดีฝรั่งเศส P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของลัทธิคลาสสิคในประเทศอื่น ๆ ช่วงเวลาที่สำคัญของช่วงเวลานี้คือการสร้างสถาบันการศึกษาต่างๆ: วิทยาศาสตร์, ภาพวาด, ประติมากรรม, สถาปัตยกรรม, จารึก, ดนตรีและการเต้นรำ.
แนวดนตรีคลาสสิค
ความคลาสสิคในดนตรีแตกต่างจากศิลปะคลาสสิกที่เกี่ยวข้องและเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1730-1820 ในวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ แนวดนตรีจะแผ่ขยายออกไปในเวลาที่ต่างกัน เถียงไม่ได้ว่าในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 คลาสสิกนิยมได้รับชัยชนะเกือบทุกที่ เนื้อหาของการประพันธ์ดนตรีเชื่อมโยงกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ซึ่งไม่ได้อยู่ภายใต้การควบคุมจิตใจอย่างเข้มงวด อย่างไรก็ตาม นักแต่งเพลงในยุคนี้ได้สร้างระบบกฎเกณฑ์ที่กลมกลืนและสมเหตุสมผลสำหรับการสร้างผลงาน ในยุคของความคลาสสิกประเภทต่าง ๆ เช่นโอเปร่าซิมโฟนีโซนาต้าถูกสร้างขึ้นและบรรลุความสมบูรณ์แบบ การปฏิวัติที่แท้จริงคือการปฏิรูปโอเปร่าของ Christoph Gluck โปรแกรมสร้างสรรค์ของเขามีหลักการสำคัญสามประการ - ความเรียบง่าย ความจริง ความเป็นธรรมชาติ ในละครเพลง เขามองหาความหมาย ไม่ใช่ความหวาน จากโอเปร่า Gluck กำจัดทุกสิ่งที่ไม่จำเป็นออกไป: การตกแต่งเอฟเฟกต์อันงดงามให้พลังการแสดงบทกวีที่ยิ่งใหญ่และดนตรีก็อยู่ภายใต้การเปิดเผยของโลกภายในของตัวละครอย่างสมบูรณ์ โอเปร่า "Orpheus and Eurydice" เป็นงานแรกที่ Gluck นำแนวคิดใหม่มาใช้และวางรากฐานสำหรับการปฏิรูปโอเปร่า ความเคร่งครัด สัดส่วนของรูป ความเรียบง่ายอันสูงส่งไม่มีความหรูหรา ความรู้สึก
การวัดทางศิลปะในงานเขียนของ Gluck นั้นชวนให้นึกถึงความกลมกลืนของรูปแบบของประติมากรรมโบราณ Arias, บทสวด, คณะนักร้องประสานเสียงประกอบเป็นโอเปร่าขนาดใหญ่ ความมั่งคั่งของดนตรีคลาสสิกเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในกรุงเวียนนา ออสเตรียในเวลานั้นเป็นอาณาจักรที่มีอำนาจ ความเป็นสากลของประเทศก็ส่งผลต่อวัฒนธรรมทางศิลปะเช่นกัน การแสดงออกสูงสุดของลัทธิคลาสสิกคือผลงานของโจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท, ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ผู้ซึ่งทำงานในเวียนนาและเป็นผู้กำหนดทิศทางในวัฒนธรรมดนตรี - โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาใน
ดนตรี
ว. โมสาร์ท
เจ เฮย์เดน แอล.
เบโธเฟน
สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในความมีเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลก ซึ่งแสดงออกถึงความใส่ใจต่อความสมดุลของส่วนต่าง ๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาหลักการหลักของรูปแบบดนตรี ในช่วงเวลานี้เองที่รูปแบบโซนาตาถูกสร้างขึ้นในที่สุด โดยอาศัยการพัฒนาและการต่อต้านของสองธีมที่ตัดกัน และกำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนต่างๆ ของโซนาตาและซิมโฟนี
เวียนนา
ความคลาสสิค
เวียนนา
ความคลาสสิค
แบบฟอร์มโซนาต้า
โซนาตา - (จากโซนาเระอิตาลี - เสียง) - หนึ่งในรูปแบบของดนตรีบรรเลงแชมเบอร์ซึ่งมีหลายส่วน โซนาตินา - (โซนาตินาอิตาลี - จิ๋วของโซนาต้า) - โซนาตาขนาดเล็ก มีขนาดกระชับกว่า เนื้อหาง่ายกว่ามากและในทางเทคนิคง่ายกว่า เครื่องดนตรีที่โซนาต้าแต่งขึ้นแต่เดิม ได้แก่ ไวโอลิน ฟลุต คลาเวียร์ ซึ่งเป็นชื่อสามัญของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมด เช่น ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด เปียโน ประเภทของเพลงกลาเวียร์ (เปียโน) โซนาต้ามาถึงจุดสูงสุดในยุคคลาสสิก ในเวลานี้ การทำเพลงที่บ้านได้รับความนิยม ส่วนแรกของโซนาตาที่นำเสนอในรูปแบบโซนาตานั้นโดดเด่นด้วยความตึงเครียดและความคมชัดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ส่วนแรก (โซนาตาอัลเลโกร) ประกอบด้วยสามส่วน: ส่วนแรกของโซนาตาอัลเลโกรประกอบด้วยส่วนหลักและส่วนรอง ส่วนต่อกันและส่วนสุดท้าย: การแสดงนิทรรศการการพัฒนาชดใช้
ส่วนที่สองของ sonata allegro - การพัฒนา ส่วนที่สามของ sonata allegro - ชดใช้:
นิทรรศการ
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
สำคัญ
ครอบงำ
การพัฒนา
การพัฒนา
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
การปรับเปลี่ยน
ปาร์ตี้
การปรับเปลี่ยน
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
ส่วนที่เป็นไปได้ของ sonata allegro - รหัส:
ส่วนที่สอง
แบบฟอร์มโซนาต้า - ช้า ดนตรีสื่อถึงความคิดที่ไหลลื่น เชิดชูความงามของความรู้สึก วาดภูมิทัศน์อันวิจิตรงดงาม
ส่วนที่สาม
โซนาต้า (ตอนจบ). โซนาต้าตอนสุดท้ายมักจะแสดงด้วยจังหวะที่รวดเร็วและมีลักษณะการเต้น เช่น มินูเอต บ่อยครั้งที่รอบชิงชนะเลิศของโซนาต้าคลาสสิกเขียนในรูปแบบ
rondo
(จากอิตาลี rondo - วงกลม) ส่วนที่เกิดซ้ำ -
แต่
-
กลั้น
(ธีมหลัก),
B, C, D
- ตัดกัน
ตอน
.
บรรเลง
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
เกมเชื่อมต่อ เกมสุดท้าย
รหัส
รหัส
โทนสีได้รับการแก้ไข
โทนสีได้รับการแก้ไข
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ธีมหลัก
ธีมหลัก
โจเซฟ ไฮเดน
“เฮย์ดน์ ผู้มีชื่อเจิดจ้าในวิหารแห่งความสามัคคี...”
Joseph Haydn - ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนา - ทิศทางที่แทนที่บาร็อค ชีวิตของเขาจะยังคงอยู่ในราชสำนักของผู้ปกครองฆราวาสเป็นหลัก และหลักดนตรีใหม่ ๆ จะถูกสร้างขึ้นในงานของเขา แนวเพลงใหม่ ๆ จะเกิดขึ้น ทั้งหมดนี้
ยังคงมีความสำคัญในสมัยของเรา ... Haydn ถูกเรียกว่าผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกผู้ก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่และเป็นบิดาของซิมโฟนี เขากำหนดกฎของซิมโฟนีคลาสสิก: เขาให้รูปลักษณ์ที่เพรียวบางและดูเรียบร้อย กำหนดลำดับของการจัดเรียงซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในลักษณะหลักมาจนถึงทุกวันนี้ ซิมโฟนีคลาสสิกมีวงจรสี่ตัว ส่วนแรกดำเนินไปอย่างรวดเร็วและมักจะฟังดูกระฉับกระเฉงและตื่นเต้น ส่วนที่สองนั้นช้า เพลงของเธอสื่อถึงอารมณ์ที่ไพเราะของบุคคล ขบวนการที่สามคือ minuet เป็นหนึ่งในการเต้นรำที่โปรดปรานของยุค Haydn ส่วนที่สี่เป็นส่วนสุดท้าย นี่คือผลลัพธ์ของวงจรทั้งหมด บทสรุปจากทุกสิ่งที่แสดง คิดออก รู้สึกในส่วนก่อนหน้านี้ ดนตรีในตอนจบมักจะพุ่งขึ้นไปข้างบน มันเป็นการยืนยันชีวิต เคร่งขรึม และมีชัยชนะ ในซิมโฟนีคลาสสิก พบรูปแบบในอุดมคติที่สามารถรองรับเนื้อหาที่ลึกล้ำได้ ในงานของ Haydn มีการสร้างประเภทของโซนาตาสามการเคลื่อนไหวแบบคลาสสิกอีกด้วย ผลงานของผู้แต่งมีลักษณะเด่นด้วยความสวยงาม ความเป็นระเบียบ ความเรียบง่ายที่ละเอียดอ่อนและสูงส่ง ดนตรีของเขาสดใส บางเบา ส่วนใหญ่เป็นเพลงหลัก เต็มไปด้วยความร่าเริง ความปิติยินดีในโลกมหัศจรรย์ และอารมณ์ขันที่ไม่สิ้นสุด บรรพบุรุษของเขาเป็นชาวนาและคนงาน ผู้รักชีวิต ความอุตสาหะและการมองโลกในแง่ดี และได้รับมรดกคลาสสิก “พ่อผู้ล่วงลับของฉันมีอาชีพเป็นโค้ช เป็นวิชาของเคาท์ฮาร์ราช และโดยธรรมชาติแล้วเป็นคนรักดนตรีที่กระตือรือร้น” Haydn แสดงความสนใจในดนตรีตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เมื่อสังเกตเห็นความสามารถของลูกชาย พ่อแม่จึงส่งเขาไปเรียนที่เมืองอื่น - ที่นั่นเด็กชายอาศัยอยู่ในความดูแลของญาติของเขา จากนั้นไฮเดนก็ย้ายไปอีกเมืองหนึ่งซึ่งเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริงตั้งแต่อายุ 6 ขวบ โจเซฟ ไฮเดนใช้ชีวิตอิสระ อาจกล่าวได้ว่าเขาเรียนรู้ด้วยตนเองเพราะเงินหรือความสัมพันธ์ไม่เพียงพอสำหรับการศึกษาอย่างเป็นระบบกับครูที่มีชื่อเสียง ตามระดับของวุฒิภาวะ เสียงเริ่มหยาบ และไฮเดนที่อายุน้อยก็พบว่าตัวเองอยู่บนถนนโดยไม่มีหลังคาคลุมศีรษะ เขาหาเลี้ยงชีพจากบทเรียนที่เขาสอนเองแล้ว การศึกษาด้วยตนเองดำเนินต่อไป: ไฮเดนศึกษาดนตรีของซี.พี.อี. Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) ฟังเพลงที่ฟังจากท้องถนน (รวมถึงท่วงทำนองสลาฟ) และ Haydn ก็เริ่มแต่ง เขาสังเกตเห็น ในยุโรป เหล่าขุนนางพยายามเอาชนะซึ่งกันและกันด้วยการจ้างนักดนตรีที่เก่งที่สุด ปีที่เด็กหนุ่ม Haydn ใช้เป็นศิลปินอิสระนั้นประสบความสำเร็จ แต่ก็ยังเป็นชีวิตที่ยากลำบาก แต่งงานแล้ว Haydn (ทุกคนอธิบายว่าการแต่งงานไม่ประสบความสำเร็จอย่างมาก) ยอมรับคำเชิญของ Prince Esterhazy อันที่จริง ที่ศาลของ Esterhazy Haydn
