Liszt wszedł do historii muzyki symfonicznej jako twórca nowego gatunku - jednoczęściowego poematu symfonicznego. Jej nazwa budzi natychmiastowe skojarzenia z atmosferą poezji i wyraźnie odzwierciedla związek muzyki z literaturą leżący u podstaw estetyki Liszta (jak wiadomo Liszt był jednym z najzagorzalszych zwolenników twórczości programowej i syntezy różnych sztuk).
Poemat symfoniczny zawiera określoną treść programową, czasem bardzo złożoną.
12 z 13 poematów symfonicznych Liszta pochodzi z czasów rozkwitu jego twórczości, kiedy kompozytor był dyrektorem i dyrygentem weimarskiego teatru dworskiego.
Wachlarz obrazów zawartych w poematach symfonicznych Liszta jest bardzo szeroki. Prezentuje światową literaturę wszystkich epok, od starożytnych mitów po dzieła współczesnych romantyków. Ale wśród tej pstrokatej różnorodności wątków wyraźnie wyróżnia się bardzo specyficzny problem filozoficzny dla List:
problem sensu życia ludzkiego.
Najbardziej znanymi wierszami Liszta były dwa – „Tasso” (gdzie kompozytor zwrócił się ku osobowości wybitnego włoskiego poety renesansowego Torquato Tasso) i „Preludia”.
„Preludia” to trzeci poemat symfoniczny Liszta. Jej nazwę i program kompozytor zapożyczył z wiersza o tym samym tytule francuskiego poety Lamartine'a. Liszt odszedł jednak znacznie od głównej idei wiersza, poświęconego refleksji nad kruchością ludzkiej egzystencji. Tworzył muzykę pełną heroicznego, afirmującego życie patosu.
Początek wiersza jest bardzo charakterystyczny dla Liszta, który zazwyczaj odmawia uroczystych wstępów i wiele utworów rozpoczyna po cichu, jakby potajemnie. W Preludiach nagłe, ciche dźwięki pierwszych taktów sprawiają wrażenie tajemniczości, zagadki. Pojawia się wówczas typowo romantyczny motyw pytania, wyrażający „kluczową” inicjalną frazę programu: „Czyż nasze życie nie jest serią preludiów do nieznanego hymnu, którego pierwszą uroczystą nutę zabierze śmierć?”), czyli , pytanie o sens życia. Motyw ten pełni rolę rdzenia tematycznego dla całej późniejszej muzyki kompozycji.
Wyrastający z motywu pytania, ale nabierający pewności autoafirmacji, bohaterski temat główny brzmi potężnie i uroczyście.
Tematem pobocznym, zgodnie z projektem programu, jest temat miłości. Jego związek z głównym motywem jest bardziej pośredni. W przypadku motywu głównego, poboczny okazuje się być w barwnym, „romantycznym” stosunku. Szczególnego ciepła i szczerości dodaje boczny dźwięk rogów, zdwojony przez altówki.
Miłosną sielankę bocznej części rozwoju zastępują życiowe burze, sceny batalistyczne i wreszcie wielki epizod o charakterze pasterskim: „bohater” szuka wytchnienia od niepokojów życia na łonie natury. Wszystko to budzi skojarzenia z gwałtownymi podmuchami wiatru. Epizod burzy wyróżnia się żywym obrazowym przedstawieniem.
Kolejny odcinek – duszpasterski – przypomina część wolną. Jego temat, grany na przemian przez różne instrumenty dęte, jest zupełnie nowy. Jednak nawet tutaj, w przejrzystym brzmieniu pasterskich melodii, rozbłyskuje „intonacja pytania”, jakby nawet na łonie natury bohater nie mógł się wyzbyć wątpliwości.
Dalsze rozwinięcie tematu wtórnego ma na celu jego gloryfikację: staje się on coraz bardziej aktywny, energiczny i w dynamicznej repryzie przeradza się w zwycięski marsz w rytmie punktowanym. Ta marszowa wersja tematu pobocznego jest ponownie poprzedzona tematem łączącym, który również traci swój senny charakter i zamienia się w radosny apel. Gloryfikacja lirycznych obrazów logicznie prowadzi do szczytu całego dzieła – potężnej realizacji głównego tematu, który staje się heroiczną apoteozą wiersza.
Poemat symfoniczny „Preludia”
musicike.ru/index.php?id=78
Wśród 12 wierszy „Tasso” znajduje się pod numerem 2, którego jednak nie określa ani czas zakończenia, ani kolejność publikacji utworu. Bohaterem wiersza jest wielki włoski poeta renesansu Torquato Tasso, którego poemat „Jeruzalem Dostarczone” na przestrzeni wieków inspirował wielu kompozytorów. Los Tasso jest bardzo niejasny. Genialny na dworze księcia Ferrary Alfons II d „Este, w wieku 35 lat poeta trafił do Szpitala św. Anny - przytułku dla obłąkanych i jednocześnie więzienia, trafiając tam albo z powodu choroby który go uderzył, lub z powodu intryg dworskich.Legenda nazwała powodem uwięzienia miłością - bezczelną, niszczącą wszelkie bariery klasowe poetę miłość do siostry księcia Alfonsa Eleonory d "Este. Siedem lat później, wyszedłszy z więzienia dzięki wstawiennictwu papieża, Tasso – już zupełnie załamany człowiek – został ogłoszony największym poetą Włoch i odznaczony wieńcem laurowym, wcześniej przyznawanym tylko raz wielkiej Petrarki.
