มนุษย์เป็นแหล่งของความรัก ความเมตตา และความปิติที่ไม่สิ้นสุด เราทุกคนเหมือนกันทั่วโลก เราไม่สามารถควบคุมอารมณ์ได้ในช่วงเวลาที่สัมผัสหรือเมื่อใจเราหนักอึ้งและเจ็บปวด
ภาพถ่ายเหล่านี้แสดงให้เห็นว่าจิตวิญญาณของแต่ละคนร่ำรวยเพียงใด บุคคลมีจิตวิญญาณที่แข็งแกร่งเพียงใด ดูรูปเหล่านี้แล้วคุณจะมั่นใจว่าสิ่งสำคัญสำหรับเราคือชีวิต และชีวิตคือความรัก ความอบอุ่นของหัวใจ ความเมตตาต่อเพื่อนบ้าน และความสุขจากทุก ๆ วันของชีวิต
คริสเตียนอายุแปดขวบยอมรับธงระหว่างพิธีไว้อาลัยให้กับบิดาของเขา ซึ่งเสียชีวิตจากการลาดตระเวนในอิรัก
พ่อลูกติดเหล้า
“พ่อครับ รอผมด้วย” ก่อนออกรบ
ทหารโซเวียตการเตรียมพร้อมสำหรับยุทธการเคิร์สต์ กรกฎาคม ค.ศ. 1943
ชาวคริสต์ปกป้องชาวมุสลิมในระหว่างการละหมาด ณ จุดสูงสุดของการลุกฮือในกรุงไคโร 2554
เทอร์รี่ กูโรลา พบลูกสาวหลังรับใช้ชาติในอิรัก 7 เดือน
เด็กโรมาเนียยื่นลูกโป่งให้ตำรวจ ระหว่างการประท้วงที่บูคาเรสต์
เด็ก 5 ขวบได้รับการช่วยชีวิตจากการกักขัง 8 วันภายใต้ซากปรักหักพังที่เกิดจากแผ่นดินไหวในเฮติ
Ajim Shela วัย 2 ขวบถูกส่งต่อข้ามรั้วลวดหนามเข้าไปในอ้อมแขนของปู่ย่าตายายในค่ายผู้ลี้ภัยโคโซโว 
ชายผู้ร้องไห้... เขาดูอัลบั้มครอบครัวที่เขาพบในซากปรักหักพังของบ้านหลังเก่าหลังแผ่นดินไหวในเสฉวน 
ภาพถ่ายที่โดดเด่นของกบฏนิรนามซึ่งยืนอยู่หน้าเสารถถังจีนในการต่อต้านระหว่างการประท้วงที่จัตุรัสเทียนอันเหมินปี 1989 
เพื่อนแถวหน้าที่ถูกถ่ายรูปทุกปีจนหมดไปหนึ่งคน
แจน โรส แคชเมียร์ วัย 17 ปี มอบดอกไม้ให้กับทหารระหว่างการประท้วงต่อต้านสงครามนอกกระทรวงกลาโหมในปี 2510
นักกีฬาชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน ทอมมี่ สมิธ และจอห์น คาร์ลอส ชูมือเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันในการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกปี 1968 
นักโทษชาวยิวเมื่อได้รับการปล่อยตัวจากค่ายใกล้กับเมืองเอลบ์ในปี พ.ศ. 2488
จอห์น เอฟ. เคนเนดี จูเนียร์ ไหว้โลงศพพ่อ
สุนัขได้กลับมาพบกับเจ้าของอีกครั้งหลังจากเหตุการณ์สึนามิในญี่ปุ่นในปี 2011
นักโทษชาวเยอรมันที่ถูกจับโดยสหภาพโซเวียตหลังสงครามโลกครั้งที่สองเห็นลูกสาวของเขาเป็นครั้งแรก ซึ่งเขาไม่ได้เห็นตั้งแต่เธออายุ 1 ขวบ 
ชาวปารีสร้องไห้ด้วยความสิ้นหวังที่พวกนาซีกำลังยึดครองปารีสในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง
ทหารผ่านศึกพบรถถังซึ่งเขาทำสงครามตลอดช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ รถถังถูกติดตั้งในเมืองเล็ก ๆ เพื่อเป็นอนุสรณ์สถาน 
พระอาทิตย์ตกบนดาวอังคาร
ศัลยแพทย์หัวใจหลังจากปลูกถ่ายหัวใจ 23 ชั่วโมง (สำเร็จ) ผู้ช่วยของเขานอนอยู่ที่มุมห้อง
ผู้ป่วยไม่เพียงแต่รอดชีวิตจากการผ่าตัด แต่ยังรอดชีวิตจากแพทย์ของเขาด้วย
Horace Grizzly มอง Heinrich Himmler อย่างท้าทายขณะตรวจสอบค่ายที่เขาถูกคุมขัง กริซลี่ย์หนีออกจากค่ายกว่า 200 ครั้งและเดินทางกลับไปพบสาวเยอรมันในท้องถิ่นที่เขาหลงรัก 
ในช่วงน้ำท่วมรุนแรงในเมือง Cuttack ในอินเดียในปี 2011 ชาวบ้านผู้กล้าหาญได้ช่วยชีวิตแมวจรจัด 
เด็กชายอายุ 6 ขวบที่อาศัยอยู่ในสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าในออสเตรียชื่นชมยินดีและกอดรองเท้าคู่ใหม่ที่ได้รับจากสภากาชาดอเมริกัน รูปภาพ 2489
Harold Whittles ได้ยินเป็นครั้งแรกในชีวิตของเขาหลังจากที่แพทย์ติดตั้งเครื่องช่วยฟังในหูซ้ายของเขา
“มือแห่งความหวัง” - ทารกในครรภ์ดึงมือออกจากแผลที่ทำในมดลูกของแม่ระหว่างการผ่าตัดและจับมือศัลยแพทย์ทันที 
เด็กบราซิลอายุ 12 ปีเล่นไวโอลินที่งานศพของครู ครูช่วยเขาให้พ้นจากความยากจนและความรุนแรงด้วยดนตรี 
ทหารรัสเซียเล่นเปียโนที่ถูกทิ้งร้างในเชชเนียในปี 1994
วิจิตรศิลป์สามารถให้อารมณ์ได้หลากหลาย ภาพบางภาพทำให้คุณมองดูพวกเขาเป็นเวลาหลายชั่วโมง ในขณะที่ภาพอื่นๆ ทำให้ตกใจ ประหลาดใจ และ "ระเบิดสมอง" อย่างแท้จริง และด้วยมุมมองโลกของคุณ
มีผลงานชิ้นเอกที่ทำให้คุณคิดและมองหาความหมายที่เป็นความลับ ภาพวาดบางภาพถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ในขณะที่ภาพอื่นๆ สิ่งสำคัญคือราคาที่สูงลิบลิ่ว เราสามารถพูดได้ว่าภาพวาดถ้าคุณไม่คำนึงถึงความเป็นจริงเคยเป็นมาและจะแปลกไป แต่ภาพบางภาพก็แปลกกว่าภาพอื่นๆ และถึงแม้ว่าแนวความคิดเรื่องความแปลกประหลาดจะเป็นเรื่องส่วนตัว แต่ก็สามารถแยกแยะผลงานที่เป็นที่รู้จักซึ่งไม่ธรรมดาได้อย่างชัดเจน
Edvard Munch "เสียงกรีดร้อง"
ผลงานขนาด 91x73.5 ซม. สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2436 มันช์วาดภาพด้วยสีน้ำมัน สีพาสเทล และอุบาทว์ วันนี้ภาพเขียนถูกเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติออสโล การสร้างสรรค์ของศิลปินได้กลายเป็นจุดสังเกตสำหรับอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกในปัจจุบัน ตัวมันช์เองก็เล่าเรื่องการสร้างสรรค์ของมันว่า “ฉันกำลังเดินไปตามทางกับเพื่อนสองคน ในเวลานี้พระอาทิตย์กำลังตกดิน จู่ๆ ท้องฟ้าก็เปลี่ยนเป็นสีแดงเลือด ฉันหยุด รู้สึกเหนื่อยล้า และเอนตัวพิงรั้ว ฉันมองไปที่เลือดและเปลวไฟเหนือฟยอร์ดสีน้ำเงินอมดำและเมือง เพื่อนของฉันเดินต่อไป และฉันก็ยืนอยู่ที่นั่น ตัวสั่นด้วยความตื่นเต้น รู้สึกถึงเสียงกรีดร้องที่ไม่มีวันสิ้นสุด
มีการตีความความหมายสองแบบ ถือได้ว่าตัวละครที่ปรากฎนั้นถูกจับด้วยความสยดสยองและกรีดร้องอย่างเงียบ ๆ โดยเอามือแตะหู อีกเวอร์ชั่นหนึ่งบอกว่าชายคนนั้นปิดหูจากเสียงกรีดร้องที่อยู่รอบตัวเขา โดยรวมแล้ว Munch ได้สร้าง The Scream มากถึง 4 เวอร์ชัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนเชื่อว่าภาพนี้เป็นอาการคลาสสิกของโรคจิตคลั่งไคล้ที่ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมาน เมื่อ Munch เข้ารับการรักษาในคลินิก เขาไม่ได้กลับมายังผืนผ้าใบนี้
Paul Gauguin "เรามาจากไหน? พวกเราคือใคร? เราจะไปที่ไหน?".
ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน คุณจะพบผลงานอิมเพรสชันนิสต์ชิ้นนี้ขนาด 139.1 x 374.6 ซม. ซึ่งทาสีด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2440-2441 งานที่ลึกซึ้งนี้เขียนโดย Gauguin ในตาฮิติ ซึ่งเขาเกษียณจากความเร่งรีบและคึกคักของชีวิตชาวปารีส รูปภาพมีความสำคัญมากสำหรับศิลปินจนในที่สุดเขาก็อยากจะฆ่าตัวตาย Gauguin เชื่อว่าเธอเป็นหัวหน้าและไหล่ที่ดีที่สุดที่เขาเคยสร้างมาก่อน ศิลปินเชื่อว่าเขาไม่สามารถสร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายคลึงกันได้อีกต่อไป เขาไม่มีอะไรต้องดิ้นรนอีกแล้ว
Gauguin มีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 5 ปี พิสูจน์ความจริงของการตัดสินของเขา ตัวเขาเองบอกว่าควรดูภาพหลักจากขวาไปซ้าย มีตัวเลขสามกลุ่มหลักซึ่งแสดงถึงคำถามที่ผืนผ้าใบมีสิทธิ์ ผู้หญิงสามคนที่มีลูกแสดงให้เห็นถึงการเริ่มต้นชีวิต คนกลางเป็นสัญลักษณ์ของวุฒิภาวะ ในขณะที่หญิงชราที่กำลังรอความตายเป็นตัวแทนของวัยชรา ดูเหมือนว่าเธอจะตกลงกับเรื่องนี้แล้วและกำลังคิดเกี่ยวกับเรื่องของตัวเอง ที่เท้าของเธอมีนกสีขาวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ความหมายของคำ
ปาโบล ปีกัสโซ เกิร์นนิกา
ผลงานของ Picasso ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Reina Sofia ในกรุงมาดริด ภาพวาดขนาดใหญ่ขนาด 349 x 776 ซม. เป็นสีน้ำมันบนผ้าใบ ภาพเขียนบนผืนผ้าใบนี้สร้างขึ้นในปี 2480 ภาพนี้บอกเกี่ยวกับการบุกโจมตีนักบินอาสาสมัครฟาสซิสต์ในเมือง Guernica จากเหตุการณ์เหล่านั้น เมืองที่มีประชากร 6,000 คนถูกกวาดล้างไปจากพื้นโลกอย่างสมบูรณ์
ศิลปินสร้างภาพนี้ในเวลาเพียงหนึ่งเดือน ในช่วงแรกๆ ปิกัสโซทำงาน 10-12 ชั่วโมง ในภาพร่างแรกของเขา แนวคิดหลักก็ปรากฏให้เห็นแล้ว ด้วยเหตุนี้ รูปภาพจึงกลายเป็นหนึ่งในภาพประกอบที่ดีที่สุดของความน่าสะพรึงกลัวของลัทธิฟาสซิสต์ ความโหดร้าย และความเศร้าโศกของมนุษย์ ใน "Guernica" เราสามารถเห็นฉากของความโหดร้าย ความรุนแรง ความตาย ความทุกข์ทรมาน และการทำอะไรไม่ถูก แม้ว่าเหตุผลนี้จะไม่ได้ระบุไว้อย่างชัดเจน แต่ก็มีความชัดเจนจากประวัติศาสตร์ ว่ากันว่าในปี 1940 Pablo Picasso ถูกเรียกตัวไปยัง Gestapo ในปารีสด้วยซ้ำ เขาถูกถามทันที: "คุณทำไหม" ซึ่งศิลปินตอบว่า: "ไม่ คุณทำได้"
Jan van Eyck "ภาพเหมือนของ Arnolfinis"
ภาพวาดนี้วาดในปี 1434 ด้วยสีน้ำมันบนไม้ ขนาดของผลงานชิ้นเอกคือ 81.8x59.7 ซม. และเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน สันนิษฐานได้ว่าภาพวาดนี้เป็นภาพของ Giovanni di Nicolao Arnolfini กับภรรยาของเขา งานนี้เป็นหนึ่งในงานที่ยากที่สุดในโรงเรียนจิตรกรรมตะวันตกในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางเหนือ
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงนี้มีสัญลักษณ์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ และเบาะแสต่างๆ มากมาย เฉพาะลายเซ็นต์ของศิลปินเท่านั้นที่คุ้ม "แจน ฟาน เอคอยู่ที่นี่" ส่งผลให้ภาพไม่ได้เป็นเพียงงานศิลปะ แต่เป็นเอกสารทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริง ท้ายที่สุด มันแสดงให้เห็นเหตุการณ์จริงที่ Van Eyck จับได้
Mikhail Vrubel "ปีศาจนั่ง"
Tretyakov Gallery จัดแสดงผลงานชิ้นเอกนี้โดย Mikhail Vrubel ซึ่งทาสีด้วยน้ำมันในปี 1890 ขนาดของผืนผ้าใบคือ 114x211 ซม. ปีศาจที่ปรากฎที่นี่น่าประหลาดใจ เขาปรากฏเป็นชายหนุ่มผมยาวเศร้า โดยปกติคนจะไม่จินตนาการถึงวิญญาณชั่วร้ายในลักษณะนี้ ตัว Vrubel พูดถึงผืนผ้าใบที่โด่งดังที่สุดของเขาในความเข้าใจของเขาว่าปีศาจไม่ใช่วิญญาณชั่วร้ายมากเท่ากับความทุกข์ทรมาน ในขณะเดียวกัน ก็ไม่อาจปฏิเสธอำนาจและความยิ่งใหญ่ของพระองค์ได้
อสูรของ Vrubel เป็นภาพลักษณ์ ประการแรก จิตวิญญาณของมนุษย์ ปกครองอยู่ในตัวเราจากการต่อสู้กับตัวเองและความสงสัยอยู่ตลอดเวลา สิ่งมีชีวิตที่รายล้อมไปด้วยดอกไม้นี้ กำมือไว้อย่างน่าเศร้า ดวงตาโตของมันมองไปในระยะไกลอย่างเศร้าสร้อย องค์ประกอบทั้งหมดแสดงถึงข้อจำกัดของร่างของปีศาจ ราวกับว่าเขาถูกประกบอยู่ในภาพนี้ระหว่างด้านบนและด้านล่างของกรอบรูป
Vasily Vereshchagin "อภิปรัชญาแห่งสงคราม"
ภาพถูกวาดในปี 1871 แต่ในนั้นผู้เขียนดูเหมือนจะคาดการณ์ถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งในอนาคต ผ้าใบขนาด 127x197 ซม. เก็บไว้ใน Tretyakov Gallery Vereshchagin ถือเป็นหนึ่งในจิตรกรการต่อสู้ที่ดีที่สุดในการวาดภาพรัสเซีย อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้เขียนสงครามและการต่อสู้เพราะเขารักพวกเขา ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดทัศนคติเชิงลบของเขาต่อสงครามให้กับผู้คนโดยใช้วิจิตรศิลป์ เมื่อ Vereshchagin สัญญาว่าจะไม่เขียนภาพการต่อสู้อีกต่อไป ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินก็ได้นำความโศกเศร้าของทหารที่ได้รับบาดเจ็บและเสียชีวิตทุกคนมาไว้ใกล้กับหัวใจของเขามากเกินไป ผลของทัศนคติที่จริงใจต่อหัวข้อนี้คือ "Apotheosis of War"
ภาพที่น่าสยดสยองและน่าดึงดูดใจแสดงให้เห็นภูเขากะโหลกมนุษย์บนทุ่งที่มีกาอยู่รอบ ๆ Vereshchagin สร้างผืนผ้าใบทางอารมณ์ซึ่งอยู่ด้านหลังกะโหลกศีรษะแต่ละอันในกองขนาดใหญ่สามารถสืบย้อนประวัติศาสตร์และชะตากรรมของบุคลิกภาพและผู้คนที่อยู่ใกล้พวกเขาได้ ศิลปินเองประชดประชันเรียกภาพวาดนี้ว่ายังมีชีวิต เพราะมันแสดงถึงธรรมชาติที่ตายแล้ว รายละเอียดทั้งหมดของ "Apotheosis of War" กรีดร้องเกี่ยวกับความตายและความว่างเปล่า สามารถมองเห็นได้แม้ในพื้นหลังสีเหลืองของโลก และท้องฟ้าสีครามเน้นแต่ความตายเท่านั้น แนวคิดเรื่องความน่าสะพรึงกลัวของสงครามเน้นย้ำด้วยรูกระสุนและเครื่องหมายกระบี่บนกะโหลก
Grant Wood "อเมริกันโกธิก"
ภาพวาดขนาดเล็กนี้มีขนาด 74 x 62 ซม. สร้างขึ้นในปี 2473 และปัจจุบันเก็บไว้ที่สถาบันศิลปะชิคาโก ภาพวาดเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปะอเมริกันในศตวรรษที่ผ่านมา ในสมัยของเราชื่อ "American Gothic" มักถูกกล่าวถึงในสื่อ ภาพนี้แสดงให้เห็นพ่อและลูกสาวที่ค่อนข้างมืดมน
รายละเอียดมากมายบอกถึงความรุนแรง ความเคร่งครัด และความแข็งแกร่งของคนเหล่านี้ พวกเขามีใบหน้าที่ไม่พอใจ มีโกยก้าวร้าวปรากฏขึ้นกลางภาพ และเสื้อผ้าของทั้งคู่ก็ล้าสมัยตามมาตรฐานของยุคนั้น แม้แต่รอยต่อบนเสื้อผ้าของชาวนาก็ยังมีรูปร่างเหมือนโกย ซึ่งเพิ่มภัยคุกคามต่อผู้ที่บุกรุกวิถีชีวิตของเขาเป็นสองเท่า สามารถศึกษารายละเอียดของภาพได้ไม่รู้จบ รู้สึกไม่สบายกาย
ที่น่าสนใจคือครั้งหนึ่งในการแข่งขันที่ Art Institute of Chicago ผู้พิพากษายอมรับภาพดังกล่าวว่าเป็นภาพที่ตลกขบขัน แต่ผู้คนในไอโอวาทำให้ศิลปินขุ่นเคืองเพราะเขามองพวกเขาในมุมที่ไม่น่าดู นางแบบของหญิงสาวคือน้องสาวของวูด แต่ทันตแพทย์ของจิตรกรกลายเป็นต้นแบบของชายขี้โมโห
คนรัก Rene Magritte
ภาพวาดถูกวาดในปี 1928 ด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ในกรณีนี้ มีสองตัวเลือก ชายหญิงคู่หนึ่งกำลังจูบกัน มีเพียงศีรษะเท่านั้นที่ห่อด้วยผ้าขาว ในภาพวาดอีกเวอร์ชั่นหนึ่ง คู่รักจะมองที่ผู้ชม วาดและน่าประหลาดใจและหลงใหล ตัวเลขที่ไม่มีใบหน้าเป็นสัญลักษณ์ของความรักที่มืดบอด เป็นที่ทราบกันดีว่าคู่รักมองไม่เห็นใครรอบตัว แต่เรามองไม่เห็นความรู้สึกที่แท้จริงของพวกเขา แม้กระทั่งสำหรับกันและกัน คนเหล่านี้ซึ่งถูกปิดบังด้วยความรู้สึก แท้จริงแล้วเป็นปริศนา