จะมีอายุ 30 ปี หน้าที่ของเขารวมถึงการเขียนเพลงและกำกับวงออเคสตราของเจ้าชาย เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี (หรือเอสเตอร์ฮาซี) ทรงเป็นบุรุษที่ดีและเป็นคนรักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ ไฮเดนสามารถทำในสิ่งที่เขารักได้ ดนตรีถูกเขียนขึ้นตามคำสั่ง - ไม่มี "เสรีภาพในการสร้างสรรค์" แต่ในขณะนั้นก็เป็นเรื่องปกติ นอกจากนี้ คำสั่งมีข้อได้เปรียบอย่างมาก: เพลงที่สั่งนั้นได้รับการดำเนินการอย่างแน่นอนและทันที ไม่มีอะไรเขียนบนโต๊ะ
จากสนธิสัญญาอย่างเป็นทางการครั้งแรกระหว่างเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซีและ
รอง Kapellmeister Joseph Haydn:
“ตามคำสั่งแรกแห่งการปกครองของพระองค์ แกรนด์ดุ๊ก รอง kapellmeister (Haydn) รับหน้าที่แต่งเพลงใดๆ ที่เจ้านายของเขาประสงค์ จะไม่แสดงการแต่งเพลงใหม่ให้ใครเห็น และยิ่งกว่านั้นเพื่อไม่ให้ใครเขียนมันออก แต่เพื่อเก็บไว้เพื่อความเป็นนายของพระองค์โดยปราศจากความรู้และพระมหากรุณาธิคุณของพระองค์จะไม่แต่งสิ่งใดให้ใครเลย โจเซฟ ไฮเดินทุกวัน (ไม่ว่าจะในกรุงเวียนนาหรือในดินแดนของเจ้า) ก่อนและหลังอาหารค่ำต้องปรากฏตัวในห้องโถงและรายงานตัวเองในกรณีที่เจ้านายของเขายอมให้แสดงหรือแต่งเพลง รอ และได้รับคำสั่งแล้ว ให้นักดนตรีท่านอื่นสนใจ ด้วยความมั่นใจเช่นนี้ สมเด็จพระนางเจ้าฯ พระบรมราชินีนาถจึงทรงมอบเงินช่วยเหลือแก่เขา รอง Kapellmeister ประจำปี 400 กิลเดอร์ไรน์ ซึ่งเขาจะได้รับรายไตรมาสจากคลังหลัก ยิ่งไปกว่านั้น เขา โจเซฟ ไฮเดน ควรจะได้รับเงินจากโต๊ะของเจ้าหน้าที่หรือครึ่งกิลเดอร์ต่อวันของเงินโต๊ะ (ในอนาคตเงินเดือนเพิ่มขึ้นหลายเท่า) Haydn ถือว่าสามสิบปีของการทำงานกับเจ้าชาย Esterhazy เป็นช่วงเวลาที่ดีในชีวิตของเขา อย่างไรก็ตาม เขาเป็นคนมองโลกในแง่ดีเสมอมา นอกจากนี้ โจเซฟ ไฮเดนยังมีโอกาสเรียบเรียงและเขียนได้รวดเร็วและมากอยู่เสมอ ในระหว่างการรับใช้ที่ราชสำนักของเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี ชื่อเสียงมาถึงไฮย์ดน์ ความสัมพันธ์ระหว่าง Esterhazy และ Haydn นั้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยกรณีของ Farewell Symphony ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดี สมาชิกวงออร์เคสตราหันไปหา Haydn เพื่อขอให้โน้มน้าวเจ้าชาย: อพาร์ตเมนต์สำหรับพวกเขามีขนาดเล็กเกินไปที่จะส่งครอบครัว นักดนตรีคิดถึงญาติของพวกเขา Haydn มีอิทธิพลต่อดนตรี: เขาเขียนซิมโฟนีซึ่งมีการเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่ง และเมื่อส่วนนี้ดังขึ้น นักดนตรีก็ค่อยๆ ออกไป นักไวโอลินสองคนยังคงอยู่ แต่พวกเขาก็ดับเทียนแล้วจากไป เจ้าชายเข้าใจคำใบ้และปฏิบัติตาม "ข้อกำหนด" ของนักดนตรี
ในปี ค.ศ. 1790 เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี มิโคลสผู้ยิ่งใหญ่สิ้นพระชนม์ เจ้าชายคนใหม่ - แอนตัน - ไม่ชอบดนตรี ไม่ แอนตันออกจากนักดนตรีประจำกองร้อย แต่ยุบวงออเคสตรา ไฮเดนยังคงตกงาน แม้ว่าจะมีเงินบำนาญจำนวนมาก ซึ่งมิโคลสมอบหมายให้เขา และยังมีพลังสร้างสรรค์มากมาย ดังนั้นไฮเดนจึงกลายเป็นศิลปินอิสระอีกครั้ง และเขาจะไปอังกฤษตามคำเชิญ ไฮเดนจะอายุ 60 ในไม่ช้า เขาไม่รู้ภาษา! แต่เขาไปอังกฤษ และอีกครั้ง - ชัยชนะ! “ภาษาของฉันเป็นที่เข้าใจกันทั่วโลก” นักแต่งเพลงพูดถึงตัวเอง ในอังกฤษ Haydn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามเท่านั้น จากนั้นเขาก็นำซิมโฟนีและออราทอริโออีก 12 อัน Haydn ได้เห็นชื่อเสียงของเขา และนี่คือสิ่งที่หายาก ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาได้ทิ้งการประพันธ์ไว้เป็นจำนวนมาก และนี่คือดนตรีที่ยืนยันชีวิตและมีความสมดุล oratorio "The Creation" เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Haydn นี่คือภาพวาดดนตรีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นการไตร่ตรองถึงจักรวาล ... Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการ Hoffmann เรียกพวกเขาว่า "Children's Joy of the Soul" โซนาตา คอนแชร์โต ควอเตต โอเปร่า จำนวนมาก ... โจเซฟ ไฮเดินเป็นผู้แต่งเพลงชาติของเยอรมนี
โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท
27 มกราคม 2299 – 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334
ศิลปะของ Haydn มีผลกระทบอย่างมากต่อการสร้างแนวซิมโฟนิกและแชมเบอร์ของ Wolfgang Mozart พึ่งได้
ความสำเร็จของเขาในด้าน Sonata - ดนตรีไพเราะ Mozart ได้สร้างสิ่งใหม่ ๆ ที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับมากมาย ประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดไม่รู้จักบุคคลที่โดดเด่นกว่าเขา โมสาร์ทมีความทรงจำและการได้ยินที่ยอดเยี่ยม มีทักษะในการด้นสดที่ยอดเยี่ยม เล่นไวโอลินและออร์แกนได้อย่างสวยงาม และไม่มีใครสามารถโต้แย้งความเหนือกว่าของเขาในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ดได้ เขาเป็นนักดนตรีที่ได้รับความนิยม รู้จักมากที่สุด และเป็นที่รักที่สุดในเวียนนา โอเปร่าของเขามีคุณค่าทางศิลปะอย่างมาก เป็นเวลาสองศตวรรษแล้วที่ Le nozze di Figaro (โอเปร่า - buffa แต่สมจริงและมีองค์ประกอบของเนื้อร้อง) และ Don Giovanni (โอเปร่าถูกกำหนดให้เป็น "ละครครึกครื้น" - เป็นทั้งเรื่องตลกและโศกนาฏกรรมที่มีภาพที่แข็งแกร่งและซับซ้อนมาก ) ประสบความสำเร็จ ไพเราะ สง่างาม ไพเราะ เรียบง่าย กลมกลืน หรูหรา และ "The Magic Flute" (โอเปร่า - singspiel แต่ในขณะเดียวกันเรื่องราวเชิงปรัชญาเกี่ยวกับการต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว) ลงไปในประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะ "เพลงหงส์" ของ Mozart เป็นผลงานที่มีความสมบูรณ์มากที่สุด และความสดใสเผยให้เห็นโลกทัศน์ของเขา ความคิดที่หวงแหนของเขา ศิลปะของ Mozart นั้นสมบูรณ์แบบด้วยทักษะและเป็นธรรมชาติอย่างยิ่ง พระองค์ประทานสติปัญญา ความสุข แสงสว่าง และความดีแก่เรา Johann Chrysostom Wolfgang Theophilus Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2399 ในเมืองซาลซ์บูร์ก Amadeus - อะนาล็อกละตินของชื่อกรีก Theophilus (b) - "เป็นที่โปรดปรานของพระเจ้า" ภายใต้สองชื่อ Mozart มักถูกเรียกว่า Wolfgang Amadeus เป็นเด็กอัจฉริยะ พ่อของ Mozart - Leopold Mozart - เป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง - ครูและเป็นนักแต่งเพลงที่อุดมสมบูรณ์ เด็ก 7 คนเกิดในครอบครัว สองคนรอดชีวิต ได้แก่ แนนเนิร์ล พี่สาวของโมสาร์ท และโวล์ฟกังเอง เลียวโปลด์เริ่มสอนลูกทั้งสองตั้งแต่ยังเด็กและออกทัวร์กับพวกเขา มันเป็นช่วงเวลาแห่งการหลงทางอย่างแท้จริง มีทัวร์หลายแห่ง โดยรวมแล้วใช้เวลานานกว่า 10 ปี (โดยมีการหยุดพักเพื่อกลับบ้านหรือเจ็บป่วยในวัยเด็ก) พ่อไม่เพียงแต่พาลูกไปยุโรปเท่านั้น รวมทั้งพระมหากษัตริย์ด้วย เขากำลังมองหาการเชื่อมต่อที่จะช่วยให้ลูกชายที่โตแล้วของเขาได้งานในอนาคตตามความสามารถที่สดใสของเขา โมสาร์ทเริ่มแต่งเพลงตั้งแต่อายุยังน้อย และดนตรียุคแรกของเขาแสดงได้เกือบเท่ากับเพลงที่โตแล้วของเขา นอกจากนี้เมื่อเดินทางพ่อของเขาจ้างครูที่ดีที่สุดในยุโรปให้กับลูกชายของเขา (ในอังกฤษมันเป็นลูกชายคนสุดท้องของ J.S. Bach - "London Bach" ในอิตาลี - Padre Martini ที่มีชื่อเสียงซึ่งบังเอิญเรียนด้วย หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนวิชาชีพในรัสเซีย Maxim Berezovsky) ในอิตาลีเดียวกัน โมสาร์ทที่อายุน้อยได้ทำ "บาปร้ายแรง" ซึ่งรวมอยู่ในชีวประวัติทั้งหมด: ในโบสถ์น้อยซิสทีน เมื่อได้ยินเพียงครั้งเดียว เขาจำได้อย่างสมบูรณ์และจดบันทึกที่ได้รับการคุ้มครอง