Poemat symfoniczny „Tasso”
Śmierć nadeszła jednak wcześniej i na uroczystej ceremonii w rzymskim Kapitolu tylko trumna poety została zwieńczona laurami. jeśli klątwa często ciąży na ich życiu, to błogosławieństwo nigdy nie opuszcza ich grobów” – pisał Liszt w programie tego dramatycznego poematu, ukazującego wszystkie zakręty życia poety – od więzienia i wspomnień o miłości po zasłużoną sławę.
Poematy symfoniczne Liszta to jedna z najjaśniejszych stron europejskiej muzyki romantycznej, obszar niestrudzonych poszukiwań twórczych, niesamowitych aktualizacji w dziedzinie tematyki, formy, orkiestracji i interakcji z różnymi narodowościami. W wierszach wyraźnie przejawiało się charakterystyczne dla kompozytora pragnienie syntezy z innymi sztukami, tworzenia utworów programowych. Obrazy starożytnych mitów („Prometeusz” i „Orfeusz”), obrazy arcydzieł literatury światowej („Tasso” według Goethego, „Mazeppa” i „Co słychać na górze” według Hugo, „Hamlet” według Szekspira , „Ideały” wg Schillera, „Preludia” wg Lamartine'a), wizerunki sztuk pięknych („Bitwa Hunów” wg Kaulbacha, „Od kołyski do grobu” wg Zichy'ego) i wreszcie wizerunki ojczyzna („Węgry”, „Lament nad bohaterami”), wszystko to znalazło wyraz w symfonicznych opusach Liszta. Przy całej różnorodności wątków i postaci, głównymi tematami, które ucieleśnia tu kompozytor, wielkością człowieka i jego czynów, namiętnym pragnieniem wolności i szczęścia, nieodzownym triumfem dobroci i sprawiedliwości, uzdrawiającym działaniem sztuki, przyczyniającym się do poprawa ludzkości, wyróżniają się z ulgą.
Zadziwia pięknem brzmienia poemat symfoniczny nr 1 „Co słychać na górze”, pierwotnie nazywany „Mountain Symphony”. Liszt zainspirował się tu wierszem Victora Hugo o tym samym tytule. Program wiersza oparty jest na romantycznej idei przeciwstawienia majestatycznej natury ludzkim smutkom i cierpieniom. Co słychać w górach na wybrzeżu Bretanii? Szum wiatru z mroźnych wzgórz, ryk fal oceanu uderzających o skały, melodie pasterza z zielonych łąk u podnóża skał… i krzyk cierpiącej ludzkości. I to wszystko słychać w muzyce.
Bohater poemat symfoniczny nr 2 „Tasso”- wielki włoski poeta renesansu Torquato Tasso (1544-1595), którego poemat „Wyzwolona Jerozolima” inspirował na przestrzeni wieków wielu, w tym Goethego. W wieku 35 lat poeta trafił do zakładu dla obłąkanych i jednocześnie do więzienia, trafiając tam z powodu intryg sądowych. Legenda nazywała miłość przyczyną uwięzienia – bezczelną, niszczącą wszelkie bariery klasowe poetę miłość do siostry księcia Alfonsa Eleanor d „Este. Siedem lat później, po opuszczeniu lochu dzięki wstawiennictwu papieża, Tasso – już całkowicie złamany - został ogłoszony największym poetą Włoch i nagrodzony wieńcem laurowym, wcześniej przyznawanym tylko raz wielkiemu Petrarce.Śmierć jednak nadeszła wcześniej, a podczas uroczystej ceremonii w rzymskim Kapitolu koronowano jedynie trumnę poety. laury często grawitują nad ich życiem, błogosławieństwo nigdy nie opuszcza ich grobów” – napisał Liszt w programie tego dramatycznego poematu, ukazującego wszystkie zakręty życia poety – od więzienia i wspomnień o miłości po zasłużoną sławę.
Poemat symfoniczny nr 3 - „Preludia”. Jej nazwę i program kompozytor zapożyczył z wiersza o tym samym tytule francuskiego poety Lamartine'a. Liszt odszedł jednak znacznie od głównej idei wiersza, poświęconego refleksji nad kruchością ludzkiej egzystencji. Tworzył muzykę pełną heroicznego, afirmującego życie patosu. Obrazy życia ucieleśnia Liszt w serii jasnych, barwnych epizodów wypełnionych szczegółami gatunkowymi i obrazowymi (marsz, pasterstwo, burza, bitwa, sygnały trąbkowe, melodie pasterskie). Porównywane są zgodnie z zasadą kontrastu, a jednocześnie są ze sobą ściśle spokrewnione: w całym wierszu Liszt po mistrzowsku przekształca temat przewodni, stosując charakterystyczną dla siebie zasadę monotematyzmu.