และถึงแม้ว่าข้อความหลักของภาพจะดูชัดเจน แต่ The Lovers ยังคงทำให้คุณมองดูพวกเขาและคิดถึงความรัก โดยทั่วไปแล้วใน Magritte ภาพวาดเกือบทั้งหมดเป็นปริศนาซึ่งไม่สามารถแก้ไขได้อย่างสมบูรณ์ ท้ายที่สุดผืนผ้าใบเหล่านี้ทำให้เกิดคำถามหลักเกี่ยวกับความหมายของชีวิตเรา ในนั้น ศิลปินพูดถึงธรรมชาติลวงตาของสิ่งที่เราเห็น ว่ามีสิ่งลึกลับมากมายรอบตัวเราที่เราพยายามจะไม่สังเกตเห็น
มาร์ค ชากาล "เดิน"
ภาพวาดถูกวาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี 1917 และปัจจุบันถูกเก็บไว้ในหอศิลป์ State Tretyakov ในงานของเขา มาร์ค ชากาลมักจะจริงจัง แต่ที่นี่เขายอมให้ตัวเองแสดงความรู้สึก ภาพที่สื่อถึงความสุขส่วนตัวของศิลปินเต็มไปด้วยความรักและสัญลักษณ์เปรียบเทียบ
"เดิน" ของเขาเป็นภาพเหมือนตนเอง โดยที่ชากาลวาดภาพเบลล่าภรรยาของเขาอยู่ข้างๆ คนที่เขาเลือกทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้า เธอกำลังจะลากศิลปินไปที่นั่น ซึ่งเกือบจะลอยจากพื้นแล้ว สัมผัสมันด้วยปลายรองเท้าของเขาเท่านั้น ในอีกทางหนึ่งของมนุษย์คือหนูตัวเมีย เราสามารถพูดได้ว่านี่คือวิธีที่ Chagall พรรณนาถึงความสุขของเขา เขามีนกกระเรียนบนท้องฟ้าในรูปแบบของผู้หญิงที่รักและ titmouse อยู่ในมือซึ่งเขาหมายถึงงานของเขา
Hieronymus Bosch สวนแห่งความสุขทางโลก
ผืนผ้าใบนี้ขนาด 389x220 ซม. ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ปราโวสเปน บ๊อชวาดภาพสีน้ำมันบนไม้ระหว่างปี ค.ศ. 1500 ถึงปี ค.ศ. 1510 นี่คือภาพอันมีค่าที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Bosch แม้ว่าภาพวาดจะมีสามส่วน แต่ได้รับการตั้งชื่อตามส่วนที่อยู่ตรงกลางซึ่งอุทิศให้กับความยั่วยวน ความหมายของภาพแปลก ๆ มีการถกเถียงกันอยู่ตลอดเวลาไม่มีการตีความใดที่จะจำได้ว่าเป็นภาพที่แท้จริงเพียงเรื่องเดียว
ความสนใจในอันมีค่าปรากฏขึ้นเนื่องจากรายละเอียดเล็ก ๆ มากมายที่แสดงแนวคิดหลัก มีร่างโปร่งแสง โครงสร้างที่ไม่ธรรมดา สัตว์ประหลาด ฝันร้าย และนิมิตที่เป็นจริง และรูปแบบที่เลวร้ายของความเป็นจริง ศิลปินสามารถมองดูทั้งหมดนี้ด้วยรูปลักษณ์ที่เฉียบคมและน่าค้นหา โดยสามารถรวมองค์ประกอบที่ไม่เหมือนกันไว้ในผืนผ้าใบผืนเดียวได้
นักวิจัยบางคนพยายามที่จะเห็นภาพสะท้อนของชีวิตมนุษย์ซึ่งผู้เขียนแสดงให้เห็นอย่างไร้ประโยชน์ บ้างก็พบภาพความรัก บ้างก็พบชัยชนะแห่งความยั่วยวน อย่างไรก็ตาม เป็นที่น่าสงสัยว่าผู้เขียนพยายามเชิดชูความสุขทางกามารมณ์ ท้ายที่สุดแล้วร่างของผู้คนก็ถูกพรรณนาด้วยความเยือกเย็นและไร้เดียงสา ใช่ และหน่วยงานของคริสตจักรก็มีปฏิกิริยาตอบสนองค่อนข้างดีกับภาพวาดนี้ของ Bosch
Gustav Klimt "สตรีสามยุค"
ภาพวาดนี้อยู่ในหอศิลป์สมัยใหม่แห่งชาติของกรุงโรม ผ้าใบสี่เหลี่ยมจัตุรัสกว้าง 180 ซม. ทาสีด้วยน้ำมันบนผ้าใบในปี ค.ศ. 1905 ภาพนี้แสดงทั้งความสุขและความเศร้าในเวลาเดียวกัน ศิลปินในสามร่างสามารถแสดงทั้งชีวิตของผู้หญิงคนหนึ่ง คนแรกที่ยังเด็กอยู่นั้นไร้กังวลอย่างยิ่ง ผู้หญิงที่เป็นผู้ใหญ่แสดงออกถึงความสงบ และวัยสุดท้ายเป็นสัญลักษณ์ของความสิ้นหวัง ในเวลาเดียวกัน วัยกลางคนก็ถูกถักทออย่างเป็นธรรมชาติเข้ากับเครื่องประดับชีวิต และของเก่าก็โดดเด่นเมื่อเทียบกับภูมิหลังอย่างเห็นได้ชัด
ความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างหญิงสาวกับผู้สูงอายุเป็นสัญลักษณ์ หากความเจริญรุ่งเรืองของชีวิตมาพร้อมกับโอกาสและการเปลี่ยนแปลงมากมาย ระยะสุดท้ายก็คือระยะหนึ่งที่คงอยู่และขัดแย้งกับความเป็นจริง ภาพดังกล่าวดึงดูดความสนใจและทำให้คุณนึกถึงความตั้งใจของศิลปินความลึก มันมีทุกชีวิตด้วยความหลีกเลี่ยงไม่ได้และการเปลี่ยนแปลง
Egon Schiele "ครอบครัว"
ผ้าใบขนาด 152.5x162.5 ซม. นี้ทาสีด้วยน้ำมันในปี 2461 ตอนนี้มันถูกเก็บไว้ใน Vienna Belvedere ครูของ Schiele คือ Klimt เอง แต่นักเรียนไม่ได้พยายามเลียนแบบเขาอย่างขยันขันแข็งโดยมองหาวิธีการแสดงออกของเขาเอง เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่างานของ Schiele นั้นน่าเศร้า น่ากลัว และแปลกกว่าของ Klimt มาก
องค์ประกอบบางอย่างในปัจจุบันอาจเรียกว่าลามกอนาจาร มีความวิปริตที่แตกต่างกันมากมาย ความเป็นธรรมชาติมีอยู่ในทุกความงาม ในขณะเดียวกัน ภาพเหล่านั้นก็เต็มไปด้วยความสิ้นหวังที่น่าปวดหัว จุดสุดยอดของผลงานของ Schiele และภาพวาดล่าสุดของเขาคือ The Family
ในผืนผ้าใบนี้ความสิ้นหวังมาถึงขีดสุดในขณะที่งานนั้นกลับกลายเป็นว่าเป็นสิ่งที่แปลกที่สุดสำหรับผู้แต่ง หลังจากที่ภรรยาที่ตั้งครรภ์ของ Schiele เสียชีวิตด้วยโรคไข้หวัดใหญ่ในสเปน และไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้ก็ถูกสร้างขึ้น ระหว่างการเสียชีวิตทั้งสองผ่านไปเพียง 3 วัน พวกเขาก็เพียงพอแล้วที่ศิลปินจะวาดภาพตัวเองกับภรรยาและลูกในท้องของเขา ในเวลานั้น Schiele อายุเพียง 28 ปี
Frida Kahlo "สอง Fridas"
ภาพวาดเกิดในปี 2482 ศิลปินชาวเม็กซิกัน Frida Kahlo กลายเป็นที่รู้จักหลังจากการเปิดตัวภาพยนตร์เกี่ยวกับเธอกับ Salma Hayek ในบทนำ พื้นฐานของงานของศิลปินคือภาพเหมือนตนเองของเธอ ตัวเธอเองอธิบายข้อเท็จจริงนี้ว่า “ฉันเขียนถึงตัวเองเพราะฉันใช้เวลาส่วนใหญ่อยู่ตามลำพังและเพราะฉันคือหัวข้อที่ฉันรู้ดีที่สุด”
เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่ Frida จะไม่ยิ้มบนผืนผ้าใบของเธอ ใบหน้าของเธอดูจริงจัง แม้จะค่อนข้างเศร้าโศก คิ้วหนาที่หลอมละลายและหนวดที่แทบจะมองไม่เห็นเหนือริมฝีปากที่ปิดปากไว้แสดงถึงความจริงจังสูงสุด ความคิดของภาพเขียนอยู่ในร่าง ภูมิหลัง และรายละเอียดของสิ่งที่อยู่รายล้อม Frida
สัญลักษณ์ของภาพวาดนี้มีพื้นฐานมาจากประเพณีประจำชาติของเม็กซิโก ซึ่งเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับตำนานอินเดียโบราณ "Two Fridas" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของชาวเม็กซิกัน มันแสดงให้เห็นในแนวทางดั้งเดิมของหลักการของชายและหญิงซึ่งมีระบบไหลเวียนโลหิตเดียว ดังนั้นศิลปินจึงแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีและความสมบูรณ์ของสิ่งที่ตรงกันข้ามทั้งสองนี้
สะพานโคลด โมเนต์ วอเตอร์ลู เอฟเฟกต์หมอก
ในอาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คุณจะพบภาพวาดนี้โดยโมเนต์ มันถูกวาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2442 เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิดของภาพ จะปรากฏเป็นจุดสีม่วงที่มีเส้นขีดหนา อย่างไรก็ตาม เมื่อย้ายออกจากผืนผ้าใบ ผู้ชมจะเข้าใจเวทมนตร์ทั้งหมดของเขา
ในตอนแรกมองเห็นครึ่งวงกลมคลุมเครือผ่านจุดศูนย์กลางของภาพโครงร่างของเรือจะปรากฏขึ้น และจากระยะสองสามเมตร คุณสามารถดูองค์ประกอบทั้งหมดของรูปภาพที่เชื่อมต่อกันในสายตรรกะได้แล้ว บันทึกจาก adme.ru
แจ็กสัน พอลล็อค "หมายเลข 5, 2491"
Pollock เป็นคลาสสิกของประเภทการแสดงออกทางนามธรรม ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขานั้นแพงที่สุดในโลก และศิลปินวาดภาพในปี 1948 เพียงแค่เทสีน้ำมันลงบนแผ่นใยไม้อัดขนาด 240x120 ซม. บนพื้น ในปี 2549 ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในราคา 140 ล้านดอลลาร์
เจ้าของคนก่อน นักสะสม และโปรดิวเซอร์ภาพยนตร์ David Giffen ขายให้กับ David Martinez นักการเงินชาวเม็กซิกัน พอลลอคกล่าวว่าเขาตัดสินใจที่จะย้ายออกจากเครื่องมือของศิลปินที่คุ้นเคย เช่น ขาตั้ง สี และพู่กัน เครื่องมือของเขาคือไม้ มีด พลั่ว และสีเท เขายังใช้ส่วนผสมของมันกับทรายหรือแม้แต่เศษแก้ว
เริ่มสร้างสรรค์ พอลลอคมอบแรงบันดาลใจให้กับตัวเองโดยที่ไม่รู้ตัวด้วยซ้ำว่าเขากำลังทำอะไรอยู่ เท่านั้นจึงจะบรรลุถึงความสมบูรณ์แบบ ในเวลาเดียวกัน ศิลปินก็ไม่กลัวที่จะทำลายภาพหรือเปลี่ยนภาพโดยไม่ได้ตั้งใจ - ภาพเริ่มมีชีวิตของตัวเอง หน้าที่ของพอลลอคคือการช่วยให้เธอเกิด ออกมา แต่ถ้าอาจารย์ขาดการติดต่อกับสิ่งที่เขาสร้างขึ้น ผลที่ได้คือความโกลาหลและสิ่งสกปรก หากประสบความสำเร็จ ภาพจะสื่อถึงความสามัคคีอันบริสุทธิ์ ความสะดวกในการรับและรวบรวมแรงบันดาลใจ