งานวาติกัน "Miserere" โดย Allegri “ และที่นี่โวล์ฟกังผ่าน "การทดสอบ" ที่มีชื่อเสียงสำหรับการได้ยินที่ละเอียดอ่อนและความแม่นยำของหน่วยความจำ จากความทรงจำเขาบันทึก "Miserere" ที่มีชื่อเสียงโดย Gregorio Allegri ที่เขาได้ยิน งานนี้ได้รับการยกย่องในระดับสากลว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวเพลงและเป็นจุดสุดยอดของเพลง Good Friday ของสมเด็จพระสันตะปาปา ไม่น่าแปลกใจที่คณะนักร้องประสานเสียงดูแลอย่างดีเพื่อปกป้องงานนี้จากกรานที่ไม่ได้รับเชิญ สิ่งที่โวล์ฟกังทำได้โดยธรรมชาติทำให้เกิดความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม พ่อพยายามทำให้แม่และน้องสาวของเขาสงบลงในซาลซ์บูร์ก ซึ่งกลัวว่าด้วยการบันทึก "Miserere" โวล์ฟกังทำบาปและอาจตกอยู่ในสถานการณ์ที่ไม่พึงประสงค์ โมสาร์ทไม่เพียงแต่ไม่จบการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเท่านั้น เขาไม่ได้เรียนที่โรงเรียนด้วย การศึกษาทั่วไปของเขาได้รับการจัดการโดยพ่อของเขา (คณิตศาสตร์, ภาษา) ด้วย แต่แล้วพวกเขาก็เติบโตแต่เช้าและในทุกชั้นของสังคม ไม่มีเวลาสำหรับวัฒนธรรมย่อยของวัยรุ่น แน่นอนว่าเด็กๆ เหนื่อยมาก ในที่สุด พวกเขาก็เติบโตขึ้น ซึ่งหมายความว่าพวกเขาเลิกเป็นพวกคลั่งไคล้ และสาธารณชนก็หมดความสนใจในตัวพวกเขา อันที่จริง โมสาร์ทต้อง "พิชิต" ผู้ชมอีกครั้ง เพราะเป็นนักดนตรีที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว ในปี ค.ศ. 1773 โมสาร์ทวัยหนุ่มเริ่มทำงานให้กับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขามีโอกาสได้เดินทางต่อไปและแน่นอนว่าต้องทำงานหนัก ภายใต้อาร์คบิชอปคนต่อไป โมสาร์ทออกจากตำแหน่งในราชสำนักและกลายเป็นศิลปินอิสระ หลังจากวัยเด็กที่ประกอบด้วยทัวร์ยุโรปและการบริการกับอาร์คบิชอป โมสาร์ทย้ายไปเวียนนา เขายังคงเดินทางไปเมืองอื่นๆ ในยุโรปเป็นระยะ แต่เมืองหลวงของออสเตรียจะกลายเป็นบ้านถาวรของเขา “โมสาร์ทเป็นนักดนตรีรายใหญ่ที่สุดคนแรกที่ยังคงเป็นศิลปินอิสระและเป็นนักแต่งเพลงคนแรกในประวัติศาสตร์ ซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะโบฮีเมียน แน่นอนว่าการทำงานเพื่อตลาดเสรีหมายถึงความยากจน” ชีวิต "บนขนมปังฟรี" ไม่ได้เรียบง่ายและเป็นสีดอกกุหลาบอย่างที่คิด ในดนตรีของโมสาร์ทที่โตเต็มที่ เราสามารถสัมผัสได้ถึงโศกนาฏกรรมแห่งโชคชะตาอันยอดเยี่ยมของเขา ผ่านความสดใสและความงามของดนตรี ความเศร้าและความเข้าใจ การแสดงออก ความหลงใหล และการแสดงละครได้รับการเน้นย้ำ โวล์ฟกัง โมสาร์ท ทิ้งผลงานไว้กว่า 600 ชิ้นในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา คุณต้องเข้าใจว่าเรากำลังพูดถึงงานขนาดใหญ่: โอเปร่า คอนเสิร์ต ซิมโฟนี Mozart เป็นนักแต่งเพลงสากล เขาเขียนทั้งดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง นั่นคือในทุกประเภทและรูปแบบที่มีอยู่ในเวลาของเขา ในอนาคตความเป็นสากลดังกล่าวจะหายาก แต่โมสาร์ทเป็นสากล ไม่เพียงเพราะเหตุนี้: “ดนตรีของเขาประกอบด้วยโลกที่กว้างใหญ่ มันมีสวรรค์และโลก ธรรมชาติและมนุษย์ ความขบขันและโศกนาฏกรรม ความหลงใหลในทุกรูปแบบและลึกซึ้ง
ความสงบภายใน" (K. Barth) พอจะระลึกถึงผลงานบางส่วนของเขา: โอเปร่า ซิมโฟนี คอนแชร์โต โซนาตา การเรียบเรียงเปียโนของ Mozart มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการฝึกสอนและการแสดงของเขา เขาเป็นนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ในศตวรรษที่สิบแปด แน่นอนว่ามีนักดนตรีที่ไม่ด้อยกว่า Mozart ในด้านความสามารถ (ในเรื่องนี้คู่แข่งหลักของเขาคือ Muzio Clementi) แต่ไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบเขาได้ในความหมายที่ลึกซึ้งของการแสดง ชีวิตของโมสาร์ทเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และเปียโนฟอร์เต (อย่างที่เปียโนเคยเรียกกันมาก่อน) เป็นเรื่องปกติในชีวิตดนตรีในเวลาเดียวกัน และหากสัมพันธ์กับงานยุคแรกของโมสาร์ท เป็นเรื่องปกติที่จะพูดถึงสไตล์คลาเวียร์ นักแต่งเพลงก็แต่งขึ้นสำหรับเปียโนตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1770 อย่างไม่ต้องสงสัย นวัตกรรมของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบของแผนที่น่าสมเพช Mozart เป็นหนึ่งในเมโลดี้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เพลงของเขาผสมผสานคุณสมบัติของเพลงลูกทุ่งออสเตรียและเยอรมันเข้ากับความไพเราะของเพลงอิตาลี แม้ว่างานของเขาจะโดดเด่นด้วยกวีนิพนธ์และความสง่างามอันละเอียดอ่อน แต่ก็มักมีท่วงทำนองที่มีความน่าสมเพชอย่างมากและองค์ประกอบที่ตัดกัน Chamber - ความคิดสร้างสรรค์เชิงบรรเลงของ Mozart นั้นแสดงโดยตระการตาที่หลากหลาย (ตั้งแต่คลอไปจนถึงกลุ่ม) และทำงานให้กับเปียโน (โซนาต้า, หลากหลายรูปแบบ, แฟนตาซี) สไตล์เปียโนของ Mozart โดดเด่นด้วยความสง่างาม ความชัดเจน การบรรเลงเมโลดี้และการบรรเลงอย่างพิถีพิถัน W. Mozart เขียนคอนแชร์โต 27 รายการสำหรับเปียโนและออเคสตรา 19 โซนาตา 15 รอบรูปแบบต่างๆ 4 จินตนาการ (สองใน c-moll หนึ่งใน C-dur รวมกับความทรงจำ และอีกหนึ่งใน d-moll) นอกจากวงจรขนาดใหญ่แล้ว ยังมีงานชิ้นเล็กๆ อีกหลายชิ้นในงานของ Mozart ซึ่งตัวเขาเองไม่ได้ให้ความสำคัญเสมอไป เหล่านี้เป็น minuets ที่แยกจากกัน rondos, Adagio, fugues โอเปร่าเป็นศิลปะที่มีความสำคัญทางสังคม ในศตวรรษที่ 18 นอกเหนือจากโรงอุปรากรในศาลแล้วยังมีโรงอุปรากรสาธารณะสองประเภท: จริงจังและตลกในประเทศ (ซีเรียและควาย) แต่ในเยอรมนีและออสเตรีย Singspiel ก็เจริญรุ่งเรือง ในบรรดาผลงานจำนวนมากที่สร้างขึ้นโดยอัจฉริยะของ Mozart โอเปร่าเป็นลูกหลานที่ชื่นชอบ ในงานของเขา แกลลอรี่ภาพชีวิตที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาของโอเปร่าสามารถสืบหาได้ - ซีรีส์ ควายและซิงสปีล ประณีตและตลกขบขัน อ่อนโยนและซุกซน ฉลาดและเรียบง่าย - ทุกภาพถูกพรรณนาโดยธรรมชาติและตามความเป็นจริงทางจิตใจ ดนตรีของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ทผสมผสานลัทธิแห่งเหตุผล ความเรียบง่ายอันสูงส่ง และลัทธิแห่งหัวใจ อุดมคติของบุคลิกภาพอิสระอย่างกลมกลืน สไตล์ของโมสาร์ทได้รับการพิจารณามาโดยตลอดว่าเป็นตัวตนของความสง่างาม ความเบา ความมีชีวิตชีวาของจิตใจ และความซับซ้อนหลังชนชั้นสูง
P.I. Tchaikovsky เขียนว่า: "Mozart เป็นจุดที่สูงที่สุดซึ่งความงามมาถึงด้านดนตรี ... สิ่งที่เราเรียกว่าอุดมคติ"
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
16 ธันวาคม พ.ศ. 2370 – 26 มีนาคม พ.ศ. 2370
ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีชื่อเสียงในฐานะนักซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการต่อสู้ มันใช้ความคิดขั้นสูงของการตรัสรู้ซึ่งยืนยันสิทธิและศักดิ์ศรีของมนุษย์ เขาเป็นเจ้าของซิมโฟนีเก้าเพลง บทเพลงไพเราะจำนวนหนึ่ง ("Egmont", "Coriolanus") และเปียโนโซนาตา 32 ตัวประกอบขึ้นเป็นยุคแห่งดนตรีเปียโน โลกแห่งภาพของเบโธเฟนมีความหลากหลาย ฮีโร่ของเขาไม่เพียงแต่กล้าหาญและหลงใหลเท่านั้น แต่ยังมีสติปัญญาที่พัฒนาอย่างประณีตอีกด้วย เขาเป็นนักสู้และนักคิด ในดนตรีของเขา ชีวิตแสดงให้เห็นในความหลากหลาย - ความหลงใหลในพายุและความเพ้อฝันที่แยกจากกัน สิ่งที่น่าสมเพชอย่างมากและการสารภาพในเชิงโคลงสั้น ๆ รูปภาพของธรรมชาติและฉากในชีวิตประจำวัน ในช่วงสุดท้ายของยุคคลาสสิก ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในขณะเดียวกันก็เปิดประตูสู่ศตวรรษหน้า เบโธเฟนอายุน้อยกว่าโมสาร์ทหนึ่งทศวรรษครึ่ง แต่นี่เป็นเพลงที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ เขาเป็นคนของ "คลาสสิก" แต่ในผลงานที่โตเต็มที่ของเขาเขาใกล้ชิดกับแนวโรแมนติก แนวดนตรีของเบโธเฟนเป็นการเปลี่ยนจากความคลาสสิกมาเป็นแนวโรแมนติก แต่เพื่อให้เข้าใจงานของเขา ก่อนอื่นต้องมองภาพพาโนรามาของชีวิตทางสังคมและดนตรีในสมัยนั้น ปลายศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ “Sturm and Drang” (Sturm und Drang) เกิดขึ้นและพัฒนา - ช่วงเวลาที่มาตรฐานพังทลาย
คลาสสิกเพื่อสนับสนุนอารมณ์ความรู้สึกและการเปิดกว้างมากขึ้น ปรากฏการณ์นี้ได้จับขอบเขตของวรรณคดีและศิลปะทั้งหมด แต่ก็มีชื่อที่น่าสนใจ: เคาน์เตอร์ - การตรัสรู้ ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ "Sturm und Drang" คือ Johann Wolfgang Goethe และ Friedrich Schiller และช่วงเวลานี้เองที่คาดว่าจะมีการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติก การชาร์จพลังงานและความเข้มข้นของความรู้สึกของดนตรีของเบโธเฟนนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับปรากฏการณ์ที่ระบุไว้ในชีวิตสาธารณะของยุโรปตะวันตกในขณะนั้นและกับสถานการณ์ของชีวิตส่วนตัวของอัจฉริยะ Ludwig van Beethoven เกิดที่เมืองบอนน์ ครอบครัวไม่ร่ำรวย โดยกำเนิด - เฟลมิงส์ ตามอาชีพ - นักดนตรี พ่อกระตือรือร้นที่จะสร้าง "โมสาร์ทคนที่สอง" จากลูกชายของเขา แต่อาชีพนักเล่นคอนเสิร์ตอัจฉริยะ - เด็กอัจฉริยะไม่ได้ผล แต่มี "การเจาะ" อย่างต่อเนื่องเบื้องหลังเครื่องดนตรี ในวัยเด็กลุดวิกเริ่มหารายได้พิเศษ (เขาต้องออกจากโรงเรียน) และเมื่ออายุ 17 เขาต้องรับผิดชอบต่อครอบครัว: เขาทำงานด้วยเงินเดือนประจำและให้บทเรียนส่วนตัว พ่อติดเหล้า แม่เสียชีวิตเร็ว และน้องชายยังคงอยู่ในครอบครัว อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนหาเวลาและไปเยี่ยมมหาวิทยาลัยบอนน์ในฐานะอาสาสมัคร เยาวชนในมหาวิทยาลัยทุกคนถูกจับกุมด้วยแรงกระตุ้นจากการปฏิวัติที่มาจากฝรั่งเศส อัจฉริยะรุ่นเยาว์ชื่นชมอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศส เขายังอุทิศซิมโฟนี "วีรชน" ครั้งที่ 3 ให้กับนโปเลียน โบนาปาร์ต แต่จากนั้นก็ข้ามการอุทิศตน ผิดหวังใน "ศูนย์รวมแห่งอุดมคติทางโลก" แทน เขาระบุว่า: "ในความทรงจำของผู้ยิ่งใหญ่" "ไม่มีใครตัวเล็กเท่าคนตัวใหญ่" - คำพูดที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน อุดมคติของ "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ" ยังคงเป็นอุดมคติของเบโธเฟนตลอดกาล และนั่นหมายถึงความผิดหวังครั้งใหญ่ในชีวิต Ludwig van Beethoven ศึกษาและเคารพงานของ J. S. Bach อย่างละเอียดถี่ถ้วน ในกรุงเวียนนา เขาแสดงต่อหน้าโมสาร์ท ซึ่งทำให้นักดนตรีรุ่นเยาว์ได้คะแนนสูง ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ย้ายไปเวียนนาอย่างสมบูรณ์ ต่อมาก็ช่วยน้องชายของเขาย้ายไปที่นั่น ทั้งชีวิตของเขาจะเชื่อมโยงกับเมืองนี้ ในกรุงเวียนนา เขาเรียนวิชาพิเศษ ในบรรดาครูของเขาคือ Haydn และ Salieri (โซนาต้าไวโอลิน Beethoven สามตัวอุทิศให้กับ Salieri) เขาแสดงในห้องโถงของขุนนางเวียนนาและในคอนเสิร์ตของเขาเองต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก นิ้วของเขาบนแป้นพิมพ์ถูกขนานนามว่า "ปีศาจ" “ฉันอยากคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ มันไม่สำเร็จแน่ถ้าจะก้มลงกับพื้น” (จากจดหมายของเบโธเฟน) ในวัยหนุ่มของเขา เบโธเฟนตระหนักว่าเขาเป็นคนหูหนวก (“เป็นเวลาสองปีแล้วที่ฉันหลีกเลี่ยงสังคมทั้งหมดอย่างระมัดระวังเพราะฉันพูดกับคนอื่นไม่ได้:“ ฉันหูหนวก! » มันจะยังเป็นไปได้ถ้า
ฉันมีอาชีพอื่น แต่ด้วยฝีมือของฉัน ไม่มีอะไรจะแย่ไปกว่านี้อีกแล้ว" (จากจดหมายของเบโธเฟน) การแทรกแซงเป็นระยะโดยแพทย์ไม่ได้นำมาซึ่งการรักษาหูหนวกคืบหน้า ในตอนท้ายของชีวิตเขาไม่ได้ยินอะไรเลย แต่การได้ยินภายในยังคงอยู่ - อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะได้ยินสิ่งที่ได้ยินภายใน "ด้วยตาของคุณเอง" อีกต่อไป และการสื่อสารกับผู้คนเป็นเรื่องยากมาก กับเพื่อน ๆ พวกเขาฝึกเขียนในสมุดบันทึก "สนทนา" คนหูหนวกที่ได้ยินทุกอย่าง - ตามที่บางครั้งเขาถูกเรียก และเขาได้ยินสิ่งสำคัญ: ไม่ใช่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดความรู้สึกด้วย เขาได้ยินและเข้าใจผู้คน “ ความรัก, ความทุกข์, ความดื้อรั้นของเจตจำนง, การเปลี่ยนแปลงของความสิ้นหวังและความภาคภูมิใจ, ละครภายใน - เราพบทั้งหมดนี้ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน” ... (Romain Rolland) ความเสน่หาจากใจจริงของเบโธเฟนเป็นที่รู้จัก: เคาน์เตสจูเลียต กุยเซียร์ดีวัยเยาว์ แต่เขาอยู่คนเดียว ใครคือ "คู่รักอมตะ" ของเขา จดหมายที่ถูกพบหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง ไม่ทราบแน่ชัด แต่นักวิจัยบางคนถือว่าเทเรซา บรันสวิก นักเรียนของแอล. เบโธเฟนเป็น "คู่รักอมตะ" เธอมีความสามารถทางดนตรี - เธอเล่นเปียโนได้อย่างสวยงาม ร้องเพลงและแม้กระทั่งเล่นดนตรี ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีมิตรภาพอันยาวนานกับเทเรซา ภายในปี พ.ศ. 2357 เบโธเฟนมีชื่อเสียงไปทั่วโลก สภาคองเกรสแห่งเวียนนาเริ่มต้นขึ้น - หลังจากชัยชนะเหนือนโปเลียนและการเข้ามาของกองทัพรัสเซีย ออสเตรีย และปรัสเซียในปารีส - และรัฐสภาแห่งเวียนนาอันโด่งดังอันโด่งดังเริ่มต้นด้วยโอเปร่า Fidelio ของเบโธเฟน เบโธเฟนกลายเป็นคนดังในยุโรป เขาได้รับเชิญไปที่พระราชวังหลวงเพื่อเฉลิมฉลองเนื่องในวันชื่อของจักรพรรดินีรัสเซียซึ่งเขาให้ของขวัญแก่เขา: Polonaise ที่วาดโดยเขา ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน แต่งมาก
เปียโนโซนาตา 32 ตัว
เปียโนโซนาต้ามีไว้สำหรับเบโธเฟนเป็นรูปแบบที่ตรงที่สุดสำหรับการแสดงความคิดและความรู้สึกที่กวนใจเขา ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจทางศิลปะหลักของเขา ความดึงดูดใจของเขาที่มีต่อแนวเพลงนั้นยาวนานเป็นพิเศษ หากซิมโฟนีปรากฏขึ้นสำหรับเขาอันเป็นผลจากการค้นหาและลักษณะทั่วไปของการค้นหาเป็นเวลานาน โซนาต้าเปียโนก็สะท้อนถึงการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายโดยตรง เบโธเฟนในฐานะนักเปียโนผู้เก่งกาจ แม้แต่ด้นสดส่วนใหญ่มักจะอยู่ในรูปแบบโซนาตา ในการแสดงด้นสดของเบโธเฟนที่ดุเดือด ดั้งเดิม และไร้การควบคุม ภาพของงานอันยิ่งใหญ่ในอนาคตของเขาถือกำเนิดขึ้น โซนาต้าของเบโธเฟนแต่ละชิ้นเป็นผลงานศิลปะที่สมบูรณ์ รวมกันเป็นสมบัติล้ำค่าของความคิดคลาสสิกในดนตรี เบโธเฟนตีความเปียโนโซนาต้าว่าเป็นแนวเพลงที่ครอบคลุมซึ่งสามารถสะท้อนถึงความหลากหลายของสไตล์ดนตรีสมัยใหม่ได้ ที่