W poemat symfoniczny nr 4 „Orfeusz”, pomyślana jako uwertura do opery Glucka o tym samym tytule, mityczna legenda o słodkim głosie śpiewaka została wcielona w uogólniony plan filozoficzny. Orfeusz dla Liszta staje się zbiorowym symbolem sztuki. To jedno z najbardziej lapidarnych, pojemnych dzieł Liszta. Wiersz jest wielowątkowy, ale wszystkie wątki są ze sobą połączone intonowo, przeplatają się ze sobą. Długotrwały dźwięk „G” rogów zostaje zastąpiony przez szarpanie harf – to oczywiście obraz kifarowanego Orfeusza, który wsłuchuje się w otaczający go świat. Magiczny dźwięk tych dźwięków na waltorniach wprowadza w wysublimowany nastrój, wprowadza w poetycką atmosferę. Główna część wiatru i strun magazynu diatonicznego grawituje w kierunku epickiej szerokości, choć jej nie osiąga. To obraz wszechświata, który artysta stara się poznać, zobiektywizowana, bezosobowa rzeczywistość. Zastępujący go nierozciągnięty, łączący motyw symbolizuje poszukiwania artysty. Z opadającą, opadającą figurą melodyczną Liszt przedstawia obraz muzyki-Eurydyki, której szuka Orfeusz. Starając się nadać temu tematowi szczególnego ciepła i wyrazistości barwy, Liszt powierza temat skrzypcom solo, a następnie wiolonczeli solo. Programowa intencja kompozytora jest tu przejrzysta i jasna: ideał jest nieosiągalny, Eurydyka to tylko miraż, którego nie da się utrzymać. Sztuka jest skazana na wieczne poszukiwania bez osiągnięć.
Poemat symfoniczny nr 5 „Prometeusz” dedykowana jest legendarnemu cierpiącemu i humaniście, który przez wieki rozbudzał wyobraźnię twórczej elity ludzkości. Wiersz powstał jako uwertura do dramatu słynnego niemieckiego poety Gottfrieda Herdera. „Cierpienie (nieszczęście) i chwała (błogość)! W ten sposób można w skondensowanej formie wyrazić główną ideę tej aż nazbyt prawdziwej historii, a w tej formie staje się ona jak burza, jak błyskająca błyskawica. Żal zwyciężony uporem niezwyciężonej energii - to jest w tym przypadku istota treści muzycznej.
Poemat symfoniczny nr 6 „Mazepa”, poświęcony jest postaci historycznej w losie, która w żywy sposób ujawniła ukochaną przez romantyków antytezę cierpienia i triumfu. Wiersz Hugo zostaje opublikowany w całości jako program w partyturze. Inspiracją dla Liszta była przede wszystkim główna, pierwsza część poematu, pełna barwnych obrazów, straszliwych detali, poczucie grozy śmierci - w porównaniu z triumfem niezłomnego bohatera, witanego przez cały lud: „On pędzi, leci, upada i wstaje jako król!”
Koncepcja oprogramowania Poemat symfoniczny nr 7 „Świąteczne dźwięki” nie związane z wydarzeniami historycznymi lub wątkami literackimi. Wiadomo, że kompozytor śpiewał tu swój związek (czyli ślub) z księżniczką Karoliną Wittgenstein i nie mógł obejść się bez portretowych cech siebie i swojej dziewczyny.
Poemat symfoniczny nr 8 „Lament dla bohaterów” stworzona na podstawie „Symfonii Rewolucyjnej” (1830), poświęconej Rewolucji Francuskiej, której nie ukończył młody Liszt. Gorzkie skargi i gloryfikowanie walki rewolucyjnej, światowy smutek i społeczny protest brzmią w tym dramatycznym wierszu o niezwykłej formie, w którym straszliwy werbel i sceny egzekucji w środku zastępuje jeden z najlepszych lirycznych tematów w twórczości kompozytora. Istnieje ogólny artystyczny związek tego utworu z jednym z najpopularniejszych utworów fortepianowych Liszta – „Konduktem żałobnym”, stworzonym jako muzyczny pomnik tragicznie zmarłych bohaterów rewolucji, która miała miejsce na jego rodzinnych Węgrzech. Pojawienie się tego dzieła nosi piętno tragicznego rozczarowania romantycznego artysty, a związane jest przede wszystkim z klęską rewolucji, która przetoczyła się przez kraje Europy Środkowej w latach 1848-49.