Joan Miro "ชายและหญิงอยู่หน้ากองอุจจาระ"
ปัจจุบันภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในกองทุนของศิลปินในสเปน มันถูกทาสีด้วยน้ำมันบนแผ่นทองแดงในปี 1935 ภายในเวลาเพียงหนึ่งสัปดาห์ตั้งแต่วันที่ 15 ถึง 22 ตุลาคม ขนาดของการสร้างเพียง 23x32 ซม. แม้จะมีชื่อที่เร้าใจ แต่ภาพก็พูดถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงครามกลางเมือง ผู้เขียนเองจึงพรรณนาถึงเหตุการณ์ในปีนั้นที่เกิดขึ้นในสเปน Miro พยายามแสดงช่วงเวลาแห่งความไม่สงบ
ในภาพ คุณสามารถเห็นชายหญิงที่ไม่เคลื่อนไหวซึ่งยังคงถูกดึงดูดเข้าหากัน ผืนผ้าใบเต็มไปด้วยดอกไม้พิษร้ายกาจพร้อมกับองคชาตที่ขยายใหญ่ขึ้นทำให้ดูน่าขยะแขยงและเซ็กซี่อย่างน่าขยะแขยง
Jacek Jerka "การกัดเซาะ"
ในผลงานของนีโอเซอร์เรียลลิสม์ชาวโปแลนด์ ภาพแห่งความเป็นจริงที่พันกันก่อให้เกิดความเป็นจริงใหม่ ในบางวิธี แม้แต่ภาพที่สัมผัสได้ก็มีรายละเอียดมาก พวกเขารู้สึกถึงเสียงสะท้อนของนักเหนือจริงในอดีต ตั้งแต่บ๊อชไปจนถึงต้าหลี่
Yerka เติบโตขึ้นมาในบรรยากาศของสถาปัตยกรรมยุคกลางที่รอดชีวิตจากการทิ้งระเบิดในสงครามโลกครั้งที่ 2 ได้อย่างปาฏิหาริย์ เขาเริ่มวาดก่อนเข้ามหาวิทยาลัย ที่นั่นพวกเขาพยายามเปลี่ยนสไตล์ของเขาให้ทันสมัยขึ้นและมีรายละเอียดน้อยลง แต่ Yerka เองก็ยังคงความเป็นตัวของตัวเองไว้ ทุกวันนี้ ภาพวาดที่ผิดปกติของเขาไม่ได้จัดแสดงในโปแลนด์เท่านั้น แต่ยังจัดแสดงในเยอรมนี ฝรั่งเศส โมนาโก และสหรัฐอเมริกาด้วย พวกเขาอยู่ในคอลเลกชันจำนวนมากทั่วโลก
Bill Stoneham Hands ต่อต้านเขา
ภาพวาดที่วาดในปี 1972 นั้นยากที่จะเรียกว่าภาพวาดคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันเป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์ที่แปลกประหลาดที่สุดของศิลปิน ภาพนี้แสดงให้เห็นเด็กผู้ชาย ตุ๊กตายืนอยู่ข้างเขา และฝ่ามือจำนวนมากกดทับกระจกจากด้านหลัง ผืนผ้าใบนี้แปลก ลึกลับ และค่อนข้างลึกลับ มันได้กลายเป็นตำนานไปแล้ว พวกเขาบอกว่าเพราะภาพนี้มีคนเสียชีวิตและเด็ก ๆ ในนั้นยังมีชีวิตอยู่ เธอดูน่าขนลุกจริงๆ ไม่น่าแปลกใจที่ภาพดังกล่าวทำให้เกิดความกลัวและความเพ้อฝันอันเลวร้ายสำหรับผู้ที่ป่วยเป็นโรคทางจิต
สโตนแฮมเองก็มั่นใจว่าเขาวาดภาพตัวเองเมื่ออายุได้ 5 ขวบ ประตูที่อยู่ข้างหลังเด็กชายคือกำแพงกั้นระหว่างความเป็นจริงกับโลกแห่งความฝัน ตุ๊กตาเป็นคู่มือที่สามารถนำเด็กจากโลกหนึ่งไปยังอีกโลกหนึ่งได้ มือคือชีวิตทางเลือกหรือความเป็นไปได้ของบุคคล
ภาพวาดเริ่มโด่งดังในเดือนกุมภาพันธ์ 2543 มันถูกวางขายบนอีเบย์โดยบอกว่ามันเป็นผีสิง ในท้ายที่สุด Kim Smith ซื้อ Hands Resist Him ในราคา 1,025 ดอลลาร์ ในไม่ช้าผู้ซื้อก็เต็มไปด้วยจดหมายที่มีเรื่องราวเลวร้ายที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดและต้องการทำลายผืนผ้าใบนี้
วิจิตรศิลป์สามารถให้อารมณ์ได้หลากหลาย ภาพวาดบางภาพทำให้คุณจ้องมองพวกเขาเป็นเวลาหลายชั่วโมง ในขณะที่ภาพอื่นๆ ทำให้คุณตกใจ ทึ่งและทึ่ง มีผลงานชิ้นเอกที่ทำให้คุณคิดและมองหาความหมายที่เป็นความลับ ภาพเขียนบางภาพถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ในขณะที่ภาพอื่นๆ สิ่งสำคัญคือราคาที่สูงเกินไป
มีภาพวาดแปลก ๆ มากมายในประวัติศาสตร์จิตรกรรมโลก ในการจัดอันดับของเรา เราจะไม่จงใจพูดถึง Salvador Dali ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญในประเภทนี้และชื่อของเขาเป็นอันดับแรก และถึงแม้ว่าแนวความคิดเรื่องความแปลกประหลาดจะเป็นเรื่องส่วนตัว แต่ก็สามารถแยกแยะผลงานที่เป็นที่รู้จักซึ่งไม่ธรรมดาได้อย่างชัดเจน
Edvard Munch "เสียงกรีดร้อง"ผลงานขนาด 91x73.5 ซม. สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2436 มันช์วาดภาพด้วยสีน้ำมัน สีพาสเทล และอุบาทว์ วันนี้ภาพเขียนถูกเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติออสโล การสร้างสรรค์ของศิลปินได้กลายเป็นจุดสังเกตสำหรับอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกในปัจจุบัน Munch เองเล่าเรื่องการสร้างมันว่า: "ฉันกำลังเดินไปตามเส้นทางกับเพื่อนสองคน ในเวลานี้ดวงอาทิตย์กำลังตก ทันใดนั้นท้องฟ้าก็เปลี่ยนเป็นสีแดงเลือดฉันหยุดรู้สึกเหนื่อยและพิงที่รั้วฉันมองดู เลือดและเปลวเพลิงเหนือ "ฟยอร์ดและเมืองสีดำ" อันเป็นสีน้ำเงิน เพื่อนของฉันเดินต่อไป และฉันยืนอยู่ที่นั่น ตัวสั่นด้วยความตื่นเต้น รู้สึกถึงเสียงร้องที่ไม่มีที่สิ้นสุด มีการตีความความหมายสองแบบ ถือได้ว่าตัวละครที่ปรากฎนั้นถูกจับด้วยความสยดสยองและกรีดร้องอย่างเงียบ ๆ โดยเอามือแตะหู อีกเวอร์ชั่นหนึ่งบอกว่าชายคนนั้นปิดหูจากเสียงกรีดร้องที่อยู่รอบตัวเขา โดยรวมแล้ว Munch ได้สร้าง "The Scream" มากถึง 4 เวอร์ชัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนเชื่อว่าภาพนี้เป็นอาการคลาสสิกของโรคจิตคลั่งไคล้ที่ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมาน เมื่อ Munch เข้ารับการรักษาในคลินิก เขาไม่ได้กลับมายังผืนผ้าใบนี้
Paul Gauguin "เรามาจากไหน เราเป็นใคร เราจะไปไหน"ในพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน คุณจะพบผลงานอิมเพรสชันนิสต์ชิ้นนี้ขนาด 139.1 x 374.6 ซม. ซึ่งทาสีด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2440-2441 งานที่ลึกซึ้งนี้เขียนโดย Gauguin ในตาฮิติ ซึ่งเขาเกษียณจากความเร่งรีบและคึกคักของชีวิตชาวปารีส รูปภาพมีความสำคัญมากสำหรับศิลปินจนในที่สุดเขาก็อยากจะฆ่าตัวตาย Gauguin เชื่อว่าเธอเป็นหัวหน้าและไหล่ที่ดีที่สุดที่เขาเคยสร้างมาก่อน ศิลปินเชื่อว่าเขาไม่สามารถสร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายคลึงกันได้อีกต่อไป เขาไม่มีอะไรต้องดิ้นรนอีกแล้ว Gauguin มีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 5 ปี พิสูจน์ความจริงของการตัดสินของเขา ตัวเขาเองบอกว่าควรดูภาพหลักจากขวาไปซ้าย มีตัวเลขสามกลุ่มหลักซึ่งแสดงถึงคำถามที่ผืนผ้าใบมีสิทธิ์ ผู้หญิงสามคนที่มีลูกแสดงให้เห็นถึงการเริ่มต้นชีวิต คนกลางเป็นสัญลักษณ์ของวุฒิภาวะ ในขณะที่หญิงชราที่กำลังรอความตายเป็นตัวแทนของวัยชรา ดูเหมือนว่าเธอจะตกลงกับเรื่องนี้แล้วและกำลังคิดเกี่ยวกับเรื่องของตัวเอง ที่เท้าของเธอมีนกสีขาวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ความหมายของคำ
ปาโบลปีกัสโซ "Guernica"ผลงานของ Picasso ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Reina Sofia ในกรุงมาดริด ภาพวาดขนาดใหญ่ขนาด 349 x 776 ซม. เป็นสีน้ำมันบนผ้าใบ ภาพเขียนบนผืนผ้าใบนี้สร้างขึ้นในปี 2480 ภาพนี้บอกเกี่ยวกับการบุกโจมตีนักบินอาสาสมัครฟาสซิสต์ในเมือง Guernica จากเหตุการณ์เหล่านั้น เมืองที่มีประชากร 6,000 คนถูกกวาดล้างไปจากพื้นโลกอย่างสมบูรณ์ ศิลปินสร้างภาพนี้ในเวลาเพียงหนึ่งเดือน ในช่วงแรกๆ ปิกัสโซทำงาน 10-12 ชั่วโมง ในภาพร่างแรกของเขา แนวคิดหลักก็ปรากฏให้เห็นแล้ว ด้วยเหตุนี้ รูปภาพจึงกลายเป็นหนึ่งในภาพประกอบที่ดีที่สุดของความน่าสะพรึงกลัวของลัทธิฟาสซิสต์ ความโหดร้าย และความเศร้าโศกของมนุษย์ ใน "Guernica" เราสามารถพิจารณาฉากของความโหดร้าย ความรุนแรง ความตาย ความทุกข์ทรมาน และการทำอะไรไม่ถูก แม้ว่าเหตุผลนี้จะไม่ได้ระบุไว้อย่างชัดเจน แต่ก็มีความชัดเจนจากประวัติศาสตร์ ว่ากันว่าในปี 1940 Pablo Picasso ถูกเรียกตัวไปยัง Gestapo ในปารีสด้วยซ้ำ เขาถูกถามทันที: "คุณทำไหม" ซึ่งศิลปินตอบว่า: "ไม่ คุณทำได้"