ในเรื่องนี้ เขาเปรียบได้กับ Philipp Emanuel Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) นักแต่งเพลงคนนี้เกือบลืมไปแล้วในสมัยของเราเป็นคนแรกที่ให้เสียงโซนาต้าของศตวรรษที่สิบแปด ความสำคัญของศิลปะดนตรีชั้นนำประเภทหนึ่งทำให้งานกลาเวียร์ของเขาอิ่มตัวด้วยความคิดที่ลึกซึ้ง เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เดินตามเส้นทางของ F. E. Bach เหนือกว่าผู้บุกเบิกในด้านความกว้าง ความหลากหลาย และความสำคัญของแนวคิดที่แสดงในเปียโนโซนาตา ความสมบูรณ์แบบทางศิลปะและความสำคัญ ภาพและอารมณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่งานอภิบาลที่นุ่มนวลไปจนถึงความเคร่งขรึมที่น่าสมเพช ตั้งแต่บทเพลงที่เปล่งออกมาจนถึงการหยุดอภิปรัชญาจากความคิดเชิงปรัชญาไปจนถึงช่วงเวลาประเภทพื้นบ้าน จากโศกนาฏกรรมถึงเรื่องตลก - แสดงลักษณะของเปียโนโซนาตา 32 ตัวของเบโธเฟนซึ่งสร้างขึ้นโดยเขามากกว่า หนึ่งในสี่ของศตวรรษ เส้นทางจากเพลงแรก (1792) ไปจนถึงเพลงสุดท้าย (1822) Beethoven Sonata นับเป็นยุคสมัยทั้งหมดในประวัติศาสตร์ดนตรีเปียโนของโลก เบโธเฟนเริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่าย (ยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นส่วนใหญ่) และจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่ ด้วยช่วงเสียงที่กว้างใหญ่และความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการแสดงออกมากมาย นักแต่งเพลงเรียกโซนาตาสุดท้ายของเขาว่า "งานสำหรับเครื่องดนตรีที่ใช้ค้อน" (Hammerklavier) นักแต่งเพลงเน้นย้ำถึงความทันสมัย
นักเปียโน
การแสดงออก ในปีพ. ศ. 2365 ด้วยการสร้าง Sonata ที่สามสิบสอง Beethoven ได้เสร็จสิ้นการเดินทางอันยาวนานในพื้นที่แห่งความคิดสร้างสรรค์นี้ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ทำงานอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับปัญหาของความสามารถทางเปียโน ในการค้นหาภาพเสียงที่มีเอกลักษณ์ เขาได้พัฒนาสไตล์เปียโนดั้งเดิมอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ความรู้สึกของพื้นที่โปร่งโล่งกว้าง ทำได้โดยการเปรียบเทียบรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกล คอร์ดขนาดใหญ่ หนาแน่น สมบูรณ์ มีหลายแง่มุม เทคนิคเครื่องดนตรีประเภทเสียงต่ำ การใช้เอฟเฟกต์แป้นเหยียบที่หลากหลาย (โดยเฉพาะแป้นเหยียบด้านซ้าย) - นี่คือคุณลักษณะเฉพาะบางประการของนวัตกรรม เทคนิคเปียโนสไตล์เบโธเฟน เริ่มต้นด้วยโซนาตาแรก เบโธเฟนเปรียบเทียบแชมเบอร์มิวสิคของดนตรีกลาเวียร์ของศตวรรษที่ 18 ภาพเฟรสโกเสียงตระการตาของพวกเขา วาดด้วยลายเส้นขนาดใหญ่หนา โซนาต้าของเบโธเฟนเริ่มคล้ายกับซิมโฟนีสำหรับเปียโน เปียโนโซนาต้าอย่างน้อย 1 ใน 3 จาก 32 ตัวเป็นที่รู้จักกันดีแม้กระทั่งกับผู้ที่คิดว่าตนเองเป็น "ไม่ใช่มือสมัครเล่น" ในหมู่พวกเขา: โซนาต้า "น่าสงสาร" หมายเลข 8 การเริ่มต้นที่น่าภาคภูมิใจและน่าเศร้า - และคลื่นดนตรีที่ยกระดับ กวีทั้ง 3 ตอน แต่ละบทมีความสวยงาม ความสุข ความทุกข์ การกบฏ และการดิ้นรน - วงเวียนภาพทั่วไปของเบโธเฟน แสดงออกที่นี่ทั้งรุนแรงและยิ่งใหญ่
ขุนนาง นี่เป็นเพลงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับบีโธเฟนโซนาตาหรือซิมโฟนีอื่นๆ "Quasi una fantasia" หรือที่เรียกว่า "Moonlight" โซนาตาหมายเลข 14 ซึ่งอุทิศให้กับคุณหญิง Giulietta Guicciardi ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Beethoven นักแต่งเพลงถูกจูเลียตพาไปและคิดเกี่ยวกับการแต่งงาน แต่เธอก็ชอบคนอื่น โดยปกติ ผู้ฟังจะถูกจำกัดไว้ในส่วนแรก โดยไม่สงสัยว่าจะมีตอนจบแบบไหน - "น้ำตกที่เลี้ยงดู" - ในการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบของหนึ่งในนักวิจัย และยังมี "Appassionata" (ฉบับที่ 23), "The Tempest" (ฉบับที่ 17), "Aurora" (ฉบับที่ 21) ... Piano sonatas เป็นหนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดและล้ำค่าที่สุดของมรดกอันยอดเยี่ยมของเบโธเฟน ในภาพอันตระการตาที่ยาวและน่าตื่นเต้น ทั้งชีวิตของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม จิตใจที่ยิ่งใหญ่ และหัวใจที่ยิ่งใหญ่ส่งผ่านต่อหน้าเรา ไม่ใช่มนุษย์ต่างดาว แต่ด้วยเหตุผลนี้เอง อุดมคติอันศักดิ์สิทธิ์ที่สุดของมนุษยชาติขั้นสูง แอล. เบโธเฟนสานต่อประเพณีของโมสาร์ท แต่ดนตรีของเขาได้รับการแสดงออกใหม่อย่างสมบูรณ์: ละครในดนตรีนำไปสู่โศกนาฏกรรม อารมณ์ขันถึงการประชด และเนื้อเพลงกลายเป็นการเปิดเผยของจิตวิญญาณที่ทุกข์ทรมาน ภาพสะท้อนทางปรัชญาเกี่ยวกับชะตากรรมและโลก ดนตรีเปียโนของเบโธเฟนเป็นตัวอย่างของรสนิยมทางศิลปะ ผู้ร่วมสมัยมักเปรียบเทียบอารมณ์ทางอารมณ์ของโซนาต้าของเบโธเฟนกับโศกนาฏกรรมของชิลเลอร์ที่น่าสมเพช นอกจากโซนาต้าสำหรับเปียโน 32 ตัวแล้ว ยังมีโซนาต้าสำหรับไวโอลินอีกด้วย หลายคนคุ้นเคยกับชื่อเป็นอย่างดี - "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 สำหรับไวโอลินและเปียโน แล้วก็มีเครื่องสายที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน ในจำนวนนี้ "Russian Quartets" ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ พวกเขาได้ยินท่วงทำนองรัสเซียจริงๆ ("โอ้พรสวรรค์ความสามารถของฉัน", "ความรุ่งโรจน์" - เบโธเฟนคุ้นเคยกับเพลงเหล่านี้จากคอลเล็กชันของ Lvov เป็นพิเศษ) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ: ควอร์เต็ตเขียนตามคำสั่งของนักการทูตรัสเซีย Andrei Razumovsky ซึ่งอาศัยอยู่ในเวียนนาเป็นเวลานานและเป็นผู้อุปถัมภ์ของเบโธเฟน Razumovsky อุทิศให้กับสองซิมโฟนีของนักแต่งเพลง เบโธเฟนมีเก้าซิมโฟนี ซึ่งส่วนใหญ่เป็นที่รู้จักของสาธารณชน ฉันขอเตือนคุณเกี่ยวกับซิมโฟนีที่สาม (ฮีโร่) ซิมโฟนีที่ห้าที่มีธีมแห่งโชคชะตาที่มีชื่อเสียง "การระเบิดแห่งโชคชะตา" เหล่านี้ล้มลงอีกครั้ง โชคชะตายังคงเคาะประตูอยู่ และการต่อสู้ไม่ได้จบลงที่ส่วนแรก ผลลัพธ์จะปรากฏเฉพาะในตอนจบ ซึ่งธีมของโชคชะตากลายเป็นความปีติยินดีของความสุขแห่งชัยชนะ พระ (ซิมโฟนีที่ 6) - ชื่อของมันบ่งบอกถึงการสวดมนต์ของธรรมชาติ ในที่สุดซิมโฟนีที่ 7 อันน่าทึ่งก็โด่งดังที่สุด
ซิมโฟนียุคที่เก้าซึ่งเป็นแนวคิดที่เบโธเฟนสุกงอมมาเป็นเวลานาน เบโธเฟนยังใช้ชีวิตแบบ "ศิลปินอิสระ" (อย่างไรก็ตาม เริ่มจากโมสาร์ท สิ่งนี้กลายเป็นบรรทัดฐาน) ด้วยความลำบากและความไม่แน่นอนทั้งหมด หลายครั้งที่เบโธเฟนพยายามจะออกจากเวียนนา จากนั้นขุนนางออสเตรียก็เสนอเงินเดือนให้เขา ถ้าเพียงแต่เขาจะไม่จากไป และเบโธเฟนยังคงอยู่ที่เวียนนา ที่นี่เขาได้พบกับชัยชนะหลักของเขา จากก้นบึ้งของความเศร้าโศก Beethoven วางแผนที่จะเชิดชู Joy (โรลแลนด์). เบโธเฟนป่วยหนักอยู่แล้ว นี่ไม่ใช่แค่อาการหูหนวกเท่านั้น แต่นักแต่งเพลงก็พัฒนาโรคตับอย่างรุนแรง มีเงินไม่พอ มีปัญหาชีวิตส่วนตัว (หลานชาย) ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ บางสิ่งที่บางครั้งยากต่อการพิจารณาว่ามนุษย์สร้างขึ้นได้ถือกำเนิดขึ้น กอดล้าน! (เบโธเฟน ซิมโฟนีที่ 9 ตอนจบ). เรียกอีกอย่างว่า Choral Symphony เนื่องจากในตอนจบมีเสียงคณะนักร้องประสานเสียงที่รู้จักกันดีในขณะนี้กับคำพูดของ Friedrich Schiller - "Ode to Joy" ซึ่งกลายเป็นเพลงสวดที่แตกต่างกันเป็นระยะ ๆ ตอนนี้มันเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมี สหภาพยุโรป. เบโธเฟนเสียชีวิตเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ในปี 2550 นักพยาธิวิทยาชาวเวียนนาและผู้เชี่ยวชาญด้านนิติเวช Christian Reiter (รองศาสตราจารย์ด้านนิติเวชศาสตร์แห่งมหาวิทยาลัยการแพทย์แห่งเวียนนา) แนะนำว่าแพทย์ของเขา Andreas Wavruch เร่งการตายของเบโธเฟนโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งเจาะช่องท้องของผู้ป่วยซ้ำ ๆ ( เพื่อเอาของเหลวออก) หลังจากนั้นเขาก็ทาโลชั่นที่มีตะกั่วไปที่บาดแผล การศึกษาเกี่ยวกับเส้นผมของ Reuter พบว่าระดับตะกั่วของเบโธเฟนเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วทุกครั้งที่พบแพทย์
เบโธเฟน - ครู