Poemat symfoniczny nr 9 „Węgry” często nazywana orkiestrową „Rapsodią Węgierską”. Powstała w odpowiedzi na poświęcony Lisztowi wiersz węgierskiego poety Vereshmarty'ego. Tym wierszem Vörösmarty powitał półtorej dekady temu, w styczniu 1840 roku, przybycie do swojej ojczyzny młodego, niespełna 30-letniego, ale już światowej sławy pianisty. Trasy Liszta nabrały wówczas charakteru święta narodowego. Otrzymał tytuł honorowego obywatela miasta Peszt; po koncercie w Teatrze Narodowym, gdzie Liszt występował w węgierskim stroju narodowym, został wręczony w imieniu narodu „szablą honorową”. Wrażenia te znalazły odzwierciedlenie w powstałych w tym samym czasie kompozycjach kompozytora na tematy narodowe – „Heroiczny marsz po węgiersku” oraz „Węgierskie narodowe melodie i rapsodie”. Po latach Liszt zapożyczył stamtąd trzy tematy do poematu symfonicznego „Węgry”: dwa heroiczne, marszowe i jeden w duchu podpalającego tańca ludowego Czardas.
Poemat symfoniczny nr 10 „Hamlet”- najnowszy wiersz okresu weimarskiego, umieszczony jednak w momencie publikacji pod numerem dziesiątym. Podobnie jak wiele innych poematów symfonicznych Liszta, powstał z uwertury mającej na celu inscenizację szekspirowskiej tragedii. W muzyce ujęci są wszyscy bohaterowie tragedii Szekspira – zarówno Hamlet, jak i Ofelia itd.
Prototyp oprogramowania bitwy poemat symfoniczny nr 11 – „Bitwa Hunów” dość nietypowe. Jest obrazowy. Namalowany w latach 1834-1835 przez modnego malarza historycznego Wilhelma von Kaulbach fresk o tej samej nazwie zdobił frontowe schody nowego Muzeum Berlińskiego. Obraz przedstawia krwawą bitwę, która szalała przez cały dzień i pozostawiła tylko kilku rannych na ziemi. Trwa w niebie, gdzie w centrum jednej grupy znajduje się potężny Hun w hełmie z uniesionym mieczem, a drugą grupę osłania latający anioł z krzyżem. Liszta fascynował głęboko humanistyczny sens twórczości artysty: triumf chrześcijańskiej miłości i miłosierdzia nad pogańską dzikością i krwiożerczością.
http://s017.radikal.ru/i441/1110/09/f47e38600605.jpg
Poemat symfoniczny nr 12 „Ideały” zainspirowany wierszem Schillera o tym samym tytule: "Ideał - nie ma nic bardziej pożądanego i nieosiągalnego. Tylko On do niego trafi, który tworzy powoli i nigdy nie niszczy"...
Latem 1881 roku kompozytor, przytłoczony myślami o zbliżającej się śmierci, pisze swoje ostatnie… poemat symfoniczny nr 13 „Od kołyski do grobu”, inspirowany rysunkami pióra „Od kołyski do trumny”, podarowanymi mu przez słynnego węgierskiego artystę Mihaly Zichy. http://s017.radikal.ru/i403/1110/71/363fe132803b.jpg Na prośbę księżnej Wittgenstein słowo „trumna” zastąpiono słowem „grób”, a ostatecznie wiersz został nazwany „Od kołyski do grób." Muzyka ostatniego wiersza Liszta jest smutna i pogodna...
Dwa odcinki z „Fausta” Lenaua – „Nocna procesja” i „Taniec w wiejskiej tawernie (Mefisto Waltz)” . Wizerunki Fausta i Mefistofelesa martwiły Liszta przez całe życie twórcze. Lenau jest zdominowany przez Mefistofelesa, ducha zaprzeczenia i zniszczenia, obdarzonego nieugiętą wolą i niepohamowaną mocą namiętności. Triumf zła jest niewątpliwy: taki Mefistofeles z łatwością ujarzmia Fausta - człowieka zdezorientowanego, teraz ogarniętego rozkoszą, to pogrążonego w otchłani rozpaczy, nie mogącego zapanować ani nad swoimi uczuciami, ani okolicznościami życiowymi. Pierwsza część The Night Procession zbudowana jest na ostrym kontraście. Jego pierwszy temat, żałobny i ponury, jest opisem stanu umysłu Fausta. Bohaterowi przeciwstawia się pogodna wiosenna natura: w przejrzystym dźwięku smyczków, dętych drewnianych, rogów słychać trele słowika, szelest drzew, szmer strumieni. Odległe dzwonienie dzwonu zwiastuje centralny epizod - właściwą procesję. Liszt oparł ją na temacie katolickiego śpiewu „Pange lingua gloriosi” („Śpiewaj, język”), którego