Jan van Eyck "ภาพเหมือนของ Arnolfinis"ภาพวาดนี้วาดในปี 1434 ด้วยสีน้ำมันบนไม้ ขนาดของผลงานชิ้นเอกคือ 81.8x59.7 ซม. และเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน สันนิษฐานได้ว่าภาพวาดนี้เป็นภาพของ Giovanni di Nicolao Arnolfini กับภรรยาของเขา งานนี้เป็นหนึ่งในงานที่ยากที่สุดในโรงเรียนจิตรกรรมตะวันตกในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางเหนือ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงนี้มีสัญลักษณ์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ และเบาะแสต่างๆ มากมาย อะไรเป็นเพียงแค่ลายเซ็นของศิลปิน "แจน ฟาน เอค มาแล้ว" ส่งผลให้ภาพไม่ได้เป็นเพียงงานศิลปะ แต่เป็นเอกสารทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริง ท้ายที่สุด มันแสดงให้เห็นเหตุการณ์จริงที่ Van Eyck จับได้ ภาพนี้เพิ่งได้รับความนิยมอย่างมากในรัสเซีย เนื่องจาก Arnolfini มีความคล้ายคลึงกับ Vladimir Putin อย่างเห็นได้ชัดด้วยตาเปล่า
Mikhail Vrubel "ปีศาจนั่ง" Tretyakov Gallery จัดแสดงผลงานชิ้นเอกนี้โดย Mikhail Vrubel ซึ่งทาสีด้วยน้ำมันในปี 1890 ขนาดของผืนผ้าใบคือ 114x211 ซม. ปีศาจที่ปรากฎที่นี่น่าประหลาดใจ เขาปรากฏเป็นชายหนุ่มผมยาวเศร้า โดยปกติคนจะไม่จินตนาการถึงวิญญาณชั่วร้ายในลักษณะนี้ ตัว Vrubel พูดถึงผืนผ้าใบที่โด่งดังที่สุดของเขาในความเข้าใจของเขาว่าปีศาจไม่ใช่วิญญาณชั่วร้ายมากเท่ากับความทุกข์ทรมาน ในขณะเดียวกัน ก็ไม่อาจปฏิเสธอำนาจและความยิ่งใหญ่ของพระองค์ได้ อสูรของ Vrubel เป็นภาพลักษณ์ ประการแรก จิตวิญญาณของมนุษย์ ปกครองอยู่ในตัวเราจากการต่อสู้กับตัวเองและความสงสัยอยู่ตลอดเวลา สิ่งมีชีวิตที่รายล้อมไปด้วยดอกไม้นี้ กำมือไว้อย่างน่าเศร้า ดวงตาโตของมันมองไปในระยะไกลอย่างเศร้าสร้อย องค์ประกอบทั้งหมดแสดงถึงข้อจำกัดของร่างของปีศาจ ราวกับว่าเขาถูกประกบอยู่ในภาพนี้ระหว่างด้านบนและด้านล่างของกรอบรูป
Vasily Vereshchagin "อภิปรัชญาแห่งสงคราม"ภาพถูกวาดในปี 1871 แต่ในนั้นผู้เขียนดูเหมือนจะคาดการณ์ถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งในอนาคต ผ้าใบขนาด 127x197 ซม. เก็บไว้ใน Tretyakov Gallery Vereshchagin ถือเป็นหนึ่งในจิตรกรการต่อสู้ที่ดีที่สุดในการวาดภาพรัสเซีย อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้เขียนสงครามและการต่อสู้เพราะเขารักพวกเขา ศิลปินพยายามที่จะถ่ายทอดทัศนคติเชิงลบของเขาต่อสงครามให้กับผู้คนโดยใช้วิจิตรศิลป์ เมื่อ Vereshchagin สัญญาว่าจะไม่เขียนภาพการต่อสู้อีกต่อไป ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินก็ได้นำความโศกเศร้าของทหารที่ได้รับบาดเจ็บและเสียชีวิตทุกคนมาไว้ใกล้กับหัวใจของเขามากเกินไป ผลของทัศนคติที่จริงใจต่อหัวข้อนี้คือ "Apotheosis of War" ภาพที่น่าสยดสยองและน่าดึงดูดใจแสดงให้เห็นภูเขากะโหลกมนุษย์บนทุ่งที่มีกาอยู่รอบ ๆ Vereshchagin สร้างผืนผ้าใบทางอารมณ์ซึ่งอยู่ด้านหลังกะโหลกศีรษะแต่ละอันในกองขนาดใหญ่สามารถสืบย้อนประวัติศาสตร์และชะตากรรมของบุคลิกภาพและผู้คนที่อยู่ใกล้พวกเขาได้ ศิลปินเองประชดประชันเรียกภาพวาดนี้ว่ายังมีชีวิต เพราะมันแสดงถึงธรรมชาติที่ตายแล้ว รายละเอียดทั้งหมดของ "Apotheosis of War" กรีดร้องเกี่ยวกับความตายและความว่างเปล่า สามารถมองเห็นได้แม้ในพื้นหลังสีเหลืองของโลก และท้องฟ้าสีครามเน้นแต่ความตายเท่านั้น แนวคิดเรื่องความน่าสะพรึงกลัวของสงครามเน้นย้ำด้วยรูกระสุนและเครื่องหมายกระบี่บนกะโหลก
Grant Wood "อเมริกันโกธิก"ภาพวาดขนาดเล็กนี้มีขนาด 74 x 62 ซม. สร้างขึ้นในปี 2473 และปัจจุบันเก็บไว้ที่สถาบันศิลปะชิคาโก ภาพวาดเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปะอเมริกันในศตวรรษที่ผ่านมา ในสมัยของเราชื่อ "American Gothic" มักถูกกล่าวถึงในสื่อ ภาพนี้แสดงให้เห็นพ่อและลูกสาวที่ค่อนข้างมืดมน รายละเอียดมากมายบอกถึงความรุนแรง ความเคร่งครัด และความแข็งแกร่งของคนเหล่านี้ พวกเขามีใบหน้าที่ไม่พอใจ มีโกยก้าวร้าวปรากฏขึ้นกลางภาพ และเสื้อผ้าของทั้งคู่ก็ล้าสมัยตามมาตรฐานของยุคนั้น แม้แต่รอยต่อบนเสื้อผ้าของชาวนาก็ยังมีรูปร่างเหมือนโกย ซึ่งเพิ่มภัยคุกคามต่อผู้ที่บุกรุกวิถีชีวิตของเขาเป็นสองเท่า สามารถศึกษารายละเอียดของภาพได้ไม่รู้จบ รู้สึกไม่สบายกาย ที่น่าสนใจคือครั้งหนึ่งในการแข่งขันที่ Art Institute of Chicago ผู้พิพากษายอมรับภาพดังกล่าวว่าเป็นภาพที่ตลกขบขัน แต่ผู้คนในไอโอวาทำให้ศิลปินขุ่นเคืองเพราะเขามองพวกเขาในมุมที่ไม่น่าดู นางแบบของหญิงสาวคือน้องสาวของวูด แต่ทันตแพทย์ของจิตรกรกลายเป็นต้นแบบของชายขี้โมโห
คนรัก Rene Magritteภาพวาดถูกวาดในปี 1928 ด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ในกรณีนี้ มีสองตัวเลือก ชายหญิงคู่หนึ่งกำลังจูบกัน มีเพียงศีรษะเท่านั้นที่ห่อด้วยผ้าขาว ในภาพวาดอีกเวอร์ชั่นหนึ่ง คู่รักจะมองที่ผู้ชม วาดและน่าประหลาดใจและหลงใหล ตัวเลขที่ไม่มีใบหน้าเป็นสัญลักษณ์ของความรักที่มืดบอด เป็นที่ทราบกันดีว่าคู่รักมองไม่เห็นใครรอบตัว แต่เรามองไม่เห็นความรู้สึกที่แท้จริงของพวกเขา แม้กระทั่งสำหรับกันและกัน คนเหล่านี้ซึ่งถูกปิดบังด้วยความรู้สึก แท้จริงแล้วเป็นปริศนา และถึงแม้ว่าข้อความหลักของภาพจะดูชัดเจน แต่ "คู่รัก" ก็ยังทำให้คุณมองดูพวกเขาและคิดถึงความรัก โดยทั่วไปแล้วใน Magritte ภาพวาดเกือบทั้งหมดเป็นปริศนาซึ่งไม่สามารถแก้ไขได้อย่างสมบูรณ์ ท้ายที่สุดผืนผ้าใบเหล่านี้ทำให้เกิดคำถามหลักเกี่ยวกับความหมายของชีวิตเรา ในนั้น ศิลปินพูดถึงธรรมชาติลวงตาของสิ่งที่เราเห็น ว่ามีสิ่งลึกลับมากมายรอบตัวเราที่เราพยายามจะไม่สังเกตเห็น
มาร์ค ชากาล "เดิน"ภาพวาดถูกวาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี 1917 และปัจจุบันถูกเก็บไว้ในหอศิลป์ State Tretyakov ในงานของเขา มาร์ค ชากาลมักจะจริงจัง แต่ที่นี่เขายอมให้ตัวเองแสดงความรู้สึก ภาพที่สื่อถึงความสุขส่วนตัวของศิลปินเต็มไปด้วยความรักและสัญลักษณ์เปรียบเทียบ "เดิน" ของเขาเป็นภาพเหมือนตนเอง โดยที่ชากาลวาดภาพเบลล่าภรรยาของเขาอยู่ข้างๆ คนที่เขาเลือกทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้า เธอกำลังจะลากศิลปินไปที่นั่น ซึ่งเกือบจะลอยจากพื้นแล้ว สัมผัสมันด้วยปลายรองเท้าของเขาเท่านั้น ในอีกทางหนึ่งของมนุษย์คือหนูตัวเมีย เราสามารถพูดได้ว่านี่คือวิธีที่ Chagall พรรณนาถึงความสุขของเขา เขามีนกกระเรียนบนท้องฟ้าในรูปแบบของผู้หญิงที่รักและ titmouse อยู่ในมือซึ่งเขาหมายถึงงานของเขา
Hieronymus Bosch "สวนแห่งความสุขทางโลก"ผืนผ้าใบนี้ขนาด 389x220 ซม. ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ปราโวสเปน บ๊อชวาดภาพสีน้ำมันบนไม้ระหว่างปี ค.ศ. 1500 ถึงปี ค.ศ. 1510 นี่คือภาพอันมีค่าที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Bosch แม้ว่าภาพวาดจะมีสามส่วน แต่ได้รับการตั้งชื่อตามส่วนที่อยู่ตรงกลางซึ่งอุทิศให้กับความยั่วยวน ความหมายของภาพแปลก ๆ มีการถกเถียงกันอยู่ตลอดเวลาไม่มีการตีความใดที่จะจำได้ว่าเป็นภาพที่แท้จริงเพียงเรื่องเดียว ความสนใจในอันมีค่าปรากฏขึ้นเนื่องจากรายละเอียดเล็ก ๆ มากมายที่แสดงแนวคิดหลัก มีร่างโปร่งแสง โครงสร้างที่ไม่ธรรมดา สัตว์ประหลาด ฝันร้าย และนิมิตที่เป็นจริง และรูปแบบที่เลวร้ายของความเป็นจริง ศิลปินสามารถมองดูทั้งหมดนี้ด้วยรูปลักษณ์ที่เฉียบคมและน่าค้นหา โดยสามารถรวมองค์ประกอบที่ไม่เหมือนกันไว้ในผืนผ้าใบผืนเดียวได้ นักวิจัยบางคนพยายามที่จะเห็นภาพสะท้อนของชีวิตมนุษย์ซึ่งผู้เขียนแสดงให้เห็นอย่างไร้ประโยชน์ บ้างก็พบภาพความรัก บ้างก็พบชัยชนะแห่งความยั่วยวน อย่างไรก็ตาม เป็นที่น่าสงสัยว่าผู้เขียนพยายามเชิดชูความสุขทางกามารมณ์ ท้ายที่สุดแล้วร่างของผู้คนก็ถูกพรรณนาด้วยความเยือกเย็นและไร้เดียงสา ใช่ และหน่วยงานของคริสตจักรก็มีปฏิกิริยาตอบสนองค่อนข้างดีกับภาพวาดนี้ของ Bosch