เบโธเฟนเริ่มสอนดนตรีในขณะที่ยังอยู่ในเมืองบอนน์ Stefan Breining นักเรียนจากเมืองบอนน์ยังคงเป็นเพื่อนที่อุทิศตนให้กับนักประพันธ์เพลงมากที่สุดจนถึงวาระสุดท้ายของเขา Braining ช่วย Beethoven ในการทำบท "Fidelio" ใหม่ ในกรุงเวียนนา นักเรียนของเบโธเฟนคือเคาน์เตสจูเลียต กวิชชาร์ดีในฮังการี ซึ่งเบโธเฟนอาศัยอยู่ที่คฤหาสน์บรันสวิก เทเรซา บรันสวิกศึกษากับเขา Dorothea Ertmann นักเปียโนที่เก่งที่สุดคนหนึ่งในเยอรมนี ยังเป็นนักเรียนของ Beethoven อีกด้วย ดี. เอิร์ตแมนมีชื่อเสียงในการแสดงผลงานของเบโธเฟน นักแต่งเพลงได้อุทิศ Sonata No. 28 ให้เธอ เมื่อรู้ว่าลูกของ Dorothea เสียชีวิต Beethoven ก็เล่นให้เธอเป็นเวลานาน Carl Czerny ก็เริ่มเรียนกับ Beethoven ด้วย บางทีคาร์ลอาจเป็นลูกคนเดียวในหมู่นักเรียนของเบโธเฟน เขาอายุเพียงเก้าขวบ แต่เขาแสดงคอนเสิร์ตไปแล้ว Czerny ศึกษากับ Beethoven เป็นเวลาห้าปีหลังจากนั้นผู้แต่งได้มอบเอกสารที่เขาตั้งข้อสังเกตไว้
"ความสำเร็จที่โดดเด่นของนักเรียนและความทรงจำทางดนตรีที่น่าอัศจรรย์ของเขา" ความทรงจำของ Czerny นั้นยอดเยี่ยมมาก เขารู้ด้วยใจจริงถึงการแต่งเปียโนของครูทั้งหมด Czerny เริ่มสอนตั้งแต่เนิ่นๆ และในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในครูที่ดีที่สุดในเวียนนา ในบรรดานักเรียนของเขาคือ Teodor Leshetitsky ผู้ซึ่งเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนเปียโนรัสเซีย Leshetitsky เมื่อย้ายไปรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแล้วก็เป็นครูของ A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar Franz Liszt เรียนกับ K. Czerny เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ความสำเร็จของเขายิ่งใหญ่มากจนครูอนุญาตให้เขาพูดกับสาธารณชน เบโธเฟนเข้าร่วมคอนเสิร์ต เขาเดาพรสวรรค์ของเด็กชายและจูบเขา Liszt เก็บความทรงจำของจูบนี้มาตลอดชีวิต ไม่ใช่ Czerny แต่ Liszt สืบทอดสไตล์การเล่นของ Beethoven เช่นเดียวกับเบโธเฟน Liszt ปฏิบัติต่อเปียโนเหมือนวงออเคสตรา ขณะท่องเที่ยวยุโรป เขาได้เลื่อนตำแหน่งงานของเบโธเฟน ไม่เพียงแต่แสดงงานเปียโนของเขาเท่านั้น แต่ยังแสดงซิมโฟนีด้วย ซึ่งเขาดัดแปลงสำหรับเปียโนด้วย ในสมัยนั้น ดนตรีของเบโธเฟน โดยเฉพาะดนตรีไพเราะ ยังไม่เป็นที่รู้จักของผู้ชมจำนวนมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ F. Liszt ที่อนุสาวรีย์ของนักแต่งเพลง Ludwig van Beethoven ถูกสร้างขึ้นในเมือง Bonn ในปี 1839 เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่รู้จักเพลงของ Beethoven การพูดน้อยและการผ่อนปรนของท่วงทำนอง ไดนามิก จังหวะของกล้ามเนื้อที่ชัดเจน - นี่คือสไตล์ฮีโร่ดราม่าที่จดจำได้ง่าย แม้แต่ในส่วนที่ช้า (ซึ่งเบโธเฟนไตร่ตรอง) ธีมหลักของเบโธเฟนก็ฟังดู: ผ่านความทุกข์ - สู่ความสุข "ผ่านหนามสู่ดวงดาว" M.I. Glinka ถือว่าเบโธเฟนเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิกแบบเวียนนา ศิลปินที่เจาะลึกถึงส่วนลึกของจิตวิญญาณมนุษย์และถ่ายทอดออกมาเป็นเสียงได้อย่างสมบูรณ์แบบ เบโธเฟนกล่าวว่า: "ดนตรีควรจุดไฟจากจิตวิญญาณมนุษย์!"
บทสรุป
การเติบโตของเสรีภาพในสังคมทำให้เกิดการแสดงคอนเสิร์ตสาธารณะ สมาคมดนตรีและวงออเคสตราเป็นครั้งแรกในเมืองหลักของยุโรป การพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีใหม่ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ทำให้เกิดการเกิดขึ้นของร้านเสริมสวยส่วนตัวหลายแห่ง การแสดงโอเปร่า วัฒนธรรมดนตรีคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงหลายประเภท เช่น โซนาตา ซิมโฟนี ควอเตต ในยุคนี้ ประเภทของคอนเสิร์ตคลาสสิก รูปแบบของการเปลี่ยนแปลง การตกผลึก และการปฏิรูปประเภทโอเปร่าเกิดขึ้น
มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในวงออเคสตรา ไม่จำเป็นต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีหลัก เครื่องดนตรีประเภทลม - คลาริเน็ต ขลุ่ย ทรัมเป็ตและอื่น ๆ ในทางตรงกันข้ามได้เข้ามาแทนที่ในวงออเคสตราและสร้างใหม่พิเศษ เสียง. องค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรานำไปสู่การเกิดขึ้นของซิมโฟนี - ประเภทดนตรีที่สำคัญที่สุด หนึ่งในนักประพันธ์เพลงคนแรกที่ใช้รูปแบบไพเราะคือลูกชายของ I.S. บาค - คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล บาค ร่วมกับองค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรา the
เครื่องสายประกอบด้วยไวโอลินสองตัว วิโอลาและเชลโล องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับเครื่องสายสี่จังหวะที่มีมาตรฐานของตัวเองในสี่จังหวะ ฟอร์มโซนาต้า-ซิมโฟนิกหลายส่วน (4 - วัฏจักรบางส่วน) ถูกสร้างขึ้น ซึ่งยังคงเป็นพื้นฐานของการแต่งเพลงประกอบหลายอย่าง ในยุคเดียวกันนั้น เปียโนถูกสร้างขึ้น การออกแบบในช่วงศตวรรษที่ 18 ผ่านการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญกลไกแป้นพิมพ์และค้อนได้รับการปรับปรุงโครงเหล็กหล่อคันเหยียบแนะนำกลไก "การซ้อมสองครั้ง" การจัดเรียงของสตริงเปลี่ยนไปช่วงขยาย นวัตกรรมเชิงวิวัฒนาการทั้งหมดนี้ทำให้นักเปียโนสามารถแสดงผลงานอัจฉริยะในหลากหลายวิธีได้ง่ายขึ้น โดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายและไดนามิกที่สมบูรณ์ โจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน - สามชื่อผู้ยิ่งใหญ่ สาม "ไททันส์" ที่ลงไปในประวัติศาสตร์ว่า
เวียนนา
คลาสสิก
. นักแต่งเพลงของโรงเรียนเวียนนาเชี่ยวชาญดนตรีหลากหลายแนวตั้งแต่เพลงประจำวันไปจนถึงซิมโฟนี ดนตรีสไตล์ระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาเชิงเปรียบเทียบมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่เรียบง่ายแต่สมบูรณ์แบบ เป็นคุณลักษณะหลักของงานคลาสสิกแบบเวียนนา กล่าวคือ นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกในเวียนนาได้ยกระดับแนวเพลงของเปียโนโซนาตา คอนแชร์โตคลาสสิกขึ้นสู่ระดับสูงสุด การค้นพบความคลาสสิคคือการแสดงความปรารถนาในอุดมคติสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ สำหรับการแจกจ่ายวิญญาณและชีวิตในสวรรค์ ไฮเดนกล่าวว่าพระเจ้าจะไม่ทรงขุ่นเคืองใจเขาที่ถวายเกียรติแด่พระองค์ในรูปแบบใหม่ที่สดใสและชัดเจน วัฒนธรรมดนตรีของลัทธิคลาสสิกเช่นวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์ยกย่องการกระทำของบุคคลอารมณ์และความรู้สึกของเขาซึ่งจิตใจครอบงำ ศิลปิน - ผู้สร้างผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยการคิดเชิงตรรกะ ความกลมกลืน และความชัดเจนของรูปแบบ ความคลาสสิคคือรูปแบบของยุคที่กำหนดไว้ในอดีต แต่อุดมคติของความสามัคคีและสัดส่วนของเขายังคงเป็นแบบอย่างสำหรับคนรุ่นต่อไปจนถึงทุกวันนี้
ในขณะเดียวกัน ยุคสมัยของลัทธิคลาสสิกก็ลดลงแล้ว ในรูปแบบที่ไม่เคยมีมาก่อนของ "ดอน ฮวน" ด้วยจิตวิญญาณที่ดื้อรั้นของ "เอ็กมอนต์" เราสามารถเดาศตวรรษของแนวโรแมนติกด้วยการประชดอันน่าสลดใจ ความผิดปกติของจิตสำนึกทางศิลปะ เสรีภาพของความใกล้ชิดเชิงโคลงสั้น ๆ
หลักการคลาสสิก
1. พื้นฐานของทุกสิ่งคือจิตใจ เฉพาะสิ่งที่สมเหตุสมผลเท่านั้นที่สวยงาม 2. งานหลักคือการเสริมสร้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ พระมหากษัตริย์เป็นศูนย์รวมของความสมเหตุสมผล 3. ประเด็นหลักคือความขัดแย้งทางผลประโยชน์ ความรู้สึก และหน้าที่ส่วนบุคคลและของพลเมือง 4. ศักดิ์ศรีสูงสุดของบุคคลคือการปฏิบัติหน้าที่บริการตามความคิดของรัฐ 5. มรดกของสมัยโบราณเป็นแบบอย่าง 6. เลียนแบบธรรมชาติ “ตกแต่ง” 7. หมวดหมู่หลักคือความงาม
วรรณกรรม
Keldysh Yu. V. - คลาสสิค สารานุกรมดนตรี, มอสโก: สารานุกรมโซเวียต, จาก "นักแต่งเพลงโซเวียต", 1973 - 1982. คลาสสิก - พจนานุกรมสารานุกรมใหญ่, 2000. Yu. A. Kremlev - Beethoven Piano Sonatas สำนักพิมพ์ "Soviet Composer", Moscow 1970 .