tekst przypisywany jest Tomaszowi z Akwinu. Wchodzi więcej instrumentów, procesja zbliża się, a potem rozpływa się w oddali. Znowu panuje cisza. I jak eksplozja rozpaczy, inicjalny temat brzmi: „gwałtownie łkając”, jak zauważa autorka, opadają motywy skrzypiec, fletów i obojów. Opadają w tępe basy grupy smyczkowej, obramowując w ten sposób całość obrazem duszy bohatera, który dla Liszta jest ważniejszy od malowniczych szkiców. Walc mefisto stanowi ostry kontrast z pierwszym odcinkiem. To prawdziwy poemat walca – szybki, ekscytujący, całkowicie pozbawiony wolnych temp. Umiejętnie porównuje się dwa obrazy: prawdziwy codzienny taniec z komicznymi efektami i fantastyczny taniec. Pierwsza uosabia grę wiejskich muzykantów, a pełna orkiestra symfoniczna naśladuje brzmienie chłopskiego zespołu. Muzycy długo się przygotowują, nastawiają, nabierają odwagi. Wreszcie altówki i wiolonczele, zgodnie z uwagą autora, pewnie wykonują wiejski, niegrzeczny, ostro zaakcentowany temat. Zabawa rośnie, wszyscy nowi tancerze wirują w gwałtownym tańcu. Potem, zmęczeni, przestają. Wiolonczele w niezwykle wysokim rejestrze rozpoczynają nowy temat (notatka autora „czule, zakochany”) – ospały, zmysłowy, chromatyczny, nie mieszczący się w wyraźnym tanecznym schemacie. Był to Mefistofeles; jego temat dopełnia zanikający dźwięk skrzypiec solo. Rozpoczyna się jeszcze bardziej żywiołowy, fantastyczny odcinek. A kiedy wraca wiejski taniec, diabelska melodia nie pozwala mu się odwrócić, wypacza jego motywy – podporządkowują się woli Mefistofelesa, stają się równie złamane, schromatyzowane. Teraz rządzi sam diabeł. Taniec zamienia się w szaloną bachanalię, trzyczęściowy metrum zostaje zastąpiony dwuczęściowym, „ruch walca zamienia się w rodzaj dzikiej ciecierzycy, pełnej ognia i nieokiełznanej namiętności”. W punkcie kulminacyjnym taniec urywa się, a fantastyczny epizod powtarza się jeszcze raz; mocno zredukowana, kończy się spokojnymi głosami natury (kadenza solo fletu, glissando harfy). Ale ostatnie słowo pozostaje przy Mefistofelesie: szaleńczy taniec znów eksploduje, groźnie triumfując, diabelski motyw powtarza się w basach orkiestry. Nagle wszystko opada, znika w oddali; pozostał tylko cichnący szelest kotłów i pizzicato wiolonczel i kontrabasów. Po glissando harfy Liszt wpisał ostatnią linijkę z Lenau: „I połyka je szalejące morze namiętności”.
Dyrygent Arpad Joo (węg. Árpád Joó) urodził się w Budapeszcie 8 czerwca 1948 r., pochodzi ze starożytnej węgierskiej rodziny, cudownego dziecka. Już w dzieciństwie został zauważony przez Zoltana Kodaia i znalazł się pod jego patronatem, studiował na Akademii Muzycznej w Budapeszcie. Franciszka Liszta w Pala Kadosi i Josefa Gata. W 1962 wygrał Konkurs Pianistyczny im. Liszta i Bartóka w Budapeszcie. Następnie studiował dyrygenturę w Juilliard School i Indiana University, studiował u Igora Markevicha w Monte Carlo. W latach 1973-1977. Główny dyrygent Orkiestry Symfonicznej w Knoxville w latach 1977-1984 - Orkiestra Filharmonii Calgary, 1988-1990. - Orkiestra Symfoniczna Hiszpańskiego Radia i Telewizji. Występował z Londyńską Orkiestrą Symfoniczną. Pracował jako dyrygent gościnny z European Community Orchestra. Nagranie przez dyrygenta pełnego cyklu utworów Kodály'ego i Bartóka stało się wydarzeniem nie tylko na Węgrzech. W 1985 roku, w setną rocznicę śmierci Liszta, nagrał z Budapeszteńską Orkiestrą Symfoniczną komplet swoich poematów symfonicznych, za co otrzymał upragnioną „Grand Prix du Disque” w Paryżu, bezpośrednio z rąk francuskiego ministra kultury Léotarda. Dlaczego Francuzi tak bardzo polubili Liszta w wykonaniu Budapesters i Arpada Joo? Zapewne miękkość i plastyczność interpretacji. Nie ma tu zwykłych oszałamiających „efektów specjalnych” i sztucznego patosu zewnętrznego, ale są melodie płynące z głębi serca.