Gustav Klimt "สตรีสามยุค"ภาพวาดนี้อยู่ในหอศิลป์สมัยใหม่แห่งชาติของกรุงโรม ผ้าใบสี่เหลี่ยมจัตุรัสกว้าง 180 ซม. ทาสีด้วยน้ำมันบนผ้าใบในปี ค.ศ. 1905 ภาพนี้แสดงทั้งความสุขและความเศร้าในเวลาเดียวกัน ศิลปินในสามร่างสามารถแสดงทั้งชีวิตของผู้หญิงคนหนึ่ง คนแรกที่ยังเด็กอยู่นั้นไร้กังวลอย่างยิ่ง ผู้หญิงที่เป็นผู้ใหญ่แสดงออกถึงความสงบ และวัยสุดท้ายเป็นสัญลักษณ์ของความสิ้นหวัง ในเวลาเดียวกัน วัยกลางคนก็ถูกถักทออย่างเป็นธรรมชาติเข้ากับเครื่องประดับชีวิต และของเก่าก็โดดเด่นเมื่อเทียบกับภูมิหลังอย่างเห็นได้ชัด ความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างหญิงสาวกับผู้สูงอายุเป็นสัญลักษณ์ หากความเจริญรุ่งเรืองของชีวิตมาพร้อมกับความเป็นไปได้และการเปลี่ยนแปลงมากมาย ระยะสุดท้ายก็คือความคงเส้นคงวาที่ฝังแน่นและขัดแย้งกับความเป็นจริง ภาพดังกล่าวดึงดูดความสนใจและทำให้คุณนึกถึงความตั้งใจของศิลปินความลึก มันมีทุกชีวิตด้วยความหลีกเลี่ยงไม่ได้และการเปลี่ยนแปลง
Egon Schiele "ครอบครัว"ผ้าใบขนาด 152.5x162.5 ซม. นี้ทาสีด้วยน้ำมันในปี 2461 ตอนนี้มันถูกเก็บไว้ใน Vienna Belvedere ครูของ Schiele คือ Klimt เอง แต่นักเรียนไม่ได้พยายามเลียนแบบเขาอย่างขยันขันแข็งโดยมองหาวิธีการแสดงออกของเขาเอง เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่างานของ Schiele นั้นน่าเศร้า น่ากลัว และแปลกกว่าของ Klimt มาก องค์ประกอบบางอย่างในปัจจุบันอาจเรียกว่าลามกอนาจาร มีความวิปริตที่แตกต่างกันมากมาย ความเป็นธรรมชาติมีอยู่ในทุกความงาม ในขณะเดียวกัน ภาพเหล่านั้นก็เต็มไปด้วยความสิ้นหวังที่น่าปวดหัว จุดสุดยอดของผลงานของ Schiele และภาพวาดล่าสุดของเขาคือ The Family ในผืนผ้าใบนี้ความสิ้นหวังมาถึงขีดสุดในขณะที่งานนั้นกลับกลายเป็นว่าเป็นสิ่งที่แปลกที่สุดสำหรับผู้แต่ง หลังจากที่ภรรยาที่ตั้งครรภ์ของ Schiele เสียชีวิตด้วยโรคไข้หวัดใหญ่ในสเปน และไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้ก็ถูกสร้างขึ้น ระหว่างการเสียชีวิตทั้งสองผ่านไปเพียง 3 วัน พวกเขาก็เพียงพอแล้วที่ศิลปินจะวาดภาพตัวเองกับภรรยาและลูกในท้องของเขา ในเวลานั้น Schiele อายุเพียง 28 ปี
Frida Kahlo "สอง Fridas"ภาพวาดเกิดในปี 2482 ศิลปินชาวเม็กซิกัน Frida Kahlo กลายเป็นที่รู้จักหลังจากการเปิดตัวภาพยนตร์เกี่ยวกับเธอกับ Salma Hayek ในบทนำ พื้นฐานของงานของศิลปินคือภาพเหมือนตนเองของเธอ ตัวเธอเองอธิบายข้อเท็จจริงนี้ดังนี้: "ฉันเขียนตัวเองเพราะฉันใช้เวลาส่วนใหญ่อยู่คนเดียวและเพราะฉันเป็นหัวข้อที่ฉันรู้ดีที่สุด" เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่ Frida จะไม่ยิ้มบนผืนผ้าใบของเธอ ใบหน้าของเธอดูจริงจัง แม้จะค่อนข้างเศร้าโศก คิ้วหนาที่หลอมละลายและหนวดที่แทบจะมองไม่เห็นเหนือริมฝีปากที่ปิดปากไว้แสดงถึงความจริงจังสูงสุด ความคิดของภาพเขียนอยู่ในร่าง ภูมิหลัง และรายละเอียดของสิ่งที่อยู่รายล้อม Frida สัญลักษณ์ของภาพวาดนี้มีพื้นฐานมาจากประเพณีประจำชาติของเม็กซิโก ซึ่งเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับตำนานอินเดียโบราณ "Two Fridas" เป็นหนึ่งในภาพที่ดีที่สุดของเม็กซิกัน มันแสดงให้เห็นในแนวทางดั้งเดิมของหลักการของชายและหญิงซึ่งมีระบบไหลเวียนโลหิตเดียว ดังนั้นศิลปินจึงแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีและความสมบูรณ์ของสิ่งที่ตรงกันข้ามทั้งสองนี้
Claude Monet "สะพานวอเตอร์ลู เอฟเฟกต์หมอก"ในอาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คุณจะพบภาพวาดนี้โดยโมเนต์ มันถูกวาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2442 เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิดของภาพ จะปรากฏเป็นจุดสีม่วงที่มีเส้นขีดหนา อย่างไรก็ตาม เมื่อย้ายออกจากผืนผ้าใบ ผู้ชมจะเข้าใจเวทมนตร์ทั้งหมดของเขา ในตอนแรกมองเห็นครึ่งวงกลมคลุมเครือผ่านจุดศูนย์กลางของภาพโครงร่างของเรือจะปรากฏขึ้น และจากระยะไม่กี่เมตร คุณจะเห็นองค์ประกอบทั้งหมดของภาพที่เชื่อมโยงกันเป็นลูกโซ่ตรรกะ
แจ็กสัน พอลล็อค "หมายเลข 5, 2491" Pollock เป็นคลาสสิกของประเภทการแสดงออกทางนามธรรม ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขานั้นแพงที่สุดในโลก และศิลปินวาดภาพในปี 1948 เพียงแค่เทสีน้ำมันลงบนแผ่นใยไม้อัดขนาด 240x120 ซม. บนพื้น ในปี 2549 ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ เจ้าของคนก่อน นักสะสม และโปรดิวเซอร์ภาพยนตร์ David Giffen ขายให้กับ David Martinez นักการเงินชาวเม็กซิกัน พอลลอคกล่าวว่าเขาตัดสินใจที่จะย้ายออกจากเครื่องมือของศิลปินที่คุ้นเคย เช่น ขาตั้ง สี และพู่กัน เครื่องมือของเขาคือไม้ มีด พลั่ว และสีเท เขายังใช้ส่วนผสมของมันกับทรายหรือแม้แต่เศษแก้ว เริ่มสร้าง. พอลลอคมอบแรงบันดาลใจให้ตัวเองโดยที่ไม่รู้ตัวด้วยซ้ำว่ากำลังทำอะไรอยู่ เท่านั้นจึงจะบรรลุถึงความสมบูรณ์แบบ ในเวลาเดียวกัน ศิลปินก็ไม่กลัวที่จะทำลายภาพหรือเปลี่ยนภาพโดยไม่ได้ตั้งใจ - ภาพเริ่มมีชีวิตของตัวเอง หน้าที่ของพอลลอคคือการช่วยให้เธอเกิด ออกมา แต่ถ้าอาจารย์ขาดการติดต่อกับสิ่งที่เขาสร้างขึ้น ผลที่ได้คือความโกลาหลและสิ่งสกปรก หากประสบความสำเร็จ ภาพจะสื่อถึงความสามัคคีอันบริสุทธิ์ ความสะดวกในการรับและรวบรวมแรงบันดาลใจ
Joan Miro "ชายและหญิงอยู่หน้ากองอุจจาระ"ปัจจุบันภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในกองทุนของศิลปินในสเปน มันถูกทาสีด้วยน้ำมันบนแผ่นทองแดงในปี 1935 ภายในเวลาเพียงหนึ่งสัปดาห์ตั้งแต่วันที่ 15 ถึง 22 ตุลาคม ขนาดของการสร้างเพียง 23x32 ซม. แม้จะมีชื่อที่เร้าใจ แต่ภาพก็พูดถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงครามกลางเมือง ผู้เขียนเองจึงพรรณนาถึงเหตุการณ์ในปีนั้นที่เกิดขึ้นในสเปน Miro พยายามแสดงช่วงเวลาแห่งความไม่สงบ ในภาพ คุณสามารถเห็นชายหญิงที่ไม่เคลื่อนไหวซึ่งยังคงถูกดึงดูดเข้าหากัน ผืนผ้าใบเต็มไปด้วยดอกไม้พิษร้ายกาจพร้อมกับองคชาตที่ขยายใหญ่ขึ้นทำให้ดูน่าขยะแขยงและเซ็กซี่อย่างน่าขยะแขยง
Jacek Yerka "การกัดเซาะ"ในผลงานของนีโอเซอร์เรียลลิสม์ชาวโปแลนด์ ภาพแห่งความเป็นจริงที่พันกันก่อให้เกิดความเป็นจริงใหม่ ในบางวิธี แม้แต่ภาพที่สัมผัสได้ก็มีรายละเอียดมาก พวกเขารู้สึกถึงเสียงสะท้อนของนักเหนือจริงในอดีต ตั้งแต่บ๊อชไปจนถึงต้าหลี่ Yerka เติบโตขึ้นมาในบรรยากาศของสถาปัตยกรรมยุคกลางที่รอดชีวิตจากการทิ้งระเบิดในสงครามโลกครั้งที่ 2 ได้อย่างปาฏิหาริย์ เขาเริ่มวาดก่อนเข้ามหาวิทยาลัย ที่นั่นพวกเขาพยายามเปลี่ยนสไตล์ของเขาให้ทันสมัยขึ้นและมีรายละเอียดน้อยลง แต่ Yerka เองก็ยังคงความเป็นตัวของตัวเองไว้ ทุกวันนี้ ภาพวาดที่ผิดปกติของเขาไม่ได้จัดแสดงในโปแลนด์เท่านั้น แต่ยังจัดแสดงในเยอรมนี ฝรั่งเศส โมนาโก และสหรัฐอเมริกาด้วย พวกเขาอยู่ในคอลเลกชันจำนวนมากทั่วโลก
Bill Stoneham "มือต่อต้านเขา"ภาพวาดที่วาดในปี 1972 นั้นยากที่จะเรียกว่าภาพวาดคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันเป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์ที่แปลกประหลาดที่สุดของศิลปิน ภาพนี้แสดงให้เห็นเด็กผู้ชาย ตุ๊กตายืนอยู่ข้างเขา และฝ่ามือจำนวนมากกดทับกระจกจากด้านหลัง ผืนผ้าใบนี้แปลก ลึกลับ และค่อนข้างลึกลับ มันได้กลายเป็นตำนานไปแล้ว พวกเขาบอกว่าเพราะภาพนี้มีคนเสียชีวิตและเด็ก ๆ ในนั้นยังมีชีวิตอยู่ เธอดูน่าขนลุกจริงๆ ไม่น่าแปลกใจที่ภาพดังกล่าวทำให้เกิดความกลัวและความเพ้อฝันอันเลวร้ายสำหรับผู้ที่ป่วยเป็นโรคทางจิต สโตนแฮมเองก็มั่นใจว่าเขาวาดภาพตัวเองเมื่ออายุได้ 5 ขวบ ประตูที่อยู่ข้างหลังเด็กชายคือกำแพงกั้นระหว่างความเป็นจริงกับโลกแห่งความฝัน ตุ๊กตาเป็นคู่มือที่สามารถนำเด็กจากโลกหนึ่งไปยังอีกโลกหนึ่งได้ มือคือชีวิตทางเลือกหรือความเป็นไปได้ของบุคคล ภาพวาดเริ่มโด่งดังในเดือนกุมภาพันธ์ 2543 มันถูกวางขายบนอีเบย์โดยบอกว่ามันเป็นผีสิง ในท้ายที่สุด Kim Smith ซื้อ Hands Resist Him ในราคา 1,025 ดอลลาร์ ในไม่ช้าผู้ซื้อก็เต็มไปด้วยจดหมายที่มีเรื่องราวเลวร้ายที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดและต้องการทำลายผืนผ้าใบนี้