นักแต่งเพลงคลาสสิก
ฟรีดริช คาล์คเบรนเนอร์ โจเซฟ ไฮเดน โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมล แจน วานฮาล จิโอวานนี บัตติสตา เปสเช็ตตี โดมินิโก Cimarosa อีวาน ลาสคอฟสกี ลีโอโปลด์ โมสาร์ท คริสเตียน ก็อตต์ล็อบ เนเฟ โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท จิโอวานนี บัตติสตา Grazioli Andre Grétri โยฮันน์ อี. ฮุมเมล แดเนียล สไตเบลต์ อิกนาค เพลเยล ลูด็องเญล ลูด Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuque Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev เฟรเดอริก Duvernoy Gaetano Donizetti He Johann Vincenzo Bellini Albert Behrens โยฮันน์ ฟิลิปป์ Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pyotr Bulakhov ฟรีดริช Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
โรแมนติก
แนวจินตนิยมเป็นกระแสนิยมทางอุดมการณ์และศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX - เป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก ซึ่งเป็นปฏิกิริยาแบบหนึ่งต่อการตรัสรู้ด้วยลัทธิแห่งเหตุผล การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเกิดจากสาเหตุหลายประการ ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา
-
ความผิดหวังในผลการปฏิวัติฝรั่งเศส
,
ไม่ได้พิสูจน์ความหวังที่วางไว้ โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเฉพาะด้วยความขัดแย้งที่คมชัดระหว่างความเป็นจริงกับความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้วิญญาณ เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสติน ลัทธิฟิลิสเตีย และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันเป็นสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจได้ในจิตใจ แนวโรแมนติกเกิดขึ้นครั้งแรกและก่อตัวขึ้นในยุค 1790 ในประเทศเยอรมนีในแวดวงนักเขียนและนักปรัชญาของโรงเรียน Jena ซึ่งมีตัวแทนคือ W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis พี่น้อง F. และ A. Schlegel) ปรัชญาของแนวโรแมนติกได้รับการจัดระบบในผลงานของ F. Schlegel และ F. Schelling และประกอบด้วยความจริงที่ว่ามีความเพลิดเพลินในเชิงบวกของความสวยงามแสดงออกในการไตร่ตรองอย่างสงบและความเพลิดเพลินเชิงลบของประเสริฐไม่มีรูปแบบไม่มีที่สิ้นสุด ไม่ก่อให้เกิดความยินดี แต่เกิดความอัศจรรย์ใจและความเข้าใจ การสวดมนต์ที่ประเสริฐนั้นเชื่อมโยงกับความสนใจของความโรแมนติกในความชั่วร้าย การทำให้สูงส่ง และวิภาษของความดีและความชั่ว ในศตวรรษที่สิบแปด ทุกสิ่งที่แปลก งดงาม และมีอยู่ในหนังสือ ไม่ใช่ในความเป็นจริง เรียกว่าโรแมนติก แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 19 ความโรแมนติกกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ ตรงกันข้ามกับความคลาสสิกและการตรัสรู้ จากยุคสู่ยุคจากรูปแบบไปสู่รูปแบบที่ตามมาในสาขาศิลปะเราสามารถ "โยนสะพาน" และแสดงออกถึงความสอดคล้อง
คำจำกัดความของแนวโน้มทางศิลปะ: บาร็อคเป็นคำเทศนา แนวโรแมนติกคือการสารภาพ ดังนั้นพวกเขาจึง "กระจัดกระจาย" ไปด้านข้างจากความคลาสสิคที่เพรียวบางและเป็นระเบียบ ในศิลปะแบบบาโรก คนๆ หนึ่งหันไปหาบุคคล (เทศน์) ด้วยบางสิ่งที่มีความสำคัญระดับโลก ในเรื่องแนวโรแมนติก คนๆ หนึ่งหันไปหาโลก โดยประกาศกับเขาว่าประสบการณ์ที่เล็กที่สุดของจิตวิญญาณของเขามีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าสิ่งอื่นใด และนี่ไม่ใช่เพียงสิทธิ์ในความรู้สึกส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังมีสิทธิ์ในการกระทำอีกด้วย แนวจินตนิยมเข้ามาแทนที่ยุคแห่งการตรัสรู้ เกิดขึ้นพร้อมกับการปฏิวัติอุตสาหกรรม โดยมีรูปลักษณ์ของเครื่องจักรไอน้ำ รถจักรไอน้ำ เรือกลไฟ การถ่ายภาพ และบริเวณชานเมืองโรงงาน หากการตรัสรู้มีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิแห่งเหตุผลและอารยธรรมตามหลักการ ความโรแมนติกก็ยืนยันลัทธิแห่งธรรมชาติ ความรู้สึก และธรรมชาติในมนุษย์ ในยุคของความโรแมนติกที่ปรากฏการณ์ของการท่องเที่ยว การปีนเขา และปิกนิกถูกสร้างขึ้น ออกแบบมาเพื่อฟื้นฟูความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ ภาพลักษณ์ของ "คนป่าผู้สูงศักดิ์" ที่ติดอาวุธ "ภูมิปัญญาชาวบ้าน" และไม่ถูกอารยธรรมเสื่อมโทรมเป็นที่ต้องการ แนวจินตนิยมเปรียบเทียบแนวคิดการตรัสรู้ของความก้าวหน้ากับความสนใจในนิทานพื้นบ้าน ตำนาน เทพนิยาย ในคนทั่วไป การกลับคืนสู่รากเหง้าและธรรมชาติ ในการพัฒนาแนวโรแมนติกของเยอรมันต่อไปความสนใจในลวดลายเทพนิยายและตำนานนั้นแตกต่างออกไปซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของพี่น้องวิลเฮล์มและจาค็อบกริมม์ฮอฟฟ์มันน์ G. Heine เริ่มทำงานภายใต้กรอบของแนวโรแมนติกในเวลาต่อมาได้รับการปรับปรุงแก้ไขที่สำคัญ แนวโรแมนติกเชิงปรัชญาเรียกร้องให้มีการคิดใหม่เกี่ยวกับศาสนาและการแสวงหาลัทธิอเทวนิยม "ศาสนาที่แท้จริงคือความรู้สึกและรสชาติของอนันต์" ต่อมาในทศวรรษที่ 1820 สไตล์โรแมนติกได้แพร่กระจายไปยังอังกฤษ ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ แนวโรแมนติกของอังกฤษรวมถึงผลงานของนักเขียน Racine, John Keats, William Blake แนวโรแมนติกในวรรณคดีแพร่หลายในประเทศยุโรปอื่น ๆ เช่นในฝรั่งเศส - Chateaubriand, J. Steel, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; ในอิตาลี - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, ในโปแลนด์ - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; ในสหรัฐอเมริกา - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville
ในแนวโรแมนติกของรัสเซีย เสรีภาพจากอนุสัญญาแบบคลาสสิกปรากฏขึ้น เพลงบัลลาด ละครโรแมนติก ได้ถูกสร้างขึ้น แนวคิดใหม่ของสาระสำคัญและความหมายของบทกวีได้รับการยืนยันซึ่งเป็นที่ยอมรับว่าเป็นทรงกลมที่เป็นอิสระของชีวิตซึ่งเป็นการแสดงออกถึงแรงบันดาลใจสูงสุดในอุดมคติของมนุษย์ ความโรแมนติกของวรรณคดีรัสเซียแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานและความเหงาของตัวเอก ในรัสเซีย V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov สามารถนำมาประกอบกับกวีโรแมนติกได้เช่นกัน กวีนิพนธ์ยุคแรก ๆ ของ A. S. Pushkin ก็พัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของแนวโรแมนติก กวีนิพนธ์ของ M. Yu. Lermontov ถือได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวโรแมนติกของรัสเซีย เนื้อเพลงเชิงปรัชญาของ F. I. Tyutchev เป็นทั้งความสมบูรณ์และการเอาชนะแนวโรแมนติกในรัสเซีย ยวนใจเกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม แต่มีผลกระทบอย่างมากต่อดนตรีและภาพวาด ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก และน้อยกว่าในด้านสถาปัตยกรรม การพัฒนาความโรแมนติกในการวาดภาพดำเนินไปด้วยการโต้เถียงที่คมชัดกับสมัครพรรคพวกของลัทธิคลาสสิค พวกโรแมนติกเยาะเย้ยบรรพบุรุษของพวกเขาสำหรับ "เหตุผลที่เย็นชา" และไม่มี "การเคลื่อนไหวของชีวิต" ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินที่ชื่นชอบคือภูมิทัศน์ของภูเขาและซากปรักหักพังที่งดงาม คุณสมบัติหลักของมันคือไดนามิกขององค์ประกอบ, ความกว้างขวาง, สีสัน, chiaroscuro (เช่นผลงานของ Turner, Géricaultและ Delacroix) ในช่วงปี ค.ศ. 1920 และ 1930 ผลงานของศิลปินหลายคนมีความโดดเด่นด้วยเรื่องน่าสมเพชและความตื่นเต้นเร้าใจ ในนั้นมีแนวโน้มที่จะมีลวดลายที่แปลกใหม่และการเล่นจินตนาการที่สามารถนำพาออกจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" การต่อสู้กับบรรทัดฐานของนักคลาสสิกที่เยือกเย็นนั้นกินเวลานานเกือบครึ่งศตวรรษ คนแรกที่สามารถรวบรวมทิศทางใหม่และ "ปรับ" แนวโรแมนติกคือ Theodore Géricault ตัวแทนของภาพวาด: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin
โรแมนติกในเพลง
ดนตรีในสมัยโรแมนติกเป็นช่วงเวลาในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปที่ครอบคลุมช่วงปี 1800-1910 โดยประมาณ ในดนตรีทิศทางของแนวโรแมนติกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1820 การพัฒนาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด - ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ยวนใจไม่ได้เป็นเพียงเนื้อเพลง แต่ครอบงำความรู้สึก, ความสนใจ, องค์ประกอบทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นที่รู้จักเฉพาะในมุมของจิตวิญญาณของตัวเอง ศิลปินที่แท้จริงเปิดเผยพวกเขาด้วยความช่วยเหลือจากสัญชาตญาณอันชาญฉลาด