Słuchać:http://www.youtube.com/watch?v=yfhf7_mUccY
Ferenc Liszt - Poematy symfoniczne kompletne
Budapesztańska Orkiestra Symfoniczna / Arpad Joo
Nagrano Budapeszt 1984/5 DDD
1987 "Grand Prix Du Disque", Paryż, Francja
Franciszek Liszt (1811-1886)
CD1
Poemat symfoniczny #1. Co słychać na górze („Symfonia górska”) (według Hugo, 1847-1857) (30:34)
Poemat symfoniczny nr 2. Tasso. Skarga i triumf (przez Goethego, 1849-1856) (21:31)
Poemat symfoniczny nr 3. Preludia (po Lamartine, 1850-1856) (15:52)
CD2
Poemat symfoniczny nr 4. Orfeusz (jako wstęp i zakończenie Orfeusza Glucka, 1856)(11:36)
Poemat symfoniczny nr 5. Prometeusz (według Herdera, 1850-1855) (13:29)
Poemat symfoniczny nr 6. Mazeppa (przez Hugo, 1851-1856) (15:54)
Poemat symfoniczny nr 7. Świąteczne dźwięki (Caroline Wittgenstein, 1853-1861) (19:47)
CD3
Poemat symfoniczny nr 8. Lament dla bohaterów (na podstawie I części „Symfonii Rewolucyjnej”, 1830-1857) (24:12)
Poemat symfoniczny nr 9. Węgry (odpowiedź na patriotyczny wiersz Vörösmarty'ego, 1839-1857) (22:22)
Poemat symfoniczny nr 10. Hamlet (według Szekspira, 1858-1861)(14:35)
CD4
Poemat symfoniczny nr 11. Bitwa Hunów (według fresku Kaulbacha, 1857-1861) (13:58)
Poemat symfoniczny nr 12. Ideały (według Schillera, 1857-1858)(26:55)
Poemat symfoniczny nr 13. Od kołyski do grobu (wg rysunku M. Zichy, 1881-1883)
I. Kołyska (6:31) / II. Walka o byt (3:14) / III. Grób (7:38)
CD5
Dwa odcinki „Fausta” Lenaua (1857-1866)
I. Procesja nocna (15:15)
II. Taniec w wiejskiej tawernie (Mephisto Waltz nr 1) (11:54)
Walc Mefisto nr 2 (1880-1881) (11:41)
Apel i Hymn Węgier (1873) (10:13)
Ewa Kwiatkowska () zaktualizowany link audio:
Czy potrekovo
http://files.mail.ru/973FB84356324B3886DFA2E0A4CF6F9B
G. Krauklis `F. Liszt poematy symfoniczne`
Moskwa, 1974, 144 s.
Książka jest popularnonaukowym esejem na temat poematów symfonicznych Liszta.
ZAWARTOŚĆ
Symfonizm programowy F. Liszta i jego poematy symfoniczne 5
„Co słychać na górze” („Ce qu'on entend sur la montagne”) 30
„Tasso. Skarga i triumf” („Tasso. Lamento e trionfo”) 43
„Preludia” („Preludia”) 53
Orfeusz 62
Prometeusz 71
„Mazeppa” („Mazeppa”) 77
„Świąteczne dźwięki” („Fest-Klänge”) 85
„Lament for Heroes” („Héroїde funèbre”) 93
„Węgry” 99
„Hamlet” 107
„Bitwa Hunów” („Hunnenschlacht”) 114
„Ideały” („Die Ideale”) 122
Notatki 135
Aplikacje 140
Referencje 141
Liszt jest innowatorem i twórcą gatunku poematu symfonicznego.
Poemat symfoniczny to programowa kompozycja orkiestrowa, gatunek rozpowszechniony w dobie romantyzmu, zawierający cechy symfonii programowej i uwertury koncertowej. Gatunek ten został w pełni rozwinięty w twórczości F. Liszta, który wprowadził tę nazwę. Po raz pierwszy dał go w 1854 Uwertura Tasso. Potem zaczął nazywać wszystkie swoje jednoczęściowe kompozycje symfoniczne poematy symfoniczne. Już sama nazwa wskazuje na związek muzyki z poezją. Innym ważnym rodzajem muzyki programowej jest symfonia programowa.
Liszt napisał 13 poematów symfonicznych, z których najsłynniejsze to Preludia (1848), Tasso, Orfeusz (1854), Bitwa Hunów (1857), Ideały (1867), Hamlet (1858). Jego wiersze łączą różne struktury i cechy różnych gatunków instrumentalnych.
Monotematyzm (z mono... i tematu), zasada konstruowania utworu muzycznego, związana z unifikacją jednego tematu cyklu sonatowo-symfonicznego lub form jednoczęściowych z niego wywodzących się. Wczesnym przykładem monotematyzmu jest V symfonia Beethovena, której temat inicjalny, w przetworzonej formie, przechodzi przez wszystkie części. Monotematyzm osiągnął najwyższy rozwój w epoce muzycznego romantyzmu, w programowych utworach muzycznych G. Berlioza i F. Liszta. W poematach symfonicznych F. Liszta stosuje się nowy typ formy, łączący cechy allegra sonatowego i cyklu sonatowo-symfonicznego; Integralność prac zapewnia wykorzystanie jednego tematu, który ulega figuratywnym przekształceniom i przybiera inny wygląd, odpowiadający różnym etapom rozwoju fabuły.