1. เดโอนาร์โด ดา วินชี Mona Lisa. รูปภาพที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลกมีหลายอย่างให้สอนช่างภาพ แต่สิ่งสำคัญจากสิ่งนี้คือสิ่งที่ความสัมพันธ์กับตัวแบบควรเป็นอย่างไร อย่างที่พูดไปหลายครั้งแล้ว รอยยิ้มของเธอพูดถึงสายสัมพันธ์พิเศษระหว่างศิลปินและนางแบบ นี่คือสิ่งที่ช่างภาพทุกคนควรมุ่งมั่นในการสร้างภาพบุคคล
2.ราฟาเอล. โรงเรียนเอเธนส์ ช่างภาพหลายคนชอบถ่ายรูปวัตถุแต่ละชิ้น หนึ่งคน หนึ่งสิ่ง และชั่วขณะหนึ่ง งานนี้มาจากช่วงเวลาที่ผืนผ้าใบผืนหนึ่งใช้เวลาครึ่งชั่วโมงในการพิจารณา มีสถานการณ์ที่แตกต่างกันหลายสิบสถานการณ์และไม่มีใครแทรกแซงสถานการณ์อื่น การเขียนฉากหลายแง่มุมในเฟรมเป็นสิ่งสำคัญมาก
3. แจน เวอร์เมียร์ หญิงสาวที่มีต่างหูมุก . Vermeer ชอบแสงที่หน้าต่าง นี่คือแสงที่ดีที่สุดสำหรับการถ่ายภาพบุคคล เมื่อเราใช้ไฟในสตูดิโอหรือแฟลช เรากำลังพยายามเพื่อให้ได้แสงที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เช่นเดียวกับในภาพเหมือนของ Mona Lisa มีความเกี่ยวข้องกับศิลปินซึ่งถูกส่งไปยังผู้ชม
4. เอ็ดเวิร์ด ฮอปเปอร์ เหยี่ยวกลางคืน ช่างภาพทุกคนต่างมองหาช่วงเวลาสั้นๆ ที่จะ "ดึงดูด" ผู้ชมในเวลาต่อมา ภาพนี้ดึงดูดความสนใจเนื่องจากความสงบ ช่างภาพควรพยายามดูและจับภาพช่วงเวลาเช่นนี้
5. เอ็ม เอสเชอร์ ลูกมือและกระจก สิ่งหนึ่งที่ช่างภาพควรทำคือแสดงมุมมองในการถ่ายภาพ
6. นอร์แมน ร็อคเวลล์ ข่าวลือ บรรยายผ่านสีหน้า. เราไม่จำเป็นต้องรู้ข่าวลือเองเพื่อทำความเข้าใจว่าเกิดอะไรขึ้นในภาพนี้ ความสามารถในการจับการแสดงออกทางสีหน้าเป็นทักษะที่สำคัญสำหรับช่างภาพ
7. นอร์แมน ร็อคเวลล์ ทางหนี. นอร์แมน ร็อคเวลล์ มีความสามารถพิเศษในการเรียกความทรงจำของผู้ชมเมื่อพวกเขาเห็นภาพวาดของเขา เรื่องที่งานนี้เล่าเป็นมากกว่าที่หนังสือทั้งเล่มสามารถบอกได้ในบางครั้ง สร้างภาพดังกล่าวและจะทำให้คุณประสบความสำเร็จ
8. แอนดี้ วอร์ฮอล ช่างภาพบางคนพยายามหาตัวแบบที่จะถ่าย พวกเขากำลังมองหาสิ่งที่น่าตื่นเต้น การเปลี่ยนของธรรมดาๆ ให้กลายเป็นสิ่งที่ไม่ธรรมดานั้นสำคัญกว่ามาก และนี่คือสิ่งที่ Warhol ทำกับซุปกระป๋องจริงๆ
9. กุสตาฟ คลิมท์ จูบ. ช่างภาพหลายคนติดตามเทรนด์ล่าสุดในการถ่ายภาพ มีภาพบนอินเทอร์เน็ตนับล้านภาพที่ใช้ HDR (ช่วงไดนามิกสูง) เมื่อถ่ายฉากเดียวกันสามเฟรมโดยใช้ค่าแสงต่างกันและรวมเข้าด้วยกันโดยใช้โปรแกรมแก้ไข เป็นความผิดพลาดที่จะสรุปว่ามีความแปลกใหม่เพียงพอที่คุณสามารถถ่ายภาพอะไรก็ได้โดยใช้เทคนิคนี้และได้ภาพถ่ายที่ดี Klimt มีชื่อเสียงมากสำหรับภาพวาดที่มีสไตล์ของเขา แต่ในภาพนี้เขาแสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งระหว่างวัตถุต่างๆ สิ่งนี้ควรเป็นบทเรียนให้กับช่างภาพทุกคน
11. มีเกลันเจโล เพดานโบสถ์น้อยซิสทีน ทักษะที่ดีสำหรับช่างภาพคือการมองสิ่งต่าง ๆ จากมุมต่างๆ เพื่อให้ได้ภาพที่ดีที่สุด อย่าปล่อยให้ท่าทางที่น่าอึดอัดเป็นอุปสรรคต่อแรงบันดาลใจ ถ่ายแม้ต้องมองตรงๆ
12. ซัลวาดอร์ ดาลี. สามสฟิงซ์แห่งเกาะบิกินี่ สิ่งสำคัญคือต้องเห็นรูปร่างและพื้นผิวซ้ำๆ ในภาพถ่าย และสร้างภาพที่ดีโดยอิงจากรูปร่างเหล่านั้น
13. กราฟฟิตี้ของ Banksy Banksy เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการรวมสิ่งที่เข้ากันไม่ได้ คุณคาดหวังที่จะเห็นสิ่งหนึ่ง แต่เขาทำให้คุณประหลาดใจด้วยบางสิ่งที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
14. วิลเลียม เบลค สถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ เบลคสามารถสอนช่างภาพถึงวิธีผสมผสานแรงบันดาลใจและเทคนิค
15. วินเซนต์ ฟาน โก๊ะ ไนท์คาเฟ่. เราควรถ่ายรูปสิ่งที่มีความหมายกับเรา เมื่อคุณมองภาพนี้ คุณจะเข้าใจว่าร้านกาแฟแห่งนี้มีความหมายบางอย่างสำหรับแวนโก๊ะ ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขา
16. คัตสึชิกะ โฮคุไซ. คลื่นลูกใหญ่ออกจากคานากาว่า ช่วงเวลาชี้ขาดไม่ได้เกิดขึ้นในชีวิตของผู้คนเท่านั้น ช่างภาพควรมองหาช่วงเวลาที่คล้ายกันในโลกรอบตัว
17. ฮิโรชิเกะ ผู้หญิงคนหนึ่งเดินไปตามถนนผ่านทุ่งนา ช่างภาพต้องแน่ใจว่าทุกอย่างในเฟรมตรงกับการกระทำของตัวแบบหลัก เช่น แนวต้นไม้ ทางเดิน และผู้คนขนานกัน
18. ผลงานของเอ็ดการ์ มุลเลอร์ มุลเลอร์เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านมุมมอง ภาพลวงตาของความลึกเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิงทั้งนี้ขึ้นอยู่กับระยะทางที่คุณดูงานของเขา สิ่งนี้สามารถสอนช่างภาพไม่ให้หยุดมองหามุมที่เหมาะสม
19. Georgia O'Keeffe ป๊อปปี้ มี "วัฒนธรรมย่อย" ทั้งหมดของการถ่ายภาพดอกไม้ Georgia O'Keeffe เหมาะสำหรับการหาแรงบันดาลใจในการถ่ายภาพดอกไม้
20. เอมิลี่ คาร์ กิจวรรณคูล. Emily Kar เป็นที่รู้จักจากภาพวาดโทเท็มของเธอ เธอใช้เวลาทั้งชีวิตเพื่อค้นหาโทเท็มสำหรับงานของเธอ ช่างภาพควรมองหาโครงการอยู่เสมอ วิชาบางอย่างที่สามารถศึกษาและแสดงผ่านภาพถ่ายชุดหนึ่ง
21. ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ บอลที่ Moulin de la Galette นี่เป็นตัวอย่างที่ดีในการวาดภาพวัตถุจำนวนมากที่ไม่ได้แข่งขันกับวัตถุหลัก
22. แกรนท์ วู้ด อเมริกันกอธิค ภาพวาด "อเมริกันโกธิก" โดยแกรนท์ วูด เป็นตัวอย่างที่ดีของการที่โครงงานเรื่อง สะท้อนถึงสิ่งแวดล้อม แกรนท์ วูดพยายามจินตนาการว่าคนประเภทไหนสามารถอาศัยอยู่ในบ้านหลังนี้ได้ บ้านนี้และทั้งคู่มีความคล้ายคลึงกันเกือบทางกายภาพ
23. เอดูอาร์ โมเนต์ เช เลอ แปร์ ลาทุย ฉากนี้น่าจะเป็นภาพถ่ายแนวสตรีท
Tretyakov Gallery เป็นพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในโลก ประวัติศาสตร์เริ่มต้นด้วยคอลเล็กชั่นส่วนตัวของ Pavel Tretyakov
ศิลปินใฝ่ฝันว่าเขาเป็นคนซื้อผลงานแม้ว่า Tretyakov จะไม่พร้อมที่จะจ่ายมากเสมอไป หลายคนถูกคนใจบุญติดสินบนด้วยบุคลิกที่สุภาพและทัศนคติที่เป็นประชาธิปไตย
เมื่อ Tretyakov บริจาคแกลเลอรี่ของเขาให้กับมอสโก Alexander III ได้มอบตำแหน่งขุนนางให้เขา แต่ Pavel Mikhailovich ปฏิเสธเพราะคิดว่าตัวเองไม่คู่ควรกับมัน!
รสนิยมของเขาก็พิเศษเช่นกัน เขาอยากเห็นความจริงใจ ความจริงใจ และความจริงใจในภาพ ละเลยงานวิชาการและเสแสร้งทำขึ้นเพื่อสร้างความประทับใจให้ประชาชน
ดังนั้นผลงานมากมายที่เขาซื้อจึงยืนหยัดผ่านกาลเวลาและได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอก ฉันจะบอกเกี่ยวกับพวกเขาหลายคน
1. อีวาน ชิชกิน ไรย์. พ.ศ. 2421
อีวาน ชิชกิน. ไรย์. พ.ศ. 2421 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก เข้าซื้อกิจการโดย P. Tretyakov ในภาพวาด "ไรย์" เราเห็นส่วนผสมที่ลงตัวของข้าวไรย์สีเหลืองต่ำและต้นสนสูงอายุ และรายละเอียดที่น่าสนใจอีกมากมาย บินต่ำมากอย่างรวดเร็ว คนที่มีผมเปียเดินไปตามถนน
Shishkin มักถูกตำหนิเพราะถ่ายรูปมากเกินไป และที่จริงแล้ว หากคุณซูมภาพเข้าไป คุณจะเห็นดอกเดือยแทบทุกดอก
แต่ไม่ใช่ทุกอย่างจะง่ายนัก ท่ามกลางต้นสนที่งามสง่านั้นมีต้นสนที่ตายไปแล้ว บางทีอาจเป็นเพราะฟ้าผ่า ศิลปินต้องการบอกอะไรเรา? ว่าอำนาจใดสามารถทำลายได้ในชั่วข้ามคืน?