ดนตรีในยุคนี้พัฒนาจากรูปแบบ แนวเพลง และแนวความคิดทางดนตรีที่สร้างขึ้นในสมัยก่อน เช่น ยุคคลาสสิก นักประพันธ์เพลงโรแมนติกพยายามแสดงความลึกและความสมบูรณ์ของโลกภายในของบุคคลด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีลายนูนมากขึ้นเป็นรายบุคคล แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึงเพลงบัลลาด แนวความคิด โครงสร้างของผลงานที่จัดตั้งขึ้นหรือระบุไว้ในสมัยก่อนเท่านั้น ได้รับการพัฒนาภายใต้แนวโรแมนติก เป็นผลให้ผู้ฟังมองว่างานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกนั้นมีความหลงใหลและแสดงออกทางอารมณ์มากขึ้น เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าผู้บุกเบิกแนวจินตนิยมในทันที ได้แก่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในดนตรีออสโตร-เยอรมัน และลุยจิ เครูบินีในภาษาฝรั่งเศส ความโรแมนติกมากมาย (เช่น Schubert, Wagner, Berlioz) ถือว่า K.V. Gluck เป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลจากพวกเขา ช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนผ่านจากความคลาสสิกไปสู่ความโรแมนติกถือเป็นช่วงก่อนโรแมนติก ซึ่งเป็นช่วงที่ค่อนข้างสั้นในประวัติศาสตร์ดนตรีและศิลปะ หากในวรรณคดีและการวาดภาพแนวโรแมนติกโดยทั่วไปเสร็จสิ้นการพัฒนาในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปจะยาวนานกว่ามาก แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นกระแสที่เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 และพัฒนาร่วมกับแนวโน้มต่างๆ ในด้านวรรณคดี ภาพวาด และโรงละคร ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ: ในออสเตรีย - Franz Schubert และความโรแมนติกตอนปลาย - Anton Bruckner และ Gustav Mahler; ในเยอรมนี - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; ในอังกฤษ เอ็ดเวิร์ด เอลการ์; ในฮังการี - Franz Liszt; ในนอร์เวย์ Edvard Grieg; ในอิตาลี - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi ต้น; ในสเปน เฟลิเป้เปเดรล; ในฝรั่งเศส - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer และ Cesar Franck ตัวแทนของแนวโรแมนติกตอนปลาย; ในโปแลนด์ - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
ในรัสเซีย Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tchaikovsky ทำงานสอดคล้องกับแนวโรแมนติก
ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีได้รับการประกาศให้เป็นรูปแบบของศิลปะในอุดมคติ ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของดนตรี จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด เป็นดนตรีในยุคโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ ยวนใจในดนตรีมีลักษณะเฉพาะด้วยการดึงดูดโลกภายในของบุคคล ดนตรีสามารถแสดงสิ่งที่ไม่รู้ ถ่ายทอดสิ่งที่คำไม่สามารถถ่ายทอดได้ แนวโรแมนติกมักพยายามหลบหนีจากความเป็นจริง สัมผัสชีวิตคนธรรมดาเข้าใจความรู้สึกพึ่งพาดนตรีช่วยให้ตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีทำให้งานของพวกเขาเป็นจริง ปัญหาบุคลิกภาพถูกหยิบยกขึ้นมาเป็นปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติก และในมุมมองใหม่ - ซึ่งขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่ที่โรแมนติกมักจะโดดเดี่ยวเมื่อเขาเป็นเพียงบุคคลที่มีพรสวรรค์และโดดเด่น ธีมของความเหงาอาจเป็นที่นิยมมากที่สุดในศิลปะโรแมนติกทั้งหมด ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นตัวละครที่ชื่นชอบในผลงานแนวโรแมนติก (“The Poet's Love” โดย Schumann, “Fantastic Symphony” โดย Berlioz พร้อมคำบรรยาย - “ตอนจากชีวิตของศิลปิน”) การเปิดเผยของละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจเป็นพิเศษมาสู่ดนตรี ตัวอย่างเช่น งานเปียโนของ Schumann หลายชิ้นเกี่ยวข้องกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck Richard Wagner เน้นย้ำลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างมาก การเอาใจใส่ต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือกว่า แก่นของธรรมชาติมักจะเกี่ยวพันกับธีมของ การพัฒนาแนวเพลงและการแสดงซิมโฟนีแบบโคลงสั้น ๆ ในมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (หนึ่งในองค์ประกอบแรกคือซิมโฟนี "ยอดเยี่ยม" C - dur โดย F. Schubert) การค้นพบนักแต่งเพลงอย่างแท้จริง - แนวโรแมนติกเป็นธีมของแฟนตาซี ดนตรีเป็นครั้งแรกที่เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่น่าอัศจรรย์ด้วยวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 - 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น Queen of the Night จาก Mozart's The Magic Flute) พูด "ธรรมดา"
ภาษาดนตรี โดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริง นักประพันธ์เพลงโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแห่งจินตนาการว่าเป็นสิ่งที่จำเพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีสันที่กลมกลืนกัน) ตัวอย่างที่น่าสังเกตคือ "ฉาก Wolf Gulch" ใน Weber's Magic Shooter ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเด่นของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวี - แนวโรแมนติกที่เสริมแต่งและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมด้วยค่าใช้จ่ายของคติชนวิทยานักดนตรีหันมาใช้คติชนวิทยาระดับชาติอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้านเพลงบัลลาดมหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. สเมทาน่า, อี. กรีก). ทุกสิ่งที่ได้ยินด้วยหูก็แปรเปลี่ยนเป็นความคิดสร้างสรรค์ในทันที คติชนวิทยา - เพลง, การเต้นรำ, ตำนาน - ได้รับการประมวลผล, ธีม, โครงเรื่อง, น้ำเสียงที่นำมาจากที่นั่น ท่ามกลางความโรแมนติก เพลงได้รับคุณค่าพิเศษ (ในรัสเซีย ความโรแมนติก) การเต้นรำใหม่ปรากฏขึ้น - mazurkas, polonaises, waltzes รวบรวมภาพของวรรณกรรมแห่งชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมือง พวกเขาอาศัยน้ำเสียงสูงต่ำและจังหวะของนิทานพื้นบ้านแห่งชาติ ฟื้นฟูโหมดไดอาโทนิกแบบเก่า ภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของเพลงยุโรปเปลี่ยนไปอย่างมาก
.
ธีมและรูปภาพใหม่เรียกร้องจาก Romantics ให้พัฒนาวิธีการใหม่ๆ ของภาษาดนตรีและหลักการสร้างรูปร่าง การขยายเสียงต่ำและโทนสีของดนตรี (โหมดธรรมชาติ และในแง่ของการแสดงออก นายพลกำลังหลีกทางให้กับเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเรื่อยๆ
ในการประสานเสียง หลักการของกลุ่มวงดนตรีทำให้การโซโลเสียงของวงออเคสตราเกือบทั้งหมด ในช่วงรุ่งเรืองของแนวโรแมนติก มีแนวดนตรีใหม่ๆ เกิดขึ้นมากมาย รวมถึงประเภทของโปรแกรมเพลง (บทกวีไพเราะ บัลลาด แฟนตาซี แนวเพลง) ช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในสุนทรียศาสตร์ของดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ R. Wagner และในรายการเพลงของ G. Berlioz, R. Schumann ฟ. ลิสท์
บทสรุป
การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในดนตรีและวัฒนธรรมทางศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีความสดใส
การแสดงออกของชาติ ชาวโรแมนติกต่อต้านผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากทุกคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง: ความผิดหวังในโลกรอบตัวเรา ความรู้สึกเป็นส่วนหนึ่งของจักรวาล ความไม่พอใจในตัวเอง การค้นหาความสามัคคี ความขัดแย้งกับสังคม ทั้งหมดมาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ สนใจบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านโลกทั้งใบและพึ่งพาตัวเองเท่านั้นและให้ความสนใจกับโลกภายในของบุคคล แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติเกี่ยวกับแนวโรแมนติก วิสัยทัศน์ของโลกที่เป็นปัจเจกบุคคลนำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่ ร่วมกับแนวโน้มการพัฒนาของการทำดนตรีที่บ้าน การแสดงในแชมเบอร์ ซึ่งไม่ได้ออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมากและเทคนิคการแสดงที่สมบูรณ์แบบ สิ่งเหล่านี้ทำให้ประเภทของเปียโนย่อส่วน - อย่างกะทันหัน ช่วงเวลาทางดนตรี เวลากลางคืน โหมโรง แนวการเต้นมากมายที่มี ไม่เคยคิดในวงการดนตรีอาชีพมาก่อน ธีมโรแมนติก ลวดลาย อุปกรณ์แสดงออก เข้าสู่ศิลปะของรูปแบบทิศทางต่าง ๆ ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ กองกำลังที่ต่อต้านลัทธิจินตนิยมเริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (Brahms, Brückner, Mahler) ด้วยรูปลักษณ์ภายนอก มีแนวโน้มที่จะกล่าวถึงโลกแห่งความเป็นจริง ความเที่ยงธรรม และการปฏิเสธอัตนัย แต่ถึงกระนั้นก็ตาม โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลับกลายเป็นแนวโน้มโวหารทางศิลปะที่มีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง แนวจินตนิยมในฐานะทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่ในฐานะที่ต้องการเสรีภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอยู่ในศิลปะโลก
วรรณกรรม
Rapatskaya L. A. แนวจินตนิยมในวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 19: การค้นพบ "คนใน" // วัฒนธรรมศิลปะโลก 11 เซลล์ ใน 2 ส่วน M. : Vlados, 2008
Bryantseva V.N. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ-อ. "ดนตรี" 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรียูเครนและต่างประเทศ - H.: Osnova, 2001 Berkovsky N.Ya. แนวจินตนิยมในเยอรมนี / บทความเบื้องต้นโดย A. Anikst - L.: "นิยาย", 1973