F. Liszt "Preludia" - poemat symfoniczny C-dur (1854)
Wiersz pomyślany został jako uwertura do czterech chórów męskich na podstawie wierszy Otrana „Cztery Żywioły” („Ziemia”, „Wiatry”, „Fale”, „Gwiazdy”). Pierwsza wersja została ukończona w 1848 roku. W 1854 r. została zrewidowana jako samodzielna praca z epigrafem z Lamartine. Wiersz Liszta jest znacznie jaśniejszy i bardziej figuratywny niż jego program. Preludia to jedno z najlepszych dzieł symfonicznych Liszta. Kompozytor wszedł do historii muzyki jako twórca nowego gatunku romantycznego – „poematu symfonicznego”, swobodnej jednoczęściowej kompozycji symfonicznej.
Liszt uważany jest za najważniejszą postać w historii muzyki. Jako kompozytor i transkrybent stworzył ponad 1300 utworów. Liszt w swojej działalności kompozytorskiej oddał palmę pierwszeństwa fortepianowi solo. Być może najpopularniejszym utworem Liszta są Sny o miłości, a wśród imponującej listy innych jego kompozycji na fortepian można wyróżnić 19 Rapsodii Węgierskich, cykl 12 Etiud transcendentalnych oraz trzy cykle małych utworów zatytułowane Lata wędrówek. Liszt jest także właścicielem ponad 60 pieśni i romansów na głos i fortepian oraz kilku utworów organowych, w tym fantazji i fugi na temat BACH.
Większość spuścizny fortepianowej kompozytora to transkrypcje i parafrazy utworów innych autorów. Transkrypcje Liszta obejmują fortepianowe transkrypcje symfonii Beethovena oraz fragmenty utworów Bacha, Belliniego, Berlioza, Wagnera, Verdiego, Glinki, Gounoda, Meyerbeera, Mendelssohna, Mozarta, Paganiniego, Rossiniego, Saint-Saensa, Chopina, Schuberta, Schumanna i innych.
Liszt stał się twórcą gatunku jednoczęściowej półprogramowej formy symfonicznej, którą nazwał poematem symfonicznym. Gatunek ten miał wyrażać niemuzyczne idee lub odtwarzać dzieła literatury i sztuk wizualnych za pomocą środków muzycznych. Jedność kompozycji osiągnięto przez wprowadzenie motywów przewodnich lub motywów przewodnich, przechodzących przez cały wiersz. Wśród utworów orkiestrowych Liszta (lub utworów z udziałem orkiestry) najciekawsze są poematy symfoniczne, zwłaszcza Preludia (1854), Orfeusz (1854) i Ideały (1857).
Do różnych kompozycji z udziałem solistów, chóru i orkiestry Liszt skomponował kilka mszy, psalmów i oratorium Legenda św. Elżbiety (1861). Ponadto można wymienić Symfonię Fausta z finałem chóralnym (1857) oraz Symfonię do Boskiej Komedii Dantego z chórem żeńskim na końcu (1867) – oba utwory czerpią mocno z zasad poematu symfonicznego. Do chwili obecnej wykonywane są koncerty fortepianowe Liszta - A-dur (1839, wydania 1849, 1853, 1857, 1861) Es-dur (1849, wydania 1853, 1856). Jedyna opera Liszta, jednoaktowa Don Sancho, została napisana przez 14-letniego kompozytora i wystawiona w tym samym czasie (wytrzymała pięć przedstawień). Partytura opery, długo uważana za zagubioną, została odkryta w 1903 roku.
Zastosowane przez Liszta chromatyzmy nie tylko wzbogaciły romantyczny styl ubiegłego wieku, ale, co ważniejsze, przewidziały kryzys tradycyjnej tonacji w XX wieku. Liszt był zwolennikiem idei syntezy wszystkich sztuk jako najwyższej formy artystycznego wyrazu.
W latach 30.-40. XIX wieku w kulturze romantyzmu pojawiły się nowe gatunki muzyczne: * jednoczęściowy poemat symfoniczny, * transkrypcje, parafrazy, rapsodie na fortepian. Twórcą tych gatunków jest kompozytor Franciszek Liszt (1811 - 1886)). Założyciel węgierskiej profesjonalnej muzyki klasycznej. Liszt był: kompozytorem, wybitnym pianistą, obok Chopina – najlepszym pianistą w Europie. Liszt, podobnie jak Chopin, poważnie wzbogacił technikę gry na fortepianie. Dla rozwoju techniki fortepianowej stworzył cykl „Etiudy o najwyższej sprawności wykonawczej”. Przez większość życia koncertował solo w różnych krajach Europy. Derijer, propagandysta muzyki symfonicznej różnych stylów i epok. Liszt jest krytykiem muzycznym i muzykologiem, który opublikował serię artykułów o kompozytorach, głównie o romantykach. Nauczyciel w Konserwatorium Weimarskim i Genewskim, przyjmował młodych kompozytorów, popularyzował muzykę „Potężnej garści”. Jednoczęściowy program poemat symfoniczny Liszta. W tym gatunku Liszt skondensował cechy symfonii w jedno. Każdy z wierszy został napisany według określonego dzieła literackiego: „Hamlet”, „Tasso”, „Prometeusz”, „Ideały”, „Orfeusz”, „Co słychać na górze?”, „Preludia”, „Węgry” , Mazepa - główny przekaz ogólnych idei.