หลังจากรอดชีวิตจากการตายของภรรยาและลูกสองคนของเขา Shishkin สามารถถ่ายทอดอารมณ์ดังกล่าวไปยังผืนผ้าใบได้เป็นอย่างดี แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ทำทุกอย่างเพื่อแสดงความงามของธรรมชาติรัสเซีย
2. อาร์คิป คูนด์จิ. หลังฝน. พ.ศ. 2422
อาร์คิป คูนด์จิ. หลังฝน. พ.ศ. 2422 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก เข้าซื้อกิจการโดย P. Tretyakov ตัวละครหลักของภาพวาดของ Kuindzhi ทั้งหมดคือแสง ยิ่งกว่านั้นศิลปินเปลี่ยนแสงธรรมดาให้กลายเป็นเวทมนตร์ด้วยวิธีที่เข้าใจยากโดยเลือกปรากฏการณ์ที่มีสีสันที่สุดของธรรมชาติ ดังนั้นมันจึงอยู่ในภาพวาด "หลังฝน"
พายุร้ายเพิ่งผ่านไป ท้องฟ้าสีน้ำตาลอมม่วงดูน่ากลัว แต่ภูมิทัศน์ก็สว่างไสวด้วยแสงแรก สายรุ้งก็มา หญ้าหลังฝนสีมรกตบริสุทธิ์
ไม่มีความแน่นอนที่ Kuindzhi วาดจากธรรมชาติเท่านั้น ไม่น่าเป็นไปได้ที่ม้าจะยังคงอยู่ในที่โล่งท่ามกลางพายุฝนฟ้าคะนองรุนแรง เป็นไปได้มากที่ร่างของเธอถูกเพิ่มเพื่อเพิ่มความคมชัดระหว่างท้องฟ้าที่มีพายุและหญ้าที่มีแสงแดดส่องถึง
Kuindzhi เป็นคนดั้งเดิมไม่เพียง แต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นบุคคลอีกด้วย ต่างจากเพื่อนร่วมงานที่ไม่ร่ำรวยหลายคน เขาร่ำรวยจากการทำธุรกรรมด้านอสังหาริมทรัพย์ที่ประสบความสำเร็จ แต่เขาใช้ชีวิตอย่างเจียมเนื้อเจียมตัว โดยมอบเงินทั้งหมดให้คนขัดสน
3. วิกเตอร์ วาสเนตซอฟ สามเจ้าหญิงแห่งยมโลก พ.ศ. 2424
วิกเตอร์ วาสเนทซอฟ สามเจ้าหญิงแห่งยมโลก พ.ศ. 2424 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก รับในปี 1910 ตามความประสงค์ของ M. Morozov ภาพวาด "เจ้าหญิงทั้งสาม" ได้รับมอบหมายจาก Savva Mamontov โดยเฉพาะสำหรับสำนักงานรถไฟถ่านหิน Vasnetsov ใช้นิทานพื้นบ้านของเจ้าหญิงทองคำเงินและทองแดงเป็นพื้นฐาน
แต่เขาดัดแปลงเธออย่างมาก เหลือเพียงเจ้าหญิงสีทองเท่านั้น เขาเสริมอีกสองคนจากตัวเขาเอง: เจ้าหญิงแห่งอัญมณีและเจ้าหญิงแห่งถ่านหิน ทั้งสามเชิดชูความมั่งคั่งของลำไส้ของดินแดนรัสเซีย
หญิงสาวชุดดำอายุน้อยที่สุดเพราะถ่านหินถูกขุดช้ากว่าทองและอัญมณีล้ำค่า ดังนั้นชุดของเธอจึงทันสมัยกว่า
และการแต่งกายของเจ้าหญิงแห่งถ่านหินก็เจียมเนื้อเจียมตัวมากขึ้น ท้ายที่สุดแล้ว จุดประสงค์ของมันคือเพื่อประโยชน์ของผู้คน และไม่รับใช้ความโลภของมนุษย์อย่างที่พี่สาวสองคนต้องทำ
Tretyakov ชอบซื้อผลงานจาก Vasnetsov พวกเขาเป็นเพื่อนที่ดี และไม่น่าแปลกใจเลย ศิลปินเป็นคนถ่อมตัวมาก
เมื่อเขาเข้าสู่ Academy of Arts เขารู้ว่าเขาสอบผ่านเพียงหนึ่งปีต่อมา เมื่อเขากลับมารับอีกครั้ง แน่ใจว่าเขาล้มเหลวในครั้งแรก
ทดสอบตัวเอง: ทำแบบทดสอบออนไลน์
4. อิลยา เรพิน แมลงปอ. พ.ศ. 2427
อิลยา เรพิน. แมลงปอ. พ.ศ. 2427 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก เข้าซื้อกิจการโดย P. Tretyakov "แมลงปอ" อาจถูกเข้าใจผิดโดยไม่ได้ตั้งใจว่าเป็นผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์จากปารีส ท้ายที่สุดเธอร่าเริงสดใส
เด็กนั่งบนคานประตูกับพื้นหลังของท้องฟ้าสดใสและเขย่าขาของเขา ดังนั้นคุณจึงได้ยินเสียงจิ้งหรีดร้องเจี๊ยก ๆ และเสียงหึ่ง ๆ ของผึ้ง
สิ่งที่น่าแปลกใจที่สุดคือ Repin ไม่ชอบนักประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นพิเศษ ฉันคิดว่าพวกเขาขาดพล็อต แต่เขาไม่สามารถช่วยตัวเองได้เมื่อเขารับหน้าที่วาดรูปเด็ก การเขียนอีกรูปแบบหนึ่งไม่ได้มุ่งไปที่ความฉับไวแบบเด็กๆ
ในภาพวาด Repin พรรณนาถึง Vera ลูกสาวคนโตของเขา และตัวเขาเองเรียกเธอว่าแมลงปอ ท้ายที่สุดแล้ว เดรสสีน้ำเงินนั้นคล้ายกับสีของแมลงปอมาก โดยหมอบอยู่บนท่อนซุงสองสามวินาที เพื่อที่จะทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้าอย่างสบายๆ
เวร่าอาศัยอยู่กับพ่อของเธอจนสิ้นชีวิต เธอไม่เคยแต่งงาน น้อยคนนักที่จะพูดถึงเธออย่างสูงส่ง รวมถึง Chukovsky ซึ่งรู้จักครอบครัว Repin Roots เป็นอย่างดี
ตามบันทึกความทรงจำของเขา Vera Ilyinichna ขายภาพวาดของพ่อโดยไม่ลังเล และด้วยเงินที่ได้ ฉันซื้อตุ้มหูให้ตัวเอง เธอ "เจ้าเล่ห์ ขี้ขลาด...และโง่ทั้งกายทั้งใจ" เป็นการวิจารณ์ที่รุนแรง...
5. วาเลนติน เซรอฟ หญิงสาวที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ พ.ศ. 2431
วาเลนติน เซรอฟ หญิงสาวที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ พ.ศ. 2431 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก เข้าซื้อกิจการโดย P. Tretyakov ภาพวาดอีกชิ้นหนึ่งซึ่งวาดในลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ถูกเก็บไว้ใน Tretyakov Gallery แต่มันถูกสร้างขึ้นแล้วโดย Valentin Serov
อิมเพรสชั่นนิสม์แสดงออกมาในรูปแบบแสงและเงาที่น่าทึ่ง แสงจ้าจากดวงอาทิตย์ แสงสว่างจ้าตัดกับเปลือกไม้สีเข้มของต้นไม้และกระโปรงสีน้ำเงินเข้ม
Serov ถือว่า The Girl Illuminated by the Sun เป็นภาพวาดที่ดีที่สุดของเขา แม้ว่าเขาจะวาดภาพนั้นเมื่ออายุ 23 ปีก็ตาม เขาสารภาพกับเพื่อน ๆ ว่าเขาพยายามสร้างสิ่งที่คล้ายกันมาทั้งชีวิต แต่ก็ไม่ได้ผล
Serov ถูกวางโดย Maria Simonovich ลูกพี่ลูกน้องของเขา เป็นเวลาสามเดือนเต็ม หลายชั่วโมงทุกวัน ศิลปินทำงานเกี่ยวกับภาพวาดเป็นเวลานานและระมัดระวังจนมาเรียที่อดทนมากก็ทนไม่ได้ ในเดือนที่สี่ของการทำงาน เธอหนีไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยอ้างว่าเป็นการเปิดชั้นเรียน
ไม่ใช่แค่เพราะฉันเหนื่อย จากนั้นเธอก็ยอมรับว่าเธอกลัวว่าพี่ชายของเธอจะไม่หักโหมจนเกินไป ในฐานะประติมากรเอง เธอรู้ดีว่าถ้าคุณแก้ไขงานอย่างไม่สิ้นสุด คุณสามารถทำลายทุกอย่างได้
บางทีเธออาจทำสิ่งที่ถูกต้อง และต้องขอบคุณเธอที่ทำให้ภาพกลายเป็นผลงานชิ้นเอก มันสูญเสียความนิยมในภาพวาดของ Serov เท่านั้น
6. ไอแซก เลแวน เหนือการพักผ่อนชั่วนิรันดร์ พ.ศ. 2437
ไอแซก เลแวน. เหนือการพักผ่อนชั่วนิรันดร์ พ.ศ. 2437 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก เข้าซื้อกิจการโดย P. Tretyakov “Above Eternal Peace” เป็นหนึ่งในภูมิทัศน์รัสเซียและปรัชญาที่สุดของเลวีแทน ระดับสากลของความกว้างใหญ่ของแม่น้ำนั้นตรงกันข้ามกับชีวิตมนุษย์ที่เปราะบาง สัญลักษณ์ของมันคือแสงที่แทบมองไม่เห็นในโบสถ์
เลแวนเองถือว่าภาพนี้สำคัญมากโดยเห็นว่าเป็นภาพสะท้อนของตัวละครและจิตวิญญาณของเขา แต่ในขณะเดียวกัน เธอก็กลัวเขา ดูเหมือนว่าเขาจะมีความหนาวเย็นชั่วนิรันดร์พัดมาจากเธอ ซึ่ง "กลืนกินหลายชั่วอายุคนและจะกลืนกินมากขึ้นไปอีก"
เลวีแทนเป็นคนเศร้าโศกมักมีความคิดและการกระทำที่มืดมน ดังนั้น หนึ่งปีหลังจากเขียนภาพนี้ เขาได้พยายามฆ่าตัวตาย อยู่ในสภาพหดหู่เนื่องจากความผันผวนของชีวิตส่วนตัว ในเวลานั้นผู้หญิงสองคนตกหลุมรักเขาในคราวเดียว: แม่และลูกสาว
โดยทั่วไปแล้ว รูปภาพนี้เป็นตัวเร่งปฏิกิริยาสำหรับทัศนคติของคุณ หากคุณเป็นคนมองโลกในแง่ดี คุณมักจะรู้สึกได้รับแรงบันดาลใจจากการไตร่ตรองเรื่องพื้นที่ หากคุณเป็นคนมองโลกในแง่ร้าย ให้คาดหวังอารมณ์อื่นๆ คุณจะรู้สึกไม่สบายใจกับพื้นที่ที่สิ้นเปลืองอย่างแน่นอน มิคาอิล วรูเบล. ม่วง พ.ศ. 2443 State Tretyakov Gallery, มอสโก ได้รับจากพิพิธภัณฑ์ I. Ostroukhov ในปี 1929
ในภาพวาดของ Vrubel เราจะเห็นสีม่วงที่สวยงามโดดเด่น มันถูกวาดด้วยมีดจานสี* ดังนั้นช่อของช่อดอกจึงดูเหมือนคริสตัลขนาดใหญ่ที่มีสีผิดปกติ ตั้งแต่สีฟ้าอ่อนไปจนถึงสีม่วง โดยทั่วไปแล้ว ดอกไม้เหล่านี้มีอยู่มากมายในภาพที่คุณสามารถดมกลิ่นไลแลคได้
กับพื้นหลังของพุ่มไม้โครงร่างของหญิงสาวปรากฏขึ้น - วิญญาณของม่วง เราเห็นแต่นัยน์ตาสีดำโต ผมหนา และมือที่สง่างาม หญิงสาวซึ่งแตกต่างจากม่วงถูกวาดด้วยแปรง สิ่งนี้เน้นย้ำถึงความไม่เป็นจริง
ภาพสามารถนำเรากลับไปสู่วัยเด็ก ท้ายที่สุดแล้ว เราก็มักจะเห็นโลกอีกใบ ที่นี่คุณกำลังเดินไปตามเส้นทางท่ามกลางพุ่มไม้สีม่วงอ่อนในยามพลบค่ำและมองดูความเขียวขจี และจินตนาการก็ดึงสิ่งที่ไม่รู้จักมาให้เรา นั่นคือดวงตาหรือเงาของใครบางคน
Vrubel ไม่เหมือนกับคนทั่วไปที่รักษาวิสัยทัศน์พิเศษนี้ไว้ตลอดชีวิต ในจินตนาการของเขา เขากระโจนเข้าสู่โลกอื่นแล้วแสดงให้เราเห็น ในรูปของปีศาจ เทวดา หรือวิญญาณของต้นไม้
แต่วันหนึ่งเขาหาทางกลับไม่ได้ ไม่นานหลังจากเขียน Lilac ความผิดปกติทางจิตของ Vrubel ก็เริ่มคืบหน้า เขาค่อย ๆ จางหายไปในการถูกจองจำของโลกอื่นและเสียชีวิตในปี 2453
มีภาพวาดรัสเซียชิ้นเอกมากมายใน Tretyakov Gallery ซึ่งยากสำหรับฉันที่จะเลือกภาพวาดเพียงเจ็ดภาพ แน่นอนว่ามีคนไม่ชอบมัน ท้ายที่สุดฉันไม่ได้รวมผลงานชิ้นเอกที่ได้รับความนิยมมากที่สุดไว้ในบทความ และเธอยังไม่ได้บอกเกี่ยวกับ Vereshchagin และ
ฉันได้รับคำแนะนำจากรสนิยมของตัวเอง โดยเลือกงานเหล่านั้นที่ดึงดูดใจฉันมาก หากคุณไม่เคยสังเกตมาก่อน ฉันหวังว่าคุณจะสามารถค้นพบสิ่งใหม่ๆ ด้วยตัวคุณเอง
* ไม้พายบาง ๆ ที่ศิลปินใช้ทาไพรเมอร์บนผืนผ้าใบ (พื้นฐานสำหรับเลเยอร์สีของรูปภาพ) บางครั้งเครื่องมือนี้ยังใช้สำหรับทาด้วยสี
สำหรับผู้ที่ไม่อยากพลาดสิ่งที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับศิลปินและภาพวาด ฝากอีเมลของคุณไว้ (ในแบบฟอร์มด้านล่างข้อความ) แล้วคุณจะเป็นคนแรกที่รู้เกี่ยวกับบทความใหม่ในบล็อกของฉัน
ป.ล. ทดสอบตัวเอง: ทำแบบทดสอบออนไลน์