„Preludia” – wiersze Lamartina, życie – preludium do śmierci. Forma sonatowa, ekspozycja części głównej przedstawia wizerunek mężczyzny, w części drugorzędnej temat miłości, w rozwoju scena natury, w repryzie marsz na przezwyciężenie wszelkich kłopotów życiowych, + uroczysty lekarz rodzinny i PP, najpierw PP, potem GP - lustrzana repryza.
Innowacja: 1) uwertura - wstęp - 3 nuty, wrażenie jakby strojonego instrumentu iz tego rodzi się temat człowieka i miłości. Narodziny różnych tematów melodii z 1. i tej samej intonacji nazywa się monotematyzm. Gatunki parafrazy i transkrypcji nie są nowe, odnaleziono je w muzyce barokowej w twórczości I.S. Kawaler. Transkrypcja- nowe odczytanie powstałej muzyki, inny autor, fortepianowa wersja koncertów orkiestrowych, z zachowaniem brzmienia oryginału. Arkusz robi to samo. Gatunek powstał w baroku (Bach przeniósł się z koncertu do domu - „Aranżacje”). Parafraza- + własny element. Liszt czerpie swoje ulubione utwory z oper => przenosząc partie opery na fortepian, + wprowadzając elementy przetworzenia (skreślił kwartet i urozmaicił Serenadę Schuberta). Rapsodia - rapsod - ludowy muzyk wędrowny, wykorzystywane są motywy ludowe. Wolna fantazja na ludzi. Biorąc pod uwagę potężny styl orkiestrowy Liszta, jego rapsodie zostały zaaranżowane na orkiestrę symfoniczną.
19. Romantyczne miniatury instrumentalne.
(patrz Schumanna)
20. Romantyczne miniatury wokalne.
(patrz Schubert)
21. Muzyczni bohaterowie balady F. Schuberta „Car Lis”.
Zobacz Schuberta
22. „Preludia” F. Liszta – specyfika gatunku.
poemat symfoniczny
gatunek symfonicznej muzyki programowej. Jednoczęściowe dzieło orkiestrowe, zgodne z romantyczną ideą syntezy sztuk, pozwalające na różnorodne źródła programowe (literatura, malarstwo, rzadziej filozofia czy historia). Twórcą gatunku jest F. Liszt.
Wikipedia
Poemat symfoniczny
Poemat symfoniczny- gatunek muzyki symfonicznej wyrażający romantyczną ideę syntezy sztuk. Poemat symfoniczny to jednoczęściowy utwór orkiestrowy, który dopuszcza różne źródła programowe (literatura i malarstwo, rzadziej filozofia czy historia; obrazy natury). Poemat symfoniczny charakteryzuje się swobodnym rozwojem materiału muzycznego, łączącym różne zasady kształtowania, najczęściej sonatę i monotematyzm z cyklicznością i zmiennością.
Pojawienie się poematu symfonicznego jako gatunku wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem Franciszka Liszta, który w latach 1848-1881 stworzył 12 utworów w tej formie. Niektórzy badacze wskazują jednak na esej Cesara Francka z 1846 r. „Co słychać na górze”, oparty na wierszu Wiktora Hugo i poprzedzający na tej samej podstawie kompozycję Liszta; Wiersz Franka pozostał jednak niedokończony i nieopublikowany, a kompozytor ponownie zwrócił się do tego gatunku znacznie później. Bezpośrednim poprzednikiem Liszta jest Felix Mendelssohn, zwłaszcza jego uwertura Hebrydy (1830-1832).
Po Lisztu w tym gatunku pracowało wielu innych kompozytorów - M. A. Balakirev, H. von Bülow, J. Gershwin, A. K. Glazunov, A. Dvorak, V. S. Kalinnikov, M. Karlovich, S. M. Lyapunov , SS Prokofiev, SV Rachmaninov, AG Rubinshtein, Saint-Saens, J. Sibelius, AN Skriabin, B. Smetana, J. Suk, Z. Fibich, S. Frank, PI Czajkowski, MK Ciurlionis, A. Schoenberg, E. Chausson, DD Szostakowicz, R. Strauss, J. Enescu i inni.
Pod wpływem gatunku poematu symfonicznego powstał również „Poem” na skrzypce i orkiestrę E. Chaussona.
„Wiersz choreograficzny” „Walc” M. Ravela to poemat symfoniczny, sugerujący możliwość ucieleśnienia scenicznego.
Najbardziej radykalne przemyślenie gatunku poematu symfonicznego zaproponował D. Ligeti w Poemacie symfonicznym na 100 metronomów.
Poemat symfoniczny miał także wpływ na rozwój innych gatunków:
